Arqueologia

UNIVERSIDAD INCA GARCILASO DE LA VEGA
FACULTAD DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN Y TURISMO
PROGRAMA DE PROFESIONALIZACIÓN A DISTANCIA
MUSEOLOGÍA E HISTORIA DEL ARTE
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MARÍA LUISA HUERTA ROSALES UIGV Facultad de Ciencias de la Comunicación y Turismo 1
MARIA LUISA HUERTA ROSALES
LIMA – PERÚ
2005
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MUSEOLOGIA E HISTORIA DEL ARTE
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MUSEOLOGÍA e HISTORIA DEL

ARTE
ÍNDICE.
ÍNDICE ……………………......…………………………………………….…....... 2
PRESENTACIÓN.………………………………………...................…….........… 5
INTRODUCCIÓN ………….………………………….....……….………...………6
ASPECTOS PRELIMINARES……………………………………………………….8
i) Museos, Patrimonio y Turismo Cultural…………………………………….…….8
ii) Propuesta del ICOM para una Carta de Principios sobre Museos y Turismo
Cultural………..………..……………………………………………………………12
Primera parte: Museología…………………………………..………..16

CAPITULO I: MUSEOLOGÍA
1.1 Definición……………………....................……………….………….………....17
1.2 Otras definiciones ………………..............….……………….…………...18
1.3 Museología y Museografía ……………..........................…………….….….18
1.4 Museo………………...........................................................................…......21
1.4.1 Origen..................................................................................................21
1.4.2 Definición.............................................................................................21
1.4.3 Otras definiciones................................................................................21
1.5 ICOM. Consejo Internacional de Museos……......………………………..…23
1.6 Historia de los Museos………………………...........................….....……....23
1.6.1 En Egipto, Grecia y Roma..............................................................23
1.6.2 En Oriente......................................................................................23
1.6.3 En la edad media...........................................................................24
1.6.4 Las primera galerías y gabinetes, antecedentes del museo..........24
1.6.5 Los primeros museos modernos....................................................24
1.7 Autoevaluación del Capítulo I………….......…………………..………….…...26
CAPITULO II: ORGANIZACIÓN DEL MUSEO
2.1 Organización del museo………………………………………………………. 27

2.2 Personal del museo.....................………………………………………….. ...27
2.2.1 Funciones del personal del museo.................................................28
2.2.1.1 Director del Museo......................................................................28
2.2.1.2 Conservadores............................................................................29
2.2.1.3 Restauradores.............................................................................29
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2.3 Que exhibe el Museo...................………………………………………….….29

2.4 Arquitectura del Museo..................................…………………………….….30
2.4.1 Condiciones que debe presentar un Museo..................................30
2.5 Luz y Museos.........................................…………………………………..…31
2.6 Presentación de los objetos en el Museo…………………………………....31
2.6.1 Vitrinas.......................................................................................... 31
2.6.2 Tipo o modelos de vitrinas más usadas........................................ 34
2.7 Utilización de los medios audiovisuales en los Museos...............................34
2.8 Funciones básicas que cumplen los Museos...............................................35
2.8.1 Catalogación...................................................................................35
2.8.2 Restauración...................................................................................35
2.8.3 Conservación..................................................................................36
2.9 Seguridad en los Museos.............................................................................36
2.10 Museos según su Uso................................................................................38
2.11 Clases de Museos. Tipología.....................................................................39
2.12 Listado de Museos Temáticos del Perú.....................................................41
2.13 Algunos Museos Internacionales...............................................................57
2.14 Proyección de los Museos a la comunidad................................................58
2.15 Adquisición de objetos...............................................................................59
2.16 Como se financian los Museos..................................................................59
2.17 Problemática actual…………………………………………………………….60
2.18 Autoevaluación del Capítulo II...……………………………………………. 61
Segunda parte: Historia del Arte …………………………………..62

CAPITULO I I I : ARTE
3.1 Arte. Conceptos básicos........................………………………………..….....63
3.2 Formas artísticas. Conceptos básicos.........................................................64
3.2.1 Arquitectura....................................................................................64
3.2.2 Escultura.........................................................................................65
3.2.3 Pintura............................................................................................65
3.3 Medio de expresión de las formas artísticas …………………………….….66
3.4 Dibujo artístico..............................................................................................66
3.5 Arte e Historia. .............................................................................................67
3.6 Autoevaluación del Capítulo III....................................................................68
CAPÍTULO IV: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL
4.0 Aspecto generales…………………………………………………………….…69

4.1La prehistoria……………………………………………………….………….….70
4.1.1 Arte rupestre …………………………………………….………….….71
4.1.2 Arte mobiliar..………………….………………………….…….….…..72
4.2 Edad de Metales………………….………………………………….…….…….72
4.3 Las primeras culturas de la Historia (Pueblos Orientales): Egipto, Meso-
tamia, Persia y Palestina…………………………………………………….… 73
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4.3.1 Cultura Egipcia…………………………………………………………73

4.3.2 Mesopotamia (Caldeo-Asiria)…………………………………...……77
4.3.3 Persia………………………………………………………………..… 80
4.3.4 Palestina…………………………………………………………...….. 82
4.4 Grecia………………………………………..…………………….………….…. 83
4.4.1 Arte en Grecia ……………………………………..…………………. 83
4.5 Roma………………………………………………………………………….…. 99
4.5.1 Arte en Roma………………………………………………………….…. 99
4.6 Arte cristiano Primitivo S IV……………………………………………………108
4.7 Arte bizantino….…………………………………………….………………… 110
4.8 Arte románico….………………………………………………………………..111
4.9 Arte gótico……………………………………………………………………… 112
4.10 El arte del renacimiento o renacentista……………………………………..114
4.11 El Barroco…….………………………………………………………………..117
4.12 El .Rococó……………………………………………………………………..118
4.13 Neoclasicismo…………………………………………………………………119
4.14 Romanticismo…………………………………………………………………120
4.15 Realismo……………………………………………………………………….121
4.16 Arte moderno o modernista………………………………………………….121
4.17 Impresionismo…………………………………………………………………122
4.18 Del impresionismo a la actualidad: Fauvismo, Expresionismo, cubismo,
futurismo, abstracción pura, purismo, arte abstracto, Orfismo, Super-
realismo, Informalismo, Pop art, Op art,……………………………..…….123
4.19 Autoevaluación del Capítulo IV………………………………………...……127
CAPÍTULO V : HISTORIA DEL ARTE PERUANO.

5.1 Arte Pre-inca……………………………………………………………………128
5.1.1 Periodo Formativo…………………………………………………....132
5.1.2 Periodo de Desarrollo Regionales………………………………… 138
5.1.3 Imperio Wari………………….……………………………………….144
5.1.4 Estados Regionales……………………………………………….....146
5.1.5 Imperio del Tahuantinsuyo…..………………………………….…..153
5.2 Arte Virreynal Peruano……………………………………………………...…160
5.2.1 Ubicación del Arte español en el contexto del tiempo y espacio.160
5.2.1.1 Iconología e Iconografía………………………………..…161
5.2.1.2 Fenómeno de Aculturación………………………………. 162
5.2.2 Técnicas y materiales provenientes de Occidente………………..163
5.2.3 Arte Español y Arte Mestizo en el Perú....…………………………166
5.2.4 Etapas del Arte virreynal…………………………………………….169
5.2.5 Las artes en el virreynato……………………………………………169
5.3 Arte Republicano…………………………………………………………….…174
5.3.1 Pintura costumbrista…………………………………………………175
5.3.2 Pintura Académica……………………………………………….…..176
5.3.3 Pintura Indigenista……………………………………………….…...177
5.3.4 Pintura Contemporánea o Moderna…………………………….… 177
5.4 Autoevaluación del Capítulo V………..…………………………………...…178
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SOLUCIONARIO………………………………………………………………….. 179
ANEXO 1……..…………………………………………………………………… 180
REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA………………………………………………...181
PRESENTACIÓN
La Universidad Inca Garcilaso de la Vega consecuente con sus principios

humanista, científico e histórico – social, en sus 38 años dedicados a la
enseñanza y a la formación profesional ha desarrollado la tecnología educativa
– profesional a distancia para extender los servicios académicos a quienes por
razones de distancia u otras ajenas a su voluntad no pueden acceder a las
clases presenciales.
La validación científica de la propuesta esta basada en los descubrimientos que

han realizado sobre el importante papel que el alumno tiene en el sistema de su
aprendizaje. Además se ha demostrado que la transmisión verbal no es el
método mas apropiado para el desarrollo de nuevos conocimientos. Es
necesario que el sujeto descubra, por sí mismo, la estructura de los
conocimientos que se le ofrecen.
La concepción de una formación profesional a distancia transforma

decisivamente la definición tradicional del papel del docente, del estudiante
receptivo y de la didáctica presencial. El lugar de la palabra magistral en las
aulas tradicionales lo ocupan los materiales educativos de autoaprendizaje. La
lectura y el trabajo individual del estudiante a distancia es el nuevo derecho que
sustituye al tradicional de asistir diariamente a clases. El espacio físico del aula
es sustituido por el domicilio del estudiante: allí es donde recibe las unidades
didácticas, las pruebas y demás comunicaciones con que es atendido,
asesorado y evaluado en sus estudios por profesores tutores de la Facultad.
Dentro de este marco, la Facultad de Ciencias de la Comunicación y Turismo

presenta sus textos de autoaprendizaje desarrollados estructural, coherente y
funcionalmente, por nuestra plana docente de acuerdo con el plan curricular de
las especialidades y que se constituyen en los elementos centrales del proceso
enseñanza – aprendizaje no presencial.
El proceso de elaboración, revisión y mejoramiento de manuales

autoinstructivos sigue una secuencia sistemática y sistémica, que se inicia con
la selección del autor, la asesoría en su elaboración, la opinión técnica de otro
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profesor especialista, el reajuste en su elaboración y la impresión acompañada

por etapas de revisión de pruebas hasta obtener el producto final.
Confiamos en la calidad científico-pedagógica de este material didáctico que

recoge los contenidos de las asignaturas, acorde con las necesidades que la
moderna enseñanza a distancia plantea.
La Dirección del Programa
INTRODUCCIÓN
Museología e Historia del Arte, es un tema vasto, extraordinario y
especializado; de obligatorio conocimiento para toda persona que participe del
mundo del turismo; en particular el Guía de turismo, quien por su labor, de
información directa al turista tiene que conocer el tema, y ser precisamente un guía
en la apreciación, conocimiento e identificación, brindando a los visitantes
información veraz.
En el presente manual auto instructivo, se presenta una síntesis muy

apretada de la historia de este vasto arte universal y arte peruano, que toman
contacto y se nutren mutuamente con la llegada de los españoles a este
continente.
El contenido de esta obra trata: Aspectos preliminares, que enfoca los

temas de Museo, Patrimonio y Turismo cultural; y 5 Capítulos presentados en dos
partes; la Primera consta de Capítulo 1, que trata la conceptualización, definición y
estudio de Museología, museografía y Museo y, Capítulo 2, la Organización,
funciones y presentación del Museo; la Segunda parte está referida
específicamente a exponer temas de Arte y su Historia, el aspecto conceptual
(Capítulo 3) y propiamente la historia del Arte Universal (Capítulo 4) e historia del
Arte peruano (Capítulo 5).
Al tratar el tema de la historia universal se extiende la mención sobre Grecia y
Roma, por ser éstas cuna de la cultura occidental.
En la historia del arte peruano, cada cultura es tratada en el aspecto en que
sobresalieron, desde el punto de vista del arte se describe: la arquitectura, la
cerámica (que da identidad a una cultural), sus técnicas; la pintura, escultura,
diseño y técnicas textiles, trabajos en huesos, madera, piedras preciosas, metales
como oro, plata, cobre, etc. y otros. Cada expresión artística se realiza influenciada
por los acontecimientos que vive el poblador, así producida la influencia occidental
a través de los españoles surge el arte mestizo, con expresiones de las escuelas
limeña, cuzqueña y expresiones regionales, luego viene el arte republicano y el
hoy, arte contemporáneo o moderno.
Se expone como Aspecto Preliminar la relación existente entre Museo,

Patrimonio y Turismo cultural; relación primordial e imprescindible para un
desarrollo sostenible de la actividad turística en el país; ya que el Museo
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desempeña el papel fundamental de mediador, educador, conservador y difusor

del patrimonio; que es la esencia misma del turismo cultural.
Es importante recalcar, que este texto pretende ser una Guía para acercarlo
al tema del arte en el Perú y el mundo; se reitera que el alumno debe incrementar
su estudio con referencias bibliográficas de especialistas e investigadores, debe
además de considerarse necesario, entrevistarse con arqueólogos, artistas
plásticos, historiadores, y otros profesionales en la materia, solo la constante
investigación permite tener información actualizada.
El presente libro pretende además contribuir a orientar al personal que trabaja en
turismo en forma particular; de la relación entre Museo, Patrimonio y Turismo
cultural; relación primordial e imprescindible para un desarrollo sostenible de la
actividad turística en el país.
La autora.
PATRIMONIO
CULTURAL,
ESENCIA
DEL TURISMO
CULTURAL
Obelisco en Quinua
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Centro Administrativo Inca de Vilcashuaman

Fotos: María Luisa Huerta
Iglesia y Plazuela Santa Teresa- Ayacucho Casona colonial

ASPECTOS PRELIMINARES
i) MUSEOS, PATRIMONIO Y TURISMO CULTURAL.

El turismo es una actividad económica y social que sirve para la recreación,
cultura e integración de las personas y para el desarrollo de los países; ya que
incrementa el ingreso de divisas, crea nuevos puestos de trabajo; redistribuye
ingresos, utiliza insumos y bienes nacionales; mejora la infraestructura básica,
eleva el nivel de vida de la población; y, se nutre y valoriza el Patrimonio
histórico cultural y natural.
El turismo es sinónimo de cultura y recreación, podemos definir esta

actividad económica desde diferentes puntos de vista, pero esa es su esencia.
La cultura esta implícita en el viaje o desplazamiento de las personas; al

ser el hombre un ser social que busca integrarse con los pobladores locales y
otros viajeros en los lugares que visita, conoce nuevas personas y sus modos
de vida, costumbres, giros idiomáticos, dichos; su gastronomía, folklore, traje
tradicional, danza y otras manifestaciones; conoce también y, es a veces su
motivo de viaje el conocer manifestaciones artísticas y culturales, visita los
sitios naturales, donde la naturaleza es la creadora, visita también, los centros
arqueológicos, los complejos arquitectónicos, y otros centros de expresión
artística del hombre, entre ellos la artesanía local.
Ante la imposibilidad de visitar todos y cada uno de los centros

culturales, el visitante nacional y extranjero cuenta con una institución que
reúne en forma didáctica, y especializada los objetos artísticos creados por el
hombre en sus diversas etapas históricas; y que tiene función educativa, de
conservación, preservación y difusión de éstos; esta institución es el MUSEO,
que se constituye por ello en atractivo turístico y, en algunos casos de primer
orden.
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Patrimonio,
En el presente libro, se expone de manera general la vastedad y riqueza
del legado del hombre, tanto de la cultura universal, como de nuestra cultura.
El Perú por su rica historia posee un legado sin igual desde vestigios del
precerámico, puntas de flecha etc., hasta las expresiones modernas de hoy;
nuestro país es un país arqueológico, expresado en las manifestaciones
dejados por los antiguos peruanos, que en nuestro territorio y por las
necesidades que le impuso la agreste geografía, fabricaron utensilios y
artefactos (para su aprovisionamiento y defensa), domesticaron plantas y
animales con igual finalidad y en algunos lugares tuvo que construir
edificaciones para su protección; iniciando así su gran desarrollo cultural.
Con promedio de 10,000 años a.C., el antiguo hombre peruano tuvo que
responder ante los retos que le impuso una árida costa, una sierra de difícil
relieve y una selva casi inhóspita, que lo condujo a un desarrollo tecnológico al
construir canales hidráulicos en la tierra (Nazca) y tallados en la roca
(Cajamarca) que le permitió extender y diversificar sus áreas de cultivo,
incluidos el manejo de pisos ecológicos y el uso de terrazas de cultivos y
camellones, logrando así ser una sociedad básicamente agrícola que se
autoabastecía.
La cerámica fue también expresión máxima de su desarrollo cultural,

utilitaria (cuencos, vasos, depositarios), y decorativa (policroma o monocroma)
o de uso ritual o funerario, donde dejaron de manifiesto ilustrado sus
costumbres, tradiciones, alimentos, organización política, cosmovisión.
En arquitectura, desde la estructura de huesos de ballena en Chilca, las

plantas en “U”, hasta la estructura pétrea Inca, (expresiones artísticas de
desarrollo tecnológico y cultural); utilizaron el adobe con sus bien logrados
frisos y policromados en la costa y el trabajo perfecto en piedra de la sierra,
Vilcashuamán, Písac y Macchu Picchu lo atestiguan, destacan Kuélap y Gran
Palatén en la ceja de selva.
Siendo reiterativos, nuestro país tiene un vasto legado cultural, al añadir

a nuestro listado toda la expresión artística producida luego del encuentro con
la cultura occidental a la llegada de los españoles, toda esta producción de
pintura, escultura y arquitectura; la época republicana incrementa este legado,
al igual que la producción de nuestros artistas contemporáneos de renombre
mundial. Todo lo mencionado constituye el patrimonio cultural que posee
nuestro país.
No podemos dejar de mencionar al autor de estas expresiones, animador de la
rica y variada expresión artística, tal vez el recurso más importante que posee
nuestro país, el hombre y mujer peruanos, con su característica hospitalidad,
a los que denominamos “culturas vivas”, y que UNESCO denomina:
"Patrimonio Cultural Inmaterial"; nuestro país atesora un inmenso patrimonio
inmaterial que nos distingue de otros pueblos y otras culturas; y que con una
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afianzada identidad nacional y adecuada conducción y capacitación, es un

recurso de primer orden para el turismo cultural, base sólida para iniciar nuestro
desarrollo.
El patrimonio registra y manifiesta procesos de evolución histórica, representa

la esencia de diversas identidades culturales convirtiéndose en un instrumento
positivo para su crecimiento e intercambio, constituyendo junto a la memoria
colectiva insustituible fundamento para el desarrollo integral de las sociedades
presente y futuras.
Turismo cultural, es una modalidad especializada cuya motivación principal la

constituye el acercamiento, conocimiento y disfrute de valores de los atractivos
culturales, tangibles e intangibles; históricos, naturales, artísticos y sociales.
El patrimonio de los pueblos y de las comunidades es la esencia misma del
turismo cultural, a la que se tiene que dotar de la infraestructura turística
adecuada, debidamente reglamentada y supervisada.
El turismo es uno de los principales sectores económicos a nivel

mundial (6% del PBI mundial en el año 2002) y el Turismo Cultural constituye
hoy un factor de desarrollo para numerosos países.
Se sabe que la actividad turística es un fenómeno económico, de gran

movilización, de incidencia mundial y por lo tanto tiene impacto en la cultura, en
sus expresiones y testimonios y en su patrimonio; por lo tanto, globalización sin
interculturalidad no se puede concebir.
El turismo permite la obtención de divisas que trae progreso y desarrollo a los

países, si éstos cuentan con patrimonios culturales atractivos para motivar el
desplazamiento de visitantes; ya que permite crear nuevos puestos de trabajo,
eleva el nivel de vida de los sectores aledaños; promueve la conservación de
monumentos, sitios, entornos naturales y fomentar además la identidad y
promoción de una imagen del lugar en el ámbito internacional; ya que el turismo
de masas puede conllevar al deterioro de los testimonios del pasado.
El turismo, al atraer la atención hacia el patrimonio, natural o cultural,

tangible e intangible, promueve su conservación y valoración, sobretodo si el
personal encargado informa correctamente al visitante y sobretodo si hay una
comunicación y acuerdo efectivo entre las instituciones estatales y privadas
involucradas. Además otro beneficio del turismo es que genera y promueve la
armonía transcultural, así lo anota la Organización Mundial del Turismo (WTO)
en su declaración de principios y la UNESCO señala también que el turismo
“promueve un diálogo más rico entre las culturas” (UNESCO y el Turismo
Cultural).
Es de obligatoriedad estatal difundir que la promoción y conservación son

tareas que deben ser compartidas por todos, donde el Estado debe dictar los
lineamientos adecuados y asumir responsabilidades en última instancia, éste
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éxito no lo será sino se cuenta con la participación de amplios sectores

sociales, principalmente de las comunidades aledañas a los atractivos
turísticos, quienes se convierten así en las primeras beneficiarias del turismo.
Los especialistas deben buscar líneas de acción, normas de ordenamiento,

pautas que promuevan un turismo cultural sostenible, basado no en un
desmesurado afán de lucro sino en el respeto a los valores y decisiones de las
comunidades, con un mutuo consentimiento, que efectivamente promueva un
mayor conocimiento y respeto entre los pueblos.
Como manifiesta Yani Herreman, Vice Presidenta del Consejo Ejecutivo

del Consejo Internacional de Museos de México, en su disertación “Turismo
Cultural, Patrimonio y Museos en América Latina: Un enfoque Humanista”
realizado durante el Encuentro Latinoamericano, Mayo 200, Trujillo, Perú:
“Indudablemente la cultura es, actualmente, uno de los puntos de interés para
el turismo. La UNESCO, en su Reunión sobre “Cultura, Turismo y Desarrollo”,
retos para el siglo XXI” establecía que “por ser una de las principales
motivaciones para el movimiento de las personas, y por el hecho de que
cualquier forma de turismo produce un efecto cultural, tanto en el visitante
como en el anfitrión, el turismo no podría existir sin cultura”. No es de extrañar
entonces que un porcentaje cada vez más importante de turistas corresponda
al llamado turismo cultural o de patrimonio (Schouten: Museum International:27
:99)”.
En resumen, el Turismo Cultural tiene, un aspecto social muy importante que se

ha multiplicado de manera impresionante debido, en gran parte, a
características propias de esta era post-moderna (facilidades en transporte,
medios de comunicación, el internert,etc). Dentro de estas implicancias
sociales, la UNESCO ha venido trabajando para promover aquellas que
beneficien tanto el respeto y entendimiento entre los pueblos como la
conservación física del patrimonio cultural y aquellas que fomenten e inclusive
revitalicen prácticas, tradiciones y artesanías locales, tomando en cuenta la
investigación que al respecto hagan las ciencias sociales, generando su
sostenibilidad.
El Museo; (tratada con más amplitud en las páginas siguientes),

Como ya se mencionó, el museo es la institución destinada a preservar,
conservar y difundir aquellos objetos que mejor ilustran los fenómenos de la
naturaleza, los trabajos hechos por el hombre; y, su utilización para el
incremento del conocimiento y la cultura.
Hay que recalcar el importante rol que cumplen los museos con relación al
público visitante y los servicios que presta en la conservación y defensa del
patrimonio cultural, siendo un ente que favorece el desarrollo del turismo
cultural.
“Pero al abordar el tema de gestión del patrimonio cultural no se puede dejar de

mencionar el papel de los museos cuyas funciones principales son:
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educativas, de conservación, investigación y como atractivo turístico; un

ejemplo concreto; es el Museo Tumbas Reales de Sipán, donde el
continente y contenido han logrado una perfecta armonía que se proyecta
como un modelo a seguir, quizás esta sea una de las razones por las cuales
la revista Arts News (Abril 2004), lo haya considerado como uno de los diez
museos más importantes del mundo, pero el menos conocido. En este museo
se tiene una completa accesibilidad en todos los campos: física, educativa, de
investigación, difusión y una completa presentación para el consumo cultural.” 1
La importancia de la institución del museo es ya reconocida y valiosa que

el Consejo Internacional de Museos - ICOM a instituido el 18 de Mayo de
todos los años como el Día Internacional de Museos.
Se puede concluir así que los Museos son instituciones prioritarias en la gestión
de la promoción del patrimonio cultural, recurso primordial del turismo cultural,
y, contribuir así, a lograr un equilibrio entre las expectativas de los grupos de
visitantes y al adecuado mantenimiento de nuestros atractivos turísticos, todo
ello mediante la concientización de conservación y preservación del patrimonio
dejado por nuestros antepasados.
ii) Propuesta del ICOM para una Carta de Principios sobre Museos,
Patrimonio y Turismo Cultural. 2
INTRODUCCIÓN.
En concordancia con lo establecido en el Código de Deontología Profesional
del ICOM, el Museo en tanto institución sin fines de lucro y al servicio de la
sociedad y su desarrollo debe, entre otras cosas.
• Favorecer la participación activa de las comunidades y desempeñar su

papel de fuente de educación y mediador cultural al servicio de un
número cada vez mayor de visitantes pertenecientes a cualquier nivel de
la comunidad, localidad o grupo social.
• Desempeñar un papel preponderante en los esfuerzos realizados para
detener la degradación de recursos culturales, según principios, normas
y objetivos de esfuerzos nacionales e internacionales de protección y
valoración del patrimonio cultural.
• Garantizar que los recursos financieros derivados de las políticas o
relaciones económicas no comprometan los principios, normas y
objetivos de esfuerzos nacionales e internacionales de protección y
valoración del patrimonio cultural.
1
Olivera Núñez, Quirino. Ponencia: jornadas de historia en la U. de Piura,
Noviembre 2004. GESTIÓN DEL PATRIMONIO Y TURISMO CULTURAL
2
MUSEO, PATRIMONIO Y TURISMO CULTURAL. Encuentro Latinoamericano, Mayo 2000, Trujillo, Perú
– La Paz, Bolivia, pág. 214
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Igualmente, el museo debe velar para que sus profesionales:
• Se desempeñen en forma adecuada en la protección del patrimonio en

general y de la conservación e investigación de sus colecciones en
particular.
• Respeten el principio de que los museos representan una
responsabilidad pública cuyo valor para la comunidad está en proporción
directa con la calidad de sus objetivos.
• Promuevan el conocimiento y gestión del patrimonio cultural, no sólo con
sus colegas, sino además con los miembros de la comunidad interesada,
con el tacto y respeto que merece la dignidad humana de todos los
pueblos.
La ética en el turismo demanda de los agentes actuantes, que el visitante

combine el conocimiento creativo con el disfrute de su tiempo libre,
favoreciendo principalmente que participe de un contexto social que, siéndole
desconocido, le invita a participar en la vida y saberes locales de la comunidad
anfitriona. Para ello resultan de importancia los aspectos relativos a la
formación del recurso humano partícipe de las actividades de los museos, del
ejercicio cultural y del desempeño de los profesionales en turismo,
especialmente aquellos concernientes a la conservación del patrimonio cultural,
sus principios, normas, objetivos y requerimientos.
El turismo cultural se vincula al patrimonio cuando lo hace a un conjunto de

contribuciones de una cultura, pueblo o comunidad, que muestra a través de
sus expresiones el testimonio de su propia identidad. Esta vinculación es única
y excepcional y constituye un recurso no renovable. El patrimonio cultural no
puede constituirse en un producto de consumo ni establecer con el visitante
una relación superficial. En la medida en que se logre una identificación entre
ambos, el turista podrá tomar conciencia de su valor y de la importancia de su
conservación y así convertirse en aliado de los museos.
Los museos se clasifican tipológicamente atendiendo a la naturaleza de sus

colecciones, y entre mayor sea el atractivo que ejerzan sobre los distintos
públicos, mayor número de visitantes serán capaces de captar. Los turistas se
dirigen preferentemente a museos representativos de la historia, la cultura y las
tradiciones del país anfitrión con el afán de conocer lo que les resulta más
novedoso y particular. Tal es el caso de las instituciones de carácter regional o
local, donde es más directa la relación con las comunidades. Las colecciones
excepcionales de interés universal, tanto de arte, arqueología u otra disciplina
son disfrutadas por un creciente número de turistas como visitantes
permanentes, pero en este caso la relación museo comunidad es más distante.
PRINCIPIO 1
Los museos, dada su propiedad como mediadores culturales y su
diversidad tipológica en cuanto colección, naturaleza pública o privada,
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nacional, regional o local, sus condiciones de pluralidad, singularidad, libertad,

flexibilidad y potencialidad creativa, constituyen un importante recurso para el
Turismo Cultural.
• La legislación para la promoción de un turismo que ampare aspectos
referentes a inversiones e intervenciones en áreas de valor patrimonial,
debe garantizar la prevalencia de la conservación del patrimonio cultural
y natural por sobre los intereses económicos, ante el peligro de
ocasionar daños irreversibles.
• Propiciar una relación planificada y concertada entre las instituciones
museísticas, las del sector turismo y las comunidades.
• Buscar la compatibilidad legislativa necesaria para la defensa del
patrimonio y el desarrollo turístico teniendo en cuenta la convivencia de
distintos niveles de autoridad gubernamental y la existencia de los
diversos sectores sociales interesados, privilegiando la participación de
los representantes naturales de las comunidades locales.
• Los museos deberán privilegiar la autogestión como forma de
redistribución hacia la comunidad de los beneficios socioeconómicos del
turismo cultural, ya que el desarrollo turístico representa una opción
indiscutible para generar recursos. Éstos, debidamente administrados,
pueden revertirse en beneficios directos para las instituciones
patrimoniales, especialmente los museos y las comunidades en las que
están enclavadas.
PRINCIPIO 2
La interacción entre el turismo y los museos es una relación que puede
afectar la conservación del patrimonio natural y cultural incluyendo el de las
colecciones y los valores que transmiten. Dicha relación debe preservar una
ética de la conservación para garantizar la permanencia de los testimonios.
• Los bienes del patrimonio cultural son únicos e irremplazables, su
autenticidad tienen un valor apreciado y su pérdida o deterioro
significaría un menoscabo a la cultura universal. Un turismo responsable
y sostenible reduce al mínimo el impacto y el deterioro de los bienes
culturales.
• Las características del patrimonio cultural demandan responsabilidades
de carácter moral y ético a los profesionales de museos, operadores
turísticos y visitantes, por tanto los programas orientados a la
conservación preventiva deben ser prioritarios.
• El planeamiento del turismo patrimonial debe prioritariamente evaluar el
impacto de visitantes y regular el uso turístico del museo. Dichos
estudios deben tomar en cuenta la adecuada base conceptual y
pragmática consensuada entre los sectores interesados que permita
enfrentar el desafío que implica la incorporación de un recurso
patrimonial en función de su uso turístico.
PRINCIPIO 3
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De cara al turismo cultural, los museos deben promover la participación

activa de las comunidades locales tanto en la planificación de la gestión
patrimonial como de la operación turística.
• Los bienes patrimoniales no pueden desvincularse de las comunidades
que les dan origen y sentido histórico. Los museos están llamados a
favorecer los procesos de identificación, valoración y conservación de
tales manifestaciones, así como del medio ambiente en que se insertan,
mediante la participación crítica de los miembros de las comunidades y
sectores sociales comprometidos con éstos, en el ejercicio y defensa
tanto de sus derechos individuales como de sus derechos colectivos.
• La comunidad debe estar presente en las etapas del diseño,
planificación, ejecución y monitoreo de las actividades que propendan al
uso del patrimonio cultural con fines turísticos. Por lo anterior es
necesario que conlleve tanto procesos de identificación cultural como de
mejoramiento de la calidad de vida de los grupos sociales involucrados
en el hecho cultural.
• La simbiosis sociocultural ente de la actividad turística y los recursos
patrimoniales, con participación libre y democrática de amplios sectores,
deberá ser garantía de la calidad del servicio al turista, de la autenticidad
de los productos ofertados al visitante así como al fundamento del hecho
cultural.
• Los museos deben propiciar que las comunidades gestionen su
patrimonio cultural, para lo cual deben fomentar una capacitación
adecuada.
PRINCIPIO 4
Una relación armónica entre los museos y el turismo cultural debe atender
todos los aspectos constitutivos del museo como infraestructura, calidad de la
colección, sistemas de información y comunicación, actividades educativas y de
exhibición, el personal y la relación con el entorno.
• Los museos deben ser concebidos para todo público, no exclusivamente
para el turismo, aunque los turistas representan una parte importante de
su público. Por su función social deben propiciar experiencias
placenteras de educación y comunicación, donde la información que se
presente sea de fácil comprensión, reduzca al mínimo las barreras
idiomáticas, facilite la comunicación y muestre un personal profesional
debidamente capacitado, tanto para el desempeño museístico como
para la atención al visitante, y una colección adecuadamente
seleccionada y conservada, con los más modernos elementos
tecnológicos disponibles.
• El turismo debe ser una experiencia creativa del uso del tiempo libre, en
condiciones temporales y espaciales fuera de la cotidianeidad. Los
museos deberán crear las condiciones para que sus visitantes los
recorran a su ritmo y disfruten su permanencia. Es importante el
planeamiento de recorridos turísticos mediante programas temporales y
ceñidos a un calendario que satisfagan tanto el ocio de los habitantes
locales como alternativas para el turismo foráneo.
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• Los museos y el turismo cultural deben propiciar la interacción de los

visitantes con la comunidad anfitriona en un marco de respeto hacia los
valores y hospitalidad que se ofrecen.
PRINCIPIO 5
Desde el punto de vista económico, la comercialización del turismo cultural

basado en recursos patrimoniales deberá entender la rentabilidad en su
dimensión económica, social y medio ambiental.
• El planeamiento de proyectos culturales, a partir del museo y el turismo
cultural, debe responder a estrategias de mercados congruentes con las
características del recuso cultural y las comunidades anfitrionas.
• La conservación del acervo depositado en los museos es una
responsabilidad que trasciende cualquier instancia administrativa para
convertirse en una responsabilidad de la nación. Esto no exime a los
museos de asumir sus propios mecanismo de búsqueda de patrocinio y
financiamiento alternativo y tratar de convertirse en instituciones
rentables capaces de generar recursos sin hacer concesiones,
ofreciendo un producto genuino cuya fortaleza esencial radica en ser
excepcionales y portadores de identidad.
• La participación de los museos en circuitos turísticos conlleva el diseño y
oferta cultural complementaria además de convertirse en elementos
integradores en la red de atractivos turísticos de cada lugar, pudiendo
ser, además, puntos de encuentro y de partida de otros itinerarios y
servicios adicionales, tales como sitios de interés turísticos, restaurantes,
transportes, artesanías, etc.
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PRIMERA PARTE
MUSEOLOGÍA
CAPITULO 1 : MUSEOLOGÍA
Contenido:
OBJETIVOS: Al término del Capítulo, el alumno será capaz de:

1.- 1.- Estudiar la Museología su concepto y aplicación. Orígenes y desarrollo.
2.- Conceptuar, analizar y comprender los Museos, su importancia en la

difusión cultural y la presentación al público.
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3.- Conceptuar, analizar, comprender y conocer la aplicación de la

Museología, su diferenciación y apoyo de la Museografía.
4.- Conocer la labor del ICOM. Consejo Internacional de Museos.
5.- El aporte y complementariedad de los Museo a la Actividad turística e

identidad cultural de un país.
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1.1 Definición.- Para acercarnos al tema, nos referiremos en una primera

instancia a lo que dice el diccionario de Real Academia Española.
Museología. (De museo y -logía).

Museo.- m. Lugar en que se guardan colecciones de objetos artísticos,
científicos o de otro tipo, y en general de valor cultural,
convenientemente colocados para que sean examinados.
|| 2. Institución, sin fines de lucro, abierta al público, cuya finalidad consiste en la
adquisición, conse rvación, estudio y exposición de los objetos que mejor
ilustran las actividades del hombre, o culturalmente importantes para el
desarrollo de los conocimientos humanos.
|| 3. Lugar donde se exhiben objetos o curiosidades que pueden atraer el interés del
público, con fines turísticos.
|| 4. Edificio o lugar destinado al estudio de las ciencias, letras humanas y artes
liberales.
Logía.- (Del gr. -λoγία).

elem. compos. Significa 'tratado', 'estudio', 'ciencia'. Mineralogía, lexicología.
Biblioteca de Consulta Microsoft® Encarta® 2003. © 1993-2002 Microsoft Corporation.
Reservados todos los derechos.
MUSEOLOGÍA.- En la primera reunión de Río de Janeiro en 1958, se define a

la Museología como una ciencia que tiene por objeto estudiar las funciones y
organización de museos.
Museología.-
Ciencia que trata de los museos, su historia, su influjo en
la sociedad, las técnicas de conservación y catalogación.
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1.2 Otras definiciones:
IKER LARRAURI, museólogo, define a la museología como la ciencia de los

museos que estudia la historia, su papel en la sociedad, los problemas
específicos de la conservación, educación, relaciones con el medio físico y
clasificación de diferentes museos.
LUIGI SALERNO, nos dice que la Museología se ocupa de todos los

problemas del museo y su fin es estudiar, conservar, relacionar y volver
accesible al presente los testimonios de la civilización.
A. CASTRILLÓN, nos da un concepto más completo, ya que define a la

Museología como una ciencia que se ocupa de dar sentido a los objetos
culturales en el ambiente llamado museo; por medio del diseño y desarrollando
ciertas funciones como catalogación, archivo, conservación, exhibición y
extensión cultural y va a funcionar de acuerdo a ciertos métodos y técnicas lo
cual se ha denominado museografía.
1.3 MUSEOLOGÍA Y MUSEOGRAFÍA.
La museología ordena el material cultural con procesos de explicación al

público, emplea el diseño museológico que viene hacer un método científico
que conceptúa, crea, modifica, dota de significación un ambiente que posibilita
al hombre a un acceso a una experiencia cultural determinada. Es apoyado por
la museografía en lo referente a la presentación y exposición del objeto en
detalles como iluminación, colores, textos, etc.
Conservación
Investigación
Catalogación y
Exposición
Publicidad
CULTURAL
Extensión
Cultural
OBJETO
Archivo
Historia
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Espacio arquitectónico Ayuda a la Museografía
Grafico: Museología: Equilibrio de forma y contenido, da sentido al objeto cultural
MUSEOLOGÍA MUSEOGRAFÍA:
- Catalogación
- Archivo
- Adquisición
- Almacenaje
- Instalación
* Museografía: mouseion (museos), y grafos = descripción
Existen varias propuestas para el diseño museológico, entre ellos tenemos:
PODER DE DECISIÓN
Equipo Interdisciplinario
Conservador- Museólogo- 1) Decisión.-
Arquitecto
OBJETO DE ESTUDIO
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Modelo
Propuesta Teórica
Región Super Institu-
Contexto Realidad Estructural cional
Análisis general Econ.Polit. Museoló-
Diagnóstico
Social gica
Cultural Modelo
Sistema Infra Ambien
Estructural tal
Práctica y Uso
del Proyecto
Formulación
Diagnóstic
Propuesta
Funciones del Museo
Ejecución
Operativa
Análisis particular Necesidades del usuario
Factores de localización
2) Investigación.-
1) Decisión.- el poder de decisión depende del gobierno, ministerios o

instituciones culturales. Es importante que el que tenga el poder de decisión
conforme un equipo interdisciplinario, integrado básicamente por un
conservador-museólogo y arquitecto quienes trabajarán estrechamente para
definir el objeto de estudio, creando su propia metodología de investigación.
2) Investigación.- en este nivel se estudia el contexto político económico,
social y cultural en que se sitúa el objeto con las políticas de desarrollo
pertinentes; además se analiza la región super-estructural y el sistema infra-
estructural.
- En el análisis particular se ven los factores de localización que comprende
la topografía, vías, clima, etc.
- Funciones del museo con la administración y servicios.
- Las necesidades del usuario, comprende el personal administrativo y
público con sus necesidades físico-biológico-psicológico.
- En el diagnóstico se examinan las causas de la situación.
- En la propuesta operativa se determina los tipos de espacios por
actividades y su requerimiento ambiental y de equipo.
- Se formula el proyecto, se pone en ejecución, práctica y uso.
1.4 MUSEO.
1.4.1 Origen.- Museum es una palabra latina, derivada del griego

mouseion, que en principio se refería a un templo dedicado a las nueve
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musas 3. Hasta el renacimiento no se aplicó este término para referirse a

una colección de objetos bellos y valiosos.
1.4.2 Definiciones de MUSEO. Dicc. Edit. SOPENA,

Lugar destinado para el estudio de las ciencias, letras humanas y artes
liberales. // Lugar en que se guardan objetos notables pertenecientes a
las ciencias y artes.
MUSEO.
Definición.- Institución destinada a preservar, conservar aquellos objetos
que mejor ilustran los fenómenos de la naturaleza y los trabajos del
hombre y su utilización para el incremento del conocimiento y la cultura e
ilustración del pueblo.
La diferencia en el concepto de MUSEO, radica en que anteriormente solo se

reconocía como funciones del museo la conservación y educación (f.
pasivas) y en la actualidad se le ha añadido la función de investigación
científica (función activa).
1.4.3 Otras definiciones de MUSEO:
- Es el lugar destinado al estudio de las ciencias y letras en donde se guardan

objetos notables pertinentes a las ciencias y artes académicas.
- Museo, institución que alberga colecciones de objetos de interés artístico,
histórico o científico, conservados y exhibidos para la enseñanza y
entretenimiento del público. (Enciclopedia Encarta).
Para Julio C. Tello (Perú).- Fundador del Museo Nacional de Arqueología y

Antropología. “Museo, era el lugar donde se custodian las reliquias y contribuye
3
Musas, en la mitología griega, nueve diosas e hijas del dios Zeus y Mnemosine, la diosa de
la memoria. Las musas presidían las Artes y las Ciencias y se creía que inspiraban a los
artistas, especialmente a poetas, filósofos y músicos. Calíope era la musa de la Poesía épica,
Clío la de la Historia, Euterpe de la Poesía lírica, Melpómene de la Tragedia, Terpsícore de la
Música y la Danza, Erato de la Poesía amorosa, Polimnia de la Poesía sagrada, Urania de la
Astronomía y Talía de la Comedia.
Se decía que eran las compañeras de Las Gracias y de Apolo, el dios de la música. Ellas se
sentaban junto al trono de Zeus, rey de los dioses, y cantaban su grandeza, el origen del
mundo y sus habitantes, así como las gloriosas hazañas de los héroes. Se las veneraba en
toda la antigua Grecia, especialmente en el Helicón, Beocia, y en Pieria, Macedonia.
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como la escuela a elevar el nivel intelectual y va a capacitar al estudiante en el

conocimiento de las artes, industrias, conocimientos de los pueblos pasados y
presentes”.
Tello expresó que un Museo no se juzga por su arquitectura ni por la rareza de
sus colecciones, sino por la labor teórica y científica que se desarrolla con él.
Funciones del museo: Custodiar, educar y la investigación científica.
Para Lucien Cahem (Francia).- “Museo es una institución que tiene por deber
coleccionar, conservar y presentar al público lo más importante la tarea de
atribución de investigación científica.”
Funciones del museo: Preservar, Seleccionar y conservar y la investigación
científica.
Para Luis G. Lumbreras.- “Museo es un instrumento de lucha ideológica en el

terreno de la educación, tiene un sustento ideológico expresado en su
organización, estructura, servicios, etc.
Funciones del museo: Conservación, Educación (instruye, mucha ideología,
forma conciencia histórica, exalta valores y los explica dentro de su contexto -
tiempo-) y la investigación científica.
Definición de Museo, según el ICOM. Consejo Internacional de Museos.
Título II, Art. 3.- “Museo es una institución permanente, no lucrativa al servicio
de la sociedad y de su desarrollo; abierta al público que adquiere, conserva,
investiga, comunica y principalmente exhibe los testimonios materiales del
hombre y su medio ambiente con sus propósitos de educación, estudio y
deleite”.
Art 4.- El ICOM reconoce como Museo además de los asignados a Institutos de
Conservación y Galería de Exposición, Sitios y Monumentos arqueológicos,
etnográficos y naturales, jardines botánicos y Zoológicos, acuario, viveros, etc.
1.5 ICOM. Consejo Internacional de Museos

El Consejo Internacional de Museos - ICOM, se fundó en 1947. El ICOM es
una organización profesional independiente que, mediante sus comités,
publicaciones y actividades, constituye una tribuna para más de 7.000
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miembros de 119 países. Trabaja en estrecha colaboración con la UNESCO y

otras organizaciones internacionales, su misión consiste en desarrollar nuevos
museos y vincular los ya existentes a través de comités directivos nacionales
que son responsables del organismo central.
Cada tres años se celebra una reunión general del ICOM en un país distinto y
durante los periodos intermedios se reúnen unos 20 comités internacionales.
En mayo del año 2000 se realizó en la ciudad de Trujillo en Perú y la Paz en
Bolivia el Encuentro Latinoamericano de Museo, Patrimonio y Turismo cultural,
patrocinado por el ICOM.
1.6 HISTORIA DE LOS MUSEOS
1.6.1 En Egipto, Grecia y Roma.

