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Compositores rusos

Compositores Rusos
Glinka Historia de la musica rusa Tijon Khrennikov
Dargomyzhski Rubinstein Khachaturian A. Lyadov
Cui Ippolitov.Ivanov Miaskovsky Andres Petrov
Balakirev Arensky Scriabin Rodion Shedrin
Borodin Glazunov Medtner Afred Shnitke
Mussorgsky Gliere A.Alyabiev Gueorgi Sviridov
Rimsky-Korsakov Stravinsky Andrei Eshpai S.Taneev
Tchaikovsky Prokofiev S. Gubaidulina Micael Tariverdiev
Rachmaninov Shostakovich D. Kabalevsky A. Varlamov
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La Escuela Rusa
Primer periodo
Después de Pedro el Grande, todo el “arte erúdito”, “oficial”, estaba confiado a los extranjeros, italianos,
alemanes y algunas veces franceses. Esta xenofilia no concernía solamente a la música, sino también a las
demás artes y al conjunto de la vida cultural del país, ya que, en la época romántica, Alexander Pushkin, el
máximo poeta ruso, confesará: “La lengua de Europa (es decir el francés) me es más familiar que la
nuestra”.
El arte popular o de inspiración popular no tenía derecho de ciudadanía: es cierto que los señores disponían
de capillas reclutadas entre sus siervos, que ejecutaban admirablemente los canto populares, pero se trataba
de “amores culpables”: gustaban estos coros lo mismo que gustaba la música cíngara, como una diversión
de poca categoría que no había que tomar en serio. Glinka debió de darse cuenta de ello cuando, después
de haber hecho interpretar su primera ópera, Iván Susanín, en 1836, supo que se le reprochaba que “los
cocheros no cantaban otra cosa en la calle......”.

Ciertamente, las guerras de Napoleón habían provocado un despertar del patriotismo, obligando a los rusos
a volverse hacia el patrimonio nacional, y conduciendo a los propios extranjeros a utilizar temas folklóricos
en sus composiciones; pero, según la expresión de un crítico de la época, se apresuraban a “mojar sus
temas en una salsa a la moda italiana”. Ya que todavía no se le había ocurrido a nadie proclamar, como la
hará más tarde Glinka: “Somos autores de arreglos al servicio del pueblo”, y la música rusa, en estas
condiciones, tuvo muchas dificultades para sus títulos de nobleza.

Glinka es considerado generalmente como el padre de la música rusa. En efecto, Glinka, con su Iván
Susanin e incluso con Ruslán y Ludmila, sólo encontró verdaderos partidarios en algunos jóvenes y en la
persona de Dargominski. Este último, por una parte, decidió también seguir el camino nacionalista trazado
por Glinka; por otra, sin haberlo deseado expresamente, se convirtió en el polo de atracción, el confidente y
el guía artístico de un grupo de audaces autodidactas compuesto por Balakirev, Cesar Cui, Borodín,
Musorgsky y Rimski-Korsakov: el célebre grupo de los “cinco”.

Glinka y Dargomijski han dominado el primer período de la escuela rusa, esencialmente colocada bajo el
signo de una fórmula grata a Glinka: “Con los mismos lazos legítimos del matrimonio, quisiera poder unir
el canto popular ruso con la vieja fuga de Occidente”. El segundo período será el del grupo de los “Cinco”
y de Tchaikovsky.

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Compositores rusos

Segundo Período
Los jóvenes rusos de 1860 se encuentran entre diversos fuegos. Por una parte existe el eterno conflicto,
entre los “eslavófilos” y los “occidentalistas”. Unos están ligados al genio ruso, a la cultura autóctona;
desconfían de las importaciones occidentales, que no responden a los aspectos del “alma eslava”, y juzgan
que el patrimonio nacional, en todos los campos, es lo suficientemente rico para bastarse a sí mismo. “Los
occidentales”, apelan al deseo de civilización universal, a las tradiciones de Pedro el Grande y a su
“ventana abierta sobre Europa”, y pretenden considerar a Rusia como un país de Europa occidental. Este
conflicto aparecerá también en la música rusa.
Otra fuente de conflictos es la inquietud moral, social y política que reina en los senos de la joven
generación. La Revolución francesa primero, la revuelta de los decembristas seguidamente ha producido sus
frutos, reina un espíritu liberal cada vez más intenso que terminará, el 19 de febrero de 1861, la abolición
de la servidumbre. Muchos pequeños propietarios se arruinan de la noche a la mañana; se abre un abismo
entre los “absolutistas” y los “ liberales”, que contribuye a incrementar las inquietudes de la juventud;
algunos (como Dostoievski y Musorgski) prevén ya cierto trastornos singularmente profundos.

Finalmente, una “pregunta maldita” atormenta al ruso de 1860, la de la utilidad práctica y social de su
propia existencia; no se trata de vivir para los placeres de la vida, sino de servir, a fin de no encontrarse
entre la categoría de los “hombres en número excesivo”, de los Oblómov. “El hombre es un animal
sociable, y no podría ser otra cosa” declara Musorgski, debe, pues, tratar de vivir en sociedad, de hacer de
la sociedad el sólo objeto constante de todas sus preocupaciones. Salir de su concha y perfeccionarse para
la mayor gloria de la suma humana, tal es el objetivo de una juventud que, antes de haber leído a Tolstói, se
apasiona por Proudhon y por una novela “filantrópica” de Chernisheveski: ¿Qué Hacer?... En resumen,
idealistas y “materialistas populistas” se oponen, y este otro conflicto se reflejará en la literatura, en el arte,
en la música...

Situación Musical
No era brillante, si juzgamos por el testimonio de Antón Rubinstein, músico cortesano y no sospechoso de
parcialidad: “La ópera rusa tenía entonces, y tuvo todavía durante bastante tiempo, muy mala prensa. Yo
escribí mis óperas en italiano y en alemán precisamente porque el teatro ruso era refractario a la ópera y
porque la elite de la sociedad no tenía ninguna cultura musical. Había muchos aficionados cuyos juicios
sobre la música eran totalmente estrechos y falsos. No se pedía a las artes, y particularmente a la música,
más que cosas capaces de adular el gusto por la trivialidad. Las melodías de las obras que estaban de moda,
de Piccini, Rossini, Bellini y Tutti quanti, pasaban por modelos incomparables de gracia, de belleza, de
profundidad. Se era incapaz de comprender otras bellezas que las melodías simples y fáciles de esas obras.
No quería reconocer a la música una misión seria...”

No había conservatorio en Rusia, por falta de “clientela”, a los nobles les repugnaba transformarse en
“historiadores” y en cuanto a los demás, nadie se preocupaba de ellos. Aparte de que, para adquirir un
mínimo de conocimientos teóricos, había que ir a estudiar a Europa, como Glinka. Por la fuerza de las
cosas, los jóvenes rusos a los que atraía la composición tenían que ser autodidactas, y éste fue el caso de
Dargomijski, el primero de los “grandes empíricos” rusos, precursor de tantos otros, empezando por los
miembros del grupo de los “Cinco”.

Dos Clanes Rivales


Por una coincidencia singular, durante el mismo año 1862 fueron fundado el grupo de los “Cinco” y el
primer conservatorio ruso, el de San Petersburgo, dirigido por Antón Rubinstein.
Desde el principio, la enseñanza que se practicaba en este conservatorio provocó una autentica revuelta por
parte de los “nacionalistas eslavófilos”. De todos modos, no dejaban de tener razón. Ciertamente era difícil
recomendar otros manuales que los tratados de Marx o de Bellermann, pero la enseñanza, en sí, podía tener
en cuenta la existencia de una escuela rusa. Ahora bien, la composición estaba confiada a Zaremba, un
alemán rusificado pero que seguía siendo alemán de pies a cabeza, una especie de predicador capaz de
inflamar a sus alumnos, pero muy mediocre como pedagogo. Además, para Zaremba, la historia de la
música terminaba con Mendelsshon: Schumann ya no existía, y en cuanto a Glinka y a los demás rusos, no

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eran otra cosa que “salvajes”. Al hacerse campeón de esta escuela, Antón Rubinstein fundó toda una red de
conservatorios, empezando por el de Moscú, cuya dirección confió a su hermano Nikolái, gran pianista.
Tchaikoski fue uno de los primeros productos del conservatorio de San Petersburgo, antes de convertirse en
profesor del de Moscú.
Frente a estos “académicos” se erigía el grupo dinámico de los autodidactas, conducidos por Balakirev y
por Vladimir Stásov. Éste había tenido la idea de bautizarlo como “El poderoso grupito”; Los del
Conservatorio trataban desdeñosamente de “vocingleros” a sus miembros.Fresdelval
http://www.fresdelval.co
Tercer Periodo
Precediendo la aparición de Stravinski y Prokófiev, este periodo debe ser considerado como una síntesis.
Los “Cinco” y Tchaicovsky acaban de imponer la existencia de una joven escuela musical rusa. Terminada
la época de las batallas espectaculares, con todo lo que pudo haber comportado de excesivo por parte de los
Balakirev, los Musorgski, los Stásov, “exhaustivos” íntegros e integrales, románticos en la vida más todavía
que en su música. El fanatismo no tiene ya salida, pues, antes de embarcarse en nuevas corrientes las
mismas que serán descubiertas por Stravinski. Prokófiev-, conviene hacer una pausa y consolidar las
posiciones adquiridas. Todo un grupo de jóvenes se esforzará en demostrar que la música rusa puede existir
como “música simplemente”. No se trata ya de los autodidactas apasionados, sino de profesionales serios
formados en el conservatorio de San Petersburgo o de Moscú, sirviendo la amistad de Rimski-Korsakov y
de Tchaivkosky como lazo de unión entre las dos escuelas.

Cada una de ellas conserva su personalidad. Los moscovitas, alumnos de Tchaivskosky y de Serguei
Taneiev, son más “occidentales” en sus gustos, y, lo quieran o no, sufren la influencia del romanticismo
retrasado de sus maestros. Los petersburgeses, formados bajo la dirección de Rimski- Korsakov y de
Liádoy, conservan un fondo nacionalista y folclórico, aman lo fantástico en música. Dos músicos
representan perfectamente y encarnan estas dos escuelas: del lado petersburgués, Alexander Glazunov, que
condujo la empresa de los “Cinco” al culto del clasicismo; frente a él, Alexander Scriabin, que, después de
haber admirado a Chopin, descubre los poemas sinfónicos de tendencias filosófica de Richard Strauss y
quiere sublimar sus partituras hasta el punto de hacerles expresar un mensaje teosófico.
Estos dos, el prudente y el innovador, aparecen como los campeones de una escuela donde bastante
arbitrariamente, como siempre que se produce una clasificación podrían reunirse, por una parte, Liádov,
Grecháninov, Nikolái Cherepnín, Soloviev; y por la otra parte (del lado moscovita), Tanéiev, Arenski,
Rachmáninov, Medtner, Kalínnikov, Liápunov, los Conus, Vasilenko...

Nacionalistas Rusos
En Rusia, la música nacionalista comenzó con Mikhail Glinka, quien es recordado por la opera 'Una Vida
Para el Zar'. Glinka y Alexander Dargomyzhski inspiraron a un grupo de compositores a juntarse y más
tarde ser conocidos como “Los Cinco” para crear música basada en la cultura rusa. La ópera de
Dargomyzhski “El Convidado de Piedra” fue como una Biblia para la nueva escuela.
De los cinco compositores, Cesar Cui y Mili Balakirev, los únicos músicos profesionales del grupo son
poco conocidos hoy. Un tercero, Alexander Borodin, es recordado fugazmente por su poema orquestal “En
las Estepas de Asia Central” y por “Los Bailes Poloneses” de su ópera 'Príncipe Igor'.

