Daniel Mejía Ramírez

Ensayo Seminario Pragmático 9 Errores y Aciertos Devenir de

una Comunidad Anómala
Signos: La falta de difusión inicia mi reflexión y producción de Comunidad
Anómala, Comunidad anómala excede mis capacidades y refleja varios huecos
que debo abordar para generar esta propuesta al mismo tiempo que teorizo y
desarrollo mi proyecto. Darle tanta importancia a lo teórico caigo en el mismo
error que la Facultad, dándome cuenta que le di mucho peso a teorizar y
también a las palabras comunidad anómala como conceptos a desarrollar
cuando si era importante, pero no tenía que darle tanto peso ya que mi ensayo
también tiene que ver con las industrias culturales, las promotoras culturales y
productoras, (a esto le dedique muy poco tiempo y este texto también me sirvió
para darme cuenta de esto).

Me centre tanto en los conceptos de comunidad anómala, que me llevo a una

reflexión de movimientos anómalas, el grupo de la ruptura, la generación de la
ruptura, y la expo de la era de las discrepancias, esto es interesante pero
siento que estoy avanzando muy lento en mi proyecto, como dije me centre
demasiado en teorizar, creo que un proyecto exitoso es aquel que se desarrolla
en las tres áreas de la semiótica de forma integral, lo semántico, lo sintáctico y
lo pragmático, en este caso, en el primer apartado de mi ensayo que
evoluciono a tesis, abordo el fenómeno de una facultad de artes en mi
contexto, aquí me hace falta meterme de lleno, averiguar cómo surge esta
propuesta de una facultad de artes en Toluca, había una intención con esta
acción, era una estrategia específica para que se desarrollara en Toluca o fue
solo para el desarrollo de interés personales de personas que querían ver
materializada su idea de arte.

El concepto de arte debe evolucionar a la vasta gama de manifestaciones que

existen en nuestra cultura sin caer en una jerarquización del arte, o un arte
mayor que el otro, planteando el paradigma de la diferencia, de lo singular, de
lo anómalo que es normal en otros campos, en ese sentido toda comunidad es
anómala para otra comunidad ejemplo arte y derecho son comunidades
anómalas que se enuncian desde la diferencia pero desde lo igual desde
adentro de su campo, sin embargo se busca trascender esto para crear
comunidades entremezcladas hibridas, que creen comunidades compuestas de
diferentes componentes, componentes singulares, componentes anómalos ,
construyendo así comunidades anómalas, y no comunidades auténticas, para
llegar a esto propongo el arte como ese lugar anómalo por excelencia en el que
convergen las áreas del conocimiento y los otros de forma transdisciplinaria.

Yo no solo busco difundir el arte, sino emancipar al otro, a través del arte, el
arte como herramienta de emancipación, ¿Cómo es que me atrevo a proponer
algo así? , porque el arte ha buscado eliminar esos límites entre arte y vida,
proponiendo incluso el arte como conocimiento, el arte busca involucrar al otro,
el arte se completa cuando esta ese otro que lo contempla y existe esa
confrontación, el arte puede ser para uno, pero siempre el arte busca que otro
lo mire, en realidad creo que siempre estamos buscando a ese otro. Todo esto
me lleva a ver mi investigación desde el choque de estos tres campos

Yo Facultad

Realidad

En este punto creí llegar a un entendimiento de que se enseñaba en la

facultad, pero me di cuenta que una cosa era lo que estaba aprendiendo en la
escuela y otra la realidad del mundo del arte a fuera de la escuela y descubrí
figuras como Avelina Lesper una de los personajes más odiados en la
Facultad y su pensamiento es muy contrario al que se difunde en la facultad
para abordar esto es necesario que aborde el llamado arte contemporáneo y a
que se refiere.

Remitiéndome al texto el arte como posible conocimiento de 3 maestros de la

facultad, se aborda la propuesta metodológica para concebir la práctica
artística como posible conocimiento y según entiendo el arte seria la estrategia
de relación entre el mundo y el sujeto relacionando la metodología de la
semiótica con la del psicoanálisis para proponer una metodología desde las
prácticas artísticas dada sus similitudes, para llegar a esto en el artículo se
abordan varias problemáticas para poder pensar el arte como una forma de
conocimiento como es el caso de los mitos que giran alrededor del arte y de la
figura del artista, en el artículo se mencionan dos mitos que determinan la
percepción de las personas a la hora de referirse al arte; el mito desde la
concepción de Roland Barthes (2002), es decir, una particular forma del habla
entendida ésta como la actualización de la lengua en el ejercicio cotidiano del
acto comunicativo en la esfera social que, además, tiende a devenir en imagen
con significados que de tan habituales, han olvidado su justificación histórica.
Estos mitos son

1. El arte tiene un valor intrínseco es sagrado, por lo que solo es

reconocible solo por expertos que lo ponen al servicio de un público más
amplio
2. el arte solo tiene que ver con la sensación estando en contra de la
razón,

Estas ideas según el texto son algunas de las que impiden pensar el arte como
una forma de conocimiento la primera nos habla de cómo alguien
independiente al artista decide que es arte y que no, instaurando los valores de
un arte en una época determinada (mecenas, clérigos, burgueses, críticos,
historiadores, filósofos y actualmente curadores).

