Francisco Rodrigues da Silva

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Nunca Mural, Frestas Trienal Sorocaba, Brasil 2017

Francisco Rodrigues da Silva también conocido como "Nunca" es un artista brasileño

que utiliza una técnica de graffiti para crear imágenes que confrontan el Brasil urbano
moderno con su pasado nativo. Su nombre Nunca ("Nunca" en portugués) es una
afirmación de su determinación de no estar sujeto a restricciones culturales o
psicológicas. [1] Nunca es uno de los artistas callejeros más famosos de su generación. [2]

Contenido
[ ocultar ]

 1carrera
 2Influencias y referencias
 3Impacto cultural
 4Exposiciones
 5referencias

Carrera [ editar ]
Nacido en Sao Paulo, Nunca comenzó su carrera a la edad de 12 años como miembro de
una pandilla rociando pichações , una etiqueta alternativa brasileña, en las paredes
de Itaquera , el barrio pobre en el este de São Paulo donde vivía la familia. Luego
desarrolló su propio estilo, una mezcla de colores y líneas que unen las tradiciones
brasileñas y las afirmaciones contemporáneas. [1]
Después de que la familia se mudó a Aclimação , en la parte centro sur de la ciudad, hizo
nuevos amigos y se interesó por el grafite , una forma más conscientemente artística. Él ha
descrito esto como una progresión natural, siempre le ha gustado dibujar. Comenzó a
producir figuras llamativas e intensamente coloreadas inspiradas en la cultura indígena
brasileña que atrajeron la atención de los primeros locales y luego del extranjero. [1]
Comenzó a recibir invitaciones para exponer en Europa, comenzó a pintar lienzos y
producir esculturas. Aunque disfrutaba de su trabajo en la calle, quería producir trabajos
más elaborados y veía esto como otra progresión natural. [1]
La práctica de Nunca está profundamente arraigada en el entorno urbano y en sintonía con
la historia de su Brasil natal. Su arte desafía las convenciones culturales al explorar los
modos a través de los cuales funciona la sociedad contemporánea. Nunca investiga las
realidades sociales, políticas y económicas para cuestionar el consumismo masivo, ya sea
material o cultural, y su mecanismo de conducción. [3]
A menudo revelado en el contexto de la calle, su arte transforma la circulación monótona a
través de nuestras ciudades con obras que alteran el sentido físico del espectador y el
mundo que lo rodea. Por lo tanto, cuestionando la manipulación del arte y la opinión
pública. Obligados a comprometerse con él, los espectadores son desafiados por estas
visiones de protesta. Denuncian las desigualdades, la información falsa y la herencia
ilegítima transmitida a la población por el poder existente, así como la aptitud de algunos
órganos periodísticos para difundir las opiniones como hechos consistentes que
rápidamente adquieren el estatus de verdad. [4]

Influencias y referencias [ editar ]

El estilo distintivo de Nunca es un diálogo entre el grabado antiguo: una referencia a las
técnicas utilizadas por los conquistadores para retratar a las tribus indígenas y representar
el Nuevo Mundo, y la iconografía local con tratamientos modernos.
Esta delicada manipulación de las referencias antiguas y contemporáneas integradas al
uso de la escritura de graffiti, así como las diferentes manipulaciones aplicadas en la
pared: en relieve, pintado y tallado, es su firma reconocible. Ha inspirado a toda una
generación de artistas callejeros. [5] Su influencia creció en todo el mundo después de ser
el artista más joven exhibido en un gran espectáculo en el museo Tate Modern de Londres
en 2008. [6]
Graffiti de Kelburn Castle por Nunca, Nina y Os Gêmeos

Nunca fue descrita como "una de las estrellas en ascenso de la escena de graffiti de São
Paulo" en el libro de 2005 Graffiti Brasil [7] que dedicó un capítulo entero a su trabajo. Ha
trabajado en estrecha colaboración con otras figuras importantes de la escena del graffiti
de São Paulo, incluidos Os Gêmeos (el artista gemelo Otavio y Gustavo Pandolfo) y la
esposa de Otavio Pandolfo, Nina. [8]

Nunca mural en Frankfurt

Impacto cultural [ editar ]

Después de haber desarrollado su reputación en São Paulo, nunca y los Pandolfos fueron
invitados a participar en una exposición de arte callejero en la Tate ModernGallery en
Londres que dio lugar a una reevaluación significativa de su trabajo en su ciudad
natal. Tras la presentación por parte del alcalde de São Paulo, Gilberto Kassab, de
la ley " Cidade Limpa " ("Ciudad limpia") dirigida a eliminar las formas de contaminación
visual, incluido el graffiti, una campaña oficial de limpieza provocó la pérdida de muchas
imágenes y la destrucción de otras. Un mural de 680 metros pintado por Pandolfos, Nunca
 y la esposa de Otavio Pandolfo, Nina, en los muros de contención a lo largo de la autopista
23 de Maio, estaba medio borrado con pintura gris a pesar de haber sido aprobado
oficialmente. El reconocimiento en el exterior de la importancia del trabajo de los artistas
estimuló una discusión pública sobre lo que constituía el arte que condujo a la creación de
un registro de arte callejero para ser preservado por la ciudad de São Paulo. [8]

Exposiciones [ editar ]
Nunca ha expuesto en Brasil en el Museo de Arte Moderno de São Paulo y en todo el
mundo, especialmente en Grecia en el AfroBrasil Museum [8] [9] [10] y en el Reino Unido en
Tate Modern, la primera muestra importante de arte callejero en un museo público en
Londres. El enladrillado de las paredes exteriores de la Tate Modern estaba decorado con
pinturas de 15 metros de altura de los artistas presentados en la exposición, los gemelos
Pandolfo y Nunca, Blu de Bologna, el artista parisino JR, el grupo colaborativo de Nueva
York Faile y Sixeart de Barcelona. [8]
Las exposiciones más notables de Nunca también incluyen Tag en el Grand Palais en
París en 2009; The boneyard Project en Arizona en 2012, para el cual el artista pintó el
fuselaje de un avión de la Segunda Guerra Mundial; Hecho En Oaxaca, en el Museo de
Arte Contemporáneo de México en 2013; Uno de los murales figurativos más grandes para
la Trienal Frestas de Soroccaba en Brasil en 2017 [11] y Arte de las calles en el Museo
ArtScience en Singapur en 2018.
Su trabajo se ha exhibido en galerías e instituciones de todo el mundo, incluyendo: Hong
Kong, Bejiing, Miami, Los Ángeles, Milán, Bolonia, Lisboa, Kiev, etc. Nunca fue el tema de
muchos libros y publicaciones, incluido The Huffington Post, NY y LA Times, así como Art
Review. [11]

Referencias [ editar ]
1. ^ Saltar a:a b c d "Globo.com" . Web.archive.org . 28 de septiembre de 2009 . Consultado
el 29 de enero de 2018 .
2. Jump up^ Danysz, Magda; Dana, Mary-Noëlle (2010). De estilo escrito a arte: una
antología de arte callejero . Drago. ISBN 9788888493527 .
3. Jump up^ d'Ebre, Rodrigo Ribera (2017-03-07). "El arte de Nunca:
Universopolis" . Huffington Post . Consultado 2018-02-11 .
4. Salta hacia arriba^ Schacter, Rafael (09/03/2013). El atlas mundial de arte callejero y
graffiti . Yale University Press. ISBN 9780300199420 .
5. Salta hacia arriba^ Avramidis, Konstantinos; Tsilimpounidi, Myrto (2016-12-08). Graffiti y
Street Art: lectura, escritura y representación de la ciudad . Taylor y
Francis. ISBN 9781317125051 .
6. Jump up^ Tate. "Street Art - Exposición en Tate Modern | Tate" . Tate . Consultado 2018-
02-11 .
7. Salta hacia arriba^ "Graffiti Brasil" . Coolhunting.com . Consultado el 29 de enero
de 2018 .
8. ^ Saltar a:a b c d [1] [ enlace muerto ]
9. Jump up^ "Movimiento Pixação" . Designboom.com . 15 de septiembre de
2008 . Consultado el 29 de enero de 2018 .
10. Salta hacia arriba^ "brasileiro Grafite em Londres - Lilian Pacce" . Lilianpacce.com.br . 29
de mayo de 2008 . Consultado el 29 de enero de 2018 .
11. ^ Saltar a:un nombre b , Sitio. "Trienal de Frestas, revisada por Tobi Maier /
ArtReview" . artreview.com . Consultado 2018-02-11 .
Categorías :
 Artistas brasileños de graffiti
 Gente viva
https://en.wikipedia.org/wiki/Francisco_Rodrigues_da_Silva
 ACERCA
 UBICACIÓN
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DESCRIPCIÓN

