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Compositores Rusos
Glinka Historia de la musica rusa Tijon Khrennikov
Dargomyzhski Rubinstein Khachaturian A. Lyadov
Cui Ippolitov.Ivanov Miaskovsky Andres Petrov
Balakirev Arensky Scriabin Rodion Shedrin
Borodin Glazunov Medtner Afred Shnitke
Mussorgsky Gliere A.Alyabiev Gueorgi Sviridov
Rimsky-Korsakov Stravinsky Andrei Eshpai S.Taneev
Tchaikovsky Prokofiev S. Gubaidulina Micael Tariverdiev
Rachmaninov Shostakovich D. Kabalevsky A. Varlamov
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La Escuela Rusa
Primer periodo
Después de Pedro el Grande, todo el “arte erúdito”, “oficial”, estaba confiado a los extranjeros, italianos,
alemanes y algunas veces franceses. Esta xenofilia no concernía solamente a la música, sino también a las
demás artes y al conjunto de la vida cultural del país, ya que, en la época romántica, Alexander Pushkin, el
máximo poeta ruso, confesará: “La lengua de Europa (es decir el francés) me es más familiar que la
nuestra”.
El arte popular o de inspiración popular no tenía derecho de ciudadanía: es cierto que los señores disponían
de capillas reclutadas entre sus siervos, que ejecutaban admirablemente los canto populares, pero se trataba
de “amores culpables”: gustaban estos coros lo mismo que gustaba la música cíngara, como una diversión
de poca categoría que no había que tomar en serio. Glinka debió de darse cuenta de ello cuando, después
de haber hecho interpretar su primera ópera, Iván Susanín, en 1836, supo que se le reprochaba que “los
cocheros no cantaban otra cosa en la calle......”.
Ciertamente, las guerras de Napoleón habían provocado un despertar del patriotismo, obligando a los rusos
a volverse hacia el patrimonio nacional, y conduciendo a los propios extranjeros a utilizar temas folklóricos
en sus composiciones; pero, según la expresión de un crítico de la época, se apresuraban a “mojar sus
temas en una salsa a la moda italiana”. Ya que todavía no se le había ocurrido a nadie proclamar, como la
hará más tarde Glinka: “Somos autores de arreglos al servicio del pueblo”, y la música rusa, en estas
condiciones, tuvo muchas dificultades para sus títulos de nobleza.
Glinka es considerado generalmente como el padre de la música rusa. En efecto, Glinka, con su Iván
Susanin e incluso con Ruslán y Ludmila, sólo encontró verdaderos partidarios en algunos jóvenes y en la
persona de Dargominski. Este último, por una parte, decidió también seguir el camino nacionalista trazado
por Glinka; por otra, sin haberlo deseado expresamente, se convirtió en el polo de atracción, el confidente y
el guía artístico de un grupo de audaces autodidactas compuesto por Balakirev, Cesar Cui, Borodín,
Musorgsky y Rimski-Korsakov: el célebre grupo de los “cinco”.
Glinka y Dargomijski han dominado el primer período de la escuela rusa, esencialmente colocada bajo el
signo de una fórmula grata a Glinka: “Con los mismos lazos legítimos del matrimonio, quisiera poder unir
el canto popular ruso con la vieja fuga de Occidente”. El segundo período será el del grupo de los “Cinco”
y de Tchaikovsky.
Segundo Período
Los jóvenes rusos de 1860 se encuentran entre diversos fuegos. Por una parte existe el eterno conflicto,
entre los “eslavófilos” y los “occidentalistas”. Unos están ligados al genio ruso, a la cultura autóctona;
desconfían de las importaciones occidentales, que no responden a los aspectos del “alma eslava”, y juzgan
que el patrimonio nacional, en todos los campos, es lo suficientemente rico para bastarse a sí mismo. “Los
occidentales”, apelan al deseo de civilización universal, a las tradiciones de Pedro el Grande y a su
“ventana abierta sobre Europa”, y pretenden considerar a Rusia como un país de Europa occidental. Este
conflicto aparecerá también en la música rusa.
Otra fuente de conflictos es la inquietud moral, social y política que reina en los senos de la joven
generación. La Revolución francesa primero, la revuelta de los decembristas seguidamente ha producido sus
frutos, reina un espíritu liberal cada vez más intenso que terminará, el 19 de febrero de 1861, la abolición
de la servidumbre. Muchos pequeños propietarios se arruinan de la noche a la mañana; se abre un abismo
entre los “absolutistas” y los “ liberales”, que contribuye a incrementar las inquietudes de la juventud;
algunos (como Dostoievski y Musorgski) prevén ya cierto trastornos singularmente profundos.
Finalmente, una “pregunta maldita” atormenta al ruso de 1860, la de la utilidad práctica y social de su
propia existencia; no se trata de vivir para los placeres de la vida, sino de servir, a fin de no encontrarse
entre la categoría de los “hombres en número excesivo”, de los Oblómov. “El hombre es un animal
sociable, y no podría ser otra cosa” declara Musorgski, debe, pues, tratar de vivir en sociedad, de hacer de
la sociedad el sólo objeto constante de todas sus preocupaciones. Salir de su concha y perfeccionarse para
la mayor gloria de la suma humana, tal es el objetivo de una juventud que, antes de haber leído a Tolstói, se
apasiona por Proudhon y por una novela “filantrópica” de Chernisheveski: ¿Qué Hacer?... En resumen,
idealistas y “materialistas populistas” se oponen, y este otro conflicto se reflejará en la literatura, en el arte,
en la música...
Situación Musical
No era brillante, si juzgamos por el testimonio de Antón Rubinstein, músico cortesano y no sospechoso de
parcialidad: “La ópera rusa tenía entonces, y tuvo todavía durante bastante tiempo, muy mala prensa. Yo
escribí mis óperas en italiano y en alemán precisamente porque el teatro ruso era refractario a la ópera y
porque la elite de la sociedad no tenía ninguna cultura musical. Había muchos aficionados cuyos juicios
sobre la música eran totalmente estrechos y falsos. No se pedía a las artes, y particularmente a la música,
más que cosas capaces de adular el gusto por la trivialidad. Las melodías de las obras que estaban de moda,
de Piccini, Rossini, Bellini y Tutti quanti, pasaban por modelos incomparables de gracia, de belleza, de
profundidad. Se era incapaz de comprender otras bellezas que las melodías simples y fáciles de esas obras.