La segunda nos habla que por mucho tiempo se ha relacionado con la idea
verdad con la de respuesta y no con la de pregunta, al igual que se piensa al
conocimiento como algo que se descubre en lugar de algo que se crea y que
bajo este discurso el arte vendría a ser una nueva forma de abordar el
problema del conocimiento, ya que el artista se enfrenta a una aventura del
conocimiento desde la pregunta y desde el desconocimiento.

El objetivo de esto como yo lo veo es que el artista empieza a tener voz, que el
mismo y nadie más sustente su trabajo por lo cual ya no habría inventos ni
cosas dejadas al azar, el artista sería una generador de conocimiento,

Citando el artículo “Un conocimiento de posibilidades más que de hechos, de

preguntas más que de respuestas, de búsquedas más que de encuentros, de
acuerdos más que de leyes, de afecto por la verdad más que de dogmas de la
realidad, es, sin duda, un contexto para la expansión del saber más que para
una supuesta evolución del conocimiento. Un conocimiento así, resulta
generador de creatividad y el arte dentro de él como espacio del saber por
excelencia.” Pag 164 o 8

Pero dentro de todo esto identifico otros mitos que lejos de potenciar las ideas
que se proponen frenan el desarrollo de las mismas, no solo hay los dos mitos
que se mencionan, en mi contexto se tienen más mitos acerca del arte. Para
esto hablare de 5 ideas falsas de la cultura de Esteban Krotz donde el nombra
a estos mitos que giran alrededor de la cultura ideas falsas, mi interés no es
anular una idea con la categoría de “falsa” lejos de eso lo que me interesan son
las ideas que plantea y su similitud con el arte, ya que como el menciona
parecieran que estas ideas han sido superadas pero siguen aún muy
arraigadas en el pensamiento colectivo, identificando más mitos que se tienen
actualmente sobre el arte.

Otros mitos
1. Sabe y no sabe de arte Hay una frase constante que se repite mucho en
estos tiempos “¿Eso es arte? frase que surge de un fuerte sentimiento
confusión en las personas al ver una piña en un pedestal o una cubeta en un
museo, el arte actual ha tomado estrategias que incluso hacen pensar a
alguien que está dentro del mundo del arte que nos están queriendo tomar el
pelo. Esta pregunta se reafirma con la figura de Avelina Lesper y su lucha
contra el arte contemporáneo. Pero pareciera que hay algo más allá que se
está enunciando con la figura de esta persona, tal vez es la respuesta de un
hermetismo que ha tomado el arte en estos tiempos, un fuerte aire académico
e incluso tal vez se ha vuelto más elitista que en otros tiempos. Un “experto” le
diría que sí, que es una ignorante y que tiene que leer más, pero…

¿Cuándo hay arte? ¿Quién decide que algo es arte? Y ¿Por qué?

2 Hay jerarquías entre el arte Hay artes legitimadas puras que ya por usarse ya
son arte: Esta idea la relaciono con un rechazo que veo a las demás artes por
parte de la facultad como si las artes visuales fueran mejor que las otras artes,
y como si las demás formas de hacer arte fueran un arte menor, cuando en
realidad son formas distintas de hacer arte y no tendría por qué haber un mejor
o peor en ese sentido, sino una lógica de lo diferente, que evaluara cada arte
desde las lógicas desde que se aborda.

3 Los recintos propios del arte son los museos, los teatros y las bibliotecas. El
arte solo está en los museos, galerías, bienales:

Se tiene aún la idea en mi contexto que el arte se refiere a la producción de

objetos maquinados por un artista, y que estos objetos están finalizados
cuando se montan en un museo o galería para ser contemplados por un
público, que ese es el único fin del arte, terminar en un museo o como diría
algunos “morir en un museo”.

Varias prácticas del arte conceptual y del llamado arte contemporáneo han
buscado generar nuevos espacios para el arte, un arte más ligado a los
espacios públicos, a lo cotidiano, un arte más ligado a la vida, que nos muestra
que el arte no solo puede estar en un museo, galería o bienal, sino en cualquier
parte.