Francisco Rodrigues da Silva ( ” Nunca” ) es un artista brasileño ” grafitero ” que utiliza una
técnica de graffiti para crear imágenes que se enfrentan un Brasil moderno urbano con su
pasado indígena. Su ” etiqueta” Nunca ( “Nunca” en portugués) es una afirmación de su
determinación de no estar obligado por las limitaciones culturales o psicológicos . A pesar del
reconocimiento internacional de su obra ha sido objeto de críticas en su casa en Brasil a causa
de la supuesta traición de sus raíces culturales y la filosofía que su obra galería y comisiones
de diseño comerciales representan
CONTACTALOS

 E-mail Instagram : nuncart

 Sitio Web https://www.facebook.com/nunca.art
 Categorías Arte Urbano, Atracciones Culturales, Ilustrador, Talento Creativo
 Ubicación Brasil
 Etiquetas arte urbano, graffiti, muralista, nunca, street art
INFORMACIÓN ADICIONAL

 Para categoría bolsa de trabajo

 Añadir tipo de trabajoPor hora, Por proyecto
 IdiomasIngles, Portugues

http://www.guiacreativa.org/item/francisco-rodrigues-da-silva-nunca/

francisco rodrigues de la silva aka NUNCA

arte urbano , arte y fotografía
Nunca-3

Nunca-1
Nunca-5
Nunca-2
Nunca-4
NUNCA (o Francisco Rodrigues da Silva) es uno de los grandes artistas de
graffiti generación d'brasileña Gemini y Nina - todos ellos están en el
documental " ciudad gris", una necesidad por el camino.

Se inició su carrera con doce años de edad, como miembro de una banda de
pintada en Itaquera, un barrio pobre de la zona este de São Paulo. En esa
época, adoptó el codename Nunca como forma de manifestar una revuelta
contra cualquier restricción psicológica y cultural. Con el tiempo, Nunca fue
desarrollando su arte de forma más consciente, como una progresión
natural de su pasión por el diseño.

Para mí, Nunca tiene uno de los trabajos más ricos en la escena del graffiti
brasileño. Lleno de referencias de la cultura indígena, extremadamente
detallista gráficamente, y repleto de referencias político-sociales, es un
reflejo brutal de varios acontecimientos de la historia brasileña.

No es a la vez que hoy nunca es uno de los grandes artistas brasileños

consagrados internacionalmente, participando de exposiciones
internacionales en renombrados centros artísticos.

http://www.youtube.com/watch?v=G8Z-TKi8L3g

http://www.petitesmelodies.com/blog/2015/04/04/francisco-rodrigues-da-silva-a-k-a-nunca
/ Artistas /
MENÚ

 casa
 arte
 fotografía
 Diseño y Decoración
 Calendario y Exposiciones
 artistas
 galerías

siempre
 Nunca
en Sao Paulo, Brasil

el arte de graffiti
Enviar a tus amigos


Francisco Rodrigues da Silva ("Nunca") es un grafito de brillo, que
utiliza una técnica de grafito para crear imágenes que enfrentan al
Brasil urbano moderno con su pasado y raíces.

Su "tag" Nunca) es una afirmación de su determinación de no quedar

vinculada por restricciones culturales o psicológicas.

Se inició su carrera a los 12 años de edad, como un miembro de un

grupo de pichadores - en Itaquera, barrio pobre en el este de São
Paulo, donde la familia vivía.

Tres años más tarde, después de que la familia se mudó a

Aclimación, en la parte centro-sur de la ciudad, hizo nuevos amigos y
desarrolló un interés en grafito, una forma más consciente
artística. Él describió esto como una progresión natural - siempre le
gusta dibujar.

Comenzó a producir figuras marcadas, intensamente coloreadas

inspiradas en la cultura indígena brasileña, que atrajo la atención
primero local y luego extranjera.

Nunca ha exhibido en Brasil, en Grecia en el museo AfroBrasil y en el

Reino Unido en Tate Modern.

referencias:

http://en.wikipedia.org/wiki/Francisco_Rodrigues_da_Silva
Otros artistas nacidos
en Brasil

Val SchneiderCuritiba

Layde Sao Paulo

HaceSao Paulo
Nanide Sao Paulo

Sergio hermanade Sao Paulo

Rodrigo Bivarde Brasilia

Rodrigo AndradeSao Paulo

OziSao Paulo
Antonio Poteirode Goiania

Miguel Rio Branco, en Río de Janeiro

Obras de Nunca
http://www.democrart.com.br/aboutart/artista/nunca/
Uno de los murales de Blu - ABC

Blu, el Bansky italiano, cancela todos

sus espléndidos murales de Bolonia
El artista callejero, entre los diez más destacados del mundo, es contrario a una
exposición de arte urbano: «El museo no me tendrá»

ÁNGEL GÓMEZ FUENTES

CORRESPONSAL EN ROMAActualizado:14/03/2016 13:43h

El arte urbano (street art) vive en Italia una polémica sin

precedentes. Blu, pseudónimo de un artista italiano que

prefiere permanecer en el anonimato, conocido como el Bansky

italiano, y considerado por el Guardian entre los diez artistas

callejeros más destacados del mundo, ha cancelado en las

últimas horas todos sus espléndido y célebres murales que había

pintado durante 20 años en las calles de Bolonia, la ciudad de la

que partió su fama, hoy internacional. Blu protesta así contra

una poderosa institución cultural, Genus Bonoiae, apoyada por

una fundación bancaria, que inaugurará el próximo jueves en el

Palacio Pepoli una gran exposición sobre el arte urbano,

incluyendo algunas obras que han sido arrancadas de las paredes

de Bolonia, con la justificación de que debían ser salvaguardadas

de una eventual demolición, en algunos casos sin permiso de los

artistas. «El museo no me tendrá», ésta es la respuesta

clamorosa de Blu, que enciende de nuevo la batalla entre los

artistas callejeros y el sistema cultural oficial.

 Decenas
de jóvenes borran los murales de Blu por deseo propio del artista ABC

Murales en España

En su acción de cancelar sus graffitis de Bolonia, Blu ha contado

con la colaboración de decenas de jóvenes activistas radicales de

centros sociales de Bolonia, que armados con espátulas y pintura

gris han eliminado los murales que había pintado el

artista en los últimos años. Blu, como otros artistas callejeros, en

lugar de preferir los visitantes de museos, ha escogido los

habitantes de las periferias y los barrios populares. Considera

que el arte urbano no debe ser privatizado. Sus murales están en

 medio mundo, incluyendo Galicia, Madrid y en el barrio Carmel

de Barcelona. El desafío de Blu, como de otros artistas callejeros,

es el de apoyar luchas de algunos movimientos, como los

ecologistas.

La reacción de Blu tiene un precedente: También canceló

un mural suyo en un barrio de Berlín, en protesta contra la

especulación inmobiliaria. Blu había pensado su graffiti como

una obra que pudiera rescatar artísticamente al barrio Kreuzberg

de su degradación, en cambio se estaba convirtiendo en un

adorno de lujo dentro de la reestructuración residencial del

barrio.

Fenómeno de masas

En definitiva, Bolonia pierde, por deseo de su autor, diversas

obras de arte urbano que serían muy bien acogidas en

muchos museos. No todos los artistas callejeros piensan como

Blu, porque de hecho el art street, nacido como un arte

subversivo y de denuncia, se está convirtiendo en un fenómeno

de masas, en un negocio, como ocurrió con otras expresiones

culturales: el rap, grunge o la literatura «pulp». Prestigiosos

museos han organizados exposiciones de arte urbano, mientras

administraciones públicas y empresas aprovechan el arte urbano

para recalificar las periferias.

