Definiciones y controversias

entre arte moderno-posmoderno-contemporáneo

Arthur Danto. “Moderno, posmoderno, contemporáneo”

Simón Marchán Fiz. Del arte objetual al arte del concepto
Los manifiestos del arte posmoderno.
Ana María Guasch. El arte último del siglo XX.
Del posminimalismo a lo multicultural
Donald Kuspit. El fin del arte.
José Jiménez. “Arte es todo lo que los hombres llaman arte”.
 Hal Foster. “Contra el pluralismo”.
Rosalind Krauss. La originalidad de la vanguardia y otros mitos modernos.
 Interrogantes fundamentales
que propone Danto:

¿Cuáles son las diferencias o distinciones fundamentales

entre lo que se ha llamado
“arte moderno” y “arte contemporáneo”?

¿Cuándo surgen y qué rasgos los caracterizan o distinguen?

¿Cómo se inscribe el llamado arte “posmoderno”

dentro de esas distinciones y diferencias
entre arte moderno y contemporáneo?
 Otras interrogantes:

¿Qué vínculos se establecen entre los conceptos

“arte contemporáneo”, “fin del arte” y “arte poshistórico” ?

¿Qué se puede entender por “fin del arte”,

y que deviene después de ese “fin del arte”?

¿Qué connotaciones o implicaciones tienen

todos estos conceptos y propuestas radicales,
para los artistas y el sistema actual del arte?
 Surgimiento de los términos “arte” y “artista”:

Su sentido “moderno” se inicia en el Renacimiento (Siglo XV)

con la proliferación del mecenazgo
las biografías de Giorgio Vasari y la autonomía del artista
representada en la figura emblemática
de Leonardo de Vinci
Igualmente
con la creación de condiciones
de autonomía relativa de las prácticas artísticas
con respecto a la religión y la política.
 Inicios del arte moderno

Luego de múltiples movimientos que reivindicaron

desde distintos lugares la representación
-renacentismo, barroco, manierismo,
neoclasicismo, romanticismo, realismo-
a mediados y finales del siglo XIX
con el surgimiento del impresionismo y el pos-impresionismo
se pueden localizar los inicios del “arte moderno”

Charles Baudelaire:
El pintor de la vida moderna.
 El término “moderno” significó en esa época
la búsqueda y apuesta por lo nuevo
la transgresión, el cambio
relacionado íntimamente con las transformaciones impetuosas
de las tecnologías y la vida social
en la segunda mitad del siglo XIX

En el ámbito de las artes más específicamente

esto se reflejó en las rupturas con el academicismo
y con la tradición realista de representación pictórica.
Una característica fundamental de ese arte moderno
con respecto al producido anteriormente
es que los rasgos representacionales
ya no son centrales

“el arte se vuelve su propio tema”

(Clemente Greenberg)

El arte moderno se fue convirtiendo cada más

en un “arte no mimético”
(Meyer Shapiro)
 Por otro lado
el surgimiento y desarrollo
de la fotografía desde mediados del siglo XIX
y luego del cine a principios del siglo XX

resultaron también elementos fundamentales

en este cambio de estrategias y contenidos
de la pintura y de las artes visuales en general
 Este alejamiento de la mimesis
de la representación directa
es posible rastrearlas
del impresionismo al pos-impresionismo
del fauvismo y el expresionismo
al cubismo y la abstracción
del dada al surrealismo
junto a otras tendencias de las vanguardias
de inicios del siglo XX
Van Gogh
Matisse
Munch - Nolde
Picasso
 Dada: ensamblajes-collage
Hanna Hoch - Kurt Schwitters
Dalí
Magritte
Kandinsky
Malevich
Todas estas tendencias de arte vanguardista o moderno
juegan, de-construyen, reflexionan
sobre la idea misma de representación
hasta llevarla a su “grado cero”

