Conceptos básicos de fotografía

Cuando nos introducimos en el mundo de la fotografía con nuestras cámaras

nos topamos con conceptos que, a simple vista, pueden parecer
complicados. Pero lejos de serlo, estos temas nos ayudan a entender un
poco mejor de qué va la fotografía, acercándonos a un mundo que con
tiempo, práctica y algo de técnica puede convertirse en más que una afición
e incluso en arte.
Este manual sobre qué conceptos de fotografía básicos los cuales hay que
dominar perfectamente porque se necesitaran continuamente. Saber manejar
esta lista te permitirá estar preparado para la mayoría de las
situaciones que se puedan presentar y también te ayudará a hacerte una idea
de dónde debes profundizar más.
Exposición
La exposición es la cantidad de luz que recibe el sensor de imagen para
poder formar la fotografía. Hablando en términos más técnicos, la exposición
puede medirse como combinación del tiempo y del nivel de iluminación
recibido. El primer concepto viene controlado por la velocidad de obturación,
mientras que el nivel de iluminación lo hace por la apertura del objetivo.
Estos factores (velocidad de obturación y apertura) se miden en una variable
llamada EV (Valor de Exposición).

Velocidad de obturación
La velocidad de obturación no es más que el tiempo que la cámara deja pasar
la luz hasta el sensor. Permite y corta su paso abriendo o cerrando
las cortinillas del obturador.
Este ajuste tiene grandes posibilidades creativas con ella puedes congelar
un movimiento que dura milésimas de segundos a otro que dure varios
minutos, incluso horas.

Apertura
Los objetivos de las cámaras usan el conocido diafragma, que controla la
cantidad de luz que recibe el sensor de la cámara. Pensemos en la apertura
del diafragma como el ancho de un tubo por el que pasa la luz, medida en la
variable llamada número f. Como es lógico, cuanto más ancho sea el tubo
mayor cantidad de luz pasará a través de él y menos tiempo necesitará el
diafragma estar abierto.

Dicho esto, resulta claro que la apertura nos puede ayudar a obtener
distintos tipos de fotografía. Así, podemos controlar aspectos como el
enfoque de objetos primarios e incluso para lograr un enfoque completo. A
menor número f, mayor apertura.
Una apertura de diafragma de f/2.8 sería equivalente a la manguera de
bomberos y un diafragma cerrado como podría ser un f/22 sería una
manguera de jardín en un día soleado necesitarás cerrar el diafragma para
evitar que entre demasiada luz y la foto salga sobreexpuesta, aunque también
podrías configurar una velocidad de obturación muy rápida para que aunque
configures un diafragma muy abierto (manguera de bomberos) no llegue tanta
luz al sensor.

Sensibilidad ISO
La sensibilidad de una cámara se mide de acuerdo al estándar ISO, cuyos
valores típicos son 100, 200, 400, 800 y 1600, logrando en cada salto el
doble de sensibilidad. Este concepto básicamente consiste en cómo la
cámara interactúa con la luz, midiendo la cantidad de luz que ésta absorbe.

El usar un valor ISO u otro dependerá de la cantidad de luz que tengamos.

En términos generales, lo más recomendable es usar la menor sensibilidad
ISO posible si lo que queremos es lograr la mejor calidad fotográfica. Para
fotografías nocturnas, por ejemplo, se recomienda usar ISO 100. Para usos
variados, una buena medida es la ISO 200, que proporciona un óptimo
balance entra calidad y velocidad. Por último, una ISO 400 o superior se
recomiendan en aquellas situaciones en las que la iluminación es baja.
Velocidad de obturación
La velocidad de obturación expresa el tiempo durante el que el obturador de
la cámara está abierto. Su valor suele oscilar entre los 30 segundos y los
1/8000 de segundo. Este concepto suele usarse, sobre todo, para recoger el
movimiento en las imágenes. Así, con esta técnica podremos congelar el
movimiento, mostrar u ocultar elementos en las imágenes, realizar barridos e
incluso aprovechar la luz para añadir elementos interesantes a las imágenes.