Todo el mundo se da cuenta ya de que el arte urbano puede

ser un buen negocio, hasta el punto de relanzar los precios de

los pisos. El Centro para el Estudio de la Moda y de la

Producción cultural de la Universidad Católica de Milán estima

que la recalificación de algunos barrios con obras de arte urbano

hacen aumentar el valor de los pisos en al menos un 20 por 100.

Y en algunos anuncios inmobiliarios comienza a destacarse esta

frase:«Con vista Street Art». Ciertamente, depende también de la

cotización de los artistas. Según Collier International Italia,

algunas propiedades inmobiliarias en Bristol y en Londres con

alguna obra de Bansky han aumentado su valor en decenas de

miles de libras esterlinas

Mural de Blu sobre la esclavitud laboral - ABC

Inversión en Street Art

No todo el Street Art nació como gesto de protesta. Pero, parece

evidente que, visto el caso de Blu en Bolonia, hay artistas que no

están de acuerdo en que su arte, nacido incluso de manera ilegal

para denunciar especulaciones, se vea paradójicamente

 convertido en factor de revalorización e incluso especulación,

entrando a formar parte de museos y galerías. De todas formas,

Sabina De Gregori, experta de lenguajes contemporáneos y de

arte urbano asegura que el reconocimiento del arte urbano

en el mercado del arte es una realidad : «Cada vez más

instituciones están invirtiendo en el Street Art. Seguramente una

fase ha terminado y es necesario ver qué forma adoptará ahora

esta corriente de arte».

En opinión de la mayoría de los expertos, la nueva estética

urbana está «condenada» al éxito . No en vano Bansky

es ya tan célebre como Lady Gaga y hasta Barak Obama ha

utilizado en sus carteles el lenguaje de Obey, una gran firma del

arte urbano estadounidense.

https://www.abc.es/cultura/arte/abci-bansky-italiano-cancela-todos-esplendidos-murales-
bolonia-201603122114_noticia.html
Pinturas murales de Blu
Mar 16, 2012 | Street Art | 0 Comentarios

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 Blu, Pintura mural en Los Angeles

Blu, es un artista de la calle italiano originario de Bolonia. Sus orígenes en el Street Art
datan de 1999, gracias a una serie de graffitis ilegales pintados en el centro histórico y los
suburbios de Bolonia. Su estilo característico apareció en 2001, cuando Blu empezó a pintar
con pintura de casa, con rodillos telescópicos. Esta nueva solución le permitió aumentar la
superficie pintada y transmitir mayor intensidad a su vocabulario visual.
La lista de los lugares donde Blu ha dejado su huella es impresionantemente larga, al igual
que su colección de cuadernos de dibujo que contienen bosquejos, pensamientos o
simplemente notas visuales. Normalmente, la función de estos dibujos es la de servir de
guión para sus improvisaciones en las paredes. Su estilo gráfico es directamente
proporcional a la escala épica de sus murales. Sus pinturas parecen interpretar el lenguaje
arquitectónico de los espacios públicos para reinventarse en formas nuevas. Así, sus
murales nunca son separados de los lugares donde fueron concebidos porque Blu es un
pintor del paisaje, urbano o industrial. Él siempre trata de comunicarse con la sociedad que
habita esos espacios, buscando la singularidad de cada lugar. Os dejo con una serie de
ejemplos de su obra:
Berlin:
Barcelona:
Madrid:
Buenos Aires:
Cracovia:
Italia:
Lisboa:
Nueva York:

Noruega:
Praga:
Serbia:

Varsovia:
Viena:
Rennes:

Post dedicado a Marta, que sé que le gusta Blu.

Fuente: La boite Verte
Imágenes: ©Blue Street Art
https://www.aryse.org/pinturas-murales-de-blu/

ESTE ITALIANO ORIGINARIO DE BOLONIA, QUE TATÚA

SERES FANTÁSTICOS EN CIUDADES ALREDEDOR DEL
MUNDO, ES UNO DE LOS MAYORES EXPONENTES DE ARTE
URBANO Y COMBINA SU TALENTO CALLEJERO CON SUS
DOTES EN EL VIDEOARTE

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Originario de Italia y multidisciplinario por excelencia, Blu se especializa

en murales, videoarte, y diseño gráfico en general. Comenzó a trabajar
las calles durante el año 2000 y a lo largo de su carrera sus trabajos se
han caracterizado por incluir personajes que rayan en la frontera de lo
fantástico, lo mounstroso, y también, lo cotidiano.

Blu opera desde su natal Bolonia, al norte de Italia, donde a pesar de

su relativo anonimato, su figura es reconocida como uno de los talentos
locales. So obra ha recorrido diversos países alreedor del mundo, y fue
incluido en la exposición realizada el año pasado en la fachada y muros
exteriores de la Modern Tate Gallery, en Lóndres.

Las piezas de Blu denotan influencias muy variadas, desde una

marcada inspiración en los dibujos de los comics underground o
independientes, hasta una presencia propia de los frescos, técnica muy
popular desde hace siglos en su país natal.

"La forma en que (Gordon) Matta-Clark trataba a sus edificios

como esculturas; es algo que trato de imitar cuando yo pintó"

Este talentoso artista callejero

también maneja con destreza distintas técnicas de animación y
videoarte, bajo su proyecto denominado Muto. Una de las cosas que
más pueden disfrutarse alrededor de su obra es cuando entrelaza sus
dos pasiones creativas, la callejera y la videasta, y a través de la técnica
del stop motion nos comparte deleitantes piezas. A pesar de que su
carrera aún no alcanza la primera década de vida, el trabajo de Blu en
las calles se ha convertido en una verdadera referencia entre lo mejor
del arte urbano hoy en día. Via Arte Callejero Sitio: blublu.org Más de
la obra de Blu: Fachada de la Modern Tate durante la exposición Street
Art Evolución del hombre (Life according to Blu) Arte urbano en el
Centro Histórico de Valencia
https://pijamasurf.com/2009/07/blu-un-artista-callejero-que-libera-seres-fantasticos-en-la-
ciudad/
sumario art XX-XXI contacta
 El trabajo de Blu: Street art y coherencia
Susana Hermoso-Espinosa García
17/03/2016

El arte urbano (street art) vive un enorme auge en estos últimos tiempos, pero todo lo que está ocurriendo es bastante
contradictorio. Los museos y centros de arte e incluso las fundaciones bancarias están haciendo acopio de este arte, pero en muchos
casos sin contar tan siquiera con los propios artistas.

Este es el caso de Blu, pseudónimo de un artista conocido como el Bansky italiano, que lleva varios días ocupando titulares en Italia y
en medio mundo. Blu, considerado desde hace cinco años por el periódico británico The Guardian, uno de los diez artistas callejeros
más destacados del mundo, está eliminado los murales que durante 20 años ha estado realizando en las calles de Bolonia, Italia.

El sábado 12 de marzo el propio dibujante lo comunicó en su portal de internet (http://blublu.org). En él publicaba fotografías en las
que se ve como algunos de sus colaboradores arrancaban sus grafitis elaborados con la técnica del 'wheatpaste' de las paredes o los
cubrían con pintura gris.

Blu protesta así contra una poderosa institución cultural, la Genus Bonoiae, apoyada por una fundación bancaria Fondazione Cassa di
Risparmio in Bologna, que inaugurará mañana jueves 18 de marzo en el Palacio Pepoli, una gran exposición sobre el arte
urbano: Street Art – Banksy & Co. L’arte allo stato urbano. En la muestra se incluyen algunas de sus piezas que han sido arrancadas
de las paredes de Bolonia, con el pretexto de que debían ser salvaguardadas de una eventual demolición, sin permiso del artista.

