Se denomina arte moderno a una corriente de renovación

artística desarrollada a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, siendo
el más prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de
tendencias y movimientos más o menos estructurados se fueron sucediendo
vertiginosamente, con un carácter internacional.
Denominado a este periodo fin de siècle y belle époque, pero Según los
países recibió diversas denominaciones, como Art Nouveau, en Bélgica y en
Francia, Jugendstil , en Alemania y los países nórdicos y Austria, Modern
Style, en los países anglosajones, Nieuwe Kunst, en los países
Bajos y Liberty o Floreale, en Italia.
Se buscaba crear un arte nuevo, joven, libre y moderno, que rompiera con
los estilos dominantes en la época, tanto los de tradición academicista
como los rupturistas y se trató de crear un arte de inspiración en la
naturaleza a la vez que se incorporaban novedades derivadas de la
revolución industrial, con materiales como el hierro y el cristal.
Se puede confundir el arte moderno con el arte contemporáneo, pero no
tienen nada que ver uno con otro.

Historia de este estilo de arte moderno

La posición de innovación que tiene los artistas de esa época abre una
puerta a la libertad del ámbito artístico y por ello van desapareciendo los
rasgos relacionados con el arte hasta ese momento. Los artistas de este tipo
de arte hicieron una declaración en la deformación de las cosas, sobre
todo de los objetos, que se realizaba de forma deliberada, cuyo objetivo
era la búsqueda de satisfacción de cierto concepto poético que las cosas
poseían.es por ello por esas técnicas usadas en el arte por lo que nace el
concepto de arte moderno, que se define como el irracionalismo en su
manera más grande.

El Fauvismo: es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza

por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las
circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza.
Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El
artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con
la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El
artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio
generador parecida a la naturaleza.
Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice
Vlamink, Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio
el nombre de fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica
hecha en el Salón de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos
que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.

El surrealismo fue un movimiento literario y artístico de origen

francés , que se caracteriza por la expresión del pensamiento de modo
espontáneo y automático, regulado solamente por los impulsos
subconscientes, haciendo caso omiso de la lógica y la negación de las
normas establecidas de orden moral y social.

El origen del término "surrealismo" ocurrió en 1917, a través de G.

Apollinaire, siendo una palabra con el significado de "lo que está por
encima del realismo". A pesar de ello, como movimiento artístico y literario,
sólo surgió en Francia en la década de 1920.

Características del surrealismo

El surrealismo propone la valorización de la fantasía, la locura y la
utilización de la reacción automática. En esa perspectiva, el artista debe
dejarse llevar por el impulso, registrando todo lo que le venga a la mente,
sin preocuparse por la lógica.

Este arte fue una combinación del representativo, del abstracto, del irreal y
del inconsciente. Entre muchas de sus metodologías están el collage y la
escritura automática.

Según los surrealistas, el arte debe liberarse de las exigencias de la lógica y

de la razón e ir más allá de la conciencia cotidiana, buscando expresar el
mundo del inconsciente y de los sueños.

Buscaba deliberadamente el bizarro e irracional para expresar verdades

ocultas, inalcanzables por medio de la lógica. Fueron dos formas dentro
del movimiento: Joan Miró y Max Ernst practicaban el arte improvisado,
distanciándose lo más posible del control consciente.

Y otros, como Dali, de Chirico y Magritte, usaban técnicas realistas para

presentar escenas alucinatorias que desafiaban el sentido común.

Artistitas destacados del surrealismo

Salvador Dali
Es el más conocido de los artistas surrealistas.

Joan Miró
Considerado por Breton como el más surrealista de todos. Él quería negar
la razón y soltar el inconsciente.

René Magritte
Artista Belga. Sus obras son metáforas que se presentan como
representaciones realistas, a través de la yuxtaposición de objetos
comunes, y símbolos recurrentes en su obra

Vladimir Kush
hoy en día es común ver pintores surrealistas. Kush es de la
contemporaneidad, pero su estilo es surrealista.el pinto la manzana

El cubismo fue fundada en París por el reconocido artista español

Pablo Picasso y los franceses Georges Braque.