Modo de prioridad de apertura AV o A

Si disparas en modo prioridad de apertura (Av en Canon o A en Nikon), solo
tendrás que configurar la apertura del diafragma, la cámara se encargará de
ajustar la velocidad de obturación “correcta” para esa apertura.
Escribo “correcta” entre comillas porque como todos los automatismos, la
cámara puede equivocarse, hacer una interpretación errónea o muy diferente
de la escena y mostrar un resultado que no se acerca a lo que esperas.
Profundidad de campo
La profundidad de campo es el rango de la imagen que aparecerá más
definida y con mayor grado de detalle. Es aquella área de la imagen que se
muestra con más nitidez y variará en función de la fotografía que se esté
realizando. Por ejemplo, si lo que queremos es fotografiar un insecto la
profundidad de campo será menor, mientras que esta variable aumentará en
un paisaje.

Por lo general, la profundidad de campo depende de tres factores: apertura

del objetivo, distancia al objeto que queremos fotografiar y distancia focal.
Así, un número f pequeño nos dará poca profundidad de campo, mientras
que un número f mayor nos proporcionará más profundidad. Asimismo,
mientras más cerca estemos del objeto fotografiado menor será la
profundidad. Finalmente, a menor distancia focal de nuestro objetivo mayor
profundidad de campo.
Importancia de la dirección fotográfica en el cine

Fotografía en el cine
Una grabación no es más que una serie de imágenes en movimiento y
para decidir cómo y qué grabar previamente alguien ha tenido que dar el
visto bueno. Ahí es donde entra la figura del director de fotografía, la persona
que selecciona la parte del escenario concreto, que decide la distancia de
cámara, el encuadre de la imagen, la altura, dónde deben colocarse los
personajes y hacia dónde deben dirigirse, en qué sentido debe moverse la
cámara, etc.
Pero también cuida otros aspectos técnicos como la iluminación, el
tratamiento del color o incluso las sensaciones que deben transmitir a los
espectadores cada plano. Estos elementos deben ir en concordancia con el
vestuario y maquillaje de los personajes así como el atrezzo del escenario.

Director de fotografía
El encargado de la fotografía en un rodaje es el director de fotografía que
tiene que estar presente en diferentes fases de la producción. Desde el
proceso de preproducción debe analizar el guion e ir perfilando la
estética que va a mantenerse a lo largo de la grabación. Es imprescindible
que dedique tiempo a investigar escenarios, tener en cuenta
la climatología de los escenarios que se utilizarán e incluso las horas de luz
que habrá en ellos así como las zonas en las que habrá más luminosidad y
sombra (a los mapas de dirección del sol se los conoce como “sunpath”).
Pero no sólo ha de tenerse en cuenta la iluminación en exteriores sino
también la de interior y por eso el director de fotografía debe saber
el material técnico necesario para las escenas en el set. Y otra de sus
funciones es coordinar con el equipo de atrezzo y vestuario, la paleta de
colores que se van a utilizar.
El estilo fotográfico y su influencia en el cine
La fotografía y el cine son la base del lenguaje visual y audiovisual que
conocemos hoy en día. Un campo sirve de inspiración para el otro y, de
hecho, se complementan. Estas dos artes se han mantenido por más de un
siglo y, gracias a la tecnología, dejaron de ser asequibles solo a las clases
más pudientes.

Con la diversificación de equipos y su multimodalidad, la fotografía y el video

se pueden lograr con un solo aparato. Pero antes de la revolución
tecnológica, los inicios de la fotografía fueron muy precarios y sencillos. Sin
embargo fueron suficientes para generar la necesidad de la creación de un
medio audiovisual como el cine.

La fotografía y el cine: ¿qué fue primero?

No hay lugar a dudas de que esta afirmación es correcta: la fotografía es la
hermana mayor del cine. Gracias a los experimentos del siglo XIX con la
cámara obscura y la posterior aparición de la fotografía, surgió el séptimo
arte.

La fotografía significó una revolución simbólica y técnica que pocos

instrumentos han podido igualar. A pesar del gran avance y novedad que
significó la creación de la fotografía, no fue suficiente para algunos. La
fotografía permitió la captura de la realidad, congelar ese recuerdo
memorable para la posteridad. Hubo algunos para los que eso no fue
suficiente y se cuestionaron la falta de “realidad” de esos pedacitos de vida.
El deseo de movimiento en las imágenes impulsó la creación del cine e
incluso diversos experimentos en la fotografía de manera simultánea.

