Arte  Moderno  –  Línea  de  Tiempo  

Artistas,  Movimientos  y  Estilos  en  el  Arte  Moderno  (1870  –  1975)  

Impresionismo  (1870-­‐1890)  
Impresionismo  es  el  nombre  otorgado  a  un  estilo  muy  
colorido  de  pintura  en  la  Francia  de  finales  del  siglo  XIX.  Los  
impresionistas  buscaban  un  análisis  más  exacto  de  los  efectos  
del  color  y  la  luz  en  la  naturaleza.  Se  esmeraban  en  capturar  
la  atmósfera  de  un  momento  particular  del  día  o  incluso  los  
efectos  de  sus  diferentes  condiciones  climáticas.  
Frecuentemente  trabajaban  al  exterior    y  aplicaban  en  su  
pintura  pequeñas  pinceladas  de  colores  brillantes,  lo  que  
significaba  el  sacrificio  del  delineado  y  los  detalles  de  los  
objetos.  El  impresionismo  abandona  la  idea  convencional  de  
que  la  sombra  de  un  objeto  se  forma  de  su  propio  color  con  
algo  de  tonos  marrón  o  negros  añadidos.  En  su  lugar,  los  
impresionistas  enriquecen  sus  colores  con  la  idea  de  que  una  
sombra  se  compone  de  trazos  de  su  color  complementario.  
Entre  los  más  importantes  pintores  impresionistas  podemos  
mencionara  a  Claude  Monet,  Pierre  Auguste  Renoir,  Edgar  
Degas,  Camille  Pissarro,  Alfred  Sisley  y  Henri  de  Toulouse  
Lautrec.  
 
Claude  Monet  1840-­‐1926  
Catedral  de  Rouen  a  plena  luz  del  día  1893/4      
Louvre,  Paris  
Post  Impresionismo  (1885-­‐1905)  
Los  post  impresionistas  eran  unos  pocos  artistas  
independientes  que  a  finales  del  siglo  XIX  se  rebelaron  contra  
las  limitaciones  del  impresionismo  para  desarrollar  una  gama  
de  estilos  personales  que  influenciaron  posteriormente  al  
arte  del  siglo  XX.  Los  artistas  más  reconocidos  de  esta  
corriente  son  Paul  Cézanne,  Paul  Gauguin,  Vincent  Van  Gogh  
y  Georges  Seurat.  
Cézanne  fue  una  influencia  muy  importante  para  Picasso  y  
Braque  en  su  concepción  del  cubismo.  Asimismo,  la  técnica  
vigorosa  y  vibrante  de  Van  Gogh  fue  piedra  angular  para  la  
futura  aparición  del  fauvismo  y  el  expresionismo,  mientras  
que  el  color  simbólico  de  Gauguin  y  la  técnica  puntillista  de  
Seurat  sirvieron  de  inspiración  a  los  fauvistas.  
 
Vincent  Van  Gogh  1853-­‐90  
Café  Terrace  de  noche,  1888      
Museo  Kröller-­‐Müller    
 
 
Presentación  de  diapositivas  del  Impresionismo  y  Postimpresionismo:  
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/impressionism_slideshow.html  

1   Arte  Moderno  FA  UAS  2012   Arq.  Celia  R.  Gastélum  

 
  

Fauvismo  (1905-­‐1910)  
El  fauvismo  fue  un  estilo  de  pintura  festivo  que  se  
deleitaba  utilizando  impactantes  e  intensos  colores.  
Fue  desarrollado  en  Francia  a  inicios  del  siglo  XX  por  
Henri  Matisse  y  André  Derain.  Los  artistas  que  utilizaron  
este  estilo  al  pintar  eran  conocidos  como  'Les  Fauves'  (las  
fieras),  título  acuñado  por  un  comentario  sarcástico  que  
hace  un  conocido  crítico  de  arte    de  la  época,  Louis  
Vauxcelles.  
Los  fauvistas  creían  que  el  color  debía  utilizarse  a  su  
máximo  nivel  para  expresar  los  sentimientos  del  artista  
acerca  de  algún  tema,  más  que  simplemente  describir  
como  se  ve.  Las  pinturas  fauvistas  tienen  dos  
características  principales:  dibujo  extremadamente  
simplificado  y  color  intensamente  exagerado.  Fueron  una  
influencia  muy  importante  para  los  Expresionistas.  
 
