Vanguardias del siglo XX:

Fauvismo: 1905/ Expresionismo: 1905/ Cubismo: 1907/ Futurismo: 1909/

Dadaismo: 1913/ Surrealismo: 1920.

1.Definir con tus propias palabras Modernidad, Movimiento moderno y Modernismo.

MODERNIDAD:
La modernidad comienza con la revolucion industrial y las consecuencias de la misma:
Se traslada la atencion y el eje a las fabricas donde se realizan objetos para la vida
cotidiana, para mucha gente, al menor costo posible.
Se plantea la discucion entre los aspectos esteticos y funcionales de los nuevos
productos. Dejando atras el arte clasico y revalorizando el concepto de belleza, donde lo
bello es aquello que conceptualmente responde a una necesidad o pedido social o
económico

“Alguien se tiene que hacer cargo de pensar en como vender todos los nuevos productos
fabricados”

MOVIMIENTO MODERNO:
Un movimiento es varias personas que les molesta o se queja de lo mismo y lo expone
de diferentes formas, tienen en comun la exprecion y el uso de color entre otras cosas.
En el caso del movimiento moderno se aprovecharon los nuevos materiales surgidos a
partir de las fabricas de la revolucion industrial para poder expresar sus ideas.
Entre los posibles materiales estaban el hormigon, el vidrio, el acero.
Habia poca o nula decoracion, la idea era aprovechar al maximo estos nuevos
materiales.

MODERNISMO:Nombre que se le otorgo al periodo artistico transcurrido entre fines

del siglo XIX y principios del siglo XX. La modernidad.

2.Definir de cada vanguardia el año de comienzo, al menos un exponente y tres

conceptos o palabras que la caracterizan

CUBISMO – 1905
Principales exponentes: Paul Cezanne, Pablo Piccaso y Juan Gris
Caracteristicas: Formas madre – 4ta dimension – analitico/cientifico
FUTURISMO – 1909
Principales exponentes: Filipo Marinetti, Giacomo Balla, Antonio Sant’Elia
Caracteristicas: movimiento – deshumanizacion – sensaciones

DER BLAUE REITER – JINETE AZUL – 1911

Principales exponentes: Kandinsky, Franz Marc, August Macke
Caracteristicas: bidimencion – figuras geometricas – color semantico

SUPREMATISMO – 1914
Principales exponentes: Kasimir Malevich, Mondrian
Caracteristicas: equilibrio – figuras geometricas – abstraccion

CONSTRUCTIVISMO – 1915
Principales exponentes: Lissitzky
Caracteristicas: facil comprencion – revolucion – responde a necesidad

DADAISMO – 1916
Principales exponentes: Marcel Duchamp, Tristan Tzara, Man Ray
Caracteristicas: absurdo – ready made – escandaloso

SURREALISMO –
Principales exponentes: Salvador Dali, Max Ernst
Caracteristicas: tensión emocional – inconciente – drama

Apunte II

NGUARDIAS SIGLO VEINTE

A principios del 1900 se dio una fusión entre dos aspectos: el formalismo y la
introducción a los sentimientos.
- La introducción a los sentimientos tiene que ver con la relación del hombre con los
objetos. Cambia la mirada y se establece un nuevo vínculo que hoy llamamos proceso
perceptivo. Cuando uno percibe se involucran todos los sentidos. Se establecen dos
aspectos importantes: el tiempo y la modalidad de percepción. En el siglo XX cambia el
tiempo y la modalidad de ver. El hombre ve los objetos y en su interior surgen
sentimientos y a partir de ellos las imágenes. Se descubren nuevas maneras de
representar la naturaleza, desarticulando la pincelada y generando nuevos colores y
texturas. La representación de las apariencias externas no satisface las necesidades y la
visión de la vanguardia europea.
- El formalismo tiene que ver con reglas que se establecen previamente. A partir del
lenguaje predeterminado puedo generar las imágenes.

Las vanguardias van a apoyarse tanto en el formalismo como en la introducción a los

sentimientos. No sólo produjeron artísticamente sino que se comprometieron política y
socialmente. Todas las vanguardias escribieron manifiestos en panfletos, en poesías, en
periódicos. A partir de esas escrituras dieron a conocer su ideología.

ALEMANIA: EXPRESIONISMO

Se relaciona con el dadaísmo berlinés

Influencias ideológicas:
Nietzsche:
Su brillante nihilismo neorrománico, del que emergen ásperos ataques contra los valores
de la sociedad burguesa, es de fuerte influencia para los expresionistas.Los movimientos
expresionistas fueron desarrollados principalmente en Alemania. Para el artista
expresionista no tiene sentido hacer una réplica del mundo. La función del artista
consiste en indagar su significado fundamental y recrearlo. Sólo con la fuerza de su
sentimiento el artista captará en la realidad lo eterno e inmutable. Se trataba de hacer
presión sobre la realidad para que de ella saliera su latente secreto.

En este hacer presión está el origen de la deformación expresionista que se remonta a

Van Gogh y Munch. Estos artistas franceses fueron quienes ejercieron la mayor
influencia sobre los expresionistas alemanes. Se deforma la realidad para expresar los
valores que se quieren poner en evidencia

El expresionismo se opone al impresionismo, al positivismo y a la sociedad de su

tiempo. Se trata de pintores que se compenetran con la realidad de fin de siglo: obreros
y niños explotados, guerras, cuerpos mutilados, y realizan una denuncia social a partir
de su arte. Lo primordial era transmitir emociones y sentimientos, buscando producir un
choque emocional en el espectador. En ocasiones utilizan pinceladas bruscas y colores
violentos e intensos. El color es una de las principales herramientas en la búsqueda por
alcanzar la representación de las emociones internas.

El puente (1905-1913)

El primer grupo de expresionistas alemanes originados en 1905 se llamó El Puente. Sus

fundadores fueron Kirchner, Bleyl, Heckel y Schmidt-Rottluff. Luego se les unieron
Nolde, Otto Müller y Pechstein. La intención del grupo era atraer a todo elemento
revolucionarioque quisiera unirse, por eso el nombre El Puente. Este grupo edita “El
Almanaque del Jinete Azul” con sus fundamentos teóricos.

El grupo no tiene reglas fijas ni bases ideológicas claras. Kirchner afirma que las reglas
para una obra se forman durante el trabajo y a través de la personalidad del pintor. La
ideología en común era la destrucción de todo canon que pudiera obstaculizar la fluida
manifestación de la inspiración inmediata.
La pintura sobre todo de Müller, Kirchner y Nolde no es casi nunca agradable. En ella
siempre hay algo de estridente, de grosero y de híbrido. Las influencias francesas de
Van Gogh y Munch son visibles. Ya en sus primeras manifestaciones es evidente que el
contenido supera a la perfección formal. Este grupo rescata a los marginados, las
prostitutas, personas discapacitadas como principales temáticas. La intensidad de los
colores y la distorsión de las formas logran expresar su apasionamiento y riqueza
imaginativa.

Müller pinta gitanas y muchachas, como también Nolde. Kirchner pinta las calles y la
vida artificial de la ciudad, y capta el aislamiento y lo fantasmagórico del hombre en las
metrópolis. Su trazo es una apretada secuencia de saltos, semejante a las descargas
nerviosas.