La pintura "Les demoisellers d'Avignon" (o "Las señoritas de Avignon" en

español) de 1907, Pablo Picasso, se considera el punto de partida de este
movimiento innovador.

En general, este arte está marcado por la representación de figuras de la

naturaleza a partir del uso de formas geométricas, promoviendo la
fragmentación y descomposición de los planos y perspectivas. El artista
cubista deja de tener el compromiso de utilizar la apariencia real de las
cosas, como sucedía durante el Renacimiento.
El arte cubista es considerado un "arte mental", donde cada
aspecto de la obra debe ser analizado y estudiado de modo individual.

Cubos, cilindros y esferas son algunas de las formas usuales en el arte

cubista, que se distingue del arte abstracto por el uso concreto de todas
las formas. el Cubismo influenció otros movimientos como
el futurismo, surrealismo.

Además de Picasso y Braque, otros artistas que han quedado

inmortalizados en forma de iconos de esta vanguardia son Juan Gris (1887
- 1927) y Fernand Léger (1881-1955).

Características del Cubismo

Trata la naturaleza o los paisajes con formas geométricas. Así que vienen a
ser representados por objetos en todos sus ángulos en el mismo plano,
formando una figura en tres dimensiones.

En el arte cubista, predominan las líneas rectas, modeladas básicamente

por cubos y cilindros, dada la geometrización de las formas y volúmenes.

Esta técnica que renuncia a la perspectiva, así como al "claro-oscuro" y

empieza a usarse colores neutros (predominio del blanco, negro, gris,
marrón y ocre), causa una sensación de pintura escultórica.
En el plano conceptual, el cubismo se puede considerar un arte que se
centra en ejercicio mental como una forma de expresar ideas.

Al romper con la perspectiva consagrada de las líneas de contorno, la

naturaleza pasa a ser retratada simplificadamente.

Esto permite a una mayor abstracción de los atributos estéticos de la obra,

al tiempo que rechaza la idea del arte como imitación de la naturaleza
pura.
Cabe citar que este estilo abandona distinciones entre forma y fondo o
cualquier noción de profundidad. Las naturalezas muertas urbanas y los
retratos son temas recursivos en este movimiento.
Además se empiezan a descomponer las imágenes en formas geométricas
para poder ser representadas en el ate cubista.

Fases del arte Cubista

El movimiento cubista fue marcado por tres fases: cubismo escénico(1907 -

1909), analítico (1910 - 1912) y sintético (1913-1914).

Cubismo escénico
Las obras de Paul Cézanne sirvieron de inspiración para la consolidación
del arte cubista.
También conocido como "cubismo preanalítico", esta es considerada la
fase inicial de este arte(1907 - 1909), donde la principal base era el trabajo
de Cézanne, con fuerte influencia del arte africano y debido al uso de
formas simplificadas.

Cubismo analítico
Se considera como el "cubismo puro" y de difícil interpretación, donde las
figuras son descompuestas, a través del uso de diversas formas
geométricas.
Las obras impregnan los tonos monocromáticos, con predominio del verde,
marrón y gris.

Cubismo sintético
La gran característica de esta fase fue la introducción de la técnica de
pegado para reconstruir las imágenes que antes eran descompuestas.
A diferencia del cubismo analítico, en esta etapa las imágenes pasan a
mantener su fisonomía, pero de modo reducido, presentando sólo lo que
es esencial para su reconocimiento.
 Artistas del cubismo
Pablo Picasso (1881-1973)
Georges Braque (1882-1963)
Juan Gris (1887-1927)
Fernand Léger (1881-1955)

2. Expresionistas
Pusieron énfasis en las expresiones del Yo y las actitudes emocionales. Los
colores son más violentos y el contenido tiene un tinte simbólico.

6. Neoplasticismo
Esta corriente se basa en la bidimensionalidad, utilización de líneas rectas y
colores primarios. Su objetivo es despojarse de lo particular para manifestar
la pureza del arte.