Henri  Matisse  1869-­‐1954  
La  ventana  abierta,  Color,  1905  
The  National  Gallery  of  Art,  Washington  
 
Expresionismo  Alemán  c.1905-­‐25  
Es  un  estilo  de  arte  sobrecargado  con  una  visión  
emocional  o  espiritual  del  universo.  Las  muy  expresivas  
obras  de  Vincent  Van  Gogh  y  Edvard  Munch  
influenciaron  a  los  expresionistas  alemanes.  También  
tomaron  su  inspiración  del  arte  gótico  alemán  y  del  arte  
primitivo.  Los  expresionistas  se  dividieron  en  dos  
facciones:  Die  Brücke  y  Der  Blaue  Reiter.  Die  Brücke  (El  
Puente)  fue  una  comunidad  artística  de  jóvenes  en  
Dresden  que  buscaba  derrocar  las  tradiciones  
conservadoras    del  arte  germánico.  Ernst  Ludwig  
Kirchner  y  Karl  Schmidt-­‐Rottluff  fueron  dos  de  sus  
miembros  fundadores.  Der  Blaue  Reiter  (el  jinete  azul)  
fue  un  grupo  de  artistas  cuyas  publicaciones  y  
exhibiciones  buscaban  encontrar  un  fundamento  
creativo  común  entre  las  variadas  formas  del  arte  
expresionista.  Kandinsky,  Marc  y  Macke  fueron  algunos  
de  sus  fundadores.  
 
Ernst  Ludwig  Kirchner  1880-­‐1938  
La  Torre  Roja  en  Halle,  1915  
Folkwang  Museum,  Essen  
 
Presentación  de  diapositivas  de  Fauvismo  y  Expresionismo:  
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/fauvism_and_expressionism_slideshow.html  

2   Arte  Moderno  FA  UAS  2012   Arq.  Celia  R.  Gastélum  

 
  

Arte  Abstracto  c.1907  en  adelante  

Es  un  término  genérico  que  describe  dos  métodos  
diferentes:  la  semi  abstracción  y  la  abstracción  pura.  La  
palabra  abstracto  significa  quitar  parte  de  algo  para  
considerarlo  separadamente.  En  el  arte  abstracto,  ese  
algo  es  uno  o  más  de  los  elementos  visuales  de  un  
sujeto:  su  línea,  forma,  tono,  patrón,  textura  o  figura.  
La  semi-­‐abstracción  se  da  cuando  la  imagen  tiene  todavía  
algo  de  figurativa  (como  en  el  cubismo  o  futurismo).  
Utiliza  una  estilización  donde  el  artista  selecciona,  
desarrolla  y  refina  elementos  visuales  específicos  (Ej.  
Líneas,  colores  o  formas)  para  crear  una  reconstrucción  
poética  o  simplificar  la  esencia  del  sujeto  original.  
La  abstracción  pura  se  da  cuando  el  artista  utiliza  
elementos  visuales  independientes  de  su  objeto  de  
trabajo  (Ej.  Suprematismo,  De  Stijl  y  Minimalismo).  
Aún  cuando  los  elementos  de  la  abstracción  están  
presentes  en  obras  de  arte  tempranas,  las  verdaderas  
raíces  del  arte  abstracto  moderno  se  encuentran  en  el  
cubismo.  Entre  otros  estilos  abstractos  importantes  que  
se  desarrollaron  durante  el  siglo  XX,  podemos  mencionar  
el  Orfismo,  Rayonismo,  Constructivismo,  Tachismo,  
Expresionismo  Abstracto  y  Op  Art.  
Georges  Braque  1882-­‐1963  
Violín  y  jarrón,  1910  (detail)  
Kunstmuseum,  Basel  
 
