EXPRESIONISMO

 ABSTRACTO  
El   Expresionismo   abstracto   es   un   estilo   sus   propias   significaciones.   Este   lenguaje   se   ha  
artístico   que   surgió   alrededor   de   1910   y   cuyas   elaborado   a   partir   de   las   experiencias   fauvistas   y  
consecuencias   múltiples   han   hecho   de   él   una   de   las   expresionistas,   que   exaltan   la   fuerza   del   color   y  
manifestaciones   más   significativas   del   espíritu   del   siglo   desembocan   en   la   llamada   abstracción   lírica   o  
XX.   El   arte   abstracto   deja   de   considerar   justificada   la   informalismo,   o   bien   a   partir   de   la   estructuración  
necesidad   de   la   representación   figurativa   y   tiende   a   cubista,   que   da   lugar   a   las   diferentes   abstracciones  
sustituirla  por  un  lenguaje  visual  autónomo,  dotado  de   geométricas  y  constructivas.  
 

       
 

           
 
El  expresionismo  abstracto  surge  en  EE.  UU.  A   guerra   mundial,   la   casi   totalidad   del   movimiento  
principios   de   los   años   cuarenta   y   adquiere   su   máximo   surrealista  (surrealismo)  se  exilio  en  Nueva  York.  Entre  
desarrollo   a   comienzos   de   los   años   cincuenta.   La   los   exiliados   estaban   algunos   de   los   pintores  
formación   de   este   movimiento   se   debe   en   buena   surrealistas   más   importantes:   Max   Ernst,   Roberto  
medida   a   los   surrealistas.   Al   comienzo   de   la   segunda   Matta,   Salvador   Dalí   y   André   Masson.  
                                                                                                       
André  
Masson    
-­‐  Animal  
Maze  
(1956)  

Roberto  
Matta  
 Max  Ernst  
Treinta  y  tres  muchachas  
salen  a  cazar  la  mariposa  
blanca  –  1958  -­‐  Óleo  sobre  
lienzo  137  x  107  cm  -­‐  Museo  
Thyssen-­‐Bornemisza,  Madrid  

galería).   La   teoría   y   práctica  

surrealistas   liberó   a   esos  
artistas   de   los   moralismos   y  
dogmatismos   artísticos  
imperantes  en  Norteamérica,  
y   les   hizo   descubrir   la  
estimulante   libertad   de   la  
creación   espontánea.  
Emerge   así   la   vigorosa  
escuela   de   Nueva   York,  
caracterizada   por   una  
pintura   “subjetiva”   de   gran  
libertad   expresiva,   que   si  
bien   al   principio   contiene  
elementos   figurativos   (fase  
mítica),   acabará   por  
prescindir   totalmente   de  
ellos   (fase   gestual).   El  
término   de   “expresionismo  
abstracto”   se   debe   al   crítico  
de   arte   del   “The   New  
Yorker”,   Robert   Coates.   Pero  
debido   a   las   distintas  
concepciones   expresivo-­‐
plásticas  que  conforman  este  
movimiento,   en   el   año   1952,  
el   crítico   Harold   Rosenberg  
utiliza   el   término   de   “action  
painting”  (pintura  de  acción)  
para  definir  mejor  el  enfoque  
común   de   la   mayoría   estos  
artistas:   la   importancia   dada  
  Esa   presencia   de   artistas   europeos   de   al   proceso   o   acto   de   pintar   por   encima   del   contenido.  
vanguardia   ejerció   una   gran   influencia   entre   los   Otras   denominaciones   que   también   recibe   este  
pintores   norteamericanos,   especial-­‐mente   entre   los   movimiento   son   las   de   “abstracción   pictórica”  
jóvenes   artistas   neoyorquinos,   muchos   de   los   cuales   (painterly-­‐abstract)   y   la   de   “nueva   pintura   americana”  
expondrían   con   el   tiempo   en   la   galería   de   Peggy   (new   american   painting),   ambas   debidas   al   crítico  
Guggenheim   (Pollock   llegó   a   ser   la   estrella   de   esta   Clement  Greenberg.  
 