“El museo no me tendrá”, ésta es la contundente respuesta de Blu, que abre de nuevo la batalla entre los artistas callejeros y el
sistema cultural oficial. Blu, no quiere a los visitantes de museos, prefiere los habitantes de las periferias y los barrios populares.
Considera que el arte urbano no debe ser privatizado. Sus murales están en medio mundo, Sao Paulo, Managua, Londres, Praga,
Madrid o Barcelona, donde ejecutó un gigantesco tiburón formado por una acumulación de billetes en el barrio del Carmel, como
denuncia de la especulación financiera, ya que el propósito de Blu, como de otros artistas callejeros, es el de hacer una dura crítica
de la sociedad, ya sea por temas sociales, medioambientales, económicos, etc…

Pero esta no es la primera vez que el grafitero italiano realiza una acción similar. En diciembre de 2012 Blu mandó pintar de
negro Cuvrybrache (incendiada ese verano, probablemente a causa de la especulación) un emblemático grafiti que llevaba en el
descampado de la Cuvrystr desde 2008 y se había convertido en una seña de identidad de Berlín y de Kreuzberg. El mural era una
protesta contra la especulación inmobiliaria, había ideado su graffiti como una obra que pudiera rescatar artísticamente al barrio
Kreuzberg de su degradación, en cambio se estaba convirtiendo en un adorno de lujo dentro de la reestructuración residencial del
barrio.

Aunque no todos los artistas callejeros piensan como Blu, el street art, que nació como un arte subversivo y de denuncia, se está
convirtiendo en un fenómeno de masas, en un negocio, como ha ido ocurriendo con otras expresiones culturales. Prestigiosos museos
han organizado exposiciones de arte urbano, mientras administraciones públicas y empresas aprovechan este tipo de arte para
recalificar las periferias. Todo el mundo se da cuenta ya de que el arte urbano puede ser un buen negocio, hasta el punto de relanzar
los precios de los inmuebles. Está claro que también depende de la cotización de los artistas, algunas propiedades inmobiliarias en
Bristol y en Londres con alguna obra de Bansky han aumentado su valor en decenas de miles de libras.

Pero, volviendo al tema que nos ocupa, no siempre ha sido Blu quien ha eliminado su obra. Tal y como hemos dicho, las obras de Blu
tienen un valor estético, cada una de sus pinturas embellece la fachada y la zona en la que están hechas, y un importantísimo valor
moral, ya que todas sus obras llevan un mensaje implícito que normalmente es una crítica social y una llamada a la reflexión
relacionada directamente con la ciudad donde está pintada. Pero esto no siempre es bien recibido por los organizadores de los
eventos en los que participa, como por ejemplo el mural que realizó en 2010 para el MOCA, en Los Ángeles, que fue censurado y
borrado por la organización al considerarlo ofensivo ya que la obra consistía en ataúdes cubiertos de billetes de Dólar frente al
Hospital de veteranos.

En 2014 otro mural de Blu, en las paredes de la zona de San Basilio, a las afueras de la capital italiana, fue censurado por las
autoridades romanas, al considerarlo un ataque contra la policía. En la pieza aparece San Basilio rompiendo un candado, y a sus pies,
a la derecha de la figura policías representados como ovejas y cerdos, y una leyenda que dice "San Basilio -1974-2014- A Fabricio
Ceruso", joven activista que murió el 8 de septiembre de 1974 durante los enfrentamientos con las fuerzas de seguridad por los
desalojos del barrio de San Basilio.
La fama de Blu comenzó en 1999, cuando realizó una serie de graffitis ilegales pintados por el centro histórico y los suburbios de
Bolonia, Italia. En el comienzo de su carrera su técnica se limitaba al uso del spray, pintura en aerosol, evolucionando a otras
técnicas como la de wheatpaste, dibujos pegados con una pasta realizada con harina, agua y azúcar o su estilo característico que
apareció en 2001, cuando empezó a pintar con pintura que aplicaba con rodillos: “Yo, básicamente uso pintura al agua en blanco y
negro, un rodillo y algunos pinceles, dibujo usando un palo largo con un pincel en la parte superior, si la pared es muy grande utilizo
un andamio o una plataforma mecánica” [Nota 1]. Esta nueva solución le permitió aumentar la superficie pintada y transmitir mayor
intensidad a su vocabulario visual.

Sus pinturas interpretan el lenguaje arquitectónico de los espacios públicos donde los realiza para reinventarse en formas nuevas. Por
ello, sus murales nunca deben separarse de los lugares donde fueron concebidos porque Blu es un pintor del paisaje urbano o
industrial. Él siempre trata de comunicarse con la sociedad que habita esos espacios, buscando la singularidad de cada lugar.

Se caracteriza por sus grandes piezas, a veces sarcásticas, a veces dramáticas, que parecen sacadas de cómics. Otro aspecto
importante en su carrera fue la práctica de una acción artística compartida, acompañado siempre de artistas y amigos pintaba las
calles, y es ahí donde surge la idea de filmar las pinturas y más tarde la de la animación digital.

A partir de 2004, algunas galerías comenzaron a interesarse por él, invitándolo a participar en muestras colectivas. Sin embargo, Blu
trata siempre de limitar su presencia dentro del mundo del arte oficial, prefiriendo otro tipo de territorios.

El año 2005 lo pasó viajando por América Latina, participando en varios festivales. Junto a Ericailcane [Nota 2], y varios artistas de
Costa Rica, Nicaragua, Guatemala y Honduras, en el marco del festival de Managua llamado "Murales de Octubre", pintó una de sus
piezas más famosas, el Hombre Banano, en referencia a la protesta de los trabajadores de las plantaciones de banano, en la Avenida
Bolívar, donde, en 1979 Víctor Canifrù celebro la revolución sandinista.

Blu visita en 2006 Zaragoza, España para el festival "Segundo Asalto" donde con los artistas San, Tono, Nuria, y Nano, pintan un
mural donde un minotauro gigantesco agarra por la cabeza a un torero, como señal de protesta antitautina.

A finales de 2006 y principios de 2007, regresa a América Latina para llevar a cabo un circuito de murales llamado ME.GU.NI.C.A
Tour que incluyó: México, Guatemala, Nicaragua, Costa Rica y Argentina.
Blu también trabaja en Alemania en varias ocasiones entre 2006 y 2009, sobre todo en Berlín, y siempre en torno a Kreuzberg un
barrio multiétnico y de los más deprimidos de Berlín. Gracias a su participación en varias ediciones de los festivales "Backjump" y
"Planetprozess", tuvo la oportunidad de pintar con el artista y publicista francés JR, con el que hizo un mural que se convirtió en todo
un icono y que también fue tapado por el propio artista. En el se representaban dos personas con máscaras de gas que trataban de
quitárselas el uno al otro, mientras que con la otra mano formaban las letras "W" y "E", haciendo clara referencia a las dos
Alemanias.

En 2007 viaja a Sao Paulo, Brasil, participando en el festival "A Conquista do Espaço", donde realiza una interpretación del "Cristo del
Corcovado" de Río de Janeiro. En la versión de Blu Cristo está literalmente sumergido por toneladas de armas y fusiles.

Ese mismo año el colectivo de arte Santa's Ghetto de origen londinense, invita a Blu a Cisjordania, para participar, junto a muchos
artistas, como Banksy, Mark Jenkins, Sam3, Ron English, Ericailcane, Swoon, y Faile, en la realización de obras sobre el muro que
separa a Palestina de Israel. Su obra la dispone sobre una torre de vigilancia, en la que se ve a una persona intentando derribar esta
prisión al aire libre con el dedo.

Desde mediados de 2007 hasta la primavera de 2008, se instala en Buenos Aires dedicando casi en exclusiva a la creación de un
video llamado Muto, más de siete minutos de una animación mural compuesto por cientos de pinturas realizadas en las calles de la
capital argentina. Por este trabajo recibe numerosos premios internacionales, como el Gran Premio de 2009 del Festival de Clermont
Ferrand.