El primer mouseion, fundado por Tolomeo I Sóter, alrededor del 290 a.C. en
Alejandría (Egipto); allí se reunían los sabios y eruditos financiados por el
Estado. La edificación constaba de un comedor, sala de lectura, claustro, jardín
botánico, parque zoológico, observatorio astronómico y la famosa Biblioteca de
Alejandría. El museo y la mayor parte de su biblioteca fueron destruidos hacia
el año 270 durante unos enfrentamientos civiles; esta fue incendiada
perdiéndose valiosas colecciones.
En los templos de la antigua Grecia abundaban las estatuas, jarrones, las
pinturas y adornos de bronce, oro y plata, dedicados a las diferentes deidades;
algunas de estas obras se exhibían también para el disfrute del público.
En los templos de la antigua Roma (así como en los foros, los jardines, los
baños y los teatros) se podían contemplar obras de arte. En las villas de
generales y estadistas se exhibían para el goce privado las obras artísticas y el
botín capturado en las guerras.
1.6.2 En Oriente
Antes del año 1000, en China y en Japón las colecciones reales de objetos de
arte se conservaban en los palacios y templos.
Destaca el Shosō-in, parte de un templo de la ciudad japonesa de Nara, que
alberga miles de obras artísticas y objetos religiosos.
1.6.3 En la Edad media

Durante la edad media, las iglesias y los monasterios de Europa conservaban
valiosas joyas, estatuas, manuscritos y reliquias de los santos.
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Durante las cruzadas, a inicios del siglo XII, se añadieron numerosos objetos
procedentes del Oriente Próximo, que llevaban los cruzados a occidente y que
eran exhibidos en ciertas ocasiones.
1.6.4 La primeras Galerías y gabinetes, antecedentes del museo.

En el siglo XVII era habitual exhibir esculturas y pinturas sobre caballetes en los
largos salones o galerías de los palacios y residencias de los más poderosos;
razón por la cual comenzó a utilizarse el término galería de arte para referirse a
un lugar donde las obras se hallan colgadas o dispuestas para disfrute de
propietarios y visitantes.
Las colecciones de objetos artísticos o curiosidades naturales más pequeñas
se guardaban en gabinetes (en italiano, gabinetto, en alemán, Kabinett; ambos
derivados del latín cavea, ‘sitio hueco’ o ‘cueva’).
El gabinete era en principio una pieza del mobiliario, en donde se guardaban
por seguridad los pequeños objetos de valor. Más tarde esta palabra pasó a
designar a una habitación pequeña con la misma finalidad; entre los siglos XVII
y XVIII se fueron abriendo para visita del público.
Las primeras vitrinas se exhibieron en Italia, luego se extendió su uso hacia el
norte en el siglo XVII y se volvieron habituales en toda Europa durante el siglo
XVIII, debido a la prosperidad económica y comercial de la época, que facilitó el
comercio de piezas artísticas.
En el siglo XVIII se fundaron diversos museos de Madrid (España), entre ellos
el de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (que cuenta con
importantes colecciones de arte egipcio, persa y chino y también con amplias
muestras de arte religioso del siglo XVII y con las planchas de diversas series
de grabados de Francisco de Goya y Lucientes). A este mismo periodo se
remonta la sede del Museo del Prado, considerada por numerosos expertos
como la primera pinacoteca del mundo por la gran abundancia de obras de
Rubens, El Bosco, Teniers, los Brueghel, Velásquez, Murillo, Alberto Durero,
Tiziano, Veronés, Lucas Cranach, El Greco, José Ribera, Goya, José Madrazo
o Darío de Regoyos, entre muchos otros grandes exponentes del arte universal.
1.6.5 Los primeros museos modernos

Los museos que conocemos en la actualidad surgen en Europa en el siglo
XVIII, en su mayoría provenían de grandes colecciones reales o privadas.
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En 1750, el gobierno francés comenzó a admitir público, sobre todo artistas y

estudiantes, dos veces por semana, para que contemplaran unos 100 cuadros
colgados en el Palacio de Luxemburgo de París, cuya colección se trasladó
después al Museo del Louvre; este centro tuvo sus comienzos en las
colecciones del rey Francisco I en el siglo XVI y se convirtió durante la
Revolución Francesa en el primer gran museo público. El Museo de Louvre
abrió sus puertas en 1793.
El Museo Británico de Londres fue fundado como institución pública en 1753,
pero los visitantes tenían que solicitar la entrada por escrito. Aún en 1800 era
posible tener que esperar dos semanas para conseguir una entrada, y los
visitantes, en pequeños grupos, sólo podían permanecer dos horas.
Entre otros museos fundados en el Siglo de las Luces, están el Museo Nacional
de Nápoles (1738), la Galería de los Uffizi en Florencia (1743), el Museo Sacro
(1756) y el Museo Pío Clementino (1770-1774), partes de los Museos
Vaticanos y el Museo Nacional de Ciencias Naturales de Madrid (1771). Las
colecciones reales fueron abiertas al público en Viena (1700), Dresde, (1746) y
en el Museo de L`Ermitage en San Petersburgo (1765).
En Estados Unidos, antes de la guerra de la Independencia, se fundaron

museos en las colonias. El Museo de Charleston, en Carolina del Sur (1773),
dedicado a la historia natural de la región, es un ejemplo de los más de 60
gabinetes, galerías y sociedades históricas que se constituyeron desde esa
fecha hasta 1850.
Permanecen hasta la actualidad, la Sociedad Histórica de Massachusetts, en
Boston (1791), el Instituto Smithsonian en Washington (1846), y la primera
casa-museo histórica, la casa de George Washington en Newburgh (Nueva
York), que abrió en 1850.
Como respuesta a una concepción moderna y al mismo tiempo modernista, se
ha creado recientemente importantes pinacotecas en España. Destacan el
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (inaugurado en 1992) y el Instituto
Valenciano de Arte Moderno (IVAM). El relanzamiento de las actividades
museísticas en España, en especial en la década de 1990, hizo posible que
una colección de pintura tan apreciada en el plano internacional como la de la
familia Thyssen-Bornemisza se instalase en Madrid en el reacondicionado
Palacio de Villahermosa, adquirida por el Estado.
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1.7 AUTOEVALUCION DEL CAPITULO I

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Luego de la lectura del capítulo, responda las siguientes preguntas:
1. Museología es:
a) Lugar donde se guardan los objetos de valor cultural.
b) Es la ciencia, tratado o estudio de los Museos, su historia e influencia en la
sociedad.
c) Es el Consejo Internacional de Museos
d) Todas las anteriores.
e) Ninguna de las anteriores
2. Diferenciación en Museología y Museografía:

a) Son sinónimos.
b) Museología es el equilibrio de forma y contenido, da sentido al objeto
cultural, Museografía es la parte descriptiva del museo: catalogación,
archivo, adquisición, almacenaje e instalación.
c) Son conceptos diferentes y no actúan en forma conjunta, son excluyentes.
d) Todas las anteriores
e) Ninguna de las anteriores.
3) ¿Cual es la definición de Museo?

a) Museum es una palabra de origen latina,
b) Las funciones del Museo son conservar y educar
c) Es el edificio que alberga los objetos que exhibe.
d) Institución destinada a preservar, conservar aquellos objetos que mejor
ilustran los fenómenos de la naturaleza y los trabajos del hombre.
4. ¿Que es el ICOM?
a) Instituto de Comercio Mundial
b) Comunidad Organizada de Museos.
c) Consejo Internacional de Museos.
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5. Que fecha se celebra el “Día Internacional del MUSEO”?

a) 28 de Julio b) 31 de Octubre c) 14 de Febrero d) 18 de Mayo
e) Todos los días.
CAPITULO i i: ORGANIZACIÓN DEL

MUSEO
Contenido:
OBJETIVOS.- Al término del Capítulo, el alumno será capaz de:

1.- Conocer la Organización de un Museo, para un eficaz funcionamiento.
2.- Conceptuar, analizar y comprender las funciones del personal que labora
en el Museo en las funciones de Catalogación, Conservación y Restauración.
3.- Establecer las diferencias en la clasificación de los Museos Temáticos. Su

presentación y museografía, para una fácil y rápida información al
visitante.
4.- Conocer como la arquitectura del Museo puede facilitar la exposición de un

Museo temático.
5.- Analizar los Museos y su proyección a la comunidad.
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2.1 ORGANIZACIÓN DEL MUSEO.

En la actualidad, los museos, como organizaciones no lucrativas, están
gestionados por una Administración. Sus miembros son elegidos por sus
cualidades profesionales y de gestión y tienen a su cargo los bienes del museo.
Los administradores forman un organismo político que también toma decisiones
sobre las adquisiciones (siguiendo las recomendaciones del director), cuida del
edificio y de la contratación del personal, y tiene a su cargo los presupuestos, la
captación y la inversión de los fondos económicos del museo.
En el Perú, los museos estatales están bajo la administración del Instituto
Nacional de Cultura (INC), institución que da las pautas y directrices para la
administración de éstos; así como nombra a los directores de los museos.
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2.2 PERSONAL DE MUSEO.

La mayoría de los museólogos coinciden en que una función importante es la
conservación de piezas que se tienen en los museos. Es por ello que se debe
contar con personal altamente capacitado y especializado en el tema.
El personal profesional del museo lo componen conservadores, bibliotecarios,
diseñadores y conferencistas. Algunos museos también cuentan con personal
especializado en el área educativa. Trabajar en un museo está reconocido
internacionalmente como profesión y requiere cierto nivel de educación y
formación académicas que dependen de la función que se vaya a realizar.
2.2.1 FUNCIONES DEL PERSONAL DE LOS MUSEOS
Puesto que los museos existen para reunir, seleccionar, conservar, estudiar e
interpretar diferentes objetos, sus colecciones deben formarse de acuerdo con
objetivos y normas de calidad bien definidas. Los objetos elegidos, siempre que
sea posible, deben ser obras originales, y estar en condiciones aptas para la
exhibición, para el estudio, o para ambas cosas. Deben estar documentados
con información bien organizada y de fácil acceso, estar asegurados y se debe
evitar su destrucción o deterioro.
Su organigrama funcional puede estar integrado por un:

-Director o administrador, es la persona que está a cargo del funcionamiento de
todo el museo. Si es un museo estatal será un funcionario nombrado; si se
trata de un museo privado el administrador puede ser el mismo propietario.
- Sub Director; trabaja conjuntamente con el Director.
- Conservador y restaurador; se encargan de mantener en perfecto estado
todas las piezas del museo (que no sufra alteraciones por el clima, humedad,
hongos o iluminación deficiente).
- Bibliotecario, Archivistas, Equipo de Relaciones públicas, Guardianía,
Vigilancia y seguridad, Equipo de investigadores, arqueólogos, antropólogos,
biólogos, osteólogos, geólogos, museólogos, museógrafos, psiquiatras, etc.
2.2.1.1 Directores de Museo.

Designado el director del museo, este actúa como jefe ejecutivo y recaudador
de fondos. Los directores trabajan en estrecha colaboración con los
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conservadores y con los jefes de los departamentos legales, financieros y de

servicio. La mayoría de los directores son designados entre los conservadores
y deben ser expertos en administración, captación de fondos y relaciones
públicas. También deben tener conocimientos de arquitectura y de diseño, para
contratar, en caso de reformas, o de nuevas instalaciones, los diseños más
adecuados a sus necesidades.
2.2.1.2 Conservadores.
Los conservadores de las colecciones se ocupan de atender a las necesidades
e intereses del museo, de sus departamentos, y de las relaciones con
investigadores y con el gran público. Hoy día, una de las tareas fundamentales
del conservador, además de la configuración de la colección, es el montaje de
las exhibiciones o exposiciones temporales. Como guardianes del legado
nacional y cultural, los conservadores de los grandes museos nacionales
europeos tienen rango de funcionarios.
2.2.1.3 Restauradores
El mantenimiento de los objetos del museo es responsabilidad de los
restauradores, ya sean miembros del personal del museo o asesores
temporales. Su tarea consiste en evaluar las condiciones de temperatura,
iluminación y exposición, hacer recomendaciones para la protección de los
objetos que se exponen o que están almacenados y asegurarse de que los
objetos no se dañen durante los intercambios con otros museos.
Los especialistas en restauración han de tener conocimientos de física y
química, así como formación en historia del arte, métodos arqueológicos,
estudios y medios científicos y técnicas de restauración. En Europa se imparte
una excelente formación en centros como Villa Schifanoia y el Colegio del
Rosario en Florencia, en la Escuela de Arqueología de la Universidad de
Londres y, en Estados Unidos, en el Laboratorio de Conservación del Instituto
Smithsonian, en la ciudad de Washington, y en el Centro de Conservación del
Instituto de Bellas Artes de la Universidad de Nueva York.
En el Perú, los centros de formación en Restauración son: La Escuela
Nacional Superior de Bellas Artes, la Escuela Taller de Lima, Instituto de
Conservación y Restauración “Yachayhuasi” en Lima y otras en provincias.
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2.3 QUE EXHIBE EL MUSEO

EL OBJETO DE ARTE. Lo artístico - Lo estético.
Viene a ser las diversas expresiones de la conducta humana que se plasman
materialmente y se valoran por si mismos.
En los museos se exhibe objetos de arte, todos los cuales encierran en si parte
de la historia y representan un segmento de la vida social del hombre.
Los objetos de arte son variados, pueden ser edificaciones (civil, militar,
religiosa); así también vasijas, armas, utensilios, ornamentos, esculturas,
tallados en madera, huesos, conchas, petroglifos, pintura rupestre en cuevas;
pintura en lienzo, óleos y otros; cestería, textilería, monedas, vehículos, etc.
Algunos de estos objetos son muebles los que pueden ser transportados y los
inmuebles.
Cerámica nazca - Perú
En sí los objetos de arte son cosas “con vida”
(nos transmiten conocimientos, mensajes, “nos
hablan”) que están expuestas en los museos en
las mejores condiciones de presentación tras un
vidrio formando parte de la historia de la
humanidad e indicando su función y el
significado que tuvo para la gente que los hizo,
así con esta importante información
transmitidas, las consideraciones estéticas
ocupan un segundo lugar.
Para presentar los objetos de arte no existe un patrón o modelo, siendo cada
objeto independiente el cual posee diferentes factores para su presentación. El
principio básico es que la pieza a exhibirse tenga un espacio, iluminación y la
tranquilidad adecuada para ser admirada por el espectador.
2.4 ARQUITECTURA DEL MUSEO.

En el Perú específicamente vemos que los locales donde funcionan los museos
son ambientes que han sido adecuados para la exhibición. Hay casas donde se
ha aprovechado la arquitectura de residencias amobladas como, casonas
antiguas que se utilizan como museos, las ex haciendas, todas estos se han
condicionado para constituir museos en los cuales hay que respetar el carácter
de la habitación y mantener la atmósfera original. En este tipo de museos no
hay cambios en la arquitectura.
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Hay también en otros casos que se aprovecha los edificios modernos y se ha

convertido en museo después de haber servido para otras funciones, donde se
adaptan los espacios para la presentación de los objetos; pero en realidad no
existe en todo sentido de la palabra un local que específicamente sea
construido para museo.
La arquitectura de los museos debe cumplir ciertas exigencias y requiere de un
análisis de la tipología del museo para ver su estructura.
2.4.1 Condiciones que debe presentar un museo:

- Ambientes adecuados con calidad espacial.
- Ambientes con iluminación de luz natural
- Análisis de aire y ventilación
- Ambiente de Exposición
- Hall de entrada, Zonas de reposo, Sala de espera, Sala de fumadores, Sala
de Congresos, Zona de administración, Zona de talleres: Conservación,
Investigación, Almacenaje, Archivos; Sala de Ventas, Sala de proyecciones,
Biblioteca, Cafetería – restaurante, Ambientes diversos como estacionamiento
de vehículos, - Otros
Así la arquitectura debe dar satisfacción

a los diversos requerimientos de un
organismo tan complejo como es el
museo.
Grande Galerie del Louvre
El aporte de un arquitecto respecto a un

museo esta referida a la distribución de los espacios, dependiendo de la
tipología de éste. Así se puede proponer la organización del espacio en forma
funcional y dividirlo en espacio público y privado, pueden ser:
a) Espacio público; integrado por la recepción, sala de exposición, servicios,
seminarios, etc.
b) Espacio semi-público; ambientes de reuniones y de animación.
c) Espacio semi-privado; como la sala de documentación para especialistas.
d) Espacio privado; comprende las salas de trabajo, los depósitos,
departamentos de investigación, etc.
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2.5 LUZ Y MUSEOS.

- Anteriormente la luz en los museos no le daban mayor importancia, el ingreso
de luz se obtenía mediante aberturas naturales, ventanas, es decir no había
una estudio en relación con la luz, primeramente se adoptó la iluminación
central que llevó a la construcción de arquitectura grandes y complejas.
- También hubo la idea de filtrar la luz mediante cubiertas de tela, a la que se
denomino Techo velo; este se transformó y presentaba zonas más
transparentes y otras que ocupaban el centro de la sala o zonas inclinadas
para dirigir la luz hacia las paredes.
- También se usó las aletas para dirigir la luz al suelo evitando la incidencia
directa en los ojos del visitante; con el tiempo se han ensayado numerosas
soluciones para mejorar la iluminación y aminorar el deterioro de la obra de
arte y disminuir a la vez el cansancio visual del espectador.
- A finales de 1959 se usó la luz fluorescente que dio grandes rendimientos
luminosos y economía; su uso modificó los sistemas de iluminación llegando
a usarse mezclada con luz incandescente.
- En estos años de adelanto científico, se han ideado luces fluorescentes
especiales para la iluminación de los objetos de arte.
- Las piezas más sensibles a la luz son los textiles, acuarelas, miniaturas,
trabajos en papel, especimenes de ciencias naturales, materias orgánicas; y
las piezas más fuertes son las piedras preciosas, los metales, la cerámica, la
madera, los huesos y objetos de cuerno.
- La decoloración varía y se presenta en un proceso lento el cual se percibe
solo al pasar los años. Lo que se debe evitar es la luz intensa, la luz
deslumbrante, la exposición prolongada, la exposición directa al sol; cuidar la
luz del día que es variable.
Es necesario también tomar en cuenta

la radiación o luz ultravioleta que se
controla con el ultraviómetro, y en
general la luz se controla con el
luxómetro. Lo ideal es iluminar el objeto
solo cuando va ser visto por el
espectador.
Museo Americano de Historia Natural
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El Museo Americano de Historia Natural, en Nueva york, cuenta con 40 salas de exposición y
alberga, entre otras muchas colecciones, un importante conjunto de fósiles de dinosaurio.
Chiasson/Liaison Agency
2.6 PRESENTACIÓN DE LOS OBJETOS EN EL MUSEO.
2.6.1 LAS VITRINAS.

La presentación de los objetos en el museo juega un papel muy importante y
depende de los factores que van con el tipo de arquitectura.
a) En la Casa -Museo.- habrá que respetar el carácter de la habitación y tratar

de mantener la atmósfera original si se trata de una residencia histórica
amoblada.
El uso museográfico es estático ya que conserva el espíritu de la época y es
carente de cambios importantes durante largos periodo de tiempo.
b) En el Edificio adaptado.- es aquel que anteriormente cumplió otras

funciones y que después es utilizado como museo. En este lugar la
presentación de los objetos tiene que superar la inadecuación de la arquitectura
y adaptar los espacios al nuevo uso.
La museografía tiene aquí mucha participación.
c) Museo propiamente dicho.- la tarea de presentación de los objetos es mas

fácil ya que previamente fueron estudiadas en el marco museológico. por otra
parte hay piezas y objetos que se valen por si mismos y se presentan solas y
hay otras piezas que deben ser presentadas de manera que el público pueda
entender fácilmente su uso o significado; para lo cual se ayudan con las
fotografías, croquis, réplicas que son útiles para mostrar el mejor conocimiento
de los objetos originales.
- Hay que cuidar la presentación de las grandes vitrinas repletas de largas

series de objetos, para evitar el amontonamiento y el desorden.
- Son diversos los medios de información que deben ponerse a disposición del
público; para ayudar a la presentación de los objetos tenemos: la visita guiada
tradicional, la etiqueta junto al objeto para lo cual se recomienda brevedad,
dimensión y color adecuado, la foto mural, el catálogo que contiene la
información explicativa específica en lenguaje claro y sencillo, las guías
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escritas, la guías grabadas que le permiten contemplar la obra escuchando

comentarios.
- La sala de audio visuales tiene como fin comunicar y educar.
Las vitrinas son elementos importantes en el equipamiento de un museo y

deben cumplir ciertos requisitos:
1. Función utilitaria, de protección del polvo, los insectos, del clima, del público,
de robos mediante cerrojos, alarmas eléctricas, rayos, incendios y
radiaciones luminosas.
2. Facilidad de acceso para colocar el objeto.
3. Flexibilidad
4. Comodidad para el visitante, comodidad visual y física (alrededor de la
vitrina).
5. Transporte, estar equipada para un fácil y eficaz transporte.
6. Conservación, las vitrinas deben ser resistentes y durables.
7. Fabricación, a cargo de un experto para crear el espacio adecuado.
8. Función estética, la vitrina debe resaltar el objeto que presenta; estas deben
ser fabricadas para el objeto y no el objeto adecuarse a la vitrina, debe
evitarse lo llamativo y debe tener las proporciones y colores adecuados.
2.6.2 TIPO O MODELOS DE VITRINAS MÁS USADAS.

- En forma de mesa, donde los objetos se exhiben en forma horizontal, es el
más indicado para la exhibición de objetos pequeños.
- La vitrina vertical para colocar objetos de pie, algunas van fijas a las paredes
o pueden ser movibles.
- Vitrinas con cajonerías horizontales o verticales, exponen elementos que el
público puede sacar si lo desea.
2.7 UTILIZACIÓN DE LOS MEDIOS AUDIOVISUALES EN LOS MUSEOS.

- Los museos contribuyen a la educación del público y para ello deberán
adaptar sus métodos educativos a las necesidades de la sociedad y al nivel
de las ciencias y técnicas actuales; para ello deberán acondicionar al método
de presentación de sus colecciones con el uso de los medios audiovisuales
para lograr:
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1- Desde el punto de vista educativo, el museo aumenta su eficacia para

exponer y exhibir su colección de objetos de arte; ya que la simple exposición
es estática.
2- El museo utiliza los medios audiovisuales con fines de comunicación para
obtener mayor influencia en el pensamiento humano.
3- Los medios audiovisuales satisfacen a los visitantes que están habituados a
considerarlos como parte del confort contemporáneo.
- Los museos que no usan en la actualidad medios audiovisuales con respecto
a otras instituciones culturales corren el riesgo de no procurar la calidad y
quedarse rezagada.
Los medios audiovisuales deben tomarse como métodos auxiliares en la
función educativa de comunicación cultural. Estos deben ser realizados por
especialistas, para evitar el sensacionalismo, la fantasía y su lenguaje deberá
ser sencillo, su mensaje claro y fondo musical adecuado.
- En un museo los medios audiovisuales pueden estar formando parte de la
exposición, como pueden ser independientes de la visita (antes o después).
Entre los medios audiovisuales tenemos: la multimedia, los films o películas,
slides acompañados de audio sincronizado, maquetas con señales
luminosas, grabaciones sonoras y otros.
2.8 FUNCIONES BÁSICAS QUE CUMPLEN LOS MUSEOS:

Funciones: catalogación, conservación, restauración y reconstrucción.
2.8.1 CATALOGACIÓN.
catalogar.
tr. Apuntar, registrar ordenadamente libros, documentos, etc., formando
catálogo de ellos.
|| 2. Incluir en un catálogo. Los botánicos catalogan nuevas especies cada año.
|| 3. Clasificar, encasillar dentro de una clase o grupo. Te han catalogado como
un vago.
catalogación.
f. Acción y efecto de catalogar.
catalogador , ra.
adj. Que cataloga.
|| 2. m. y f. Persona que forma catálogos.
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catálogo. (Del lat. catalŏgus, y este del gr. κατάλoγoς, lista, registro).
m. Relación ordenada en la que se incluyen o describen de forma individual
libros, documentos, personas, objetos, etc., que están relacionados entre sí.
U. t. en sent. fig.
Biblioteca de Consulta Microsoft® Encarta® 2003. © 1993-2002 Microsoft Corporation. Reservados todos los derechos.
2.8.2 RESTAURACIÓN.
Es una actividad de carácter científico técnico o artístico que procura

devolver a un objeto o monumento la apariencia o imagen que tuvo
originalmente. La restauración va añadir nuevos elementos que de acuerdo a
criterios y principios busca la unidad potencial de la obra.
Para llevar a cabo la restauración:

- Se hará una investigación para ver los materiales y determinar las causas de
su degradación, luego se formulará un proceso de establecimiento estructural
que anule estos factores.
La restauración se diferencia de la reconstrucción, porque ésta no utiliza los
datos auténticos y trabaja con elementos hipotéticos.
La restauración se realiza a cualquier obra de arte, mueble e inmueble y
siempre se debe señalar lo auténtico y lo restaurado.
Esquema de un Informe final de un proyecto de Restauración:

1- Parte informativo
2- Evolución del monumento:
- Breve reseña histórica
- Descripción del área geográfica
- Factores o causas de degradación
- Descripción del estado de conservación
- Investigaciones anteriores
- Análisis de los materiales de construcción
- Análisis de las técnicas constructivas
- Análisis estilístico
3- Justificaciones teóricas del tratamiento
- Propuestas
- Fundamentación teórica
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- Técnicas del tratamiento

4- Ejecución del proyecto
- Objetivos cumplidos
5- Bibliografía
6- Anexos (Fotografías, láminas, otros)
2.8.3 CONSERVACIÓN.
conservación. (Del lat. conservatĭo, -ōnis).

f. Acción y efecto de conservar.
conservar. (Del lat. conservāre).

tr. Mantener algo o cuidar de su permanencia. U. t. c. prnl.
|| 2. Mantener vivo y sin daño a alguien.
|| 3. Continuar la práctica de costumbres, virtudes y cosas semejantes.
|| 4. Guardar con cuidado algo.
conservador , ra. (Del lat. conservātor, -ōris).

adj. Que conserva. U. t. c. s.

Es un proceso técnico-científico obligatorio en las obras de arte y va a

neutralizar los factores de degradación que afectan a la obra.
En la conservación se distinguen las siguientes actividades:
- Desinfección
- Consolidación o refuerzo (agregar sustancias genéricas)
- Fijación (de las sustancias químicas)
- Reestructuración, etc.
Todas ellas con el objetivo de que la obra perdure por mayor tiempo.
Tanto para la conservación y restauración existen ciertos criterios y principios
básicos que han sido dictados en el ámbito mundial para mejorar, perdurar y
cuidar los objetos de arte. Así tenemos la Carta de Atenas, la Conferencia de
la UNESCO, la Carta de Venecia, las Normas de Quito y la Carta de Macchu
Picchu.
La restauración y conservación en los museos se realiza en sus talleres y se
expone en vitrinas de las Salas de exhibición con luz adecuada, humedad
propicia, etc.
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2.9 SEGURIDAD EN LOS MUSEOS.
La seguridad comprende todas las medidas a tomarse para proteger el edificio

del museo y su contenido de los daños que puedan ser causados por acción
humana, natural o fallas técnicas.
2.9.1. La seguridad en los museos depende de los elementos:

- La prevención; teniendo la precaución de vigilar el buen funcionamiento de
las instalaciones de alarma y otros equipos de seguridad para tomar las
acciones correctivas a tiempo.
- La planificación de la seguridad, que está a cargo del Director del museo, esta
se estudia en el diseño museológico.
Cada museo debe contar con una persona encargada de la protección total y
su labora consistirá en planificar, organizar, coordinar, controlar y verificar las
medidas de seguridad tanto las permanentes como las eventuales.
Esta persona deberá tener autoridad sobre el personal para hacer cumplir
todas las normas de seguridad; a él se le consultará sobre visitas especiales,
si se hace la reconstrucción, el personal nuevo que ingresa, etc. Su labor
estará relacionada con el personal administrativo y técnico y deberá mantener
relaciones con los bomberos locales, fuerzas policiales y defensa civil.
Entrenará a los vigilantes y guardianes, supervisa los sistemas de alarma,
entre otros.
Cuanto más valiosas las piezas de un museo, más eficiente y moderno
deberán ser sus sistemas de seguridad.
2.9.2 Labores de los Vigilantes y guardianes:

Los vigilantes deberán estar distribuidos en las salas, pasadizos y jardines. Los
guardianes controlaran la entrada y salida del público y vigilan además el
exterior del edificio del museo.
Cuando el museo cierra sus puertas los vigilantes y guardianes deberán ver
que no quede ningún visitante en el interior del museo y que todos los objetos
estén en su lugar, cerrarán las puertas y ventanas y revisarán las diferentes
instalaciones. Sus uniformes serán diferenciados y fácilmente identificables.
Deberán también recibir capacitación permanente teórica y práctica sobre:
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- Nuevas reglas de seguridad, seguridad específica y actuaciones en caso de

robos, incendios e inundaciones.
- Comportamiento con el público, historia de los museos y colecciones.
- El arte de saber observar de tal manera que un objeto está movido, saber
como manipular los objetos de arte si están en peligro.
- Conocimiento de las diferentes instalaciones del museo
- Manejo del sistema de radio comunicación, sistema de alarma
- Conocimiento de primeros auxilios
- Idiomas
El número de vigilantes depende de la localidad y tamaño del museo. En la

actualidad el Comité Internacional para la Seguridad de los Museos
ICOM/ICSM dicta cursos sobre seguridad en los museos y está dirigido
exclusivamente para personas que trabajan en los museos.
Los peligros que afectan un museo son: los accidentes, la contaminación
ambiental, los movimientos sísmicos, las guerras, los robos, fallos en la luz
eléctrica, pérdidas de objetos de arte, etc.
2.10 Los Museos según su uso, se clasifican en:

- CASA MUSEO.- en este tipo de museo se tiene que conservar el espíritu de
la época de la casona. Sin cambios importantes en la arquitectura.
La atracción de una Casa-museo, invita a la curiosidad e interés por el estilo
de vida del personaje. Ejm. Casa- Museo Ricardo Palma, Quinta Presa y
otros.
- MUSEO DE SITIO.- se les ubica aledaños al resto arqueológico y van a

exponer diversos objetos que han sido recuperados en el mismo lugar.
Este museo se ayuda de maquetas para ilustrar la reconstrucción del sitio.
Ejm: Complejo arqueológico de Pachacamac, Museo de Sitio de Puruchuco,
Museo de Sito de la Huaca Huallamarca y otros.
2.11 CLASES DE MUSEO - TIPOLOGÍA

Se clasifican:
2.11.1. Por la naturaleza de sus colecciones.
a) Museos especializados (temáticos):
- Museos de Arte (Arte prehispánico, Arte Italiano, Arte virreynal, etc).
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- Museos de Arqueología, Antropología e Historia

- Museos de Ciencias naturales
- Museos de Etnografía
- Museos de Tecnología
b) Por el ámbito geográfico:
- Museos Regionales, distritales, municipales, etc.
- Museo Generales, exhiben diversos temas
- Museo de Sitio, es un museo explicativo, que se encuentra aledaño al resto
arqueológico y muestra las actividades que se desarrollaron in situ.
- Museos conmemorativos; en honor de héroes y sus hazañas.
- Monumentos y lugares históricos y otros (Casonas, Zoológicos, Parque
nacionales, etc.)
2.11.2 Por el criterio administrativo.

- Museo público, de propiedad de estado (museos nacionales, regionales,
distritales, universitarios)
- Museos privados; de Sociedades, Fundaciones, Bancos, personas naturales,
Instituciones educativas privadas, Instituciones religiosas (Museo del
Convento de Santa Rosa de Ocopa en Junín).
2.11.3 Museos temáticos (especializados).

Están los museos especializados en determinados temas o áreas. Entre ellos:
2.11.4 Museos Universitarios.

El primer museo relacionado con una universidad se constituyó en Basilea
(Suiza) en 1671. El Museo Ashmolean (1683), que forma parte de la
Universidad de Oxford, fue la primera institución de la Europa occidental que
adoptó el nombre de museo. El Museo Fitzwilliam, fundado en 1816, alberga
las colecciones de arte, antigüedades y monedas de la Universidad de
Cambridge. En Estados Unidos, la actual Universidad de Harvard creó una sala
de curiosidades en 1750 y más tarde se transformó en el Museo de la
Universidad.
En Perú sobresalen los museos de la Universidad Nacional Mayor de San

Marcos, Universidad Nacional Federico Villarreal, Universidad Agraria,
Universidad de Ingeniería, Pontificia Universidad Católica del Perú y otros.
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2.11.5 Museos de historia.

Han tenido gran desarrollo los museos dedicados a la historia nacional, regional
o local, entre los que se engloban tanto museos convencionales como casas,
lugares o distritos históricos. Los complejos al aire libre pueden incorporar
edificios completos o establos, iglesias, talleres y molinos. Este tipo de museo
al aire libre de cultura popular, etnografía e historia social se desarrolló en
Escandinavia a finales del siglo XIX. El Skansen, un museo de la vida
tradicional sueca, se inauguró en Estocolmo en 1891. Hoy día, estas
instituciones son muy populares en Gran Bretaña y también se pueden
encontrar en la Europa del Este, África, América del Norte y Latinoamérica. En
todos los países, la gesta de la independencia y las luchas de los próceres se
han recogido en numerosos museos de historia nacional.
En Perú, Museo Nacional de Historia, Museo Regional de Ica, Museo de Sitio

“Julio C.Tello en Paracas, Ica, Museo de Sipán en Lambayeqye y otros,
2.11.6 Museo de ciencias.

Entre los museos de historia natural más importantes se encuentran el Museo
de Historia Natural de Londres (1881-1885), hoy parte del Museo Británico, el
Museo Americano de Historia Natural (1869) de Nueva York, el Museo de
Ciencias Naturales de Venezuela, el Museo de Entomología de Costa Rica, y el
ya citado Museo Nacional de Ciencias Naturales de Madrid. En Gran Bretaña,
entre los más importantes de antropología y etnología se encuentran el Museo
de la Humanidad (parte del Museo Británico) y el Museo Pitt-Rivers (1884), en
Oxford. Otros museos antropológicos de interés son el Museo Nacional de
Etnología (1837) de Leiden, el Museo de la Universidad de Pennsylvania
(1889), en Filadelfia, el Museo del Hombre (1939) de París, el Museo Nacional
de Antropología (1964) de la ciudad de México y el Museo de América de
Madrid. Los inventos tecnológicos y los avances de la humanidad, en especial
los de la edad contemporánea, son el tema al que se dedican los museos de
ciencias tecnológicas. El Museo de la Ciencia de Londres tiene colecciones
excepcionales. También hay que destacar en este terreno la Ciudad de las
Ciencias y la Industria (1986) de París y el Museo Nacional del Aire y del
Espacio (1976) en la ciudad de Washington. En España, en el terreno de la
ciencia, destaca el Museo Arqueológico Nacional de Madrid, cuyo imponente
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edificio se encuentra rodeado por un jardín que alberga una réplica, a escala
natural, de las cuevas y las pinturas de Altamira. Asimismo son extraordinarios
sus fondos de arqueología ibérica, etrusca, griega y egipcia.
En Perú, Museo de la Electricidad, Museo del Concytec (Tecnología), Museo

del Petróleo y otros.
2.12 LISTADO DE MUSEOS TEMÁTICOS DEL PERÚ

Los museos del país exhiben la riqueza del arte y de los objetos arqueológicos
peruanos; gran patrimonio que apoya el turismo cultural del Perú.
¾ EN LIMA.
MUSEOS TEMÁTICOS:
1. MUSEOS ARQUEOLÓGICOS.
- MUSEO ENRICO POLI.