Lackson  
Pollock  
trabajando  

                                                                                       
  
Jackson Pollock, Number 1, 1950 (Lavender Mist),1950, National Gallery of Art, Ailsa Mellon Bruce Fund,
 
Características  
 
Pueden  señalarse  como  características  formales  de  este  
estilo,   en   primer   lugar,   su   preferencia   por   los   grandes  
formatos.   Trabajaban   normalmente   con   óleo   sobre  
lienzo.   Generalmente   son   abstractos   en   el   sentido   de  
que  eliminan  la  figuración.  No  obstante,  hay  excepciones  
y   algunos   emplean   trazos   figurativos,   apareciendo  
figuras   reconocibles,   como   ocurre   con   las   Mujeres   de  
Willem   de   Kooning.   Las   telas   presentan   un   aspecto  
geométrico   que   las   hace   diferentes   de   movimientos  
precedentes,   como   el   surrealismo.   Una   de   las  
características   principales   de   los   expresionistas  
abstractos  es  la  concepción  de  la  superficie  de  la  pintura  
como   all   over   (cobertura   de   la   superficie),   para  
significar   un   campo   abierto   sin   límites   en   la   superficie  
del  cuadro:  el  espacio  pictórico  se  trata  con  frontalidad  
y   no   hay   jerarquía   entre   las   distintas   partes   de   la   tela.   El  
cromatismo  suele  ser  muy  limitado:  blanco  y  negro,  así  
como   los   colores   primarios:   magenta,   amarillo   y   cian.  
Los   pintores   expresionistas   que   redujeron   la   obra   a  
prácticamente   un   solo   color,   estaban   ya   anticipando   el  
arte  minimal.  Este  tipo  de  cuadros,  con  violentos  trazos  
de   color   en   grandes   formatos,   presenta   como   rasgos  
distintivos  la  angustia  y  el  conflicto,  lo  que  actualmente  
se  considera  que  refleja  la  sociedad  en  la  que  surgieron  
estas  obras.  
 
 
 
  
Características  generales  
 
• Ausencia  de  toda  relación  con  lo  objetivo.   • Intensidad   de   propósito:   lo   que   importa   es   el  
• Rechazo  de  todo  convencionalismo  estético.   proceso  o  acto  de  pintar  más  que  el  contenido.  
• Expresión  libre  y  subjetiva  del  inconsciente.   • Predominio   del   trazo   gestual   en   expresiones  
• Ejecución  totalmente  expontánea.   de  gran  virulencia  y  dinamismo.  
• Valoración   de   lo   accidental   y   explotación   del   • Empleo  de  manchas  y  líneas  con  ritmo.  
azar  como  recurso  operativo.  
 

   
 

 
Fase  mítica  
Imaginería   extraída   del   subconsciente:   de   los   mitos   y   (Gorky);   así   como   garabatos   y   símbolos   primitivos   o  
símbolos  que  conforman  los  arquetipos  universales  de   cósmicos:  círculos,  discos,  etc  (Gottlieb).  
la   experiencia   humana   y   que   se   encuentran   en   el   Contenido  surreal,  simbólico  y  sexual.  
inconsciente  individual  (De  Kooning,  Pollock,  Rothko).   Ausencia  de  profundidad  y  tridimensionalidad.  
Estilo  abstracto  biomórfico:  composiciones  con  formas   Predominio  de  la  armonía  tonal.  
que  semejan  estructuras  de  plantas  y  animales,  formas  
protozoicas   o   amiboideas   creadas   espontáneamente  

Arshile  Gorky  –  Sin  título  -­‐  1941  

 
 
Fase  gestual  
Abandono   del   lenguaje   figurativo   (De   Kooning   no   brillantes   y   vivos   para   traducir   estados   de   ánimo  
cesará  jamás  de  practicar  una  pintura  figurativa).   intensos).  
Utilización   de   nuevos   métodos   de   ejecución:   pintura   de   Variedad   de   configuraciones   estructurales,   entre   ellas  
goteo  (dripping).   destacan:  
Expresión   del   estado   psíquico   del   artista   en   el   Composiciones  de  campo  extendido  (all-­‐over  field)  
momento  de  realizar  la  pintura.   Toda   la   superficie   del   lienzo   cubierta   uniformemente  
Utilización  de  telas  de  grandes  dimensiones.   mediante   una   maraña   de   líneas   y   cordones   de   pintura  
Gran  libertad  en  el  color  (al  principio  preferencia  por  el   chorreada   o   goteada   que   transmiten   la   sensación   de  
blanco   y   el   negro,   más   adelante   por   los   colores   extenderse  indefinidamente  más  allá  de  los  bordes  del  
cuadro  (Pollock).  
 