En 2008, la Tate Modern presentó una exposición sobre el fenómeno del arte callejero e invitó a Blu, y otros artistas como JR, Faile,
Sixeart, y Os Gemeos para pintar su fachada. Viaja a Gdansk, Polonia, donde, en un hangar abandonado, realiza piezas para su
animación Morphing. También realiza Big Bang, Big Boom, otro registro audiovisual que, según lo define el propio Blu, es “un punto
de vista no científico del origen y evolución de la vida… y de cómo podría terminar”. En Praga, República Checa, dentro del "Names
Festival" pinta Franja de Gaza, donde los tanques y las excavadoras van persiguiéndose unos a otros a lo largo de una cinta de
Moebius.

En 2009 Blu comienza otra gira por Sudamérica, visita Bogotá participando en el festival "Memoria Canalla", sigue por Montevideo,
Uruguay; continuando por Lima, Perú, donde pinta toda la fachada de un edificio histórico en el centro de la Avenida Arenales. Este
mismo año visita también Estados Unidos, invitado por la galería Deitch de Nueva York para pintar el exterior en Long Island.

También visita Belgrado, Serbia, y Barcelona, participando en el festival "The Influencers", para el que pintó en el Barrio El Carmel,
un tiburón amenazante cuya piel está hecha de euros, haciendo alusión a la crisis económica. Realiza Combo junto al pintor, músico y
cineasta, David Ellis durante el Festival Fame 2009 en Italia.

A finales de 2010 es requerido de nuevo en Estados Unidos, esta vez invitado por el director del MOCA (Museum of Contemporany
Art) en Los Angeles, para realizar una pieza en el exterior del edificio Geffen Contemporary como parte de "Arte en las Calles"
exposición sobre el graffiti. El 8 de diciembre Blu comenzó a pintarlo siendo borrado al día siguiente tras ser censurado por el propio
director Jeffrey Deitch.

En septiembre de este mismo año se dejó ver por Madrid donde realizó un gran mural a orillas del Manzanares en el que se un círculo
de personajes se roban mutuamente las carteras. Para el proyecto “Crono” en Lisboa pinta una figura trajeada con una corona de oro
con los logos de las compañías petroleras más ricas del mundo, como Chevron, Esso, Shell, BP, Agip y Texaco, succionando una
pajita que está metida en el mundo.
Queda claro que sus trabajos están repartidos por todo el mundo, pero si hay un país que destacar es Italia, donde se encuentran la
mayoría de sus graffitis, tanto legales como ilegales. Entre ellos los llevados a cabo en tres ediciones del "Spinafestival "en
Comacchio (2005, 2006 y 2007); la fachada de la PAC (Pabellón de Arte Contemporáneo) en Milán, finalizado en 2008; los murales
de Bicocca y la estación de tren Lambrate, hechos en 2008 y en 2009, los realizados en las tres ediciones del “Fame Festival a
Grottaglie” (2008, 2009 y 2010), el homenaje a Fabricio Ceruso, y el impresionante mural de un barco de carga que es agredido por
un grupo de soldados rojos, ambos en 2014 en Roma, o una de las últimas realizada en 2015 en la Casa Pazzi también en la capital
italiana.

Por último destacar su faceta como creador de animaciones mediante la técnica del Stop Motion y Time-Lapse que dan vida a sus
impresionantes graffitis.

Nota 1: Kolahstudio: "KS Interview With Blu", 2007:

<http://www.kolahstudio.com/?p=599 l> [Consulta: 16 de marzo de 2016].

Nota 2: Artista italiano con el que Blu ha realizado numerosas intervenciones. La colaboración entre ambos tuvo sus mejores
resultados entre 2003 y 2006, mientras Blu pintaba sus características figuras humanas Ericailcane hacia sus típicos animales.

_______________________

Para saber más

 www.blublu.org

__________________________

DATOS DE LA AUTORA:

Susana Hermoso-Espinosa García (Málaga, España) es licenciada en Historia del Arte por la Universidad de Málaga, y Master en Museología por la
Universidad de Granada. Tiene una amplia experiencia profesional en diversas instituciones y empresas culturales. Directora de la Revista Científica de
Estudios Histórico Artísticos SUMA. Es fundadora y directora del portal de Arte y Cultura Homines.com.

ARTE
Artistas gemelos
brasileños OSGEMEOS
crean lluvia de cabezas en
Times Square
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
 (Crédito: OSGEMEOS)
Por Stephy Chung, CNN
17:47 ET (21:47 GMT) 26 agosto, 2015
Lo más importante
El dúo de artistas brasileños OSGEMEOS iluminó las pantallas del Times Square en
Nueva York con cabezas redondeadas que se inclinan
La obra titulada Parallel Connection aparece como parte de la serie de artes Midnight
Moment del Times Square

Los gemelos OSGEMEOS salen para Dinamarca, Lituania y Minsk para pintar murales

Nueva York (CNN) - El dúo de artistas brasileños OSGEMEOS está

acostumbrado a exhibir su trabajo en espacios grandes. Sus
distintivos personajes amarillos de nariz plana han aparecido en
murales, en silos de grano de concreto, en un castillo de 800 años de
antigüedad y en un avión. Este mes ellos dan un paso más allá, al
iluminar las pantallas del Times Square de la ciudad de Nueva York
con cabezas redondeadas que se inclinan.

La obra titulada Parallel Connection (conexión paralela), aparece

como parte de la serie de artes Midnight Moment del Times Square. El
programa público de artes ha mostrado un nuevo artista cada mes
desde el 2012.

Para Gustavo y Octavio Pandolfo, los gemelos detrás de

OSGEMEOS, la ocasión les ofrece una oportunidad para experimentar
con nuevas plataformas y medios.

“Parallel Connection” es una animación de OSGEMEOS que se mostró en las pantallas de

Times Square, Nueva York. (Crédito: Ka-Man Tse/Times Square Arts)

"Con esta animación, queremos jugar con las personas que la ven.
Esto es como que si algunos jóvenes entraran a la televisión, jugaran
y la apagaran, una y otra vez", explica el dúo.
"Estamos asombrados al ver el impacto de la película. Cuando todo
inicia, realmente hace que Times Square se sienta diferente". Según
OSGEMEOS, el trabajo es un diálogo entre dos mundos... el
imaginario y el real.
El conteo regresivo para las galerías digitales

La directora de Arte del Times Square, Sherry Dobbin, dice que la

exposición en curso, la cual ha presentado artistas como Tracey Emin,
Isaac Julien y Andy Warhol, es una oportunidad para exponer a las
audiencias generales al arte contemporáneo de alta calidad.

"En ningún otro lugar del mundo existe este cañón irónico de vallas
electrónicas. Estamos buscando una combinación de artistas
emergentes y establecidos, una diversidad de estilos, y estamos
realmente interesados en aquellos que desean jugar con el espacio
público".

Cada año la coalición publicitaria de Times Square, dona 1,5 millones

de dólares en valor de tiempo de pantalla para el proyecto. Tres
minutos antes de la media noche, los comerciales hacen una pausa y
45 pantallas a lo largo de 5 cuadras simultáneamente quedan en
cuenta regresiva y exhiben el video del artista del mes.

El alcance potencial de audiencia es enorme. Dobbin estima que cada

día, de 11.000 a 12.000 personas pasan a través de Times Square a
media noche.

Problema doble

El dúo nació en Sao Paulo y trabaja bajo el nombre OSGEMEOS

desde 1987; ellos describen su trabajo como una fusión de la cultura
hip-hop de la década de 1980 y el arte folclórico brasileño.

Los hermanos trabajan uno junto al otro en cada proyecto y siempre

se han comunicado de manera artística.

"Desde niños, siempre estábamos dibujando juntos y construyendo

cosas juntos. Es como magia, en especial cuando hacemos las
mismas cosas y tenemos las mismas ideas. Normalmente cuando
trabajamos, no hablamos mucho. Sé lo que él quiere hacer y él sabe
lo que yo quiero hacer", dicen.

"Es algo más, son conexiones... es como que dos personas comparten
el mismo estilo y técnica. Queremos abrir la ventana de nuestro
mundo y que todos puedan saltar adentro y jugar con su imaginación".