El cuarto compositor, quien fue el que más se acercó a crear una verdadera música de origen ruso, fue
Modest Musorgski. Ritmos folclóricos y escalas inusuales de música de la iglesia ortodoxa rusa
caracterizan sus piezas. Sus trabajos incluyen una pieza para orquesta titulada “Noche en Monte Calvo”, y
“Cuadros en una Exhibición”, un conjunto de dos piezas de piano que fueron más tarde arregladas para
orquesta por el compositor impresionista francés Maurice Ravel.

El quinto miembro del grupo, Nikolai Rimski-Korsakov, escribió composiciones dramáticas de fuerza
rítmica y color orquestal vívido. Él es recordado por su ópera “El Gallo De Oro” y su suite orquestal
“Scheherazade”. En su poderosa overtura “Gran Pascua Rusa” el uso temas de la iglesia rusa.

Peter Ilich Tchaikovsky fue otro de los compositores rusos que usaban un brillante tono y color. Su sexta
sinfonía (“Patética”) es de todos conocida, y realizó, también la música de tres famosisimos ballets: “El
Cascanueces”, “La Bella Durmiente” y “El Lago de los Cisnes”. La overtura de 1812, la “La marcha

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Eslava”, Y “El capricho Italiano” han sido programadas tan a menudo que se consideran “Caballos de
Guerra”

COMPOSITORES NACIONALISTAS RUSOS

Glinka, Mikhail Ivanovich (1804 - 1857) Russlan y Liudmila

Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música


nacionalista rusa. Sus influencias en Balakirev, quien se autodenominó
líder del grupo de cinco compositores nacionalistas, fueron considerables.
De niño tomó lecciones de piano de un pianista irlandés, John Field, pero
en aquel entonces su relación con la música se mantuvo puramente a nivel
de aficionado, hasta su visita a Italia y en 1833 a Berlín, las cuales
permitieron que concentrara sus estudios y consecuentemente un grado
mayor de seguridad en sus composiciones, las cuales ganaron una real
atención en su país como en en extranjero.
Sus operas rusas ofrecían una síntesis de la manera de operar del
occidente pero con melodía rusa, mientras que su música orquestal, con
una instrumentación excelente, ofrecía una combinación de lo tradicional
y lo exótico. Glinka murió en Berlín en 1857. Refiriéndose a la
personalidad de Glinka, con pleno derecho los rusos le consideran “El sol
de la música rusa”
Su creación, iluminada con la luz de las tradiciones espirituales de la cultura rusa, ha definido el camino del
desarrollo de la música clásica rusa a lo largo de todo el siglo XIX. Gracias al alta instrucción, la grandeza
del pensamiento, el saber alcanzar el nivel de la generalización filosófica, discutiendo el problema de “lo
ruso y lo europeo”, Glinka hace unir los logros del arte musical extranjero con la canción popular rusa. A lo
mejor, la frase suya que se ha hecho proverbial, exprese su idea principal de música: “El pueblo es el que
crea la música, nosotros, los artistas, solo la arreglamos”.
Dos operas geniales de Glinka “La vida por el zar” (1836-1844); “Ruslan y Ludmila” (1845-1857). le
hacen famoso no solo en Rusia, sino en el mundo entero.
“La vida por el Zar”, cuyo estreno tuvo lugar el 27 de noviembre de 1836, paso a la historia de la cultura
rusa como el cumpleaños de la opera clásica nacional. La originalidad de Glinka se manifestó en su
capacidad de encarnar por medios musicales el conflicto principal entre dos fuerzas contradictorias:- el
pueblo ruso y los invasores polacos.
Años mas tarde, Glinka visita España. Estudia ávidamente cultura y vida casera españolas, reside en
Fresdelval. La imagen romántica de España se forma a base del conocimiento de la vida real, las
tradiciones, la música. El folclore español dicta al compositor un método especial en arreglar las cuestiones
del material, forma y orquestación. Las nuevas ideas de Glinka fueron plasmadas en “Las oberturas
españolas”.

Durante toda su vida Glinka iba componiendo varios romanceros y canciones. Entre las mejores romanzas
del gran maestro figura la celebre elegía: “No me seduzcas” ( letra E.A. Baratinsky). Dejándose llevar por
el genio de A.S. Pushkin el maestro crea tales romanzas como: “Estoy aquí, Inesilla”, “El céfiro de noche”,
“La llama del deseo arde en la sangre”....
Así mismo, Glinka ha creado mas de 70 composiciones vocales, y otras obras musicales, que forman el
caudal de la música rusa:

Operas
Su primera opera “Una Vida para el Zar” fue muy bien recibida en su debut en 1836. Su segunda opera
completa “Ruslan y Lyudmila” con un libreto de Pushkin, tuvo menor aceptación en su debut en San
Petersburgo en 1842. La overturas para estas operas fueron extraordinarias.

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Música Orquestal
Viajar fuera de su país inspiró su influencia española de la Jota Aragonesa, un “Capricho Brillante” también
conocida como “La Primera Overtura Española”. La segunda serie se expandió desde “Recuerdos de
Castilla” hasta “Recuerdo de una noche de verano en Madrid” (Memorias de una Noche de Verano en
Madrid) Sobre la base de la obertura “La noche en Madrid” están compuestos cuatro temas verídicos
españoles: la Jota, el Vals moro, dos Seguidillas de la Mancha.“Kamarinskaya” escrita en Varsovia, usa
material temático eslavo.

Dargomyzhski, Alexandr (1813 - 1969) Tarantela eslava

Dargomizhsky nació en una familia noble, que se distinguía por su alta


instrucción y afecto hacia el arte. El futuro compositor recibió la
educación casera bajo la tutela de pedagogos rusos y extranjeros. De niño,
Dargomizhsky ya domino el piano, violín y un poco mas tarde tomo clases
del canto. Muy ligado a los principios de su predecesor, Dargomyzhski se
distinguió de él por sus gustos en materia de música extranjera. Glinka
prefería a los alemanes y los italianos y sus dioses eran Beethoven y
Bellini; Dargomyzhski se inclinaba gustosamente hacia los franceses ,
hacia Auber, Halévy e incluso Adolphe Adam, por lo menos en sus
comienzos. Después de emprender la composición de una gran opera,
“Esmeralda”, según “Nuestra Señora de París”, apareció el grandilocuente
“Triunfo de Baco”; después aparece de pronto una obra maestra lírica
“Rusalka” (1853), de Pushkin; y finalmente el notable “Convidado de
Piedra”, su ópera póstuma terminada por Rimsky-Korsakov, en la que se
encuentran numerosísimas páginas que se anticipan a Boris Gudonov. Por
lo demás, Mosorgski consideraba a Dargomyzhski como el verdadero
padre del realismo en música: “quiero la verdad; quiero que el sonido
exprese directamente la palabra”, preconizaba Dargomyzhski.
Ha aplicado este principio en melodías realistas como “La Lombriz”, “El Viejo Cabo”, “El Consejero
Titular”, cuya influencia sobre las de Musorgski fue inmensa (quizás incluso las han suscitado); y en
“Rusalka” y sobre todo en “El Convidado de Piedra”.
Glinka componía su música antes que las palabras, obligando al libretista a plegarse a sus ritmos verbales.
En cambio, Dargomyzski es “Rusalka” y En “El Convidado de Piedra”, no ha cambiado ni una coma del
texto de Pushkin. De este modo, paralelamente a los de Glinka, a trazado un tercer camino a la música rusa,
el de la melodía motivada por el significado. En los rusos, ha inspirado “El Casamiento”, “Boris Godunov”
y “Jovanchina” de Musorgski, “Mozart” y “Salieri” de Rimsky Korsakov, “Mavra” de Stravinsky, todas las
operas de Prokoviev, desde “El Jugador” hasta “La Historia de un Hombre Auténtico”, “Katherina
Ismailova” de Shostakoviv. En el extranjero, se encuentran prolongaciones en la obra de Debussy, Ravel y
en la mayor parte de los músicos de la nueva escuela (romántica).
Ente las mejores operas influidas por Pushkin figuran: “La sirena”. Es la primera opera rusa después de
“Ruslan y Ludmila”. El compositor crea su obra musical, valiéndose de la pieza de Pushkin, que lleva el
mismo nombre. Se trata de una joven, que, después de haber sido abandonada por un duque rico, se suicida
y se convierte en una feroz Sirena.
La música vocal de cámara ocupa un relevante espacio en la herencia artística del compositor. El ha
compuesto mas de 100 romanzas y canciones.

EL GRUPO “LOS CINCO”

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Cui, César (1835 - 1918) Marionetas españolas

César Cui, miembro del grupo nacionalista ruso de compositores “los


Cinco”, hijo de un oficial francés que se quedó en Rusia después de la
retirada de Napoleón en 1812. En común con otros compositores de su
generación e historia, tenía una carrera a parte de la música, en su caso
era profesor de la Academia de Ingeniería Militar, experto en
fortificaciones. Esto no lo detuvo en sus ambiciosas actividades como
compositor y una importante carrera como crítico, generalmente muy duro
e intolerable en sus juicios. Se le conoce por sus piezas para piano cortas
y coloridas.

Operas
Su primera opera “Un Prisionero en el Caucaso”, con un libreto basado en
Pushkin. Particularmente satisfactoria para sus amigos y seguidores fue la
opera “William Ratciff”, basada en una obra de Heine. Otras operas
siguieron, con mucho éxito, seguidas por cuatro operas para niños.

Música Orquestal
En sus cuatro suites orquestales, Cui demuestra sus habilidades en el
manejo de pequeñas y lindas piezas,
en contraste con acusaciones en la época de no tener habilidades en la orquestación. La Suite No. 4 ofrece
arreglos orquestales para piezas de piano escritas originalmente por su patrona Belga, la Condesa de Mercy-
Argenteau. La Suite para violín y orquesta hace una inusual adición al repertorio del violín solista.

Música de Cámara
Su música de cámara incluye varias piezas cortas para violín y piano, o chelo y piano, notablemente dos
conjuntos de Miniaturas para violín y piano, como también cuartetos de tres cuerdas. En su música de
piano, Cui muestra nuevamente sus cualidades como miniaturista, exhibiendo una gran cantidad de piezas
cortas muy atractivas.

Música Coral y Vocal


Cui dice que él estaba predispuesto, en general, en sus operas, evitar temas de carácter ruso, ya que él era
de echo mitad francés y mitad lituano. Sus canciones, por supuesto, si tratan temas rusos e incluyen reseñas
de Pushkin, Nekrasov y A.K. Tolstoy, mientras que en su música coral está en general en una escala más
maliciosa.