 
SURREALISMO  
  El   Surrealismo   es   un   movimiento   de  
vanguardia   artística   creado   en   1924   tras   el   Manifiesto  
Surrealista  de  André  Breton,  guía  espiritual  del  mismo.  
Inicialmente  literario,  afectó  a  todas  las  artes  y  terminó  
siendo   una   actitud   vital,   un   intento   de   transformar   la  
sociedad  burguesa.    
 
El   Surrealismo   libró   a   la   pintura   de   su   larga  
sumisión  a  la  imagen  realista  y  del  concepto  de  espacio  
heredado   del   Renacimiento,   dando   rienda   suelta   al  
artista   para   expresar   sus   sentimientos   e   impulsos   más  
íntimos.   Influido   por   el   psicoanálisis   de   Freud   y   las  
doctrinas   revolucionarias   de   la   época,   el   Surrealismo  
supo   dar   cauce   a   vagos   impulsos   renovadores   latentes  
en  la  intelectualidad  surgida  de  la  primera  postguerra.    
 
El   Surrealismo   se   extenderá   desde   1924   hasta  
el  final  de  la  Segunda  Guerra  Mundial,  siendo  su  período  
más  floreciente  el  de  1924  a  1928.  
 

De izquierda a derecha: Tristan Tzara, Paul Eluard, André Breton, Hans Arp, Salvador Dalí,
Yves Tanguy, Max Ernst, René Crevel, Man Ray. Abajo: Luis Buñuel.

 
 
Características  
Los  pintores  surrealistas  trataban  de  liberar  la   Su  tema  principal  era  el  mundo  de  los  sueños.  
imaginación   accediendo   al   subconsciente,   lo   más   En   técnicas   usaban   el   automatismo,   que   consiste   en  
profundo  del  ser  humano,  que  afloraba  a  través  de  los   dibujar   o   escribir   sin   aparente   lógica,   dejando   a   la  
sueños.   Como   ideal   estético   se   proponían   lo   mano   libre;   la   desorientación   reflexiva,   por   la   que  
maravilloso,   reuniendo   dos   objetos   incongruentes   en   asociaban   objetos   extraños,   surgidos   libremente   del  
un   contexto   ajeno   a   ambos;   el   propósito   de   los   subconsciente,   en   espacios   lógicos   y   realistas,   y   el  
surrealistas   no   era   «hacer   arte»,   sino   explorar   frottage,  o  dibujo  obtenido  mediante  frotamiento  de  la  
posibilidades.   superficie   de   los   objetos.   También   empleaban   otras  
  técnicas  como  el  fotomontaje,  el  objeto  encontrado,  los  
materiales  de  deshecho,  etc.  
 
 Dalí,  a  la  edad  de  seis  años,  cuando  creía  que  era  una  niña,  levantando  la  piel  del  agua  para  ver  un  perro  que  duerme  a  la  
sombra  del  mar  –  1950  -­‐  Óleo  sobre  tela  80x99  cm.  -­‐  Colección  Conde  Francois  de  Vallombreuse,  París  
 

Paul  Klee  –  Casa  giratoria  

 

 
 
Representantes  
Un   precursor   del   Surrealismo   es   el   pintor   ruso   Marc   Chagall  
(1887-­‐1985)   que   se   instaló   en   1910   en   Paris,   la   capital   artística   del  
mundo,   y   formó   parte   de   la   llamada   Escuela   de   París.   Su   estilo   es   tan  
personal   e   imaginativo   que   resulta   difícil   enclavarlo   en   ningún  
movimiento.   Su   pintura   se   caracteriza   por   los   brillantes   colores   e  
imágenes  deliciosamente  infantiles  y  líricas  sacadas  del  folklore  judío  de  
su   tierra   natal.   En   sus   obras   hay   también   elementos   expresionistas   y  
cubistas.   Sus   cuadros   más   conocidos   son   Autorretrato   con   siete   dedos,  
en  que  se  puede  ver  la  influencia  cubista,  y  La  aldea  y  yo  (Foto).  1911.  
Óleo  sobre  lienzo.  192  x  151.  Museum  of  Modern  Art.  New  York  
Diseñó   también   de   las   vidrieras   de   las   catedrales   de   Metz   y  
Reims.  
 
El  Surrealismo  tiene  dos  modalidades:  
•   la   objetiva   o   figurativa,   que   emplea   una   técnica   casi   fotográfica  
para  imitar  la  realidad.  A  ella  pertenecen  Dalí,  Magritte,  Ernst  o  Delvaux.  
•   la   antiobjetiva   o   de   formas   más   o   menos   abstractas,   de   un  
lenguaje  casi  poético.  En  ella  están  Miró,  Tanguy  o  Matta.  
 