Los dos hemos trabajado en muchos medios incluyendo graffiti,

dibujos, pinturas, esculturas y, más recientemente, animación.

Después de Nueva York, los gemelos OSGEMEOS, salen para

Dinamarca, Lituania y Minsk para pintar murales y regresarán a Nueva
York el próximo año con una exposición en Lehmann Maupin Gallery
en Nueva York.

https://cnnespanol.cnn.com/2015/08/26/artistas-gemelos-brasilenos-osgemeos-crean-lluvia-
de-cabezas-en-times-square/

Os Gêmeos, los brasileños que pasaron de utilizar pintura de interiores a exponer en un museo HELENA
CELDRÁN 06.08.2012 - 14:38H Los artistas de Sao Paulo, gemelos idénticos, mezclan en su arte urbano la
crítica social, la política, el hip-hop y el folclore. Activos desde finales de los ochenta, su estilo los ha convertido
en figuras representativas del muralismo y del grafiti de Brasil. La muestra de Boston es su primera exposición
en un museo estadounidense. Obra de Os Gêmeos elaborada en acrílico y espray sobre madera OS GÊMEOS -
PRIVATE COLLECTION. COURTESY OF THE ARTISTS. Sus murales y grafitis están protagonizados por
criaturas de largos brazos, de piel amarillenta e indumentaria urbana. Os Gêmeos, artistas veteranos, llevan
décadas sembrando las calles de Brasil de obras que mezclan el folclore con el hip-hop y comunican mensajes
positivos, pero también denuncian problemas sociales y políticos de su país. A veces pintan juntos y otras uno
de ellos termina el trabajo que su hermano ha empezado. El Institute of Contemporary Art de Boston (EE UU)
expone hasta el 25 de noviembre Os Gêmeos, la primera muestra en un museo estadounidense dedicada al
trabajo de Otávio y Gustavo Pandolfo (Sao Paulo, 1974), los gemelos idénticos que se han convertido en figuras
representativas del arte callejero brasileño. El spray era demasiado caro Comenzaron a llamar la atención a
finales de los años ochenta con una serie de murales de gran formato que adornaban las calles de su ciudad
natal. Se las apañaron durante mucho tiempo para trabajar en la clandestinidad y utilizando pintura de interiores
para casas debido al excesivo precio del spray: el material terminó por ser uno de sus símbolos de identidad.
Solo después del año 2000 se convirtieron en artistas considerados en su país y se les permitió pintar en
grandes extensiones de Sao Paulo de modo legal. La muestra recopila pinturas y esculturas de Os Gêmeos,
que crean tanto en lienzo y paneles de madera como en puertas encontradas en la calle o en viejos altavoces.
Con motivo de la inauguración, los artistas han pintado un gran mural que ocupa una de las caras del edificio del
museo al completo. Otras imágenes 5Fotos 'Dentro del arcoiris es así', obra de Os Gêmeos realizada sobre
puertas viejas y trozos de madera (Os Gêmeos - Private collection. Courtesy of the artists)

Ver más en: https://www.20minutos.es/noticia/1554992/0/os-gemeos/artistas-brasil/exposicion/#xtor=AD-

15&xts=467263

https://www.20minutos.es/noticia/1554992/0/os-gemeos/artistas-brasil/exposicion/
 ULTIMATE
GRAFFITI
ARTISTS: OS
GEMEOS
 arte
 bombing
 brasil
 canvas
 graffiti
 os gemeos
 paintings
 são paulo
 trenes
Octubre 15, 2012
Se puede decir que si existe un nombre que represente la cultura del
arte urbano en su máxima expresión puede que este sea Os Gemeos.
El tándem brasileño es reconocids mundialmente como generador de
obras de alto valor artístico, participa en importantes eventos de arte
urbano sorprendiendo con sus gigantescos murales y, por si fuera
poco, cuenta con el respeto de la parte más ortodoxa del graffiti
gracias a su implicada actitud con el writing que le hace estar
constantemente presente en las calles mediante los formatos más
clásicos como los tags, los throw-ups o las piezas sobre trenes.
Teniendo en cuenta esto, no es muy osado concederles el título de
artistas urbanos definitivos, ya que en las tres facetas en las que se
puede desarrollar esta cultura destacan por calidad y cantidad.

A partir de aquí… ¿qué sois vosotros?¿Sois artistas pictóricos, artistas

urbanos o escritores de graffiti?

Nosotros somos simplemente Os Gemeos. Odiamos las etiquetas y por lo

tanto simplemente nos clasificamos como artistas… hacemos únicamente
lo que nos gusta y cada parte de nuestro trabajo es tan importante como la
otra. No podemos definirnos únicamente como artistas urbanos o como
escritores, ya que unas cosas sin otra haría que no fuéramos quienes
somos: Os Gemeos… y poder hacer nuestro sueño real!!

¿Cómo empezó todo?

Lo primero de todo fue el dibujo. Desde siempre nos ha encantado dibujar.
Era una forma de expresarnos y un lenguaje para entendernos entre
nosotros, con la gente que nos rodeaba, con nuestra familia… Cuando
crecimos y la cultura del hip-hop llegó a donde vivíamos apareció la fiebre
del graffiti (1986). Entonces comenzamos a pintar para estar en todas
partes. Después empezó también la necesidad de desarrollar nuestra
creatividad pintando y se hizo necesaria tanto una cosa como la otra.

¿Hay más artistas en vuestra familia?

Sí… sin ir más lejos nuestro hermano mayor, nuestra madre y nuestros tíos.
¿En qué consiste vuestra obra pictórica?¿Tiene un lugar dentro del
arte contemporáneo?

Los personajes y atmósferas que producimos en nuestras pinturas tienen

que ver por un lado con la gente que se mueve en nuestros entornos y a la
vez con un mundo de fantasía. A lo largo de los años nuestra pintura ha ido
conduciéndonos a una búsqueda de nuestras raíces, de la cultura de la que
venimos y en la que vivimos y la que nos rodea. Nuestro estilo es
completamente atemporal, vivimos este momento y pintamos lo que
sentimos ahora. No creemos que el arte haya que clasificarlo. No creemos
en las leyes ni en las normas, el arte es libre como lo son las personas y uno
puede hacer lo que quiera sin ser etiquetado. Las etiquetas las utilizan los
medios de comunicación para explicar lo que no pueden comprender. Pero
muchas cosas no hace falta explicarlas para comprenderlas, tan solo
mirar…
Mucha gente se siente identificada con el universo que representamos y
esa es la parte más importante de lo que hacemos. En nuestras
exposiciones tratamos de cuidar todo hasta el mínimo detalle: cuando
exponemos en algún lugar vender las obras es lo último en lo que
pensamos, intentamos dar lo máximo y lo mejor de nuestra creatividad
trabajando tanto como haga falta… en ocasiones invirtiendo más tiempo y
gastando más dinero del que sería lógico. Pero con esta forma de hacer las
cosas hemos conseguido que a nuestras exposiciones acuda gente de todo
tipo, incluyendo muchísima gente que a lo mejor nunca había estado en
una galería de arte antes. Esto probablemente es lo mejor de todo. Dar la
oportunidad a las personas entrar en un universo paralelo y por unos
instantes olvidarse de los problemas, preocupaciones, responsabilidades…
poder soñar y vivir esta experiencia.
¿Qué es lo que os hace valorar una obra de arte?
La emoción. Cuando lo que ves te emociona, te eriza la piel. Simplemente
eso, puede ser un cuadro o una canción… o como cuando ves un tren
pintado. Si cuando lo ves genera una emoción en ti, es una buena obra de
arte.

¿Y en el graffiti?

Una de las cosas que más valoramos en el graffiti es el estilo y la actitud. Tú

tienes tu nombre, y con el estilo lo camuflas. Le añades cosas, le pones
flechas, y tu nombre queda protegido detrás de el estilo. El graffiti es un
lenguaje también, aunque no todo el mundo lo puede entender. Las calles
hablan. Cuando todo el mundo se ha ido a dormir y nadie habla, esos tags
siguen ahí y esos throw-ups, si tu los ves te hablan. El graffiti es como una
llave que te abre las puertas de la ciudad. Si coges esa llave tienes una
forma de controlar la ciudad… de lo contrario la ciudad te controla a ti.