Reservaciones previa cita. Telefs. 422-2437 / 440-7100
Jr. Lord Cochrane 466 - Miraflores
Colección de Arqueología prehispánica, Oro, Tejidos, Platería Colonial,
Queros, Muebles, Pinturas, Esculturas. También se exhibe pintura, cerámica y
mobiliario coloniales.
- MUSEO NACIONAL DE ARQUEOLOGÍA, ANTROPOLOGÍA E HISTORIA

DEL PERÚ.
Plaza Bolívar, Pueblo Libre. Teléf. 4635070 / 4632009
El Museo es el principal de entre los dedicados al pasado prehispánico
peruano. Desde 1945 ocupa los claustros de un antiguo convento colonial
acondicionado para la exhibición de sus depósitos. Sus riquísimas colecciones
Horario:
Es uno de los museos más importante e interesantes de Lima, el recorrido
cubre toda nuestra historia. Destaca su colección de textiles y cerámica.
Fundado en 1824, es una de las más importantes instituciones culturales del
país, que debe su existencia a la iniciativa del reconocido arqueólogo Julio C.
Tello, organizador del mismo.
Abarcan miles de piezas, procedentes de todo el territorio nacional, que
testimonian la evolución del hombre y de la cultura desde su aparición hasta la
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llegada de los conquistadores españoles. Reúne excelentes ejemplares de

piezas textiles, cerámica, metalurgia, todos ellos dispuestos según los
diferentes periodos establecidos por la ciencia arqueológica. Los materiales
expuestos se complementan con la exhibición de cuadros cronológicos,
dioramas, gráficos y maquetas explicativas.
Las siguientes dos Fichas fueron tomadas de la Ira Encuesta nacional de

Museos realizada por al Arqueólogo Alfonso Castrillón:
MUSEO NACIONAL DE HISTORIA.

Ubicación: Plaza Bolívar S/N Pueblo Libre, Lima
Fundación: 4 - 10 -1963
Colección: Histórica
Nº de piezas: 3,700
NACIONAL DE ANTROPOLOGÍA Y ARQUEOLOGÍA. Instituto Nacional de

Cultura.
Ubicación: jirón Julio C. Tello S/N (Plaza Bolívar) - Telf. 4623282
Fundación: 1824
Colección: Arqueológica - Nº de piezas: 62,960 aprox.
Ambos museos ocupaban locales contiguos, han sido comunicados por un
pasadizo arquitectónico y siguiendo la secuencia histórica para mostrar una
visión más completa de la historia peruana, de allí que hoy se le denomine así.
- MUSEO RAFAEL LARCO HERRERA

Av. Bolívar 1515 - Pueblo Libre Lima 21
Telf. 51-1 461-1312 / 461 1835 Fax . 51-1 461-5640
Inaugurado en 1925, tuvo inicialmente un carácter de colección privada, ya
que sus fondos procedían de la colección particular del hacendado peruano
Rafael Larco Herrera, que éste había adquirido con destino a su hacienda de
Chiclín, en la costa septentrional del país. En 1960, su entonces propietario, el
arqueólogo Rafael Larco Hoyle (descubridor de la cultura de Cupisnique), lo
trasladaría a su actual ubicación.
Integrado por 14 salas, en ellas se pueden contemplar alrededor de 55.000
piezas de cerámica, fundamentalmente de las culturas peruanas del norte:
Cupisnique, Salinar y otras. Entre las secciones que configuran el Museo,
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destaca la dedicada a los huacos eróticos (objetos de cerámica que está

asociado a la fertilidad). Ofrece también notables muestras textiles, líticas y de
metalurgia.
Exhibición de piezas de oro, plata, cerámica, textiles, piedra, madera y otros
objetos de las culturas precolombinas.
Arqueología, Arte Pre-Colombino, Galería Oro y Joyas del Perú Antiguo,
Textiles. Única Sala Erótica
RESTAURANT
webmaster@museolarco.org / http://museolarco.perucultural.org.pe
Información general, historia del museo, exposiciones temporales y visita
virtual, son algunos de los servicios que ofrece esta página.
- MUSEOS MIGUEL MUJICA GALLO

“MUSEOS DE ORO DEL PERÚ” Y “ARMAS DEL MUNDO”,
“PABELLÓN DE CAZA”
Alonso de Molina 1100 - Monterrico Lima 33 - Surco
Fax: 345-1292 / 345-1271 - 345-1787
Horario de atención: Lunes a domingo de 11.30 am a 19.00 pm
E-mail: oroperú@museoroperu.com.pe / www.museoroperu.com.pe
Exposición de arte prehispánico, piezas de oro, plata, cobre y textilería.
Además colección de armas.
- FUNDACIÓN “MUSEO AMANO”.

Ubicación: Calle Retiro 160 Miraflores, Lima 18 - Teléf.: Tel.222-5827 -
4412909 - 4421007
Fundación: 14- Agosto - de 1964 Fundado por el arqueólogo Yoshitaro Amano
Horario: previa cita
Colección: Arqueológica. Colección de gasas, telas pintadas y cerámicas
procedentes de la Cultura Chancay. Además piezas de culturas norteñas y de
la sierra del país.
Nº de piezas: 1,000 en exhibición
- MUSEO DE LA NACIÓN
Av. Javier Prado Este 2465, San Borja (Lima 41) Teléfono 01-4769875
4769878.
Horario de atención: Martes a domingo de 9.00 am a 20.00 pm
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http://www.cosapi.com.pe/INSTITUCIONES/MUSEONAC/MENU.HTM
Exhibe maquetas y dioramas de la vida del antiguo hombre peruano. Circuito
en el que se da cuenta de los primeros habitantes del Perú hasta
manifestaciones del hombre actual.
Exposiciones temporales de arte contemporáneo.
Ocupa un gran edificio de nueve plantas (antigua sede del Ministerio de
Pesquería y Banco de la Nación), aunque los cuatro últimos pisos están
ocupados por una biblioteca, un taller de restauración y las oficinas del
Instituto Nacional de Cultura. No obstante, el Museo cuenta con un amplio
espacio para la exposición de su importante colección. La primera planta tiene
tres salas dedicadas al periodo histórico (que abarca desde las sociedades
recolectoras hasta la producción de cerámica); el periodo formativo (que
abarca la cultura Chavín); y, por último, los desarrollos regionales,
representados por las culturas Nazca, Mochica y de Lima. La segunda planta
esta dedicada a la época de la formación de estados regionales en los Andes
centrales, conocidos como ‘reinos y señoríos’, que dan paso al Imperio inca.
En el vestíbulo principal se exhibe una réplica del famoso Sol de Echenique,
escultura de oro puro, cuyo original se encuentra en la actualidad en USA.
- MUSEO DEL BANCO WIESSE.

Jr. Cuzco 245, Lima 1 - Teléfono (01) 428 6000 anexo 2009
Cuenta con dos ambientes de exhibición: Exhibición de monedas coloniales y
republicanas. También se exhibe cerámica y piezas de oro prehispánicas.
Exposición de pintura cuzqueña. Calcos y fotografías del centro Arquitectónico
El Brujo.
- MUSEO DEL BANCO CENTRAL DE RESERVA DEL PERÚ.

Jr. Ucayali 125, esquina con Jr. Lampa, Lima 1
Teléfono (01) 427 6250 anexo 2657.
Fundación: 20 - Enero – 1982.
Colección: Arqueológica, pintura y Numismática
Nº de piezas: 2,683 piezas arqueológicas, 82 pinturas, 1749 monedas.
Interesante exhibición de arqueología peruana (Cultura Vicús), numismática
peruana y extranjera. Además pinacoteca republicana con obras de
reconocidos artistas como Castillo, Baca Flor, Hernández, Humareda, Sérvulo,
Dávila, Tola, Syszlo y otros. Además realiza exposiciones temporales.
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2. MUSEOS DE SITIOS ARQUEOLÓGICOS
- MUSEO DE SITIO COMPLEJO ARQUEOLÓGICO DE PACHACAMAC

Antigua Carretera Panamericana Sur Km. 31, Lurín, Lima 16
Teléfono: 01-430 5607
Horario: lunes a domingo de 9.00 am a 16.00 pm.
En su Sala de exhibición: Piezas de cerámica, esculturas de madera, textiles,
instrumentos como husos, piruros pintados y utensilios domésticos de las
Culturas Lima e Inca. Sobresale el Ídolo de Pachacamac, tallado de madera y
que fuera encontrado en el lugar en 1938.
Recorrido señalizado, visitas físicas y panorámicas, de acceso para autos y
buses. Cuenta con Tiendas de artesanías, cafetería y Servicios higiénicos.
- MUSEO DE SITIO DE LA HUACA PUCLLANA

Gral Borgoño, cuadra 8, Miraflores (Lima 18) - Teléfono (01) 445 8695
Horario: Miércoles a Lunes de 9.00 hrs a 13.00 hrs y de 13.45 hrs a 17.00 hrs.
Sitio arqueológico y Sala de exhibición con material obtenido en el sitio:
tejidos, cerámica, metalurgia, dieta alimenticia. Casa del artesano.
Parque con flora y fauna representativa.
- MUSEO DE SITIO DE PURUCHUCO.

Carretera central Km 7.5, Ate, Lima 3 - Teléfono 01- 4942641
Horario: Lunes a domingos y feriados de 9.00 am a 17.00 pm.
Piezas arqueológicas del Sitio de Cajamarquilla, Lima y de la cultura Inca
local. Instrumentos musicales, restos óseos, cerámica.
- MUSEO DE SITIO DE HUALLAMARCA.

Av. Nicolás de Rivera 201 San isidro (Lima 27) - Teléfono 01 - 2224124
Horario: Martes a domingo de 9.00 ama a 17.00 pm
Exhiben piezas de cerámica, mates, trabajos en madera (máscaras, cofres),
cestería, instrumentos musicales, mantos, ecología de la cultura Lima y
Pachacamac y de estilos locales tardíos encontrados en el Sitio; Restos de la
Momia de cabello largo (Lucero), reconstrucción hipotética de cómo fue la
Huaca en su época.
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3. MUSEOS DE ARTE PERUANO (COLONIAL, REPUBLICANO Y

MODERNO)
- MUSEO DE ARTE DE LIMA.
Paseo Colón 125 Lima Tel. 4234732 / 4236332 / 4230745
Horario: martes a domingo de 10.00 am a 17.00 pm
Fundación: 10-marzo-1961
Colección: Colección de piezas de cerámica, textiles, líticos, material orgánico
y osamentas de las culturas prehispánicas peruana. Pintura cuzqueña y
mobiliario colonial. Cuadro del instituto de Arte Contemporáneo. Biblioteca,
Filmoteca. Taller de conservación y restauración. Arqueología, pintura
cusqueña y arte actual. Amplios espacio para caminar y pasar un día entero.
Es parte del Parque de la exposición.
Ofrece una visión general del arte de Perú a través de las tres grandes épocas
de su historia: prehispánica, colonial y republicana. Muestra permanente”3000
años de Arte en el Perú”
Del periodo prehispánico pueden admirarse piezas de cerámica, textiles y
metalúrgicas procedentes de todas las culturas que poblaron Perú desde su
horizonte temprano. El periodo colonial está representado por lienzos de
Cuzco y Lima, escultura e imaginería religiosa, mobiliario, platería y marfiles.
Las salas que se dedican al arte de la república incluyen aquellas obras
consideradas representativas de los más notables pintores académicos,
indigenistas y modernos.
El Museo aún posee un atractivo adicional a sus fondos, que es el propio
edificio que lo alberga, antiguo Palacio de la Exposición, construido en 1872.
- MUSEO DE ARTE RELIGIOSO DE LA CATEDRAL DE LIMA.

Plaza de Armas de Lima, Lima 1 - Teléfono (01) 427 5980 - 427 9647
Horario: Lunes a domingo de 10.00 am a 16.45 pm.
Exhibición de objetos litúrgicos. También pintura y esculturas del Siglo XVI del
arte religioso. Una Sala con lienzos de la Escuela italiana de los hermanos
Vassano. Además de restos del conquistador Francisco Pizarro.
- MUSEO DE ARTE RELIGIOSO DEL CONVENTO DE SAN FRANCISCO.

Plaza San Francisco, Jr. Ancash s/n Lima 1-Teléfonos (01) 427 1381 - 4267377
Horario: Lunes a Domingo
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Objetos de arte religioso. Cuadros coloniales de Mateo Pérez de Alesio y de

Francisco de Zurbarán, y su famosas Catacumbas.
- MUSEO DE LOS DESCALZOS - CONVENTO DE LOS DESCALZOS.
Alameda de los Descalzos 202 - (278) tel 4810441 - 481 3433
Horario: Miércoles a lunes de 9.30 am a 13.00 pm y de 15 a 18.00 pm.
Convento y Enfermería
Pinacoteca, con más de 400 lienzos de la escuela cuzqueña, limeña y otros.
* Muestra de pintura colonial, libros corales y ambientes del antiguo convento.
- MUSEO DE ARTE ITALIANO.

Paseo de la República 250, Lima Telf. 4239932
Ubicado frente al Museo de Arte de Lima. Un poco del arte italiano antiguo y
moderno.
- MUSEO DEL VIRREYNATO. - QUINTA DE PRESA.

Jr. Chira 344, Rímac , Teléfono 4813867.
Exhibe mobiliario de la época.
- MUSEO DE ARTE COLONIAL PEDRO DE OSMA.

Av. Pedro de Osma 421, Barranco, (Lima 4)
Teléfonos: (01) 467 0915 - 4670019 - 467 0141
Horario: Martes a domingo de 10.00 am a 13.30 pm y de 14.30 a 18.00 pm.
Platería, pinturas, esculturas y mobiliario de los siglos XVII, XVIII y XIX.
- MUSEO NACIONAL DE LA CULTURA PERUANA.

Av. Alfonso Ugarte 650, Lima 1 - Teléfono (01) 423 5892
Horario: Martes a viernes de 10.00 a 16.30 hrs. y sábados de 10.00 a 14 hrs.
Se exhiben manifestaciones de arte popular de todas las regiones del Perú
desde la época prehispánica hasta la actualidad: cerámica, retablos,
imaginería, platería y textiles. Servicio de biblioteca.
- MUSEO MARINA NÚÑEZ DEL PRADO. BIBLIOTECA FALCÓN

Calle Antero Aspíllaga 300, San isidro, (Lima 27) Telefax 01-4220208
Exhibición de las esculturas de la artista.
4. MUSEO DE HISTORIA E HISTÓRICOS MILITARES
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- MUSEO DEL CONGRESO Y ANTIGUO TRIBUNAL DE LA SANTA

INQUISICIÓN
Jr. Junín 548, Plaza Bolívar, Lima 1 - Teléfono 428 7980 anexo 2537.
Horario: Lunes a domingo de 9.00 am a 17.15 pm
http://www.congreso.gob.pe/museo.htm
Piezas utilizadas por este Tribunal durante los siglos XVII y XVIII.
Ocupa su lugar original en el antiguo local que el Tribunal del Santo Oficio de
la Inquisición de Lima, desde que esta institución fuera implantada en el
virreinato del Perú por el virrey Francisco de Toledo. Junto con el establecido
en el virreinato de Nueva España, era éste el único tribunal que juzgaba y
reprimía los delitos ideológicos y religiosos en las colonias españolas de
América.
El edificio conserva algunos ambientes originales, como la Sala de Audiencias,
recubierta por uno de los más bellos artesonados mudéjares de Lima. En ella
se hallaba la denominada ‘puerta del secreto’, provista de un pequeño orificio
a través del cual declaraban los acusadores, cuya identidad se mantenía en el
anonimato. También se pueden visitar las celdas de los presos, en las que se
conservan algunas inscripciones hechas por los propios reos. Desde 1824,
tras ser proclamada la independencia por el general José de San Martín, este
edificio albergó el Senado o Cámara Alta de la República.
- MUSEO NAVAL CAPITÁN DE NAVÍO J. ELÍAS, Marina de Guerra del Perú.

Ubicación: Jorge Chávez 121-123-126 Callao. Teléfonos (01) 4294793 -
4297278 anexo 6794
Fundado: 14- Noviembre- 1958
Colección: Histórica. Reliquias de la Guerra del pacífico. Recorrido de la
historia marítima y naval del país. Características del litoral peruano. Objetos
personales de los héroes de la guerra del pacífico. Modelos de naves del
mundo y fuerza naval del siglo XX. Multimedia.
- MUSEO DE LA FUERZA DE SUBMARINOS.

Base Naval del Callao, Callao. Teléfono (01) 420 0052.
Se presenta la evolución histórica de nuestros submarinos desde 1912 hasta
la actualidad.
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- MUSEO DEL EJÉRCITO PERUANO. FUERTE REAL FELIPE.

Ubicación: Callao, Fuerte Real Felipe; frente Plaza Independencia
Teléfono: (01) 429-0532
Fundación: 1944
Colección; Histórica: armas y documentos. Reliquias, vestigios históricos,
réplicas y alegoría de hechos, costumbres y tradición histórica del ejército.
Origen y características de la Fortaleza de Real Felipe.
- MUSEO DE LA FUERZA DE AVIACIÓN NAVAL.

Av. Faucett, Callao Teléfono (01) 575 1097
Modelos a escala de la evolución de aeronaves con las que ha contado esta
fuerza.
- MUSEO MEMORIA CORONEL LEONCIO PRADO.

Colegio Leoncio Prado. Av. Costanera 1545 La Perla, Callao 4
Teléfono (01) 4204118 - 4204115
- MUSEO DE LOS COMBATIENTES DEL MORRO DE ARICA.

Jr. Cailloma 125, Lima 1. - Teléfono (01) 427 0958
Horario: Martes a Sábado de 9.30 am. a 16.00 pm
Se exponen reliquias, uniformes, armas, documentos, cartas de archivo de los
Héroes de la Guerra con Chile, especialmente la epopeya de Arica.
- MUSEO DE SITIO PARQUE REDUCTO Nº 2.

Esquina 15 de Enero con Ramón Ribeyro, San Antonio, Miraflores.
Teléfono: 242 0260
- MUSEO ANDRÉS AVELINO CÁCERES.

Av. República de Portugal 258, Breña (Lima 5) Teléfono 01- 423 5884
Exponen objetos y documentos relacionados con la obra y actividad pública
del general Andrés Avelino Cáceres.
5. MUSEOS UNIVERSITARIOS.
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- MUSEO DE ARTE POPULAR DEL INSTITUTO RIVA-AGÜERO.

De la Pontificia Universidad Católica.
Jr. Camaná 459, Lima Telf. 4279275
Horario: Martes a Sábado de 11.00 hrs. a 13.00 hrs. y de 14.00 a 20.00 hrs.
Domingos de 10.00 hrs. a 13.00 hrs. y de 14.00 a 17.00 hrs.
Se exhiben selectas piezas de artesanía popular del país en todas las épocas.
- MUSEO ARQUEOLÓGICO “JOSEFINA RAMOS DE COX”

Del instituto Riva Agüero de la Pontificia Universidad Católica del Perú.
Jr. De la Unión 554, Lima 1 - Teléfono (01) 427 4961.
Horario: Martes a sábado de 10.00 hrs. a 13.00 hrs y de 14.00 a 19.30 hrs.
Domingos de 13.00 hrs. a 17.00 hrs.
Colección de objetos arqueológicos de la Tablada de Lurín y de otros centros
excavados por la Universidad.
Objeto de cerámica ayacuchana y cuzqueña.
- MUSEO UNIVERSITARIO DE LA UNIVERSIDAD NACIONAL FEDERICO

VILLARREAL.
Jr. Cañete697 esq, Nicolás de Piérola, Lima 1 - Teléfono (01) 4251725 anexo
15. Exhibiciones de arqueología y antropología nacional.
- MUSEO DE HISTORIA NATURAL “JAVIER PRADO” - UNMSM

Av. Arenales 1256 Jesús María Tel. 471-0117- 4710434
Horario: Lunes a viernes de 9.00 hrs. a 15.00 hrs. Sábados de 9.00 hrs a
17.00 hrs. y Domingos de 9.00 hrs a 13.00 hrs.
Colección de restos fósiles, flora y fauna de las diversas regiones naturales del
Perú.
- MUSEO DE ARQUEOLOGÍA Y ANTROPOLOGÍA DE LA UNIVERSIDAD

NACIONAL MAYOR DE SAN MARCOS.
Centro Cultural de la Universidad. Av. Nicolás de Piérola 1222, Lima 1
Teléfono: (01) 427 8155 - Fax 427 6799
E-mail: marqcecu@unmsm.edu.pe
Horario: Lunes a Sábado de 10.00 am a 14.00 pm
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Importante colección arqueológica. Exponen piezas provenientes de la Cultura

Chavín de Huántar, de Caral, entre otros. Archivo del arqueólogo Julio C.
Tello. Publicaciones.
- MUSEO DE ARTE E HISTORIA. Universidad Nac. Mayor de San Marcos.

Ubicación: Lima. Av. Nicolás de Piérola 1222, Lima 1
Centro Cultural de la Universidad. Ex Convictorio de San Carlos. Parque
Universitario. Lima. Teléf. 4274870
Colección: Arte popular (en exhibición) - Nº de piezas: 2,013
- MUSEO DE HISTORIA NATURAL DE LA UNIVERSIDAD RICARDO PALMA

Facultad de Biología. Av. Benavides 5440, Surco, Lima 33
Teléfono: 01- 2753624
Especimenes vegetales, animales y paleontológicos. Colección de hepitología,
entomología y peces.
Herbario con plantas provenientes de la sierra y de la selva del país.
- MUSEO ENTOMOLÓGICO DE LA UNIVERSIDAD AGRARIA DE LA

MOLINA.
Av. La Universidad, La Molina, (Lima 12) - Teléfono (01) 3495647 anexo 330
Colección de Ordenes, Familias y Especies de insectos.
6. MUSEOS DE HISTORIA NATURAL.
- MUSEO MULTIDISCIPLINARIO DEL COLEGIO LA SALLE.

Av. Arica 601, Breña (Lima 5). Teléfono 01 - 424 5750
Horario: Miércoles y jueves de 10.00 am a 13.00 pm. Viernes y sábados de
10.00 am a 17 pm y domingos de 10.00 am a 13.00 pm
Exhibición de flora y fauna del país enmarcada en un contexto ecológico.
Multimedia.
- MUSEO ANTONIO RAIMONDI.

Av. Petit Thouars cdra. 10 Santa Beatriz, Lima -Teléfono 471-2990 Previa cita.
Exhibe estudios realizados por el Sabio, sobre plantas en el país durante sus
múltiples viajes realizados.
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7. CASAS MUSEO.
- CASA MUSEO RICARDO PALMA

Gral. Suárez 189 Miraflores (Lima18) Telf. 4455836
Horario: Lunes a viernes de 9.15 hrs. a 12.45 hrs y de 14.30 hrs a 17.00 hrs.
Casa en la cual vivió el ilustre escritor. Se exhibe el mobiliario y objetos de uso
personal del célebre autor de “Tradiciones peruanas”
- CASA MUSEO MIGUEL GRAU.

Jr. Huancavelica 172, Lima 1 teléfono (01) 428 5012
Horario: Lunes a sábado de 9.00 am a 14.00 pm.
Exhibición de fotografías, vestimenta y objetos personales del caballero de los
mares. Colección de cuadros, joyas y documentos de nuestro cuerpo naval.
- CASA MUSEO “JOSÉ CARLOS MARIATEGUI”.

Jr. Washington 1946, Lima 1 - Teléfono (01) 330 6074.
Se muestra mobiliario, libros y escritos originales del gran pensador peruano.
- CASA GOYENECHE.
Jr. Ucayali 358, Lima.
Teléfono: 349 0606 anexo 2349, 2350.
Acceso restringido. Previa cita.
Ubicada en una mansión del Siglo XVIII, posee la colección de arte virreynal y
republicano del banco de Crédito del Perú (Colección privada).
- CASA MUSEO “JULIA CODESIDO”.

Paso de los Andes 500, Pueblo Libre, (Lima 21) - Teléfono: (01) 463 8579
Cuadros y objetos personales de la artista nacional
8. MUSEOS TECNOLÓGICOS
- MUSEO DEL CONCYTEC.
San Borja
- MUSEO DE LA ELECTRICIDAD
Av. Pedro de Osma 105, Barranco, (Lima 4) Telefax (01) 477 6577
Horario: Domingo a jueves de 9.00 am a 17.00 pm
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Viernes y sábado de 9.00 am a 24.00 pm

Desarrollo de la electricidad en el Perú: central de generación y fuentes de
energía. Sala de ahorro de energía. Historia de los Tranvías en Lima. Paseo
en tranvía eléctrico.
Archivo histórico de empresas de electricidad y Biblioteca. Multimedia
- MUSEO NACIONAL DE INFORMÁTICA.

Domingo casanova 146, Lince
Teléfono 222- 3380
- MUSEO GEOLÓGICO DE LA UNIVERSIDAD NACIONAL DE INGENIERÍA.

Campus Universitario. Av. Universitaria cuadra 18, San Miguel (Lima 32)
Teléfono 01- 4602870 anexo 252.
Exhibición de rocas, minerales y fósiles encontrados en el país y en el
extranjero, algunos con hasta 2500 años de antigüedad. También piedras
preciosas y semipreciosas.
- MUSEOS QUE ALBERGA EL PARQUE DE LAS LEYENDAS.

Av. La Marina cuadra 24. Parque de las Leyendas, San Miguel (Lima 32)
Teléfono 01- 4526913
* EXPOPETRO - Museo del petróleo.
Teléfono: 452-6913
Exposición educativa sobre el proceso de transformación del petróleo y sus
derivados.
* LA MINA.
Teléfono: 452-6913
Comprende el proceso de extracción mineral y muestras de
minerales que se encuentran en el Perú. Simulación de una
mina.
- MUSEO AERONÁUTICO.
Base Aérea Las palmas, Surco, Lima 33
Teléfono 01-4770787 - 4772575
Horario de atención: Lunes a viernes de 9.30 a 12.30 hrs. y de 14.00 a 16.00hrs
Réplicas de modelos de aviones de guerra y civiles. Fotografías, dioramas
relacionados con la aviación mundial desde 1903 hasta la actualidad.
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- MUSEO PLANETARIO Y OBSERVATORIO DEL MORRO SOLAR.

Cima del Morro Solar, Chorrillos, Lima 6 - Teléfono (01) 431 3084
Horario: Domingo de 11.30 hrs a 12.30 hrs. De 12.30 hrs a 13.30 hrs.
De 13.30 hrs a 14.30 hrs (por grupos).
Exhibe: Aerolitos precipitados a tierra recuperados en el país. Fotografías,
transparencias, instrumentos científicos como telescopios.
Proyección del movimiento celeste y videos sobre avances científicos
relacionados con el tema. En el siguiente
9. MUSEOS TEMÁTICOS DIVERSOS.

- MUSEO DE AUTOS. Colección Nicolini
Av. La Molina cdra 9 - Urb. El Sol de la Molina - Telfs. 368-0373, 368-1115
Atención: Todos los días de 9 am a 9 pm
E-mail: jnicoliniama@infonegocio.net.pe / www.museodelautomovilnicolini.com
- MUSEO TAURINO PLAZA. DE ACHO
Hualgayoc (332) s/n Rímac Telf. 4823360
Colección de pinturas, fotografías, carteles, indumentaria, armas e implementos
relacionados con el arte taurino. Destacan accesorios de los toreros más
exitosos que destacaron en este oficio.
- MUSEO DE SITIO DEL MIRADOR DEL CERRO SAN CRISTÓBAL.

Cruz del cerro San Cristóbal, Rímac Teléfono 9438918
Contexto histórico del desarrollo del Valle del Rímac y la ciudad de Lima.
Vestimenta y fotografías.
- MUSEO PRESBÍTERO MAESTRO.

Cementerio PRESBÍTERO MAESTRO., Cercado de Lima
Beneficencia de Lima.
El Cementerio Presbítero Maestro ha transformado en museo (anhelo
compartido entre varias instituciones). La Sociedad de Beneficencia de Lima
Metropolitana asumió desde el inicio la propuesta del ICOM-PERU (Comité
peruano del Consejo Internacional de Museos) con la participación y
aprobación del Instituto Nacional de Cultura.
Entre los servicios que brinda es la realización de paseos nocturnos los días de
luna nueva. Previa coordinación.
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- MUSEO DE CRIMINALÍSTICA DE LA POLICÍA NACIONAL DEL PERÚ.

Av. Aramburu 550, Surquillo (Lima 34) Teléfono 01 - 221 8556
Horario: Lunes a domingo de 8.30 am a 18.00 pm.
Colección de monedas de diversos países. Armas y otros objetos utilizados por
delincuentes.
- MUSEO POSTAL Y FILATÉLICO DE LA DIRECCIÓN DE CORREOS.

Jr. Conde de Superunda 170, Lima 1 - Teléfono (01) 428 7931.
Horario: Lunes a Viernes de 8.30 am a 12.30 am y 13.00 a 17.00 pm
Domingos de 8.30 am a 12.30 pm.
Exhibe colección de estampillas y sellos del Perú y del mundo.
- MUSEO DE LA BIBLIA.
Av. Petit Thouars 991, Lima 1 - Teléfono (01) 433 6389
Conjunto de fotografías y réplicas sobre la historia de la Escritura, la Biblia; sus
autores y traductores. La imprenta.
10. OTROS MUSEOS EN LA PROVINCIA DE LIMA.
- En Ancón
- MUSEO DEL CENTRO DE INVESTIGACIÓN ARQUEOLÓGICA DE ANCÓN.
Prolongación Jorge Chávez, Ancón, Lima 2
Exhibición de piezas arqueológicas de las culturas prehispánicas de la costa
central y norte.
En Chancay.
-MUSEO MUNICIPAL DE CHANCAY.
Municipalidad distrital de Chancay.
López de Zúñiga 142 . Chancay teléfono 01-377 1133
Exhibición de piezas arqueológicas de la cultura Chancay. Partes del buque
Covadonga, hundido en el puerto de Chancay.
En Huacho.
- MUSEO MONUMENTAL DE LA MUNICIPALIDAD DISTRITAL DE HUAURA.
Av. San martín, Huaura, Huacho.
Piezas históricas del periodo republicano con la bandera del Libertador,
mobiliario, archivo de documentos históricos, fotografías. Exhibición de
cerámica prehispánica de las zonas de Acaray y Rontoy.
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- MUSEO ARQUEOLÓGICO COMUNAL DE CARQUIN.

Distrito de Carquín, provincia de Huaura, Huacho.
Exhibición de arqueología proveniente del valle
En Huarochirí:
- MUSEO MUNICIPAL SAN JUAN DE IRIS.
Municipalidad distrital, Huarochirí.
Se exponen objetos arqueológicos del Sitio de Markahuasi.
En Pativilca:
- MUSEO DE SITO “FORTALEZA DE PARAMONGA”
Imponente construcción perteneciente a la Cultura Chimú, en su avance de
conquista.
- MUSEO BOLIVARIANO.
Provincia de Pativilca.
¾ EN TRUJILLO, LA LIBERTAD
- Museo nacional de Arqueología, de la Universidad Nacional de Trujillo
- Museo Arqueológico Cassinelli
- Museo de Ciencias Naturales de la Universidad de Trujillo

- Museo del Banco Continental (Arqueología y pintura)
- Museo de Arte Religioso de la Catedral de Trujillo
- Casa-Museo Orbegoso.
¾ EN LAMBAYEQUE
- Museo Brunning, exhibe cerámica pre-hispánica
- Museo Tumbas Reales de Sipán
¾ EN PIURA
- Museo de Arqueología de la Universidad nacional de Piura
¾ EN ANCASH
-Museo Nacional de Arqueología de Huaraz
¾ EN ICA
- Museo Regional de Ica, piezas de la cultura Paracas
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- Museo de Sitio de Paracas
¾ EN AREQUIPA
- Museo de Arte Religioso del la Catedral de Arequipa
- Convento Santa catalina
- Museo de Arqueología
- Museo de la Iglesia de la Compañía
¾ EN CUZCO
- Museo de Arqueología de la Universidad del Cuzco
- Museo de Arte Virreynal
- Museo de Sitio (Macchu Picchu, Sacsayhuaman, Ollantaytambo, Pisac, otros).
- Museos de Arte Religioso de las diversas iglesias cuzqueñas
¾ EN TACNA
- Museo de Arqueología de la Universidad de Tacna
- Museo ferroviario
¾ EN IQUITOS
- Museo de Historia natural
2.13 ALGUNOS MUSEOS INTERNACIONALES

¾ EN ITALIA
- ROMA: Museo del Vaticano
Galería de Arte Moderno
Museo Romano
Museo del Palacio de Venecia.
- FLORENCIA
Museo de la Academia
Palacio del Pitti
- VENECIA
Museo del palacio Ducal
Galería de la Academia
- PISA
Museo Nacional
Museo de Campo Santo
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Conjunto arquitectónico de la Iglesia el Bautisterio

Torre inclinada en la Plaza El Milagro
- MILÁN
Museo Duomo
Museo de la Catedral
- SIRACUSA
Las Catacumbas de San Juan
Gruta del Cordero
Museo de Bellomo
¾ EN ESPAÑA
- MADRID
Museo del Prado
Museo del Palacio Real
Museo Románico
Museo de Arte Contemporáneo
Museo Galdeano
Museo de la real Academia de San Fernando
- BARCELONA
Casa Picasso
Museo Nacional de Arte
- TOLEDO
Iglesia de San Tomé
Casa del Greco
Catedral de Primadu
Hospital de Santa Cruz
Museo del Prado

El arquitecto Juan de
Villanueva proyectó por
encargo del soberano
español Carlos III la
sede del actual Museo
del Prado, una de las
obras maestras de la
arquitectura neoclásica.
Concebido en un
principio como Museo
de Ciencias Naturales,
el monarca Fernando
VII lo transformó en
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una de las pinacotecas más importantes del mundo, reuniendo en sus salas las
colecciones de pintura de Isabel I La Católica, Carlos V, Felipe II, Felipe IV y los
Borbones españoles. Scala/Art Resource/Archivo Fotografico Oronoz
2.14 Proyección a la comunidad de los Museos
Entre las actividades educativas, uno de los objetivos principales de los museos
contemporáneos es la difusión cultural las colecciones mediante muestras
permanentes y exposiciones temporales, programas para escolares en sus
colegios o en el museo, visitas guiadas por el personal del centro o por
especialistas, conferencias y recorridos para adultos, programas de televisión y
radio, proyección de películas y representaciones artísticas. Muchos museos
prestan objetos con cierta frecuencia a otras instituciones para exposiciones y
también organizan muestras itinerantes que visitan otras ciudades. Estas
actividades hacen que los temas especializados estén a disposición de un
público más amplio, (En Perú destaca el Museo de Arte de Lima por realizar
esta tarea).
Los museos de arte suelen publicar catálogos de sus colecciones y
exposiciones, a menudo ilustrados y con información sobre la apariencia física,
la historia y, si lo consideran conveniente, la función que desempeñan los
objetos. En cambio, pocos museos de ciencias y de historia hacen lo mismo.
Los museos de las escuelas universitarias y de las universidades desarrollan
una actividad educativa mediante publicaciones, exposiciones y colecciones.
La mayoría de los museos importantes crean y mantienen bibliotecas para la
investigación y documentación de las colecciones. También cuentan con
instalaciones independientes para las colecciones de diapositivas. Muchos
museos (el Museo Británico, por ejemplo) comenzaron siendo al mismo tiempo
bibliotecas y colecciones de objetos.
El personal de una biblioteca de museo da entrada y clasifica el material para
uso del personal y de los investigadores, y si el personal de la biblioteca y el
espacio lo permiten, para el público. Por lo general, los bibliotecarios tienen un
título académico y a menudo se les exige una formación específica en algún
tema.
2.15 Adquisición de objetos

Se adquieren de diversas formas, donación, recolección en trabajo de campo,
compra de las piezas, recuperación de coleccionistas privados, etc.
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Las colecciones de ejemplares de historia natural y de objetos arqueológicos y

etnográficos se suelen adquirir como consecuencia del trabajo de campo. En la
formación de otro tipo de colecciones son importantes los legados y las
donaciones. La compra de ejemplares o de obras artísticas es una forma muy
costosa de aumentar los fondos, sobre todo por la dificultad cada vez mayor de
encontrar obras de primera categoría en el mercado. Una vez adquirida por el
museo, a la pieza (o en ocasiones, a la colección completa) se le da un número
de entrada único. El objeto se marca de forma clara con este número de modo
que sea visible pero que no afecte a su apariencia o condición.
Además de un catálogo completo de los fondos del museo realizado por el
departamento de registro general, los departamentos específicos realizan
catálogos de los objetos de los que tienen responsabilidad directa y recogen
información que describe o documenta cada objeto de la forma más completa
posible: dibujo o fotografía, referencias bibliográficas pertinentes, informe de las
condiciones en el momento de su adquisición, dimensiones de la pieza, y
fuente y fecha de adquisición. Muchos museos utilizan bases de datos para
agilizar el almacenamiento y utilización de la información del catálogo.
2.16 Como se financian los museos.

Los recientes recortes en el gasto público han llevado a los museos a buscar
nuevas fuentes de ingresos. Entre los medios de captación de fondos se
encuentran las organizaciones de socios (como ejemplo: Los Amigos del
Museo del Prado) y la venta de publicaciones y de reproducciones de obras de
arte de las propias colecciones de los museos. Algunos han optado por el cobro
de la entrada, pero otros se oponen a ello, basándose en que la entrada a las
instituciones educativas y culturales debe ser gratuita. El Museo Victoria y
Alberto de Londres han adoptado como compromiso una política de
contribución voluntaria, con la sugerencia de una cantidad para la entrada.
Algunos museos sólo cobran en exposiciones especiales.
2.17 Problemática actual.

En los últimos años, las grandes exposiciones itinerantes han atraído
multitudes, incluso a mucha gente que no solía visitar los museos con
frecuencia. El pequeño o gran impacto popular de este tipo de exposición tiene
que valorarse todavía con relación a las metas educativas de los museos. A
algunos profesionales les preocupa que la atención de los medios de
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---------
comunicación se centre en estos acontecimientos espectaculares y que los

comisarios desatiendan la investigación, las publicaciones y las actividades
educativas, que son los auténticos objetivos de los museos. Otros arguyen que
esta asistencia masiva sirve para atraer la financiación gubernamental y
privada, y prestar un nuevo apoyo público a los museos.
En nuestro país por el contrario no se cuenta con una asistencia masiva, es un
tema pendiente a resolver por las autoridades educativas, la promoción de los
niños en edad escolar; para completar las lecciones en el aula. Tampoco los
jóvenes y adultos su visita es casi nula; todo ello debido al poco presupuesto
con el que cuentan para la investigación, publicación, mantenimiento y
difusión.
Mención especial es el Museo de Arte de Lima, que cuenta con el apoyo del
Patronato del Museo.
2.18AUTOEVALUACION DEL CAPITULO I

I.___________
1. ¿Cuáles son las funciones básicas que cumplen los museos?
a) Catalogación
b) Restauración
c) Conservación
d) Catalogación, Restauración y Conservación
2. Museo de Sitio es:

-----------------------------------------------------------
----------
--------------------------------------------------
---------
a) Todos los museos, porque ocupan un sitio (espacio físico)

b) Los locales (Casonas, edificios) que se acondicionan para la exposición.
c) Los que están ubicados aledaños al centro arqueológico y van a exponer
diversos objetos que han sido recuperados en el mismo lugar.
d) Las Galerías de Arte.
e) Todas las anteriores.
3. Museo fundado por Yoshitaro Amano en 1964, exhibe la colección

arqueológica de la Cultura Chancay compuesta por gasas, telas pintadas y
cerámica.
a) Museo Rafael Larco Herrera.
b) Museo de la Nación
c) Museo del Banco Central de Reserva del Perú
d) Museo de Sitio de Huallamarca
e) Museo Fundación Amano.
4. Es el Museo que realiza en forma más completa y eficiente su labor de

difusión y proyección a la comunidad en el país; cuenta con el apoyo y
patrocinio del Patronato del Museo:
a) Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia de Pueblo Libre.
b) Museo Presbítero Maestro, (Cementerio de Lima).
c) Museo de la Biblia
d) Museo de Arte de Lima
e) Museo de autos. Colección Nicolini.
5. ¿Cómo adquiere un Museo los objetos a exhibir?

a) Donación de benefactores
b) Recolección en trabajo de campo
c) Compra de las piezas
d) Recuperación de parte del estado de coleccionistas privados,
e) Todas las anteriores
-----------------------------------------------------------
----------
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---------
SEGUNDA PARTE
HISTORIA DEL ARTE
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---------
CAPITULO I I I : ARTE
Contenido:
1.- Iniciarse en el conocimiento del tema del Arte.