No quería reconocer a la música una misión seria...”
No había conservatorio en Rusia, por falta de “clientela”, a los nobles les repugnaba transformarse en
“historiadores” y en cuanto a los demás, nadie se preocupaba de ellos. Aparte de que, para adquirir un
mínimo de conocimientos teóricos, había que ir a estudiar a Europa, como Glinka. Por la fuerza de las
cosas, los jóvenes rusos a los que atraía la composición tenían que ser autodidactas, y éste fue el caso de
Dargomijski, el primero de los “grandes empíricos” rusos, precursor de tantos otros, empezando por los
miembros del grupo de los “Cinco”.
eran otra cosa que “salvajes”. Al hacerse campeón de esta escuela, Antón Rubinstein fundó toda una red de
conservatorios, empezando por el de Moscú, cuya dirección confió a su hermano Nikolái, gran pianista.
Tchaikoski fue uno de los primeros productos del conservatorio de San Petersburgo, antes de convertirse en
profesor del de Moscú.
Frente a estos “académicos” se erigía el grupo dinámico de los autodidactas, conducidos por Balakirev y
por Vladimir Stásov. Éste había tenido la idea de bautizarlo como “El poderoso grupito”; Los del
Conservatorio trataban desdeñosamente de “vocingleros” a sus miembros.Fresdelval
http://www.fresdelval.co
Tercer Periodo
Precediendo la aparición de Stravinski y Prokófiev, este periodo debe ser considerado como una síntesis.
Los “Cinco” y Tchaicovsky acaban de imponer la existencia de una joven escuela musical rusa. Terminada
la época de las batallas espectaculares, con todo lo que pudo haber comportado de excesivo por parte de los
Balakirev, los Musorgski, los Stásov, “exhaustivos” íntegros e integrales, románticos en la vida más todavía
que en su música. El fanatismo no tiene ya salida, pues, antes de embarcarse en nuevas corrientes las
mismas que serán descubiertas por Stravinski. Prokófiev-, conviene hacer una pausa y consolidar las
posiciones adquiridas. Todo un grupo de jóvenes se esforzará en demostrar que la música rusa puede existir
como “música simplemente”. No se trata ya de los autodidactas apasionados, sino de profesionales serios
formados en el conservatorio de San Petersburgo o de Moscú, sirviendo la amistad de Rimski-Korsakov y
de Tchaivkosky como lazo de unión entre las dos escuelas.
Cada una de ellas conserva su personalidad. Los moscovitas, alumnos de Tchaivskosky y de Serguei
Taneiev, son más “occidentales” en sus gustos, y, lo quieran o no, sufren la influencia del romanticismo
retrasado de sus maestros. Los petersburgeses, formados bajo la dirección de Rimski- Korsakov y de
Liádoy, conservan un fondo nacionalista y folclórico, aman lo fantástico en música. Dos músicos
representan perfectamente y encarnan estas dos escuelas: del lado petersburgués, Alexander Glazunov, que
condujo la empresa de los “Cinco” al culto del clasicismo; frente a él, Alexander Scriabin, que, después de
haber admirado a Chopin, descubre los poemas sinfónicos de tendencias filosófica de Richard Strauss y
quiere sublimar sus partituras hasta el punto de hacerles expresar un mensaje teosófico.
Estos dos, el prudente y el innovador, aparecen como los campeones de una escuela donde bastante
arbitrariamente, como siempre que se produce una clasificación podrían reunirse, por una parte, Liádov,
Grecháninov, Nikolái Cherepnín, Soloviev; y por la otra parte (del lado moscovita), Tanéiev, Arenski,
Rachmáninov, Medtner, Kalínnikov, Liápunov, los Conus, Vasilenko...
Nacionalistas Rusos
En Rusia, la música nacionalista comenzó con Mikhail Glinka, quien es recordado por la opera 'Una Vida
Para el Zar'. Glinka y Alexander Dargomyzhski inspiraron a un grupo de compositores a juntarse y más
tarde ser conocidos como “Los Cinco” para crear música basada en la cultura rusa. La ópera de
Dargomyzhski “El Convidado de Piedra” fue como una Biblia para la nueva escuela.
De los cinco compositores, Cesar Cui y Mili Balakirev, los únicos músicos profesionales del grupo son
poco conocidos hoy. Un tercero, Alexander Borodin, es recordado fugazmente por su poema orquestal “En
las Estepas de Asia Central” y por “Los Bailes Poloneses” de su ópera 'Príncipe Igor'.
El cuarto compositor, quien fue el que más se acercó a crear una verdadera música de origen ruso, fue
Modest Musorgski. Ritmos folclóricos y escalas inusuales de música de la iglesia ortodoxa rusa
caracterizan sus piezas. Sus trabajos incluyen una pieza para orquesta titulada “Noche en Monte Calvo”, y
“Cuadros en una Exhibición”, un conjunto de dos piezas de piano que fueron más tarde arregladas para
orquesta por el compositor impresionista francés Maurice Ravel.
El quinto miembro del grupo, Nikolai Rimski-Korsakov, escribió composiciones dramáticas de fuerza
rítmica y color orquestal vívido. Él es recordado por su ópera “El Gallo De Oro” y su suite orquestal
“Scheherazade”. En su poderosa overtura “Gran Pascua Rusa” el uso temas de la iglesia rusa.