Nolde pinta paisajes con gran intensidad donde condensa los gritos de miedo y de dolor
de los animales. Un sentimiento trágico de la naturaleza preside en la creación de Nolde.
Para él, el descubrimiento de lo primitivo será el descubrimiento de lo primordial, de lo
esencial del universo. En el acto creativo evita cualquier reflexión previa y para éllos
colores tiene una vida propia. Junto con los paisajes hay que incluir sus cuadros
figurativos de tema religioso. Estos cuadros tienen algo de lo grotescto de Ensor.

El jinete azul (1911-1914)

Fue fundado eb 1911 por Kandinsky y Franz Marc. Algunos de los integrantes son
Kubin, Münter, Macke y Klee. El nombre del grupo viene del amor de Kandinsky por la
imagen de fábula de los jinetes y de la inclinación estética que Franz Marc tenía hacia
los caballos.

Los artistas de El Jinete Azul no aceptaban la poética de El Puente; el instinto y el

temperamento no los persuadían. Sentían la necesidad de modular un lenguaje más
controlado para emitir sus mensajes. No buscaban un contacto fisiológico con lo
primordial, sino más bien captar la esencia espiritual de la realidad. Se oponían al
expresionismo que utilizaba la deformación física para lograr su objetivo. Desarrollaron
un arte espiritual, en el que redujeron el naturalismo hasta llegar a la abstracción.

Según este grupo, el artista debía mantenerse distante de la vida oficial. Esta evasión no
era hacia el mundo salvaje de la naturaleza, sino hacia lo espiritual de la realidad, al yo
interior, a la verdad del alma.

Este grupo no adopta actitudes bárbaras, sino refinadas y casi aristocráticas. En las
obras de El Jinete azul color se libra de la figuración naturalista. La primera exposición
fue exclusivamente de obras gráficas, dibujos y acuarelas.

Kandinksy basa su ideología en Blavatzky, una nombre rusa que escribe “La doctrina
secreta”, donde entabla relaciones con las religiones y su simbología yestablece
patrones comunes. Ella afirma que hay tres figuras madres que son simbólicas: el
círculo, el cuadrado y el triángulo. Según, Blavatzky uno puede llegar a Dios a través
del conocimiento de las ciencias sagradas ocultas y sin intermediarios como el Papa.

Para Kandinsky el arte debía alejase de la realidad material y acercarse a la abstracción.

Publicó De lo espiritual en el arte, primer tratado teórico sobre la abstracción Él afirma
que cuanto más espantoso se vuelve el mundo, el arte debe volverse más abstracto. Al
separarse de su condición material, Kandinsky pretende unirse a la esencia de Dios.

Kandinsky realiza una complicada simbología psicológica de los colores y las formas.
Afirma que los colores, según correspondan a determinados grados de
oscuridad/luminosidad de tonos cálidos o fríos tendrán diferentes resonancias en el
alma. Es decir que Kandkinsky piensa que los colores tienen diferentes sonidos que
producen distintos sentimientos. Así Kandkinsky expuso sus primeras tentativas de
música cromática.

A su vez, las formas y los colores tienen significados místicos. El círculo representa a
Dios y el a color azul representa lo perfecto, lo inalcanzable. El triángulo es la llama del
espíritu Santo y el color de la espiritualidad es el dorado. El color rojo (color de la
tierra, de la pasión, de la sangre

Este grupo rescata a los marginados, las prostitutas, personas discapacitadas como
principales de Cristo) representa a Cristo, al hombre, así como también el número
cuatro (cuatro estaciones, cuatro puntos cardinales) y el cuadrado

Sepuede observar en los primeros resultados abstractos de Kandinsky cierta influencia

del arabesco floral del Art Nouveau.

Klee está convencido de poder penetrar la corteza del mundo fenoménico, a diferencia
de Kandinsky, para quien el mundo objetivo es infranqueable y por lo tanto el arte no
puede ser más que abstracto. Klee rechaza la abstracción absoluta. En la obra de Klee se
pueden descubrir ciertos detalles de Klimt.

FRANCIA: CUBISMO (1907-1914)

Influencias ideológicas:
Einstein:
Teoría de la relatividad: Einstein afirma que a las tres dimensiones euclidianas (alto,
ancho y profundidad) debe agregarse una cuarta dimensión en donde se unen espacio y
tiempo.

El cubismo es un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914 nacido en

Francia a partir de cuadro “Las señoritas de Aviñón” de Pablo Picasso. Entre sus
integrantes se encuentran Picasso, Braque, Gris, Léger, Metzinger, Gleizes y Delaunay.
Los cubistas reprochan a los pintores impresionistas ser sólo retina y no cerebro. Los
impresionistas defendían el objetivismo, el cual aplicaba la primacía del ojo sobre el
pensamiento. Los cubistas tienden hacia lo subjetivo y rechazan la figuración imitativa
de la naturaleza. El cubismo no es un arte de imitación, sino de pensamiento.

Están influenciados por Cézzane, quien afirma que los objetos tienen partes contenidas
en esferas, conos o cilindros. Éstas son las tres formas geométricas básicas a través de
las cuales está conformada la realidad. También las obras de culturas africanas
contribuyeron a su surgimiento. A través de diversasexposiciones, Picasso conoció la
escultura africana, que simplificaban las formas. Esta síntesis es posible porque en el ser
humano está instaurada la capacidad para entender qué es la forma.

CARACTERÍSTICAS VISUALES

Perspectiva múltiple
El cubismo es considerado como la primera vanguardia porque rompe con lo
académico, con lo anterior, con la perspectiva renacentista. Adopta una perspectiva
múltiple: se representan diferentes puntos de vista de la realidad en el mismo plano (por
ejemplo, encontramos en un rostro la nariz de perfil y los ojos de frente, es decir, el
desdoblamiento del cuerpo humano). A esto se le llama cuarta dimensión. La forma es
conceptualizada: se observa al objeto en el espacio y luego se compone en el plano.
Picasso estudia los objetos como un cirujano diseca un cadáver. Se buscan los puntos de
vista más significativos para representar a los objetos. En ocasiones, son simplificados
al punto de quedar irreconocibles. A veces se los representa por un solo aspecto, como
ocurre con los violines insinuados sólo por la presencia de la cola de los mismos (se
emplea una parte en lugar del todo del objeto).

Geometrización
A su vez, las formas observadas en la realidad se abstraen en formas geométricas.
Picasso reduce la realidad a cubos, prismas y pirámides. Se observan en las obras
cubistas líneas y planos refractados y sombreados arbitrarios. Para el cubismo la
geometría es a las artes plásticas lo que la gramática es a la escritura.

TEMAS
A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre
ellos seencuentran sobre todo bodegones, paisajes, retratos, naturaleza muerta. Los
temas de la obra son menos importantes que el tratamiento que se les aplica.

Dentro del cubismo podemos distinguir dos fases

CUBISMO ANALÍTICO (1910-1912)

Consistió en la representación de los objetos desde distintos puntos de vista: la totalidad
del objeto se representa simultáneamente para verlo no es su apariencia sino
racionalmente, como que sabe que está construido. La pintura es casi monocroma en
gris y ocre. Los colores no interesaban pues lo importante eran los diferentes puntos de
vista y la geometrización, no el cromatismo.

