21/1/2018 “El encanto del rock debe reinventarse” | Confabulario | Suplemento cultural

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Descifrando los pergaminos d
Explorador del vértigo y lo dionisiaco en géneros como el rock, el punk y el mismísimo
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pop, Simon Reynolds regresa con Como un golpe de rayo (Caja Negra), su más reciente

libro, en el cual aborda el glam, esa suerte de pantomima de la libertad, el exceso y la Travesías extremas y reedicio

lujuria que elevó a la cúspide a David Bowie. Aquí una entrevista con el crítico inglés imprescindibles (3529)

/ Guillermo del Toro y el bestia

multifebril (2744)
POR LEONARDO TARIFEÑO

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El primer contacto del inglés Simon Reynolds con el punk fueron “las SÍGUENOS EN FACEBOOK

blasfemias, la vehemencia y, sobre todo, el horroroso barullo” que salía del

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cuarto de su hermano. A la sorpresa le siguió la curiosidad, y luego la 16.934 Me gusta

fascinación por “una contracultura que, aunque fragmentada, compartió la

creencia de que la música podía cambiar el mundo”. Desde entonces,
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dedicaría su vida a entender, explicar y difundir lo mejor del soundtrack que
lo rodeaba y expresaba la rebelión juvenil en cada rincón del planeta. A 1 amigo le gusta esto

Nacido en Londres en 1962, rápidamente se convirtió en uno de los

principales críticos de la muy influyente revista Melody Maker, medio desde
el que enriquecería el campo de la naciente crítica de rock con una intuición
sociológica muy próxima a la que Greil Marcus consolidaría en su clásico
ensayo Rastros de carmín (1989). Creador del término “post-rock” y escritor
convencido de que “la crítica musical debería golpear con el raw power del
que hablaba Iggy Pop”, Reynolds vuelve a intervenir en la cultura de su
tiempo con Como un golpe de rayo (Caja Negra), volumen en el que, como en
Post-punk y Retromanía, analiza un momento central del rock para
desentrañar la sensibilidad de una época.

Con la mira puesta en el glam de Marc Bolan y David Bowie, en Como un

golpe de rayo piensa el futurismo irónico de Ziggy Stardust, reflexiona bajo
el influjo de Gilles Deleuze e intenta seguir las lecciones de Friedrich
Nietzsche en El nacimiento de la tragedia, “la primera obra maestra de
crítica de rock, escrita un año antes de que el rock existiera”. Todo un
desafío para un autor que no ignora que los nuevos hábitos de consumo
cultural han transformado el impacto social de la música, en una época en la
que aquel “horroroso barullo” ha dejado de escandalizar.

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¿Cree que la música aún es “el centro de la cultura joven, el pegamento que
conecta todo con todo”, como en sus años de crítico en Melody Maker?

Me parece que la música tiñe la vida cotidiana de la gente joven –o de todas

las edades, tal vez– sin ser, necesariamente, su centro. Hoy la música está en
toda partes y es más accesible que nunca, pero parecería que se ha
devaluado. Antes, parte de su valor se relacionaba con el hecho de tener al
alcance sólo unas pocas cosas, lo que creaba una relación más intensa con
ciertas piezas musicales en particular y la música en general. De una manera
curiosa e inesperada, la facilidad del acceso a la música ha tenido un efecto
más negativo que liberador, porque ahora nuestras elecciones no nos
cuestan nada, y nuestra actitud actual hacia la música incluyen el desgano y
cierta indolencia. Nuestra atención se ha desplegado hacia un rango más
amplio de cosas, pero ha perdido intensidad.

¿Lo dice en general o en el caso específico de los jóvenes?

En general. Mi percepción en el caso de los jóvenes es que, aún cuando la

música tiene una presencia ambiental en sus vidas y obviamente les causa
disfrute y placer, su rol en la formación de la identidad se ha reducido
mucho. Hubo una época en la que cada tipo de música creaba una identidad:
había una fuerza emocional-libidinal en la tribu urbana del heavy metal,
otra en la del hip hop, y así. La sensación que teníamos los que nos
involucrábamos con tal o cual género era la de apoyar una causa y formar
parte de un movimiento. Actualmente los chicos son mucho más eclécticos,
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sobre todo porque pueden serlo: tienen un abanico muy amplio de música a
su disposición, instantánea y gratis. Quizás por eso el ardor del fanatismo ya
no es tan frecuente como antes.

¿Ese cambio en el consumo social de la música supone una pérdida?