Lo genial del graffiti es eso, tú eliges lo que quieres hacer y donde lo quieres
hacer, poner algo en la calle. A algunos les gustará a otros no, pero tu
decidiste poner eso ahí y alguien lo verá. Lo que siempre nos ha fascinado
del graffiti es por un lado esa total libertad que presenta. Por otro lado
también la concepción de respeto, dentro de esta libertad el sentido del
respeto es importantísimo y es un valor fundamental que tienes que
conocer si pintas. Por ejemplo nosotros nunca pisamos a otros, no
tachamos… creemos que en la calle hay sitio para todos, sólo hay que
buscarlo.
De donde venís la gente que pinta suele ser bastante humilde, ¿no?…

Sí, admiramos muchos a las personas com humildad y simplicidad…

Actualmente se hacen exhibiciones y eventos de arte urbano

constantemente.¿Puede que esto sea una forma de aprovecharse de
la esencia del graffiti para hacer de él un espectáculo?

Eso depende de quién lo organice y con qué finalidad ¿entiendes? Pero es

fácil ver cuando hay tiene un fin positivo y un inicio negativo. Hay gente
también que por tener una respuesta rápida de fama se envuelve con
grandes compañías y estas de por sí se aprovechan de los artistas. Aún
así, en general, muchísimos artistas que participan en estos eventos lo
hacen sólo por el placer de pintar, por conseguir pintura o simplemente
por tener la oportunidad de poder hacer su pieza.

Hay muchas personas que miran el Graffiti como una forma de hacer
dinero o obtener fama fácil sobre otra persona. Pero para nosotros la
esencia del graffiti no es nada más que ser libre, cambiar la rutina de una
ciudad… have fun!!! Respetar las otras firmas que ya estaban en la pared.
Estar con amigos y hacer risas. Estar solo y con un objetivo, nada va a
cambiar tu mente antes de que pintes lo que tienes ganas. Para hacer Graffii
solo necesita ganas y motivación para hacer quequieras y poner tu nombre
donde quiera que sea. Pero hoy en día la cosa va cambiando y aún así
creemos en el Graffiti de verdad, throw-ups, trenes, tags, frases contra el
gobierno! (cosas ilegales). ¿Sabes cuando puedes ver que realmente amas
el graffiti? Cuando estás en una situación en la que te ves y te preguntas a
ti mismo “podría estar en casa com mi familia, de relax , y estoy aquí
corriendo sin parar con un seguridad de mierda detrás de mi, ¿ sólo
por estar pintando? ¿Haciendo lo que amo?. ¡Fuck! y… “vamos a hacerlo
de nuevo” y otra vez, y otra y otra o y otra (risas) eso nos mantiene vivos!
Hay muchas exhibiciones en galerías hoy en día que la gente llama de
“street art” o “graffiti exhibition“. Nosotros no clasificamos esto como
‘graffiti’. El graffiti está fuera, en la calle, a partir del momento que entra
dentro de una institución, un museo, una galería pierde todo el
entorno que tiene en la calle y se vuelve una exposición de arte, un mural.
Creemos que hay muchas oportunidades actualmente para todos, per
depende mucho de qué estás “plantando” y de qué forma lo estás
“plantando”. Todo lo que se siembra un día lo vas a recoger.
La calidad de vuestro trabajo se ve en los personajes que pintáis. Pero
hay muchísima calidad en vuestras letras… ¿Por qué no pintáis piezas
en los eventos de arte urbano?

Nuestro universo esta cada vez más amplio, abriendo nuevas ventanas y
horizontes. Siempre nos preocupamos por la calidad de todo lo que
hacemos, tanto si es una pintura sobre tela como si es una pieza en la calle.
Pero separamos un poco los dos universos; para nosotros funcionan mejor
los personajes y paisajes en las galerías y calles y es lo que necesitamos
para crear nuestro universo. Las letras combinan pero sólo en la calle, en
una pared, un camión, un tren… no conseguimos vender una letra en una
galería, no combina con nuestra propuesta de trabajo.
¿Qué es lo peor de pintar?

Graffiti? ummm… Difícil respuesta. Probablemente la gente sin respeto,

cuando alguien se cree superior a otra persona. Normalmente los que más
hablan y alardean son los que menos hacen. Pero el que es real reconoce al
que es falso siempre! Y peor es saber cuánto tiempo pasó, sin darnos
cuenta, mientras pintábamos una única pieza, estando perdidos dentro de
nuestras “creatividades”.

¿Y lo mejor?

La amistad. Los amigos que hemos conseguido con todo esto. Conocer a
gente genial que acaban siendo amistades para siempre. Ir por el camino
correcto. Una de las cosas más importantes que nos ha enseñado la calle es
a ir por el camino correcto, haciendo las cosas bien, o para el bien! En
donde venimos si te metes por el camino equivocado puedes acabar
muerto. Hacer lo correcto, querer y cuidar de la gente a la que quieres, sin
juegos sucios luchando y trabajando… si uno hace esto puedes conseguir
lo que quiera.

Hace poco, después de muchas horas pintando en un muro nos paramos a

pensar en todo lo que había sucedido detrás nuestro mientras pintábamos.
Cuando pintamos estamos dándole la espalda al mundo. ¿Cuánto tiempo
habremos estado de espaldas al mundo? Cuando pintas te olvidas de todo
lo que pasa alrededor tuyo, estas enfrente de la pared o el tren y desarrollas
tu trabajo. Das la espalda al mundo pero estas abriendo una puerta, una
ventana en esa pared. En esa superficie se abre una entrada hacia otra
dimensión. Ese es el poder de la creatividad.

(Más fotos Goodfellas.)

http://www.mtn-world.com/es/blog/2012/10/15/ultimate-graffiti-artists-os-gemeos/
OSGEMEOS
De Wikipedia, la enciclopedia libre

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OSGEMEOS

OSGEMEOS en el VI Encuentro de Artistas de Hip Hop en São Paulo

(2012)

Nacido Otavio Pandolfo

Gustavo Pandolfo

1974 (edad 43-44)

São Paulo , Brasil

Conocido por Pintores , muralistas , graffiti

Movimiento Cultura hip hop

Sitio web www .osgemeos .com .br / en

 Graffiti mural de OSGEMEOS en Berlín

OSGEMEOS (también conocido como Os Gemeos u Os Gêmeos , portugués de The

Twins ), nacido en 1974 en São Paulo , Brasil , son grafiteros y artistascallejeros que son
hermanos gemelos idénticos Otavio Pandolfo y Gustavo Pandolfo. OSGEMEOS comenzó
a pintar graffiti en 1987 y gradualmente se convirtió en una influencia principal en la
escena local, ayudando a definir el estilo de Brasil.
Su trabajo a menudo presenta personajes de piel amarilla, tomados del tinte amarillo que
los gemelos tienen en sus sueños, pero por lo demás son diversos y van desde etiquetas
hasta murales complicados . Los temas van desde retratos familiares hasta comentarios
sobre las circunstancias sociales y políticas de São Paulo, así como sobre el folclore
brasileño . Su estilo de graffiti fue influenciado por el estilo hip hop tradicional y la cultura
brasileña. [1] : 64
Desde sus inicios en Brasil hasta hoy, OSGEMEOS ha alcanzado reconocimiento
internacional y éxito comercial. Su trabajo aparece en las calles y en galerías de todo el
mundo. El dúo es considerado como uno de los artistas callejeros más influyentes dentro
del género. [2]

Contenido
[ ocultar ]

 1Influencias
 2trabaja en Brasil
 3Obras públicas notables
o 3.1Asia
o 3.2Europa
o 3.3América del Norte
 4recepción
o 4.1Bellas artes
o 4.2Cotizaciones
 5exposiciones (seleccionadas)
 6Película
 7referencias
 8Lectura adicional
 9Enlaces externos