2.- Conocer especialmente las artes plásticas: Arquitectura, Escultura y pintura
3.- Conceptuar y estudiar los atributos, características y dimensiones que

brinda el Museo mediante la exposición de diversas formas artísticas.
4.- Tomar conocimiento en lo relacionado al dibujo artístico, su origen, los

instrumentos y soportes más utilizados.
5.- Conocer la ciencia y filosofía del arte, además de los factores para realizar
y también valorar una obra de arte y su proyección cultural a la comunidad
----------------------------------------------------------------------------------------------------------
3.1 ARTE.- Conceptos básicos:
Es una expresión mediante el cual el hombre transforma la naturaleza para

crear una obra (obra expresiva).
El hombre se expresa tomando la naturaleza para transformarla en una obra
creativa. Es una expresión, puede ser una habilidad o destreza.
Arte, acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible, imita o
expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o fantaseando. En
sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u obra que
exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios
patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante todo estar
dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y multiforme
mundo externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas,
colores y sonidos.
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ARTESANÍA.- es una actividad que el hombre puede hacer por sus propios
medios o en forma agrupada. Esta labor artesanal está basada en satisfacer
una necesidad. Es una actividad derivada de un oficio, actividad artística
cualquiera.
ARTE POPULAR.- es el arte del pueblo, para el pueblo, tiene finalidad social.
ARTE Y TÉCNICA.- toda obra artística se valora por la expresión que se logra
por los medios técnicos, la que da valor a una obra artística; lo estético, lo bello
(lo externo).
Técnico: aspecto formal de la obra: Forma externa

OBRA
DE Valor
ARTE
Estético: aspecto bello de la obra: subjetividad
ARTES VISUALES.- En un sentido más general, son las que se relacionan con
la impresión e ilustración, las que se expresan por medio de gráficos e
imágenes; abarca todas las artes que se representan sobre una superficie
plana. Las Artes visuales tienen como función el comunicar lo que el artista
desea expresar por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto a los
elementos compositivos como a los principios compositivos, para que la obra
en sí resulte agradable y de buen gusto para quien la observe.
3.2 FORMAS ARTÍSTICAS. Conceptos básicos:
- ARQUITECTURA
ARTES
- ESCULTURA
PLÁSTICAS
- PINTURA.
* Plástico: es todo lo que puede utilizar el hombre para moldear o modelar.
ARTES - MÚSICA
RÍTMICAS - DANZA
- POESÍA
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3.2.1 ARQUITECTURA
Es el arte de proyectar y construir edificios. También ha sido definida
como “el arte del espacio”; consecuentemente la arquitectura se caracteriza por
su desarrollo en el espacio vacío, en le que se combinan fines estéticos,
expresivos y utilitarios. Por ello al edificar, el arquitecto debe adaptarse a las
necesidades de uso de la actividad humana, erigir una construcción
permanente y sólida, y comunicar contenidos culturales a través de la forma.
En un sentido corriente, la arquitectura es el arte de construir, de acuerdo con
un programa y empleando los medios diversos de que se dispone en cada
época; así podemos definirla como el arte de proyectar y construir estructuras.
La misma tiene un sólido fundamento científico y obedece a una técnica
compleja, por esta razón se dice que solo es arte cuando la construcción es
expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa expresión arquitectónica
es el resultado de todos los elementos constitutivos que emanan esencialmente
de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la obra y el
espacio que lo circunda. De allí cabe resaltar que la arquitectura es el arte de
conformar al espacio, transformándolos. En sus más acabadas
manifestaciones, la arquitectura logra unir la belleza y la utilidad, a tal punto que
una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al fin
para el cual se destina. Es un arte que incluye algo de la ciencia, en lo que se
refiere a creación, plasmación (ejecución).
3.2.2 ESCULTURA
Utiliza casi los mismos materiales; es el arte de crear formas expresivas
de tres dimensiones reales, sean volúmenes cuando emplean materiales
compactos, sean objetos en los que predomina el espacio, apenas delimitado o
indicado mediante ejes que lo recorren, cuando se emplean materiales que
pueden reducirse a hilos, cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. La
primera forma es la tradicional, la segunda se desaprende del carácter que
tiene la escultura de vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad. El
escultor tradicional crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada
de cierta plasticidad, como la cera, y la arcilla húmeda, o tallando materias
duras como la piedra, el granito, la madera, el marfil, o bien haciendo moldes
que le permiten reproducir en relieve lo que aquellos representan en hueco. El
escultor moderno crea formas espaciales utilizando piezas de hierro fundido,
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hilos de alambre, cintas de acero, filamentos de madera, cuerdas de violín y

materiales plásticos variados.
3.2.3 PINTURA
Dibujo, tierras de colores, pigmentos, que los toma de la naturaleza. La
pintura es el arte que representa en superficie plana cualquier objeto real o
imaginario por medio del dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del arte
humano son dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta dejaron
en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres. Desde el
punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco, cuando se aplica a
paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando ha sido
elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre una
tela. La pintura pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la acuarela
emplea colores transparentes diluidos en agua, a la aguada se llama el
procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma y
miel; pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en
ella se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la llamada de
porcelana se usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del
fuego.
3.3 MEDIOS DE EXPRESIÓN DE LAS FORMAS ARTÍSTICAS:

- ARQUITECTURA: tierra, madera, vidrio, ladrillo, etc.
- ESCULTURA: madera, piedra, mármol, metal, arcilla, plásticos, etc.
- PINTURA: el color; blanco es luz que se descompone en siete (rojo, azul,
amarillo, verde, violeta, índigo. Negro es ausencia de luz.
Colores primarios: rojo, azul, amarillo; colores secundarios: naranja, verde
- MÚSICA: el medio expresivo es la nota musical que crea el sonido.
- DANZA: el movimiento corporal.
- POESÍA: es la palabra oral o escrita.
3.4 DIBUJO ARTÍSTICO.
Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y

contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la
apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas
coloreadas de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar
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gráficamente sobre una superficie plana las dimensiones objetos que, por lo
regular, tienen tres. También debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base
de toda creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar
la forma de un objeto por la línea, un trazo y juego de sombras y luz.
Lo que caracteriza al dibujo es la imitación de las formas mediante líneas; esto
lo diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra
mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo
pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte
independiente.
Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general los
instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el
carbón, pastel, óleo y otros.
El hombre prehistórico adornaba los muros de las cavernas, utilizando buriles y
raspadores de sílice u obsidiana, clavos, alfileres, etc. Las pinturas
primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas
empleando pinceles de plumas o de madera astillada, marfil o hueso. Los
colores consistían en tonos negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos
mediante la pulverización de arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo
mezclados con grasas o con jugos vegetales.
3.5 ARTE E HISTORIA

Siendo el arte entre todos los fenómenos sociales el más libre, autónomo o
individual, en virtud a que el artista es un ente social, su estudio es esencial para
llegar a la comprensión de un periodo histórico artístico.
No siempre debe considerarse que la obra de arte es un fruto exclusivo del artista,
sino que es un la resultante de causas y acciones colectivas, porque este está
sujeto al medio ambiente en que se desarrolla su existencia, como a las
influencias recibida por sus predecesores y de las formas circundantes. Sin
embargo el artista es libre de ejecutar su obra; por ello la obra artística tiene mucho
de la social y de individualidad.
El alma del artista se proyecta totalmente sobre su obra, no por ello se desliga
totalmente de los sentimientos inherentes a la colectividad a la que pertenece.
El artista por ser un hombre de su raza, de su época, de su momento histórico,
necesariamente tiene que proyectar conciente e inconscientemente en su creación,
las ideas, de su tiempo, los sentimientos y preocupación de su medio ambiente,
pero esencia individual y como actuante independiente y autónomo, se diferencia
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de los demás e interpreta a su modo los problemas del mundo externo, generando
así su propio estilo.
Por ello existen dentro de un mismo lugar diferencias entre un artista y otro, siendo
en definitiva este factor diferencial al que califica y define la esencia de la obra
artística. En consecuencia, las ideas y sentimientos del pueblo en virtud a su
conexión con las demás culturas, el arte no se puede separar de la historia.
3.6 AUTO EVALUACIÓN DEL CAPITULO III

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1. ¿Qué es Arte?
a) Es una expresión mediante la cual el hombre transforma la naturaleza para
crear una obra.
b) Es toda creación u obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar,
obedeciendo a sus propios patrones de belleza y estética..
c) Es el acto donde el hombre valiéndose de la materia o de lo visible, imita o
expresa el hombre lo material o lo invisible.
d) Todas las anteriores.
e) Ninguna las anteriores.
2. Las artes plásticas son:

a) Arquitectura, Escultura, Música
b) Escultura, Pintura, Danza
c) Arquitectura, Escultura, Pintura
d) Música, Danza, Poesía
3. Los factores para valorar una obra de arte son:

a) Sensibilidad, imaginación, capacidad interpretativa.
b) Capacidad creadora, conocimiento, capacidad interpretativa.
c) Solo conocimiento.
d) Sensibilidad, Conocimiento y capacidad interpretativa
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4. Historia del Artes es:

a) El estudio de las formas artísticas y su evolución a través del tiempo y del
espacio.
b) El estudio de las artes en general.
c) El estudio de los hechos históricos.
5. Tarea.
Visitar 3 Museos temáticos a su elección y poner el práctica los factores
para valorar una obra de Arte.
CAPÍTULO IV: HISTORIA DEL ARTE

UNIVERSAL
Contenido

1.- Tener conocimientos básicos para emprender una mayor investigación
sobre la apasionante historia del arte universal.
2.- Estudiar la historia del arte, para usarla como fuente fidedigna de los temas
de exposición en Museo.
3.- Establecer y estudiar la evolución y desarrollo de las formas artísticas al

ser influenciadas por los nuevos conocimientos y diversas corrientes de
pensamiento político, social, religioso, económico y hoy ecológico del hombre.
4.- Valorar en su real dimensión el aporte cultural de la cultura Griega y romana

en el desarrollo artístico, cultural y científico de Europa y a través de ella a
América.
5.- Analizar como las corrientes artísticas son también formas de comunicar
una opinión contraria, al reaccionar ante hechos o pensamientos, dan lugar a
nuevas corrientes artísticas.
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4.0 Aspectos generales.
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El arte aparece con el hombre en la búsqueda de hechos mágicos y

sobrenaturales con el objetivo de satisfacer sus necesidades y unido a ello el
descubrimiento de sus sentidos; surge así aprecio por el medio que le permite
su supervivencia, desarrollándose en el, valores y sensibilidad.
Como restos tangibles nos ha legado las pinturas rupestres, petroglifos, los
geoglifos, posteriormente, textiles de fibras vegetales, en algodón, lana
policromados, estructuras que uso como vivienda, palafitos, dólmenes, plantas
en U y otros.
Con el avance cronológico y el acopio

permanente de experiencias y
conocimientos, unido al razonamiento,
surge la cultura y el legado son lienzos,
esculturas de diversos materiales,
cerámicas inicialmente rudimentario y
de tipo utilitario hasta llegar a la belleza y plasticidad de vasos vidriados y
policromados; en general destaca la expresión interior del hombre en el mundo
y su medio ambiente, para poder apreciar con más detalle, presentaremos la
evolución y desarrollo de la expresión artística humana en los siguientes
periodos:
4.1. LA PREHISTORIA.
Abarca desde la aparición del hombre hasta la aparición de la escritura y que

es parte importante de la cultura del hombre.
....debe entenderse como Historia todo aquello que concierne a los hechos de
los hombres, supieran o no escribir. Llamamos prehistoria, como comodidad, a
todo aquello anterior a una Historia, que pueda ser conocida por la escritura.
Existe, sin embargo, una razón científica para esta definición y ésta es
que existe un “modo de vida prehistórica”, que cabe distinguirlo del modo de
vida histórico, en el sentido siguiente: La vida que llamamos prehistórica es
rudimentaria, de pueblos cazadores y trashumantes, desconocedores de
muchos adelantes técnicos que hoy considerando imprescindibles de la vida
humana. 4
4
Ballesteros Manuel “Breve Historia de la Cultura”, 1963 Ediciones La Ballesta, Madrid, pag 13
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La cultura es lo que el hombre hace, lo que el hombre hereda y lo que

constituye el patrimonio de la humanidad. 5
La cultura peruana en su desarrollo tuvo

su encuentro con la cultura occidental con
la llegada de los españoles a nuestro
territorio, produciéndose el fenómeno de la
transculturación; cuando llegan éstos a
América, en Europa estaba en apogeo el
estilo Renacentista.
La Arqueología apoyada por la Geología han podido determinar la cronología

de la historia primitiva del hombre; esta se divide en dos grandes periodos:
- Edad de Piedra y Edad de los Metales.
PRE - HISTORIA
Edad de Piedra Edad de los Metales
Mes
ol. Paleolítico Neolítico Bronce Hierro
- Representaciones - Pierda pulimentada

de animales (cavernas):
pinturas rupestres (en
pared o parietal)
- Arte movbiliar: escultura,
Arquitectura.
En el paleolítico inferior (25,000 a.C.), de clima crudísimo, tiempo de

glaciaciones, que obligaron al hombre a refugiarse en el interior de las cuevas.
En el paleolítico superior, se da una serie de avances en lo referente a la
convivencia y la cultura; la industria de la piedra de multiplica y diversifica
5
Ballesteros Manuel “Breve Historia de la Cultura”, 1963 Ediciones La Ballesta, Madrid,
España.
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(puntas de flecha, raspadores, cortadores, agujas, punzones, etc.). Encontraron

el sentido mágico de las cosas; surge paralelamente el sentido del orden y la
jerarquía (ley del más fuerte) y sobre todo el hombre saca de su propio espíritu
sus mejores creaciones: el arte.
El arte prehistórico se divide en: arte rupestre (en los interiores de la cuevas)
y arte mobiliar (figurillas, grabados en astas de ciervos, renos y otros).
¾ 4.1.1 Arte rupestre. Pintura :

Representaciones de formas de animales, escenas de caza, dibujo en pared
o hueso parietal.
Existen muchas cuevas en diversos lugares en el mundo (donde se asentaron
en su etapa nómada). Destacan:
- Cuevas de Altamira: Formas reales con se realizan estos dibujos: bisontes,

renos en diferentes actitudes de caza; los colores utilizados son: ocre, amarillo,
rojizo, negro (materiales minerales, grasa y sangre de animales).
- Las paredes de las cavernas son medio húmedos, de allí su conservación.
Popularmente es conocida como la “Capilla Sixtina” del arte rupestre.
En el Perú: sobresalen:
* Las Cuevas de Toquepala en Moquegua y Lauricocha en Huánuco; ambas
con dibujos similares, escenas de caza individual o colectivo (chacco) de
alpacas, llamas, vicuñas, guanacos.
¾ 4.1.2 Arte mobiliar: Escultura.

Se han encontrado tallas en hueso, madera, marfil, con escenas de caza,
pequeñas formas de representaciones femeninas (fertilidad) con el vientre
abultado, senos desarrollados (escultura en bulto-relieve), “Venus de
Willendorf” en Europa y Curayucu en Perú.
En alto y bajo relieve formas masculinas, animales de diferentes formas y
actitudes.
* También hay cuchillos de piedra para la caza y quitar las pieles de animales;
grabados con incisiones sobre rocas (petroglifos).
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En el Neolítico, el hombre se hace agricultor y ganadero (deja la trashumancia),

todo en forma inicial, pero es soporte para que más tarde conozca la cerámica,
el tejido y la arquitectura, todo ello para satisfacer sus necesidades básicas.
En la sociedad neolítica surge la primera célula social, que es la familia,
formando grades grupos, unidos por el parentesco. En este grupo surgen los
conceptos de organización social y poder; posteriormente los poblados y para
su orden y control: la jerarquía, mando, sacerdocio, etc. y para su seguridad
las construcciones y también las primeras artesanías.
La arquitectura surge principalmente para preservar los restos de los

antepasados del hombre (de los ataques exteriores de alimañas) y
secundariamente, pero importante, para su protección y albergue.
Los primeros monumentos megalíticos que levanta son: los Dólmenes
(formados por dos piedras verticales y una horizontal, como una mesa), los
menhires (grandes piedras a manera de obeliscos, agrupados o en círculos -
cromlech-) y las cistas caja sepulcral, de forma sepulcral, cuadrado o
trapezoidal construida con losas de piedra).
4.2 EDAD DE LOS METALES.

Se desarrolla en los 2000 a 1,000 a.C. casi coincidente con el surgimiento de la
cultura egipcia.
Los metales se utilizaron con fines decorativos u ornamentales en vasijas,
aretes, pulseras, brazaletes, collares; además del bronce utilizaron oro y plata.
La mayor actividad se ha registrado en la zona de España y Francia,
descubriéndose instrumentos de guerra, puñales, pecheras, corazas, correajes
para decorar y sostener la cintura del guerrero.
Se encuentran formas de coronas, diademas con incrustaciones de piedras
preciosas, botones, pulseras en hierro (utilizadas en la guerra), también en
vasos, copas, ollas de uso doméstico e industrial; aparecen cinceles de metal,
horquillas (para sostener cabelleras).
4.3 LAS PRIMERAS CULTURAS DE LA HISTORIA (PUEBLOS

ORIENTALES): Egipto y Mesopotamia, Persia y Palestina.
Las primeras culturas históricas se desarrollaron en los valles regados por los
ríos Nilo y Tigris, Eufrates; estos grupos prehistóricos (nómada y sedentario)
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lucharon por la tierra fértil y finalmente ambos se asentaron en el lugar

precisamente por la fertilidad de la tierra que les proporcionó el sustento y una
vez asentado en el lugar el hombre inicia su actividad cultural.
4.3.1 CULTURA EGIPCIA.
El valle de Egipto es un territorio muy fértil debido al desborde anual de sus

aguas (que inunda el valle) en junio hasta fines de setiembre, temporada en la
que inicia la regresión de las éstas, dejando una espesa capa de limo negro
que fertiliza, proporcionando abundante y fecunda tierra de cultivo; al no
conocer el origen de esta inundación divinizaron el río.
4.3.1.1 Historia.
Menes, personaje mítico fue el fundador de Egipto, que organizó el territorio al
Alto y Bajo Egipto, creando un sistema de poder central, el FARAÓN era la
cúspide de esta jerarquía, dependiendo de él los jefes del clan ó nomos. Surge
así el poder monárquico, que establece dinastías (familias reinantes). La
historia egipcia comprende las siguientes etapas:
i) Imperio Antiguo
Época tinita: Capital: Tinis (Alto Egipto)
Dos (I y II) dinastías: Tinitas.
Imperio Menfita: Capital: Menfis (cercano al actual El Cairo)
Dinastías III, IV y V
Durante el periodo de la IV dinastía se construyeron las
célebres pirámides de Gizéh de los faraones Keops, Kefrén
y Micerinos
ii) Imperio Medio: Imperio Tebano.
Capital: ciudad de Tebas
Faraón Antef I El Grande, inicia una nueva era, después de
la decadencia de la dinastía Tinita.
Dinastías VI a XIII (2423 - 1660 a.C.)
Periodo de decadencia y lucha contra invasores, dinastías
XIV, XV, XVI y XVII (1660 a 1580 a.C.)
iii) Nuevo Imperio Tebano
Capital: ciudad de Tebas
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Ahmés, jefe militar expulsa invasores, inicio del Imperio.

Dinastías XVIII, XIX y XX.
Grandes faraones Tutmés III y Ramsés II y III forman
Nuevo Imperio Tebano, de gran riqueza y mejor nivel de
vida, debido a los botines conquistados y al comercio con
otras naciones orientales. La dinastía XVIII tuvo culto
religioso monoteísta de adoración al disco solar.
iv) Decadencia
El afán conquistador concluye con la dinastía XX, debido a las invasiones

extranjeras del Oriente cercano, atraídas por la feracidad del valle; se
establecen diversas dinastías con sus capitales en Tanis, Tebas, Bubastis y
Sais.
El rey de Persia, Cambises, conquista Egipto, arrebatándole su independencia,
anexándola y la convierte en una provincia persa, hasta que Alejandro Magno
libera a Egipto de este dominio hasta alcanzar con posterioridad, nuevamente
su independencia y esta vez es Octavio Augusto quien conquista Egipto y la
incorpora al Imperio Romano.
4.3.1.2 Organización política: El Faraón

Hijo de los dioses y dios el mismo; poder civil, militar y religioso juntos; su
voluntad era ley; era un estado teocrático, poder del clero egipcio.
- Nobleza territorial, feudalismo, burocracia; bajo la clase dominante (burguesía
acomodada) estaban los agricultores y pequeños artesanos, dedicados a la
fabricación de cerámica, textiles y artesanía.
4.3.1.3 Religión
- Aún primitivismo religioso: sus dioses son mezcla de hombre y animal,
representan a Totems tribales. Veneraron también al disco solar y fuerzas de la
naturaleza.
- Predominó el culto a Horus, dios halcón, sustituido en la época menfita por Ra
(gran dios solar), en el Imperio Tebano, el dios supremo era Amón, que luego
fue Amón-Ra con sus templos Karnak y Luxor.
- Otros dioses, Isis, esposa de Osiris, Seth dios de las tinieblas; Thot, dios de la
justicia; Shu, dios del aire, diosa Hathor, símbolo del cielo.
- Animales sagrados: Buey Apis, venerado en Menfis.
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- Culto a los muertos, simbolizada en el mito de Osiris (resucitado por Isis, su

esposa), quien permitía a las almas justas a permanecer junto a él. El alma
vivía en el mundo de los muertos, pero se conectada con los vivos en los
sepulcros, donde regresaba a recoger las ofrendas posándose en su momia,
estatua o efigie donde esta representada. Es por ello que los egipcios pusieron
su máximo interés en mantener en perfecto estado de conservación a sus
muertos, momificándolos con perfección, representaban en las paredes de las
tumbas, escenas de su vida humana.
4.3.1.4. Conocimientos científicos y literarios

La religión y las inundaciones del río Nilo influyeron el pensamiento científico y
literario; usaron el calendario agrícola semilunar, desarrollaron la observación
astronómica. Las pirámides se construyeron en relación exacta a la astronomía.
Surgen las matemáticas, al dividir las tierras fértiles; la medicina alcanzó gran
desarrollo por el desarrollo de la anatomía humana, destacando en la industria
de la momificación. La química fue cultivada, realizaron ungüentos y drogas
para la momificación.
En el arte literario, destacaron los himnos y plegarias a los dioses, incorporados
al Libro de los Muertos. Incipiente filosofía (consejos morales de Ptahothep)
4.3.1.5 Arte Egipcio

Dominado por el culto a los muertos; finalidad religiosa y funeraria. Para Osiris
todo egipcio se aseguraba una buena vida en el más allá, si era guardado su
cuerpo y momificado para evitar su descomposición, si era representado por
una estatua y se le realizaban cultos funerarios periódicos.
El arte egipcio tiene dos características fundamentales: la uniformidad y el
colosalismo. Expresados en:
a) ARQUITECTURA, básicamente funeraria: Tumbas y templos.

i) Tumbas: lugar de entierro de los reyes o faraones.
Existen tres tipos de tumbas: Mastabas, pirámides e hipogeos
1 - Mastabas.- eran construcciones piramidales truncas, estaban agrupadas

formando un cementerio. Son las más antiguas.
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Su construcción era la superposición de piedras y se enterraba en la parte

subterránea; una cámara para el culto y un pozo que desciende hasta la
cripta donde se depositaba la momia.
- Se trataba de eternizar al difunto.
- La superposición de mastabas, da como resultado una pirámide
escalonada.
- Pictografía: mediante dibujos se destacaban las escenas más brillantes de
la vida del rey, Faraón o personaje notable a ser enterrado (los dibujos
eran narrativos)
- Pirámide SKKARAH, de la tercera Dinastía.
2- Pirámides.- son tumbas reales destinadas a los faraones en la época del

Imperio Antiguo. Son construcciones de grandes dimensiones y grandes
alturas; a diferencia de las mastabas, las pirámides prolongan sus muros
laterales hasta juntarse en un punto o vértice.
146 mts
Con entradas, pasos, laberintos con la finalidad que las propiedades del Rey
no sean sustraídas, ni molestadas.
- Decoración pictórica y relieve con la vida de los reyes o faraones
- Cámaras con los restos de las vísceras.
- Cámaras de ofrendas.
- Cámara especial con el cuerpo: SARCÓFAGO.
- A la Pirámide Keops le acompaña la ESFINGE; hecho en roca (nariz, 2 mts.
De alto). Son templos (Oratorio exterior) donde se enterraban a sus muertos
de acuerdo a sus dinastías.
- Pirámides de Keops, Kefren y Micerino, en la Meseta de Gizeh.
- Hipogeos.- se enterraba a faraones y altos dignatarios, que buscaban

alejarse de los centros urbanos.
- Eran perforaciones en las rocas (a manera de cuevas) para enterrar a sus
muertos, y presentaban en los costados de las puertas esculturas más altas
que el tamaño de éstas.
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- Hipogeos más famosos se encuentran en el Valle de los Reyes, Tebas.
ii) Templos: restos embalsamados de los faraones.

Después de las pirámides (Dinastía IV) los templos fueron las más notables
construcciones de la arquitectura egipcia, con característica de colosos.
- Los templos más colosales son Luxor y Karnak.
b) ESCULTURA
Influenciada por la vida en el más allá, siendo un estilo de retrato, toda su
escultura mantiene su característica de uniformidad.
La figura humana era graficada por los egipcios con cuerpo de frente, cabeza y
pies de perfil, tanto los personajes femeninos como masculinos.
En el Imperio Antiguo, las figuras eran algo rechonchas; en Imperio Medio la
figura humana se estiliza (se alarga), gesto risueño, surgen las esfinges,
esculturas gigantescas de cabeza humana y cuerpo de león, destaca la esfinge
de Gizeh. En el Imperio Nuevo, la escultura alcanza su madurez con la
realización del Retrato de Nefertiti.
Las paredes de los templos y tumbas se decoraban con motivos religiosos
escenas de la vida cotidiana, hicieron uso gran uso del relieve.
c) PINTURA.-
Los colores usados eran fuertes, sin matices ni claroscuros: el negro, amarillo,
marrón en el interior de los templos y tumbas, gráficos, jeroglíficos cada uno
coloreado, narrando o describiendo escenas de culto, comerciales, marítimos,
deportivos, bucólicos (campestres) y una serie de simbolizaciones hecha sobre
muro y sobre madera.
Se conoce la pintura egipcia gracias a las miniaturas del Libro de los Muertos y
a las necrópolis de Fayun.
4.3.2 MESOPOTAMIA (Caldeo-Asiria)

Mesopotamia: del griego, “entre ríos”.
Caldea; capital de la nueva Babilonia (antes UR), a orillas del río Eufrates.
Asiria, (antes Lagash) en la ribera del río Tigris.
- Ciudades de suelo sumamente fértil, fangosas, inundados por los torrentosos
ríos. Caldea, zona arcillosa los obliga a hacer bloques de barro (adobe
secados al sol y ladrillos -de barro cocido-) para hacer sus construcciones; tres
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tipos característicos: palacios, templos y tumbas. También utilizaban árboles,

madera.
En Babilonia sobresalen sus Palacios.
- Los sumerios tenían una escritura jeroglífica, que luego se hizo fonética en los
pueblos mesopotámicos. Grabaron en forma de cuña los signos fonéticos, con
un estilete (escritura cuneiforme) sobre ladrillo o cilindros y placas de tierra. El
alemán Grotefend y el inglés Rawlison descifraron el secreto de esta
misteriosa escritura.
4.3.2.1 Conocimientos científicos y literarios.

-Se dedicaron al estudio de la astronomía, debido a que los caldeo-asirios
vivían en función de las fuerzas de la naturaleza; conocieron las doce
constelaciones del Zodiaco, predijeron con exactitud los eclipses.
- Alcanzaron un buen nivel cultural, destaca su célebre “Biblioteca” de
Asurbanipal, que contiene verdaderos tratados de medicina, matemáticas,
listados de vegetales y piedras preciosas, además de Cantares de Gesta
(Gilgames), con todo ello, ha sido de utilidad para reconstruir la historia
antigua de Mesopotamia.
4.3.2.2 El Derecho. Código de Hammurabi

- Hammurabi (2000 a.C.) fue el creador del Imperio Babilónico.
- Promulgó el primer código del derecho que se conoce sobre las leyes que
regulaban la vida de los babilonios destacando la Ley del Talión: “ojo por ojo,
diente por diente”.
4.3.2.3 Arte en Mesopotamia

a) ARQUITECTURA.- Palacio de Babilonia.
- Destacaron en la construcción de palacios y templos.
- Construcción sobre grandes plataformas debido a lo fangoso del terreno,
inundaciones, muros de adobe cubierto de ladrillos decorativos (cocidos y
esmaltados), las decoraciones eran de toros alados gigantes, leones, escenas
de cazadores, escenas de actividad pastoril.
- Utilización esporádica de la madera (escasez de piedra) para sostener vigas,
techos; aplicación de la bóveda como techo al que se le incluyen cúpulas,
techos arco de madera o superposición de ladrillos inclinados, decoración
interior con oro y plata, puertas de entrada al palacio cubierta con hierro.
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- La puerta de ingreso al palacio está protegida por dos torres al lado de la

puerta.
- Destaca el palacio de Sargon en Korsbad y la Torre de Isthar
-Templo de Mesopotamia.
- Construido por Nabucodonosor. Salón del trono o Rey al fondo, mide 50 x 14
mts. De largo es la mejor decorada con oro, plata y relieves, patios de 100 m2
de lado. Jardines colgantes: sobre techos
- La Torre de Babel.- poca consistencia en los adobes en la construcción.
Leyenda.- hijos de Noé construyeron para ver a Dios y este los castigó por
dudar de él confundiendo sus lenguas. Babel: caos, confusión.
-Templo de ZIGURAT. Capilla reducida en la parte alta: altar de los sacrificios,

globo de oro (Rey Sol, protector del Rey humano), con dibujos de árboles, toros
alados de diversos tamaños.
b) ESCULTURA.- expresado en base a la construcción de estatuas hechas en

barros o madera (piedra no había), arcilla en grandes cantidades. Se
representaba el rostro de jerarcas en actitud o actitudes diferentes. Escultura en
bulto, con manos cruzadas en el pecho, vestimenta de la cintura para abajo con
pieles o tejidos y en la parte superior túnicas que cubrían la parte del tórax.
Escultura en relieve (es un arte que posee realismo y recursos propios
técnicos) es su máxima expresión de la Mesopotamia, representada en la parte
interior y exterior de los muros (ladrillos esmaltados) toros alados, leones,
cazadores y otras formas decorativas derivadas del círculo, cuadrado, etc.
Se manifiestan llenos de fuerza, vigor y vida; los temas recurrentes son
animadas cacerías pero con animales asustados, en otros casos esclavos
pidiendo clemencia y reyezuelos vencidos. De gran belleza artística destaca los
relieves de Asurbanipal, donde emociona la expresión de la leona herida por
varios saetazos y el realismo expresado en la escultura del rey Gudea.
c) CERÁMICA.- forma de vasos, copas, esmaltadas y cocidas al fuego, ollas,

platos en diferentes formas cocidas al sol (para uso diario del común de la
gente).
Orfebrería: oro y plata para ornamentación popular y ornamentación de
rituales y sacrificios.
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d) PINTURA.- Forma de representación de relieves, tapices (Asirios, excelentes

tejedores) utilizados en decoraciones con colores azul y amarillo.
4.3.3 PERSIA. (A partir de 1935 pasó a llamarse Irán)
Sus tierras son ricas en recursos naturales, pero sin la riqueza agrícola del valle
del Nilo y la Mesopotamia., sus limites están entre el Mar negro e Índico, al Este
del Eufrates, llegando hasta el mar Caspio, con minas de plomo, hierro y cobre
con grandes canteras en las laderas de los montes. Alcanzó gran desarrollo
con el gobernante Ciro el Grande.
4.3.3.1 Religión.
- Los persas tenía como religión el mazdeísmo, basado en la sublimación de las
fuerzas naturales.
- Contenido moral simbolizado por Ormuz (la luz, simbolizado por el fuego y se
le rendía culto en la cima de las montañas), origen de todo lo bueno que
luchaba con Arhiman (las tinieblas), origen de lo malo, la muerte y la mentira.
- Zoroastro o Zaratustra predicador de esta religión.
- No enterraban a sus muertos para no contaminar la tierra, tampoco arrojaban
el cuerpo al río por lo mismo, ni lo incineraban, lo llevaban a la cima de las
montañas para que sean
devoradas por los buitres.
Mesopotamia y el Imperio persa

Mesopotamia, una región que
abarcaba lo que en la actualidad
es el este de Siria, el sureste de
Turquía y la mayor parte de Irak,
estaba situada entre los ríos
Tigris y Éufrates. Su nombre es
de origen griego y significa ‘entre
ríos’. Las comunidades más
antiguas de esta zona datan del
7000 a.C., y en ella florecieron diversas civilizaciones. Pasó a formar parte del
Imperio persa en el siglo VI a.C. Microsoft ® Encarta ® Biblioteca de Consulta 2003.
4.3.3.2 ARTE PERSA.
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a) ARQUITECTURA.- utilizan los materiales egipcios, griegos y

mesopotámicos; la arcilla, piedra y madera. Sobresale también el arte en
mosaico.
Entre los primeros ejemplos de arquitectura persa destacan un grupo de
pequeñas viviendas construidas con mortero y adobe (barro no cocido y secado
al sol) descubiertas en varios yacimientos neolíticos del occidente del hoy Irán:
Tepe Alí Kosh, Tepe Guran, Ganj Dareh Tepe y Hajji Firuz Tepe. Se tiene
evidencia de construcción de edificios con un mayor número de estancias,
agrupados además en pueblos o pequeñas ciudades.
- Del periodo Aqueménida de gran esplendor, tenemos el relieve del Palacio
de Darío (construido entre el 518 y el 460 a.C.), en Persépolis, muestra al rey
recibiendo presente de sus súbditos.
Artajerjes I
El bajorrelieve que decora esta jamba de la puerta oriental de la
ciudad de Persépolis representa al monarca persa Artajerjes I, que
reinó durante buena parte del siglo V a.C., sentado en su trono junto a
su hijo ilegítimo Darío, que aparece a su espalda. Éste, con el nombre
regio de Darío II Ocos, se convirtió a su vez en el 423 a.C. en rey de
Persia.
Las ruinas (más antiguas) de Pasargada, capital de Ciro II

el Grande, presentan dos palacios, un recinto sagrado, una ciudadela, una torre
y la tumba de Ciro.
Darío I el Grande construyó una nueva capital en Persépolis ciudad en que sus
edificaciones variaron con respecto a Pasagarda.
- Durante la dinastía Aqueménida (c. 550-330áa.C.)
forma parte del tesoro del Oxus, colección de objetos
decorativos del Imperio persa que se encuentra en el
Museo Británico, Londres.
Alejandro III el Magno
Rey de Macedonia, conquistó el Imperio persa entre el 334 y el 331
a.C. y gobernó sobre la mayor parte del mundo conocido hasta su
muerte, ocurrida en el 323 a.C.
Tras la conquista de Persia por Alejandro Magno en el

331 a.C., toma el poder la dinastía Seléucida, así la
arquitectura persa imitó las formas del mundo griego,
ejemplo es el gran templo de Kengavar, excavado por el Servicio Arqueológico
de Irán para su eventual restauración.
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- Periodo y dinastía de los Arsácidas, entre el 250 a.C. y el 226 d.C., se

construyeron en el primitivo estilo persa un pequeño número de edificios. El
monumento más importante de este periodo es el palacio de Hatra (hoy al-
Hadhr, en Irak), de fecha, entre los siglos I y II d.C., se hace uso de a gran
escala de la bóveda de medio punto, robustos muros y pequeñas habitaciones
en el palacio hacen recordar las construcciones asiria-babilónica.
- Periodo Sasánida; esta dinastía gobernó Persia desde el 226 d.C. hasta la
conquista del islam en el 641, las construcciones fueron totalmente diferentes a
las del periodo Aqueménida.
b) ESCULTURA.- Lo más sobresaliente es la cerámica vidriada, también el

llamado “piso de los arqueos” y de “los leones” con acabados más elegantes y
suaves que los asirios.
4.3.4 PALESTINA.
...”Aparece el pueblo hebreo históricamente hacia el II milenio a.de J.C. Con
los hiksos (pastores como ellos) entran en Egipto y de allí salen dirigidos por
Moisés para la Tierra de Promisión, que será Canaán. Allí constituyen, poco
antes de los comienzos del I milenio una monarquía, que alcanza su momento
de brillo con el rey Salomón, y desaparece con Sargón II (S. VIII a.de J.C.), el
rey asirio, que reduce al pueblo israelita a cautividad”. 6
Este pueblo pequeño, perseguido, dominado; es el único de todos los pueblos
del Oriente antiguo que ha podido sobrevivir y, mantener su identidad a través
de la historia.
4.3.4.1 Religión
- Monoteísmo hebreo: La Biblia. El aporte hebreo es la transmisión de la
Verdad revelada, el credo de un Dios único, creador, todopoderoso y
omnipresente; toda estas creencias se encuentran en el decálogo (Diez
mandamientos) revelado por Yavé a Moisés y en los cuarenta y cinco libros que
componen la Biblia en su Antiguo y Nuevo testamento.
- La creencia de un dios ético es el más grande aporte a la humanidad de los
hebreos.
4.3.4.2 Literatura
6
Ballesteros M., 1963, Edic. La Ballesta Madrid. Pag.38
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- Es básicamente religiosa, de hondo lirismo

- EL libro por excelencia: La Biblia, libro sagrado de los judíos, se divide en dos
partes: Antiguo Testamento y Nuevo Testamento; en ellos está resumido la
vida en relación al pueblo hebreo desde los orígenes de la humanidad hasta
la profecías del Apocalipsis del Apóstol San Juan. Libro que ha llegado a influir
en todo el género humano; sin él es difícil comprender la espiritualidad de la
humanidad.
4.3.4.3 Arte palestino

No fue sobresaliente, carecieron de originalidad, cuando tuvieron que construir
el famoso templo de Salomón (Templo de Jerusalén) recurrieron a arquitectos
y alarifes fenicios; de este templo hoy quedan apenas restos materiales, lo que
conocemos es debido a la descripción en la Biblia. El gran templo de Jerusalén
fue levantado sobre una gran plataforma y
es, en este templo que se guardaba el Arca
de la Alianza.
Arca de la Alianza
Aquí transportada tras una nube de humo,
mencionada en el Antiguo Testamento, simbolizaba el
pacto de fe hecho entre Dios y los israelitas en el
monte Sinaí. Al parecer, el Arca contenía el Decálogo
(los Diez Mandamientos dados por Dios a Moisés), el
bastón de mando de Aarón y un recipiente con maná.
Para los israelitas el Arca representa la presencia de
Dios y la llevaron durante la travesía del desierto y en
la batalla. El Arca desapareció en el momento de la
caída de Jerusalén en el 586 a.C., aunque sea
mencionada en leyendas posteriores a su
desaparición. Alinari/Art Resource, NY
4.4 GRECIA
4.4.1 ARTE EN GRECIA.