Balakirev, Mily Alexeyevich (1837 - 1910) Islamey

Balakirev fue el líder del grupo “Los Cinco”, un grupo de compositores


nacionalistas rusos durante la segunda mitad del siglo XIX, que incluye a
César Cui, Mussorgsky, Borodin y Rimsky-Korsakov.
Su propio éxito como compositor fue eminente, largamente debido a sus
excentricidades de carácter y su tendencia a hacer enemigos por su puro
entusiasmo devastador e intolerancia de otras ideas. Él estaba
particularmente opuesto a lo establecido en conservatorios de música en
Rusia por los hermanos Rubinstein y fue acusado por esto mismo de ser
un aficionado.
La visión del mundo de este compositor es muy contradictorio. El ha

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vivido una complicadísima evolución del nihilismo a la espiritualidad, del


ateismo a la fe.
La primera composición sinfónica Balakirev la compuso bajo la inmediata
tutela de Glinka. Este le enseño al joven compositor la melodía,
que sirvió de fundamento para “La obertura sobre el tema de la marcha
española”.
Sus primeras oberturas sobre las temas de 3 canciones rusas, han tenido gran éxito. Entusiasmado con su
primer triunfo el maestro crea otra obertura sobre el argumento de la tragedia de Shakespeare “El rey Lir”.
Mas tarde en una de sus mejores composiciones, el poema sinfónico “Tamara”, Balakiev une los rasgos del
tema literario con el estilo sinfónico de Glinka.
El ha compuesto varias transcripciones de piano, sonatas, conciertos, piezas-miniaturas. El ha conseguido
la mayor fama gracias a la fantasía oriental “Islamey”, creada en 1869 y dedicadaa N.G.Rubinshtein, que
ha sido el primer ejecutador de dicha obra musical. Mas adelante F.List y otros pianistas europeos han
manifestado gran interés para con esta fantasía. Incluso hoy en día se ejecuta la fantasía, atrayendo al
publico con el son de su original música oriental.
Entre las romanzas figuran: “La canción del bandido”, “Abrázame con los besos” pertenecientes a la lírica
del romance cotidiano

Borodin, Alexander Porfir'yevich (1833 - 1887) En las estepas de Asia


Central

Los Cinco, tan renombrados por los críticos rusos y el escritor Vladimir
Stasov, fueron los principales compositores nacionalistas del siglo XIX en
Rusia, siguiendo el ejemplo de Glinka, su precursor. Borodin, como otros
colegas músicos, también tuvo otra profesión aparte de la música, como
profesor de química y destacado científico en el campo de la química
orgánica. Su trabajo fue limitado a la cantidad de atención que pudo
dedicarle a la composición y a la hora de su muerte dejó un número de
composiciones sin terminar, que luego fueron terminadas por su amigo
Rimsky-Korsakov y otros. El compositor era hijo natural del duque
Guedinov y una joven pobre. El futuro artista tomó su apellido (el de
Borodin) de un siervo, que pertenecía al dicho duque. Los años infantiles
del compositor han pasado en la casa materna, en la atmósfera del afecto
y bienestar. El futuro compositor recibe buena educación, aprende a tocar
el piano, flauta, y violín como autodidacta.
El volumen de la herencia musical de Borodin no es muy considerable: tres sinfonías (entre estas la famosa
“En Asia Central”), cerca de 60 romanzas, 2 cuartetos de cuerda, “La pequeña suita para el piano”, así
como la opera “El príncipe Igor”, Borodin fallece inesperadamente el 15 de febrero de 1887 por un ataque
de corazón.

Operas

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La opera más famosa de Borodin “Príncipe Igor” fue terminada por Rimsky-Korsakov y Glazunov. Incluye
las famosas danzas corales “Las Danzas Polovtsianas” con las cuales el Príncipe cautivo es entretenido por
Khan Konchak.

Música Orquestal
El mejor ejemplo de la música orquestal de Borodin es “En Las Estepas de Asia Central”, una vívida
evocación de una región exótica. La segunda de sus tres sinfonías, la última sin terminar, lo ocupó
intermitentemente por siete años, y es un trabajo muy atractivo y muy ruso. Las tres forman una importante
adición al repertorio sinfónico nacionalista.

Mussorgsky, Modest Petrovich (1839 - 1881) Exposición. Gran Arco KIev

Mussorgsky fue otro compositor nacionalista ruso miembro del grupo


“Los Cinco”, toscamente agrupado bajo la influencia del poco fiable
Balakirev.
Es un genio no reconocido de la música clásica del siglo XIX. Esta
paradoja tiene dos fuentes:
Ante todo, la mayor parte de sus creaciones han quedado desconocidas
para el publico. Además, los sonidos ideados por el compositor viven en
un espacio particular, diferente al mundo artístico tradicional. Sus
contemporáneos no llegaron a percibir esta fuente renovadora,
reprochándole falta de profesionalismo. Musorgsky nació en una familia
de la capa social media. Era el cuarto hijo en la familia. Desde niño
estudia piano con su madre y alcanza sus primeros éxitos. Sin embargo,
los padres piensan en la carrera militar para su hijo. Así, en 1856 el
compositor se gradúa de la escuela militar según el deseo de sus padres.
El 27 de Noviembre de 1874 se produce su primer debut con la opera “Boris Godunov”. En esta obra la
idea fundamental, que destaca el compositor es la incompatibilidad de las convicciones morales del pueblo
ruso y el poder criminal del zar. Otra opera suya “Jovanschina” no es solo el conjunto de originales
descubrimientos musicales, sino un mundo artístico lleno de misteriosa seriedad. En los ratos libres que
quedan de su trabajo dedicado a la opera “Jovanshina”, el compositor compone una de las mas perfectas
creaciones suyas: “Los cuadros de la exposición”. El dicho ciclo de piano es una de las composiciones
musicales que goza de mayor fama.
La creación artística de Musorgsky lleva enorme valor tanto para la cultura nacional como para todo el
mundo. Su originalidad consiste en ver mas allá de las ilusiones de su siglo y crear composiciones, que nos
cuenten de eternos valores del Bien y Mal.
Mussorgsky dejó mucho sin terminar a la hora de morir en 1881, de todas maneras su influencia en
compositores como Janácek fue considerable. Rimsky-Korsakov, un músico que había adquirido una
técnica convencional de orquestación y composición, revisó y completó un número de los trabajos de
Mussorgsky, versiones que no parecen inferiores a las originales e innovadoras composiciones que
Mussorgsky concibió.

Operas
La más grande de las creaciones de Mussorgsky fue la opera “Boris Godunov”, basada en Pushkin y
Karamazin, con un tema histórico ruso. El completo la primera versión en 1869 y la segunda en los 1870,
pero la versión de Rimsky-Korsakov fue la que fue ejecutada fuera de Rusia. Otras operas de Mussorgsky
incluyen: “Khovanshchina”, completada y orquestada por Rimsky-Korsakov. Una versión más nueva de
Shostakovich restaura la mayor parte del texto original. La opera “Hada Sorochintsy”, después “Gogol”,
terminada por Lyadov y otros, incluyen la recordada orquestación “Noche en Monte Calvo”.

Música Orquestal

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Compositores rusos

La suite de Mussorgsky de 1874 “Cuadros en una Exhibición”, un tributo a la versatilidad del artista
Hartman, ha demostrado ser la más popular de los trabajos de todos los compositores, ya sea en sus
versiones originales para piano y coloridas versiones orquestales, de las cuales la versión de Maurice Ravel
ha sido la más aceptada por la audiencia. Mussorgsky representa en la música una colección variada de
interpretaciones de arte, desde el “Mercado de Limones” y las “Catacumbas” hasta la final “Gran Puerta de
Kiev”, un monumento en la traducción a música de un diseño arquitectónico para un arco triunfal.

Música Vocal
Mussorgsky escribió un número de trabajos y canciones, mucho de las últimas de interés considerable,
incluyendo el grupo “La Enfermería”. “ la Canción de la Mosca”, basada en un trabajo de Goethe, es una
de las favoritas.

Rimsky-Korsakov, Nikolay Andreyevich (1844 - 1908) El vuelo del abejorro


Capricho español

Nació el 18 de marzo de 1844, en Tkhvin, al este San Petersburgo. En


1856 entró la academia naval en San Petersburgo, siguiendo la tradición
de su familia, y se graduó de ella en 1862. Tomó lecciones de piano y se
hizo amigo de Mili Balakirev, quien lo convenció para estudiar música y
componer. Durante un viaje de tres años, Rimski-Korsakov compuso la
mayor parte de su “Primera Sinfonía”, la cual fue tocada a su regreso en
1865, cuando él tenía sólo 21 años. La pieza fue bien recibida como la
primera gran sinfonía de un compositor ruso. En 1871 fue nombrado
profesor de composición y orquestación en el Conservatorio de San
Petersburgo, aunque él no se consideraba calificado para aquel trabajo,
por lo que no abandonó su carrera naval hasta 1873.
Uno de los cinco, el grupo líder de los compositores rusos del siglo XIX.
El fue un maestro orquestador y se dedicó a editar y suavizar algunas de
las aparentes asperezas de los trabajos de sus amigos compositores,
completando y revisando trabajos como la opera “Príncipe Igor” de
Borodin y la mayoría de la supuesta escritura “no pareja” de Mussorsky.

Fue respetado como profesor, sus pupilos incluyeron, entre otros al joven Igor Stravinsky. Generalmente es
conocido por sus composiciones orquestales, Rimsky-Korsakov escribió canciones y música coral, música
de cámara y trabajos para piano. Su libro de orquestaciones ha sido muy, y no siempre bien, utilizado.
También trabajó como director.
El periodo de su joven actividad artística culmina con la opera “Pscovityanka”, su estreno tuvo lugar en
1873.. En las composiciones de Rimsky-Korsakov participan preciosos, inteligentes, a veces ingenuos
protagonistas, que no saben que es maldad, provecho, envidia, la frágil Snegurochka, (“Snegurochka”), el
valiente y talentoso Sadko (“Sadko”), la tierna Marfa (“La novia del zar”), el genial Mozart (“Mozart y
Salieri”).Todos ellos personifican las mejores cualidades del corazón y el alma humanas.
La música sinfónica del compositor se distingue por el rico variado de géneros. Aquí figuran: la obertura
sobre temas rusos(1866), la fantasia sobre temas serbios /1867), la primera composicion sobre el tema
oriental “Antar”(1868).
El compositor sigue ateniéndose a las tradiciones creadas por Glinka. Como resultado aparece la brillante
continuación pasmada en: “El capricho español”(1887), que pinta cuadros coloridos de la vida cotidiana
española. “El capricho” esta compuesto de cinco partes: - la Alborada, Variaciones, Alborada, Escena y la
canción gitana Fandango. De base a estas composiciones sirven las autenticas melodías españolas,
orquestadas con gran gusto y fantasía.
La cumbre de la música de orquesta de Rimsky-Korsakov es el cuadro sinfónico “Schehrazade”.(1888).

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Compositores rusos

Operas
De las quince operas de este autor, debemos mencionar “La Soltera Nieves” “La Criada de Pskov” (1868-
72), 'Noche de Mayo' (1880), 'Sadko' (1898), y “El Gallo Dorado” (1909).

Orquestal
Sus piezas más famosas son: 'Overtura en Temas Rusos' (1866), 'Capricho español' (1887), 'Scheherazade'
(1888), y 'Zar Saltan' (1903), que incluye la muy nombrada 'Vuelo del abejorro'.

Otros
Canción de India', de 'Sadko', se convirtió en música bailable popular en Rusia. También escribió música
de cámara, vocal y para piano.

OTROS NACIONALISTAS

Tchaikovsky, Pyotr Il'yich (1840 - 1893) danza española

Tchaikovsky nació el 7 de mayo de 1840, en Votkinsk en las Montañas


Urales. Empezó a tomar lecciones de piano a los siete años. Cuando la
familia se trasladó a San Petersburgo en 1850, el joven Tchaikovsky se
inscribió en la Escuela de Leyes. En 1859 se graduó y se convirtió en un
componemte del Ministerio de Justicia. Tchaikovsky fue uno de los
primeros estudiantes del conservatorio de San Petersburgo establecido por
Antón Rubinstein, una vez completados sus estudios allí se convirtió en
uno de los profesores en una institución similar establecida en Moscú por
el hermano de Antón Rubinstein, Nikolay. Un hombre tímido, expresaba
sus emociones en la música. El pudo retirarse como profesor cuando una
millonaria viuda, Nadezhda von Meck, le ofreció ayuda financiera la cual
continuó por la mayor parte de su vida, aunque, en acuerdo con las
condiciones originales de la pensión, ellos nunca se conocieron.
Tchaikovsky era un hombre atormentado. Su música es enteramente rusa en carácter, pero, aunque fue
influenciado de Balakirev y sus ideales llegó a “Los Cinco”, perteneció a una escuela algo más
internacional de composición apoyado por los conservatorios que el mismo Balakirev criticó tanto.
Tchaikovsky murió el 6 de Noviembre de 1893.