Así fueron elaborando un nuevo lenguaje que analiza la realidad y la descompone en

múltiples elementos geométricos. Los puntos de vista se multiplicaron, abandonando la
unidad del punto de vista de la perspectiva renacentista. Algunas obras parecen casi
abstractas por la cantidad de puntos de vista representados. Los planos se independizan
en relación al volumen de manera que es difícil descodificar la figuración.

Es también característica la utilización de líneas separando planos y objetos.

Aunque en la época no resultaba fácil separar el cubismo de la abstracción (lo que

provocó el escándalo y el rechazo del público) hoy es evidente que siguen sujetos a una
representación figurativa de las cosas reales. Se seguían representando sillas, botellas o
figuras humanas, aunque las descompusieran en planos y volúmenes geométricos. No se
apartaban de representar la realidad, sino que querían representarla en el cuadro con un
nuevo lenguaje para queel espectador se encontrara con algo diferente y nuevo.

CUBISMO SINTÉTICO (1913-1914)

Picasso y Braque comenzaron a poner periódicos en sus obras, lo que hoy en día se
llama collage. De esta forma, hay un mayor acercamiento a la realidad mediante la
inclusión directa en el cuadro de materiales y objetos cotidianos (trozos de periódico,
papel de pared, rejillas, madera, cartón corrugado, alambre tejido, partituras, naipes,
cajas de cigarrilos, etc). La textura de los elementos del collage podía significar objetos.
Por ejemplo, a menudo incorporaban letras y palabras de los periódicos para establecer
significados de asociación.

Por otro lado, el color es más rico que en la fase anterior, utilizándose tonos más vivos y
las líneas rectas comienzan a flexionarse. En esta etapa el cubismo inventó formas que
eran signos más que representaciones del objeto; se representaba la esencia del objeto.
Las obras son más fáciles de entender en cuanto a que son más figurativas. La
representación de los objetos no está sujeta a la visión de todos sus lados sino que sino
que se reduce a sus atributos esenciales.

En el cubismo se manifestaron cuatro tendencias:

Cubismo científico: pintar composiciones con elementos tomados, no de la realidad
visual sino del conocimiento.
Cubismo físico: pintar composiciones con elementos extraídos de la realidad visual.
Cubismo órfico: pintar composiciones con elementos tomados, no de la realidad visual,
sino enteramente creados por el artista.
Cubismo instintivo: pintar cuadros inspirados no en la realidad visual sino en la
sugerida alartista por el instinto y la intuición.

ITALIA: FUTURISMO 1909

Influencias ideológicas:
Darwin
Teoría de Darwin de la evolución de las especies.
Poetas simbolistas franceses

Fue fundado por Marinetti, quien publica su Fundación y Manifiesto del Futurismo en
1909 en el periódico. El mismo proclama el rechazo al pasado y la tradición, por eso la
palabra Futurismo. Los futuristas quieren destruir el arte de imitación, los museos, las
críticas de arte y el formalismo académico: museos, academias y bibliotecas. Y a su vez
también quieren combatir contra el moralismo y el feminismo.

En 1910 cinco artistas que se unieron a Marinetti publicaron el Manifiesto de los

pintores futuristas. Estos son: Boccioni, Carrá, Russolo, Balla y Severini. El Manifiesto
de la arquitectura futurista fue escrito por Sant´Elía.

IDEOLOGÍA

Los futuristas fomentaban las muchedumbres agitadas y las marchas revolucionarias.

Fue el primer movimiento artístico que gozó de una audiencia de masas. Fueron una de
las vanguardias más comprometidas políticamente. Muchos futuristas debieron ir a la
Guerra. A su vez, posteriormente apoyaron a Mussolini.

Están fascinados con la revolución industrial y proclaman la pasión por la era de las
máquinas, la tecnología, la vida moderna y la guerra. Creen que con una destrucción
total se puede construir desde cero la nueva cultura occidental (de ahí el apoyo a la
guerra). Los futuristas apoyan a la guerra porque hace que sobrevivan los más aptos y
por ello apoyan al Fascismo. La guerra es por lo tanto la “higiene del mundo”.

Proponencelebrar el amor al peligro y afirman que valor, audacia y rebelión serán los
elementos esenciales de su poesía.

CARACTERÍSTICAS VISUALES Y TEMAS

Los futuristas proponen abandonar los anteriores temas representados para glorificar el
mundo moderno, un mundo que va a ser transformado continuamente por la ciencia y la
máquina. Afirman que la magnificencia del mundo ha sido enriquecida con una nueva
belleza: la belleza de la velocidad. Por lo tanto, en sus obras una característica
importante es la representación del movimiento. Para el futurismo, la belleza está dada
no por el equilibrio y la armonía, sino por la velocidad, el dinamismo y la desarmonía.
Por lo tanto, la armonía es rechazada como una cualidad de diseño.

Consideran que las obras que no tienen un carácter agresivo no pueden ser consideradas
obras de arte. Afirman que el arte no puede ser más que violencia, pues quieren lograr la
impresión psíquica total y consideran que tienen que impactar para mover el interior del
individuo.

PINTURA Balla, Carrá, Russolo, Severini y Boccioni

Los pintores futuristas declaran la guerra a los artistas atascados en la tradición y el

academicismo y desprecian profundamente toda forma de imitación. Se rebelan contra
la armonía y el buen gusto. Pretenden representar la vida actual transformada
continuamente por la ciencia y la tecnología.

Estuvieron influenciados por el cubismo (por la presentación de diferentes perspectivas

en una misma obra de arte), pero se aventuraron a expresar el movimiento, la energía y
la secuencia dinámica.

En sus cuadros vemos siemprealgo que denota velocidad y movimiento, como texturas
trabajadas con el dedo. También realizaron collages con partes de diarios y objetos
cotidianos.

Utilizan colores brillantes, del pomo y consideran que una obra que debe tener un
carácter agresivo para llegar a ser obra de arte. Sin embargo, creían que sus obras nunca
pudieron terminar de reflejar lo que querían.

Por otro lado, creen que el proceso perceptivo no parte de la mirada del observador sino
de la energía que irradia el objeto. Por esto afirman que para pintar una figura no es
necesario hacerla, es necesario hacer su atmósfera. Pretenden reflejar el movimiento y la
luz destruyendo la materialidad de los cuerpos.

ESCULTURA

Boccioni
Boccioni combina en sus obras escultóricas la madera, el hierro y el cristal. “Formas de
continuidad en el espacio” es una escultura de un cuerpo humano esforzándose por
avanzar. En este avanzar la masa muscular del tronco, las piernas y los brazos se va
descomponiendo. El objetivo principal de esta escultura es el dinamismo. Boccioni
superpuso acciones consecutivas, una serie de fotos tomadas a gran velocidad e
impresas en el mismo plano, intentando representar simultáneamente el pasado, presente
y futuro.

Brancusi
Comienzos del mundo: bronce sobre plato de metal. El huevo de bronce hace de espejo.
Al ser curvo Brancussi juega con el movimiento virtual.

PALABRAS EN LIBERTAD Y TIPOGRAFÍA LIBRE

Los futuristas entienden a las palabras y a las letras libres de condicionamientos

sociales. Convierten la escritura y la tipografía en formas visuales expresivas.Marinetti
y sus seguidores produjeron una poesía que desafiaba la gramática y la sintaxis
ortodoxas. A su vez, estaban a favor de la deformación de las palabras a partir de la
embriaguez lírica (acortarlas, estirarlas, etc). De esta manera pretendían llegar a una
nueva ortografía expresiva libre.