Corriente  objetiva  o  figurativa  
 
El  catalán  Salvador  Dalí  (1904-­‐1989)  es  el  más   franquista  durante  la  Guerra  Civil  española.  En  los  años  
extravagante  de  todo  el  grupo.  En  sus  telas  dio  realidad   40   se   instaló   en   Estados   Unidos   y   su   pintura   se   volvió  
a   sus   delirios   y   obsesiones,   aplicando   el   método   más   conservadora.   Sus   obras   más   conocidas   son   La  
paranoico-­‐crítico   de   su   invención.   Su   estilo   se   persistencia   de   la   memoria,   con   sus   perturbadores  
caracteriza   por   un   dibujo   academicista   y   de   gran   relojes  blandos  y  al  fondo  los  acantilados  de  Cadaqués,  
exactitud,   una   luz   muy   clara   y   figuras   alargadas   y   El  gran  masturbador  y  Premonición  de  la  Guerra  Civil,  
descompuestas   siempre   inquietantes.   Su   actitud   con   monstruosas   y   terribles   figuras.   En   sus   obras  
megalómana   y   provocadora,   así   como   su   desmedido   posteriores   como   Leda   atómica,   en   que   pintó   a   su  
amor   al   dinero,   escandalizó   a   los   surrealistas,   que   lo   esposa  y  musa  Gala,  y  las  religiosas  La  Madonna  de  Port  
expulsaron   del   grupo   en   1933.   Otro   motivo   de   Lligat   y   El   Cristo   de   San   Juan   de   la   Cruz   mostró   un  
alejamiento   fue   la   simpatía   que   mostró   al   bando   sentido  más  clásico  del  espacio.  
 Leda  atómica   El  Cristo  de  San  Juan  de  la  Cruz  

 
    El  belga  René  Magritte  (1898-­‐1967)  componía  lienzos  llenos  de  imaginación.  Pintaba  con  gran  realismo  objetos  
cotidianos  y  los  combinaba  de  forma  incongruente  y  absurda.  Sus  graciosas  telas  son  una  mezcla  de  humor  y  poesía,  
cargadas   de   enigmas   y   símbolos.   Son   muy   conocidas   Delirios   de   grandeza,   con   un   cuerpo   humano   fragmentado,   El  
tiempo   detenido   que   muestra   un   tren   saliendo   de   la   chimenea   de   una   habitación,   y   La   voz   de   los   vientos   con   unos  
pesados  globos  que  flotan.  
René
Magritte:

Delirio de
grandeza (la
folie des
grandeurs) -
- 1962 - 100
x 81 cm

El tiempo
detenido –
1938 – Oleo
s/tela - 147 ×
99 cm The
Art Institute
               of
       Chicago
                                       
 
  

               
Magritte:  El  imperio  de  las  luces  –  1954                                                                                      Magritte:    La  firma  en  blanco  -­‐  óleo  sobre  lienzo  -­‐  81  x  65  cm  
 
Max  Ernst  (1891-­‐1976)  fue  una  figura  destacada  del  Dadaísmo  
y   posteriormente   pasó   al   Surrealismo.   Fue   el   adaptador   de   técnicas  
como  el  collage,  la  calcomanía  y  el  fotomontaje  al  estilo  surrealista  y  el  
inventor   de   nuevas   técnicas   como   el   frotagge   que   proporciona  
calidades   oníricas   a   sus   obras   más   conocidas,   una   serie   de   paisajes  
fantásticos  que  sugieren  extraños  bosques  pétreos,  mezcla  de  pesadilla  
y  poesía  (Selvas,  Napoleón  en  el  desierto,  Europa  tras  la  lluvia).  

  la  
Europa  tras  
lluvia    
 
 
 
  Napoleón  en  el  desierto  
 
 
 
 
 
El  belga  Paul  Delvaux  (1897-­‐1994)  estaba  obsesionado  por  la  
figura  femenina  ideal,  desnuda  o  vestida,  a  la  que  situaba  en  
espacios  irreales,  como  soñados,  pero  ejecutados  con  gran  
precisión    
 
Corriente  antiobjetiva  o  poética  
 
Joan  Miró  (1893-­‐1983)  El  pintor  catalán  es  el  máximo  representante  de  esta  corriente.  Su  pintura,  elaborada  
con   colores   puros   y   tintas   planas,   estaba   llena   de   fantasía,   alegre,   lúdica,   lírica   (el   cielo,   las   estrellas,   la   música...).   Su  
estilo   se   hizo   cada   vez   más   simple   y   personal,   con   formas   biomórficas   dibujadas   de   manera   infantil.   Entre   sus   obras  
destacan   El   carnaval   de   Arlequín,   Mujer,   pájaro   y   estrella,   El   oro   del   azul   del   cielo.   Miró   fue   también   escultor   y  
ceramista  (Edificio  de  la  UNESCO  en  París,  Noche  y  día).  En  Barcelona,  su  ciudad  natal,  tiene  un  museo,  la  Fundación  
Miró.  
 