Operas
Dos, más que otras, de las operas de Tchaikovsky se han mantenido en el ámbito de repertorio
internacional: “Eugene Onegin”, basada en un trabajo de Pushkin, fue escrita en 1877, el año en que el
compositor trató (desastrosamente) casarse. Volvió a Pushkin en 1890 con su poderosa opera “La dama de
Picas”.

Ballets
Tchaikovsky, un maestro en las formas de miniaturas necesarias para el ballet, triunfó en subir la calidad de
la música dada por un arte que se había desarrollado técnicamente en el siglo XIX en Rusia bajo la
supervisión de un coreógrafo francés llamado Marius Petipa. El primero de los ballets de Tchaikovsky “El
lago de los Cisnes”, fue completado en 1876, seguido en 1889 por “La Bella Durmiente”. Y su último
ballet, basado en la historia de Hoffmann, fue el “El Cascanueces”, por primera vez presentada en San
Petersburgo en Diciembre de1892.

Sinfonías

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Compositores rusos

Tchaikovsky escribió seis sinfonías. La primera, conocida como “Sueños de Invierno”, fue terminada en su
primera versión en 1866 pero luego revisada. La segunda, llamada “Pequeño Ruso” fue compuesta en 1872
pero revisada ocho años después. De la otras sinfonías, la quinta, con su tema motor y su movimiento de
vals en el lugar de un scherzo fue escrita en 1888, mientras que la última sinfonía completada, conocida
como "Patética", fue por primera vez ejecutada bajo la dirección de Tchaikovsky poco antes de su muerte
en 1893.

Overturas de Fantasía y Otros


Su primera Overtura de Fantasía basada en Shakespeare “Romeo y Julieta”, fue escrita en 1869 y luego
revisada dos veces. “Bunya” es una fantasía sinfónica inspirada en “La Tempestad” y la última de las
overturas Shakespeareanas, Hamlet, fue escrita en 1888. “Francesca da Rimini” traslada a términos
musicales el amor ilícito de Francesca y Paolo, como sale en la obra de Dante “Infierno y Manfred”, escrita
en 1885. La “Voyevoda” es descrita como la balada sinfónica y se basa en un poema de Mickiewicz. Otras,
composiciones orquestales de menor escala incluyen “Serenada” para cuerdas, la italiana popular
“Capricho”, menos conocida, cuatro suites orquestales. Tchaikovsky pensó poco de su “Overtura de 1812”,
con su patriótica celebración de victoria contra Napoleón setenta años antes, mientras que la “Marcha
Eslava” tenía un propósito patriótico corriente. “Recuerdo de Florencia”, originalmente un sexteto de
cuerdas, fue completada en 1892 en su versión final.

Conciertos
El primero de Tchaikovsky de los conciertos para tres pianos se ha convertido en el más popular de todos
los conciertos románticos de piano. El segundo, es menos conocido, mientras que el tercero, comenzado en
1893, consiste de un movimiento único en Allegro de concierto. El concierto de Tchaikovsky para Violín,
fue rechazado por los líderes violinistas de Rusia por ser encontrado muy dificultoso. Para chelo solista,
Tchaikovsky escribió las “Variaciones Rococó” y el “Pezzo Caprichoso”. Piezas más cortas para violín y
orquesta incluyen: “Serenata Melancólica” y el “Vals-scherzo”. “Souvenir d'un lieu cher”, escrita como
expresión de gratitud por la hospitalidad de “Madame von Meck”, era originalmente para violín y piano.

Música de Cámara
Esta música en Tchaikovsky incluye tres cuartetos para cuerdas. El lento movimiento de la primera de las
tres probó ser muy popular en su forma original como en un arreglo por el compositor para chelo y
orquesta de cuerdas. “El Andante Fúnebre” del tercer cuarteto existe en un arreglo del compositor para
violín y piano.

Música de Piano
Tchaikovsky proveyó con una gran cantidad de música para piano, particularmente en la forma de piezas
cortas adecuadas para un mercado aficionado lucrativo. Colecciones de piezas publicadas por el compositor
incluyen: “Las Estaciones”, un conjunto de doce piezas, una para cada mes, y un número de piezas de
distintas dificultad.

Música Vocal
Tchaikovsky escribió una cantidad considerable de canciones y duetos.

Rachmaninov, Sergey (1873 - 1943) concierto nº 2 para piano

Nació el 1 de abril de 1873, en Oneg, cerca de Semyonovo, Rusia. Su


talento musical se manifestó tempranamente, y fue enviado a Moscú a
estudiar piano con Nikolai Zverev es discípulo también de Ziloti (piano),
de Arensky y Taneev (composición). Se graduó en el conservatorio de
Moscú con la medalla de oro a la edad de 19 años. Muchos compositores

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de la primera parte del siglo XX trataron de desarrollar nuevos idiomas


musicales, pero las composiciones de Rachmaninoff, por el contrario,
están firmemente basadas en los trabajos románticos del siglo XIX, y
como los trabajos de Peter Ilich Tchaikovsky, son exuberantemente
melódicos. En esta respecto Rachmaninoff representa la culminación del
período ruso tradicional romántico.
La opera “Aleco” fue el trabajo de diploma del joven compositor.

A fines del siglo XIX Rakhmaninov se hace amigo de Shalyapin, conoce a Chejov y Bunin. Durante el
periodo de tiempo que anticipa el crucial año 1917 el compositor crea sus mejores obras: las operas “El
caballero avaro” y “Francesca da Rimini”, 3 conciertos para piano y orquesta, la cantata “La primavera”, los
preludios, y estudios - cuadros para piano, el poema sinfónico - vocal “Las campanas” y decenas de
romanzas. El compositor rechazo categóricamente la barbarie de la revolución comunista de Octubre, de
aquí procede la decisión fatal de abandonar la Patria. A partir de 1918 Rakhmaninov vive en los EE.UU.,
mientras mantuvo una casita en Suiza. Exiliado forzó e incrementó su concentración en la ejecución, como
uno de los pianistas más distinguidos de la época, actividad que le ayudó a mantener a su familia pero le
dejó menos tiempo para trabajar como compositor. Sin embargo, como dice el mismo compositor, al
despedirse de la Patria pierde cualquier deseo de componer la música. Durante el siguiente cuarto del siglo,
compone solo unas cuantas composiciones: El cuarto concierto para el piano con orquesta, “Tres canciones
rusas” para coro y orquesta, “Rapsodia sobre el tema de Paganini” para piano y orquesta, la Tercera
sinfonía y “Las danzas sinfónicas”.
.Murió en Beverly Hills en marzo 28 de 1943.

Música Orquestal
El segundo concierto para cuatro pianos mantiene una posición inalcanzable entre los trabajos de los
románticos de este tipo, su popularidad cercanamente es rica de “Rapsodia” tema de Paganini, para piano y
orquesta. Mientras que las “Danzas Sinfónicas” de 1940 disfrutan de alguna popularidad, como también el
poema sinfónico “La Roca” y la “Isla de la Muerte”, con su recurrente motivo de la misa latina Réquiem, la
segunda de sus tres numeradas sinfonías es la más familiar.

Música para Piano


El Preludio en C menor de Rachmaninov ganó temprana popularidad que largamente contrapesó sus
méritos. Otros trabajos para piano incluyen “Etudes-tableaux de 1911 y 1916-17”, dos sonatas, conjuntoss
de Preludios y Momentos Musicales, transcripciones, incluyendo incluyendo las dos piezas de Kreisle
Liebesleid y Liebesfreud, y las dos impresionantes variaciones del tema de Corelli, su última composición
original para piano solista, compuesta en 1931 y basada en la popular danza barroca llamada “La Follia”,
también usada por Corelli en sonata para violín.

Rubinstein, Anton (1829 -1894) melodia en F

No debe ser confundido con el gran pianista Artur Rubinstein, nacido en


1887, Anton Rubinstein, un compositor más grandioso en su época y un
claro rival de Liszt y otros grandes pianistas del siglo XIX, tuvo un
marcado efecto en el desarrollo de la música en Rusia, estableciendo el
primer sistema de entrenamiento musical profesional en el conservatorio

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de San Petersburgo en 1862. Su hermano Nikolay puso una institución


similar en Moscú. Los conservatorios no fueron bien recibidos por los
compositores nacionalistas, quienes los vieron como una intrusión
alemana, Aunque los Rubinstein eran rusos, y de extracción Alemana-
judía. Como compositor, Anton Rubinstein fue prolífico, escribiendo,
como su hermano lo sugirió, más que suficiente música para ambos. Las
mejores paginas de la herencia musical de este celebre compositor están
relacionadas con el genero de la opera lírica.
Rubinshtein es un pianista virtuoso, que manifiesta en la música de piano
dos percepciones: la del artista y la del pianista - ejecutor. La mas brillante
composición suya es el cuarto concierto para piano y orquesta. La
herencia de la música de cámara vocal refleja el interés del artista hacia el
amplia serie de poetas tanto rusos como extranjeros
Sin duda alguna, aquí hay que destacar el ciclo musical del compositor llamado “Las canciones de Persia”.
Sus fáciles técnicas lo delataron ya que a la hora de su muerte, su trabajo no fue apropiadamente valorado
por los partidarios de la música nacionalista rusa.

Operas
Rubinstein escribió diecisiete operas. La fantástica opera “El Demonio” y la opera “Feramors” pueden ser
escuchadas ocasionalmente de extractos de conciertos.

Música Orquestal
Las composiciones orquestales de Rubinstein incluyen seis sinfonías, de las cuales la segunda, "Océano", es
la más conocida. Escribió cinco conciertos para piano y otros trabajos para piano y orquesta, además de
conciertos para violín y para chelo.

Música de Cámara
Prolífico aquí también, Rubinstein escribió un gran número de cuartetos para cuerdas, tres sonatas para
violín y dos sonatas para chelo, en adición a otros trabajos de cámara, no muy escuchados, excepto por
posiblemente la sonata para viola y piano, una útil adición a lo de otra manera exiguo repertorio para la
viola.

Música para Piano


Rubinstein, como un líder virtuoso en este instrumento, escribió una cantidad de música para piano. De
todas las sonatas, suites, serenatas y otras piezas, la “Melodía en F” se mantiene la más notoria en su
popularidad.

Ippolitov-Ivanov, Mikhail Mikhaylovich (1859 - 1935)

Después de entrenamiento musical en el conservatorio de Moscú,


Ippolitov-Ivanov fue elegido director del conservatorio de Tbilisi en
Georgia. En 1905 volvió a Moscú a enseñar en el conservatorio, dónde
trabajo hasta su muerte en 1935. Sirvió como director y continuó la
tradición nacionalista impuesta por “Los Cinco”, con las bases más
técnicas proporcionadas por el conservatorio. Compartió con Rimsky-
Korsakov y Balakirev un interés en la relativamente exótica, realzada por

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su experiencia de la vida musical en Georgia.