Peter Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban un brillante tono y color. Su sexta
sinfonía (“Patética”) es de todos conocida, y realizó, también la música de tres famosisimos ballets: “El
Cascanueces”, “La Bella Durmiente” y “El Lago de los Cisnes”. La overtura de 1812, la “La marcha
Eslava”, Y “El capricho Italiano” han sido programadas tan a menudo que se consideran “Caballos de
Guerra”
Durante toda su vida Glinka iba componiendo varios romanceros y canciones. Entre las mejores romanzas
del gran maestro figura la celebre elegía: “No me seduzcas” ( letra E.A. Baratinsky). Dejándose llevar por
el genio de A.S. Pushkin el maestro crea tales romanzas como: “Estoy aquí, Inesilla”, “El céfiro de noche”,
“La llama del deseo arde en la sangre”....
Así mismo, Glinka ha creado mas de 70 composiciones vocales, y otras obras musicales, que forman el
caudal de la música rusa:
Operas
Su primera opera “Una Vida para el Zar” fue muy bien recibida en su debut en 1836. Su segunda opera
completa “Ruslan y Lyudmila” con un libreto de Pushkin, tuvo menor aceptación en su debut en San
Petersburgo en 1842. La overturas para estas operas fueron extraordinarias.
Música Orquestal
Viajar fuera de su país inspiró su influencia española de la Jota Aragonesa, un “Capricho Brillante” también
conocida como “La Primera Overtura Española”. La segunda serie se expandió desde “Recuerdos de
Castilla” hasta “Recuerdo de una noche de verano en Madrid” (Memorias de una Noche de Verano en
Madrid) Sobre la base de la obertura “La noche en Madrid” están compuestos cuatro temas verídicos
españoles: la Jota, el Vals moro, dos Seguidillas de la Mancha.“Kamarinskaya” escrita en Varsovia, usa
material temático eslavo.
Operas
Su primera opera “Un Prisionero en el Caucaso”, con un libreto basado en
Pushkin. Particularmente satisfactoria para sus amigos y seguidores fue la
opera “William Ratciff”, basada en una obra de Heine. Otras operas
siguieron, con mucho éxito, seguidas por cuatro operas para niños.
Música Orquestal
En sus cuatro suites orquestales, Cui demuestra sus habilidades en el
manejo de pequeñas y lindas piezas,
en contraste con acusaciones en la época de no tener habilidades en la orquestación. La Suite No. 4 ofrece
arreglos orquestales para piezas de piano escritas originalmente por su patrona Belga, la Condesa de Mercy-
Argenteau. La Suite para violín y orquesta hace una inusual adición al repertorio del violín solista.
Música de Cámara
Su música de cámara incluye varias piezas cortas para violín y piano, o chelo y piano, notablemente dos
conjuntos de Miniaturas para violín y piano, como también cuartetos de tres cuerdas. En su música de
piano, Cui muestra nuevamente sus cualidades como miniaturista, exhibiendo una gran cantidad de piezas
cortas muy atractivas.
Los Cinco, tan renombrados por los críticos rusos y el escritor Vladimir
Stasov, fueron los principales compositores nacionalistas del siglo XIX en
Rusia, siguiendo el ejemplo de Glinka, su precursor. Borodin, como otros
colegas músicos, también tuvo otra profesión aparte de la música, como
profesor de química y destacado científico en el campo de la química
orgánica. Su trabajo fue limitado a la cantidad de atención que pudo
dedicarle a la composición y a la hora de su muerte dejó un número de
composiciones sin terminar, que luego fueron terminadas por su amigo
Rimsky-Korsakov y otros. El compositor era hijo natural del duque
Guedinov y una joven pobre. El futuro artista tomó su apellido (el de
Borodin) de un siervo, que pertenecía al dicho duque. Los años infantiles
del compositor han pasado en la casa materna, en la atmósfera del afecto
y bienestar. El futuro compositor recibe buena educación, aprende a tocar
el piano, flauta, y violín como autodidacta.
El volumen de la herencia musical de Borodin no es muy considerable: tres sinfonías (entre estas la famosa
“En Asia Central”), cerca de 60 romanzas, 2 cuartetos de cuerda, “La pequeña suita para el piano”, así
como la opera “El príncipe Igor”, Borodin fallece inesperadamente el 15 de febrero de 1887 por un ataque
de corazón.
Operas
La opera más famosa de Borodin “Príncipe Igor” fue terminada por Rimsky-Korsakov y Glazunov. Incluye
las famosas danzas corales “Las Danzas Polovtsianas” con las cuales el Príncipe cautivo es entretenido por
Khan Konchak.
Música Orquestal
El mejor ejemplo de la música orquestal de Borodin es “En Las Estepas de Asia Central”, una vívida
evocación de una región exótica. La segunda de sus tres sinfonías, la última sin terminar, lo ocupó
intermitentemente por siete años, y es un trabajo muy atractivo y muy ruso. Las tres forman una importante
adición al repertorio sinfónico nacionalista.
Operas
La más grande de las creaciones de Mussorgsky fue la opera “Boris Godunov”, basada en Pushkin y
Karamazin, con un tema histórico ruso. El completo la primera versión en 1869 y la segunda en los 1870,
pero la versión de Rimsky-Korsakov fue la que fue ejecutada fuera de Rusia. Otras operas de Mussorgsky
incluyen: “Khovanshchina”, completada y orquestada por Rimsky-Korsakov. Una versión más nueva de
Shostakovich restaura la mayor parte del texto original. La opera “Hada Sorochintsy”, después “Gogol”,
terminada por Lyadov y otros, incluyen la recordada orquestación “Noche en Monte Calvo”.
Música Orquestal
La suite de Mussorgsky de 1874 “Cuadros en una Exhibición”, un tributo a la versatilidad del artista
Hartman, ha demostrado ser la más popular de los trabajos de todos los compositores, ya sea en sus
versiones originales para piano y coloridas versiones orquestales, de las cuales la versión de Maurice Ravel
ha sido la más aceptada por la audiencia. Mussorgsky representa en la música una colección variada de
interpretaciones de arte, desde el “Mercado de Limones” y las “Catacumbas” hasta la final “Gran Puerta de
Kiev”, un monumento en la traducción a música de un diseño arquitectónico para un arco triunfal.
Música Vocal
Mussorgsky escribió un número de trabajos y canciones, mucho de las últimas de interés considerable,
incluyendo el grupo “La Enfermería”. “ la Canción de la Mosca”, basada en un trabajo de Goethe, es una
de las favoritas.