 
Carnaval  de  Arlequín  -­‐  oleo  s/tela  -­‐  66  x  93  cm  -­‐  1925  -­‐  (Albright-­‐Knox  Art  Gallery  (Buffalo,  USA))  -­‐  El  Oro  del  Azul  -­‐  óleo  s/  tela  -­‐  205  x  173  cm  -­‐  1967  
 
El  francés  Yves  Tanguy  (1900-­‐1985)  pintó  misteriosos  paisajes  de  sueño,  como  de  fondos  marinos  o  de  otro  planeta,  
llenos  de  objetos  misteriosos  y  sensación  de  infinito  como  El  tiempo  amueblado.  

           
Roberto   Matta   (1912)   un   pintor   chileno,   se   unió   mucho   más   tarde   el   movimiento   surrealista.   Emigrado   a   Estados  
Unidos   en   1939,   sus   lienzos   derrochan   formas   casi   abstractas   de   brillantes   colores   y   mucho   movimiento   (La   vida  
Allende  la  muerte).  
 
 
La  escultura  surrealista  
 
Casi   todos   los   pintores   surrealistas  
hicieron   alguna   escultura   como   el  
polifacético   Ernst   que   realizó   obras  
en   yeso   o   bronce   como   Edipo   rey  
(1934),   Espárragos   lunares   (1935)   y  
Miró   que   combinaba   cuerda,  
alambres  y  chapas  de  metal.  
 
 
 
 
Miró:  Pájaro  lunar,  1966  Jardín  del  
Edificio  Sabatini,  Museo  Reina  Sofía.  
Los  más  importantes  escultores  fueron:  
 
Jean   Arp   (1887-­‐1966),   tras   su   etapa   Dada   donde  
había   hecho   relieves   coloreados,   pasó   al   Surrealismo  
realizando,  en  piedra  y  bronce,  composiciones  exentas  con  
formas   ovaladas   o   curvas   como   en   Concreción   humana.  
Evolucionó   posteriormente   hacia   la   abstracción  
geométrica.  
 
El  suizo  Albert  
Giacometti   (1901-­‐
1966)   tras   unos   inicios  
cubistas   tuvo   una  
etapa   surrealista   de  
1930  a  1934,  en  que  se  separó  del  movimiento.  Preocupado  por  la  figura  humana,  
sus  esculturas  eran  de  poca  masa,  «una  especie  de  esqueletos  en  el  espacio»  según  
su   definición,   de   yeso,   madera   o   metales.   Destacan   La   mujer   degollada   (1932)   y  
Objeto   invisible   (1934),   una   melancólica   figura   femenina.   Sin   embargo   su   obra   más  
conocida   pertenece   al   Expresionismo   y   es   posterior   a   la   Segunda   Guerra   Mundial,  
con   sus   figuras   alargadas   y   consumidas,   aisladas   o   en   grupo,   que   expresan   la  
soledad  del  hombre  contemporáneo,  como  Hombre  que  zozobra  (1950).  
 
 
 
Surrealismo  en  publicidad  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
ARTE  POP  (pop  art)  
 
El   arte   pop   es   una  
corriente   artística   que   ha   marcado  
una   época,   desde   su   nacimiento   a  
mediados   del   siglo   pasado.   El   uso  
y   reciclaje   de   imágenes  
sobradamente   conocidas   y   sus  
llamativas   formas   estilísticas   han  
creado   una   imagen   distintiva   que  
se   asocia   a   toda   una   época   en   el  
mundo  occidental,  la  de  finales  de  
los  50  y  la  década  de  los  60.    
Orígenes  y  motivaciones  
El   arte   pop   surgió   a   mediados   del   siglo   XX   y   se   caracteriza  
por   el   uso   de   imágenes   tomadas   de   la   cultura   popular,   usando  
fotografías   o   dibujos   de   revistas,   comics,   anuncios   publicitarios   o  
fotogramas  de  películas,  sacadas  de  contexto.  Nace  como  reacción  al  
elitismo  de  la  cultura  oficial  y  el  expresionismo  abstracto  imperante  
por   entonces,   y   no   le   falta   un   toque   irónico   que   resalta   lo   kitsch   o  
banal  de  las  imágenes.  
Sus  lugares  de  origen  y  donde  más  se  prodigó  esta  corriente  son  Inglaterra  y  Estados  Unidos,  desde  mediados  
de  los  años  50  hasta  mitad  de  los  60.  
 