Presentación  de  diapositivas  de  Arte  Abstracto:  
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/abstract_art_slideshow.html  
Cubismo  c.1907-­‐15  
El  Cubismo  fue  inventado  alrededor  de  1907  por  Pablo  
Picasso  y  Georges  Braque  en  París.  No  era  el  primer  
estilo  abstracto  del  arte  moderno.  Las  obras  cubistas  
ignoraban  las  tradiciones  del  dibujo  en  perspectiva  y  
pretendían  mostrar  múltiples  vistas  de  un  solo  objeto  al  
mismo  tiempo.  Los  cubistas  creían  que  las  tradiciones  del  
arte  occidental  se  habían  agotado  y  para  revitalizar  su  
trabajo,  dibujaron  imitando  la  energía  expresiva  del  arte  
de  otras  culturas,  particularmente  del  arte  africano.  
Existen  dos  fases  distinguibles  del  estilo  cubista:  el  
cubismo  analítico  (anterior  a  1912)  y  el  cubismo  sintético  
(posterior  a  1912).  El  cubismo  influenció  a  muchas  otras  
artes  y  estilos  modernos,  incluídos  el  Expresinismo,  
Futurismo,  Orfismo,  Vorticismo,  Suprematismo,  
Constructivismo  y  De  Stijl.  Otros  notables  asociados  con  
el  cubismo  son  Juan  Gris,  Fernand  Leger,  Robert  
Delaunay,  Albert  Gleizes,  Jean  Metzinger,  Louis  
Marcoussis  y  Marie  Laurencin.  
Pablo  Picasso  1881-­‐1973  
Ambroise  Vollard,  1915  
Pushkin  Museum  of  Fine  Art    

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Futurismo  c.1909-­‐1914  
Fue  un  movimiento  revolucionario  italiano  que  celebraba  
abiertamente  la  modernidad.  La  visión  futurista  se  
delineó  en  una  serie  de  manifiestos  que  atacaban  la  larga  
tradición  del  arte  italiano  a  favor  de  un  avant-­‐garde.  
Glorificaban  la  industrialización,  la  tecnología  y  el  
transporte  con  la  velocidad,  el  ruido  y  la  energía  de  la  
vida  urbana  cosmopolita.  Los  futuristas  adoptaron  el  
vocabulario  visual  del  Cubismo  para  expresar  sus  ideas,  
pero  con  una  pequeña  distorsión.  En  una  pintura  cubista  
el  artista  registra  ciertos  detalles  de  un  objeto  mientras  
se  mueve  a  su  alrededor,  mientras  que  para  un  futurista    
el  propio  objeto  parecería  moverse  a  su  alrededor.  El  
efecto  producido  es  que  las  pinturas  futuristas  parecen  
más  dinámicas  que  sus  contrapartes  cubistas..  
El  Futurismo  se  fundón  en  1909  por  el  poeta  Filippo  
Tommas  Marinetti  y  abarcó  todas  las  artes  en  su  sentido  
más  amplio.  Las  figuras  principales  asociadas  a  este  
movimiento  son  los  artistas,  Umberto  Boccioni,  Giacomo  
Balla,  Gino  Severini,  el  músico  Luigi  Russolo  y  el  
arquitecto  Antonio  Sant'Elia.  
 
Giacomo  Balla  1871-­‐1959  
El  Ritmo  del  violinista  (detalle),  1912  
Estorick  Collection,  London  
Presentación  de  diapositivas  de  Cubismo  y  Futurismo:  
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/cubism_and_futurism_slideshow.html  
Suprematismo  c.1915-­‐1925  
En  1915,  el  artista  ruso  Kazimir  Malevich  desarrolló  el  
Suprematismo,  un  estilo  geométrico  de  pintura  abstracta  
que  a  su  vez  se  derivaba  de  algunos  elementos  del  
Cubismo  y  el  Futurismo.  
Rechazó  cualquier  uso  de  imágenes    He  rejected  any  use  
of  figurativas,  en  el  entendido  de  que  las  formas  no  
figurativas  de  la  abstracción  pura  tenían  un  mayor  poder  
espiritual  y  el  potencial  de  abrir  la  mente  a  la  supremacía  
del  sentimiento  puro.      
El  Suprematismo  fue  un  estilo  de  abstracción  pura  que  
abogaba  por  una  aproximación  de  tipo  místico  al  arte,  en  
 
contraste  con  el  Constructivismo,  el  más  importante  
movimiento  artísitico  ruso  del  siglo  XX,  cuaya  imaginería  
sirvió  a  la  ideología  social  y  política  del  estado  soviético..  
 