El Arte en Grecia florece entre los siglos VII y II a. de C. en la parte meridional
de la península de los Balcanes; el factor geográfico es vital para el desarrollo
de la historia de Grecia, sus conquistas, invasiones y colonizaciones que los
llevan a lejanas tierras en un lapso de dos siglos.
Esparta y Atenas son dos ciudades representativas de la Grecia clásica
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Las artes son un conjunto de manifestaciones artísticas que se desarrollaron

con mayor profusión, en Grecia y sus colonias entre los siglos XI y I a.C.
Aunque esta cultura tuvo su origen en la civilización del Egeo, su evolución
posterior la convirtió en uno de los periodos más influyentes de la historia del
arte occidental.
El arte griego se caracterizó por la representación
naturalista de la figura humana, no sólo en el aspecto
formal, sino también en la manera de expresar el
movimiento y las emociones. El cuerpo humano, tanto
en las representaciones de dioses como en las de
seres humanos, se convirtió así en el motivo
fundamental del arte griego, asociado a su mitología,
la literatura y la vida cotidiana.
Venus de Milo
La Venus de Milo (c. 150-100 a.C.), descubierta en Melos en
1820, está considerada como la escultura clásica realizada en mármol más conocida del
mundo antiguo. Mide 2,05 m de altura y representa a Afrodita (Venus en la mitología
romana), la diosa griega del amor y la belleza. Bridgeman Art Library, London/New York
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Se conservan pocos ejemplos intactos o en su estado original de la arquitectura

y escultura monumental, y en la pintura no se conocen grandes ciclos
decorativos. Sin embargo, se conservan importantes piezas de cerámica,
monedas, joyas y gemas que, junto con las pinturas funerarias etruscas, nos
ofrecen algunas pistas sobre las características del arte griego. Estos restos se
complementan con relatos extraídos de fuentes literarias. Son viajeros, como
el romano Plinio el Viejo o el historiador y geógrafo griego Pausanias, quienes
vieron in situ muchos de los objetos artísticos que se conservan hoy día
deteriorados o en mal estado, y sus relatos ofrecen una valiosa información
acerca de algunos artistas y sus principales obras.
La función principal de la arquitectura, la pintura y la escultura monumental

hasta aproximadamente el año 320 a.C., fue de carácter público, ocupándose
de asuntos religiosos y de la conmemoración de los acontecimientos civiles
más importantes, como las competiciones atléticas.
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Los arquitectos griegos construyeron la mayoría de sus edificios en mármol o

piedra caliza, y utilizaron madera y tejas para las techumbres. Los escultores
labraron el mármol y la caliza, modelaron la arcilla y fundieron sus obras en
bronce. Las grandes estatuas votivas se forjaban con planchas de este metal o
se recubrían de láminas de oro y marfil que se aplicaba sobre una estructura
interna de madera. Los artistas griegos empleaban colores al agua para pintar
grandes murales o decorar vasijas. Los ceramistas modelaban las piezas en
tornos de alfarero y cuando se secaban las pulían, pintaban y cocían.
Algunos estudiosos de la historia de la escultura griega, destacan tres periodos:
- Arcaico, - Clásico, - Helenístico

El arte griego se divide normalmente en periodos artísticos que reflejan sus
cambios estilísticos, de acuerdo a su cronología estos periodos son:
4.4.1.1 Periodos geométrico y de rasgos orientales (c. 1100 a.C.-650 a.C.);

4.4.1.2 Periodo arcaico (c. 660 a.C.-475 a.C.);
4.4.1.3 Periodo clásico (c. 475 a.C.-323 a.C.);
4.4.1.4 Periodo helenístico (c. 323 a.C.-31 a.C.).
4.4.1.1 PERIODO GEOMÉTRICO Y DE RASGOS ORIENTALES

a) LA CERÁMICA.- Las vasijas del periodo geométrico se decoraban con
bandas de meandros y otros motivos geométricos. Aproximadamente a
principios del año 750 a.C. se introdujo motivos humanos y zoomorfos de
formas estilizadas, como puede observarse en las representaciones del cuerpo
de un guerrero muerto o de un carro tirado por caballos. El mejor ejemplo de
cerámica de estilo geométrico son los vasos cinerarios, recipientes destinados
a contener las cenizas de los difuntos, que se encontraron en una necrópolis
cercana a la puerta de Dipylon de Atenas.
Crátera griega
La crátera fue uno de los tipos de vasija muy frecuentes en la cerámica griega más
antigua. Esta pieza del siglo VIII del cementerio Dipyton, de 101,25 cm de altura,
está decorada con unas figuras muy estilizadas que
participan en una comitiva fúnebre. La banda decorativa
de la parte superior muestra los meandros propios del
arte griego arcaico. Bridgeman Art Library, London/New
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En las vasijas del periodo oriental de la cerámica decorada, los diseños

abstractos geométricos se reemplazaron por los motivos de inspiración
naturalista propios del arte oriental, como la flor de loto, la palmeta, los leones y
las esfinges. La ornamentación aumentó en cantidad y complejidad.
b) ESCULTURA
Se han encontrado únicamente pequeñas piezas en bronce o arcilla. Entre ellas
cabe destacar una pequeña figurilla de un atleta dorio realizado en bronce
(Museo de Bellas Artes de Boston). Las esculturas de este periodo no son
representaciones realistas, sino obras esquemáticas de naturaleza conceptual.
c) ARQUITECTURA
Consistió en estructuras sencillas realizadas con adobe y ripio. Las viviendas
más primitivas eran chozas circulares, que evolucionaron hacia modelos
elípticos en forma de herradura. Más tarde se hicieron rectangulares. Las
cubiertas a dos aguas o de doble vertiente se construían en paja, y las planas
en barro.
4.4.1.2 EL PERIODO ARCAICO

Con la extensión geográfica y económica de la civilización griega, el incremento
de la riqueza y los contactos con el exterior propiciaron el desarrollo de la
arquitectura y la escultura monumental. Ambas se hicieron con el mármol y la
piedra caliza que abundaba en Grecia. Los templos albergaban imágenes de
los dioses y estaban decorados con esculturas y pinturas.
a) LA ESCULTURA
Las esculturas masculinas y femeninas, a partir aproximadamente del año 575
a.C., reflejan en sus rostros la denominada sonrisa arcaica. En todos ellos
aparecen acentuados los principales rasgos del cuerpo.
Las tres tipologías que predominaron fueron el joven
desnudo (kouros) y la doncella vestida (kore), ambos en
posición erguida, y la mujer sedente.
Apolo Strangford
El Apolo Strangford, estatua de mármol de Limnos, Grecia,
fechado hacia el 500 a.C., representa uno de los modelos de
estatua masculina de pie desnuda o kouros, que se pueden
encontrar en la escultura del periodo arcaico. Apolo, dios de la
luz, de la pureza y del sol fue muy representado en el arte
antiguo griego. Bridgeman Art Library, London/New York
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Aparecen acentuados los principales rasgos del cuerpo y expresan, cada vez
más, un conocimiento preciso de la anatomía humana. Algunos de los ejemplos
sobresalientes que se conservan son el primitivo Apolo de Tenea (540 a.C. Alte
Pinakothek, Munich), el Apolo de Piombino (510 a.C., Museo del Louvre) y el
Apolo Strangford (c. 500 a.C., Museo Británico, Londres), encontrado en la
localidad griega de Lemnos, una obra bastante más tardía. En dichas obras, se
observa un estudio más detallado de la estructura muscular y anatómica. Las
figuras del frontón oriental parecen tan llenas de vida como los atletas que
describió el poeta Píndaro. Hasta el siglo XIX no se comenzó a valorar el mérito
artístico de la escultura del periodo arcaico.
b) LA ARQUITECTURA
En la arquitectura griega del periodo clásico se desarrollaron tres tipos de

columnas. Las más antiguas son las dóricas, carecen de basa y el capitel está
compuesto por el equino y el ábaco. Por el contrario, las jónicas tienen basa y
el capitel se desdobla en dos volutas colocadas directamente debajo del ábaco.
Las más complejas son las corintias. Su principal característica es el capitel en
forma de campana invertida cubierto de hojas de acanto. Al igual que las
jónicas se apoyan sobre una basa.
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El templo tipo era de planta rectangular elevado sobre una pequeña base
escalonada llamada crepidoma y estaba situado en un recinto donde se
llevaban a cabo las ceremonias rituales. Los templos pequeños presentaban un
frente porticado con dos columnas (in antis), a veces con otra fila de columnas
delante del mismo (próstilo). Los templos más grandes, con pórticos en ambos
extremos (anfipróstilos), podían tener un vestíbulo de seis columnas antes de
cada uno de sus pórticos, o estar totalmente rodeados por un peristilo
(perípteros). La columnata sostenía un entablamento, o dintel, bajo un tejado a
dos aguas; emplearon básicamente el mármol.
Partes de un templo griego

La tipología arquitectónica que se desarrolló en Grecia a principios del siglo VII
a.C. ha llegado hasta nuestros días como el prototipo del templo para la cultura
occidental. Se levantaba a menudo sobre la colina de una ciudad y consistía en
un recinto rodeado de columnas cubierto por un tejado a dos aguas. En esta
ilustración aparecen señalados sus principales elementos.
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Los templos dóricos de Siracusa, Paestum, Selinonte, Agrigento, Pompeya,

Tarento, Metaponte y Corfú (antigua Corcyra) todavía se conservan.
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Especialmente extraordinario es el templo de Poseidón en Paestum (c. 450

a.C.).
Los griegos desarrollaron dos órdenes arquitectónicos o tipos de columnas, el
dórico y el jónico. Las columnas jónicas, originarias de Jonia (Asia Menor) y las
islas griegas, son más esbeltas, con estrías más finas y se colocan a mayor
distancia que las dóricas. Cada una descansa sobre una basa moldurada y
termina en un capitel con forma de almohadilla plana que se enrolla en dos
volutas en los laterales. El entablamento, más ligero que en el estilo dórico,
podía tener un friso continuo. Se pueden encontrar ejemplos de templos jónicos
en Éfeso, cerca de la moderna Izmir (Turquía), en Atenas —el Erecteion— y
algunos restos en Naucratis (Egipto).
Órdenes.- eran construcciones de columnas que servían de los sustentantes

de un grupo de columnas que se denomina sustentado o sostenido.
Entablamiento.- son tres planos superpuestos: arquitrabe, friso

(decoraciones, escenas costumbristas de guerra y cultura en alto relieve) y
cornisa, que sostiene el frontón.
TEMPLOS GRIEGOS.
Son construidos en pequeñas extensiones de terreno, alberga no a las
personas sino a lo que significa la representación divina del personaje en honor
al que esta dedicado el templo.
Planta de un templo:
1. Pórtico 1
2. Sala rectangular 2
3. Cámaro posterior
3
Tipos:
Tetrástilo 4 columnas 9 lados
Exástilo 6 columnas 13 lados
Octásilo 8 columnas 17 lados
Decóstilo 10 columnas 21 lados
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Está determinado por la cantidad de columnas de los lados determinados por el

doble de las columnas más uno; le daban al templo proporcionalidad, equilibrio
a la arquitectura.
La filosofía artística griega; la concepción griega referente al arte está
expresada para la arquitectura en el equilibrio; en la forma clara de la función,
en la armonía y belleza de sus proporciones.
Para la escultura, en lo sutil modelo aun del plano, la moderación en las
actitudes, la clara definición del contorno y el sentido de la medida y proporción.
En resumen, es la elevación del conjunto compositivo hacia un ideal de
sublimidad creativa a tenor del gusto estético del hombre.
Se han agrupado en Atenas: la Acrópolis, que ha servido de modelo, los
mismos tipos de construcción de Atenas.
CONSTRUCCIONES DÓRICAS:
El Templo de Olimpeión en la Isla de Sicilia,

Herectión en Olimpia,
Atenas en Corintio,
Poseidón en pasos,
Zeús en Olimpia,
Deseo en Atenas,
Partenón en Atenas y
Apolo en Bassae
CONSTRUCCIONES JÓNICAS
Los templos de Artemisa en Efeso,

Ilesos en Atenas,
Nileapteros en Atenas,
Herectión y las cariátides en Atenas,
Apolo Didineo en Mileto
CONSTRUCCIONES CORINTIAS.
Templo de Apolo Epícuro en Bassae,

Monumento Corágico a Lisirates en Atenas,
Apolo Didineo en Mileto,
Luis Olímpico en Atenas,
La torre de los Vientos o Reloj del Son en Atenas
ARQUITECTURA CIVIL.
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- VIVIENDAS.- están supeditadas a la economía, los de la clase alta tenían

buenas residencias de base de columnas, los del pueblo en base de piedra en
bloques, techo de uno o dos aguas, las residencias tenían un patio pequeño
para la iluminación.
- ÁGORA.- plaza pública para reuniones ya sea cultural, política o actividades

de comercio.
- GIMNASIOS.- estaban construidas para albergar actividades gimnásticas.
- ESTADIOS.- para albergar gran cantidad de gente que espectaban
actividades deportivas de la época.
- HIPÓDROMO.- dedicado a la actividad deportiva de la carrera de caballos.
- CEMENTERIO.- construido por estelas o monolitos grabados con escenas
más importantes de la vida del difunto en piedra, madera o barro.
c) CERÁMICA.
Las vasijas de cerámica griega poseían diferentes formas dependiendo de la
función a la que estaban destinadas. En forma de vasos para almacenar
líquidos, como las ánforas, para mezclar el agua y el vino, como las cráteras,
para utilizar en ceremonias, como el lutróforo (que servía para transportar agua)
o el omfalos (cuenco para las libaciones), para beber, como el kylix, para servir
las bebidas, como el oinochoe, y para conservar diversos ungüentos, como el
alabastrón.
La decoración de las vasijas cerámicas con la técnica de las figuras negras,

que llegó de Corinto a Atenas hacia el 625 a.C., se combinó con el antiguo
estilo ateniense, más lineal y de mayor tamaño. La decoración se realizaba en
engobe negro sobre el color rojo de la arcilla. Los detalles se grababan por
incisión y a veces se destacaban y se les daba profundidad con el uso de
reflejos de color rojo y blanco.
Vaso Northampton
La decoración del vaso Northampton constituye uno de los ejemplos
del estilo de decoración cerámica de figuras negras, popular en la
Grecia de finales del siglo VII y principios del VI a.C. Los temas
mitológicos y los diseños vegetales reflejan el interés de los griegos
por unos motivos que también son típicos del arte oriental. Estas
formas, además, aparecen destacadas con toques de luz blancos y
pardos.
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Entre las obras maestras de este periodo están el vaso François, realizado el
560 a.C. por el alfarero Ergotimos y el pintor Klitias (Museo Arqueológico de
Florencia); la copa de Dioniso, realizada por Exekias (Gliptoteca de Munich), y
los trabajos de dos de los más destacados artistas en la técnica de las figuras
negras, Lydos y Amasis (Museo Metropolitano de Arte de Nueva York).
4.4.1.3 EL PERIODO CLÁSICO

El arte griego del periodo clásico, que se desarrolló desde la época de las
Guerras Médicas hasta el final del reinado de Alejandro Magno. La alta época
clásica (c. 475 a.C.-448 a.C.)
Después de la victoria griega sobre los persas, la necesidad de reparar la
devastación de la guerra generó una gran actividad artística tanto en
arquitectura como en escultura. Esto fue especialmente evidente en Atenas,
centro neurálgico del poder político y económico.
a) ARQUITECTURA
La mayoría de los templos de la alta época clásica eran de orden dórico. El

templo de Zeus en Olimpia (mediados del siglo V a.C.), proyectado por Libón
de Elis, es un ejemplo excepcional.
b) ESCULTURA
Transmite una cierta solemnidad además de nueva fuerza y simplicidad de las
formas. Entre los mejores ejemplos se encuentran los frontones escultóricos del
templo de Zeus en Olimpia (Museo Arqueológico de Olimpia), el Auriga de
Delfos (Museo Arqueológico de Delfos), el joven de pie o Efebo de Kritias—
denominado así por el escultor ateniense Kritias— y la cabeza del Efebo rubio
(ambos en el Museo de la Acrópolis de Atenas), así como el Idolino del Museo
Arqueológico de Florencia.
c) PINTURA
El pintor más importante Polignoto. En sus frescos de Leskhe de los Cnidios en
Delfos, descritos por el historiador griego Pausanias, representó la destrucción
de Troya y la visita al Hades. Plinio el Viejo escribió que Polignoto fue el primer
maestro de la expresión. El descubrimiento en 1968 de un sarcófago griego
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pintado al fresco en Paestum (c. 470 a.C., Museo Arqueológico de Paestum)

muestra los logros de la pintura mural de la alta época clásica. Las figuras de
los asistentes a un banquete y la representación de un nadador muestran el
dominio de la anatomía, del trazo y de las expresiones faciales. Los ojos están
dibujados de perfil en lugar de frontales y también aparecen escenas
paisajísticas.
El periodo clásico medio (c. 448 a.C.-400 a.C.)

El clasicismo pleno se desarrolló durante la segunda mitad del siglo V a.C.,
especialmente bajo el patronazgo de Pericles, político ateniense. La
arquitectura y la escultura de Atenas alcanzaron entonces una perfección
raramente igualada.
a) ARQUITECTURA.- Los arquitectos desarrollaron gran cantidad de métodos

para contrarrestar las distorsiones ópticas.
En Occidente, el enorme templo de Apolo en Selinonte (Sicilia) se terminó
después de cien años de trabajo. En el Ática, Pericles ordenó la restauración de
muchos templos quemados por los persas.
El escultor Fidias se encargó de la supervisión de los trabajos en la Acrópolis,
recinto que era el lugar tradicional de los templos atenienses. El edificio más
importante fue el Partenón, proyectado por los arquitectos Ictino y Calícrates.
Los Propileos, o puerta monumental de acceso a la Acrópolis, fue otra de las
construcciones importantes.
El Partenón se erigió sobre la Acrópolis de Atenas; al lado de dos templos
anteriores, el viejo templo de Atenea, conocido como el Hecatompedón,
construido aproximadamente el 570 a.C. y ampliado hacia el 530 a.C., y el
antiguo Partenón, comenzado el 488 a.C. y destruido por los persas el 480 a.C.
cuando aún no estaba terminado. La construcción del nuevo edificio se inició el
448 a.C.
Partenón
Penny
Tweedie/Tony Stone
Images
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El Partenón se construyó en su totalidad con el mármol de las célebres

canteras del monte Pentelikon. Estaba rodeado por una gran columnata de
ocho columnas dóricas en sus extremos y otras 17 en cada lado. El techo del
peristilo estaba decorado con un artesonado de mármol. El santuario se dividía
en dos partes (cella y tesoro), a las que se accedía a través de un estrecho
vestíbulo. El techo de la estancia mayor o cella, situada en el extremo oriental,
contenía una enorme estatua criselefantina (realizada en oro y marfil) que
representaba a la diosa Atenea, protectora de la ciudad, sostenida en tres de
sus lados por una columnata dórica de dos cuerpos verticales superpuestos. La
estancia más pequeña o tesoro se elevaba sobre cuatro esbeltas columnas
jónicas.
El Erecteion, erigido en la Acrópolis en frente del Partenón, y quizás obra de

Mnesicles, es un templo jónico excepcional. El entablamento del pórtico que
oculta la bajada a la tumba de Erecteo se apoya sobre unas esculturas
femeninas llamadas cariátides.
Pórtico de las Cariátides, Erecteion

El Erecteion es un templo jónico construido hacia
el 421-405 a.C. en la Acrópolis de Atenas. El
pequeño pórtico del lado sur del templo,
conocido como pórtico de las Cariátides,
muestra a seis figuras femeninas soportando un
entablamento jónico. El templo, se denominó de
esta manera a partir de Erecteo, un héroe mítico
ateniense, y supuestamente marca el lugar
donde los dioses griegos Atenea y Poseidón se
disputaron el dominio de Atenas.
.
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b) ESCULTURA.- Fidias y Policleto fueron los escultores más importantes del

periodo clásico medio. Para los antiguos, Fidias era el escultor de los dioses y
Policleto el de los seres humanos o mortales. La estatua de Zeus que Fidias
hizo para Olimpia hacia el 435 a.C. (ha sido considerada una de la siete
maravillas del mundo antiguo), fue quizás la escultura más famosa de la
antigüedad griega; la otra que realizó fue Atenea en el Partenón. La toga del
dios y sus ornamentos fueron realizados en oro y la escultura se esculpió en
marfil. Hoy día la estatua se conoce únicamente por los escritos que dejaron los
contemporáneos de Fidias. Este grabado muestra una reconstrucción
imaginaria de la estatua que medía 12 m de altura, se conserva en el The
Bettman Archive.
El Discóbolo, estatua de tamaño natural realizada por

Mirón de Eleutera hacia el 450 a.C. pertenece al periodo
clásico del arte griego. Originariamente hecha en bronce,
sobrevive gracias a una copia romana en mármol. La
composición de la escultura incorpora dos arcos
cruzados, creando una sensación de movimiento y de
tensión, en Scala/Art Resource, NY
c) PINTURA.- Dibujadas con una perspectiva lineal rudimentaria, las figuras de

las vasijas del periodo clásico medio poseen un cierto efecto tridimensional.
Estas pinturas se parecen probablemente a las obras desaparecidas de
Apolodoro y Zeuxis de Heraclea. El segundo es famoso por haber pintado un
racimo de uvas de forma tan veraz que hasta los pájaros trataron de picotear
sus granos.
El periodo clásico final (c. 400 a.C.-323 a.C.)
Las obras arquitectónicas disminuyeron cuando Atenas, derrotada en la guerra
del Peloponeso, perdió su hegemonía política en el ámbito griego. En las artes
plásticas, la nueva y detallada caracterización de las figuras reflejó un interés
por el individuo, hecho que corroboran los poetas y filósofos de aquel momento.
a) ARQUITECTURA.- Aunque los templos se seguían construyendo en orden

dórico, desapareció el porche posterior (opistodomo). El templo de Asclepio en
Epidauro (c. 380 a.C.) es un buen ejemplo. Las columnas corintias (el tercer
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orden arquitectónico griego), una especie de columnas jónicas con hojas de

acanto en los capiteles, se utilizaron para levantar la columnata interior del
tolos o edificio circular de Epidauro, realizado por Policleto el Joven. A partir de
este momento los teatros, construidos con gradas de madera sobre la ladera
una colina, se empezaron a construir en piedra. Así, por ejemplo, el Teatro de
Epidauro (350 a.C.), proyectado también por Policleto el Joven, se edificó
sobre un terreno inclinado alrededor de una escena circular. Este teatro, con
una excelente acústica, presenta un escenario circular en torno al cual las
gradas, con capacidad para 14.000 personas, se extienden sobre el terreno
inclinado de una colina. En él, todos los veranos se celebran un festival de
teatro griego clásico; ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad.
b) ESCULTURA.- La escultura del último clasicismo estuvo dominada por

Lisipo, Praxiteles y Escopas. El primero esculpió ágiles atletas, como el
desaparecido bronce del Apoxiomenos (c. 330 a.C.). Quizás el más excepcional
de los tres sea Praxiteles, que trabajó en un estilo delicado y elegante. En su
Hermes con Dioniso niño (c. 330 a.C.-320 a.C., Museo Arqueológico de
Olimpia) el tronco del árbol en el que se apoya Hermes equilibra
compositivamente la voluptuosa curva de la figura. Su Afrodita de Cnidos (350
a.C., copia romana en el Museo Pío-Clementino, Vaticano) aparece
cubriéndose con la mano derecha el centro del cuerpo, en un gesto púdico que
sirvió de pauta para los desnudos femeninos posteriores.
En la escultura clásica griega se hace reconocimiento a grandes escultores,
pertenecientes a diversas escuelas escultóricas de los Siglos V y VI a.C., entre
ellos:
- KALAMIS.- esculturas que se caracterizan por ser muy rítmicas, en el que los
cabellos y los pliegues de los ropajes y mantos están resueltos con sensible
juicio de juego de volúmenes y en actitudes serenas o de sumo reposo.
- MIRÓN.- es el escultor que expresó las reales formas del cuerpo sin darle
importancia a los signos expresivos, mentales o espirituales.
“Le dio la vitalidad del hombre y de las bestias al bronce”. Perpetuó bellamente
el instante de los movimientos como el de su famoso “Discóbolo”.
- POLÍCLETO.- escultor del Siglo IV a.C. que aplicó sus conocimientos de la

proporción humana en su obra el “Dorífero” o “Lancero”, de fina y amorosa
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precisión en el “KANON de la Proporción”, (fue uno de los primeros escultores

que se dedica a las medidas, en relación con el cuerpo humano) según el
cuerpo medía 8 ½ veces la medida de la cabeza, esto para el masculino y 7 ½
veces para el femenino.
Hoy la medida ideal del hombre es 8 cabezas y de la mujer 7 ½ cabezas.
- FIDIAS.- escultor genial, participó en la supervisión de la construcción de los

edificios de la Acrópolis de Atenas, tales como el Partenón, el Erectión, además
de otros. Esculpió las estatuas de los dioses Zeus y Atenea. Sus obras están
concentradas en los frisos, frontones, metopas del Partenón.
Las esculturas de dioses expresión de la real belleza del rostro, del cuerpo
femenino, en el que equilibra formas físicas y espirituales.
La Atenea PARTENOS de 10 mts. de alto, decorada con marfil, oro; ubicada en
el Santuario del Partenón.
La Atenea PROMAKOS de 15 mts. de alto en actitudes de guerra defensiva
ubicada entre el Partenón y el Erection de la Acrópolis.
La Atenea LEMMIA denominada “LA Bella” en actitud de descanso, rostro
sereno.
- PRAXITELES.- escultor sumamente espiritual, interpreta las expresiones del

rostro con mucha finura, detalle realista. Sus obras están representadas en
“Hermess” y el “Niño Dionisio”, la “Afrodita de Cnido”, el “Apolo Sauróstono” y el
“Fauno”. Tendencias al movimiento.
- LAOCONTE, Zeús en Grandes y otros niños pequeños envueltos por

serpientes. Grupo de escultores griegos cuyos personajes lo representaban
envueltos en serpientes.
c) PINTURA.- Todos los murales griegos del siglo IV a.C., incluyendo los del
gran Apeles, han desaparecido. Sin embargo, su influencia puede observarse
en los trampantojos y en los paisajes arquitectónicos pintados sobre los muros
de las casas romanas de Pompeya y Herculano en el siglo I d.C.
4.4.1.4 EL PERIODO HELENÍSTICO

“Gracias a las conquistas de Alejandro Magno las cultura persas y egipcias se
pusieron en íntimo contacto con la helena, y si no llegaron aproximarse
plenamente, esta aculturación recíproca dio como resultado una nueva cultura:
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el helenismo, denominada así porque el elemento griego es el predominante en

este sincretismo renovador”. 7
Este proceso de aculturación entre las culturas griegas y orientales (Egipto,

Persia) se manifiesta en:
a) Aspecto político.-se llega a la deificación de Alejandro, se le considera hijo
de Amón, a semejanza de los faraones.
b) Aspecto económico.- aparece el concepto de los latifundios, aumenta el
comercio y se eleva el nivel de vida.
c) Aspecto cultural.- se relaja la moral griega. La lengua griega alcanza su
máxima difusión y florece las ciencias y las letras.
Solo Atenas logra mantenerse como ciudad importante; sobresale en Egipto,

Alejandría, ciudad que va a ser el centro del movimiento científico; alberga el
Museo (especie de universidad), su famosa Biblioteca, (con mas de 700,000
volúmenes), observatorio astronómico, parque zoológico e instituto anatómico.
Diocles y Erasístrato, sobresalen en medicina; Teofasto en botánica, Euclides
en matemáticas y física y Eratóstenes en geografía.
En el arte helenístico la influencia oriental es mayor; destacan las escuelas:
a) Escuela Atica.- se caracteriza por el triunfo del desnudo femenino: Venus

Capitolina y Venus de Médicis; además representa a tipos grotescos (sátiros).
b) Escuela de Pergamo.- se caracteriza por la mezcla de lo heroico y lo
histórico al servicio de un gran realismo y patetismo: Galo suicidándose, Galo
moribundo, relieves del Altar de Zeus.
c) Escuela de Rodas.- Rodas fue el único estado libre de esta época; se
caracteriza pro la añoranza ática, sobresale: Laoconte s y sus hijos de
Agesandro, el Coloso de Rodas, estatua en pie del dios Sol; la Venus de Milo,
Victoria de Samotracia, los Dioscurios (obra cuyo autor puede ser Fidias o
Praxiteles).
Galo moribundo
Hordas de galos invadieron grandes territorios del sur de Europa a principios del siglo III a.C., de donde
fueron sucesivamente rechazados aunque algunos lograron establecerse en la región de Asia Menor
conocida como Galacia (gálatas era el nombre por el que fueron conocidos los habitantes de la Galia que
llegaron hasta esas zonas). El rey de Pérgamo Atalo I Sóter encargó esculpir estatuas que reprodujeran
sus victorias sobre esas tribus invasoras. La escultura que aparece en esta fotografía, una brillante
7
Ballesteros M., 1963, Edic. La Ballesta Madrid
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muestra del arte helenístico, es conocida como Galo moribundo, data de hacia el 240 a.C. y se conserva
en el Museo Capitolino de Roma.
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La arquitectura griega helénica estuvo

influenciada por el colosalismo
oriental, tendiendo a lo monumental y
efectista: Altar de Zeus, edificios del
Museo, la Biblioteca y el famoso Faro
de Alejandría.
a) ARQUITECTURA
El estilo dórico continuó utilizándose en los templos pequeños y en los cuerpos

inferiores de los edificios de dos plantas. En Asia Menor se construyeron
grandes templos jónicos, como el períptero de Apolo en Dídimo (c. 300 a.C.),
con sus dos columnatas jónicas de 10 columnas en el frente y 21 por cada lado.
Las columnas corintias se utilizaron en mayor medida que en épocas
anteriores, como se observa en el templo de Zeus en Atenas u Olimpeión,
iniciado el 174 a.C. por encargo del rey sirio Antíoco Epífanes.
Templo de Apolo en
Dídimo
Apolo, dios de la música, la
poesía, el tiro con arco, la
profecía y las curaciones, fue una de las deidades supremas de los griegos. El templo de
Dídimo, erigido en su honor, también fue oráculo, y se construyó en el 300 a.C. ya que, en el
494 a.C., los persas habían destruido el anterior. Bernard Cox/Bridgeman Art Library,
London/New York
En este complicado estilo helenístico surgieron nuevas tipologías
arquitectónicas, como gimnasios y edificios para el Senado, profusamente
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decorados y realizados en orden corintio. Los reyes helenísticos construyeron

pórticos, bibliotecas, teatros y arcos de triunfo.
b) ESCULTURA
La dinastía Tolemaica de Egipto perpetuó las tradiciones del periodo clásico y

de sus sucesores del siglo IV a.C. En Pérgamo (actual Bergama, Turquía), en
Asia Menor, Atalo I Sóter y sus sucesores siguieron la escuela de Escopas, por
lo que, en las escenas de combate, solían representar el cuerpo humano
retorcido en violentas contorsiones. Un ejemplo notable es el friso de más de
100 m del altar de Zeus en Pérgamo (Museos Estatales de Berlín), que muestra
la lucha entre dioses y gigantes. Este trabajo fue levantado en Pérgamo por
encargo del rey Eumenes II, hijo de Atalo I.
Al mismo tiempo, la escultura evolucionó hacia formas abiertas realizadas en
un estilo muy emotivo, que obligaban al espectador a mirar más allá del espacio
de las figuras. La Afrodita de Melos, más conocida como la Venus de Milo
(ambas en el Museo del Louvre de París), son algunos ejemplos destacados.
Los artistas romanos, atraídos por el estilo de la escultura griega, copiaron
numerosas obras adaptándolas a sus propios criterios estéticos.
4.5 ROMA
4.5.1 ARTE EN ROMA.

Italia, con relación a otros países, era una tierra privilegiada por su posición,
clima y suelo, y estas magníficas condiciones de habitabilidad atrajeron hacia
sus tierras a muchos pueblos aventureros, a la par de su avance colonizador
que llego a abarcar todos los territorios conocidos.
La conquista romana tuvo la importancia de englobar los más diversos países

dentro de un marco común de cultura. Sin embargo, mientras los países de la
parte oriental, muchos más cultos y avanzados, mantuvieron sus características
sin retroceder en absoluto ante Roma, los países occidentales perdieron la
propia, conservando solo ligeros matices pre-romanos.
El arte y la arquitectura de Roma, se presentan como un conjunto de
manifestaciones artísticas desarrolladas en la antigua Roma y su Imperio, que
en su periodo de máximo apogeo se extendió desde las islas Británicas hasta el
mar Caspio.
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El arte romano se divide tradicionalmente en dos periodos: el arte de la Roma

republicana y el de la Roma imperial (desde el año 27 a.C. en adelante), con
subdivisiones correspondientes a los emperadores más importantes o a las
diferentes dinastías. En la época de la República, el término romano se aplica
casi únicamente al arte realizado en la ciudad de Roma, que conserva la huella
de su pasado etrusco. Durante los dos últimos siglos antes del nacimiento de
Cristo surgió una manera típicamente romana de construir edificios, realizar
esculturas y pintar. Sin embargo, debido a la extraordinaria extensión
geográfica del Imperio romano y a sus diversos pobladores, el arte y la
arquitectura romanos fueron siempre eclécticas y se caracterizaron por emplear
distintos estilos atribuibles a los gustos regionales y a las preferencias de sus
mecenas.
En general, los monumentos romanos se realizaron para glorificar a sus
mecenas más que para expresar la sensibilidad artística de sus creadores.
4.5.1.1 ARQUITECTURA
Nos llega gracias a los escritos de la época, como el De architectura, un tratado
en 10 volúmenes compilado por Vitrubio hacia el final del siglo I a.C.
En la historia de la arquitectura puede considerarse 3 épocas que corresponden

a sus divisiones políticas:
1.- Monarquía (510 a 30 a.C.).- domina un arte de influencia griega (Periodo de
Augusto).
2.- República (30 a.C. a 14 a.C.).-
3.- Imperio (14 a.C. a 315 d.C).- se sintetiza la influencia etrusca y griega, y
elevado al más alto grado de perfección constructiva de grandes
dimensiones.
a) La planificación de la ciudad romana

La típica ciudad colonial romana del periodo final de la República y del pleno
Imperio tuvo una planta rectangular similar a la de los campamentos militares
romanos con dos calles principales —el cardo (de norte a sur) y el decumano
(de este a oeste) —, una cuadrícula de pequeñas calles que dividen la ciudad
en manzanas y un perímetro amurallado con puertas de acceso. Las ciudades
anteriores a la adopción de este tipo de planificación, como la propia Roma,
conservaron el esquema laberíntico de calles sinuosas. El punto focal era el
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foro, por lo general situado en el centro de la ciudad, en la intersección del

cardo y el decumano.
Las primeras basílicas se levantaron a comienzos del siglo II a.C. en el propio
foro romano, pero es en Pompeya donde se encuentran los ejemplos de
basílicas más antiguas y mejor conservadas (c. 120 a.C.).
b) Los templos romanos

El templo principal de las ciudades romanas, el Capitolio, estaba por lo general
localizado en un extremo del Foro. El templo romano fue el resultado de una
combinación de elementos griegos y etruscos: planta rectangular, tejado a dos
aguas, vestíbulo profundo con columnas exentas y una escalera en la fachada
dando acceso a su alto podio o plinto. Los romanos conservaron los
tradicionales órdenes o cánones griegos (dórico, jónico y corintio), pero
inventaron otros dos: el toscano, una especie de orden dórico sin estrías en el
fuste, y el compuesto, con un capitel creado a partir de la mezcla de elementos
jónicos y corintios. La Maison Carrée de la ciudad francesa de Nimes (c. 16
d.C.) es un ejemplo excelente de la tipología de templos romanos.
c) Las tiendas y los mercados

Los edificios lúdicos y las tiendas estaban diseminados por toda la ciudad de
Roma. Generalmente las tiendas eran unidades de una habitación (tabernae)
abiertas a las aceras. Se construyó un complejo unificado de tiendas, como los
mercados de Trajano (98-117 a.C.) en la colina del Quirinal en Roma, que
incorporaban numerosos locales comerciales (tabernae) en diferentes niveles y
grandes vestíbulos abovedados de dos pisos.
d) Los teatros y anfiteatros

Los teatros romanos aparecieron por primera vez al final del periodo
republicano. Constaban de un alto escenario junto a un foso semicircular
(orchestra) y un área circundante de asientos dispuestos en gradas (cávea). A
diferencia de los teatros griegos, situados en pendientes naturales, los teatros
romanos se construyeron sobre una estructura de pilares y bóvedas y de esta
manera pudieron ubicarse en el corazón de las ciudades. Los teatros fueron
populares en todos los lugares del Imperio. Podemos encontrar ejemplos
impresionantes en Orange (principios del siglo I d.C., Francia) y en Şabrātah
(finales del siglo I d.C., Libia). Los teatros de Itálica y de Mérida fueron
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realizados en tiempos de Augusto y de Agripa, respectivamente. El segundo de

ellos, aunque presenta diferentes fases constructivas, destaca por su pórtico a
modo de gran fachada trasera del escenario (frons scaenae) del siglo I d.C. y
por su orchestra semicircular.
Los anfiteatros (literalmente, teatros dobles) tenían planta elíptica con una pista
(arena) central, donde se celebraban combates entre gladiadores y animales, y
un graderío alrededor similar al de los teatros. El anfiteatro más antiguo
conocido es el de Pompeya (75 a.C.) y el más grande es el Coliseo de Roma
(80 d.C.), que podía albergar a unos 50.000 espectadores sentados, más o
menos la capacidad actual de los estadios deportivos. En la Hispania romana
destacan los anfiteatros de Mérida, Tarragona e Itálica. También se
construyeron circos o hipódromos en las ciudades más importantes; la Piazza
Navona de Roma ocupa el lugar de un circo que fue construido durante el
reinado de Domiciano (81-96 d.C.).
e) Los baños públicos o termas

Tanto las ciudades grandes como las pequeñas, tuvieron termas o baños
públicos.
Se componían generalmente con un vestuario

(apodyterium) y habitaciones para bañarse con
agua caliente, templada y fría (caldarium,
tepidarium, frigidarium) junto a una zona de
ejercicios llamada palestra. Las termas cerca
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del foro de Pompeya, construidas hacia el siglo II a.C., son un ejemplo

excelente de los modelos más antiguos. Estas estructuras comparativamente
modestas se volvieron progresivamente más grandiosas; como los Baños de
Caracalla (c. 217 d.C.) en Roma tenían incluso bibliotecas, tiendas y enormes
espacios públicos abovedados, decorados con estatuas, mosaicos, pinturas y
estucos.
f) Las obras públicas.