Fue respetado como profesor, sus pupilos incluyeron, entre otros al joven Igor Stravinsky. Generalmente es
conocido por sus composiciones orquestales, Rimsky-Korsakov escribió canciones y música coral, música
de cámara y trabajos para piano. Su libro de orquestaciones ha sido muy, y no siempre bien, utilizado.
También trabajó como director.
El periodo de su joven actividad artística culmina con la opera “Pscovityanka”, su estreno tuvo lugar en
1873.. En las composiciones de Rimsky-Korsakov participan preciosos, inteligentes, a veces ingenuos
protagonistas, que no saben que es maldad, provecho, envidia, la frágil Snegurochka, (“Snegurochka”), el
valiente y talentoso Sadko (“Sadko”), la tierna Marfa (“La novia del zar”), el genial Mozart (“Mozart y
Salieri”).Todos ellos personifican las mejores cualidades del corazón y el alma humanas.
La música sinfónica del compositor se distingue por el rico variado de géneros. Aquí figuran: la obertura
sobre temas rusos(1866), la fantasia sobre temas serbios /1867), la primera composicion sobre el tema
oriental “Antar”(1868).
El compositor sigue ateniéndose a las tradiciones creadas por Glinka. Como resultado aparece la brillante
continuación pasmada en: “El capricho español”(1887), que pinta cuadros coloridos de la vida cotidiana
española. “El capricho” esta compuesto de cinco partes: - la Alborada, Variaciones, Alborada, Escena y la
canción gitana Fandango. De base a estas composiciones sirven las autenticas melodías españolas,
orquestadas con gran gusto y fantasía.
La cumbre de la música de orquesta de Rimsky-Korsakov es el cuadro sinfónico “Schehrazade”.(1888).
Operas
De las quince operas de este autor, debemos mencionar “La Soltera Nieves” “La Criada de Pskov” (1868-
72), 'Noche de Mayo' (1880), 'Sadko' (1898), y “El Gallo Dorado” (1909).
Orquestal
Sus piezas más famosas son: 'Overtura en Temas Rusos' (1866), 'Capricho español' (1887), 'Scheherazade'
(1888), y 'Zar Saltan' (1903), que incluye la muy nombrada 'Vuelo del abejorro'.
Otros
Canción de India', de 'Sadko', se convirtió en música bailable popular en Rusia. También escribió música
de cámara, vocal y para piano.
OTROS NACIONALISTAS
Operas
Dos, más que otras, de las operas de Tchaikovsky se han mantenido en el ámbito de repertorio
internacional: “Eugene Onegin”, basada en un trabajo de Pushkin, fue escrita en 1877, el año en que el
compositor trató (desastrosamente) casarse. Volvió a Pushkin en 1890 con su poderosa opera “La dama de
Picas”.
Ballets
Tchaikovsky, un maestro en las formas de miniaturas necesarias para el ballet, triunfó en subir la calidad de
la música dada por un arte que se había desarrollado técnicamente en el siglo XIX en Rusia bajo la
supervisión de un coreógrafo francés llamado Marius Petipa. El primero de los ballets de Tchaikovsky “El
lago de los Cisnes”, fue completado en 1876, seguido en 1889 por “La Bella Durmiente”. Y su último
ballet, basado en la historia de Hoffmann, fue el “El Cascanueces”, por primera vez presentada en San
Petersburgo en Diciembre de1892.
Sinfonías
Tchaikovsky escribió seis sinfonías. La primera, conocida como “Sueños de Invierno”, fue terminada en su
primera versión en 1866 pero luego revisada. La segunda, llamada “Pequeño Ruso” fue compuesta en 1872
pero revisada ocho años después. De la otras sinfonías, la quinta, con su tema motor y su movimiento de
vals en el lugar de un scherzo fue escrita en 1888, mientras que la última sinfonía completada, conocida
como "Patética", fue por primera vez ejecutada bajo la dirección de Tchaikovsky poco antes de su muerte
en 1893.
Conciertos
El primero de Tchaikovsky de los conciertos para tres pianos se ha convertido en el más popular de todos
los conciertos románticos de piano. El segundo, es menos conocido, mientras que el tercero, comenzado en
1893, consiste de un movimiento único en Allegro de concierto. El concierto de Tchaikovsky para Violín,
fue rechazado por los líderes violinistas de Rusia por ser encontrado muy dificultoso. Para chelo solista,
Tchaikovsky escribió las “Variaciones Rococó” y el “Pezzo Caprichoso”. Piezas más cortas para violín y
orquesta incluyen: “Serenata Melancólica” y el “Vals-scherzo”. “Souvenir d'un lieu cher”, escrita como
expresión de gratitud por la hospitalidad de “Madame von Meck”, era originalmente para violín y piano.
Música de Cámara
Esta música en Tchaikovsky incluye tres cuartetos para cuerdas. El lento movimiento de la primera de las
tres probó ser muy popular en su forma original como en un arreglo por el compositor para chelo y
orquesta de cuerdas. “El Andante Fúnebre” del tercer cuarteto existe en un arreglo del compositor para
violín y piano.
Música de Piano
Tchaikovsky proveyó con una gran cantidad de música para piano, particularmente en la forma de piezas
cortas adecuadas para un mercado aficionado lucrativo. Colecciones de piezas publicadas por el compositor
incluyen: “Las Estaciones”, un conjunto de doce piezas, una para cada mes, y un número de piezas de
distintas dificultad.
Música Vocal
Tchaikovsky escribió una cantidad considerable de canciones y duetos.