No necesariamente. Es un rasgo de la época: la música ya no representa la

vanguardia de la cultura, como ocurrió en los sesenta, en los setenta con el
glam rock, durante la era punk-postpunk o incluso en los noventa con el
grunge, el rap y la cultura rave. En esas épocas, la gente le atribuía a la
música una cualidad casi mesiánica. Por ejemplo, los fans de The Smiths
veían al grupo como la fuente de su propia salvación. La música estaba muy
relacionada con otros aspectos de la cultura popular, como la moda y el cine,
pero siempre ocupaba el lugar privilegiado. Era lo que marcaba el pulso de
la época, el zeitgest. La música actual, aún cuando mantiene sus funciones
vitales de baile y entretenimiento, compite con otras zonas muy potentes en
la economía de la atención, como los videojuegos, las apps, las redes sociales,
los memes y YouTube. De hecho, a veces siento que a la juventud hipster la
entusiasma más lo que tiene que ver con la comida que con la música.

En sus libros siempre destaca la relación que las distintas formas del rock,
tanto el postpunk como el glam, tuvieron con la innovación y el futurismo.
¿Cree que esos rasgos permanecen ligados al rock?

Creo que hoy ese sentido futurista lo encarnan, de una manera muy intensa
y convincente, la cultura tech, las apps y las redes sociales. La sensación que
nos hace decir “¡todo va demasiado rápido!” la tienes con tu teléfono, o
incluso con un automóvil. Y esa misma sensación era parte de la música
hasta los noventa, con la electrónica rave, el hip hop y el dancehall. El tema
ahí es que los sonidos electrónicos y los procesos digitales representaron la
idea de futuro durante mucho tiempo, y su uso quedó desgastado. Hay
mucha música electrónica –minimal e hipnótica, pero también abstracta o
rítmica disfuncional– que, si la escuchas ahora, te evoca la idea de futuro
que había en el pasado. Son hipno-pulsos, micro-síncopas y procesos
digitales de voces que se pueden rastrear hasta los años cincuenta, o antes
aún.

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El hilo conductor de la música que le interesa especialmente, del punk

garage al jungle, es lo “dionisíaco”. “No se trata de las canciones, se trata de
‘encenderse’”, ha dicho. ¿Podría ampliar más esa idea?

Bueno, primero debería aclarar que ésa no es la única música que me

interesa. Me gustan mucho los discos que crean una atmósfera, como In a
silent way, de Miles Davis, Another green world y Old land, de Brian Eno, y
The plateaux of mirror de Eno y Harold Budd. Y dentro del rock me
encantan algunas cosas que le sorprenderían a quienes sólo me conozcan
por el libro Post-punk. Me gustan mucho los clásicos del soft-rock como
Fleetwood Mac o la Joni Mitchell de Hissing of summer lawns, así como el
roots reggae o el pop africano de King Sunny Adé. Pero también es verdad
que buena parte de la música que me gusta busca el vértigo y “lo dionisíaco”,
digamos. Una línea que va de “Shaking all over” de Johnny Kid and the
Pirates a “You really got me” de The Kinks y “Loose” de The Stooges, y de ahí
a “Zoo music girl” de The Birthday Party y “Feed me with your kiss” de My
CONEXIONES FICCIONES MIRADAS REFLEXIONES
Blood Valentine… y más allá por supuesto, hasta la era electrónica de The
Prodigy y The Mover.

Hecha la aclaración…

Sí, bueno, lo de “no se trata de las canciones, se trata de encenderse”

significa que para mí lo importante no es la canción en sí misma sino la
incandescencia de la energía que surge a través de la estructura de la
canción, como el fuego que enciende una casa. Claro que para que el fuego
arda, necesitas la casa. Por ejemplo, creo que My Bloody Valentine funciona
porque su trabajo se apoya en melodías agradables, aún cuando siempre se
imponga la sensualidad abstracta de la guitarra. Sin esas estructuras, creo,
no sería igual de disfrutable o efectivo.

Dice que una de las tareas del crítico es “mantenerse entusiasmado”. En su

caso, ¿qué lo entusiasma?

Bueno, cuando la crítica se vuelve un trabajo tienes un problema, porque no

te puedes obligar a estar entusiasmado siempre. Y cualquier crítico con
experiencia sabe que atravesará períodos de desinterés por la escena
musical que lo rodea. En esos momentos, lo que hago es dedicarle más
tiempo a cosas antiguas o remotas. Pero generalmente siempre hay algo en

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la actualidad que me interesa, y a veces sólo tengo que buscarlo fuera del
circuito al que le presto atención.

En Como un golpe de rayo señala que el pop debería ser “un lugar en el que
lo sublime y lo ridículo se fusionen hasta volverse indiscernibles”.
¿Encuentra eso mismo en el pop actual?