Entre los diversos proyectos de construcciones públicas de los romanos, la red
de puentes y calzadas que facilitaron la comunicación a través de todo el
Imperio y los acueductos que traían el agua a las ciudades desde los
manantiales cercanos (Pont du Gard, siglo I a.C., cerca de Nimes), son los más
extraordinarios.
El puente de Alcántara sobre el río Tajo, en Cáceres (España), puede ser
considerado como una gran obra de ingeniería, gracias a la combinación del
arco y la bóveda.
g) Las viviendas
Aunque los edificios públicos fueron las construcciones urbanas más grandes y
costosas, la mayor parte de la ciudad de Roma estaba ocupada por viviendas
particulares.
- La domus o casa romana.- Las viviendas unifamiliares se construyeron con
una amplia variedad de formas y tamaños, pero las domus romanas
generalmente mostraron preferencia por la simetría axial, que caracteriza
también la mayor parte de la arquitectura pública.
- La villa y el palacio.-Las villas suburbanas, como las que pertenecieron a

Cicerón, el orador y hombre de estado, y a otros romanos famosos,
incorporaron grandes terrenos, lagos, santuarios y complejos termales. La más
extraordinaria de las villas imperiales conservadas es la de Adriano en Tívoli
(iniciada el 118 a.C.). El primer emperador, Augusto, que reinó desde el 27 a.C.
al 14 d.C., vivió en una residencia relativamente austera en la colina Palatina en
Roma, pero Domiciano ordenó construir a su lado un gran palacio imperial
(iniciado aproximadamente el 81 d.C.). La domus augustea de Domiciano sirvió
también como cuartel general de los emperadores posteriores. Tuvo grandes
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salones de recepción, comedores públicos, fuentes y un jardín en forma de

estadio, además de un ala residencial.
- La insulae.- Los ciudadanos del periodo imperial que no pudieron permitirse

tener viviendas particulares, vivían en insula, viviendas colectivas de muchos
pisos, construidas de ladrillo y argamasa, similares a los edificios de
apartamentos actuales. Los ejemplos mejor conservados, fechados en los
siglos II y III, están en Ostia, el puerto de Roma en la desembocadura del río
Tíber.
h) Los enterramientos romanos.

Las tumbas romanas, levantadas generalmente junto a las calzadas principales
de entrada a la ciudad, tuvieron una extraordinaria variedad formal porque
reflejaron los gustos personales de sus promotores y porque su función, alojar
los cuerpos o restos incinerados de los muertos, podía adecuarse a cualquier
forma. El emperador Augusto construyó su propio mausoleo en Roma entre los
años 27 y 23 a.C., un gigantesco tambor macizo coronado por un túmulo,
recordando los sepulcros de tierra de la época etrusca.
i) Los materiales y métodos de construcción

El principal material de construcción romano a partir del periodo republicano,
fue el sillar de piedra de cantería local, utilizado junto con vigas de madera,
tejas y baldosas cerámicas. La piedra elegida variaba desde la toba y el
travertino del centro de Italia al brillante mármol blanco importado de Grecia y
Asia Menor o, en tiempos de Julio César, desde Luna (actual Luni, cerca de
Carrara, Italia) y los mármoles policromos traídos desde las canteras de todo el
mundo antiguo. A menudo se utilizaron finas placas de mármol como
revestimiento para cubrir las paredes construidas de sillería o sillarejo ligado
con mortero.
Los mármoles dieron esplendor a las construcciones romanas, al igual que a
los edificios griegos anteriores, pero la argamasa, material equiparable al
hormigón actual inventado por los romanos, les permitió levantar edificios
imposibles de construir con el anterior sistema de estructuras con dintel.
4.5.1.2 LA ESCULTURA
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A lo largo de todo el mundo romano las estatuas y relieves escultóricos

adornaron los edificios públicos y privados. De hecho, algunas construcciones
romanas fueron poco más que soportes monumentales para la escultura.
- Los arcos de triunfo

Los arcos de triunfo levantados en todas las partes del Imperio se destacan
como uno de los monumentos más importantes. Aunque casi ninguno de los
grandes grupos escultóricos (a menudo cuadrigas) que alguna vez remataron
estos arcos ha subsistido, el propósito originario de tales construcciones fue
únicamente servir de soporte a la estatuaria honorífica.
El arco de Constantino
(312-315) de Roma fue
construido para
conmemorar la victoria
de Constantino sobre
Majencio, convirtiéndose
así en el primer monarca
absoluto del Imperio
romano. El triple arco
tiene cuatro columnas
exentas y una
decoración escultórica
compleja. Bridgeman Art
Library, London/New York
Entre los arcos más importantes conservados en Roma están el de Tito (c. 81
d.C.), en el foro romano, y el de Constantino (312-315 d.C.) cerca del Coliseo.
En los dos bajorrelieves del arco de Tito se representa el desfile triunfal del
emperador con los tesoros del gran templo de Jerusalén.
- Las columnas rostrales y los altares

Ocasionalmente se levantaron también columnas historiadas, con frisos de
bajorrelieves en espiral, que relataban con gran detalle las campañas militares
de los romanos. La primera y más grande de ellas fue la del Foro de Trajano
(113 d.C.) de Roma, levantada por el arquitecto Apolodoro de Damasco.
-Los estilos escultóricos

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El estilo de los relieves escultóricos del Imperio se extiende desde el consciente

neoclasicismo griego de los frisos del Ara Pacis al esquemático, frontal e
hierático estilo de los nuevos bajorrelieves labrados para el arco de
Constantino.
- Los relieves funerarios

Los encargos privados de esculturas en relieve se hicieron por lo general en
contextos funerarios. Los comerciantes prósperos, como el panadero
Eurysaces, hicieron inmortalizar en sus mausoleos las actividades comerciales
realizadas en vida.
- La escultura exenta
En la estatuaria de bulto redondo utilizaron los mismos materiales pétreos,
aunque se hicieron también gran cantidad de estatuas en bronce o incluso en
oro y plata. La estatua ecuestre en bronce (c. 175 d.C.) del emperador Marco
Aurelio en la plaza del Capitolio en Roma (conservada únicamente porque se
creyó que representaba a Constantino), el busto en oro del mismo emperador
en Avenches (Museo Cantonal de Arqueología e Historia, Lausana, Suiza) y el
busto de plata (Museo de Antigüedades de Turín, Italia) de Lucio Aurelio Vero,
corregente (161-169 d.C.) con Marco Aurelio, son excepciones notables.
- Los retratos escultóricos

El retrato escultórico romano compone uno de los grandes capítulos en la
historia del arte antiguo. Los retratos conservados varían en tamaño, desde
bustos pequeñísimos a enormes estatuas como la de Constantino I el Grande
(c. 315 d.C.-330 d.C.), ubicada en su basílica del foro romano.
4.5.1.3 LA PINTURA
Actualmente se conservan pocas tablas pintadas, pero se sabe por la literatura
antigua que los artistas romanos elaboraron sobre este soporte una gran
variedad de temas, incluyendo acontecimientos históricos, mitos, escenas de
vida cotidiana, retratos y bodegones.
- Los retratos pintados

En el periodo de la Roma imperial, los retratos pintados están tipificados por
unas tablas que han aparecido en diferentes lugares de Egipto. Estas pinturas,
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tradicionalmente denominadas retratos del Fayum, por la región al norte de

Egipto donde fueron descubiertas, están realizadas con la técnica de la
encáustica, un método que disuelve los pigmentos en cera fundida.
- La pintura mural
La pintura mural, en cambio, está bien documentada, sobre todo en Pompeya y
en las otras ciudades que fueron enterradas en el año 79 d.C. por la erupción
del volcán Vesubio. Se distinguen cuatro etapas denominadas estilos
pompeyanos.
4.5.1.4 OTRAS ARTES; mosaicos, gemas, vidrio.

Dondequiera que existieran pinturas murales, es probable que también hubiera
suelos policromos. Éstos estaban pintados de forma sencilla, a menudo con
tonos uniformes, pero en muchos casos se completaron con baldosas de
mármol de colores o pequeños paralelepípedos vítreos (teselas) formando
mosaicos.
- Los mosaicos
En todas las partes del Imperio se han encontrado mosaicos romanos. Oscilan
desde los modelos abstractos de teselas blancas y negras hasta las ambiciosas
composiciones figurativas policromas, como el gran suelo de la casa del Fauno
en Pompeya, que se cree reproduce una pintura griega del siglo IV a.C. sobre
la batalla de Isos, un encuentro entre los ejércitos de Alejandro Magno y el rey
Darío III de Persia. A menudo los techos romanos estuvieron pintados o
recubiertos de mosaicos, pero también se decoraron con relieves policromos de
estuco. Se han excavado hermosas bóvedas estucadas en la casa Farnesina
(20 a.C.) y en la tumba de los Pancratii en Roma (160 d.C.).
- Las gemas, los camafeos, la metalistería y la cristalería

En la Roma antigua las denominadas artes menores, la metalistería, el tallado
de gemas o el soplado y moldeado del vidrio, aunque tuvieron un desarrollo
menor, fueron muy apreciadas.
El vidrio romano, a pesar de su fragilidad, se ha
conservado en cantidades considerables. La
fabricación incluyó las técnicas del vidrio moldeado y
del vidrio soplado, además de variantes lujosas como
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los camafeos de cristal (vaso Portland, siglo I d.C., Museo Británico de

Londres), los mosaicos vítreos (ejemplos del siglo I a.C. en el Museo del Vidrio
de Corning, Nueva York), los fondos de oro (vidrios decorados por el reverso
con pan de oro, ejemplos varios del siglo IV d.C. en el Museo Metropolitano de
Nueva York) y la diatreta (vasos torneados), vasijas de cristal de una pieza con
figuras talladas en altorrelieve sobre la superficie exterior (vaso Licurgo, siglo IV
d.C., Museo Británico).
El vaso Pórtland, (Museo Británico, Londres), realizado en el siglo I d.C. y decorado con
pasajes del mito de Peleo y Tetis, constituye el punto culminante de la cristalería romana
y un excelente ejemplo de los camafeos de cristal. Primero, se soplaba el cristal azul para
conseguir la forma. Luego, estando aún templado y viscoso, se cubría con una capa de
cristal blanco que se fundía con el cristal azul. Finalmente el artista eliminaba de forma
selectiva, según un diseño previo, el cristal blanco y descubría el azul de debajo.
- Influencia
El arte y la arquitectura de Roma marcaron una profunda impronta no sólo en el
arte posterior de la edad media sino también en los periodos renacentistas y
barroco, e incluso en gran parte del arte contemporáneo que muestra algunos
rasgos heredados del pasado romano. 8
4.6 ARTE CRISTIANO PRIMITIVO S. IV
A partir de Cristo se cuenta la era cristiana, surgen creencias, cambios sociales,

revolución espiritual.
El arte cristiano surge después de 300 años con expresión cristiana más que
artística.
- En esta época el único lugar respetado por las leyes romanas eran las tumbas
y los cristianos de entonces tuvieron la idea de recurrir al arte para propagar la
fe cristiana y recurrieron a:
LAS CATACUMBAS.- subterráneos con pasadizos que albergaron a los

difuntos, tenían paredes con simbolizaciones de cristo con sus hechos,
milagros y otras representaciones:
Trigo: pan, cuerpo de Cristo.
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Vid: vino, la sangre de Cristo
Cordero: Cristo
Cruces: romana
Latina
Simbolización divina:
Sus manifiestos se basaban en simbolizaciones.
c) ARQUITECTURA.
En 1313 se dio libertad de practicar la fe cristiana; con el fin de juntar a la
gente a rendir culto, se construyeron las Basílicas.
- Las primeras manifestaciones de culto religioso, se realizaron en las basílicas
romanas (paganos).
En otros lugares se comienza a construir basílicas cristianas, siguiendo los
modelos de las basílicas romanas que estaban compuestos de tres naves.
Ventana
Posteriormente se vuelve a tomar las bóvedas, las cúpulas con formas de cruz,
vista de plano.
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ábside
altar
capilla
bautisterio
Atrio
Las esculturas que sirven como decoración se realizan en relieve, teniendo en

cuenta la simbolización de la imagen de Cristo.
Posteriormente se crean imagen figurativa o reales: la pasión y muerte,
crucifixión, los milagros (esto se aprecia en el arte bizantino románico). La
pintura que sirve de decoración de algunos sectores de los muros de la
basílica.
b) ESCULTURA.
Se inicia prácticamente en la época constantiniana, como continuación de la
técnica clásica, siendo su tema preferido el Buen Pastor (primera
representación de Cristo, joven, imberbe, de cara cuadrada y cabello ondulado,
fue así hasta el siglo V en que se le representa con barba.)
- Escultura en relieve, en los sarcófagos de los difuntos, hechos en mármol,
piedra o madera, simbolizaciones representativas de Cristo. Es famoso el
sarcófago de Junio Basso, en Rávena y “Tumba de San Vicente” en Valencia,
España.
c) LA PINTURA.
Las principales manifestaciones pictóricas se dan en las Catacumbas; su
pintura es de carácter simbolista, los símbolos más usados son la cruz, el
monograma de Cristo, el cordero, la paloma, la rama de olivo y laurel (vistos
líneas anteriores). Su técnica es impresionista, en base a colores vivos. Las
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Catacumbas más conocidas son Priscila, San Sebastián, San Alejandro y San
Calixto.
4.7 ARTE BIZANTINO
Con casi las mismas características del cristiano primitivo, tenía como fin
propagar el cristianismo.
Arte y arquitectura bizantinas, conjunto de manifestaciones artísticas
desarrolladas en el Imperio romano de Oriente. La capital de este estado fue
Constantinopla, la antigua ciudad griega de Bizancio, que el emperador romano
Constantino I el Grande refundo el año 330 con su nombre. La duración del
Imperio bizantino se prolongó durante casi 1.000 años, desde la caída del
Imperio romano de Occidente en el año 476 hasta la toma de Constantinopla
por los otomanos en 1453. Su hegemonía se extendió hacia el Mediterráneo
por el oeste y hasta Armenia por el este. La mayor parte del arte bizantino
comparte la cualidad abstracta de los iconos.
El arte y la arquitectura bizantinos evolucionaron para satisfacer las
necesidades de la Iglesia ortodoxa. A diferencia de la Iglesia católica, en la que
la veneración de las santas reliquias fue habitual hasta el final de la edad
media, la Iglesia oriental promovió el culto popular a los iconos. Estos retratos
de santos y vírgenes, representados en posición frontal, solían ser imágenes
estilizadas. Aunque podían realizarse sobre distintos soportes, como pinturas
murales o mosaicos, generalmente se pintaban sobre pequeñas tablas.
El arte bizantino, por tanto, nunca perdió por completo su herencia helenística,
que de hecho se mantuvo como una fuente importante de inspiración y
renovación, aunque en este proceso hubo que adoptar el carácter de la fe
ortodoxa. El arte paleocristiano de los siglos III y IV asumió el estilo y las formas
del paganismo clásico, y evitó el modelado de bulto redondo para eliminar la
representación material de las figuras sagradas. La escultura se limitó así a
unas placas de marfil, generalmente dípticos, esculpidas en bajorrelieve para
minimizar los efectos escultóricos.
Los mosaicos fueron el método habitual para la
decoración de las iglesias bizantinas.
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San Marcos, Venecia. En su origen, la iglesia de San Marcos fue construida, entre el 829 y el
832, para albergar el cuerpo de san Marcos cuando fue llevado de Alejandría a Venecia en el
año 828. La basílica actual está fechada en el siglo XI. Los arcos de medio punto y las cúpulas
están claramente influenciadas por el estilo arquitectónico bizantino.Robert Harding Picture
Library/Roy Rainford
4.8 ARTE ROMÁNICO

Es el recuerdo ó estudio de la cultura clásica romana. Fusión del arte bizantino
con la Roma clásica (antigua), domina las bóvedas y cúpulas; construcciones
fuertes, muros anchos y características monumentales.
Románico (arte y arquitectura), estilo artístico que floreció en Europa desde
aproximadamente el año 1000 d.C. hasta la aparición, en la segunda mitad del
siglo XII, del estilo gótico. Se desarrolló principalmente en el campo de la
arquitectura, aunque también se aplicó a la escultura, la pintura y las artes
decorativas.
Desde el siglo V, la Iglesia, único vínculo supranacional que agrupaba a los

Estados cristianos de Europa occidental, había contribuido a la difusión de la
cultura clásica desde su centro en Roma. Las tradiciones romanas se
conservaron en otras regiones fuera de Italia, como en el valle del río Mosa,
que había sido romanizado mucho tiempo antes de la caída del Imperio, y en
Provenza, en la Francia meridional. Esto, unido en ciertas zonas a la influencia
del arte bizantino y a los estilos prerrománicos locales, dio lugar en Europa a lo
que se conoce por nombre genérico de románico, que quiere decir ‘a la manera
de los romanos’
a) ARQUITECTURA.
Los elementos característicos de la arquitectura románica son el uso de: planta
de cruz latina, arco de medio punto, bóveda de cañón, pesadas columnas y
robustos contrafuertes. Otros elementos son: torres, generalmente prismáticas,
cúpula en el crucero, arquivoltas en la fachada, el tímpano, los capiteles.
b) ESCULTURA.
Esta supeditada a la arquitectura, presentan rigidez y falta de flexibilidad;
además de gran desproporción entre los miembros, brazos y piernas muy
largas o manos con dedos largísimo (en el cuerpo humano).
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Su decoración emplea motivos geométricos, escenas bíblicas y animales

fantásticos para las gárgolas.
c) PINTURA.
También está supeditada a la arquitectura, sobre todo para cubrir los grandes
muros. La técnica de la pintura románica es esquemática y convencional. Se
dio en gran profusión en España, Francia, Alemania y otros.
4.9 ARTE GÓTICO

El arte gótico (arte y arquitectura); es un estilo artístico europeo con una
cronología que oscila entre aproximadamente el año 1140 y las primeras
décadas del siglo XVI, según las áreas geográficas. Se desarrolló en el campo
de la arquitectura civil y religiosa, la escultura, las vidrieras, la pintura mural y
sobre tabla, los manuscritos miniados (códices caligráficos, o rollos y libros
dibujados a mano, enriquecidos por los artistas con decoraciones y pinturas) y
las diversas artes decorativas. El término gótico fue empleado por primera vez
por los tratadistas del renacimiento, en sentido peyorativo, para referirse al arte
de la edad media, al que ellos consideraban inferior y bárbaro (godo, de ahí el
término gótico) comparado con el arte clásico. En el siglo XIX se produjo una
revalorización de este periodo debido a movimientos historicistas y románticos.
El gótico apareció a continuación del románico, a lo largo de la baja edad
media, y hoy día se considera uno de los momentos más importantes desde el
punto de vista artístico en Europa.
a) ARQUITECTURA. Características:
- Planta; Basílica cruciforme con nave transversal y ábside poligonal. Es
ampliada la girola, a la cual se agrega una corona de capilla (absidiolos).
- Naves; las laterales eran la mitad de anchas que la nave central.
- Ventanas ojivales y circulares (rosetones) en la fachada o en la parte posterior
del templo de grandes dimensiones, el gótico no presenta nunca sus muros
lisos.
- Decoraciones de las ventanas son hechas basándose en vitrales.
- Los rosetones pueden tener formas de santos, flores, etc.
- También la parte de las naves del templo tenían características ojivales.
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- Bóveda de crucería o de arista; al cortarse entre sí dos ojivas o arcos

apuntados. Nunca es continua como la bóveda románica de cañón; bóveda
gótica esta dividida en tramos por arcos forneros que se inician en los pilares.
- Los arbotantes o segmentos de arcos, contrarrestan el peso de de la bóveda
sobre los pilares.
-En torno a las naves colaterales corre una galería superior o triforio.
- Los pilares, están divididos en tantas columnas como arcos y nervios tengan
que soportar.
- En algunos sectores, se aprecian las puertas de bronce o hierro con
decoraciones en relieve con representaciones del antiguo testamento.
El arte gótico es un conjunto homogéneo y trabado, que cuido todos los
detalles.
- La arquitectura civil: constituida por un patio rodeado de habitaciones.
- Destacó en España y Francia.
b) ESCULTURA.
Tendencia al realismo expresivo de los estados de ánimo; esta supeditada a la
arquitectura como medio de ornamentación.
c) PINTURA. Más personal; surge un nuevo arte, el de los vitrales

policromados para cubrir los grandes vanos de los muros. Sobresales los
vitrales de las catedrales de Chartes y Bourges y Troyes.
* Renacimiento.- vuelta a lo antiguo.
4.10 ARTE DEL RENACIMIENTO O RENACENTISTA

En Florencia (cuna de su nacimiento), Roma, Venecia
Se desarrolla en el S. XVI en Arquitectura, Pintura, escultura.
- Características: es un regreso o vuelta a lo que significó el preocuparse por:
1. Arte greco-romano, agregándole el interés por el hombre (persona y alma)
2. Presencia de la naturaleza como elemento donde habita y subsiste el
hombre.
Dios : arte cristiano primitivo
Santos : pre-humanista
hombre : humanista
Hombre y naturaleza: renacimiento (hombre en el mismo plano se
espiritualiza)
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* Características del renacimiento:

1- Estudio del arte greco-romano
2- Preocupación por el hombre
3- Preocupación por la naturaleza
Italia, Holanda, España, Francia, Alemania, Inglaterra se dedicaron a apreciar el

arte.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO.
- PRERENACIMIENTO O TRECENTO; Siglos XIII y XIV; coincide con el

periodo gótico europeo.
- QUATROCENTO; llega a fines del siglo XV; se desarrolla en las ciudades.
- CINCUECENTO, abarca todo el siglo XVI, su sede central es Roma.
a) ARQUITECTURA DEL RENACIMIENTO.

- Surge un estilo “colosal” mediante el empleo de columnas (órdenes clásicos,
dóricos, jónicos y corintios) con un estilo personal.
- Se prioriza su uso a la arquitectura civil.
En la arquitectura religiosa empleo de la cúpula y los “ojos de buey”, muros
robustos, bóveda de “cañón seguido”, arcos de medio punto, ventanas
gemelas, alféizar saliente o en forma de tabernáculo.
b) ESCULTURA DEL RENACIMIENTO.

Basándose en la escultura greco-romana retomó lo clásico, reproduciendo las
formas humanas con todo su realismo y expresión.
Cubre toda la superficie de los muros como un sutil manto; posteriormente se
realizan escultura en bulto y complementa y adorna el conjunto arquitectónico.
- La escultura es en forma aislada individual (como recuerdo, memoria de los
difuntos). Ya en el barroco se utilizan estatuas de grupos de personas. Algunas
estatuas son de gran tamaño: El David de Miguel Ángel (9mts., sentado),
Moisés de Miguel Ángel (2.50 mts.), La Piedad de Miguel Ángel, todos hechos
en mármol.
- Lo que persigue el renacimiento tanto en pintura como escultura es
representar a la naturaleza con todo su realismo y naturalidad.
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- Emplearon como elementos:

- Policromía natural; emplearon diversos materiales que al ser combinados
reflejaban una diversidad de tonos; ejemplo, usaron mármol blanco en las
paredes que combinaba con el color de la piedra en las paredes.
- Esgrafiado, consiste en realizar en las paredes finos relieves pintados en dos
colores.
- Los frescos y mosaicos; llenan las cúpulas y paredes interiores de la
construcción, se empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy
llamativos.
- Los frontones, de origen romano, era usado rectilíneo, pero en ocasiones
podía ser triangular o curvilíneo.
- Pilastras, son columnas contiguas a una pared, de origen romano.
c) LA PINTURA.
- En su apogeo surge Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio, Tiziano,
Tintoretto, Veronés y otros pintores que más destacaron tanto en Florencia
como en Venecia, así como otros seguidores. Sobresalieron no solo pintores y
escultores, sino también los arquitectos.
- Leonardo da Vinci, es el máximo exponente de esta época, su obra más

resaltante es “La Última cena”, ubicada en uno de los muros de Santa María de
las Gracias en Milán y la que destaca inconfundiblemente en el renacimiento
“La Gioconda ó Monalisa”.
- Miguel Ángel Buonarotti.- pintor, escultor, arquitecto que posee una poderosa
fuerza en la concepción y gran vigor en la ejecución de sus grandiosas obras.
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Entre las obras más notables que legó a la humanidad en cuanto a escultura
tenemos a “El Moisés”, “El David”, “la Piedad” y en cuanto a pintura lo más
destacado es la capilla Sixtina, fresco en el muro posterior del Altar Mayor, en
la que representa escenas del juicio final y, y en la bóveda de la misma capilla
con representaciones de escenas bíblicas del antiguo y nuevo testamento.
Sus personajes tanto pintados como esculpidos presentan mucho vigor y

fuerza, tanto en lo femenino como en lo masculino, es el autor que por La
grandiosidad de su composición y del movimiento que impregna a sus
personajes, sirve de motivo e inspiración para el surgimiento del estilo barroco.
- Rafael Sanzio.- pintor que se aficiona al estudio de la antigüedad y de los

grandes maestros florentinos. Fue un excelente retratista y realizó infinidad de
asuntos mitológicos y religiosos. Donde destaca más es cuando realiza sus
incomparables madonas (debido a que no tuvo madre y por la necesidad
maternal).
- Tiziano.- Pintor de los príncipes que realiza extraordinarios retratos de la

nobleza de su época así como asuntos también mitológicos y religiosos.
Destacan con la misma importancia que los anteriores. Los pintores venecianos
Tintoretto con sus creaciones de tendencia barroca muy realista y abundante y
el “Veronés” realizador de grandes composiciones en algunos ambientes de la
capilla Sixtina.
En Alemania:
Destacan: el excelente pintor Alberto Durero, que realiza numerosas obras de
carácter religioso, a veces retratos y en otras obras sombrías y fantásticas.
En España:
Destacan los pintores Juan de Juanes con sus obras de gran unción cristiana.
Luis de Morales, también con características de ardiente piedad cristiana y
posee cierta elegancia en el dibujo.
Alonso Sánchez, llamado Coello, también realizador de obras religiosas aunque
les imprime cierta rigidez a sus personajes.
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Arte Pre-humanístico: Siglo XIV (Florentino). Surge una concepción de

realizar el arte sin alejarse de lo místico, escenas de muchos santos y mártires
de la fe cristiana, escenas del nuevo testamento: anunciación, presentación de
la virgen, nacimiento de Cristo, su vida; siempre agregando santos a sus
dibujos.
Renacimiento en Italia:
Arte humanístico: desarrollado en Florencia, pertenece al Siglo XV, en este
periodo se toma otra nueva concepción del arte, es la presencia física o
espiritual del hombre, se deja de lado las representaciones místicas, se destaca
la presencia humana como máxima creación de Dios (en la literatura, etc).
4.11 EL BARROCO.
Se inicia en Italia en el Siglo XVI, hasta el S XVIII de su apogeo; el barroco se
difundió por Europa hasta Rusia y toda América, generándose características
propias en cada lugar.
En este arte hay predilección por el naturalismo, dinamismo y los efectos
ópticos, hay composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida
de santos y de Cristo, en marcados dentro de esquemas asimétricos.
Las representaciones de gente de pueblo aparecen con sus vestimentas
normales a diferencia de los personajes de la alta sociedad en la que sus
vestimentas son más adornadas, usan pelucas, encajes, zapatos estilizados,
sombreros, etc. Lo que más caracteriza al barroco es el manejo de las luces y
sombras, la intensidad dramática y el empleo del color.
- En Italia se produjeron dos corrientes pictóricas o estilos: el ecléctico y el
clasista. Destaca Miguel Angel Merisi.
- En Francia destacó Nicolás Poussin.
- En España, el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente
por Francisco de Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban Murillo.
- En los Países Bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca en Flandes
con apogeo en el Siglo XVI, representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van
Dick y Jacob Jordanes; y la holandesa, que produjo un nuevo estilo donde
destacan Rembrandt H. Van Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
a) ARQUITECTURA.
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Los dos tipos de obra arquitectónica que desarrolla el barroco son las Iglesias y
el Palacio; la primera con un estilo típico de dos torres laterales que enmarcan
la gran linterna de la cúpula; el Palacio que toma como modelo el Palacio de
Versalles (Francia), consistente en una larga edificación de varias plantas, cuyo
cuerpo central contiene una densidad de elementos decorativos y forma un
frontis de gran valor artístico.
b) ESCULTURA. Características:
- Movimiento, figuras que representan alguna acción violenta y en actitudes de
esfuerzo y tensión. Las ropas participan también de esta agitación y se arrugan
en pliegues que revolotean como sacudidas por el viento.
- Patetismo; gusta de la expresión de estados anímicos emotivos tales como
miedo, éxtasis, ansiedad, etc. que los rostros traducen con realismo.
- Claroscuro; se busca efectos propios de la pintura, de manera que los cuerpos
se perciben como envueltos en un atmósfera luminosa.
- Teatralidad, existe una propensión a lo exagerado y a las actitudes elocuentes
que hacen de ella una representación dramática.
c) PINTURA.
Hay una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos
ópticos; aparecen composiciones de naturaleza muerta como los bodegones,
animales, vida de santos y de Cristo enmarcados en esquemas asimétricos.
4.12 ROCOCO
Siglo XVIII, sucedió al barroco y fue anterior al neoclásico, su nombre lo debe al
francés Rocaille, que designaba así a sus jardines renacentista decorados con
conchas. Floreció principalmente en Francia junto al barroco inicialmente.
Surge como los estudiosos afirman que nació en repuesta al barroco por su
extrema ornamentación); mientras que la arquitectura conservaba su rigidez de
origen clásico, los elementos del rococó aportaron fantasía y elegancia a las
construcciones, pero fue la decoración interior la que destacó.
Es un estilo eminentemente aristocrático, muy de l Corte de Versalles.
a) ARQUITECTURA.
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No se manifiesta en profusión en las fachadas (exterior), ya que es más

intimismo, en algunas fachadas solo le añade algunos elementos, el Alemania
tuvo gran aceptación y por ello destaca el palacio de Sans Souci de Federico II.
b) ESCULTURA.
Gran profusión de obras en el interior del Palacio de Versalles; adquirió gran
difusión las elegantes figuritas de porcelana de Sevres; escultores franceses
destacados son Lorrain y LEMOINE.
c) PINTURA.
Sobresales los pintores: Wateau, que refleja escenas de la vida cortesana;
destaca por la suavidad y delicadeza de su colorido, sus obras principales son
“El Minué”, “EL embarque para Citerea”, “Desayuno sobre la hierba”; el pintor
Boucher fue protegido de Madame Pompadour y pintó cuadros mitológicos; el
tercer pintor fue Fregonard con su obra “El columpio” se le puede considerar
como precedente del romanticismo.
4.13 NEOCLASICISMO
Movimiento que se produjo en Europa a fines del siglo XVIII al decaer el estilo
barroco y que aspira a restaurar el gusto y las normas del clasicismo. En esta
época el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha importancia el
dibujo, el color solo es complemento. Este arte trató de imitar los estilos
utilizados en Grecia y Roma influenciados por los descubrimientos
arqueológicos de Pompeya y Herculano.
Características:
- Inspiración por las obras clásicas, se tienen por perfectas y definitivas.
- Aspiración de belleza ideal dada por las medidas exactas y relación de las
partes.
- En artes plásticas, dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes
modelados que dan la sensación de redondez del cuerpo, colorido suave y
composición simétrica y estática.
a) ARQUITECTURA.
Simetría, elegancia y sobriedad, emplearon un solo orden (dórico, jónico o
corintio) no la mezcla como en el barroco; pusieron énfasis sobre los valores
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lumínicos y en algunos casos eliminación del color; mayor gusto por los Arcos
de Triunfo y las columnas conmemorativas.
b) ESCULTURA.
Centran su interés en los ideales estéticos y procedimientos técnicos de la
estatuaria antigua, destacó el italiano Canova, el danés Thorvaldsen que
estudió en Roma.
c) PINTURA.
El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo fue David,
e influenció en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y Prud´hon.
4.14 ROMANTICISMO
Aparece en Francia a inicio del Siglo XIX como reacción violenta contra la
frialdad del neoclasicismo; si este significaba la razón, serenidad y límite, el
romanticismo era imaginación, pasión e infinito. En lo político la reacción fue
contra el absolutismo paternalista del despotismo Ilustrado.
Características:
- Subjetividad, el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e
ideas íntimas.
- Libertad de expresión, no hay reglas fijas, cada artista puede manifestarse
según su gusto y según las exigencias de la propia obra.
- Supremacía del fondo sobre la forma, lo importante es que el artista expresa y
no como lo hace.
a) ESCULTURA.
Representó una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una
libertad y eclecticismo absoluto, se abandonaron los modelos de la antigüedad
clásica a favor de los ideales medievales.
b) PINTURA.
Predominio del color sobre la forma; eran composiciones dinámicas. De gran
movimiento, los temas eran tomados de la literatura e historia medievales y de
la realidad pintoresca. Artistas que sobresalieron: Gericaúlt, Delacroix,
Francisco de Goya y Caspar Friedrich.
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4.15 REALISMO
Surge como oposición al idealismo de los clásicos y románticos, propone una
realidad objetivo de las temas de la vida diaria; el hombre debe aparece en su
ambiente habitual y trabajo cotidiano.
El término realismo fue adoptado por un artístico que apareció en Francia a raíz
de la revolución de 1848 y que tuvo como representante al pintor Gustav
Courbet, cuyo arte representó las inquietudes sociales que invadieron Europa a
mediados del Siglo XIX. Características:
- Temas de la vida real, escenas de la vida humilde y trabajadora expuestos
con sentido de crítica social.
- Presentación de lo bello y feo tal como son, sin idealizarlos.
- Dibujo vigoroso, aunque no correcto; colorido sobrio e interés por los
contrastes del claroscuro
- Uso de la técnica; que proporciona la más completa identificación entre lo
pintado y la naturaleza.
Destacan: Gustav Courbet, Daumier y Rosseau.
4.16 ARTE MODERNO O MODERNISMO.
La producción artística de la mitad del S. XX no es tan vasta por estar realizada

en una época de crisis. El espíritu científico, las necesidades materiales de una
época en la que la industria y el maquinismo llegan a un insospechado
desarrollo y, la falta de unidad en todos los terrenos de la vida espiritual,
contribuyendo al surgimiento de un arte quebrantado, el arte quebrantado; de
arte resultado del exacerbado individualismo de absoluta libertad que hace
tabla rasa de los dogmas estáticos tradicionales. No existe una tendencia
dominante que sirva de denominador común a la primera mitad del siglo XX.
Se abandona el realismo que tomaba su punto de apoyo en la naturaleza,
ahora es la visión subjetiva lo que le interesa.
a) EN LA ARQUITECTURA.- la presencia del hierro y el hormigón armado son

determinantes. Se construyeron grandes y sólidos edificios de gran altura. La
utilización del vidrio y la electricidad en gran escala forman parte muy
importante de las construcciones contemporáneas. Prima el criterio utilitario de
las construcciones, colocando el mayor número de habitantes en el menor
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espacio posible; de ahí las construcciones elevadas y de muchos pisos con

rasgos modernos y líneas simples.
Renacimiento S. XVI
Barroco S. XVII
Rococó S. XVIII
Neo clásico S. XVIII (fines) y S XIX
Romanticismo S. XIX
Realismo S. XIX
Impresionismo S. XIX (1874)
(Posiblemente da origen a la pintura moderna-25 años)
Post-impresionismo S. XX
Fauvismo
Cubismo
1er. arte clásico que descompone las formas naturales
Expresionismo
Surrealismo
A medida que pierden su forma natural se vuelve Abstracto pasando por

secuencias como el tachismo o manchismo, se elimina todo lo que es
sugerencia de forma y de color.
b) LA ESCULTURA.- siente los efectos de la geometrización de sus

volúmenes. Se realiza escultura con mucha armonía, equilibrio, simetría y con
tendencia al constructivismo.
c) LA PINTURA.- se multiplica en infinidad de tendencias debido a la gran

capacidad creadora y a las innovaciones filosóficas de los artistas. Se continúa
con la preocupación de la difusión y estudio del impresionismo, consecuencia
del cual surge el post-impresionismo, el fauvismo, el cubismo, el expresionismo,
el surrealismo y otros “ismos” que forman parte de toda época que domina el
siglo XX.
4.17 EL IMPRESIONISMO.
Nace el 15 de Abril de 1874 en París, Francia; al exponer en dicha ciudad un
grupo de pintores rechazados en otras galerías, el nombre lo toman en formal
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circunstancial, al ser llamados por un crítico en forma despectiva: los

impresionistas. Estos autores surgieron al llegar a una madurez de
pensamiento histórico, político, sentimental, filosófico y científico. El
impresionismo fue un movimiento artístico que se propuso como fin primordial
la representación de la luz y de la atmósfera, para lo cual se valieron
solamente de la naturaleza y su técnica revolucionaria.
Destaca: Renoir, “La lectora”; Claude Monet, “La Catedral de Roun”; Camille
Pizarro, “Los Tejados rojos”.
-POST IMPRESIONISMO: 1874

- Constituye el periodo de estudio del impresionismo y del establecimiento de
las bases del arte moderno.
- Aporta al arte moderno: el diseño que es abstracto decorativo y
bidimensional, la expresividad emanada del espíritu y el color libre, las
características del Post impresionismo son:
- Simplificación de las formas y su alteración intencional, eliminación de la
perspectiva lineal y riquísimo colorido.
Los representantes de este estilo son Paul Cezanne, “El joven de la chaqueta
roja” ; Vicente Van Gogh, “ Autorretrato”, Los Girasoles”, “El Buen Samaritano”;
Paul Gauguin, “ El Cristo Amarillo”, “ Nafea”; Georges Seraut, “”Bañándose en
el Sena”; Paul Signac, “Palacio de los papas de Avignon” (puntillismo).
4.18 DEL IMPRESIONISMO A LA ACTUALIDAD.

- EL FAUVISMO:
Es un arte esencialmente decorativo, de color intenso, luminoso, alegre, fuerte,
brillante y contrastado, sensitivo.
Simplifica las formas, elimina el volumen y las perspectivas, todos los
elementos aparecen en un solo plano, tiende a la abstracción.
Representantes: Henry Matisse “Bodegón de Naranjas”; Maurice Vlaminck,
“Les Bateaux Lavoirs”; Franz marc, “Ciervos en la floresta”; Andre Derain.,
Raoul Dufy, “ Desfile naval”.
EL EXPRESIONISMO.
Arte de inspiración instintiva llena de expresión subjetiva. Se vale de la
deformación a la figura para expresar su interior. Recurre a la configuración
grotesca para producir conmoción espiritual. Su temática es el hombre, utilizo
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los colores sombríos y tétricos y fuertes contrastes tonales, simplifica la forma

con delineación gruesa y oscura.
Representantes: Georges Ronalt, “Paseo del ‘Pere ubu’”; Vicente Van Gogh,
(precursor); Chaim Soutine, “Naturaleza muerta con arenques”; Edvard Munich
La pintura Expresionista en Perú, queda muy bien representada por la obra de

Sérvulo Gutierrez, “Paisaje iqueño”; y Vítor Humareda, “ El Tango”.
EL CUBISMO:
Es un arte que inicia la abstracción formal o natural. Descompone las formas
reales y las recompone a fin de crear otras formas aplanadas y simples
parecidas al triangulo, cuadrado, círculo. Es unarte abstracto, derivado en
alguna forma de la naturaleza
Representantes: Pablo Picasso,”Tres Músicos”, “La joven del espejo”;
Georges Braque, “As de Trébol”; Juan Gris, Jean Metzinger, “Mujer tejiendo”;
Fernaud Leger
En Perú destaca en la pintura cubista, Carlos López Asín , “El Escultor”,

“Toreros”, “Fiesta en el valle”.
* Surge una serie de “ismos” derivados del arte plástico.
FUTURISMO:
Derivado del cubismo pero con gran movimiento fuerte y violento. Surge como
oposición al (mismo) cubismo y sus colores son muy fuertes e intensos.
Representantes: Marinetti y Gino Severini, “La danza del Tabarín”.
ABSTRACCIÓN PURA.
Es un arte que elimina las formas reales, es un conjunto de líneas, formas y
colores que son de derivación absoluta y de la sensibilidad creadora del artista.
La abstracción pura, es un conjunto de líneas de invención absoluta; su
organización estética lineal y cromática depende más de la fantasía y la
sensibilidad creadora del artista, que de cualquier plan preconcebido de orden
intelectual.
Representante: Wasily Kandisky , “Improvisación Nº 30”
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PURISMO.
Fue la reacción contra el movimiento desenfrenado del Futurismo; prefería la
calma, serenidad, reposo, equilibrio, rigidez y estatismo. En lugar del futuro
prefirió el pasado.
Propulsores el arquitecto Jeanneret (Le Cobusier), “Naturaleza Muerta”; y
Amédeée Ozenfant.
ARTE ABSTRACTO GEOMÉTRICO.