Kazimir  Malevich1879-­‐1935  
Suprematismo,  1915    
Stedelijk  Museum,  Amsterdam  

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Constructivismo  c.1913-­‐1930  
El  Constructivismo  utilize  el  mismo  lenguaje  geometric  
que  el  Suprematismo,  pero  abandonando  la  vision  
mística  en  favor  de  su  Socialismo  de  visión  –  un  vistazo  
utópico  a  la  modernidad  mecanizada  de  acuerdo  a  las  
ideas  de  la  Revolución  de  Octubre.  Sin  embargo,  este  
arte  no  fue  entendido  fácilmente  por  el  proletariado  al  
que  se  dirigía,  de  modo  que  fue  eventualmente  
reprimido  y  reemplazado  por  el  Realismo  Socialista.  
Tatlin,  Rodchenko,  El  Lissitzky  y  Naum  Gabo  se  
encuentran  entre  los  mejores  artistas  asociados  al  
Constructivismo.  
   
El  Lissitzky  1890-­‐1941  
La  Cuña  Roja,1919  
www.ibiblio.org  
De  Styjl  c.1917-­‐1931  
Estilo  holandés  de  abstracción  pura  desarrollado  por  Piet  
Mondrian,  Theo  Van  Doesburg  y  Bart  van  der  Leck.  
Mondrian  fue  el  artista  mas  influyente  del  grupo.  Era  un  
hombre  profundamente  spiritual  que  intentó  desarrollar  
un  lenguaje  visual  universal  libre  de  cualquier  indicio  del  
nacionalismo  que  finalmente  llevo  a  la  Guerra  Mundial.  
Mondrian  refine  gradualmente  los  elementos  de  su  arte  
hasta  una  estructura  de  líneas  y  colores  primaries  que  
configuraban  una  serie  de  composiciones  para  explorar  
sus  principios  universales  de  armonía.  El  vió  los  
elementos  de  línea  y  color  como  los  poseedores  de  las  
fuerzas  interactuantes  del  cosmos.  Las  líneas  verticals  
representaban  la  dirección  y  la  energía  de  los  rayos    
solares    y  que  eran  encontradas  por  líneas  horizontales  
relacionadas  con  el  movimiento  de  la  Tierra  alrededor  de  
él.  Vio  los  colores  primarios  a  través  de  los  mismos  lentes  
cosmicos  entintados:  Amarillo  que  irradiaba  la  energía  
del  Sol,  azul  alejado  como  el  espacio  infinito  y  rojo  
materializado  donde  el  amarillo  y  el  azul  se  encuentran.  
El  estilo  de  Mondrian,  también  llamado  Neo  Plasticismo,  
se  inspire  en  las  creencias  del  matemático  y  filósofo  
M.H.J.  Schoenmaekers.  
 
Piet  Mondrian  1872-­‐1944  
Composición  en  Blanco  y  Amarillo,  1942  
Christies,  New  York  
Presentación  de  Diapositivas  de  Suprematismo,  Constructivismo  y  De  Styjl:  
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/suprematism_constructivism_de-­‐
styjl_slideshow.html  

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Dada  c.1916-­‐1922  
Dada  no  fue  un  estilo  como  el  Fauvismo  o  el  Cubismo.  
Fue  más  bien  una  forma  de  anarquía  artistic  nacida  del  
disgust  contra  el  establishment  social,  politico  y  cultural  
de  la  época,  al  que  se  responsabilizaba  de  la  caída  de  
Europa  hacia  la  Primera  Guerra  Mundial.  El  Dadaísmo  fue  
una  instancia  “anti  arte”  ya  que  intentaba  dinamitar  los  
valores  artísticos  del  pasado.  El  propósito  del  Dada  era  
crear  un  clima  en  el  que  el  arte  estuviera  vivo  y  sensible  
al  momento  y  no  paralizado  por  las  corruptas  tradiciones  
del  orden  establecido.  Las  armas  del  Dada  en  la  guerra  
contra  el  establishment  fueron  la  confrontación  y  la  
provocación.  Se  oponían  al  sistema  cultural  con  la  
irracionalidad  de  sus  collages  y  ensambles  y  provocaban  
la  complacencia  conservadora  con  acciones  escandalosas  
en  sus  exhibiciones  y  reuniones.  El  movimiento  comenzó  
en  Zurich  y  se  diseminó  hasta  llegar  a  Nueva  York.  Marcel  
Duchamp,  Raoul  Hausmann,  Jean  Arp  y  Kurt  Schwitters  
son  algunos  de  sus  mejores  representantes.  
 