Música Orquestal
“Trazos Caucásicos”, escrito en 1894, seguida de la “Rapsodia Armenia”
e “Iveriya”, son evidencia del interés de Ippolitov-Ivanov en la música de
los distintos grupos étnicos que conformaban el imperio ruso, en los
cuales ejemplos posteriores se encuentran en “Las Estepas de
Turkmenistán” y “Cuadros Musicales de Uzbekistán”.

Arensky, Anton Stepanovich (1861 - 1906) Suite n 1.Op 15 Vals

Compositor, director y pianista ruso, Arensky fue pupilo de Rimsky-


Korsakov en el conservatorio de San Petersburgo y luego enseñao en el
conservatorio de Moscú, dónde sus pupilos incluyen a Rachmaninov y
Scriabin. Sus composiciones comúnmente reflejan la influencia de otros
compositores, más particularmente la de Tchaikovsky. Fue director
musical de la Capilla Imperial en San Petersburgo desde 1895 hasta 1901
y luego continuó su carrera como compositor, pianista y director, viajando
ampliamente entre las dos últimas facilidades.
La creación de Arensky esta vinculado con el piano. Le pertenece al gran
compositor una enorme cantidad de composiciones musicales para
orquesta (piezas de programa, piezas improvisadas, arabescos, fantasías,
miniaturas, ciclos unidos etc.)
Una de las composiciones mas populares de Arensky son “las Fantasías
sobre el tema de Ryabinin” para piano y orquesta. Murió en 1906.

Música Orquestal
Arensky escribió dos sinfonías y un concierto para violín, así como un conjunto de variaciones para cuerdas
en un tema de Tchaikovsky, un trabajo originalmente para un cuarteto de cuerdas.

Música de Cámara
La composición de Arensky más conocida para piano “Trío en D Menor”, el primero de dos de este tipo de
trabajos. Esta fue escrita en 1894 y muestra algo de la influencia de Mendelssohn.

Glazunov, Alexander Konstantinovich (1865 - 1936) Las estaciones, Verano

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El compositor nació el 10 de agosto de 1865 en San Petersburgo. Su padre


era editor de libros. Todos los familiares se cautivaban por la música, así
que el talento musical de Glazunov se hizo obvio bastante temprano.
Glazunov, pupilo de Rimsky-Korsakov, recibió ánimo también de
Belyayev, un patrocinador con influencias y publicador, cuyas actividades
superaron y reemplazaron los tempranos esfuerzos de Balakirev para
inspirar la creación de la música nacionalista rusa. Se sumó a los
profesores del conservatorio de San Petersburgo en 1899 y despues de las
protestas estudiantiles y disturbios de 1905 fue elegido como director,
posición que conservó hasta 1930, aunque desde 1928 había vivido en el
extranjero, sobretodo en Paris, dónde murió en 1936. Su música muestra
la síntesis entre los rusos y los llamados alemanes, una certera técnica
introducida por los hermanos Rubinstein en los conservatorios de San
Petersburgo y Moscú en la mitad del siglo.
Ha creado mas de cinco sinfonías, los cuartetos N°4 y N°5, tres ballets, el
famoso concierto de violín, la gran suita sinfónica “De los tiempos
medievales”.
La quinta sinfonía (en Si-Bemol-Mayor) (1885) es la mas popular composición de Glazunov. El ciclo esta
compuesto de cuatro partes.
La sexta sinfonía (en Do Menor) (1896) se distingue, sobre todo la primera parte por el agudo dramatismo.
Hoy día muchos ejecutores modernos la tienen presente en su repertorio.

Música Orquestal
En adición a sus nueve sinfonías y una variedad de otros trabajos, Glazunov escribió un “Concierto para
Violín”, terminado en 1904, cuando estaba en su mejor momento como compositor. Las sinfonías han
ganado menor popularidad, pero en poema sinfónico de “Stenka Razin”, escrito en 1885, retiene su lugar en
los repertorios rusos nacionales.

Ballets
Tres ballets de Glazunov – “Raimonda”, “La doncella sirvienta”, “Las estaciones del año” fueron creados
durante el periodo de 1896-1899. “Raimonda” ,basado en una historia amorosa, sin duda alguna es el mejor
de sus ballets. Por primera vez llevada al escenario en San Petersburgo en 1898,con una coreografía de
Marius Petipa. “Les ruses d'amour”, y “Las Estaciones” siguieron a “Raymonda” en 1900. El orquestó
música de Chopin para “Les sylphides”. El coreógrafo Fokin también hizo uso en “Stenka Razin” para un
ballet del mismo nombre.

Gliere, Reyngol'd Moritsevich (1875 - 1956) Piano a cuatro manos

Pupilo en el conservatorio de Moscú de Hrimaly y Taneyev, Arensky, Konyus


y Ippolitov-Ivanov, Glière continuó la tradición romántica rusa, ganando
inmensa popularidad por sus ballets soviéticos “La Amapola Roja” y “El
Jinete de Bronce”, dónde también pudo demostrar su interés en una más
amplia tradición musical eslovaca.

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MUSICA DOCTA RUSA DEL SIGLO XX -

LA CONTINUACION DE LA TRADICION ROMANTICA

POST MODERNISTAS

Stravinsky, Igor (1882 - 1971) pajaro de fuego

Nació el 17 de junio de, 1882, en Oranienbaum, cerca de San Petersburgo.


Hijo de un distinguido cantante ruso, Stravinsky vivió sus primeros años
en Rusia, ya sea en San Petersburgo o en el verano en el campo con sus
parientes. Durante cinco años estudio en la facultad jurídica de la
Universidad de San Petersburgo. Al mismo tiempo iba estudiando las
disciplinas teóricas de música como autodidacta. Durante dos años tomo
clases particulares de composición de N.A.Rimsky – Korsakov. A partir
de 1914 vivió en Suiza, desde 1920 en Francia, desde 1939 en EE.UU.
creo su propio nombre en Paris con comisiones del empresario Dyagilev,
para quien escribió una serie de ballets. Pasó los años de la revolución
rusa de 1917 en Europa Occidental. Un compositor versátil en cambios de
estilos, se puede ver como la parte musical del pintor Picasso.
Se puede indicar condicionalmente los periodos de su actividad artística.
El primero, tal llamado “el ruso”, se realza por aparición de tres ballets,
que le traen a su creador fama mundial: “Zar-Ptitsa”, “El Petrushka” y “La
primavera sagrada”. El mayor logro de este periodo – es “La bodita”.
El segundo periodo se llama el neoclásico, que da la luz a tales obras de arte musicales como la opera –
oratoria “El zar Edipo”, la famosa “ sinfonía de los salmos”, los ballets: “El beso del hada” y “El juego de
cartas”.
El tercer periodo de su creación se caracteriza por el interés despertado hacia la religión: “El sagrado canto
religioso”, “El canto religioso de difuntos”, “El llanto del profeta Yeremia” etc.
El recobró el pulso ondeante esencial para el ballet; fue meticuloso sobre los grados de articulación y
énfasis; creó un sonido “limpio”. Escribió para distintas agrupaciones instrumentales y creó un sonido
distinto en cada trabajo; Revivió las formas musicales de su pasado e hizo una contribución duradera a la
serial y música de doce tonos.

Trabajos de Escenarios
Stravinsky causó una inmediata impresión en Paris con su trabajo para L'oiseau de feu “El Pájaro de

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Fuego”, para los ballets rusos de Dyagilev. Luego siguieron Petrushka rusas, y el "succès de scandale" de
Le sacre du printemps “El bien de la Primavera”. Otros trabajos más tarde fueron a menor escala durante
tiempos de guerra, Stravinsky volvió a hacer ballet para Dyagilev en Pulcinella, basado en la música
erróneamente atribuida a Pergolesi. Otros ballets incluyen: “Apollon Musagète”, “Le Baiser de la fée”, “Jeu
de cartes” y “Agon”. El operatorio latino, con el texto traducido desde Cocteau, “Oedipus Rex” fue puesto
en escena por primera vez en 1928, mientras la opera “El Rastro del Progreso”, de forma neo-clásica y
basada en los grabados de Hogarth, con un libreto de Auden y Chester Kallman, fue llevada al escenario en
Venecia en 1951.

Música Orquestal
La música orquestal de Stravinsky incluye sinfonías, suites para algunos de los ballets, y dos suites
arregladas para piezas de piano. Conciertos de variados tipos incluyen un “Concierto de 1936” para piano,
viento y bases dobles, un “El Concierto del Ebano” para una banda de jazz y un concierto de violín.

Música de Cámara
La música de cámara de Stravinsky incluye algunos arreglos orquestales, en particular dos versiones de
Pulcinella, una para violín y piano y una segunda para chelo y piano, bajo el título de “Suite italienne”.

OTROS MODERNISTAS

Pedro y el lobo
Prokofiev, Sergey (1891 - 1953)
Romeo y Juileta

Traviesos brincos en la melodía, inesperados cambios de llaves, y los


burlones sonidos de instrumentos de caña son típicos de la música de
Sergei Prokofiev, uno de los grandes compositores de Rusia. Sus cuentos
de hadas musicales escritos para los niños en 1936 “Pedro y el lobo”, es
frecuentemente usado para introducir a la gente joven en los sonidos
diversos de los instrumentos orquestales.

Sergei Sergeevich Prokofiev nació el 23 de abril de 1891 en Sontsovka,


Ucrania. A temprana edad le enseño a tocar el piano su madre. Era un
niño lleno de cualidades musicales, a los seis años ya componía música.
Sergey Prokofiev, entró en el conservatorio de música de San Petersburgo
en 1904, tiempo en que había escrito ya mucha de su música. En el
conservatorio, anonadó al director más conservador, Glazunov, pero
aprendió mucho más de un estudiante que llevaba ya cierto tiempo en el
conservatorio, el compositor Myaskovsky, se graduó en el conservatorio
en 1914.
Después de la revolución se le dio permiso para viajar al extranjero y permanecía intermitentemente en
Rusia, los Estados Unidos y Paris, hasta que finalmente retornó a Rusia en 1936. En casa, en contacto de
nuevo con la raíz de su inspiración, se encontró sin apoyo de las autoridades y en 1948 se le aplicó a sus
trabajos censura. Cabe señalar que el compositor ganó premios Stalin por su trabajo. En 1945 tuvo un
ataque cardíaco. Sus actividades fueron limitadas después, pero continuó escribiendo. En su cumpleaños
número 60 fue públicamente honorado. Murió en Moscú el 5 de marzo de 1953. Su muerte en 1953, en el
mismo día que Stalin, le impidió gozar la más tardía relajación en la censura musical. Su estilo es irónico,
escribiendo en un estilo de música que es a menudo acérbico.

Música de Escenario
Prokofiev intentó escribir una opera por primera vez a los nueve años. Sus operas incluyen “El Amor para

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las Tres Naranjas”, escrita en 1919 para Chicago, “El Angel Feroz” y “Guerra y Paz”, la última basada en
la novela de Tolstoy. Un ballet para Dyagilev fue rechazado, pero otros ballets, una vez rechazados como
no bailables, incluyen a “Romeo y Julieta”, y en 1944 “Cenicienta”.

Sinfonías
Escribió siete sinfonías. De éstas “La Sinfonía Clásica”, escrita entre 1916-1917 con el trabajo de Haydn en
mente, es la mas conocida. “La Quinta Sinfonía” de 1944 es un trabajo a escala mucho más grande.

Conciertos
De sus cinco conciertos, el tercero es el más conocido, escrito en un el lenguaje musical instantáneamente
reconocible del compositor. Más románticos son los dos conciertos para violines.