Los futuristas empiezan a entender a la letra como una imagen, como una semantización
de las palabras. En la página impresa nace un diseño tipográfico llamado tipografía libre
y palabras en libertad. Liberados de la tradición, los futuristas animaron sus páginas con
una composición dinámica y no lineal, rompiendo con la ortogonalidad.

La revolución tipográfica es contra la armonía tipográfica en la página. Marinetti

pretende emplear en una misma página tres o cuatro tintas de colores e incluso veinte
caracteres de letra si hace falta. Por ejemplo, cursivas para sensaciones rápidas, negritas
para onomatopeyas violentas, etc. Con esto pretende redoblar la fuerza expresiva de las
palabras con una determinada funcionalidad comunicacional.

Muerte del verso libre

Está destinado a que lo reemplacen las palabras en libertad. El verso libre empuja al
poeta a efectos sonoros fáciles y melodías tontas.

Imaginación sin cadenas

Con esto, Marinetti se refiere a la libertad absoluta de analogías, expresadas sin cadenas
de sintaxis que las conecten y sin puntuación. Lo que pretende es afinidades más
profundas y sólidas en las analogías, por remotas que parezcan. Pretende descubrir
nuevas analogías entre cosas aparentemente distantes y contrarias. Compara una, por
ejemplo,ametralladora con una femme fatale o para representar la vida de una hoja de
pasto dice: mañana seré más verde, animalizando al ser humano.

Muerte del yo literario

Marinetti al yo obsesivo que los poetas han descrito, cantado y analizado. Afirma que
hay que abandonar la costumbre de humanizar a la naturaleza, atribuyendo pasiones y
preocupaciones humanas a animales, plantas, piedras. En cambio, hay que expresar la
pequeñez que nos rodea, lo imprescindible e invisible, la agitación de los átomos.

Adjetivo semafórico, faro o atmósfera

El adjetivo calificativo supone una restricción de la intuición. El adjetivo debe usarse en
la menor medida posible y en distinta forma: deben usarse para marcar el ritmo,
separados de los sustantivos, aislados entre paréntesis. En un conglomerado de palabras
en libertad para describir un viaje en mar se podría colocar: (calmo, azul, metódico y
habitual). No es sólo el mar calmo, azul metódico y habitual, sino también el barco, su
maquinaria, los pasajeros, etc.

Verbo infinitivo
El infinitivo niega la existencia de la oración e impide que el estilo se haga más lento, es
por esto que debe ser indispensable.

Onomatopeya y símbolos matemáticos

Marinetti está a favor de la introducción de onomatopeyas para expresar los sonidos y
ruidos de la vida moderna. A su vez, los futuristas ponen entre paréntesis indicaciones
tales como (rápido), (más rápido), (más lento) para controlar la velocidad de estilo.

Lirismo multilineal
Prentende lograr la simultaneidad lírica que también obsesiona a los pintores futuristas.
Dada unapágina que contenga manojos sensaciones y analogías, cada uno de los cuales
compuesto de tres líneas, la primera línea de todos los manojos será por ejemplo de
sensaciones musicales, la segunda será por de sensaciones y analogías de olfativas, etc.

ARQUITECTURA

El Manifiesto de la arquitectura futurista fue escrito por Sant´Elía, el cual proclama una
construcción basada en la tecnología y la ciencia, así como un diseño para las demandas
propias de la vida moderna. Considera absurda la decoración y utiliza líneas dinámicas
diagonales y elípticas porque su fuerza emocional es mayor que la de las horizontales y
verticales.

Sant´Elía construye la ciudad del futuro, llena de autopista, llena de autopistas. Hay en
él un compromiso social de pensar en el diseño de una ciudad.

SUIZA Y ALEMANIA: DADAÍSMO 1914

Influencias ideológicas:
En 1917 surge el cabaret Voltaire como un lugar de reunión para poetas, pintores y
músicos jóvenes. En este lugar surge el dadaísmo. Se da en una primera etapa en Zurich
y luego en Berlín.

IDEOLOGÍA Y CARACTERÍSTICAS VISUALES

El dadaísmo nace como una necesidad de independencia, de desconfianza hacia la

comunidad. Los dadaístas están en contra de la guerra, de la decadencia de la sociedad
europea, de la fe ciega en el progreso tecnológico, de la insuficiencia de la religión y los
códigos morales, de la burguesía y de la sociedad materialista y capitalista. A su vez,
rechazan la tradición y no reconocen ninguna teoría, pues defienden la libertad y la
espontaneidad por sobre todo. En el manifiesto dadaísta de 1918 Tzara afirma:“Basta de
academias cubistas y futuristas, basta de laboratorios de ideas formales”.

Dadá es sobre todo la negación absoluta, el nihilismo (negación de todo principio), la

anarquía, la oposición a cualquier regla, ley o receta, incluido el propio dadaísmo. Uno
de los principios básicos del dadaísmo es cuestionarse todo, incluso el propio dadaísmo.
Ellos consideran que hay que dudar de todo, incluso de Dadá.

Promueven la libertad del individuo, lo espontaneidad y lo aleatorio. Sus integrantes

están interesados en el escándalo, la protesta y el absurdo. Realizan acciones
espontáneas y azarosas. De hecho, su propio nombre, “Dadá” fue producto del azar: al
abrir un diccionario francés y apuntar rápidamente a una palabra. Por otro lado, afirman
que para hacer un poema hay que elegir un artículo del diario, recortar cada palabra,
mezclarlas en una bolsa y luego sacar una por una aleatoriamente colocándolas en ese
orden (El cadáver exquisito).

Al reaccionar contra un mundo que se había vuelto loco, el dadaísmo afirmaba ser el
antiarte y poseía un fuerte elemento destructivo y negativo. Pero con esta agresividad se
intentaba producir un cambio. Ellos consideraban que el artista nuevo protesta, ya no
pinta. Dadá es antiartístico, antiliterario y antipoético. Los dadaístas querían generar con
sus creaciones una provocación contra el buen sentido, las reglas y la ley.

El dadaísmo utiliza las formas populares y objetos de la vida cotidiana como medio para
descolocar al público. Los dadaístas buscan escandalizar al público adormecido.

En las manifestaciones de Dadáestán excluidos cualquier sentido o sintaxis. La

tipografía Dadá es asintáctica y desconcierta al lector, combinando una mezcla de
caracteres y tamaños tipográficos. Los dadaístas rompen con la ortogonalidad del texto
y utilizan viñetas como mero adorno. A su vez, en muchas de sus composiciones
separaron la palabra de su contexto, pues sus composiciones estás destinados a ser
vistos como formas y a ser leídos como sonidos puros.

Los artistas dadaístas afirman haber inventado el fotomontaje, la manipulación de

imágenes y sus yuxtaposiciones azarosas.

Tzara
Fue un poeta húngaro que guiaba el movimiento dadaísta. Es el que les da letra a los
dadaístas. En 1917 editó el diario Dadá junto con Arp y Ball. Explora la poesía fonética
y del absurdo. Los textos de Tzara son ridículos y violentos.