Blanco sobre Blanco

Malevich
 Pos-vanguardias y arte contemporáneo

En los años 60 del siglo XX

se produce una eclosión de tendencias dentro del arte:

del pop art, al land art, arte povera, la performance,

el minimal, el video, el conceptual, entre otros.
 Pero sobre todo se puede hablar
de una discontinuidad
de un cambio fundamental en la narrativa
de cómo se concibe el arte
y cuáles son eventualmente
sus rumbos o sentidos
 Esa transformación esencial
se puede reconocer en el término mismo de
“arte contemporáneo”

que a pesar de tener connotaciones temporales

-es decir, se refiere etimológicamente
al arte que se produce hoy-ahora

significa sobre todo un cambio sustancial

en sus propósitos e intencionalidades
en su inserción dentro de la historia del arte
en sus concepciones y producciones mismas.
Esas transformaciones fundamentales
del arte contemporáneo
se pueden percibir a través
de varios rasgos distintivos:
 Los artistas se liberan de la historia:

el arte contemporáneo
no se propone como novedad y diferencia
con respecto a lo anterior
más bien se explora
la apropiación, la cita, el collage
reciclando referentes de la historia del arte
e imprimiéndole nuevos significados,
intencionalidades y propósitos a lo apropiado.
 Otro rasgo fundamental
del arte contemporáneo
es que comienza a autorreflexionar
de manera sistemática
acerca de sus propios significados, funciones y limitantes
volviéndose lo visual muchas veces secundario
(desmaterialización de la obra de arte)
 Por otra parte se produce
una confluencia y superposición
de gran cantidad de estilos y tendencias

tanto que
-según Meyer Shapiro-
se puede hablar de un
“paroxismo de estilos”
 Igualmente se ha producido
una llamada “entropía artística”
una dinámica caótica o desordena
con una variedad casi infinita
de tendencias, objetivos e intencionalidades.

Según Danto:

este es un estado de
“perfecta libertad”,
donde “todo está permitido”
y donde la “pluralidad”
se vuelve la norma.
 Por eso, según Danto:

“solamente cuando se volvió claro

que cualquier cosa podía ser arte,
es que se pudo filosofar sobre el arte”.

La pregunta pertinente hoy

sería entonces:
no ¿qué es arte?
(esencialista, ontológica, inmutable)
sino
¿ cuándo es arte? (contextual, variable)
y
¿cómo se vuelve arte? (sentidos, significados)
(Nelson Goodman)
 Duchamp:
ready made, apropiación
parodia, silencio…
Warhol : pop, industria, reciclaje…
Johns-Lichtenstein-Hamilton-Dine – Rosenquist
Tinguely - Calder - Cesar- Oldenburg
 Land Art- Arte Povera:
Smithson - Christo -De Maria - Pistoletto
 Beuys:
artista-chaman, performance-ritual, objeto-naturaleza-arte…
Fluxus: música-video-performance
vida – arte - contexto
Acciones-performances: cuerpo y radicalidad…
Performance: ironía-radicalidad (Burden - Acconci – Abramovic / Ulay)
Klein: pintura-performance-vacío…
Manzoni: mierda , ironía, gestos…
Minimalismo : Le Witt – Serra – Andre – Flavin
Kosuth: arte, lenguaje, filosofía…
Nauman: luz, escritura, ironía…
 Relaciones
arte posmoderno - arte contemporáneo:

Se caracterizan por la pérdida de intenciones o búsquedas

de originalidad y novedad
 Voluntad de copia y reciclaje
como estrategias visuales y conceptuales.

Apropiación de estilos y tendencias

históricas o modernas,
para re-significarlos
en la contemporaneidad
 Según Danto:

El arte actual es demasiado pluralista

en intenciones y realizaciones
como para ser capturado
en un espacio cerrado y parametrado
(museo, galería, academia…)
 Arte pos-histórico y fin de la historia del arte

El arte contemporáneo
es pos-histórico
porque se ha propuesto como objetivo principal
reflexionar sobre sí mismo

negando la posibilidad de insertarse

en una historia evolutiva o lineal
y haciendo consciente
las limitaciones de su propia naturaleza.
 Según Danto:

En este escenario pos-histórico

donde se niega que la historia devenga o avance
hacia algún sentido o lugar o preciso
todos los estilos y tendencias
son igualmente válidos:

“Ningún arte es más verdadero

ni más falso históricamente que otro
Aunque no todo arte es
indiferentemente bueno”.
 Arte
después del
“fin del arte”

El arte después del “fin del arte” quiere decir:

“la vida comienza cuando la historia llega a su fin”

(Danto)

o:
“la vida está por encima del arte”
(Duchamp)