Raoul  Hausmann  1886-­‐1971  
Tatlin  at  Home,  1920  
Moderna  Museet,  Stockholm  
 
Surrealismo  c.1924-­‐1939  
El  Surrealismo  fué  la  respuesta  positive  a  la  negatividad    
Dada.  Su  objetivo,  como  se  mostraba  en  el  Primer  
Manifiesto  Surrealista  de  1924,  era  liberar  la  imaginación  
del  artista  sumergiéndose  en  el  inconsciente  para  
descubrir  una  realidad  “superior”  dentro  de  la  realidad  
consciente.  Para  conseguirlo,  los  surrealistas  exploraban  
entre  las  imágenes  de  los  sueños,  los  efectos  de  
combinar  imágenes  desconectadas  y  la  técnica  del  “puro  
automatismo  psíquico”  que  era  una  forma  espontánea  
de  dibujar  sin  el  control  de  la  mente  consciente.  El  
aspecto  del  arte  surrealista  se  inspiraba  tanto  en  la  
irracional  yuxtaposición  de  imágenes  propuesta  por  los  
collages  Dada,  como  en  el  arte  metafísico  de  Giorgio  de  
Chirico,  ambos    considerados  como  arte  primitivo  y  
forastero.  Los  surrealistas  más  influyentes  fueron  Max  
Ernst,  Joan  Miró,  Salvador  Dali  y  René  Magritte.  El  
movimiento  se  rompió  con  el  estallido  de  la  Segunda  
Guerra  Mundial,  cuando  varios  de  los  artistas  huyeron  de  
Europa  a  Nueva  York  donde  tuvieron  una  influencia  
formativa  en  el  desarrollo  del  Expresionismo  Abstracto.  
 
René  Magritte1898-­‐1967  
Tiempo  Paralizado,  1938  
Art  Institute  of  Chicago  
 
Presentación  de  diapositivas  de  Dada  y  Surrealismo:  
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/dada_and_surrealism_slideshow.html  

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Expresionismo  Abstracto  c.1946-­‐1956  

Fue  el  primer  estilo  Americano  de  arte  que  logró  una  
influencia  a  nivel  global.  Se  desarrolló  en  torno  al  
acercamiento  espiritual  de  Kandinsky,  al  automatismo  de  
los  surrealistas  y  a  una  variedad  de  técnicas  pictóricas  
dramáticas.  
Se  conoció  también  como  “Pintura  de  acción”,  título  
existencialista  que  implicaba  que  el  acto  físico  de  pintar  
era  tan  importante  como  el  propio  resultado.  El  
movimiento  abarcó  obra  pictórica  de  una  amplia  gama  
de  artistas  cuyo  trabajo  no  era  siempre  puramente  
abstracto  o  verdaderamente  expresionista.    
Las  pinturas  chorreadas  de  Jackson  Pollock,  que  enredan  
al  observador  en  una  madeja  de  luz,  color  y  texturas,  se  
convertirían  en  el  mayor  reto  a  la  interpretación  del  
espacio  pictórico  desde  el  Cubismo.  Las  pinturas  de    
Mark  Rothko  sumergen  al  espectador  en  un  mundo  
mísitco  de  colores  difusos,  mientras  que  el  arte  Robert  
Motherwell  establece  un  diálogo  abstracto  entre  su  
caligrafía  “automática”  y  el  control  consciente  de  las  
figuras  y  los  colores.  Willem  de  Kooning,  Franz  Kline,  
Barnet  Newman  y  Clifford  Still  fueron  otras  figuras  
sobresalientes  de  este  movimiento.  
Jackson  Pollock    1912-­‐1956  
Full  Fathom  Five,  1947    
MoMA,  New  York  
Presentación  de  diapositivas  de  Expresionismo  Abstracto:  
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/abstract_expressionism_slideshow.html  
Pop  Art  c.1954-­‐1970  
Movimiento  caracterizado  por  una  sensación  de  
optimismo  durante  el  boom  consumista  de  la  posguerra  
de  los  años  50s  y  60s.  Coincidió  con  la  globalización  de  la  
música  pop  y  la  cultura  de  la  juventud,  personificadas  
por  Elvis  y  The  Beatles.  El  Pop  Art  era  desparpajado,  
colorido,  juvenil,  divertido,  y  también  hostil  al  
establishment  artístico.  Incluía  diferentes  estilos  de  
pintura  y  escultura  de  varios  países,  pero  lo  que  todos  
tenían  en  común  era  su  interés  por  la  cultura  popular.  El  
aspecto  escueto  del  Pop  Art  emerge  de  una  fusión  entre  
los  collages  Dada  y  los  preelaborados  de  la  imaginería  de  
la  cultura  consumista.  Se  veía  como  un  antídoto  a  la  
introspección  del  Expresionismo  Abstracto.  Las  técnicas  
expresivas  de  Jasper  Johns  y  Robert  Rauschenberg  
proveyeron  un  enlace  estilístico  entre  el  Expresionismo  
Abstracto  y  el  Pop,  pero  las  imágenes  de  la  celebridad  y  
el  consumismo  de  Andy  Warhol  y  la  iconografía  del  
comic  de  Roy  Lichtenstein  son  los  que  representan  este  
estilo  como  lo  conocemos  hoy  día.    
Andy  Warhol  1928-­‐1987    
Campbell's  Soup  1  (Tomato),  1968  
MoMA,  New  York  