Duchamp
Para Duchamp, tanto el arte como la vida eran procesos del azar. Esta filosofía de
absoluta libertad permitió a Duchamp crear la escultura ya hecha o Ready made (como
su rueda de bicicleta montada en un banco de madera) y mostrar objetos convencionales
como un orinal. Con el orinal, Duchamp agarra un objeto cualquiera carente de valor
artístico, lo firma y lo presenta fuera de su contexto habitual, dándole categoría de arte,
resignificando al objeto y cuestionando el concepto de arte tradicional. Al crear obras de
arte a partir de objetos simplemente eligiéndolos, Duchamp ataca de raíz el problema de
determinar cuál es la naturaleza del arte y trata de demostrar que tal tarea es una
quimera. El ready-made introducía una fuerte crítica a la institucionalidad y
elfetichismo de las obras de arte. Sus objetos y ready mades suelen tener nombres que
no guardan relación con el objeto.

El público se escandalizó cuando Duchamp pintó un bigote sobre una reproducción de

la Mona Lisa. Sin embargo, este acto de ironía y humor negro no era contra la Mona
Lisa, sino un ataque ingenioso contra la tiranía de la tradición. Duchamp toma dos años
de historia y agarra la obra de arte más emblemática y se burla de todo ello, pues
considera que a la sociedad le corresponde este arte ridículo. Toda su obra es una burla
al espectador, carente por completo de significado de ningún tipo.

Duchamp es artista porque tiene capacidad creadora, pues se da cuente de que la idea o
el concepto es lo que vende. El arte conceptual de los años ´60 le debe mucho a
Duchamp.

Picabia
Pinta piezas mecánicas y las ensambla dándoles cierto rasgo humanoide. Se trata de un
ensamblaje sin sentido porque la guerra no tiene sentido.

Manray
Realizó como Marcel Duchamp ready mades. Sus fotomontajes se divulgaron en la
revista Camera Work. Fundandor con Duchamp del dadaísmo en NY. En 1924 adhirió
al surrealismo.

DADAÍSMO BERLINÉS

Influencias ideológicas:
El dadaísmo se propagó hacia Berlín, Alemania. Sus exponentes principales son
Schwitters, Heartfield, su hermano menor Herzfelde (apellido original), Grosz y Hannah
Hoch.

SCHWITTERS

Utiliza texturas y diferentes materiales provenientes de basuras de los objetos

industriales. Superpone óleos, papeles de diario, latas, tejidos, cajas donde se
comercializan los pollos, etc. Crea así sus famosos merzasociados a la palabra kommerz
(comercio). La verdadera dimensión de los merz estuvo en el espacio, pues es en el
espacio donde Schwitters entremezclaba los diferentes materiales. Él decía que creaba la
nueva forma de habitar. Sus complejos diseños combinaban elementos del absurdo y del
azar tomados del dadaísmo.

A su vez Schwitters trabaja con la tipografía como un collage y sus piezas tipográficas
son caóticas y laberínticas y combinan múltiples variables y tamaños tipográficos. En
ellas, cambian los cuerpos y la direccionalidad de las líneas de texto y se incorpora el
elemento tipográfico no sólo como texto sino también como sonido, por ejemplo, a
través de la repetición.

Publicó 24 ejemplares de la revista Merz. Desarrolló un nuevo alfabeto, en donde tomó

como referencia el sonido de la palabra y la letra para formar la tipografía. También se
propuso modificar la escritura alemana, creando un nuevo sistema de escritura basado
en la reducción de los signos y su conversión en otros puramente fonéticos.

Por otro lado, Schwitters tuvo un estudio de diseño cuyo principal cliente fue Pelikan
(fabricante de equipo y material para oficina).

Schwitters diseñó junto a Steinitz y van Doesburg un libro para niños, donde la
tipografía cobra carácter de imagen y empieza a tomar fuerza como un signo visual
(parecido a los diseños de Lissitzky en Historia de dos cuadrados).

HEARTFIELD

Asumió fuertes convicciones políticas y orientó gran parte de sus actividades artísticas
hacia la comunicación visual para elevar la conciencia pública y promover cambios
sociales.Heartfield utilizó el fotomontaje para atacar a la república de Weimar, al
partido nazi y a los soldados alemanes. También realizó fotomontajes en contra de
Mussolini deformando su rostro. Éste pensaba sus trabajos para producir grandes tiradas
y dar un mensaje. Sus imágenes permitían una comprensión inmediata por parte de la
clase trabajadora. No tomaba fotografías ni retocaba las imágenes, sino que trabajaba
directamente con impresiones obtenidas de las revistas y periódicos.

Publicó junto con su hermano Herzfelde la revista Aiz. A su vez, este último era poeta e
impresor del diario Neue Jugend diseñado por Heartfield.

GROSZ

Ataca a la sociedad corrupta, a la iglesia y al estado utilizando la sátira y la caricatura.

Aboga por una sociedad sin clases y sus dibujos proyectan una fuerza colérica de
convicciones políticas.

RUSIA: SUPREMATISMO 1913

Influencias ideológicas
Está influenciado por las ideologías de Blavatzky, quien escribe “La doctrina secreta”,
donde entabla relaciones entre las distintas religiones y su simbología y establece
patrones comunes. Busca las relaciones entre el ser humano y la geometría sagrada y
afirma que hay tres figuras madres con las que Dios crea el universo: el círculo, el
cuadrado y el triángulo.

Para el suprematismo el valor estable y auténtico de una obra de arte es la sensibilidad

que expresa. Lo que busca el suprematismo es la expresión suprema del sentimiento. El
artista debe liberarse de representar el mundo objetivo y se rechaza la función utilitaria
del arte. El arte ya no quiere estar al servicio de lareligión ni del Estado y no quiere
ilustrar historias de las costumbres. A partir del suprematismo el arte es en sí mismo, en
su forma pura y no aplicada y permanece como una actividad espiritual, apartada de las
necesidades utilitarias de la sociedad. Se crea arte por el arte.

Se trata de un estilo de pintura de formas básicas, abstracción geométrica y colores

puros. En “cuadrado negro sobre fondo blanco” Malevich crea una abstracción
geométrica con formas básicas, la cual es no objetiva y tiene un color puro. El cuadrado
negro sobre fondo blanco es una forma de expresar la sensibilidad no objetiva: el
cuadrado es igual a sensibilidad y el blanco es igual a la nada, lo que está por fuera de
ella. Malevich incorpora el blanco como la pureza y el negro como representativo del
hombre. El blanco, la luz divina, al ocupar un espacio más reducido vibra más que el
negro.

RUSIA: CONSTRUCTIVISMO 1917

IDEOLOGÍA

La Revolución rusa le da apoyo incondicional a esta vanguardia que nace como

abstracta pero rápidamente es absorbida por el gobierno, poniéndose a su servicio. Los
constructivistas están abocados a la tarea de comunicar al pueblo no sólo la publicidad
de objetos a vender, sino las ideas políticas del nuevo gobierno.

Guiados por Tatlin y Rodchenko los constructivistas renuncian al arte por el arte para
abocarse al diseño industrial, la comunicación visual y las artes aplicadas al servicio de
la nueva sociedad comunista. Tatlin y Rodchenko hicieron un llamado a los artistas para
que dejaran de producir cosas inútiles y se volvieran hacia actividades que fuesen
deutilidad para la sociedad (arquitectura, publicidad o cualquier otra cosa vinculada con
la industria). Es así como le fue concedido al arte un rol social. Los constructivistas
pretendían renovar el modo de vida del pueblo mejorando la producción industrial desde
la práctica artística.