Inspirado problablemente en el aparente movimiento solar, nos presenta una
composición abstracta y simbólica, de típica filosofía platónica.
Sobresale: Auguste Herbin, “Verano Nº 2”.
EL ORFISMO.
Creado por Delaunay y Frank Kupka “Disco de Newton”; se distinguen por
representar discos geométricos entrelazados y pintados con alegres colores.
EL NEO-PLASTICISMO.
Piet Mondrián, “Composición con rojo, amarillo y Azul”; es el maestro
representativo de la pintura abastracta más pura y matemáticas, se le considera
el padre de la arquitectura moderna. Realizó cuadros basándose en
rectángulos y líneas gruesas.
FANTASÍA ABSTRACTA.
Mundo de fantasía, llenos de cosas en alegres movimientos; la decoración
moderna se inspira especialmente en éstas figuras.
Joan Miró, “Carnaval de Arlequín”.
SUPERREALISMO.
Se propone la renovación artística y social mediante la interpretación de
nuestro mundo subconsciente por medio de formas reales, o abstractas de
apariencia real. Es un arte eminentemente literario
Sobresalen, Giorgio de Chirico, “Héctor y Andrómaca”, Max Ernst, Paul
Delvaux, Rene Magritte, “Amanecer en Cayena”, “El Sanador”; Yves Tanguy,
“El mobiliario del tiempo”; Salvador Dalí, “Jirafa en fuego”; Rudolf Hausner.
Entre literatos; Andre Breton.
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EL INFORMALISMO.
Es el arte que se traduce en creaciones de absoluta independencia figurativa,
se basa en contraposiciones de ritmos lineales libres y de manchas de color.
Los Informalistas gráficos (Pintura de Acción): Jackson Pollok, “Actio painting”,

Mark Tobey, Henri Michaux, George Mathieu, Jean Paul Riopelle, “Viento
norte”.
Los Informalistas (representativos): Antonio Tapies “Formas sinuosas”,; Wols
(Wolfgang Schulze), “Composición”; Antonio Corpara.
POP ART.
Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Robert Indiana, Jim Dine, Wayne Thiebaud,
Tom Wesselman.
OP ART.
Josef Albers, Víctor Vasarely, Bridge Riley, Julián Stanczak, Richard
Anuszkiewicz, larry Poons, tadasky.
El Informalismo en el Perú, tiene como máximos representantes a macedonio

de la Torre, Juan Manuel Elespuru, Fernando de Szyszlo, “Puka Wamani”,
Arturo Kubotta y otros.
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4.19 AUTOEVALUCION DEL CAPITULO IV

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1. EL arte surge expresado en las pinturas (rupestres) realizados en cuevas,
la fabricación de puntas de flecha, piedras raspadoras, punzones y otros
en:
a) Paleolítico inferior (25,000 c,C.)
b) Paleolítico Superior
c) En la edad de Bronce
d) En todas las anteriores
e) En ninguna de las anteriores
2. La cultura egipcia destaca por la construcción de sus tumbas, que se

clasifica en:
a) Mastabas
b) Pirámides
c) Hipogeos
d) Mastabas, Pirámides e Hipogeos
3. La “Venus de Milo” descubierta en Melos en 1820, está considerada como

la escultura clásica realizada en mármol más conocida del mundo antiguo;
mide 2.05 m. de altura, representa a Afrodita, diosa del amor y la belleza,
pertenece al:
a) Arte egipcio
b) Arte griego
c) Arte romano
d) Arte Persa
e) Arte cristiano primitivo
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4. Los Arcos de Triunfo, Foro, Basílica, Termas, Anfiteatro, Teatros, Casa son
expresiones de la Arquitectura vil del Arte:
a) Griego b) Romano c) Persa d) Cristiano primitivo e) Todas las culturas
5. Los pintores Vicent Van Gogh, Henry Matisse, Pablo Picasso, Carlos
Lopez Asín, Gino Severino, Wasily Kandisky, Le Cobusier, Joan
Miró,Salvador Dalí, Andy Warhol y fernando de Szyszlo, pertenecen a:
a) Renacimiento
b) Barroco
c) Neoclásico
d) Arte moderno o modernismo
e) Ninguno de los anteriores.
CAPÍTULO V: HISTORIA DEL ARTE

PERUANO
Contenido:
1.- Conocer la historia del Arte peruano; las expresiones artísticas

desarrolladas por las culturas preincas.
2.- Conocer las artes en el Imperio Inca (Tahuantinsuyo), como acumuló

conocimientos, artes y técnicas de los mejores exponentes de las culturas
preincas. Su pensamiento filosófico y político.
3.- Establecer y estudiar los atributos, características y dimensiones del Arte

peruano y la importancia de la influencia europea.
4.- Explicar el apogeo del arte mestizo, esplendor del estilo barroco, las
manifestaciones del rococó y su toque de elegancia y en que estado se
quedo los conocimientos preinas e incas.
5.- Analizar cuando se produjo una influencia beneficiosa a las artes peruanas,
a la llegada de los españoles o a inicios de la república con los Academicistas.
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5. 1 ARTE PREINCA.
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Los primeros pobladores peruanos.

Los primeros pobladores del Perú tuvieron que lidiar con una agreste y
compleja geografía para ser parte de ella, poseían conocimientos y fueron
desarrollando otros, de los acontecimientos de su diario vivir lo que les permitió
dominarla; esta acumulación de conocimientos les permitió desarrollar una
tecnología para la elaboración de herramientas y otros utensilios (cuchillos de
piedra, etc) para mejorar la técnica de caza y el aprovechamiento de recursos;
todos estos elementos son los que van a ser su bagaje cultural.
Cazadores y recolectores.
Probablemente el hombre ingresó al Perú hace 25,000 años, Max Uhle creyó
que su llegada se efectuó por la costa. Julio C. Tello creyó que su llegada se
realizó por la selva. Richard Mac Neish en 1969 encontró artefactos de piedra
con unos 20,000 años de antigüedad. El hombre de Paccaicassa sería, hasta
ahora el humano más antiguo de Sudamérica.
Lugres donde los antiguos peruanos nos dejaron sus huellas:
- Zona Roja.- junto al río Chillón, al norte de Lima; se encontraron de
instrumentos de piedra con 11,000 a 12,000 años. Taller lítico de Chivateros.
- Cueva de Toquepala, en la serranía de Moquegua, decorada con pinturas
rupestres representando escenas de cacería de 10,000 años.
- Cuevas de Lauricocha, en Huanuco, se encontraron el primer esqueleto de un
humano de 9.500 años de antigüedad
- Cuevas de Guitarrero en Ancash
Inicio cultural del Perú. Representado por:
- El hombre de Paracas; primer agricultor del Perú y uno de los más antiguos
del mundo, con 8,800 años de antigüedad.
- El hombre de Chilca, primer horticultor peruano y de Sudamérica
- El hombre de Cerro Paloma, construye el primer muro de piedra del Perú y
América con 6,000 años de antigüedad.
- El hombre de Kotosh, y sus “Manos cruzadas” en el Templo de terracota;
primera escultura peruana y americana con 4,200 años de antigüedad.
- Hombres que domesticaron animales como la llama, alpaca, cuy;
desarrollaron e intensificaron actividades de intercambio, agricultura, textilería
y cerámica, 1,500 años a.C. El hombre peruano fue uno de los más
evolucionados de América.
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En la cronología de las culturas peruanas, algunos estudiosos la denominan a

los periodos como Intermedios y Horizontes. Así tenemos:
20,000 Periodo Paccaycasa

Lítico Chivateros
Toquepala
(Paleolítico) Lauricocha
Paraíso
1,500 (Neolítico) Kotosh
HORIZONTE TEMPRANO CHAVIN
300 a.C.
Periodo Intermedio Temprano: Paracas, Nazca, Moche, Vicús
800 d. C.
HORIZONTE MEDIO WARI
1200 d. C.
Periodo Intermedio tardío: Lambayeque, Chimú
1438 d. C.
HORIZONTE TARDÍO INCAS
1532 d. C.
Llegada de españoles.
Otros autores denominan a las etapas como Periodos y los clasifican de

acuerdo a las características de formación y desarrollo; así se denomina a las
etapas Periodo Formativo (de formación de la cultura peruana), Periodo de
Desarrollo Regionales, Periodo de Estados Regionales y Periodo Imperial, que
es el equivalente a lo que otros autores denominan Horizontes culturales.
La cerámica es lo que va a distinguir e individualizar

una cultura.
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Recipiente mochica.
En esta fotografía podemos contemplar uno de los múltiples ejemplos de recipientes

legados por la cultura mochica. Dividida en cinco fases, esta cerámica, pese a su
variedad, tiene una serie de características comunes entre las que se encuentra su
sentido funcional y la utilización de temas recurrentes para su decoración, así como
la simultaneidad y conjunción en cada obra de elementos escultóricos y pictóricos.
Gracias a los numerosos restos de vasijas, vasos, cántaros y recipientes
conservados se han podido conocer mayor número de aspectos de esta cultura
preina desarrollada en parte del actual territorio peruano.
Archivo Fotografico Oronoz
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EVOLUCIÓN DE LA CULTURA DEL HOMBRE PERUANO

Cronología Etapa Cultura
- Los recolectores indiferenciados
20,000 - 6,000 a. C PERIODO LÍTICO - Los primeros cazadores superiores
- Aparición del la agricultura:
6,000 - 2,000 a.C. PERIODO ARCAICO
Arcaico Inferior.
- Los horticultores aldeanos: Arcaico

superior.
- Orígenes de la civilización
2,000 - 100 a.C. PERIODO - Formativo inferior: SECHIN
FORMATIVO - Formativo Medio: CHAVIN
- Formativo Superior:
Cultura Higueras
Cultura Vicús
Paracas Necrópolis
Cultura Pukará
Cultura Salinar
Cultura Huarás blanco sobre rojo
Cultura Baños de Boza o Miramar
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100 a.C. - 700 d.C. PERIODO DE - Cultura Nazca

DESARROLLO - Cultura Recuay
REGIONALES - Cultura Cajamarca
- Cultura Gallinazo o Virú
- Cultura vicús
- Cultura Tiahuanaku
- Cultura Lima
- Cultura Huarpa
700 - 1100 d.C. IMPERIO WARI - Cultura Wari
- Reino Chimú
1100 - 1470 d.C. PERIODO DE LOS - Cultura Chancay
ESTADOS - Cultura Ica-Chincha
REGIONALES - Los Reinos lacustres altiplánicos:
SILLUSTANI
- Culturas locales: Churajón, Chiribaya y
Chuquibamba
- Culturas de la costa: Gentilar y San
Miguel
- Cultura Cañete
- Cultura Chachapoyas
- Confederación Chanca
- Reino del Cuzco
IMPERIO DEL - Inca

1470 - 1532 d. C.
TAHUANTINSUYO
5.1.1. PERIODO FORMATIVO.
FORMATIVO INFERIOR: SECHIN

Este periodo está referido a los grupos formativos (en formación) pre-Chavín.
No se tienen mayores conocimientos en lo referente a su cultura, pero sí de su
cerámica por los hallazgos realizados en excavaciones.
Así tenemos: En Huanuco aparece la cerámica más antigua llamada Kotosh-
Wayrajirca con una antigüedad de 1,800 años a.C.; de tipo gris con figuras
incisas y coloreadas después de la cocción en rojo, blanco y amarillo.
Cerca del río Ucayali al noreste de Pucallpa aparece la cerámica llamada
Tutishcainyo; las Haldas en Ancash; Chira en Ancón; Curayacu al sur de Lima;
Acha en Ica, Pacopampa en Cajamarca, Marcavalle en Cuzco y otros.
Las primeras manifestaciones de cerámica que se dieron, fuera de la hoy

frontera peruana, son Valdivia en ecuador y Puerto Hormigas en Colombia con
una antigüedad de 3,000 a.C.
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CONJUNTO ARQUITECTÓNICO SECHIN (Chavín costeño).

Está situado en el valle de Casma, departamento de Ancash, es un conjunto
arquitectónico formado por dos edificios: uno de barro y otro de piedra.
El edificio interior y más antiguo es de barro, conformado por adobes cónicos
coloreados de azul y rosa. El segundo edificio es de piedra y posterior al edificio
de barro; este envuelve y encierra al primero. Formado por un paramento
corrido de piedras grabadas representando un doble desfile de guerreros que
de lados opuestos se encaminan hacia la entrada principal y cada grupo está
encabezado por su propio estandarte. Las representaciones talladas en piedra,
están dispuestas de tal forma que entre guerrero y guerrero hay cabezas
humanas decapitadas, brazos y piernas mutiladas, vísceras, ojos enucleados, y
otros. El mural narra una batalla en el son representados tanto los vencedores
como los vencidos.
FORMATIVO MEDIO: CHAVIN
- CULTURA CHAVÍN.
Se desarrollo entre los años 1200 a. C. y 400 a.C.; en Chavín de Huántar,
Ancash; de allí toma su nombre, a 3180 msnm., en la intersección de los ríos
Wachecsa y Mosna (Pukcha), y entre la cordillera negra y blanca; fue punto de
conexión entre la costa y selva. Fue la primera cultura en aglutinar a otras
culturas nacientes
Lanzón de Chavín de Huantar

Encuentrado en el antiguo centro ceremonial
prehispánico de Chavín de Huantar, Ancash, Perú.
Su ubicación exacta es la confluencia de varios
pasadizos y habitaciones subterráneas de estructura
laberíntica del complejo templo, allí se encuentra
clavado al suelo esta escultura en piedra de más de
dos metros de altura que representa al llamado “El
Lanzón”, deidad de rasgos felínicos.
La zona donde se ubica Chavín tiene un clima

templado con una estación de lluvias mayor que la
temporada seca.
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Etapa caracterizada por la gran expansión de Chavín hasta cerca al Ecuador

por el norte y hasta Ayacucho e Ica por el sur.
En esta etapa se construyeron los más importantes centros comunales, donde
se puede apreciar la gran importancia que tuvo en esta época la religión. El
más representativo es el centro ceremonial de Chavin de Huantar, ubicado a
orillas del río Mosna (afluente del río Marañón) y rio Huachecsa, en la sierra
del Departamento de Ancash en la provincia de Huari, a 3117 msnm.
El centro ceremonial Chavín está formado por varias estructuras piramidales

con galerías en su interior; por plazas hundidas flanqueadas por estructuras
menores que se proyectan de las construcciones nucleares que van unidas por
monumentales graderías de piedra.
La estructura mejor conservada que has hallado los arqueólogos es “El

Castillo”, esta construcción está hecha basándose en varias plataformas
superpuestas, sus paramentos (muros) están formadas por grandes bloques de
piedra tallada en forma paralelepípedo colocados horizontalmente con un
sistema de alternancia de grandes piedras con pequeñas piedras con pequeñas
piedras en hiladas que dan un aspecto especial a los muros.
La portada es de piedra y la puerta está flanqueada por dos columnas
cilíndricas esculpidas en relieve, figuras de aves.
Se han encontrado tres grupos de esculturas: con función arquitectónica,

ornamental y de culto.
Las piedras cumplieron una función arquitectónica, se utilizaron en cornisas,
techos, columnas, decoradas con motivos felínicos.
Las que cumplen función ornamental son lajas pequeñas cuadrangulares con
diseños mitológicos y las cabezas clavas incrustadas en el muro exterior del
templo.
Las esculturas con finalidad únicamente de culto son:
- El “Lanzón” de 5 mts. de altura, se encuentra clavada en la intersección de

las galerías interiores del templo contiguo a El Castillo. Representa a un
personaje felínico antropomorfizado, de pie y con el brazo derecho hacia arriba
y el izquierdo hacia abajo.
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- El Obelisco Tello tiene una forma alargada de corte rectangular (mide

2.52.mts. de alto y 0.32 mts. de ancho), representa un caimán cuyo cuerpo está
formado por un conjunto de motivos idealizados en forma de plantas, animales
terrestres y marinos.
- La Estela Raimondi (mide 1.95 mts. de alto y 0.76 mts. de ancho), representa
una divinidad antropomorfa felinizada, de pie, con los brazos abiertos y
sosteniendo en cada uno una especie de báculo.
Estas representaciones grabadas en las piedras de Chavín indican que el culto

estaba basado principalmente en el felino, secundariamente en las serpientes y
aves.
Otros edificios descubiertos en el área central andina de influencia chavin, que

han sido descubiertos son: Kuntur Wasi y Pacopampa en Cajamarca,
Cupisnique en el valle de Chicama, el templo de Cerro Blanco y el de Punkurí
en el valle de Empeña, Moxeque, Pallca en el valle de Casma en Ancash,
Garagay en Lima, Paracas Cavernas en el valle de Ica.
La cerámica Chavín tuvo un importante desarrollo. Es monocroma, a veces, se

usaron colores como el rojo, negro plata (grafito) para cubrir áreas de
decoración. Los diseños están hechos en algunos casos con incisiones, se
representaron felinos, águilas y serpientes.
El elemento característico es el doble pico con asa puente y su decoración con
figuras incisas y pintadas después de la quema con pintura resinosa de colores
amarillo, verde, rojo, negro.
La economía estaba basada en la agricultura, complementada con la caza,

recolección y pesca. El maíz se convirtió en el alimento básico
FORMATIVO SUPERIOR.
La primera integración pan andina tuvo lugar durante la expansión Chavín,
luego debido a la insurgencia de nuevos grupos, se rompe la unidad y se da la
fase inicial de la diversificación regional de la Cultura.
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En esta etapa culmina la domesticación de todas las plantas y animales que el

hombre andino conoció a lo largo de los siglos. El afianzamiento de la
agricultura y de la ganadería permitió un aumento considerable de los centros
poblados.
De esta etapa proceden diversas manifestaciones estilísticas tales como los de
Vicús, Salinar, Huarás, Baños Boza o Miramar, Pukara, Paracas Necrópolis y
Kotosh Higueras.
- Cultura Higueras.
Se ubicó en el valle de Higueras, departamento de Huanuco.
La cerámica es de dos tipos: Higueras Rojo e Higueras marrón. Son
características las ollas con cuello corto, ollas en forma de bota, cántaros,
platos y cuencos decorados con incisiones geométricas. Con representaciones
de escultóricas de figuras zoomorfas y antropomorfas.
Sus edificaciones se encuentran localizadas en la cima de las colinas y lugares
estratégicos, la mayoría de ellas aldeas que se suceden en cadena por la
cumbre de los cerros, son viviendas con aparejo plano, construidas de lajas
planas dispuestas horizontalmente. Existen los llamados “edificios” de varios
pisos; los que existen en Tantamayo son atribuidos a este periodo en su fase
tardía.
- Cultura Vicus.
Se ubicó en la hacienda Pabur, provincia de Morropón, departamento de Piura.
La denominación Vicus se debe al nombre del lugar donde se encuentra el más
importante cementerio.
El rasgo más importante es la cerámica, al que se le identifica, pero se sabe
poco del pueblo y la cultura donde tuvo lugar su origen.
La cerámica Vicus, lleva engobe de arcilla fina; su color es marrón, naranja y
rojo en diversos matices, sus diseños son geométricos, la decoración es con la
técnica negativa y blanco sobre rojo. Son frecuentes las esculturas
antropomorfas, zoomorfas y fitomorfas. Sus formas son botellas y ollas de dos
cuerpos y asa canasta, botellas con asa estribo, botellas silbadores, vasijas
representando viviendas, sexo y amor.
En metalurgia tuvieron un notable desarrollo, son abundantes los hallazgos en
cobre y plata bañados en oro, vaso tallado y decorado mediante repujado,
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máscaras de oro laminado, collares de cuentas esféricas y cilíndricas,

pectorales, brazaletes, narigueras y orejeras; azadas y hachas de cobre.
- Cultura Pukará.
Es un conjunto arqueológico que lleva el mismo nombre, ubicado en la
provincia de Lampa, departamento de Puno. Comprende tres grandes edificios
públicos. La estructura principal, está constituida por un conjunto de muros de
piedras labradas, que forman un semicírculo frente a una plaza central.
La cerámica representa vasijas modeladas antropomorfas y zoomorfas, los
motivos son delineados con incisiones, pintada en varios colores, negro,
blanco, rojo, naranja, marrón y gris. Son característicos las representaciones de
apéndices con cabeza de serpiente y cuerpo humano, cabeza de frente del
puma con cuerpo de perfil, trompetas, etc.
Es importante la lítica Pukará, sobresalen dos grandes grupos: estatuas y
estelas. Dentro de las estatuas se representan a seres antropomorfos y
zoomorfos. Las estelas muestran diseños zoomorfos o motivos geométricos en
relieve o inciso, a veces en ambas caras.
La pirámide de Kalasaya de forma escalonada, con una altura de 32 mts. x 315 de

largo y 300 mts de ancho con tres templos ceremoniales, en la cima sobresale el
conocido como el Templo “blanco y rojo”, en su distribución presenta un patio central
hundido, delimitado por casa de piedra rectangulares, blanca y rodeada de nueve
recintos hechos por gruesos bloques de piedra rojiza dispuestas en forma de “U”. Las
ultimas excavaciones en el Complejo ceremonial de Pukara han demostrado la
existencia de cinco fases culturales: 1. Pre-Pucara inicial, 2. Pre-Pucara Medio, 3.
Transición Pucará, 4. Pucara clásico y 5. Pucara decadente.
La existencia del “degollador” (NAKAQ), ser antropomorfo que sostiene una cabeza
trofeo en la mano izquierda y un cuchillo en la mano derecha, puede señalar
decapitación ritual o una tendencia guerrera, lo que a su vez nos estaría sugiriendo
que la religión tuvo un rol importante. SALA PUCARA-MNAA.
- Cultura Paracas (Paracas Necrópolis).

Es un cementerio ubicado en la falda de Cerro Colorado en la provincia de
Pisco, departamento de Ica. Constituye una fase temprana de la cultura Nazca,
destaca por sus textiles de fama mundial, entre ellos sus famosos “mantos” de
bordados policromados con sus grecas que representan en algunos casos a
danzantes.
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La cerámica de esta cultura representa frutos y animales en forma realista, con

solo la aplicación de engobe blanco en toda la vasija con doble pico y asa
puente.
Sus enterramientos se hacían en fardos funerarios en forma cónica. Los
cadáveres sentados en cuclillas en sus cestos de totora tejida y cubiertos por
varios mantos paracas, alternados y fino manto bordado y uno liso y sencillo.
Estos cadáveres presentaban en algunos casos cráneos trepanados y cabezas
deformadas intencionalmente, van adornadas con collares de conchas
(spondilus) diademas y narigueras de oro.
Sus mantos están confeccionados con lana de camélidos y de algodón,

íntegramente bordados en combinación de colores, dentro de cuadrículas que
en conjunto representan diseños antropomorfos, zoomorfos y geométricos
maravillosamente combinados. También tejieron ponchos, cintas, fajas,
esclavinas, camisas con o sin mangas, pañaletes o huaras, llauto (especie de
turbante), tela doblada y sujeta a la cabeza que caía hacia la nuca.
- Cultura Salinar
Sus restos fueron descubiertos en la hacienda Pampas de Jaguey en el valle
de Chicama en el Departamento de La Libertad.
La cerámica es de color claro y pintado con colores blanco y rojo, sobresalen
las formas de botellas con asa estribo, pico cilíndrico, asa puente; predominan
las representaciones escultóricas de personas, animales, casas, cerros,
plantas. Son frecuentes las representaciones eróticas.
- Cultura Huaras Blanco sobre Rojo.

Se ubico en una primera fase en Huaraz (de donde viene su denominación),
pero el centro mas importante de esta cultura fue hallado en Chavin de
Huantar.
Los Huarás invadieron el templo de Chavín, arrasaron el gran templo,
destruyeron algunas de sus secciones y otras las convirtieron en viviendas
comunales. la presencia de los Huarás produjo la total desaparición de los
chavinenses.
La forma más característica de su cerámica es la de los cuencos de base
plana, paredes convexas; la decoración es geométrica usando como base
pintura blanca sobre superficie roja.
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- Cultura Baños de Boza o Miramar.
Se encontró distribuido entre los valles de Chancay, Ancón, Chillón, Rímac y

Lurín. Su cerámica consiste en platos cuencos, pequeños cántaros en forma de
botella, vasijas con formas de tortugas llamadas ollas mamiformes, botellas con
doble pico y asa puente. Los diseños son simples y geométricos de color
blanco aplicado sobre el fondo natural o negro y blanco sobre rojo.
5.1.2 PERIODO DE DESARROLLO REGIONALES. (100 a.C.-700 d.C.)
En esta etapa se genera uno de los más altos niveles de desarrollo tecnológico,
lográndose los mejores ejemplos del arte prehispánico. Este desarrollo permite
la autonomía de diversas regiones y su consolidación interna, desarrollándose
entonces culturas altamente regionalizadas.
El fuerte crecimiento poblacional que se dio en este periodo, obligó a la
instalación de nuevas aldeas y a la expansión de las ciudades, haciéndolas
más complejas y fortificadas.
Las culturas representativas de este periodo son: Nazca, Recuay, Cajamarca,
Gallinazo o Virú, Moche o Mochica, Tiawanaku, Lima, Huarpa.
- Cultura Nazca.
Ubicada en la provincia de Nazca en el departamento de Ica. Es una de las
más famosas culturas en el mundo por la belleza de su cerámica policromada.
Abarcó en su desarrollo los valles de Chincha, Pisco, Ica, Nazca y Lomas de
Acarí. El conjunto arqueológico Kawachi, en el valle de Nazca es reconocido
como capital del Estado naciente de Nazca.
Los estudiosos identifican cuatro etapas por las que pasó la cultura Nazca:
Fase I.- es la etapa de transición entre Paracas y Nazca. Aparece la pintura
pre-cocción o cocida al fuego y se deja de lado la pintura post-cocción y
resinosa. Sus vasijas en esta fase son policromas, con incisiones y
decoradas a base de bruñido.
Fase II y II.- en esta fase la cerámica representa motivos complejos que van
desde loa más naturalistas hasta los estilizados y geométricos. Las
vasijas son engobadas de rojo y blanco con diseños de plantas, frutos,
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animales, agricultores, guerreros, cazadores y cabezas trofeo. Con

frecuencia representaban un felino con atributos humanos con bigotes,
representaciones escultóricas de cabezas trofeo, personajes, animales y
frutos policromados. Sus vasijas son botellas de doble pico y asa puente,
tazas, vasos y platos.
En esta fase también hay instrumentos musicales de cerámica que
consisten en antaras, trompetas, tambores y pitos.
Fase IV.- se producen importantes contactos con áreas como Ayacucho y Lima
y finaliza con la invasión Wari. En esta fase la cerámica pierde su carácter
preciosista, los motivos son simples y abstractos. Hay representaciones
de unión sexual de la pareja humana.
El sistema económico, político y social de los nazca tuvo como base la

agricultura, por esta razón que realizaron geoglijos (dibujos en la tierra),
inmensos dibujos conocidos como “Líneas de Nazca” que fueron descubiertos
en las Pampas de Ingenio entre Nazca y Palpa en la que se representaron en
forma simbólica animales y plantas, entre ellos araña, mono, perro, orca,
parihuana, alcatraz, rana, colibrí, plantas y raíces, otras figuras de manos,
astronauta, líneas. Se trata de un gran calendario astronómico que nos
demuestra del gran conocimiento que obtuvieron un grupo especializado en la
lectura del movimiento de las estrellas y de las distintas constelaciones
estelares, lo que les permitió poder predecir los acontecimientos en relación a
la llegada del agua, las sequías, etc.
En Nazca existió una fuerte estratificación social, los sacerdotes y guerreros
tenían una posición superior y eran elite con relación al pueblo.
- Cultura Recuay.
Se le conoce también con las denominaciones de Recuay, Huaylas, Santa y
Callejón. Su ámbito de desarrollo geográfico comprendió la costa y sierra del
departamento de Ancash.
La cerámica Recuay es particular, inconfundible por sus atributos, como el uso
de arcilla blanca, representaciones escultóricas y técnica decorativa negativa,
pintura en positivo y la modelada.
Las formas más corrientes son tazas y platos de base anular, trípode y
tetrápode, botellas con cabeza modelada unida a un pico por un asa puente.
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Hay representaciones modeladas de casas, escenas de ritos, fiestas; de

animales como cóndor, jaguar, armadillo, serpientes felinizadas y otros.
La escultura es otra inconfundible manifestación de esta cultura, se trabajó en
lajas de piedra labrada, prismática y estatuaria, tallados en relieve e incisos, en
la que representan guerreros, personajes sentados con las extremidades
cruzadas, felinos y ave cóndor; también hay cabezas clavas antropomorfas,
ornitomorfas y felínicas.
Sus viviendas fueron construidas a manera de galerías o viviendas soterradas,
otras organizadas en aldeas aglutinadas o en instalaciones fortificadas.
El sitio arqueológico de Pasas en Cabana, departamento de Ancash.
- Cultura Cajamarca.
Se ubica exclusivamente en el departamento de Cajamarca. Se le identifican
cinco fases:
Fase I.- fase inicial, muy sencilla.
Fase II y III.- es la más representativa, su textura en de lo más fina, debido a
que se mezclaba la arcilla con caolín que le da una apariencia de loza
blanca opaca. Sus dibujos presentan líneas hechas con pincel dejando un
aspecto “cursivo”, los colores que principalmente usadoron son negro,
rojo, anaranjado y blanco, abundan representaciones de animales,
pájaros, felinos, batracios y serpientes estilizados. Las formas
preferentemente usadas son tazas, copas con base anular, platos con
soporte trípode, cucharas y jarras.
Fase IV y V.- debilitamiento y decadencia.
- Cultura Gallinazo o Virú.

Toma su denominación de la Huaca Gallinazo de la Hacienda El Carmelo en el
valle de Viru, departamento de La Libertad.
La cerámica Gallinazo es realmente rica en calidad y cantidad, modelaron
representaciones antropomorfas, zoomorfas y fitomorfas; representaciones de
casas y edificios públicos. En la decoración desarrollaron dos técnicas de
pintura, positiva y negativa, el color usado comúnmente es el negro que
contrasta con el crema y anaranjado de la vasija, sus diseños son simples y
geométricos.
En la fase de apogeo, alcanzaron su mayor expansión territorial; las aldeas
ocupan diversos sectores del valle, llegaron al Santa por el sur y Moche por el
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norte, al interior llegan a la sierra donde entran en relación estrecha con los
Recuay. Fueron sometidos por los Moche.
- Cultura Moche (Mochica).

Se desarrolló en el departamento de La Libertad, ocupando los valles de
Lambayeque, Chicama, Moche, Virú, Chao y Nepeña; el centro más importante
se ubicó en el valle de Moche.
Los Moche se distinguieron por su alfarería lo cual ha hecho que ella fuera una
fuente invalorable para el conocimiento de la vida de este pueblo. El ceramista
Moche plasmó en sus vasijas formas escultóricas diversas formas escultóricas,
así también seres mitológicos y diversas escenas de la vida cotidiana en las
que empleaba dos colores fundamentales, el blanco y el rojo. Realizaron
producción alfarera a gran escala, mediante el uso de moldes.
La cerámica Moche ha sido clasificada en cinco fases:
Fase I y II.- la decoración es geométrica con líneas gruesas y finas.

Fase III y IV.- se modelan gran variedad de vasijas escultóricas que
representan guerreros en luchas, prisioneros de guerra, enfermos,
cabezas o huacos retrato magistralmente interpretados, músicos, parteras
prestando ayuda, escenas de la vida sexual; también representaciones
arquitectónicas, frutos, animales, etc.
Produjeron instrumentos musicales, pututos (strombus), trompetas,
sonajas, silbatos, también hay vasijas con figuras en relieve y pintados
que muestran escenas de danza, cacería (chacco), pesca, guerra, etc.
Fase V.- es la época de la decadencia artística, la decoración se pierde en la
forma y desaparece la escultura.
Para los moches la caza fue una actividad privilegiada de los sacerdotes,
se acompañaban de perros y muchos sirvientes, utilizaron la técnica del
“chacco” que consistía en cercar al ganado (alpacas, llamas, vicuñas) por
todos los flancos lo cercaban y atrapaban para la esquila y “saca”
controlada, fueron excelente cazadores. También destacaron en base a
redes, anzuelos y “caballitos” de totora (balsas).
Un aspecto importante fue la religión, tenían como dios a Ai-paec y al dios

lunar conocido como “Si”.
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Los monumentos arquitectónicos más importantes son la Huaca del Sol, que
es una pirámide de 50 mts. de altura, construida con adobes pequeños de
forma rectangular y la Huaca de la Luna que es más pequeña con grandes
habitaciones bellamente decorados con hermoso frisos de representaciones
mitológicas: dios Aipaec. Otro centro ceremonial es Pañamarca en el valle de
empeña, que luce en el interior de sus habitaciones interiores una hermosa
pintura mural.
Su alta producción agrícola fue debido a la técnica hidráulica desarrollada; se

conocen obras de avanzadas técnicas de ingeniería hidráulica, como el
Acueducto de Ascope de mas de 1km. de largo y 15 mts. de alto y el canal de
la Cumbre con 110 Km de recorrido.
En el aspecto social Moche, se dio una gran diferenciación con fuerte estructura
militar, el poder lo tenían los “sacerdotes guerreros” que organizaron la
sociedad en función de la guerra expansionista de conquista.
- Cultura Tiawanaku.
Fue ubicado al sur del lago Titicaca, en el lugar de donde toma el nombre,
sobre el hoy territorio Boliviano (antiguamente el Alto Perú) a una altura de
3825 msnm. Tuvo cinco fases en su desarrollo:
Fase I y II.- etapa inicial, incipiente.
Fase II y IV.- corresponde a la etapa de su desarrollo.
Fase V.- identificada con el periodo expansivo que tiene gran difusión en la
costa sur y sierra oriental u occidental.
Puerta del Sol en Tiahuanaco
Tiawanaku es considerado un gran centro

ceremonial habitado por personas
importantes dedicado a los servicios de culto.
Aquí se encuentran seis complejos de
edificios ceremoniales, siendo el más grande
e importante Kalasasaya, que es una gran
plataforma con una escalinata de acceso y
muros laterales, construidos de grandes pilares monolíticos. En la parte
occidental se encuentra la célebre “Puerta del Sol”, que es un monolito en
forma de portada de 3 mts. de alto y bellamente esculpido en la parte superior
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un personaje central que sostiene dos báculos en las manos con tres figuras a
sus costados en posición de correr o de rodillas con caras representando
halcones, cóndores y seres humanos; esta divinidad esta identificada como el
dios Wiracocha.
En el templete semisubterráneo se encuentra una gigantesca estatua

antropomorfa conocida como la “Estatua Bennet” con 7.30 mts. de alto por 1.20
mts. de ancho.
La cerámica tiawanaku es policroma, con diseños figurativos, geométricos o
estilizaciones de felinos, aves, peces y serpientes. Con frecuencia de encuentra
formas de vasos de diferentes tamaños conocidos como “keros”, copas con
base angosta, cántaros “sahumerios” en forma de felino modelado.
En metalurgia descubrieron la aleación del cobre con el estaño que dio origen
al bronce.
Su economía se basó en la agricultura y en el pastoreo; la ganadería de llamas
y alpacas fue muy importante. Tanto la papa como la carne fueron
deshidratadas obteniendo el “chuño” y el “charqui” respectivamente.
Establecieron centros poblados tanto en la costa, sierra y selva, así se
abastecían de mariscos, legumbres, maíz, frutas, coca, etc.
- Cultura Lima.
Su área de expansión comprende los valles de Chancay, Ancón, Chillón, Rímac
y Lurín. Se da en dos periodos, Playa Grande el más antiguo y Maranga el
más reciente:
Cerámica Playa Grande.- Se caracteriza por la decoración de peces o

serpientes, signos ó líneas entrelazadas, combinando los colores rojo, negro y
blanco. Las formas características son: vasijas en forma de tortugas, vasos,
tazas, platos, cuencos y ollas con cuello expandido.
Cerámica Maranga.- Se caracteriza por el uso del engobe anaranjado, fino y

delgado, brillante; mantiene el uso del color gris de la etapa anterior, las formas
más usuales son las botellas con pico cónico y asa tubular; vasijas de cuerpo
lenticular con asa puente, unas veces uniendo dos picos cónicos o un gollete
con el modelado de una figura o estatuilla antropomorfa, los diseños son peces
entrelazados y figuras geométricas.
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En el valle de Lima se encuentran grandes edificaciones piramidales

construidas de adobes como los de Maranga o Aramburu, la Huaca Pucllana, el
centro ceremonial de Pachacamac, Cajamarquilla, Huaca Trujillo, Mateo
Salado, Huaca Tres Palos, Armatambo.
Cerro Trinidad en el Valle de Chancay y Cerro Culebras en el valle del Chillón
son dos edificios piramidales con murales policromados con figuras zoomorfas
de cuerpos entrelazados.
En el aspecto económico, los Maranga fueron principalmente agricultores, y
complementaron su dieta con la pesca y la recolecta de mariscos.
- Cultura Huarpa.
Cultura regional de la zona de Ayacucho, tomando el nombre del río Huarpa,
afluente del río Mantaro. Esta cultura antecede a la posterior cultura Wari.
Destaca su cerámica, que se caracteriza por una tradición decorativa en donde
prevalece la pintura negra sobre una superficie blanca.
Otro tipo de cerámica el Caja y Ocros que es una etapa tardía de Huarpa, es
de color anaranjado brillante decorado con motivos surrealistas representando
animales, plantas, figuras indeterminados como una especie de pulpo de dos
cuerpos con varios apéndices a manera de patas o tentáculos. Predominan
cuencos, tazas, esferoides y cántaros globulares.
Huarpa fue una población grande, las pequeñas unidades de población fueron
de carácter aldeano ligadas a complejos agrarios. Es importante la habilitación
de tierras de cultivo mediante la construcción de andenes.
5.1.3 IMPERIO WARI. (700 - 1000 d.C.)
La ciudad Wari esta ubicada a 25 km. al norte de la ciudad de Ayacucho, fue la

capital de un complejo estado imperial; su área de influencia cubría hasta
Lambayeque y Cajamarca por el norte y, Arequipa y Cuzco por el sur.
Durante los años 600 d.C. en Ayacucho florecieron tres etilos: Ocros,
Chaquipampa (de estilo nazca decadente; utiliza la base roja o rojo violáceo
con diseños de ganchos a modo de volutas; “octapus” (pulpo) o de araña), y el
estilo negro decorado (superficie negra decorada con líneas de color rojo).
En esta época llegaron a Ayacucho influencias muy fuertes de la nación

Tiawanaku, expresadas en el grabado que fue realizadas en (representa a su
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divinidad, que aparece en la “Puerta del Sol”) grandes urnas a las que se le
denominó estilo Conchopata, tomando el nombre del sito en que fue hallada por
primera una cerámica ceremonial en forma de “V” de gran tamaño y grosor,
decoradas con diseños policromados de estilo tiawanaco.
La expansión Wari, se dio en tres etapas:
I Época.
De afianzamiento de los dioses de Tiawanaco, se desarrolla una cerámica
ceremonial conocida como “Robles Moqo” que abarcón un área mayor a
Conchopata, involucra las regiones de Ayacucho, Ica-Nazca, Valle de Santa y
en la sierra hasta el callejón de Huaylas. Es la primera época del Imperio Wari.
El lote más importante de materiales Robles Moqo se caracteriza por presentar
diseños básicamente tiawanaco procede de Pacheco en el Valle de Nazca del
departamento de Ica.
Tanto la cerámica Robres Moqo y Conchopata presentan diseños y
características tiawanaco; además de la urnas otras formas usados fueron:
Vasos keros con una cabeza de divinidad antropomorfa, grandes cántaros con
cara gollete, vasijas pequeñas modeladas en forma de llamas, alpacas y felinos
o también en forma de manos, pies, cráneos o cabezas cercenadas de
camélidos.
II Época.
Es de máximo apogeo y está representada por el estilo de cerámica llamada
propiamente Wari con sus variaciones regionales Viñaque, Atarco,
Pachacámac, Qosqopo. En esta etapa “Wari imperial” su expansión abarca
Lambayeque y Cajamarca (Wiracocha Pampa) por el norte y llega hasta Cuzco
(Pikillacta) y Arequipa por el sur, en la que establecieron numerosas ciudades
iniciando los primeros conceptos de urbanismo.
III Época.
De declinación y descomposición política y económica, abandonan las ciudades
y pierden el control de las antiguas ciudades conquistadas.
Los Wari basaron principalmente su economía en la explotación de las colonias
conquistadas mediante la guerra, a través del pago de tributos y otros sistemas
de dominación que permitieron el mantenimiento de su ciudad capital, centro de
irradiación de esta cultura.
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CIUDAD WARI, capital imperial.