¿Que buscaban generar estos artistas? ¿Porque no dejar solo el arte en los
museos? ¿Para qué sirve tener el arte más cerca de nosotros?

¿Cómo sabemos que lo que está dentro del arte y lo que está afuera no es
arte?

4. La existencia del arte depende del estado: Este es un mito algo complicado
ya que implica un fuerte proceso de institucionalización por parte del estado de
prácticas artísticas, pareciera que hay un tipo de arte ya validado que el estado
promueve y ese es el tipo de arte que se busca promover y difundir al pueblo
5. El arte contemporáneo es un fraude: Esta es una idea que se relaciona con
la anterior, como mencione el pensamiento de Avelina Lesper no es agradable
en la facultad pero relacionándolo con lo anterior en su libro el arte
contemporáneo como Fraude habla de un arte tradicional que hace que el
museo sea un museo y del arte contemporáneo que necesita del museo para
que las obras sean consideradas como arte si no de lo contrario muchas piezas
podrían pasar desapercibidas, aquí aparece un punto muy interesante si bien
pareciera que el estado promueve una serie de prácticas ya validadas como
arte, también está imponiendo una idea de lo que es arte, así no solo el estado
sino los espacios propios de la cultura imponen una idea de arte y las escuelas
son un claro ejemplo de esta imposición

En este momento de mi vida, me detengo y miro hacia atrás, para verme

reaccionando ante algunos tropiezos con los que la sociedad me ha permitido
enfrentarme para llegar hasta donde me encuentro ahora. Tras una revisión
exhaustiva de mis textos de investigación mirando detenidamente, me di
cuenta que la sociedad establece modelos o convenciones, un gran sistema
que nos hace pensar, sentir y actuar de determinada manera, te hace sentir
bien o mal si lo sigues o no, te dice que es lo que debes ser y lo que no debes
ser, hay una idea o cultura dominante que rige cada momento histórico en el
que nos encontramos, esto se expresa desde la palabra, según Gadamer
(1971, p.12), definimos la palabra, por consiguiente, es diciente en mayor
medida y, gracias a ello, puede llamarse «verdadera» a través de la repetición
y entre más número de personas hablen de la misma idea se vuelve verdadera
y nos dice que tenemos que ser y hacer en este momento, que es lo importante
y que no, ¿Pero porque? Desde este punto podría mencionar que hay tantas
formas de vivir como personas en el mundo, a pesar de que esas personas
buscan una homogeneidad en las prácticas sociales Este fenómeno social
puede hacer que se voltee la mirada a las prácticas artísticas para
preguntarnos; ¿Sera que la forma de hacer arte se repite y estabiliza?, ¿La
propia crítica contante del arte es una forma de hacer arte?, ¿El arte es
ideológico?. Es posible qué toda obra de arte, como dice J. Kosuth (1969, p. 2)
retomando una frase de Donald Judd ``toda obra de arte es una definición del
arte`` o incluso una definición de algo mucho más grande (``la vida``), pero aquí
hay algo que se me escapa y no puedo nombrarlo, en este momento es con lo
que quiero trabajar, analizar y reflexionar.

R. Barthes (1984, p. 25) dice que lo sorprendente del lenguaje no es lo que

podemos decir con él, sino lo que nos obliga a decir, pero pasa algo que a mi
parecer es sorprendente, incluso hablando el mismo idioma no nos
entendemos, ¿Que quiero decir con esto? Retomando dos conceptos de
Roland Barthes (1984, p. 120) Sociolema e Idiolema , el hace referencia a
como cada sociedad repite y transmite ideologías, que vendría a llamar
Sociolemas, y microideologias que llama ideolemas, que se ven reflejadas en
las formas de comunicarse con cada persona, y a pesar de hablar el mismo
idioma hablamos distintos ideolemas, esto respondería a un lenguaje más
particular, individual, que solo conoce y desarrolla el individuo, en este caso el
artista ligado a su propia ideología, formas de hacer pensar y sentir el arte, una
construcción compleja creada entre el artista y el mundo al enfrentarse con su
entorno (sociedad), pero por un lado estaría un sistema en este caso la
institución del arte que estableció y enseño que era el arte para el artista (la
sociedad también determina que es arte y que no? ) ¿Pero que nos hace poder
decir que algo es arte y algo no?