Características  formales  
El   pop   art   es   en   esencia   una   forma   de   arte   la  época.  No  obstante,  las  figuras  tienden  a  un  carácter  
conceptual,   aunque   hay   algunas   pautas   estilísticas   que   plano  e  inexpresivo,  usando  la  repetición  de  formas  y  el  
se  pueden  considerar  comunes.  Se  trata  de  un  arte  que   plano   frontal   de   manera   recurrente.   Las   formas   son   a  
devuelve   la   figuración   y   el   realismo   a   las   vanguardias   veces  esquemáticas  y  estilizadas.  
artísticas,   pero   utilizando   las   técnicas   más   actuales   de  
 

                           
Andy  Warhol:  Red  Liz                                                                                                                            Jasper  Jones:  Numbers  
 
Características:  
 
Andy  Warhol  -­‐  Eight  Elvises  –  1963  –  Serigrafía  
•      Rechazo   del   Expresionismo   abstracto   e   intento   de  
volver   a   poner   el   arte   en   contacto   con   el   mundo   y   la   realidad  
objetual.      
 
•      Lenguaje   figurativo   y   realista   referido   a   las   costumbres,  
ideas  y  apariencias  del  mundo  contemporáneo.  
 
•      Temática   extraída   de   las   grandes   ciudades,   de   sus  
aspectos   sociales   y   culturales:   cómics,   revistas,   periódicos  
sensacionalistas,   anuncios   publicitarios,   cine,   radio,   televisión,  
música,   espectáculos   populares,   elementos   de   la   sociedad   de  
consumo.  
 
 Richard  Hamilton,  Just  What  Is  It  That  Makes  Today's  Homes  So  
Different,  So  Appealing?  (1956)  
•      Ausencia   del   planteamiento   crítico:   los    
temas   son   concebidos   como   simples   "motivos"  
que  justifican  el  hecho  de  la  pintura.  
•      Tratamiento   pictórico   de   forma   no  
tradicional:   aunque   el   lenguaje   es   figurativo   y  
representa   objetos   reales,   no   se   concentra  
exclusivamente   en   sus   cualidades   formales,   sino  
que   las   combina   con   sus   cualidades   abstractas  
intrínsecas   gracias   al   empleo   de   imágenes  
familiares  y  fácilmente  reconocibles.  
•      Representación  del  carácter  inexpresivo,  
preferentemente  frontal  o  repetitiva.  

 •      Combinación   de   la   pintura   con   objetos   reales   integrados  

en   la   composición   de   la   obra:   flores   de   plástico,   botellas…   en   un  
nuevo   planteamiento   dadaísta   acorde   con   los   nuevos   tiempos  
(Neodadaísmo).  
•      Preferencia  por  las  referencias  al  status  social,  la  fama,  la  
violencia   y   los   desastres   (Warhol),   la   sexualidad   y   el   erotismo  
(Wesselmann,   Ramos),   los   signos   de   la   tecnología   industrial   y   la  
sociedad  de  consumo  (Ruscha,  Hamilton).  
•      Formas   y   figuras   a   escala   natural   y   ampliada   (los   grandes  
formatos  de  las  imágenes  de  Lichtenstein).  
•      Iconografía   estilizante,   principalmente   formas   planas   y  
volumen  esquemático.  
                                                                                           Roy  Lichtenstein:  Hopeless  -­‐  1963  
  Temáticas  
   