A fines del siglo XIX Rakhmaninov se hace amigo de Shalyapin, conoce a Chejov y Bunin. Durante el
periodo de tiempo que anticipa el crucial año 1917 el compositor crea sus mejores obras: las operas “El
caballero avaro” y “Francesca da Rimini”, 3 conciertos para piano y orquesta, la cantata “La primavera”, los
preludios, y estudios - cuadros para piano, el poema sinfónico - vocal “Las campanas” y decenas de
romanzas. El compositor rechazo categóricamente la barbarie de la revolución comunista de Octubre, de
aquí procede la decisión fatal de abandonar la Patria. A partir de 1918 Rakhmaninov vive en los EE.UU.,
mientras mantuvo una casita en Suiza. Exiliado forzó e incrementó su concentración en la ejecución, como
uno de los pianistas más distinguidos de la época, actividad que le ayudó a mantener a su familia pero le
dejó menos tiempo para trabajar como compositor. Sin embargo, como dice el mismo compositor, al
despedirse de la Patria pierde cualquier deseo de componer la música. Durante el siguiente cuarto del siglo,
compone solo unas cuantas composiciones: El cuarto concierto para el piano con orquesta, “Tres canciones
rusas” para coro y orquesta, “Rapsodia sobre el tema de Paganini” para piano y orquesta, la Tercera
sinfonía y “Las danzas sinfónicas”.
.Murió en Beverly Hills en marzo 28 de 1943.
Música Orquestal
El segundo concierto para cuatro pianos mantiene una posición inalcanzable entre los trabajos de los
románticos de este tipo, su popularidad cercanamente es rica de “Rapsodia” tema de Paganini, para piano y
orquesta. Mientras que las “Danzas Sinfónicas” de 1940 disfrutan de alguna popularidad, como también el
poema sinfónico “La Roca” y la “Isla de la Muerte”, con su recurrente motivo de la misa latina Réquiem, la
segunda de sus tres numeradas sinfonías es la más familiar.
Operas
Rubinstein escribió diecisiete operas. La fantástica opera “El Demonio” y la opera “Feramors” pueden ser
escuchadas ocasionalmente de extractos de conciertos.
Música Orquestal
Las composiciones orquestales de Rubinstein incluyen seis sinfonías, de las cuales la segunda, "Océano", es
la más conocida. Escribió cinco conciertos para piano y otros trabajos para piano y orquesta, además de
conciertos para violín y para chelo.
Música de Cámara
Prolífico aquí también, Rubinstein escribió un gran número de cuartetos para cuerdas, tres sonatas para
violín y dos sonatas para chelo, en adición a otros trabajos de cámara, no muy escuchados, excepto por
posiblemente la sonata para viola y piano, una útil adición a lo de otra manera exiguo repertorio para la
viola.
Música Orquestal
“Trazos Caucásicos”, escrito en 1894, seguida de la “Rapsodia Armenia”
e “Iveriya”, son evidencia del interés de Ippolitov-Ivanov en la música de
los distintos grupos étnicos que conformaban el imperio ruso, en los
cuales ejemplos posteriores se encuentran en “Las Estepas de
Turkmenistán” y “Cuadros Musicales de Uzbekistán”.
Música Orquestal
Arensky escribió dos sinfonías y un concierto para violín, así como un conjunto de variaciones para cuerdas
en un tema de Tchaikovsky, un trabajo originalmente para un cuarteto de cuerdas.
Música de Cámara
La composición de Arensky más conocida para piano “Trío en D Menor”, el primero de dos de este tipo de
trabajos. Esta fue escrita en 1894 y muestra algo de la influencia de Mendelssohn.
Música Orquestal
En adición a sus nueve sinfonías y una variedad de otros trabajos, Glazunov escribió un “Concierto para
Violín”, terminado en 1904, cuando estaba en su mejor momento como compositor. Las sinfonías han
ganado menor popularidad, pero en poema sinfónico de “Stenka Razin”, escrito en 1885, retiene su lugar en
los repertorios rusos nacionales.
Ballets
Tres ballets de Glazunov – “Raimonda”, “La doncella sirvienta”, “Las estaciones del año” fueron creados
durante el periodo de 1896-1899. “Raimonda” ,basado en una historia amorosa, sin duda alguna es el mejor
de sus ballets. Por primera vez llevada al escenario en San Petersburgo en 1898,con una coreografía de
Marius Petipa. “Les ruses d'amour”, y “Las Estaciones” siguieron a “Raymonda” en 1900. El orquestó
música de Chopin para “Les sylphides”. El coreógrafo Fokin también hizo uso en “Stenka Razin” para un
ballet del mismo nombre.
POST MODERNISTAS
Trabajos de Escenarios
Stravinsky causó una inmediata impresión en Paris con su trabajo para L'oiseau de feu “El Pájaro de
Fuego”, para los ballets rusos de Dyagilev. Luego siguieron Petrushka rusas, y el "succès de scandale" de
Le sacre du printemps “El bien de la Primavera”. Otros trabajos más tarde fueron a menor escala durante
tiempos de guerra, Stravinsky volvió a hacer ballet para Dyagilev en Pulcinella, basado en la música
erróneamente atribuida a Pergolesi. Otros ballets incluyen: “Apollon Musagète”, “Le Baiser de la fée”, “Jeu
de cartes” y “Agon”. El operatorio latino, con el texto traducido desde Cocteau, “Oedipus Rex” fue puesto
en escena por primera vez en 1928, mientras la opera “El Rastro del Progreso”, de forma neo-clásica y
basada en los grabados de Hogarth, con un libreto de Auden y Chester Kallman, fue llevada al escenario en
Venecia en 1951.
Música Orquestal
La música orquestal de Stravinsky incluye sinfonías, suites para algunos de los ballets, y dos suites
arregladas para piezas de piano. Conciertos de variados tipos incluyen un “Concierto de 1936” para piano,
viento y bases dobles, un “El Concierto del Ebano” para una banda de jazz y un concierto de violín.
Música de Cámara
La música de cámara de Stravinsky incluye algunos arreglos orquestales, en particular dos versiones de
Pulcinella, una para violín y piano y una segunda para chelo y piano, bajo el título de “Suite italienne”.
OTROS MODERNISTAS
Pedro y el lobo
Prokofiev, Sergey (1891 - 1953)
Romeo y Juileta
Música de Escenario
Prokofiev intentó escribir una opera por primera vez a los nueve años. Sus operas incluyen “El Amor para
las Tres Naranjas”, escrita en 1919 para Chicago, “El Angel Feroz” y “Guerra y Paz”, la última basada en
la novela de Tolstoy. Un ballet para Dyagilev fue rechazado, pero otros ballets, una vez rechazados como
no bailables, incluyen a “Romeo y Julieta”, y en 1944 “Cenicienta”.