Uno de los primeros intentos para formular una ideología constructivista fue el folleto
Constructivismo del año 1922 de Gan. Éste escribió que los tres principios del
constructivismo son la estructura (los pilares de la sociedad), la textura (naturaleza de
los materiales y como estos son empleados en la producción industrial) y la
construcción (proceso creativo y búsqueda de leyes de organización visual). Los
constructivistas participan en la construcción de la nueva sociedad.

CARACTERÍSTICAS VISUALES

El constructivismo trata de llegar a un lenguaje universal, sencillo y moderno y a una

máxima simplificación de las formas para que sea entendido por el pueblo que era en su
mayoría analfabeto. Dedicados a informar a las masas analfabetas estos artistas eligen
tipografías San Serif (generalmente en mayúscula) como parte de su sello. Estas
tipografías presentan una mayor legibilidad que no poseen las romanas.

Utilizan el fotomontaje, la fotografía muchas veces representando al pueblo (signo de

tecnología, modernidad, pregnancia y claridad del mensaje), imponen el uso de barras
delimitando los espacios, y la fuerte semantización de los textos (mujer gritando y de su
boca sale la tipografía), y de los signos de interrogación/admiración para ayudar a la
lectura. Además utilizanflechas que señalan lo importante a destacar en un afiche. Se
utiliza la perspectiva, acercamientos extremos y la repetición rítmica de una imagen.

Con respecto al color, usan fondos planos, de color uniforme limitando la paleta sobre
todo al rojo (color de la revolución), el blanco y el negro.

Se apela al cine, donde aparecen películas a favor del comunismo que muestran la
degradación del hombre tras haber estado sometido al régimen zarista. El héroe es el
pueblo a través de diferentes personajes: policía, bombero.

LISSITZKY

Malevich fue una importante influencia para Lisitzky. Éste se adhirió al suprematismo
y, bajo la guía de Malevich, ayudó a desarrollar más el movimiento. Su cartel
propagandístico de 1919 titulado Golpe a los blancos con la cuña roja es de esta época.

En 1919, Lissitzky se unió al grupo UNOVIS, una asociación proto-suprematista de

estudiantes, profesores, y otros artistas. Durante este período Lissitzky desarrolló un
estilo de pintura al cual denominó PROUNS (abreviatura de proyectos). Se trata de una
serie de cuadros abstractos y geométricos que en contraste con la llanura del Malevich,
introdujo ilusiones tridimensionales.

Lissitzky llamaba PROUNDS a un estado de intercambio entre la pintura y la

arquitectura. Es decir que basó su arte en propiedades matemáticas y estructurales de la
aquitectura. Sus prouns abarcaron media década y evolucionaron desde pinturas hasta
instalaciones en tres dimensiones. Los temas y símbolos judíos aparecieron algunas
veces en sus prouns.
Lissitzky se llamaba a sí mismo artista/diseñador yquería forjar una unidad entre el arte
y la tecnología. En 1921 se trasladó a Berlín. El gobierno soviético buscó publicar al
nuevo arte ruso por medio de un periódico internacional. Lissitzky creó el periódico
trilingüe VESHCH (en ruso), GEGENSTAND (en alemán) y OBJET (en francés). El
periódico de Lissitzky en Berlín le permitió divulgar el mensaje del constructivismo por
sus frecuentes visitas a Bauhaus. Los editores BROOM, una revista norteamericana de
arte y literatura, encargaban portadas y otros gráficos a Lissitzky. Como diseñador
gráfico, Lissitzky no decoraba el libro, lo construía al programar visualmente el objeto
por completo. En esta época fundó el grupo de la revista ABC.

Lissitzky comprendía las posibilidades de impresión, como la sobreimpresón de colores.

Propugnó el potencial del montaje y del fotomontaje para mensajes de comunicación.

Los ismos del arte (1914-1924) fue un libro editado por Lissitzky junto al dadaísta Arp.
La red vertical de tres columnas utilizada para el texto, la red horizontal de tres
columnas empleadas para la portada y la estructura a dos columnas de la página de
contenido se convirtió en un armazón arquitectónico para organizar las páginas
ilustradas. Así mismo se utilizan tipografía sans serif y barras.

Alrededor de 1924 trabajó en diseños de anuncios para la firma Pelikan. En 1925,

Lissitzky pasó la mayor parte del diseñando montajes para exposiciones para el
gobierno.

RODCHENKO

Experimentó con la tipografía, el collage y la fotografía (revelándose como un excelente

fotógrafo de vanguardia). Su interés inicialen la geometría lo condujo a la precisión
analítica en sus pinturas. En 1921 abandonó la pintura y se volvió hacia la
comunicación visual.

Trabajó en sociedad con Maiakovski a partir de 1923 y produjo diseños gráficos para
los grandes almacenes y organizaciones de distribución de artículos de consumo.
Maiakovsky redactaba incansablemente los eslóganes. Los carteles publicitarios tenían
una sólida construcción geométrica y grandes áreas de color puro. Sus tipografías eran
san serif hechas a mano ya que por el atraso tecnológico no había tipos móviles para la
gráfica. A menudo usaron signos de pun

En 1923 comenzó a diseñar para una revista titulada Novyi lef (frente izquierdista de las
artes). Su diseño se basaba en las verticales y horizontales estáticas y el fotomontaje.

En la década de 1920 diseñó cubiertas de libros para casi todas las empresas editoriales
de Moscú y también realizó catálogos de exposiciones.

HERMANOS STENBERG
Realizaron escenografías teatrales y carteles cinematográficos. Hicieron dibujos
realistas muy meticulosos debido a las dificultades de la reproducción fotográfica
(lenguaje icónico testimonial por excelencia) ampliando imágenes de formato fílmico,
fotogramas del propio film. Estas ilusiones tridimensionales contrastaban con alguna
forma gráfica plana. Solían firmar los carteles con la firma 2 Stenberg 2. Utilizaron
tipografías palo seco sencillas y legibles.

VKHUTEMAS

El 1919 Lenin firma un decreto para abrir una escuela que una, no artes y oficios, sino
diseño e industria, la cual se va a llamar VKHUTEMAS. Los tallerestenían facultades
artísticas e industriales. En la facultad de arte se dictaban cursos de gráfica, escultura y
arquitectura, mientras que en la industrial se dictaban cursos sobre impresión, textiles,
cerámica, madera y metalurgia. La nueva escuela tenía como función formar artistas
para la industria. Sin embargo, los productos diseñados en VKHUTEMAS nunca
salvaron la brecha que existía entre los talleres y las fábricas de producción, a pesar de
que se cultivaba la estética de las fábricas.
Tatlin y Rodchenko dirigieron el VKHUTEMAS.

En 1922 muere Lenin. En 1924 Stalin deja de lado los ideales de la revolución para
crear un gobierno totalitario. En 1928 ilegaliza el constructivismo, en 1930 cierra la
escuela de VKHUTEMAS (quema casi todo lo allí producido) e instaura el Realismo
Soviético.