No quise ser muy enfático en esa frase, como si el pop tuviera que ser de una
manera y no de ninguna otra. Sólo fue una observación acerca de una
cualidad que tuvo el glam. En cuanto a la pregunta, no, no veo nada de eso
en ninguna variante pop actual. Aunque es cierto que quizás hay algo más o
menos emparentado, pero que a mi manera de ver es negativo. Me refiero a
cuando Miley Cyrus finge lamer las nalgas de un bailarín en una entrega de
premios, el video “Look what you made me do” de Taylor Swift o el clip
“Famoso”, de Kanye West. Siento que son aproximaciones un poco grotescas
o abyectas al ridículo sublime que halló el glam, esa suerte de pantomima de
la libertad, el exceso y la lujuria que quizás hoy sobreviva en ciertos videos
de rap, donde la teatralidad gestual deja claro que algo así sólo puede existir
en el mundo fantasioso de la música, nunca en la vida real.

¿La muerte de David Bowie supone el final de una era?

Para alguien como yo, formado bajo el imponente poder de su figura, es

cierto que parece que una era se ha ido con él. Cuando el momento le llegue
a otras estrellas del nivel de Mick Jagger, Keith Richards o Paul McCartney,
sin dudas sentiremos que la era del rock se habrá convertido en pasado. Hay
que prepararse para el día en el que la música que definió nuestras vidas se
convierta en una curiosidad histórica, cada vez más difícil de entender para
la gente joven. En el caso de Bowie, es posible que la riqueza de sus ideas y
valores le regalen una larga vida a su música. Además, muchos de sus fans
luego se convirtieron en estrellas pop, así que su legado podría mantenerse
vivo durante décadas. Pero, tarde o temprano, la era que lo produjo se
volverá tan extraña, tan difícil de reconstruir –aún con la ayuda de libros
como los míos– que a la gente joven le resultará imposible entender tanto
sus logros como sus obsesiones. Definitivamente, todas las cosas deben
pasar.

¿El rock ha muerto o sigue vivo?

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Creo que el encanto del rock no es algo inmóvil o esencial. Está claro que
una banda que haga ahora lo que hicieron los Rolling Stones en 1966 o los
Ramones en 1975 no va a tener ningún impacto. El contexto histórico del
gesto tiene un peso invalorable en el poder de la música. Por eso diría que el
encanto del rock debe reinventarse permanentemente. No alcanza con ser
una banda de garage punk en el siglo XXI; lo que hay que ser, en todo caso,
es el equivalente actual de lo que era una banda de garage punk en su
tiempo, es decir, los mediados de los sesenta. Esto no significa que las bandas
originales de garage punk –o los Stones o los Ramones– ya sean obsoletas.
Todo lo que haya sido pertinente en su contexto histórico tiende a sobrevivir.

Dice que no cree en “la música pop como púlpito o estrado”, una
caracterización en la que ubica a Bob Dylan, John Lennon y Joe Strummer,
entre otros. En su opinión, ¿cuál sería el vínculo más eficaz y creíble, si lo
hubiera, entre música pop y política?

El problema no es tanto que yo no crea en la “música de púlpito”, sino que

siento que no funciona. En las épocas de Dylan, Lennon, Strummer o Rotten,
su poder se explicaba porque había grandes audiencias que se reflejaban en
ellos. Los Beatles sintieron que se debían una canción como “Revolution”
porque era lo que se esperaba de ellos en relación a lo que ocurría en 1968.
Lennon escribió “Instant karma”, “Working class hero”, “Imagine” y las nada
buenas canciones de protesta de Sometime in New York City, muy consciente
de que había un público que les prestaría atención. Eso era lo que le daba
poder a sus palabras y sus posturas. Y eso siguió así bastante tiempo más,
con gente como Strummer o Bob Marley, y llega hasta las polémicas raciales
de Public Enemy. Sin embargo, vale la pena preguntarse –y lo dice un fan de
Public Enemy– por la idea misma de las canciones de protesta o con
mensaje. ¿Realmente cambian la mente de las personas? ¿Son una amenaza
para el establishment? Para mí, lo que hacen es darle fuerza a gente que ya
concuerda con esas opiniones. Un logro bastante modesto en el camino a
cambiar el mundo. Dicho esto, debo admitir que el fenómeno inglés de
Grime4Corbyn, en el que jóvenes raperos marginales salieron a las calles a
pedir el voto por el candidato laborista Jeremy Corbyn en las últimas
elecciones, tuvo un efecto muy poderoso entre la gente que ni siquiera
pensaba ir a votar. Este tipo de cosas demuestran que la música tiene poder,
y es capaz de producir ejemplos inesperados a la hora de buscar cierto
impacto político. Aunque subrayaría que, como sugería antes, para mí ese

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efecto no surge de las letras, sino de la influencia social de esos artistas y la

admiración que despiertan entre mucha gente joven.

FOTO: Reynolds comenzó su carrera en Melody Maker, una de las revistas musicales

más importantes en Reino Unido. / Adriana Bianchedi

David Bowie Glam Melody Maker Rock Simon Reynolds

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