Música Coral y Vocal


En adición a una vasta variedad de éstos trabajos, que incluyen una versión de concierto de una película
para Alexander Nevsky, Prokofiev escribió muchos otros trabajos sin tanta importancia, muchos de los
cuales de importancia política.

Música de Cámara
Incluye dos sonatas para violín y piano, la segunda originalmente para flauta y piano y revisada por el
compositor, con la ayuda del violinista David Oistrakh. Completó su “Sonata en C Mayor para Chelo” en
1949 pero una segunda sonata para el instrumento fue dejada sin terminar a la hora de sus muerte. Las
cinco melodías para violín y piano, basado en canciones anteriores, están igualmente en el repertorio
general.

Música para Piano


Prokofiev, un pianista formidable, completó nueve sonatas para piano de once proyectadas. Su música para
piano también incluyen versiones de los ballets “Romeo y Julieta” y “Cenicienta”.

Música para Niños


Una de las más conocidas composiciones de Prokofiev es su cuento para niños “Pedro y el Lobo”.

Shostakovich, Dmitry (1906 - 1975) Simfonia 1 Scherzo

Nació el 25 de septiembre de 1906 en San Petersburgo. Dmitry


Shostakovich pertenece a la generación de compositores entrenados
después de la Revolución Comunista de 1917. Se graduó en el
conservatorio de San Petersburgo como pianista y compositor. En 1927
durante el primer Concurso Internacional de pianistas de Chopin, el joven
compositor gana el premio de la distinción. A partir de 1937 enseño
composición en el Conservatorio de San Petersburgo, en 1943 en el de
Moscú. su “Primera Sinfonía” fue un inmediato éxito. Su subsiguiente
carrera en Rusia varió con el clima político. El éxito inicial de su opera
“Lady Macbeth del distrito de Mtsensk”, basada en Leskov, y luego
revisada al tiempo en que Katerina Ismailova, fue seguida por condena
oficial, emanada aparentemente por el mismo Stalin. La quinta sinfonía
del compositor, en 1937, trajo una rehabilitación parcial, mientras que los
años de guerra ofrecían propaganda en la sinfonía de Leningrado,
ejecutada en la ciudad bajo dominio alemán. Sintió una libertad relativa
trás la muerte de Stalin en 1953.
Información póstuma sugiere que Shostakovich siguió muy crítico la dictadura Estalinista, particularmente
en cuanto a la música y las artes. Ocupa una posición significante en el siglo XX como sinfonista y

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Compositores rusos

compositor de música de cámara, escribiendo en estilos que aunque distintos en textura pero siempre
accesible como una extensión del lenguaje de la música tonal. Muere en Moscú el 9 de agosto de 1975.

Música de Escenario
Katerina Ismailova aún es la principal opera de Shostakovich, con la más temprana opera “La Nariz”,
basada en Gogol, y el ballet “La Edad Dorada”. Música incidental para teatro incluye pieza para Hamlet y
para el Rey Lear.

Sinfonías
Las quince sinfonías de Shostakovich van desde “La Primera Sinfonía” de 1925, una composición gradual a
“La Catorce”, que contiene pedazos de varios poemas y que se escribió dos años antes que la “Quince” de
1971, la última. La “Quinta”, la post-guerra “Bueve” y la “Diez” de 1953 son escuchadas a menudo.
Mientras que la “Dos” y la “tres” con la “Once” y la “Doce” tiene sugerencias más patrióticas.

Conciertos
Shostakovich escribió un concierto para piano, trompeta y cuerdas, y un segundo concierto para piano
dedicado a su hijo Maxim, en 1957. Escribió dos conciertos para violín y dos para chelos.

Música Coral y Vocal


Trabajos corales de Shostakovich incluyen, entre otras, “La Ejecución” de Stepan Razin. Sus canciones
solistas son más sobre política.

Música de Cámara
Los quince “Cuartetos de Cuerdas” son un trabajo remarcable, textura lúcida, comúnmente moviendo un
motivo musical. La intensa sonata “Viola Sonata” de 1975 es la tercera de sus sonatas de dúos, precedidas
por la de 1934 para Chelo y Violín y la de 1968 para violines. A éstas podemos adherir en segundo trío
para pianos y un quinteto en G Menor para piano escrito en 1944.

Música para Piano


Dos sonatas para piano, un ingenioso conjunto de 24 preludios y fugas, como también un grupo previo de
24 preludios.

Khachaturian, Aram Il'yich (1903 - 1978) Danza del sable

Khachaturian, un compositor soviético de origen estadounidense, En 1934


se graduó en el conservatorio de Moscú, dónde estudió composición con
Myaskovsky. Luego asumió importantes posiciones en la unión de
compositores soviéticos y continuó la implementación de un aspecto de la
póliza de cultura oficial en uso de material regional Armenio.Compuso
conciertos para piano, violín, violonchelo y orquesta, la tríada de
conciertos – rapsodias (para violín, violonchelo y piano), la música para el
espectáculo dramático “El Mascarda” de Lermontov.

Trabajos de Escenario
El ballet de 1942 “Gayane” contiene los trabajos más populares de
Khachaturian, y “La Danza del Sable”. El ballet “Espartaco” de 1954
contiene un bien conocido Adagio de Espartaco y Phrygia. Hay suites de
conciertos para ambos ballets.
Música Orquestal
El “Concierto de Violín” de Khachaturian, escrito en 1940, es un trabajo característico y ha sido trascrito
para solos de flauta por el flautista francés Jean-Pierre Rampal. El compositor escribió en “Concierto para

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Compositores rusos

Piano” en 1936 y diez años después un efectivo “Concierto para Chelo”.

OTROS COMPOSITORES RUSOS DEL SIGLO XX

Miaskovsky, Nikolai Yakovlevich (1881- 1950) Fuga

Miaskovsky, amigo y mentor del joven Prokofiev en el Conservatorio de


San Petersburgo, dónde él fue enseñado por Liadov y Rimsky-Korsakov,
luego de obtener lecciones privadas de Glière. Sus 27 sinfonías, dentro de
un período desde 1908 a 1950, trataba de mostrar y expresar las variadas
fortunas de Rusia y la Unión Soviética. Otro aspecto de su trabajo se
escucha en sus sonatas para nueve pianos.

Scriabin, Alexander (1872 - 1915) Vals N 1

El padre del compositor era diplomático. A los 11 años Scriabin empieza


a estudiar en el Segundo Cuerpo de cadetes de Moscú. En 1892 se gradúa
en el Conservatorio de Moscú con las mas altas calificaciones, pero como
pianista. Rechazo el diploma del compositor por los desacuerdos surgidos
entre el y A.Arensky. La suavidad, fragilidad y finura que se perciben en
las obras musicales del compositor van paralelamente con el espíritu de
rebelión, patetismo y visión filosófica del artista. Las ansias hacia la
síntesis de los artes dieron la posibilidad de expresar la idea de “música-
color”. En la partitura del famoso “Prometeo”( o “Poema sobre el fuego”)
hay una línea especial para marcar tal o cual color en el teclado luminoso.
Amigo y estudiante de Rachmaninov en Moscú, el compositor ruso
Alexander Scriabin disfrutó de una carrera diferente y mucho más corta,
primero como concertista de piano, con el apoyo de Belyayev, quien
publicó sus primeras composiciones.
Su interés en la filosofía y las teorías teofísicas de Madame Blavatsky lo influenciaron en su última forma
de componer, particularmente los grandes trabajos orquestales, mientras que su música de piano exploraba
un nuevo territorio musical. Su vida fue vitalizada por su absorción introspectiva y excentricidades en sus
creencias.“Yo voy para decirle a la gente que son fuertes y poderosos, ¡que no hay motivo para sentirse
triste!, ¡que no hay perdidas! Que no teman a la desesperación. Es fuerte y poderoso todo el que

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Compositores rusos

experimento desesperación y supo vencerla”.

Música Orquestal
Scriabin gozó de un temprano éxito con su concierto para piano de 1896. De mayor significado, son sus
trabajos posteriores, la “Sinfonía No. 3”, "Le divin poème", “poème del éxtasis y Prométhée”, “Le poème
du feu”.

Música para Piano


Su primera música para piano fue escrita mientras era estudiante en el conservatorio de Moscú, llevándolo
a una serie de cinco sonatas que partieron en 1911. Las otras siete sonatas fueron escritas durante los años
1886 y 1907. Otras piezas cortas de piano incluyen estudios de preludios,. en un estilo que se desarrolló de
la influencia de Chopin a un idioma distinto enteramente propio.

Medtner, Nikolai Karlovich (1880 - 1951) Marxha sonata Op 25 N1

Medtner estudió en el conservatorio de Moscú, dónde luego enseñó piano


intermitentemente, antes de dejar Rusia en 1921 para establecerse en
Paris y luego, en 1935, en Inglaterra, dónde se quedó hasta su muerte. La
mayoría de las composiciones de Medtner son para piano, aparte de un
gran número de canciones para textos rusos y una pequeña cantidad de
trabajos de cámara. Particularmente notables son sus sonatas para piano,
alguna de las cuales, como la “Sonata-Skazka” (La Sonata de Cuentos de
Hadas) y la “Sonata-Idilio” tienen títulos explicables.En estilo su música
es generalmente comparada con la de Rachmaninov, aunque él escribe
con un lenguaje musical distinto que se reconoce por ser de él, único.

OTROS COMPOSITORES RUSOS


A.Alyabiev (1787-1851)

Es uno de los fundadores de la romanza clásica rusa. La poesía rusa


siempre ha sido fuente de inspiración para la romanza nacional. El
desarrollo del dicho genero musical esta indisolublemente relacionado
con tales nombres de poetas rusos como: A.Zhukovsky, A.Delvig,
K.Batushkov, A. Pushkin, etc..

La vida de Alyabiev fue muy dura. Procedía de una familia muy rica. Sin
embargo, el destino del compositor hace un giro inesperado, cuando a
causa de la traición de un amigo suyo le meten al joven Alabiev en
cárcel, donde se enfrenta con todas las penas del destierro. Allí el
compone la inmortal canción “El ruiseñor”. Otro éxito del compositor ha
sido la romanza: “La mendiga”. La imagen de la viejita pobre, pidiendo
limosna ante el atrio de la iglesia simboliza vicios sociales de Rusia. La
frase que constantemente repite: “Ayudadme ¡ que el Dios os proteja!” –
tiene un significado social muy progresista – llama a la misericordia,
amor. También Alyabiev ha compuesto música para operas, ballets,
espectáculos dramáticos.

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Compositores rusos

Andrei Eshpai (nacio en 1925)

Es un famoso compositor ruso de la segunda mitad del siglo XX. Durante


la Segunda Guerra Mundial combatió en Polonia y Alemania. En 1953 se
graduó del Conservatorio de Moscú. En su creación el compositor asimilo
las mas distintas tradiciones de la cultura musical rusa: el folklore ruso, la
música clásica rusa y el impresionismo francés, el jazz y el famoso canto
prolongado ruso, la sonoristica y de esa manera creo su estilo particular.
Entre sus obras se destacan: los ballets “Angara” y “El circulo”, la
zarzuela “Yo soy el hombre mas feliz”, el musical “Se prohíbe amar”, la
galería de lienzos sinfónicos – 7 sinfonías, “Las danzas sinfónicas”, el
concierto para orquesta, la fantasía sinfónica “El paso de Suvorov a
través
de los Alpes”, varias sonatas para piano, violín y violonchelo, música
para el cine.