Sinfonías
Escribió siete sinfonías. De éstas “La Sinfonía Clásica”, escrita entre 1916-1917 con el trabajo de Haydn en
mente, es la mas conocida. “La Quinta Sinfonía” de 1944 es un trabajo a escala mucho más grande.
Conciertos
De sus cinco conciertos, el tercero es el más conocido, escrito en un el lenguaje musical instantáneamente
reconocible del compositor. Más románticos son los dos conciertos para violines.
Música de Cámara
Incluye dos sonatas para violín y piano, la segunda originalmente para flauta y piano y revisada por el
compositor, con la ayuda del violinista David Oistrakh. Completó su “Sonata en C Mayor para Chelo” en
1949 pero una segunda sonata para el instrumento fue dejada sin terminar a la hora de sus muerte. Las
cinco melodías para violín y piano, basado en canciones anteriores, están igualmente en el repertorio
general.
compositor de música de cámara, escribiendo en estilos que aunque distintos en textura pero siempre
accesible como una extensión del lenguaje de la música tonal. Muere en Moscú el 9 de agosto de 1975.
Música de Escenario
Katerina Ismailova aún es la principal opera de Shostakovich, con la más temprana opera “La Nariz”,
basada en Gogol, y el ballet “La Edad Dorada”. Música incidental para teatro incluye pieza para Hamlet y
para el Rey Lear.
Sinfonías
Las quince sinfonías de Shostakovich van desde “La Primera Sinfonía” de 1925, una composición gradual a
“La Catorce”, que contiene pedazos de varios poemas y que se escribió dos años antes que la “Quince” de
1971, la última. La “Quinta”, la post-guerra “Bueve” y la “Diez” de 1953 son escuchadas a menudo.
Mientras que la “Dos” y la “tres” con la “Once” y la “Doce” tiene sugerencias más patrióticas.
Conciertos
Shostakovich escribió un concierto para piano, trompeta y cuerdas, y un segundo concierto para piano
dedicado a su hijo Maxim, en 1957. Escribió dos conciertos para violín y dos para chelos.
Música de Cámara
Los quince “Cuartetos de Cuerdas” son un trabajo remarcable, textura lúcida, comúnmente moviendo un
motivo musical. La intensa sonata “Viola Sonata” de 1975 es la tercera de sus sonatas de dúos, precedidas
por la de 1934 para Chelo y Violín y la de 1968 para violines. A éstas podemos adherir en segundo trío
para pianos y un quinteto en G Menor para piano escrito en 1944.
Trabajos de Escenario
El ballet de 1942 “Gayane” contiene los trabajos más populares de
Khachaturian, y “La Danza del Sable”. El ballet “Espartaco” de 1954
contiene un bien conocido Adagio de Espartaco y Phrygia. Hay suites de
conciertos para ambos ballets.
Música Orquestal
El “Concierto de Violín” de Khachaturian, escrito en 1940, es un trabajo característico y ha sido trascrito
para solos de flauta por el flautista francés Jean-Pierre Rampal. El compositor escribió en “Concierto para
Música Orquestal
Scriabin gozó de un temprano éxito con su concierto para piano de 1896. De mayor significado, son sus
trabajos posteriores, la “Sinfonía No. 3”, "Le divin poème", “poème del éxtasis y Prométhée”, “Le poème
du feu”.
La vida de Alyabiev fue muy dura. Procedía de una familia muy rica. Sin
embargo, el destino del compositor hace un giro inesperado, cuando a
causa de la traición de un amigo suyo le meten al joven Alabiev en
cárcel, donde se enfrenta con todas las penas del destierro. Allí el
compone la inmortal canción “El ruiseñor”. Otro éxito del compositor ha
sido la romanza: “La mendiga”. La imagen de la viejita pobre, pidiendo
limosna ante el atrio de la iglesia simboliza vicios sociales de Rusia. La
frase que constantemente repite: “Ayudadme ¡ que el Dios os proteja!” –
tiene un significado social muy progresista – llama a la misericordia,
amor. También Alyabiev ha compuesto música para operas, ballets,
espectáculos dramáticos.
D.Kabalevsky (1904-1987)
“Por encima de todo un artista debe poner la vida, puesto que solo la vida
es fuente de su inspiración, base del contenido de su creación, llave del
arte verídico”.
A.Varlamov(1801-1848)
Los eslavos - más tarde los rusos- son esencialmente, y casi exclusivamente, agricultores. Esta actividad es
la determinante del carácter primordial de los cantos populares y el de las prácticas paganas de las que han
surgido(estas han sobrevivido a la conversión al cristianismo transformadas en tradiciones, fiestas o ritos; el
ultimo testimonio, absolutamente verídico, de esta evolución, es la del musicólogo y folklorista Yacushin,
que pudo comprobarlo en 1849). Bastante rudimentarios, el Olimpo de los eslavos se funda en la adoración
del sol y de la tierra.
De estas creencias nace un panteísmo prodigiosamente poético y musical. El bosque, la llanura, el río, el
mismo guijarro, tienen un alma. De estos sentimientos poéticos y agrícolas, surge todo el calendario de
cantos estaciónales tan exactos que, después de la conversión al cristianismo, las autoridades se ven
obligadas a tenerlo en cuenta y a tratar de hacer coincidir las fiestas de la iglesia con las tradiciones
paganas.
El ciclo de los cantos empieza en la noche siguiente del equinoccio de invierno, la del 24 y 25 de
diciembre(convertida luego en la noche de Navidad). La tradición asegura que, en esta noche, el sol se
vuelve hacia el verano y es prudente ganar su benevolencia. En los pueblos (esta costumbre se mantiene
todavía en Ucrania), grupos de gente joven van de casa en casa, recibiendo regalos y cantando las Kolida,
de una gran belleza (palabra de origen romana).