  Las   grandes   metró-­‐ sexualidad,   la   sociedad   de   consumo   y   la  
polis   anglosajonas,   sobre   todo   industrialización  de  la  sociedad.  
Londres   y   Nueva   York   como   También   es   común   la   utilización   de  
epicentros   del   pop   art,   son   objetos   o   imágenes   de   lo   cotidiano   como  
grandes   inspiradoras   de   las   motivo  central  de  una  obra  artística,  exaltando  
obras   de   este   estilo.   Las   lo   banal   y   aparentemente   sin   valor   como  
imágenes   utilizadas   son   objetos  únicos,  como  ocurre  con  la  famosa  lata  
ampliamente   conocidas   por   el   de   sopa   Campbell   usada   por   Andy   Warhol   en  
imaginario   popular   (Elvis,   la   una  de  sus  obras  más  conocidas.  Se  trata  de  un  
Gioconda,   Marilyn   Monroe,   un   atrevido   paso   más   en   la   discusión   de   lo   que   es  
hongo   atómico,   un   parque   de   arte   y   de   sus   límites,   utilizando   un   elemento  
atracciones,  etc.).  Dentro  de  las   fabricado   en   serie   y   sin   un   evidente   valor  
temáticas   utilizadas   con   más   estético   o   artístico   como   una   pieza  
frecuencia   están   la   fama,   la   fundamental  en  la  historia  del  arte  moderno.  
   
   
  Andy  Warhol:  Cuchillos  (1981)  
 
 
Técnicas  expresivas  
Se  usa  frecuentemente  el  collage,  combinando  pintura  con  objetos  reales.  Los  colores  son  a  menudo  brillantes,  
puros,  fluorescentes  y  sin  matices,  inspirados  en  los  empleados  en  la  industria  y  los  artistas  como  Andy  Warhol  (que  
hizo   famosas   en   todo   el   mundo   las   latas   de   sopas   Campbell).   Robert   Rauschenberg   y   Roy   Lichtenstein   mezclaron  
diferentes   elementos   y   objetos   volcándolos   en   texturas   y   colores,   nunca   antes   usados,   convirtiéndolos   en   verdaderas  
obras   de   artes..   Dentro   de   las   técnicas   del   arte   pop   encontramos   variedad:   serigrafía,   óleo,   algunas   técnicas   de   la  
publicidad   y   de   la   producción   masiva   además   de   utilizar   collages   y   fotografías,   todas   ellas   cargadas   de   ironía   e  
irreverencia   frente   a   una   sociedad   cada   vez   más   industrializada..   Se   utilizan   asimismo   materiales   como   la   pintura  
acrílica,  el  poliéster  o  la  gomaespuma.  
Incluyeron   además   esculturas,   así   como   tiras   de   cómic,   latas   de   sopa,   cerveza   o   señales   de   tráfico.   Los  
materiales  como  el  poliéster,  la  gomaespuma  o  la  pintura  acrílica,  ocuparon  un  lugar  destacado.  
Principales  figuras  
Andy  Warhol  

               
Myths:  Mickey  Mouse                                                                                                                                                                                                  Mao  Tse  Tung  
 

                               
Camouflage  Self-­‐Portrait  -­‐  2  x  2  m  –  MOMA  -­‐  Pintura  al  aceite  –  1986  -­‐                                                                    Guns  –  1982/83  
 
Roy  Lichtenstein  

Look  Mickey  –  1961  -­‐  

National  Gallery  of  Art  
 
 
 
 
 
Sunrise  -­‐  1965  
                                                                                                                         
 

 
Whaam!  -­‐  Roy  Lichtenstein  -­‐  1,70  m  x  4,0  m  -­‐  Tate  Modern  -­‐  1963  
Richard  Hamilton  
Just  what  was  it  that  made  yesterday's    
homes  so  different,  so  appealing?  (1992)    
Laser  print  on  paper    
image:  26  x  25  cm    
on  paper,  print  
 

 
 
 
 
 
 
Adonis  in  Y  fronts  (1963)    
Screenprint  on  paper    
image:  61  x  81  cm    
on  paper,  print    
 
 
 
Richard  Hamilton  
 
How  a  great  daily  organ  is  turned  out  
 
date  
1990  
 
medium  
mixed  media  
 
edition  size  
120  
 
image  size  
76  x  56  cm  
 
description  
A   composite   image   consisting   of   20  
separate   mixed   media   engravings   printed  
on  the  same  sheet  on  Hahnemüle  paper  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
Jasper  Jones  

       
Souvenir  2                                        Bandera  
 

                         
En  el  estudio                                                Objetivo  -­‐  1958  
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
OP  –  ART  (arte  óptico)  
 