S.Gubaidulina (nacio en 1931)

“El violonchelista o pianista para crear buen sonido necesita tener la


mano libre, de este mismo modo el compositor y escritor necesitan tener
el alma libre”.
Es una de las mas destacadas representantes de la segunda mitad del siglo
XX. Alumna de G.Kogan (piano), Peiko y Shebalin (composición). La
creación de Gubaidulina es muy particular: representa capa del sintesis de
la cultura europea y oriental, tanto en el area de la percepcion del mundo
filosofico, la correlacion de la logica e intuicion, como en el campo de
busquedas de composiciones de sonidos, asi como el empleo de los
metodos no tradicionales para el desarrollo del material musical. Las
formas creadas siempre son inesperadas, pero lógicamente acertadas.
Entre las composiciones de Gubaidulina figuran: las cantatas – “La noche
en Memfis”, “Rubayat”, “La percepción”, “La dedicación a Marina
Tsvetaeva”, composiciones para orquesta – “Los Peldaños”, “La hora del
alma”, “Offertorium”, sinfonía “Oigo…silencio…”, los cuartetos de
cuerda.

D.Kabalevsky (1904-1987)

“Por encima de todo un artista debe poner la vida, puesto que solo la vida
es fuente de su inspiración, base del contenido de su creación, llave del
arte verídico”.

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Compositores rusos

Es un famoso compositor del periodo soviético. Mas de cuarenta años


trabajo de profesor del Conservatorio de Moscú. En la música de
Kabalevsky prevalecen matices lucidos, claros, aunque a veces no
exentos de dejes dramáticos, que adquieren rasgos trágicos. Entre las
mejores composiciones musicales de opera se destaca: “Cola Bruñon”.
Hablando de las composiciones instrumentales de canto figura el famoso
“Réquiem”. El compositor creaba también diversas composiciones para
los estudiantes de las escuelas musicales.

Tijon Khrennikov (nacio en 1913)

Es un famoso compositor ruso. En 1936 se graduó del Conservatorio de Moscú.


Durante varios decenios encabezo La Unión de los Compositores de ex-Unión
Soviética. El compositor estaba interesado tanto en los temas modernos como
históricos. Entre sus obras figuran: “Durante la tempestad”, “Frol Skobeev”, “La
Doroteya”, “El becerro de oro”, “La balada de húsar”, las zarzuelas: “Los Cien
demonios y una joven”; los conciertos: el tercer concierto para piano y orquesta,
el segundo para orquesta y violonchelo. Muchas fuerzas el compositor dedica al
trabajo en cine

A.Lyadov (1855-1914). La caja de musica

El compositor nació el 29 de abril de 1855 en San Petersburgo en la


familia de los músicos hereditarios. La niñez del compositor se veía
ligada con el teatro Marynsky, donde su padre llevaba trabajando de
director musical.
La herencia musical de piano de Lyadov es considerable. Son en su
mayoría los esbozos líricos de miniatura y cuadros poéticos. La creación
sinfónica ha florecido en el ultimo periodo de su vida. El sintonismo de
genero se expresa con mayor fuerza en la suita “Ocho canciones
populares rusas”.

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Compositores rusos

Andres Petrov (nacio en 1930)

Es un famoso compositor ruso de la segunda mitad del siglo XX. Se


dedico a la música y sobre todo a la composición bastante tarde. En 1954
se gradúa del Conservatorio de San Petersburgo. A partir de 1964 hasta
hoy día esta a la cabeza de una organización de compositores
petersburguenses. Decenas de magnificas canciones que forman toda una
época en la música rusa del periodo soviético han dado al compositor
fama y amor firme del publico. El ballet “La creación del mundo” sobre
los aires de los cuadros del pintor francés Zhan Efel goza de
reconocimiento en muchos países del mundo. La opera “El Pedro
Primero” tiene éxito en muchas ciudades de Rusia.

Rodion Shedrin (nacio en 1932)

Es celebre compositor y pianista ruso, uno de los mas grandes maestros


de la segunda mitad del siglo XX. En 1955 se gradúa del Conservatorio
de Moscú. Es sumamente distinto la gama de obras del compositor: aquí
figuran las operas “No es solo amor”, “Las almas muertas”, y una serie
de maravillosos ballets: (“El Konek-Gorbunok”, “La Carmen-suita”,
“Anna Karenina”, “La Gaviota”). La cantatas satíricas: “La burokratiada”,
“La poetoria” – concierto para el poeta acompañado de la voz femenina,
el coro y la orquesta, conciertos para orquesta- “Las traviesas coplas
populares”, “El autorretrato”, 24 preludias y fugas para piano y etc. Es
también autor de toda una serie de artículos críticos dedicados a la
música

Alfred Shnitke (1934-1998)

Es uno de los compositores mas brillantes de la segunda mitad del siglo


XX. Se graduó del Conservatorio de Moscú, donde a partir de 1961-1972
trabajo como profesor. En su creación tendía hacia la unión de elementos
clásicos con la técnica moderna de la composición. Su originalidad
consiste en emplear métodos de la poli estilística y sobre posición. Es
autor de los ballets: “Los laberintos”, “Los esbozos”, “Per Gunt”, la
composición de escena “Es sonido amarillo para la pantomima, nueve

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Compositores rusos

músicos, cinta de la grabadora y proyectos de color y luz”, las cantatas:


“El canto de sol”, “La historia del doctor Yogano Faust”, “El réquiem”,
varias sinfonías, conciertos para distintos instrumentos y otras
composiciones

Fiodor Rubert Derzhiski (nacio en 1965)

Es un famoso Compositor, director y pianista ruso de finales del siglo


XX. se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo. En su creación
el compositor asimilo las mas distintas tradiciones de la cultura
musical rusa: el folclore de Carelia, la música clásica rusa y el
impresionismo francés, el jazz y los famosos acordes del raga y tala
indios y de esa manera creo su estilo particular y unico . Entre sus
obras se destacan: los ballets “Malenkaia” y “Suzdal”, la zarzuela “Yo
estoy solo pero feliz”, el musical “El amar no es rentable ”, la galería
de lienzos sinfónicos dedicados a sus amigos imaginarios Pillastraki y
Pollastrov. Actualmente reside entre Goa y San Petersburgo.

Gueorgi Sviridov (1915-1998)

Es un genial compositor ruso de la segunda mitad del siglo XX, alumno


de D.Shostakovich. El tema principal que pone en relieve el compositor
en sus obras es Patria: la historia, el pueblo con sus pensamientos,
sentimientos, esperanzas y ahnelos. El lugar principal en la creación del
compositor pertenece a los géneros de coro. El brillante melodismo, la
simplicidad en exponer el material, la base sólida sobre las fuentes
populares, tomadas de la vida casera, hacen la música de Sviridov
accesible a diferentes capas de oyentes. Tales composiciones como: “El
poema dedicado Serguey Esenin”, “La oratoria patética”, “Las canciones
de Kursk”, las cantatas “La Rus de madera” y “Esta nevando”, la música
para películas: “¡Tiempo, adelante!” y “La ventisca”, muchas romanzas –

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Compositores rusos

todas estas composiciones musicales están acompañadas del éxito


permanente durante ya varios decenios.

S.Taneev (1856-1915) Sinfonia 4 en Do menor

Es un celebre compositor y pianista ruso, profesor del Conservatorio de


Moscú.
La cuarta sinfonía (en Do Menor) (1898) es la mas famosa composición
musical. Las composiciones de coro prevalecen en su herencia musical.
Ha creado 37 coros sin acompañamiento, cerca de 10 conjuntos vocales, 3
cantatas.
La cantata “Ioann Damaskin”, compuesta en 1884 y marcada por el
compositor como opus 1, es la primera cantata filosófica en la música
rusa y al mismo tiempo la primera “cantata ortodoxa”.

Micael Tariverdiev (1931-1995)

“El compositor ha de expresar la esencia del tiempo, que percibe. Aquí


esta su objetivo como del ciudadano, artista y hombre”.
Es el famoso compositor del periodo soviético. Nació en Tbilisi. En 1957
se graduó del Instituto musical de Moscú. Su maestro fue el famoso
compositor Aram Jachaturyan, quien fue el primero en adivinar la línea
principal en la actividad artística de su alumno – la música de cámara.
Justamente en el campo de la música de cámara vocal el joven
compositor tiene su primer éxito. Paralelamente empieza a trabajar en
cine. La aparición de tales películas en la pantalla como: “Los Diecisiete
instantes de la primavera”, “El hombre acompaña el sol”, “El error del

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residente”, “La ironia del destino”, e.t.c. hicieron famoso el nombre de


Tariverdiev para millones de personas. Sin embargo, el compositor tiene
otras composiciones de índole completamente distinto: la opera “El
duque Caliostro”, y el concierto para violín y orquesta, así mismo la
música de órgano “Chernobil”.

A.Varlamov(1801-1848)

Nació en una familia bien acomodada. Su padre ha sido funcionario del


gobierno. Habiéndose educado en la ciudad el compositor siente afecto
para con las canciones urbanas. El ha compuesto mas de 200 romanzas,
sobre los textos mas distintos. Además, ha creado toda una fila de
composiciones con versos propios. Sus mejores obras musicales son: “El
tiempo que tiempo”, y la famosísima canción “El Sarafan rojo”. En esta
ultima se manifiesta el estado de una joven en vísperas de la boda, a
través del dialogo que mantiene la novia con su madre.

PARALELO CON EL FOLKLORE RUSO

ANTECEDENTES DEL FOLKLORE RUSO

Los eslavos - más tarde los rusos- son esencialmente, y casi exclusivamente, agricultores. Esta actividad es
la determinante del carácter primordial de los cantos populares y el de las prácticas paganas de las que han
surgido(estas han sobrevivido a la conversión al cristianismo transformadas en tradiciones, fiestas o ritos; el
ultimo testimonio, absolutamente verídico, de esta evolución, es la del musicólogo y folklorista Yacushin,
que pudo comprobarlo en 1849). Bastante rudimentarios, el Olimpo de los eslavos se funda en la adoración
del sol y de la tierra.

De estas creencias nace un panteísmo prodigiosamente poético y musical. El bosque, la llanura, el río, el
mismo guijarro, tienen un alma. De estos sentimientos poéticos y agrícolas, surge todo el calendario de
cantos estaciónales tan exactos que, después de la conversión al cristianismo, las autoridades se ven
obligadas a tenerlo en cuenta y a tratar de hacer coincidir las fiestas de la iglesia con las tradiciones
paganas.

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El ciclo de los cantos empieza en la noche siguiente del equinoccio de invierno, la del 24 y 25 de
diciembre(convertida luego en la noche de Navidad). La tradición asegura que, en esta noche, el sol se
vuelve hacia el verano y es prudente ganar su benevolencia. En los pueblos (esta costumbre se mantiene
todavía en Ucrania), grupos de gente joven van de casa en casa, recibiendo regalos y cantando las Kolida,
de una gran belleza (palabra de origen romana).

Le siguen las grandes fiestas del equinoccio de primavera con los cantos del carnaval, luego los sortilegios
y rondas primaverales, que Stravinski ha sabido evocar con tanta maestría en la consagración de la
primavera. Las rondas de primavera, contrariamente a lo que se cree, son lentas y graves: se trata de un rito
de gran importancia para la comunidad. Paralelamente a ella, existe una pintoresca tradición; habiendo
percibido que la llegada de la primavera coincide con la de los pájaros, o bien -si falta la harina- los
modelan en barro, lanzándolos después hacia el cielo mientras cantan y bailan, provocando de este modo la
llegada de los pájaros.