Le siguen las grandes fiestas del equinoccio de primavera con los cantos del carnaval, luego los sortilegios
y rondas primaverales, que Stravinski ha sabido evocar con tanta maestría en la consagración de la
primavera. Las rondas de primavera, contrariamente a lo que se cree, son lentas y graves: se trata de un rito
de gran importancia para la comunidad. Paralelamente a ella, existe una pintoresca tradición; habiendo
percibido que la llegada de la primavera coincide con la de los pájaros, o bien -si falta la harina- los
modelan en barro, lanzándolos después hacia el cielo mientras cantan y bailan, provocando de este modo la
llegada de los pájaros.
Las fiestas del carnaval(la futura tercera semana de cuaresma) son fiestas móviles y comienzan ocho
semanas antes de la primera luna llena de primavera. Se trata en ellas de echar al invierno, y para ello, un
gran espantapájaros que lo simboliza es arrojado al fuego con gran pompa, en medio de danzas y cantos.
Siete semanas después de la primera luna llena de primavera se celebra la Russalia(día de la rosa); mas
tarde, esta fiesta coincide con la de pentecostés. Se trata, según la creencia del pueblo, de vaciar los
bosques de Russalkí y de genios maléficos que puedan atrapar a los pascantes en esta bella estación.
El equinoccio de verano(el 24 de junio se convierte más tarde en la fiesta de san Juan) esta consagrado a
Kupalo. Ligado al antiguo culto del fuego, da a lugar a grandes festejos públicos, cantos rituales que
proceden a los importantes trabajos de la siega.
Conjuntamente con estos cantos estaciónales existen los que van ligados a los ritos familiares. Los eslavos
practican un culto ferviente a los antepasados, que, según creencias, no mueren sino que permanecen en el
seno de la familia. Durante las comidas, se bebe a su salud y se canta para ellos; durante la Russalia -
también en Pentecostés- se reúnen en los cementerios, organizan verdaderos festines sobre sus tumbas;
algunas veces se lamentan, pero con notable preferencia, ejecutan cantos irresistiblemente alegres y danzas
para distracción del difunto. La presencia de los antepasados es tan viva que cuando una joven se casa se
despide de sus padres y de todos sus antepasados.
Por otra parte una boda da lugar a un rito musical extremadamente complejo; veintiún números de música
vocal proceden la bendición nupcial. Se canta y se baila largamente; pero la novia - por muy enamorada
que este de su prometido- debe lamentarse. Los dos personajes obligados de este aparato escénico(ya que
de esto se trata, perfectamente inmutable, y el pueblo aprecia una boda según la calidad de éste) son la
novia(secundada por una plañidera, que la dobla en algunos episodio), el casa mentero, la casamentera, la
dama de honor del novio y las amigas de la futura esposa. Empiezan los esponsales; la casamentera se
arregla con los padres sin consultar siquiera con la principal interesada. Luego el pretendiente es recibido
solemnemente, se enciende un cirio delante de los iconos, se dan las manos en señal de asentimiento, y la
prometida canta su primer lamento.
Al día siguiente se reúnen para la bendición del noviazgo, y la prometida se lamenta aún en dos
ocasiones(la segunda vez, las quejas duran unos cuarenta minutos). Siguen - siempre cantando- las visitas a
los padres, a la futura suegra, a los amigos y la recepción del novio en la casa, a la que se deleitaba al
modo dorico y frigio; las reuniones con las amigas, donde se canta, se bailan rondas, etc.
He aquí los elementos más pintorescos del montaje escénico. En la víspera del gran día la joven es
conducida al baño con gran pompa. Antes de la salida, canta para sus amigas; luego la bañista le acoge con
una bella y larga cantinela, a la que la cliente responde con una canción corta y lírica. Y, en el camino de
vuelta, se para delante de la isba de sus padres y ejecutan un nuevo lamento.
A estos veintiún números de música prenupcial suceden las fiestas de la boda, en el curso de las cuales se
destaca la vena popular, sin olvidar el carillón de la iglesia que suena sin parar mientras el cortejo se dirige
a la casa y dura festín. Resumiendo, Stravinski en sus bodas ¡no ha inventado nada!
¿Qué podemos decir sobre estos cantos populares desde un punto de vista musical? La mayoría de las veces
su línea melódica, muy simple, se movía en los limites de las terceras, cuartas y excepcionalmente de las
quintas. Nacía de una célula por lo general breve, como una señal, y probablemente derivada de formas
cabalísticas o de hechizos de los primeros ritos paganos. En los cantos de las mujeres observamos con
frecuencia una escala pentatonica por tonos enteros aproximativos.
De echo la línea melódica en los cantos más antiguos se reduce a veces a simples interjecciones, a
exclamaciones, alrededor gira la frase rudimentaria. Para que esta se ordene y desarrolle, hará falta la
influencia de los chantres originarios de la ciudades que introducirán también el concepto de nota sensible,
que, sorprendentemente, es llamada en Rusia la nota azul desde el siglo XIX.
Los cantos populares rusos no conocen ni mayor, ni menor, ni tónica, ni dominante: utilizan tres escalas de
cuatro tonos, que pueden superponerse en siete grados con intervalos rigurosamente diatónicos.
En terreno del ritmo reina una anarquía total, ya que la prosodia popular, muy libre, no se adapta a ningún
sistema; y la melodía, al hacerlo, adquiere la, misma libertad. Resultado de ello son los cambios frecuentes
de compás en un solo fragmento, así como un culto a los impares.
La enorme variedad de los ritmos populares ha dado lugar a estudios substanciales. Por lo general los
cantos populares utilizan versos asontonados, cada verso conteniendo dos o tres grupos silábicos.
El instrumento más viejo (el más antiguo, ya que el "kantele" mencionado en el "Kalevala" le debe su
origen), es la guzla (deberíamos decir "los guslis"; en ruso esta palabra es plural). Consiste en una tabla de
madera, con preferencia de abedul o plátano, sobre la que se tensan siete u ocho cuerdas afinadas en "dos"
mayor sin grados cromáticos; con el tiempo, el número de cuerdas llega a setenta y seis. Eltocador de
"guzla" acompaña su canto mientras desgrana arpegios con sus dedos, uñas o un plectro. Prácticamente es
imposible poder ejecutar una melodía.