El concepto de arte es algo dinámico, sujeto a una serie de factores, culturales,

políticos, sociales, geográficos y temporales, este concepto está cargado de
significantes, imágenes que construyen eso que podemos llamar historia del
arte, ligada a una producción de objetos, y etiquetas que separan en periodos
formas distinta de pensar el arte en un momento determinado, una de esas
etiquetas que dominan este momento es el famoso ´´arte contemporáneo´´ .Sin
embargo como bien menciona Agamben(2018), el arte contemporáneo es
aquel que se lleva a cabo de forma contemporánea a una época dada. En ese
sentido literal, siempre se ha producido arte contemporáneo.

Esto quiere decir que cuando se habla de arte contemporáneo claramente se

habla de otra cosa. Por otro lado para Avelina Lesper el arte contemporáneo es
un estilo que los artistas actuales han adoptado para entrar en al circuito actual
del sistema del arte, esto podría solucionar varias cosas, pero la visión
dogmática de Avelina de que el arte contemporáneo es un fraude le impide
analizar varios propuestas que trascienden lo que ella denomina como fraude
entre lo que puede ser arte y lo que es una ocurrencia, para completar esta
idea la respuesta de Boris Groys a la revista tempestad cuando se le pregunta
que ¿es ser contemporáneo? podría ayudarnos a encajar mejor este tema:

-Ser contemporáneo no es lo mismo que ser temporal: “estar con el

tiempo” no es lo mismo que estar “en el tiempo”. A mediados del siglo
XIX Kierkegaard preguntó qué significa ser contemporáneo de Cristo. Su
respuesta fue: dudar de que Cristo sea el hijo de Dios. Si acepto o
rechazo esa afirmación dejo de ser contemporáneo de Cristo –en ambos
casos, lo dejo en el pasado. Pero si dudo de ella me coloco en la misma
posición en la que se hallaban los contemporáneos de Cristo. Así, ser
contemporáneo de la modernidad significa dudar de su afirmación de ser
moderna (de la afirmación de que el comunismo es comunista, de la
afirmación de que la democracia es democrática, etc.). Nos volvemos
contemporáneos de nuestro presente (y pasado) cuando comenzamos a
dudar de estas afirmaciones.1
A partir de aquí puedo decir que mi tema de investigación es contemporáneo
desde el pensamiento de Boris Groys. Mi tema es una constante duda, una
ráfaga de preguntas, de lo que soy yo, de lo que es el arte, y del papel del arte
en la sociedad, cambiar la mirada, desnaturalizar lo dado y arrojar más
preguntas que respuestas con mi investigación.

Esta considero que es la idea que busca transmitir la facultad una nueva forma
de concebir el arte, que si bien parece una propuesta interesante su aplicación
en la realidad no es fácil.

Un ejemplo de ello son los hechos ocurridos, la reciente situación del salón
anual es una acción que anula a la facultad y enuncia la emergencia de un
proyecto como el que propongo

Yo propongo al arte como expresión de lo singular y estrategia para generar

comunidades que se enuncien desde la diferencia

A continuación se muestran las relaciones que construí entre cada autor

para elaborar mi marco teórico.

Capítulo 1:
1.1 UNA FACULTAD DE ARTE “CONTEMPORÁNEO” en Toluca Lo
mismo y lo otro ¿Cómo es Toluca?
1.2 Paradigmas del arte en mi contexto
1.3 La expulsión del arte: Arte contemporáneo
Plan de Estudios Facultad de Artes
Para hablar de esto utilizo
Byung-Chul Han La expulsión de lo distinto
5 ideas falsas de la cultura Esteban Krotz Fragmento del Texto
diálogos para la acción 2004
Avelina Lesper El Fraude del arte contemporáneo

Capítulo 2
2.1 Componentes del arte
2.2 Movimientos anómalos: De lo individual a lo colectivo en el
arte contemporáneo
2.3 Promotora Cultural de Difusión Artística Local: finalidades y
objetivos
El arte como expresión de lo singular El arte como conocimiento
Teoría del arte deJose Jimenez , Cubo de Rubik y EL ARTE
CONTEMPORÁNEO Y SUS MEDIACIONES. EL CIRCUITO DEL
ARTE CONTEMPORÁNEO DE LA CIUDAD DE MÉXICO COMO
ESPACIO PÚBLICO DE CONSTRUCCIÓN DE SENTIDO. Hacia
otro arte en México.

Capítulo 3
3.1 Socialismo de la creación
3.2 Estrategias de lo Anómalo
3.3 Hacia una comunidad Anómala
Andrea Giunta: Cuando empieza el arte contemporáneo
Alfredo Jaar: Entender actuar
Emanuel Levinas
Jacques Ranciere El maestro ignorante
Luis Camnitzer