Influencias [ editar ]
La cultura hip hop llegó a Brasil a fines de la década de 1980 y atrajo a muchos de los
adolescentes del país en ese momento. Los gemelos comenzaron como breakdancers y
se involucraron con el aspecto del graffiti más adelante. Su primer graffiti emuló las
primeras piezas de hip hop de Nueva York. [1] : 16Pasaron algunos años antes de que
comenzaran a poner elementos e influencias culturales brasileñas en sus grafitis. [1] : 159
Su primera influencia artística significativa fuera de su entorno inmediato, y su acceso
limitado al hip hop estadounidense ( Style Wars , Subway Art , Beat Street ), surgió de un
encuentro casual con Barry McGee (también conocido como Twist), que estuvo en Brasil
por varios años. meses en un programa de estudio en el extranjero a través del Instituto de
Arte de San Francisco en 1993. Técnica y experiencia fueron compartidas, y McGee
proporcionó fotografías de graffiti estadounidense. A través de McGee, OSGEMEOS
conoció a Allen Benedikt (fundador de 12oz Prophet Magazine y también parte brasileño),
quien junto con Caleb Neelon (también conocido como Sonik) fue el primero en
entrevistarlos luego de un viaje a Brasil en 1997 (enRevista Prophet de 12 oz,número
6; 1998), que se convirtió en la introducción de OSGEMEOS a audiencias fuera
de Sudamérica . [1] : 17-18

Trabaja en Brasil [ editar ]

Ha habido muchos trabajos de OSGEMEOS realizados en Brasil. Debido a que los
sistemas de metro y los trenes son a menudo un objeto de orgullo en las ciudades
brasileñas, y por lo tanto especialmente bien protegidos, no fueron pintados tan a menudo
como en otros lugares (a diferencia de los grafitis en otros países). Pero a principios de la
década de 2000, un par de artistas de graffiti, incluido OSGEMEOS, fueron invitados a
pintar trenes legalmente. [1] : 44 Esto elevó el perfil de OSGEMEOS, ayudándolos a hacer la
transición a trabajos públicos de gran escala, como murales (por ejemplo, el mural de
la avenida Paulista ). [1] : 46 En 2009, pintaron un mural en Vale de Anhangabau, São Paulo,
encargado por el SESC Brasil. [3]Bajo el título "El extranjero", la pieza fue originalmente
programado para ser mostrado durante treinta días, pero la aprobación del público le
permitió mantenerse hasta que la demolición del edificio en 2012. [3] Para la Copa Mundial
de la FIFA 2014 en Brasil, se encargó al dúo para decorar el avión Boeing 737 oficial del
equipo nacional de fútbol . El proyecto utilizó más de 1.200 latas de pintura en aerosol para
representar la diversidad de la cultura brasileña. [4]

Las obras públicas notables [ editar ]

Una cifra por OSGEMEOS, parte de la Tate Modern 's arte de la calle exposición, se retira al final de
la exposición.

Asia [ editar ]
En comparación con Europa, América del Norte y América del Sur, Asia tiene el menor
número de obras de OSGEMEOS hasta la fecha. En 2008, OSGEMEOS pintó varias obras
en Mumbai, India , muchas de ellas todavía visibles en 2016. [5] Más recientemente,
OSGEMEOS exhibió en Art Basel en Hong Kong a través de la galería Lehmann Maupin ,
con sede en Hong Kong y Nueva York. [6]

Lisboa, Portugal

Europa [ editar ]
OSGEMEOS pintó un mural de 16 metros por 10 metros en el centro de Heerlen , Países
Bajos. Esta pintura determina parte del festival cultural Cultura Nova. Fue la fuente de
inspiración del gran acto de apertura en el que el personaje principal cobró vida en
asociación con el grupo francés La Plasticiens Volant. El espectáculo "L'Etranger" fue
estrenado el 29 de agosto de 2008 y fue visto por última vez en Cultura Nova. La pintura
mural continúa conservada y se muestra en el Schelmenhofje en Heerlen, Países Bajos.
En 2008 OSGEMEOS pintó seis murales a gran escala en la Tate Modern de
Londres. Solo una pieza temporal, los murales fueron eliminados después del período de
exhibición de tres meses. [3]
Lisboa, Portugal también presenta muchas obras de OSGEMEOS. [7] En 2010 y 2011,
OSGEMEOS pintó dos murales a gran escala en los costados de los edificios. [8] El
proyecto fue planeado por una comisión pública privada y se considera representativo de
la relación cultural portugués-brasileña. [8]
Otras ciudades en Europa que cuentan con el trabajo de OSGEMEOS incluyen Vilnius,
Lituania ; [9] Milán, Italia ; y Berlín, Alemania .
América del Norte [ editar ]
Su primera exposición individual en los Estados Unidos fue en The Luggage Store en San
Francisco, California en 2003. Como parte del proyecto Dreamland Artist Club 2005,
pintaron un mural de 130 pies en Coney Island en Stillwell Ave. [10] En 2009, OSGEMEOS
pintó su primer mural en Manhattan en la esquina noroeste de Houston Street y
Bowery. [11] La pieza es notable por su composición colorida, fantástica e imaginativa, que
se compara con una obra de realismo mágico . Una de sus obras es una pared en Miami,
Florida, pintada para Art Basel Miami Beach. Otras ciudades incluyen Boston y Los
Angeles. [7]
En 2012, OSGEMEOS pintó un mural público de 70 pies por 70 pies en Dewey Square
en Boston, Massachusetts , que recibió reacciones públicas. [12] La pieza, creada en
colaboración con ICA y Rose F. Kennedy Greenway Conservancy, representaba a una
joven figura amarilla con la cara envuelta en una camisa roja. [12] En un segmento de Fox
25 News, los comentaristas vincularon la imagen a los temores de terrorismo , tras la
guerra del 11 de septiembre, con rabia . [12] [13] Mientras tanto, la fuente crítica generalmente
considera que es una obra de arte públicaincreíblemente exitosa . [12]Como la comisión
original era solo temporal, el trabajo se eliminó según lo programado en 2013. [14]
Fuera de los Estados Unidos, en 2014, OSGEMEOS creó su pieza más grande hasta la
fecha, titulada "Gigantes", para la Bienal de Vancouver en Vancouver, Canadá, en seis
silos industriales. [15] Grande y caro, el trabajo es notable en el sentido de que se pagó a
través del crowdfunding . [15]

Recepción [ editar ]
Bellas artes [ editar ]
OSGEMEOS ha exhibido obras de arte en todo el mundo, incluidas
pinturas, esculturas , instalaciones , dibujos y piezas de performance . [16] Al igual que
muchos artistas callejeros que traducen su trabajo en el mundo de las bellas artes,
OSGEMEOS ocupa una posición difícil entre ambos mundos. [3] Si bien han alcanzado la
aclamación institucional, su trabajo todavía se considera evocador de la cultura del arte
callejero y es representativo del estilo híbrido entre ambos mundos del arte. [3] En la galería
y en la calle, su trabajo ha sido descrito como "fantasías escapistas", notable por su estilo
soñador, ilustrativo y modelado. [17]Los observadores han combinado esta estética de
ensueño con las obras de Hieronymus Bosch y MC Escher . [11]
En 2013, colaboraron con la marca de lujo Louis Vuitton para diseñar una bufanda, junto
con el artista Retna y Lady Aiko . [18] En 2016, una pieza Sin título 2009 de OSGEMEOS se
vendió por más de $ 300,000 en el mercado. [19]
En Chelsea, Nueva York, un retrato de los gemelos fue encargado por un programa de
arte callejero de la ciudad de Nueva York, el New Allen. Pintado por Jorit Agoch, el trabajo
se puede encontrar en Allen Street en Chelsea, NYC . [20]
Citas [ editar ]
Con rabia, dicha y el poder de su simultaneidad, OSGEMEOS ha llegado a significar el
graffiti brasileño para muchos espectadores. [1] : 64
Reconocidos por pintar con spray con una comprensión intuitiva, también han ganado
reconocimiento por sus personajes fantásticos ... [21]
https://en.wikipedia.org/wiki/OSGEMEOS