10. Arte conceptual y expresionismo abstracto

Nacen como última expresión artística antes de la posmodernidad. Se
caracterizan por dejar en evidencia la sociedad consumista de ese
momento. También tiene una necesidad de concientizar e intelectualizar
el arte. A partir del 1968, finaliza esta gran etapa artística para dar lugar
al posmodernismo.

6.

Neoplasticismo
Esta corriente se basa en la bidimensionalidad, utilización de líneas rectas y
colores primarios. Su objetivo es despojarse de lo particular para manifestar
la pureza del arte.

7.
Movimiento Dadaísta
La palabra “dada” fue elegida al azar como manifestación de desagrado
a la rectitud del Neoplasticismo por parte de determinados artistas.

10. Arte conceptual y expresionismo abstracto

Nacen como última expresión artística antes de la posmodernidad. Se
caracterizan por dejar en evidencia la sociedad consumista de ese
momento. También tiene una necesidad de concientizar e intelectualizar
el arte. A partir del 1968, finaliza esta gran etapa artística para dar lugar
al posmodernismo.

2. Expresionistas
Pusieron énfasis en las expresiones del Yo y las actitudes emocionales. Los
colores son más violentos y el contenido tiene un tinte simbólico.

Pop art : Nació en Nueva York en 1923 y murió recientemente. A

partir de 1957 comenzó a experimentar con sus interpretaciones a gran
escala de comics. Son inmterpretaciones muy libres, mezcladas con
cuadros antiguos y reproducidas a mano con la técnica de puntos de
color puro y brillante. Son obras muy grandes, de fácil visualización pero
compleja interpretación y que incluso presentan textos en los populares
"bocadillos".

El arte POP es un estilo muy típico de años sesenta y setenta del siglo
XX. Nació y se desarrolló primero en Estados Unidos (Nueva York
fundamentalmente) pero pronto pasó a Europa occidental.

El pop es toda una cultura de esa época ligada a los medios de

comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida
enloquecida y desbocada, a una sociedad de consumo desaforado y
a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero.

Los artistas del pop pretenden llegar al máximo público posible, sin
elitismos ni exclusiones. Su mensaje es sencillo y claro y se dirige al común
de la sociedad. No se persigue la originalidad sino más bien la
reinterpretación de fotografías, grabados y pinturas anteriores.
Fundamental es el color, chillón y provocador, así como la temática,
muy simple y directa.

No se crea realmente nada nuevo sino que más bien los artistas POP
hacen llegar al gran público las diferentes propuestas artísticas. Tal vez
sea el primer estilo artístico que procura ser comprendido por todo el
mundo y que se esfuerza por mostrar una estética popular. Contornos
claros, colorido variado y fuerte y ausencia de grandes mensajes. No
hay reivindicaciones, denuncias de injusticias, heroísmos o
grandilocuencias.

El consumismo y la imagen, reyes de nuestro tiempo, son los dueños

del POP. De ahí la complicidad con el mundo de la publicidad y el cartel
promocional. A los artistas POP les interesaba más vender que innovar
artísticamente.

Los diversos pintores de este estilo reaccionan contra el abstractismo

al considerarlo alejado de la realidad y difícilmente entendible por la
población. Ellos se basan en la realidad cotidiana, a veces demasiado
cotidiana ( botellas de Coca Cola, botes de tomate, fotos de Marilyn
coloreadas, etc.). Eso sí, todas las obras presentan enormes dimensiones.

Es posible que estés tentado de pensar que este arte POP es tan simple
que cualquiera lo puede hacer. Es posible, pero en arte lo valioso es la
originalidad, lo nuevo. Sin embargo la copia no se cotiza casi nada. Así
 que ya sabes, si crees que vales como artista, no copies nada anterior,
invéntate tú algo y a ver si tienes suerte.

En esta exposición puedes ver obras de dos grandes maestros del pop:

Roy Lichtenstein y Andy Warhol.

Fuente: https://www.caracteristicas.co/arte-contemporaneo-o-
moderno/#ixzz5GkSGFcE7