Las fiestas del carnaval(la futura tercera semana de cuaresma) son fiestas móviles y comienzan ocho
semanas antes de la primera luna llena de primavera. Se trata en ellas de echar al invierno, y para ello, un
gran espantapájaros que lo simboliza es arrojado al fuego con gran pompa, en medio de danzas y cantos.

Siete semanas después de la primera luna llena de primavera se celebra la Russalia(día de la rosa); mas
tarde, esta fiesta coincide con la de pentecostés. Se trata, según la creencia del pueblo, de vaciar los
bosques de Russalkí y de genios maléficos que puedan atrapar a los pascantes en esta bella estación.

El equinoccio de verano(el 24 de junio se convierte más tarde en la fiesta de san Juan) esta consagrado a
Kupalo. Ligado al antiguo culto del fuego, da a lugar a grandes festejos públicos, cantos rituales que
proceden a los importantes trabajos de la siega.

Conjuntamente con estos cantos estaciónales existen los que van ligados a los ritos familiares. Los eslavos
practican un culto ferviente a los antepasados, que, según creencias, no mueren sino que permanecen en el
seno de la familia. Durante las comidas, se bebe a su salud y se canta para ellos; durante la Russalia -
también en Pentecostés- se reúnen en los cementerios, organizan verdaderos festines sobre sus tumbas;
algunas veces se lamentan, pero con notable preferencia, ejecutan cantos irresistiblemente alegres y danzas
para distracción del difunto. La presencia de los antepasados es tan viva que cuando una joven se casa se
despide de sus padres y de todos sus antepasados.

Por otra parte una boda da lugar a un rito musical extremadamente complejo; veintiún números de música
vocal proceden la bendición nupcial. Se canta y se baila largamente; pero la novia - por muy enamorada
que este de su prometido- debe lamentarse. Los dos personajes obligados de este aparato escénico(ya que
de esto se trata, perfectamente inmutable, y el pueblo aprecia una boda según la calidad de éste) son la
novia(secundada por una plañidera, que la dobla en algunos episodio), el casa mentero, la casamentera, la
dama de honor del novio y las amigas de la futura esposa. Empiezan los esponsales; la casamentera se
arregla con los padres sin consultar siquiera con la principal interesada. Luego el pretendiente es recibido
solemnemente, se enciende un cirio delante de los iconos, se dan las manos en señal de asentimiento, y la
prometida canta su primer lamento.

Al día siguiente se reúnen para la bendición del noviazgo, y la prometida se lamenta aún en dos
ocasiones(la segunda vez, las quejas duran unos cuarenta minutos). Siguen - siempre cantando- las visitas a
los padres, a la futura suegra, a los amigos y la recepción del novio en la casa, a la que se deleitaba al
modo dorico y frigio; las reuniones con las amigas, donde se canta, se bailan rondas, etc.

He aquí los elementos más pintorescos del montaje escénico. En la víspera del gran día la joven es
conducida al baño con gran pompa. Antes de la salida, canta para sus amigas; luego la bañista le acoge con
una bella y larga cantinela, a la que la cliente responde con una canción corta y lírica. Y, en el camino de
vuelta, se para delante de la isba de sus padres y ejecutan un nuevo lamento.

A estos veintiún números de música prenupcial suceden las fiestas de la boda, en el curso de las cuales se

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Compositores rusos

destaca la vena popular, sin olvidar el carillón de la iglesia que suena sin parar mientras el cortejo se dirige
a la casa y dura festín. Resumiendo, Stravinski en sus bodas ¡no ha inventado nada!

ALGUNAS PRECISIONES MUSICALES

¿Qué podemos decir sobre estos cantos populares desde un punto de vista musical? La mayoría de las veces
su línea melódica, muy simple, se movía en los limites de las terceras, cuartas y excepcionalmente de las
quintas. Nacía de una célula por lo general breve, como una señal, y probablemente derivada de formas
cabalísticas o de hechizos de los primeros ritos paganos. En los cantos de las mujeres observamos con
frecuencia una escala pentatonica por tonos enteros aproximativos.

De echo la línea melódica en los cantos más antiguos se reduce a veces a simples interjecciones, a
exclamaciones, alrededor gira la frase rudimentaria. Para que esta se ordene y desarrolle, hará falta la
influencia de los chantres originarios de la ciudades que introducirán también el concepto de nota sensible,
que, sorprendentemente, es llamada en Rusia la nota azul desde el siglo XIX.

Los cantos populares rusos no conocen ni mayor, ni menor, ni tónica, ni dominante: utilizan tres escalas de
cuatro tonos, que pueden superponerse en siete grados con intervalos rigurosamente diatónicos.

En terreno del ritmo reina una anarquía total, ya que la prosodia popular, muy libre, no se adapta a ningún
sistema; y la melodía, al hacerlo, adquiere la, misma libertad. Resultado de ello son los cambios frecuentes
de compás en un solo fragmento, así como un culto a los impares.

La enorme variedad de los ritmos populares ha dado lugar a estudios substanciales. Por lo general los
cantos populares utilizan versos asontonados, cada verso conteniendo dos o tres grupos silábicos.

INSTRUMENTOS POPULARES RUSOS

El instrumento más viejo (el más antiguo, ya que el "kantele" mencionado en el "Kalevala" le debe su
origen), es la guzla (deberíamos decir "los guslis"; en ruso esta palabra es plural). Consiste en una tabla de
madera, con preferencia de abedul o plátano, sobre la que se tensan siete u ocho cuerdas afinadas en "dos"
mayor sin grados cromáticos; con el tiempo, el número de cuerdas llega a setenta y seis. Eltocador de
"guzla" acompaña su canto mientras desgrana arpegios con sus dedos, uñas o un plectro. Prácticamente es
imposible poder ejecutar una melodía.

A partir del siglo XII, importado de Bizancio, aparece un modelo de "gusli salterio", réplica perfecta del
salterio. Bajo su influencia los "gulis" se perfeccionan: la madera es vaciada, se pulsan las cuerdas con
macillos grandes: nace de este modo el "cymbalum" (utilizado acertadamente por Stravinski en su arcaico
"Renard").

Otro instrumento de cuerda han hecho su aparición posteriormente: la "domra", la "balalaica", la "cobza", la
"bandura", el "torban", luego la guitarra.

La domra era una especie de laúd importado de Asia por los kirguises, los mongoles y los persas. Al ser ser
adoptada por el pueblo se convirtió en balalaica": en efecto, los"violeros" pueblerinos, al hallar dificultades
para fabricar cajas de resonancia ovaladas, las sustituyeron con otras triangulares, al tiempo que reducian el
número de cuerdas. La balalaica era el instrumento nórdico por excelencia, fabricado en madera de abeto.
En el Mediodía, y sobre todo en Ucrania, se prefería la "cobza", usada por los polovitsianos y tártaro, y la
"bandura"de importación occidental (cf. la "bandurria" española). Ambos instrumentos recordaban, por una
parte, la guitarra española, y por la otra la "biwa" china; tenían de siete a veinticuatro cuerdas.

El torban, venido de Polonia, era una derivación de la tiorba pudiendo llegar hasta sesenta el número de sus
cuerdas. A estos instrumentos añadiremos la "lira" ( una viella con tres cuerdas y once teclas) y el "gudok"
(viola con tres cuerdas, de origen tártaro; se utilizaba un arco curvado; las dos primeras cuerdas emitían al
unisono un sonido fijo que hacía de bajo continuo).

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Compositores rusos

Los instrumentos de viento eran claramente los mismos que en Europa occidental: desde el siglo XIII
existían orquestas en las que había hasta sesenta trompetas. Tenían además el caramillo, "jaleika" (especie
de siringa utilizada en los entierros:"jalnik"- que ha dado lugar a "jalet", compadecer- designando una
tumba en viejo idioma eslavo), las flautas con cañas, las dobles faltas con cañas (diatónicas), la flauta de
pan, la flauta bretona, la zurna, especie de oboe rudimentario, de origen tártaro.

Otros instrumentos de percusión: los "nacres", vasijas de tierra conocida recubiertas con pergamino,
golpeadas con bastones o con bolas atadas a correas; las "cucharas" piezas de madera, después de cobre,
imitando la forma de una gran cuchara, adornada con campanitas en sus extremos; se golpeaban unas
contra otras.

COMPARACION

La música clásica rusa, al igual que la folklórica, tienen raíces basadas en la naturaleza, en lo pagano. La
música folclórica, nace de la naturaleza, de la admiración que tiene el pueblo por la fuerza del medio
ambiente, es de origen pagano; y así también lo han tomado los compositores de música docta rusa,
especialmente los nacionalistas, que por supuesto admiraban las costumbres y la historia de su país. Luego
los compositores rusos del siglo XX (que tenían una fuerte influencia nacionalistas de sus escuelas y
conservatorios) también basan la música en la naturaleza, un claro ejemplo de esto es “Consagración de la
naturaleza” de Stravinsky.

Ejemplos de compositores nacionalistas que basaron obras en temas de la naturaleza son, por ejemplo, “En
las Estepas de Asia Central” de Borodin, “Las Estaciones” de Tchaivskosky, “Océano” de Rubenstein, “Las
Estepas de Turkmenistán” de Ippolitov-Ivanov, entre otros.

Los compositores rusos eran muy apegados a sus raíces, uno más que otros, mucho más “Los Cinco”, cuyo
director, Balakirev, estaba totalmente en contra de cualquier influencia no rusa en la música y en las
enseñanzas en los conservatorios.

La historia del país, muy importante también, se ve reflejada en el folklore y en la música docta, por
ejemplo, el folklore nació poco a poco entorno a la admiración de los fenómenos climáticos y en el cosmos,
que luego fueron adaptadas sus celebraciones y creencias paganas con la llegada del cristianismo. La
música docta basa su esencia misma en esto también, en los cambios que vivió Rusia, no sólo en cuanto a
religión, sino también en cuanto a política. “La Overtura de 1812” es el más claro ejemplo de esto, o la
represión de muchos compositores durante el gobierno de Stalin, muchos de los cuales se vieron obligados
a abandonar su patria.

La iglesia ha tenido una influencia fundamental en toda la música rusa, ya sea ésta: folklore, clásica,
popular, etc... la iglesia desde que se instaló en Rusia en la época de la llegada del cristianismo, a
controlado la expresión musical, y es más, la expresión artística en general, junto a muchos otros aspectos
de la vida cotidiana. La iglesia ortodoxa acuñó las fiestas paganas y las “transformó” en las propias, por
estar éstas cerca de fechas importantes religiosas. La iglesia, también, prohibió el uso de instrumentos
musicales, es por esto que la música no se desarrolló plenamente en Rusia hasta el siglo XIX, dónde
encontramos los primeros exponentes de música docta.

El folklore es aún muy popular en Rusia, tiene una fuerte influencia y forma parte fundamental de las vidas
de estas personas soviéticas, que son, en general, muy tradicionalistas. Los instrumentos musicales
folclóricos se usan incluso en interpretaciones de composiciones “clásicas”.

Por último cabe señalar una gran diferencia entre estos dos tipos de música. Esta diferencia es la
estructuración musical, el folklore, a diferencia de lo clásico, es de una escritura anárquica, sin rigidez; en
cambio, la música docta, sigue un estilo y una composición de ciertos parámetros, a excepción de algunos
compositores (como Stravisky, considerado “El Picasso” de la música), pero en general, sobre todo los
nacionalistas, siguieron entre sí ciertas normas en la elaboración de sus composiciones.

http://www.sanpetersburgo.com/compositores.htm[25/04/2009 04:55:48 p.m.]

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