Al  decir  "Op  art"  corresponde  
a   la   abreviación   de   "Optical   art"   o  
Arte   Óptico.   Es   un   movimiento  
pictórico   desarrollado   a   partir   del  
Arte  cinético,  el  cual  aparece  después  
del  surrealismo  en  el  siglo  XX.  
Surge   a   finales   de   la   década  
de   los   50’   para   asentarse   en   los   años  
60’.  
Esta   corriente   artística  
precede   primero   en   Europa,   porque  
fue   ahí   donde   se   vivieron   las  
primeras   experiencias   sobre   la  
percepción   de   imágenes   fijas   o   en  
movimiento,   pero   fue   en   EE.UU   su  
punto   principal   de   desarrollo   y  
masificación  en  Abril  del  año  1958.  
El  término  apareció  en  forma  
impresa   por   primera   vez   en   la   revista  
Time  en  Octubre  de  1964.  
Ahí   se   realizaron   varios  
artículos   sobre   el   tema,   finalmente   el  
término  fue  aceptado  y  difundido.  
Las   obras   del   Arte   Óptico   interactúan   con   el   espectador   provocando   una   sensación   de   movimiento   virtual  
mediante  efectos  de  ilusión  óptica.  
 

         
Bridget  Riley:  La  obra  Catarata  3  -­‐  1967  
 
El  movimiento  quedó  definido  a  partir  de  una  exposición  celebrada  en  1965  en  el  Museo  de  Arte  Moderno  de  
Nueva   York   titulada   “The   Responsive   Eye”,   que   agrupaba   a   una   serie   de   artistas   de   distintas   nacionalidades   seguidores  
de  esta  tendencia.  

             
 Fue  rápidamente  aceptado  por  el  público  por  sus  estudiadas  formas,  éste  influyó  en  otras  áreas  del  arte  como  
la  publicidad,  la  gráfica  y  la  moda.  
 

 
Hexa  5  -­‐  1988  -­‐    Vasarely  
 
El  Arte  Óptico  es  una  corriente  artística  abstracta,  basada  en  la  composición  pictórica  de  fenómenos  puramente  
ópticos,   sensaciones   de   movimiento   en   una   superficie   bidimensional,   engañando   al   ojo   humano   mediante   ilusiones  
ópticas.   Se   utilizan   estructuras   de   repetición   con   un   orden   claro.   Frente   a   otras   tendencias   racionales,   el   Arte   Óptico   se  
basa  en  principios  científicos  rigurosos  con  el  fin  de  producir  efectos  visuales  inéditos.  
Las   obras   del   Arte   Óptico   interactúan   con   el   espectador   provocando   una   sensación   de   movimiento   virtual  
mediante   efectos   de   ilusión   óptica,   situación   que   desencadena   una   respuesta   dinámica   del   ojo   y   una   cierta   reacción  
psicológica  derivada  de  su  apariencia  sorprendente.  

Yaacov  Agam:  “Infinite  Reach”  (1985),    

serigraph  in  color  on  reflective  mylar    

Agamograph  (litografía)  
 

 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 En  lo  que  se  refiere  a  las  características  claves   movimiento.  Cualquier  obra  de  Op  Art  es  plana,  estática  
del  estilo  podemos  decir  primero  y  principalmente,  que   y  bidimensional.  Los  ojos  empiezan  a  enviar  al  cerebro  
el   Op   Art   existe   para   idiotizar   el   ojo.   Las   composiciones   el  mensaje  de  que  aquello  es  visto  como  algo  que  oscila,  
Op  crean  un  complejo  de  tensiones  visuales  en  la  mente   parpadea,   late   y   otros   verbos   que   puedan   emplearse  
del  visionario,  que  da  la  sensación  de  ser  una  ilusión  en   para  decir:  “¡éste  dibujo  se  está  moviendo!”.  
 

 Julio  Le  Parc  (Argentina)  

 
Una   segunda   característica   del   estilo   es   que,   como   se   basa   en   la   geometría,   el   Op   Art   es   en   la   mayoría   de   las  
ocasiones,  no  representativo.  
En   tercer   lugar,   los   elementos   empleados   (color,   líneas,   y   formas)   son   cuidadosamente   empleados   para  
encontrar  el  efecto  máximo.  
 

     
 
Seguidamente,   las   técnicas   que   utiliza   el   Op   Art   son   habitualmente   la   yuxtaposición   del   color   (con   matices  
cromáticos  identificables)  o  acromático  (negro,  blanco  o  gris).  
Finalmente,   en   el   Op   Art   a   diferencia   de   otros   estilos,   los   espacios   positivos   y   negativos   tienen   la   misma  
importancia.  Op  Art  no  puede  ser  creado  sin  ambos.