KLUTSIS

Estudió y dio clases en la escuela de VKHUTEMAS. Es conocido por la propaganda

stanlinista que produjo con su esposa y colaboradora Valentina Kulagina. Los
fotomontajes creados con su mujer son sus trabajos más conocidos y tienen rasgos
modernos debido a que utilizan puntos de vista originales y distorsiones interesantes.

En 1938 fue arrestado y nunca más se lo volvió a ver. Hacia 1989 se descubrió que
había sido ejecutado debido a las órdenes de Stalin, a pesar de haber sido un leal
seguidor y de haber tratado de ayudarlo en su causa.

Programa del primer grupo de constructivistas

En 1920 los constructivistas (esteticistas) firman el Manifiesto del Realismo (Gabo y

Pevsner) y los seguidores de Tatlin, el Manifiesto Productivista, que lleva a cabo
unplanteamiento más revolucionario del arte.
Alexabder Rodchenko es uno de los que renuncia al arte por el arte en beneficio de la
producción. Rodchenko formó el Grupo de Trabajo de Constructivistas en 1921. El
programa constructivista fue redactado por Rodchenko y su compañera Stepanova.
Estos afirmaron que el objetivo del Grupo de Constructivistas sería buscar la expresión
comunista de las estructuras materiales. El Grupo rechazaría la actividad experimental
alejada de la vida para buscar la experimentación real.

Para dominar la creación de estructuras prácticas en forma científica y disciplinada, los

constructivistas establecieron tres disciplinas: Tectónica, Faktura y Construcción.
La tectónica está formada con las propiedades del comunismo y el uso conveniente del
material. Abarca la relación entre lo ideológico y lo formal.
La faktura es el estado orgánico del material trabajado. Es el material trabajado
conscientemente.
La construcción se entiende como la función organizacional del constructivismo, revela
el proceso mismo de la estructuración. Es la reallización del diseño por medio del uso
del material trabajado.

Rodchenko afirmó que las tareas inmediatas del grupo eran:

- En la esfera ideológica, la participación de la producción intelectual y material como
elemento igual en la creación de la cultura comunista.
- En la esfera práctica, publicar un periódico semanal (VIP), construir diseños, organizar
exposiciones.
- En la esfera de acción política, se declaró la guerra intransigente al arte y se afirma que
la cultura artística del pasado esinaceptable para las formas comunistas de las
estructuras constructivistas.

Tipografía constructivista

La tipografía constructivista es, como el resto de sus manifestaciones artísticas,

utilitarista. La letra es un vehículo que, usado también en su vertiente estética, sirve para
facilitar la comprensión popular

Topografía de la tipografía

Este manifiesto fue escrito por Lissitzky en el año 1923. El ingenioso título presagia la
voluntad científica de este último. La declaración fue publicada en la revista Merz de
Schwitters.

Lissitzky trató a la tipografía como un elemento plástico más, aprovechando el potencial

expresivo de estos signos visuales. En “Topografía de la tipografía” declara sus
proposiciones básicas en cuanto al tratamiento tipográfico desde la visualidad:
- Las palabras impresas en una hoja no son percibidas por el oído, sino por la vista.
- Economía de expresión: la óptica en lugar de la fonética.
- El diseño del espacio del libro debe coincidir con las tensiones del contenido.
- Estructuración del espacio del libro usando procesos fotomecánicos que resultan de la
nueva óptica.
- La secuencia continua de páginas: el libro bioscópico.
- El nuevo libro exige un nuevo escritor: murieron la pluma y el tintero.
- La superficie impresa trasciende el espacio y el tiempo. Hay que triunfar sobre el papel
impreso, sobre la perenidad del libro: electro-biblioteca.

Nuestro libro

“Nuestro libro”, publicado en 1926, elabora los temas del manifiesto que Lissitzky dio a
conocer en Merz. Aquí sugiere que si la desmaterializacióncaracteriza la época,
entonces la forma tradicional del libro (sobrecubierta, lomo, páginas numeradas
consecutivamente) debe explotar y dar lugares a nuevas configuraciones.

Lissitzky afirma que todos los inventos en el arte son eventos únicos en el tiempo, no
tienen evolución. Después de ser ejecutado durante un largo período cierto invento en el
arte, se torna mecánico en su ejecución y llega el momento de una nueva invención.

Lo que caracteriza a la época actual es la desmaterialización. Por ejemplo, aumenta la

correspondencia, crece la cantidad de cartas, se multiplica la cantidad de papel escrito y
material utilizado, entonces aparece el llamado telefónico. Está disminuyendo la
cantidad de material que se utiliza, estamos desmaterializando.

Desde que comenzó el período de reconstrucción en Rusia en 1922, la producción de

libros creció con rapidez. Día a día se producirán inventos fundamentales en el área de
producción de libros. No obstante en este momento no hay ninguna forma nueva para el
libro como cuerpo; sigue siendo una tapa con sobrecubierta, con lomo y con las páginas
numeradas. A pesar de la crisis que está sufriendo la producción del libro, lo positivo es
que en común con otras áreas de producción, la impresión de libros crece año a año. El
libro es acogido por cientos de gente, no sólo lo acarician las manos de unos pocos
bibliófilos. Esto explica la superioridad, en este período de transición, de la revista
semanal ilustrada.

Hay dos clases de escritura: un símbolo por una idea, es decir el jeroglífico, y un
símbolo por un sonido, es decirla letra. El jeroglífico es internacional, puesto que un
ruso o un alemán puede leer en chino o egipcio sin comprender el idioma. El libro con
letras es nacional. El libro futuro será a-nacional: para comprenderlo, uno debe al menos
aprender.
Contamos con dos dimensiones de la palabra. El sonido, que es una función del tiempo,
y la representación, que es una función del espacio. El libro futuro deberá ser las dos
cosas.

HOLANDA: DE STIJL 1917

Influencias ideológicas
Los integrantes de esta vanguardia son teósofos y adhieren a las teorías de Blavatzky.

En 1917 se forma el movimiento y el periódico De Stijl en Holanda. Los pintores

Mondrain, van der Leck y el arquitecto Oud, entre otros, se unieron a van Doesburg,
fundador y guía espiritual de este grupo.

IDEOLOGÍA Y CARACTERÍSTICAS VISUALES

El movimiento holandés De Stijl se caracteriza por su defensa de lo plástico frente a lo

narrativo, de lo universal frente a lo individual y de relegar al sentimiento frente al
significado.

Los integrantes de De Stijl consideraban que el artista moderno tenía una doble tarea:
crear la obra de arte puramente plástica y encaminar al público a la comprensión del arte
plástico puro. Para los artistas de De Stijl, la belleza proviene de la pureza absoluta de la
obra. La depuración de la representación del mundo natural se volvió el primer orden.

Sus manifiestos sostenían la tesis de que el individualismo era ontológicamente

decadentista, destructor y malformador del gusto. Abogaban por la necesidad de
eliminar del arte la presencia del mundo objetivo. Se tratade llegar a una verdad
universal que no está en nuestro mundo como la vemos y se puede encontrar en la
abstracción, en la geometría. De Stjil buscaba las leyes universales que gobiernan la
realidad visible pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las
cosas. Se pretende llegar a una unión con Dios buscando una expresión de la estructura
matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza. La teoría científica
y la producción mecánica se formaron a partir de estas leyes universales.