La invención de la cámara obscura, el daguerrotipo, el material fotosensible y

el papel fotográfico sirvieron para perfeccionar el arte de la fotografía y dar
lugar al cine. Fue el perfeccionamiento de algunos de estos inventos los que
plantaron la semilla para las imágenes en movimiento. Eadweard Muybridge
y Lelan Stanford crearon el aparato del famoso experimento del caballo. Este
aparato capturaba diferentes posiciones de un caballo corriendo. El punto era
comprobar que en un momento de su trayectoria el caballo despegaba las
cuatro patas del piso. Otro invento fue el de Étienne Jules Marey, llamado
esfigmógrafo. Este invento luego influenció a Edison, quién creó el fonógrafo.
De hecho, el fonógrafo junto a la película de 35 mm dieron paso al
cinetoscopio, que captaba el sonido de las imágenes en movimiento.

Esta reciprocidad entre estas dos artes ha dado pie a que compartan
términos, técnicas y que se influencien todo el tiempo. De esta relación han
surgido las técnicas fotográficas como el time lapse y el stop motion, que
buscan sugerir la existencia de movimiento. También está el caso de
fotógrafos que incursionan en el séptimo arte, para explorar mejor el
movimiento. Por otro lado, existen cineastas que, gracias a su experiencia,
han resultado ser muy buenos e innovadores fotógrafos.
Lo esencial de la imagen
La fotografía y el cine han compartido muchos aspectos como se mencionó
anteriormente. Sin embargo, la fotografía sigue siendo un componente
fundamental en el medio audiovisual. La fotografía y el cine no pueden negar
su inseparable vínculo ya que ésta última ha beneficiado enormemente al
cine.

La atmósfera que se crea en cada escena es fundamental para transmitir el

mensaje de la película. Los directores más famosos por involucrar la
fotografía de una manera protagónica son Alfred Hitchcock y Stanley Kubrick.
Ellos lograron que sus imágenes transmitieran el justo terror y tensión para
lograr la historia. La fotografía fue esencial en el desarrollo de su producto.

Existen personas que se dedican específicamente a la tarea de producir las

películas. Y no solo eso. Se encargan de otorgarle la estética y ambiente al
producto, elementos dependientes de la fotografía. Los nombres que
resaltan en la historia del cine en esta labor son: Ernest Haller, Ray
Rennahan. Ellos trabajaron juntos en Lo que el viento se llevó (1939),
película que ganó el Oscar a mejor fotografía gracias al trabajo de estos dos
talentos.

El cine es un medio que alcanza su excelencia cuando la imagen y la palabra

se fusionan exitosamente. Usualmente, las películas que son consideradas
memorables u obras maestras son visualmente poderosas y estéticamente
muy definidas. Películas como El ciudadano Kane o Cantando bajo la
lluvia son un claro ejemplo de ello.
El origen del séptimo arte
Junto con la gran influencia de la fotografía, hubo otros acontecimientos que
también fundamentaron la creación del cine. Gracias al médico inglés John
Ayrton, el cine encontró su justificación en el cuerpo humano. Él demostró,
de manera gráfica, la persistencia retiniana. No es más que la permanencia
de una imagen durante aproximadamente una décima de segundo. Esto
permite seguir viendo dicha imagen durante esa fracción de tiempo aunque
ya no esté frente a nuestros ojos. Ayrton fue el creador del taumatropo, un
disco con ambas caras pintadas y dos cabos fijados en los extremos, que
cuando giran rápidamente se fusionaban. Luego de esto, el descubrimiento
del cine y de la imagen en movimiento quedó a un paso.

Después de este invento surgieron otros diversos que permitieron la

evolución del equipo de cine. Surgió el zootropo, el praxinoscopio, el revólver
fotográfico, el fusil. Luego llega Edison, el inventor también del telégrafo y las
lámparas de filamento, entre otras cosas. Es él quien en 1891 presenta el
kinetoscopio, aparato que permite ver, individualmente, una película de 17
segundos.

Estos primeros pasos dieron lugar a un par que revolucionó para siempre la
invención del cine. Los hermanos Lumière fijaron el invento del kinetoscopio
y lo mejoraron. Esta mejora dio lugar a la cámara cinematográfica, que
funcionaba con película de 35 mm. En esta etapa no existía el rol de
productor o el de director de fotografía. Un solo hombre hacía todo. Desde
transportar el equipo, crear la historia, actuar, hasta dirigir, como se ve en las
películas de George Méliès. Como resultado de la poca practicidad de un
solo hombre para todo y lo poco eficiente luego surgieron figuras como la del
director de fotografía que permitió afinar y mejorar el arte de la
cinematografía.
Los olvidados directores de fotografía
La cinematografía parece ser un área olvidada cuando se habla de
las películas. Los roles que siempre obtienen protagonismo son los de
director, productor y los actor. Si bien son importantes ya que unos coordinan
historia y actores, otros buscan los medios y otros viven la historia, el
director de fotografía sigue siendo esencial.