7   Arte  Moderno  FA  UAS  2012   Arq.  Celia  R.  Gastélum  

 
  

Presentación  de  diapositivas  de  Pop  Art:  

http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/pop_art_slideshow.html  
Op  Art  c.1964-­‐1970  
Op  Art  es  el  nombre  corto  para  Optical  Art.  Fue  un  estilo  
abstracto  que  emergió  en  los  60s,  basado  en  los  efectos  
ilusionistas  de  la  línea,  la  forma,  el  patrón  y  el  color.  Los  
artistas  Op,  como  Victor  Vasarely,  Bridget  Riley  y  Richard  
Anuszkiewicz  jugaban  con  la  percepción  del  observador  
subvirtiendo  el  plano  de  la  pintura  con  formas  ambiguas,  
cambiando  las  tonalidades  de  los  colores  y  utilizando  
relaciones  dinámicas  entre  ellos.  Aunque  las  imágenes  
eran  estáticas,  generaban  frecuentemente  la  ilusión  de  
movimiento  utilizando  trucos  de  percepción  visual  que  
creaban  una  superficie  inestable.  Los  efectos  podían  ser  
tan  intensos  que  el  observador  tenía  que  retirar  la  vista  
por  temor  a  perder  el  equilibrio  o  lastimarse  los  ojos.  No  
es  necesario  decir  que  el  aspecto  divertido  del  Op  Art  fue  
muy  popular  entre  el  público  y  rápidamente  se  
 
comercializó  a  través  de  las  industrias  del  diseño  y  la  
moda.  
 
Victor  Vasarely  1906-­‐1997  
Gestalt  4,  1970  
www.vasarely.com  
Presentación  de  diapositivas  de  Op  Art:  
http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_slideshows/op_art_slideshow.html  
Minimalismo  c.1960-­‐1975  
El  Minimalismo  no  fue  solo  una  reacción  en  contra  de  las  
técnicas  hiper  cargadas  de  emotividad  del  expresionismo  
abstracto,  sino  también  un  refinamiento  de  la  
abstracción  pura.  Fue  un  intento  por  descubrir  la  esencia  
del  arte  reduciendo  sus  elementos  a  las  consideraciones  
más  básicas  de  la  forma,  la  superficie  y  los  materiales.  El  
arte  minimalista  utilizaba  formas  de  límites  duros  y  
estructuras  de  redes  geométricas.  El  color  solo  se  usaba  
para  definir  el  espacio  dentro  de  una  superficie.  Ad  
Reinhardt,  cuyas  pinturas  más  tardías  anticiparían  en  
Minimalismo,  lo  indicó  de  forma  simple:  “entre  más  
elementos,  entre  más  ocupada  se  halle  la  obra  de  arte,  
peor  será”.  Menos  es  más.  El  ojo  es  una  amenaza  para  la  
observación  clara  de  las  cosas.  El  arte  comienza  una  vez  
que  te  desembarazas  de  la  naturaleza.  Frank  Stella,  Don  
Judd,  Robert  Morris,  John  McCracken  y  Sol  LeWitt  fueron  
importantes  contribuyentes  del  arte  minimalista.  
 
Frank  Stella  b.  1936    
Jarmolince  III,  1973  
Collection  of  the  artist  
Fuente:  http://www.artyfactory.com/art_appreciation/timelines/modern_art_timeline.htm  
Traducción  del  inglés:  Arq.  Celia  R.  Gastélum  –  Coordinadora  LUMA  FA  UAS  -­‐  2012  

8   Arte  Moderno  FA  UAS  2012   Arq.  Celia  R.  Gastélum