Las pinturas de Mondrain constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollan la

filosofía y las características visuales de De Stijl. Éste evolucionó del cubismo hacia
una abstracción geométrica pura. Para 1917, Mondrain redujo su vocabulario visual a
los colores primarios (rojo, amarillo y azul) junto con el blanco y el negro, en tanto que
las formas quedaron limitadas a líneas rectas, cuadrados y rectángulos. Se lograba con
las formas geométricas y las grillas matemáticas un equilibrio óptico ortogonal,
composiciones asimétricamente equilibradas. Piet Mondrain va a trabajar con la idea de
que el equilibrio óptico en la imagen va a elevar el espíritu y la moral del hombre pues
con esta grilla matemática Dios creó el mundo. En sus grillas ortogonales los colores no
compiten y ninguno se vuelve figura (no hay un adelante y un atrás, no hoy una tercera
dimensión).

Según Mondrain, los círculos y triángulos dan movimiento y no generan no hay orden.
La línea vertical representa la unión del hombre con Dios, la energía divina hacia la
tierra yla horizontal, la unión del hombre con la tierra.

El periódico De Stijl fue editado por van Doesburg desde 1917 hasta 1931. Esta
publicación difundió la filosofía a un público más amplio. En 1924 Mondrain deja de
contribuir con sus artículos en el periódico pues van Doesburg introdujo la diagonal.

TIPOGRAFÍA

En los diseños tipográficos de van Doesburg y Huszar fueron eliminadas las líneas
curvas y se prefirió la tipografía sans serif. En 1918 van Doesburg diseñó un alfabeto
utilizando el cuadrado como un modelo riguroso para el mismo. Excluyó las líneas
curvas y las diagonales disminuyendo la legibilidad.

La tipografía era entendida como vehículo de conformación plástica del texto, en un

sentido similar al constructivismo. Este interés por las posibilidades expresivas de la
tipografía se refleja en algunas composiciones tipográficas de van Doesburg como el
poema Imágenes de palabras y sonidos (publicado bajo el seudónimo Bonset). En esta
puesta, la posición y el tamaño de las letras y palabras están pensados para evidenciar el
contenido poético del texto.

ARQUITECTURA

A principios de la década de 1920 comenzó el impacto de De Stijl en la arquitectura, en

el diseño industrial y en la tipografía, integrando el arte a la vida diaria. Rietveld diseñó
en 1924 la casa de los Schroeder siguiendo la teoría de De Stijl. Por otro lado, Oud
diseñó un café que marcó un hito histórico en la arquitectura. En estos ejemplos está
presente la visión que De Stijl tenía del orden a escala ambiental.

POESÍA

Los artistas de De Stijl afirman que el yo y el élutilizados siempre en la poesía están

bajo la in- fluencia del individualismo. Según ellos, el análisis psicológico y la retórica
han matado la palabra. Afirman que para construir literariamente los múltiples
acontecimientos que ocurren a su al- rededor es necesario que la palabra se reconstruya,
sea siguiendo el sonido, sea siguiendo la idea.

FRANCIA, ESPAÑA Y BÉLGICA: SURREALISMO 1917

Influencias ideológicas:
Freud
Bretón toma contacto con las doctrinas de Freud, fundador del psicoanálisis. Éste
entendió que las asociaciones verbales automáticas podían ser método de creación
artística. El surrealismo está basado en el mundo de los sueños y el inconsciente.

IDEOLOGÍA Y CARACTERÍSTICAS

La actitud irracional negativa del movimiento Dadá derivó hacia un intento de mayor
envergadura. Breton descubrió la obra de De Chirico (pintor italiano, metafísico) y lo
declararon el primer pintor surrealista. Edificios vacíos, paisajes desolados, una
perspectiva en declive profundo e imágenes enigmáticas se combinaban para comunicar
sentimientos más allá de la experiencia ordinaria. En 1924 se produce el primer
manifiesto surrealista de Breton que da cuerpo al movimiento.

El surrealismo trató de plasmar el mundo de los sueños y la realidad del inconsciente,

que tiene que ver con las expresiones sexuales, los miedos. Bretón creía en el encuentro
futuro de los dos estados: el sueño y la realidad. En los cuadros surrealistas se relativiza
el adentro y el afuera, se relativiza el límite. No se sabe dónde empiezan los sueños, ni
donde terminan. Se entremezcla lo real y loficticio. El resultado es un mundo
aparentemente absurdo e ilógico, en el que los fenómenos de inconsciente escapan al
dominio de la razón

Los surrealistas rechazaron el racionalismo y en sus pinturas pretendían liberarse de las

convenciones sociales y morales para buscar una verdad interna sin la censura de la
conciencia. El surrealismo no era un estilo estético, sino que constituía una manera de
pensar y de conocer, una forma de sentir y un modo de vida.

Sus principales características son:

Animación de lo inanimado
Objetos y formas despejados de su significación tradicional, lo que desorienta al
observador
Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada
de varias maneras, por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal
Metamorfosis
Aislamiento de fragmentos anatómicos
Máquinas fantásticas
Evocación del caos
El sexo y lo erótico tratado de forma lúdica
Máquinas fantásticas
Relaciones entre desnudos y maquinaria
Cambios de escala ambiguos desafiando las leyes de la gravedad y de la luz
Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de
profundidad
Creación de juegos perspectivos e ilusiones ópticas
La Segunda Guerra Mundial paraliza la actividad en Europa y dispersa a los artistas
surrealistas, muchos de los cuales (entre ellos Breton) se exilian a Nueva York.

CARACTERÍSTICAS VISUALES

Los pintores surrealistas se manifestaron de dos maneras diferentes:

- Los surrealistas figurativos: se sirven del realismo y de los recursos pictóricos
tradicionales para plasmar elmundo de los sueños y del inconsciente. Algunos de ellos
son: Magritte, Delvaux, Dalí. Se los llama naturalistas de imaginario. Para los críticos
de arte no tenían valor pictórico como vanguardia porque no pintaban nada novedoso en
cuanto a técnica.
- Los surrealistas abstractos: estos practican el automatismo psíquico puro e inventan
universos plásticos propios. Miró y Masson son ejemplos del surrealismo abstracto.

SALVADOR DALÍ:

Encontramos en Dalí imponentes perspectivas y un realismo casi fotográfico con

paisajes infinitos. Éste usó la pintura para expresar sus obsesiones privadas manejando
aspectos sexuales, oníricos y fantásticos asociados insólitamente. Desarrolló toda una
simbología, un lenguaje propio. En 1936, Breton expulsó a Dalí por sus tendencias
fascistas y también a Paul Éluard.

MAGRITTE

En sus cuadros reproduce con técnica absolutamente académica objetos y personas

convencionales agrupados de manera paradójica. Emplea cambios de escala ambiguos
desafiando las leyes de la gravedad y de la luz. Se inspira en lo absurdo, la parodia o lo
insólito y elabora yuxtaposiciones insospechadas.

ERNST

Su método del frottage incluía la utilización de frotados para componer directamente

sobre el papel. El decalco es el proceso que usó para trasnferir figuras de un motivo
impreso a un dibujo o pintura. Sus collages se organizaban siguiendo los impulsos
irracionales de su imaginación. Se dejaba guiar por el principio de la similitud, que
modificaba la relación natural de los objetos creando un efecto de choque en el
espectador.