A partir del siglo XII, importado de Bizancio, aparece un modelo de "gusli salterio", réplica perfecta del
salterio. Bajo su influencia los "gulis" se perfeccionan: la madera es vaciada, se pulsan las cuerdas con
macillos grandes: nace de este modo el "cymbalum" (utilizado acertadamente por Stravinski en su arcaico
"Renard").
Otro instrumento de cuerda han hecho su aparición posteriormente: la "domra", la "balalaica", la "cobza", la
"bandura", el "torban", luego la guitarra.
La domra era una especie de laúd importado de Asia por los kirguises, los mongoles y los persas. Al ser ser
adoptada por el pueblo se convirtió en balalaica": en efecto, los"violeros" pueblerinos, al hallar dificultades
para fabricar cajas de resonancia ovaladas, las sustituyeron con otras triangulares, al tiempo que reducian el
número de cuerdas. La balalaica era el instrumento nórdico por excelencia, fabricado en madera de abeto.
En el Mediodía, y sobre todo en Ucrania, se prefería la "cobza", usada por los polovitsianos y tártaro, y la
"bandura"de importación occidental (cf. la "bandurria" española). Ambos instrumentos recordaban, por una
parte, la guitarra española, y por la otra la "biwa" china; tenían de siete a veinticuatro cuerdas.
El torban, venido de Polonia, era una derivación de la tiorba pudiendo llegar hasta sesenta el número de sus
cuerdas. A estos instrumentos añadiremos la "lira" ( una viella con tres cuerdas y once teclas) y el "gudok"
(viola con tres cuerdas, de origen tártaro; se utilizaba un arco curvado; las dos primeras cuerdas emitían al
unisono un sonido fijo que hacía de bajo continuo).
Los instrumentos de viento eran claramente los mismos que en Europa occidental: desde el siglo XIII
existían orquestas en las que había hasta sesenta trompetas. Tenían además el caramillo, "jaleika" (especie
de siringa utilizada en los entierros:"jalnik"- que ha dado lugar a "jalet", compadecer- designando una
tumba en viejo idioma eslavo), las flautas con cañas, las dobles faltas con cañas (diatónicas), la flauta de
pan, la flauta bretona, la zurna, especie de oboe rudimentario, de origen tártaro.
Otros instrumentos de percusión: los "nacres", vasijas de tierra conocida recubiertas con pergamino,
golpeadas con bastones o con bolas atadas a correas; las "cucharas" piezas de madera, después de cobre,
imitando la forma de una gran cuchara, adornada con campanitas en sus extremos; se golpeaban unas
contra otras.
COMPARACION
La música clásica rusa, al igual que la folklórica, tienen raíces basadas en la naturaleza, en lo pagano. La
música folclórica, nace de la naturaleza, de la admiración que tiene el pueblo por la fuerza del medio
ambiente, es de origen pagano; y así también lo han tomado los compositores de música docta rusa,
especialmente los nacionalistas, que por supuesto admiraban las costumbres y la historia de su país. Luego
los compositores rusos del siglo XX (que tenían una fuerte influencia nacionalistas de sus escuelas y
conservatorios) también basan la música en la naturaleza, un claro ejemplo de esto es “Consagración de la
naturaleza” de Stravinsky.
Ejemplos de compositores nacionalistas que basaron obras en temas de la naturaleza son, por ejemplo, “En
las Estepas de Asia Central” de Borodin, “Las Estaciones” de Tchaivskosky, “Océano” de Rubenstein, “Las
Estepas de Turkmenistán” de Ippolitov-Ivanov, entre otros.
Los compositores rusos eran muy apegados a sus raíces, uno más que otros, mucho más “Los Cinco”, cuyo
director, Balakirev, estaba totalmente en contra de cualquier influencia no rusa en la música y en las
enseñanzas en los conservatorios.
La historia del país, muy importante también, se ve reflejada en el folklore y en la música docta, por
ejemplo, el folklore nació poco a poco entorno a la admiración de los fenómenos climáticos y en el cosmos,
que luego fueron adaptadas sus celebraciones y creencias paganas con la llegada del cristianismo. La
música docta basa su esencia misma en esto también, en los cambios que vivió Rusia, no sólo en cuanto a
religión, sino también en cuanto a política. “La Overtura de 1812” es el más claro ejemplo de esto, o la
represión de muchos compositores durante el gobierno de Stalin, muchos de los cuales se vieron obligados
a abandonar su patria.
La iglesia ha tenido una influencia fundamental en toda la música rusa, ya sea ésta: folklore, clásica,
popular, etc... la iglesia desde que se instaló en Rusia en la época de la llegada del cristianismo, a
controlado la expresión musical, y es más, la expresión artística en general, junto a muchos otros aspectos
de la vida cotidiana. La iglesia ortodoxa acuñó las fiestas paganas y las “transformó” en las propias, por
estar éstas cerca de fechas importantes religiosas. La iglesia, también, prohibió el uso de instrumentos
musicales, es por esto que la música no se desarrolló plenamente en Rusia hasta el siglo XIX, dónde
encontramos los primeros exponentes de música docta.
El folklore es aún muy popular en Rusia, tiene una fuerte influencia y forma parte fundamental de las vidas
de estas personas soviéticas, que son, en general, muy tradicionalistas. Los instrumentos musicales
folclóricos se usan incluso en interpretaciones de composiciones “clásicas”.
Por último cabe señalar una gran diferencia entre estos dos tipos de música. Esta diferencia es la
estructuración musical, el folklore, a diferencia de lo clásico, es de una escritura anárquica, sin rigidez; en
cambio, la música docta, sigue un estilo y una composición de ciertos parámetros, a excepción de algunos
compositores (como Stravisky, considerado “El Picasso” de la música), pero en general, sobre todo los
nacionalistas, siguieron entre sí ciertas normas en la elaboración de sus composiciones.