La película es un producto audiovisual. Dejando de un lado el sonido -de

suma importancia también- la imagen es uno de los medios principales para
transmitir la historia. No se trata solo de prender una cámara y grabar. Los
ángulos, planos, colores comunican algo por sí solos y su empleo requiere
cuidado y estudio.

Las películas de terror suelen ser oscuras y frías -en cuanto a colores se
refiere, usando azules, grises, etc.-, las películas de acción suelen estar
saturadas de color igual que las de fantasía, las películas de época pueden
estar llenas de luz y tener un look de colores pasteles, etc. Aunque esto no
sea 100% – existen infinitas variaciones-, todas estas ideas de colores, luces
y temperatura son obra del director de fotografía. Una imagen cálida -
digamos roja- como un atardecer puede ayudar a transmitir un mensaje de
seguridad, amor, etc. Si se decide cambiarle la iluminación o saturarlo puede
cambiar su significado y pasar a ser peligro.

Todos estos sútiles elementos -planos, ángulos, color, temperatura,

iluminación- son fundamentales a la hora de crear la imagen, la estética de
una película. También todos estos elementos tiene su origen, como ya es
sabido, en la fotografía. Estos conocimientos técnicos sirven de base para
lograr un producto audiovisual que permita condensar la palabra y la imagen
de manera óptima. Así como la fotografía y el cine se complementan, la
imagen y la palabra deben complementarse, de igual manera, para aportar
información valiosa al espectador.

La fotografía y el cine: hermanos inseparables

La fotografía y el cine siguen evolucionando y creando nuevas técnicas para
obtener diferentes efectos. Siguen complementándose y siguen siendo
fuente de inspiración mutua para planteamientos o historias. No se trata de
cuál arte es mejor ni más fácil. La fotografía y el cine tienen su magia y se
unen frecuentemente para generar las más memorables piezas visuales.
Análisis de Fotografía de la Película Slumdog
Millionaire

En el aspecto visual, Slumdog Millionaire me impresiona, desde su ritmo

vibrante, hasta la expresividad del color, no debió ser nada fácil rodar en los
suburbios de una de las ciudades más frenéticas de la India. Para lograr
capturar la esencia de la vida en esos barrios, su dinamismo, y la energía de
sus habitantes, las representaciones visuales que se manifiestan en la
película Slumdog Millionaire, donde existen aspectos de una fotografía que
ayudan a captar en general la atención del cerebro y que suelen evocar
ciertas sensaciones o sentimientos. La fotografía en esta película no abusa
de los efectos especiales, sino que trabaja en el empleo de técnicas de
movimientos y ángulos de iluminación para poder lograr los efectos
requeridos, así las imágenes son muy coloridas en las tomas diurnas, en
contraste con las imágenes nocturnas o con poca iluminación donde lo que
sobresale es el resalte del protagonista, tanto en zonas abiertas como en
lugares cerrados, con iluminación periférica reducida o limitada.

La cinta contiene múltiples tomas de diferentes movimientos con zoom, se

puede tener una noción de cuáles tomas son las que contienen el tipo de
profundidad, los acercamientos, por otro lado, dan la impresión de una mayor
conexión con los protagonistas que en momentos específicos hacen uso de
movimientos gesticulares y éstos, aunados a close ups exaltan y dan el
énfasis deseado.

La perspectiva de la cámara es la ilusión visual que, percibida por el

observador, ayuda a determinar la profundidad y situación de objetos a
distintas distancias; se pueden observar movimientos de cámara, los cuales
modifican las imágenes, así se pueden obtener tomas con diferente enfoque
donde se resaltan otros efectos como cambio de tamaño, alejamiento y
acercamiento de objetos y los paisajes.

Basado en esto se obtienen tomas que bien pueden dar efectos subjetivos
de superioridad, exaltación y adentramiento en el contexto, o bien, que
sucedan los casos contrarios en donde se dé el aspecto de irrelevancia,
según sea el caso deseado por la toma, por estas y muchas razones más la
película tiene excelente fotografía.