Se extiende sobre una superficie aproximada de 120 has en su parte más
densa, allí vivieron algunos miles de familias.
Está construida con piedras rústicas con murallas muy altas hechas de piedra
y barro con plataformas y edificios de uno, dos y tres plantas. Se puede
observar edificaciones monumentales como edificios públicos de varios tipos,
mausoleos, templos y residencias. Es allí donde se producían finísimas
cerámica policroma, bellos textiles también policromos, pequeñas esculturas de
turquesas, joyas y diversas artesanías y trabajos en metales.
5.1.4 ESTADOS REGIONALES (1100 - 1470 d.C.)
Luego de la decadencia del Imperio Wari se rompe la unidad impuesta en los

andes centrales. Los pueblos sometidos retoman su camino independiente de
desarrollo y se entra a una etapa de conformación de organizaciones políticas
regionales o locales autónomas.
A este periodo corresponden las culturas: Chimú, Chancay, Ica Chincha,
Huanca, Collao, Churajón, Chiribaya, Chuquibamba y el reino de Cuzco.
- Reino Chimu.
Comprende dos focos geográficos de desarrollo.
* Cultura Lambayeque o Chimu Norte.

Abarco los valles de La leche, Lambayeque, Reque, Saña y Jequetepeque.
Lambayeque fue fundado por un legendario hombre que llegó por el mar en
una balsa, llamado “Naylamp”, quien fundó una dinastía en el valle, luego al
decaer hubo muchos años de oscuridad, hasta que fueron conquistados por los
Chimu que establecieron otra dinastía en el valle.
La cerámica Lambayeque se diferencia de la cerámica Chimú por rasgos
característicos que los tipifican. Son características las botellas de doble pico
cónico con asa puente y base de pedestal con diseño geométrico exciso, sobre
el asa puente lleva una cabeza modelada; también hay botellas con pico cónico
y asa simple trenzada con gollete que presenta una cara humana modelada.
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La región de Lambayeque fue un importante centro metalúrgico, practicaron el

vaciado, laminado, cera perdida, soldadura y dorado. Las piezas más
importantes constituyen unos cuchillos ceremoniales llamados “Tumi”
compuestos de dos partes: mango y hoja. El mango representa un personaje
alado y la hoja tiene forma de medialuna.
* Chimú Sur.
Ubicado en el valle de Moche, departamento de La Libertad. Se extendió sobre
los valles de Chicama, Moche, Virú y Chao. En su época de máximo apogeo, el
reino Chimú se extendió desde Tumbes por el norte y Carabayllo en Lima por el
sur.
El origen del reino Chimú es también con la llegada de héroe legendario,
civilizador; llamado “Tacainamo”, quien estableció una dinastía de nueve Alaec
(curaca), el último fue Minchancaman que concluyó la expansión del reino.
La cerámica Chimú esta caracterizado por el predominio del uso del color
negro, siendo frecuente también la cerámica roja. Se utilizaron moldes, las
formas más usadas son botellas de cuerpo globular, asa estribo y gollete
tubular con un mono o una avecita en el ángulo de la unión del pico y el asa;
hay una gran variedad escultórica en las que se representan peces, aves,
animales, personajes, frutos y diversos tipos de viviendas, también hay vasijas
con figuras estampadas.
Capital, ciudad Chan Chan.
Ubicada en Trujillo en el departamento de La Libertad, fue la ciudad más grande

del Perú prehispánico y se extendía sobre una superficie de 20 km2. La parte
central de la ciudad la componen diez grandes residencias rectangulares,
definidos mediante sólidos muros de adobe y adobón. Casi todas las unidades
contienen un reservorio, jardines irrigados, calles, casas, pirámides, cementerios y
unidades de construcción.
En los muros de estas construcciones se perciben vestigios de pinturas murales,
de nichos, hornacinas y decoraciones en relieve en las paredes; estos relieves
son figuras de peces, aves y combinaciones geométricas varias.
La economía Chimú estuvo basada en la agricultura, siendo complementada

con la pesca, caza, industria y el comercio.
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Los Chimú destacaron en el trabajo de los metales, principalmente el oro,

hicieron vasos, copas, tazas, platos, sonajas, representaciones en miniaturas,
adornos personales como aretes, prendedores, etc.
El culto principal estuvo dedicado a “Si” (la luna), representaba la razón del ser
del tiempo y de la riqueza agrícola.
El estado Chimú fue un estado despótico, el gran poder estuvo en manos del
gran señor “Siquic” y el Curaca “Alaec”, luego les seguían un grupo de
cortesanos urbanos con cierto prestigio y poder económico, debajo de todos
ellos estaban los campesinos y los esclavos.
En 1460 los Incas (llegados del Cuzco) conquistaron este territorio, Tupac Inca
Yupanqui se encargó de conquistar el Gran Chimú.
- Cultura Chancay.
Se desarrolló en el valle de Chancay y Chillón al norte de Lima.
La cerámica Chancay proviene de cementerios muy extensos encontrados en
Ancón y en el valle de Chancay, los dibujos están hechos con pintura negro o
marrón sobre fondo blanco crema. Las formas más frecuentes son cántaros de
rasgos simples y con cabezas escultóricas plasmadas en el cuello de la vasija
con pintura aplicada en la cara. Son comunes pequeños ídolos masculinos y
femeninos desnudos con los brazos cortos y extendidos, llamados “figurines” y
también los ídolos de gran tamaño y volumen que representan a mujeres,
(asociadas a la fertilidad) conocidas como los “Chuchimilcos”, Otras formas
son vasos largos con pedestal, botellas silbadoras de dos cuerpos, platos con
base anular, cuencos, tazas y vasijas de formas de animales y aves. Los
motivos pintados son generalmente geométricos, también diseños de hombre,
animales y plantas.
La cerámica fue de carácter industrial y con el uso de moldes.
Los Chancay fueron expertos tejedores, destacando sus primorosas gasas, en
la que destacan los bordados de pájaros, peces y diseños geométricos.
El comercio fue una actividad importante, permitió a los Chancay conectar el
valle de Chancay con el norte y sur costeño con la sierra, esto gracias a que
eran grandes navegantes.
- Cultura Ica-Chincha.
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Ubicado al sur de Lima, en la provincia de Chincha, departamento de Ica. En

esta época el valle de Ica fue uno de los más importantes centros de poder y
prestigio.
La cerámica Chincha es policroma, usaron principalmente negro, blanco sobre
rojo, los diseños decorativos son geométricos combinados con
representaciones de pájaros y peces. Son comunes las formas de cántaros
globulares de gollete proyectando un reborde, tazas y ollas, también vasijas
con influencia inca como el barril con el labio del cuello muy expandido.
El comercio tuvo mucha importancia, se ha encontrado cerámica iqueña en el
río Pampas en Ayacucho.
La talla en madera alcanzó un alto nivel, tallaron los más diversos objetos, entre
ellos una implementos en forma de pala o remo ornamentados una veces con
profusión de figuras y otras son llanos y burdos; se piensa que alguna de estas
palas debió ser palos timón, dirección de embarcaciones que se movilizaban
con velas o si solamente tuvieron carácter ceremonial en vista de la delicadeza
del trabajo y del peso excesivo de gran parte de estos objetos.
La arquitectura corresponde a construcciones de tapia; los monumentos más
conocidos son: La Centinela, La Cumbre y la Huaca Tambo de Mora cuyos
muros se encuentran decorados con frisos en relieve parecidos a los de Chan
Chan.
Chincha fue conquistado por los incas durante el reinado de Pachacutec Inca
Yupanqui.
- Los Reinos lacustre del Altiplano.

Después de la decadencia del Tiawanaco surgieron una serie de reinos
denominada provincia del Collao, cuya extensión geográfica corresponde a la
actual cuenca del lago Titicaca y su área de influencia inmediata.
Los reinos más poderoso e importantes fueron: Colla y Lupaca; existieron un

conjunto de señoríos que se integraban a ambos grupos como los Canas,
Pacajes, Omasuyos y otros.
La unidad cultural existente entre estos reinos estuvo dada por la lengua
aymara, el tipo de tecnología, estilo de poblado, sistema de enterramientos en
torres llamadas “Chullpas”.
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La capital de los Colla fue Hatun Colla, ubicada al noroeste del lago, al norte de
Puno y de los Lupacas se localizaba en Chucuito al sur de Puno; existiendo
entre ambos reinos fuertes pugnas.
Los Lupaca constituyeron el señorío más importante del altiplano del Titicaca,
su economía estaba basada principalmente en la ganadería de llamas y
alpacas, que les proporcionaba lana, transporte y carne.
Los Lupaca y los Collas para proveerse de productos que no producía el
altiplano, mantenían colonias de su propia gente en los valles de la costa
marina; tuvieron colonias en Arequipa, Moquegua, Tacna y Arica y mediante
este sistema adquirieron maíz, sal, ají, coca y algodón.
La cerámica altiplánica comprendió dos estilos: Allita Amaya y Collao.

* Cerámica Allita Amaya.- es tricolor decorado con colores negro y blanco
sobre superficie roja; los diseños son geométricos, son comunes los triángulos
dispuestos en hilera con el interior reticulado, las formas son cántaros, cuencos
y vasos.
* Cerámica Collao.- es más tosca que Allita Amaya, es bícroma, a veces la
decoración está hecha con engobe rojo o pintada con líneas negras sobre la
superficie roja.
SILLUSTANI. Es uno de los sitios más famosos de Puno por la belleza de sus
torres funerarias llamadas “Chullpas”; son construcciones a manera de torres
macizas, redondeadas, en su base tienen pequeños mausoleos abovedados,
donde se depositan los cadáveres, fueron construidas durante la época inca.
- Culturas Locales: Churajón, Chiribaya, Chuquibamba.
* Cultura Churajón.
El nombre proviene de las ruinas de Churajón, ubicada al este de la ciudad de
Arequipa; es un extenso poblado consistente en un laberinto de paredes que
encuadran y encierran numerosas habitaciones, con patio y pequeñas plazas y
cementerios.
La cerámica está dividida en dos estilos: Churajón Rojo y Churajón Polícromo
que emplea hasta cuatro colores: rojo oscuro, negro, blanco y crema
amarillento.
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Los motivos son geométricos y de líneas quebradas que se distribuyen

generalmente en casi todo el cuerpo de las vasijas cerradas y en el interior de
platos y cuencos. Las principales formas cántaros con asa corta vertical, vasijas
de cuerpo corto cilíndrico con dos asas verticales que se desprenden del labio y
vasos tipo kero.
* Cultura Chiribaya.
Ubicado a 7 km. del Puerto de Ilo, departamento de Moquegua. EL sitio es un
gran poblado con casas de paredes de quincha y un conjunto de cementerios.
El tratamiento de las vasijas Chiribaya es más fino que Churajón. Los colores
empleados en la decoración con blanco, negro y naranja sobre engobe rojo.
Los diseños son geométricos y ocurren en forma de bandas, a veces en
paralelas, otras formando semicírculos con puntos blancos en el centro
formando figuras en forma de “Y” en las que en la parte superior es un
semicírculo de color rojo rellenado con puntos blancos sobre fondo negro.
Las formas más características son cántaros de cuerpo trapezoidales, vasos
cubiletes con asa circular en el borde y cuencos con decoración interior y asa
ojal en el borde.
* Cultura Chuquibamba.
Este estilo se encontró por primera vez en la provincia de Condesuyo,
departamento de Arequipa, abarcó los valles de Sihuas, Majes y la parte alta de
Ocoña hasta el río Colca.
Presenta cántaros y cuencos pintados de negro sobre fondo rojo oscuro. Los
diseños representan figuras geométricas, auquénidos y aves, es característica
la decoración de figuras en forma de estrellas. Son comunes los cuencos y
cántaros con asas laterales y formas distintas a la de Churajón.
* Culturas de la costa: Gentilar y San Miguel.

Estas culturas se desarrollaron en la costa extremo sur, entre Arequipa y el río
Loa; eran agricultores con formas culturales avanzadas.
A los de región norte se le conoce como cultura Arica, y a la del sur como
Cultura Atacama.
La cultura Arica se le reconoce dos fases: I y II
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Arica I (San Miguel).- La cerámica se caracteriza por tener unos grandes

jarrones de forma globular con dos asas laterales en el cuerpo. Los diseños son
geométricos pintados en negro y rojo sobre un fondo engobado de color blanco
mate.
Arica II (Gentilar).- Es más pequeña y más fina que la de Arica I, son cántaros
de forma globular achatado generalmente con solo un asa. Los diseños son
geométricos zoomorfos o antropomorfos y aparecen en colores negro, blanco y
rojo sobre una superficie rojo brillante.
- Cultura Cañete.
Se desarrolló en los valles de Mala y Cañete en la costa sur, esta cultura es
poco conocida, su cerámica tiene rasgos locales muy particulares pero no se
diferencia de modo notable en las distintas áreas. Ni aún del estilo Ica Chincha
al que se encuentra emparentada. Son características las ollas decoradas con
círculos y semicírculos rellenos con pintura blanca y delineada con negro; los
vasos y coladoras de forma cónica, los figurines antropomorfos y las vasijas en
miniatura de color negro.
- Cultura Chachapoyas.
Se desarrollo en el Bajo Marañón, cuenca del río Utcubamba, departamento de
Amazonas.
Abarcaron el área comprendida entre Chachapoyas y Leimebamba. Los
estudiosos ha podido identificar tres estilos de cerámica: Kuelap, Chipuric y
Revash.
* Estilo Kuelap.- representada por vasijas de color marrón o gris, decoradas

mediante pastillaje e incisiones y ornamentación modelada.
A este periodo se le asigna la llamada Fortaleza de Kuelap, una de las mayores
y más importantes construcciones de piedra de la región, edificada en la
cumbre de un cerro a 3200 msnm en la margen derecha del río Utcubamba en
la provincia de Chachapoyas. Un aspecto característico de la arquitectura es la
decoración pariental, hecha basándose en los mismos elementos del
paramento, que al dejarlo sobresalir ligeramente de la pared forman rombos o
triángulos en alto relieve.
* Estilo Chipuric.- se caracteriza por su cerámica con decoración pintada
semejante a la cerámica Cajamarca. Sus estatuas funerarias se hallan
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depositadas en los barrancos difícilmente accesibles. Son también

características las máscaras funerarias procedentes de mausoleos.
* Estilo Revash.- Es posterios a Chipuric, su cerámica se deriva o imita
fielmente a Chipuric y copia formas de las vasijas Chimú.
Se destaca por la construcción de sus chullpas o mausoleos de piedras
semicanteadas. Las ruinas de Pajatén o Abiseo (a orillas del río Abiseo) están
vinculadas a la cultura Chachapoyas.
- La Confederación Chanca.
El territorio Chanca se extendía desde las montañas de Huanta en Ayacucho,
hasta la margen izquierda del río Apurímac; la actual provincia de Andahuaylas
es identificada como el posible territorio chanca.
La cerámica y las oblaciones del tipo Arkalla han venido siendo identificados
con los Chanka.
Los Chanka fueron enemigos tradicionales de los incas.
- Reino del Cuzco.

Antes de la aparición y expansión del imperio de los incas, existían en el área
del Cuzco diversos grupos que formaban una confederación local en la cual el
Cuzco cumplió un papel ceremonial y unificador vinculado al culto del dios
“Wiracocha”.
Sobre el origen de los incas existen dos leyendas. La primera versión más
conocida es la leyenda de una pareja Manco Cápac y mama Ocllo quienes
salieron de las aguas del lago Titicaca por encargo del Dios Sol (Inti) para
fundar y civilizar el Cuzco.
La segunda leyenda es la de los cuatro hermanos Ayar y sus esposas que
aparecieron en Tampu Tocco , luego de un proceso de eliminación progresiva,
Ayar manco quedó vivo y ocupó el Cuzco y sembró el maíz sagrado recogido
de la cueva de Tampu Tocco.
La dinastía que fundaron fue la de Hurín Cuzco (Bajo Cuzco), la cual llegó a
comprender los siguientes reyes: Manco Cápac, Sinchi Roca, Lloque Yupanqui,
Mayta Cápac y Cápac Yupanqui. La segunda dinastía llamada Hanan Cuzco
(Cuzco Alto) fue establecida por Inca Rocaen ella reinaron Yahuar Dacha,
Wiracocha Inca y Pachacútec Inca Yupanqui.
La cerámica que predominó en esta época fue la que se conoce como estilo
“killke”, la decoración es pintada en negro y rojo sobre crema, los diseños son
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lineales y geométricos. Las formas predominantes son la de unos vasos con

lados rectos, platos abiertos y cántaros con cara gollete.
5.1.5 IMPERIO DEL TAWANTINSUYO (1400 - 1532 d. C.)
Los Incas sólo pudieron iniciar su política de expansión y conquista después de

derrotar a los chanca tradicionales enemigos que habían atacado en diversas
oportunidades el Cuzco poniendo en serio peligro su organización.
Sólo a partir del reinado de Pachacútec se inician las grandes conquistas, a

esta etapa se le denomina Inca Imperial, los grandes conquistadores fueron
Pachacútec Inca Yupanqui (inicio la expansión) y Túpac Inca Yupanqui (el que
hizo llegar a su máxima expansión al imperio).
Por los años 1493 Túpac Inca Yupanqui fue sucedido por Huayna Cápac que
murió cuando estaba en Campaña por Quito (hoy Ecuador). Los Cuzqueños
cuando se enteraron de su muerte, coronaron a su hijo Huáscar Inca y,
Atahualpa otro de sus hijos asumió el comando de Quito; Surgiendo una
situación de un gobierno de dos Incas que duró más de cinco años de guerra
civil y que culminó a la llegada de los españoles en 1532.
Atahualpa fue tomado preso por los españoles comandado por Francisco
Pizarro en la ciudad de Cajamarca acusado de haber manda a dar muerte a su
hermano rival, Huáscar; los españoles en nombre de una supuesta “justicia”
condenaron con la pena de muerte a Atahualpa.
Los límites del Imperio incaico eran: al norte el río Ancasmayo, ubicado en
Pasto al sur de Colombia; al sur el río Maule, ubicado en la parte central de
Chile; al oriente la selva amazónica.
El imperio abarcó un vasto territorio, al que se denominó Tahuantinsuyo (cuatro
suyus): Chinchaysuyu, al norte; Contisuyu, al sur; Collasuyu (Altiplano del
Titicaca) y Antisuyu, al oriente.
El Cuzco.
Capital del Imperio, vivían los incas de sangre real, los sacerdotes, los
militares, los curacas y principales de todos los pueblos y sus sirvientes.
Aquí se encontraba el poder administrativo central desde donde el inca y la
corte controlaban su territorio imperial.
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En el Cuzco, los muros fueron construidos con piedras finamente talladas y

encajados cuidadosamente, que en ellas no puede penetrar ni un alfiler.
Los incas rendían culto al Sol (Inti) dios supremo y a su mujer la Luna (Killa), a
Venus (Chaska, lucero), al rayo, arco iris; por encima del dios Sol se
encontraba el dios Apu Kontiti Wiracocha, supremo señor del fuego de la tierra
y del agua, creador del mundo y del hombre.
Estas seis divinidades tenían sus respectivos adoratorios (capillas) en el templo

del Koricancha. El templo del Sol era el más importante, las cuatro paredes
estaban cubiertas de planchas de oro, la figura del sol era de forma circular con
rayos y apariencia humana.
El encargo del culto era el Huillac Huma” o cabeza sagrada, que vivía rodeado
de otros sacerdotes o personas que estaban a su servicio.
En Cuzco también era donde funcionada el “Yachay Huasi” o Casa del Saber,
especie de escuela y universidad donde se daba instrucción a la elite del
imperio.
El “Acllahuasi”, era el lugar donde vivían las mujeres escogidas de todo el
territorio por el Inca, tenía su sede en Cuzco y sucursales en los poblados de
mayor rango. Las mamacunas (ancianas) eran sus educadoras sobretodo en el
arte del tejido que fue su principal actividad.
También había cárceles llamadas “Sanca Cancha” y “Huimpillay”.
La construcción civil y militar fue imponente, destaca la Fortaleza de
Sacsayhuamán y Ollantaytambo a 68 km. al noreste del Cuzco. Una de las
ciudades más importantes es MacchuPicchu, construida sobre la cima de una
empinada montaña cercana al Cuzco; esta ciudadela presenta grupo de casa,
calles, patios, acueductos, escaleras, templos y una infinidad de andenerías.
Arquitectura inca.
Los Incas fueron maestros en este arte; que se caracteriza por su solidez,
sencillez, simetría y belleza.
La arquitectura Inca tuvo tres épocas:
- Ciclópea, del uso de grandes piedras.
- Poligonal, de l uso de la piedra con muchos ángulos,
- Imperial.- del uso de la piedra pulimentada, a manera de un sillar rectangular o
cuadrado.
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De estilos: palaciego ( Tambomachay, Chinchero), religioso (Koricancha),

militar (Ollanytaytambo, Sacsayhuaman), Písac y civil o popular(casa, tambos y
colcas).
Pisac
En el departamento peruano de
Cuzco, en el este de la cordillera
Vilcabamba, se encuentran las
ruinas de la antigua ciudad-
fortaleza inca de Pisac, parte de
las cuales aparecen en esta
imagen.
Wolfgang Kaehler/Corbis
En la medida que los incas iban conquistando nuevos territorios construían

centros administrativos, en cada una de ellas utilizaban las construcciones
anteriormente elaboradas o agregaban a las existentes elementos cuzqueños.
Este el caso del Santuario de Pachacamac, respetado por los incas, dentro de
cuya área sagrada erigieron su propio Templo al Sol y el Palacio de las
Mamacunas.
En la costa sur se construyó edificios con el mismo patrón cuzqueño; Tambo

Colorado es una ciudad muy notable ubicada en el valle de Pisco. En las
construcciones de la costa, se usaron grandes adobes rectangulares y en la
sierra se usó la piedra de diversas maneras.
En la sierra se encuentran edificios y poblaciones administrativas hechas al

estilo inca cuzqueño; las más importantes son Tumibamba en Ecuador, en
Cajamarca, en Jauja, el Templo del Sol en Vilcashuamán, Ayacucho, Huanuco
Viejo en Huanuco, Huaytará en la provincia de Castrovirreyna, departamento de
Huancavelica.
La gigantesca red vial con sus caminos troncales, a lo largo de la costa y de la
sierra y sus innumerables rutas vecinales, conectaron a todo los pueblos dentro
del Imperio. A lo largo de todos los caminos donde se desplazaba el ejército se
construyeron los “TAMBOS”, que servía como lugar de reposo y abastecimiento
de víveres y armas. También construyeron las “COLCAS” que eran depósitos
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de alimentos, vestidos y armas para utilizarlos en periodos de escasez o para

abastecer a los ejércitos en campaña.
Tuvieron un sistema de comunicación muy eficaz, mediante corredores
profesionales, conocidos como los “CHASQUIS”, que cubrían cerca de 240
kms. al día cubriendo en relevo.
ORGANIZACIÓN ECONÓMICO Y SOCIAL INCA

La subsistencia en el Imperio estaba basada en la agricultura intensiva, no se
domesticaron nuevas plantas, las ya conocidas de perfeccionó su cultivo y se
mejoró su productividad.
Con la finalidad de aumentar la producción agrícola se construyeron los
famosos “andenes”, terrazas de cultivos en las pendientes de los cerros, los
cuales eran irrigados con canales de agua conducida de los ríos cercanos. Los
instrumentos de cultivo usados eran la “taclla” y “chaquitaclla”, especie de
azadón, usados tanto en la siembra, aporque y cosecha.
La pesca y caza eran actividades de complemento a su dieta alimenticia.
Toda la tierra cultivable se dividía en tres partes: la primera atribuida al sol, la
segunda al Inca y la tercera al pueblo. Cada hombre al casarse recibía un
“Topo” (medida) y las mujeres “medio topo”. Cada familia no solo cultivaba su
parcela, sino que también tenía que trabajar los terrenos asignados a la religión
(dios Sol) y al estado (Inca) con cuyo producto se sustentaba el ejército, los
sacerdotes y la burocracia administrativa. Este trabajo era parte del tributo que
pagaban todos los habitantes del Imperio.
Su comercio se desarrolló bajo el sistema de “trueque”, ya sea en los mercados

o ferias periódicas que se realizaban.
El calendario agrícola estaba distribuido según las labores anuales, consistía en

aproximadamente doce meses.
Su sistema contable y de cálculo tuvo una base decimal; tablones y objetos de

piedra con varias divisiones como cajas, han sido hallados y probablemente
fueron usados como ábacos, para los cálculos usaron frejoles o guijarros, los
totales se registraban en los “Quipus”, que eran sistemas de contabilidad.
Consistía en un cordón base con una serie de cuerdas de colores atadas en la
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que hay nudos que representan unidades, decimales. Los quipus eran
solamente “entendidos” o “leídos” por los “Quipu Camayoc”.
La familia se organizaba sobre la base del “Ayllu”, que era una forma
comunitaria de organización que suponían vínculos de consanguinidad de
descendencia patrilineal. El estado buscó un tipo de organización económica y
política que le permitiera tener un efectivo control sobre la población y
garantizar el tributo en trabajo y los trabajos obligatorios; de esto se encargaba
cada jefe de familia llamado “Purej” o el que camina, y el “Pachac Camayoc”
o el responsable del ayllu o grupo comunal y que era elegido anualmente en
una fiesta llamada “Camachicu”.
El “Tucuy Ricuy” (el que todo lo ve), era la autoridad cuzqueña destacada a
regiones incorporadas, a manera de Inspector General.
La autoridad máxima era el Inca, estaba por encima de todos los hombres, su
autoridad era absoluta y se le consideraba de origen divino. El Inca debía
casarse con su hermana, que pasaba a ser la “Coya” (esposa principal) y la
que al darle un hijo era el heredero legítimo para sucederle en el trono. Tanto
como a la nobleza se le estaba permitido tener innumerables concubinas.
La “panaca” era la familia del Inca; luego seguían los incas por privilegio
formado por la nobleza territorial o provinciana compuesta por los curacas y
régulos, y los hombres del pueblo o “Hatunrunas”; dentro del pueblo estaban
los “mitmac” y los “yanacunas” o esclavos. Los mitmac eran grupos de
personas a los que se obligaba a trasladarse de un lugar a otro, con la finalidad
de colonizar otras tierras o para servir de ejemplo a otros pueblos; o también
por rebeldía, como castigo.
La justicia estuvo basada en tres principios: ama sua (no robar), ama quella
(no seas ocioso), y ama llulla (no mentir). Los inválidos o todo aquel que no
podía trabajar era ayudado por el estado; bajo este sistema de justicia el Inca
tuvo subordinada a la población.
Como parte del ritual religioso, existieron los sacrificios de niños y animales,
que eran sacrificados en fiestas que siempre tenían relación con los periodos
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agrícolas controlados mediante un calendario llamado “Intihuatana” o reloj solar

de piedra, que siempre estuvo asociado a los lugares religiosos.
El ejército estaba bien organizado y la disciplina era severa; la instrucción

militar tenía como base enseñar el uso de todas las armas: hachas de bronce,
hondas, arcos y flechas, lanzas arrojadizas, estólicas, mazos pesados de
madera y mazos con cabeza de piedra o bronce en forma de estrella. Se
usaban como protectores gruesos sacos y escudos.
Su alimentación tuvo como producto importante y principal al maíz; los

animales domesticados fueron la llama, el cuy, un tipo de pato y el perro en
mayor cantidad.
Sobresalieron en las diferentes artes:

Cerámica y escultura Inca.
Es bien trabajada y muy bien pulida, se usan diversos colores como el negro,
blanco, rojo, amarillo y naranja. Sus diseños son geométricos consistentes en
rombos, helechos, cruces, dameros, círculos, puntos y triángulos, se incluyen
además en sus diseños insectos estilizados como mariposas, pequeñas abejas
, peces y otros animales, además de frutas y ajíes.
Las formas más típicas de la cerámica son:
- El Aríbalo.- consiste en un cántaro con dos asas verticales en el cuerpo, el

cuello angosto y largo que termina en una boca de labios expandidos a manera
de bocina y con dos asas muy pequeñas a los costados; cuyo cuerpo es
globular pero terminado en punta para permitir asentarlo en la tierra o unas
bases expresamente hechas de cerámica, las asas pequeñas permitían pasar
unas sogas y atárselos al cuello y la espalda para poder trasladar los granos o
líquidos de un lugar a otro.
- Platos de asa.- poco profundos de asa-mango que remate generalmente en

una cabeza de ave. Este estilo típicamente inca se encuentra difundido en todo
el imperio, con dibujos equilibrados y simétricos.
- El kero.- recipiente Inca más característico, realizado en madera con diseños

en las que representan escenas de la actividad real Inca, pintados en variados
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colores; aparecen en ellas rituales religiosos, batallas, festividades o el Inca y

su corte.
- Artefactos de piedra.- son numerosos, siendo los más característicos los
morteros con asas esculpidas en formas de cabezas de felinos o serpientes;
pequeños auquénidos llamados “Conopas” o “ullti” y esculturas de felinos.
PINTURA.
Aunque no sobresalieron en pintura, existen versiones que pintaron en
tablones sobre los Incas, sus obras, batallas; su historia.
ARTE TEXTIL.
Destaca el control de todas las técnicas anteriores aprendidas. Se continúa el
patrón de vestir y se destaca con especialmente el tocado, ya que este les
permite distinguir y mostrar la clase, ocupación especial (milicia, sacerdotes), y
lugar de residencia regional; estos tocados podían ser cabezas de felino, zorro,
plumas de aves exóticas, textiles envolventes a manera de turbantes, etc. Los
colores usados son el rojo indio, amarillo, naranja, verde, negro y otros; que
también fueron aplicados as las pinturas en telas.
Producida la muerte de Inca Atahualpa por los invasores españoles, el Imperio

del Tahuantinsuyo inició su fin, el Inca pasó a ser considerado un héroe
mesiánico (mito del Inkarrí) que propició su prestigio actual relacionándolo con
la época feliz en que no existía el hambre y el hombre andino era feliz bajo el
mando del Inca bienhechor, hijo del Sol y modelo de todas las cosas de este
mundo. Su resurrección se ha convertido en esperanza, la supervivencia del
mito en el interior del país, lo avala.
Una fuente de información importante los constituyeron los cronistas tanto

mestizos como españoles e indígenas, sobresaliendo Gracilazo de la vega,
Pedro Cieza de León, Padre Bernabé Cobo, Miguel de Este y Guamán Poma
de Ayala.
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Machu Picchu
Construida al parecer en torno al año 1450, la ciudad de Machu Picchu fue quizá el último
refugio de los dignatarios incas ante la llegada de los conquistadores españoles. Situada a más
de 2.000 m de altitud, Machu Picchu ha pasado a ser todo un símbolo de la civilización incaica,
un imperio que llegó a alcanzar los 3.500.000 km2 y que contó con casi 12 millones de súbditos
en América del Sur.
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5.2 ARTE VIRREYNAL PERUANO.

Cuando los españoles llegan al Perú en Europa estaban en el renacimiento.
5.2.1 UBICACIÓN DEL ARTE ESPAÑOL EN EL CONTEXTO DEL

TIEMPO Y EL ESPACIO PREVIOS A SU INFLUENCIA EN AMÉRICA
- COSMOGONÍA ARTÍSTICA HISPÁNICA.

Desde épocas inmemoriales y desde que el hombre primitivo procura hacer
germinar su civilización con la organización de sus estaciones y sus grandes
pueblos, España que también sufre ese proceso universal, empieza a
desarrollar y evolucionar preponderantemente su maravilloso arte. Es
importante destacar que dentro de su proceso cosmogónico toda España
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atravesó por una riquísima forma de expresiones estéticas que con el tiempo y
el espacio sufrieron cambios y primacías ó postergaciones.
Su vivo interés por desarrollar al máximo las más importantes formas artísticas
condujo a España a buscar fuentes de estudio, investigación e inspiración fuera
de su territorio. Así desde que el arte se hace histórico, España practica con
ardor la forma evolutiva de su evolución. Sigue los estilos artísticos que surgen
desde Grecia, Roma, el Arte cristiano primitivo, el arte Bizantino, Románico,
Gótico, Renacentista, Barroco, Rococó, Neoclásico y otros que se desarrollaron
en Florencia, Roma, Venecia, Francia, Alemania, Holanda y Flandes, ciudades
y países altamente influyentes en el arte ibérico.
Por lo tanto el proceso de formación artística de España ha tenido en el tiempo

cuantiosa mistificación de estilos, ideales, pensamientos, ambiciones,
búsquedas e influencias que se hicieron tangibles en el espacio, en la ejecución
artística que todo el mundo admira a través de su arquitectura, pintura,
escultura y otros de sobresaliente expresividad.
Todo cuanto desarrolló España referido a su propia evolución histórica, es el
resultado simbiótico, de su ubicación en el contexto de la cultura occidental
europea que reunió las esencias de los mensajes de las civilizaciones griega,
romana y cristiana, los cuales fueron enriqueciendo en los comienzos de la
edad moderna con los movimientos culturales del renacimiento, los grandes
inventos y los descubrimientos.
EN CUANTO A LAS REALIZACIONES:

Las realizaciones de obras artísticas con significación convencional o evocativa
(símbolo), España ha tenido desde sus inicios artístico-históricos la influencia
poderosa de la religión. Es por eso que crea gran variedad de formas
decorativas simbólicas y alegóricas que representan escenas del antiguo y
nuevo testamento o realizan simbolizaciones paganas o mitológicas con
imágenes reales fácilmente descifrables.
5.2.1.1 ICONOLOGÍA E ICONOGRAFÍA.

EICON= imagen; LOGOS = tratado
EICON= imagen, GRAFOS= descripción
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Mientras que la Iconología estudia las imágenes bajo todos sus aspectos, las
compara y clasifica, llegando a fijar reglas que permitan conocer su antigüedad
y su significado; la Iconografía, se limita simplemente a describirlas
científicamente.
Por otro lado, la imagen se describe por sí misma, es decir se expresa por su
propia forma en sí.
La Iconología; es el tratado o estudio de la imagen.

La Iconografía: es la descripción de la imagen.
Los dos se dan juntos cuando se investiga, el pasado, la antigüedad,

etc. de un objeto o un fenómeno
Puede la iconografía ser o no cristiana como puede ser ejecutada en cualquier

técnica artística y como puede ubicárselas en álbumes y colecciones.
Por los conceptos anteriores, España no ha estado exenta de utilizar la

simbología en lo referente a la expresión gráfica, pictórica y escultórica que se
ha desarrollado durante la época medieval, hasta antes del renacimiento,
momento en que llega al nuevo mundo.
5.2.1.2 FENÓMENO DE LA ACULTURACIÓN.
Es el proceso de adaptación a una cultura o de recepción a ella, de un pueblo

por contacto con la civilización de otro más desarrollado.
LA TRANSCULTURACIÓN.
Es el proceso de difusión o de influencia a los rasgos culturales de una misma
sociedad cuando entra en contacto con otra que se encuentra bastantes menos
evolucionada.
Cuando los españoles implantaron en América los implementos de Europa, la

cultura indígena con toda sus manifestaciones, no pudo ser borrada; antes por
el contrario cedió a ella dando paso a nuevas expresiones, conservando para sí
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sus propios perfiles (simbiosis). Se denomina a este proceso el mestizaje

cultural.
El fenómeno de la aculturación se revela en la forma como España implantó en
el Perú todo el espíritu y organización de sus formas de gobierno, la
organización de la familia, un nuevo sistema de propiedad, las costumbres, la
religión y dentro de la cultura la arquitectura, escultura, pintura, literatura que se
amalgamaron con el espíritu artístico indígena, surgiendo así el arte mestizo,
único en el mundo por su riqueza en expresiones en las maravillosas obras
apreciable aun en los tiempos actuales.
5.2.2 TÉCNICAS Y MATERIALES PROVENIENTES DE OCCIDENTE:
- LA ARQUITECTURA.
Se dice que es la más noble de las bellas artes y rectora de otras que han
existido; une lo práctico con lo estético, es decir que es el fruto de la necesidad
de cubrir un espacio y fruto de una manifestación del espíritu.
Es el arte de proyectar, construir y adornar los edificios de acuerdo a reglas
determinadas que van surgiendo en el tiempo y en el espacio.
Los materiales que utiliza son básicamente la madera, el barro y la piedra
(tiempos antiguos). En los tiempos modernos (fines del siglo XIX) comenzó a
emplearse el fierro, el cemento armado, el vidrio y el plástico.
Las técnicas o los procedimientos que requieren la arquitectura y las
habilidades para usar esos procedimientos están sujetos al tipo de material que
debe emplearse al tipo de construcción y al lugar donde se realizan las mismas.
En la vieja Europa de los siglos que llegan al XVIII las construcciones han sido
básicamente realizadas con superposición de piedras de diversa calidad,
tamaño, forma y peso; también se utiliza la madera en armazones diferentes y
que son extraídas de variedad de árboles de tronco largo y ancho, pesado o
liviano y resistente. El barro y la cal que sirvieron como unión de las piedras, los
sillares y ladrillos para dar mayor solidez a las construcciones y como
revestimiento y enlucido.
Los elementos arquitectónicos implantados en las construcciones religiosas y
civiles entre los siglos XVI y XIX son los siguientes:
- LA ESCULTURA.- se caracteriza por representar las formas en sus tres

dimensiones y que sirve de decoración a la arquitectura.
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Puede ser en bulto o EXTENTA que representa figuras de pie, yaciente, orante,
ecuestre en forma parcial, total, en busto o en escorzo 9.
Puede ser en relieve que representa a las figuras en un plano y se divide en
alto, mediano y bajorrelieve, incluyendo aquellos que son grabados o incisas.
Entre los materiales más usuales: granito, mármol, piedras lugareñas, madera,
bronce, hierro, marfil, hueso (para figuras pequeñas) y el barro cocido.
Las técnicas empleadas en escultura son procesadas generalmente mediante
el desbastado, con cinceles o burbias, según sea empiedra o madera, para
conseguir el modelado y mediante el vaciado de yeso o de bronce en el
proceso del moldeado.
- LA PINTURA.- se caracteriza por representar las formas a través de los

colores sobre una superficie bidimensional, el pintor para la ejecución de un
cuadro, puede utilizar diversas técnicas y materiales que se diferencias
fundamentalmente por los diversos aglutinantes o disolventes, empleados para
licuar los pigmentos (derivados de tierras-ocres- o procesos químicos-anilinas-)
Las técnicas más usuales en occidente, hasta su incursión en América fueron:
* La acuarela: cuyo aglutinante es el agua gomosa y sus colores son

transparentes, cuya graduación del color se hace con el agua.
* El aguazo: utiliza igualmente el agua gomosa pero los colores no son
transparentes; de esta técnica se deriva la témpera.
* Temple: emplea la cola como aglutinante, aplicándose sobre papel, cartón o
madera a los que se da una impresión muy delgada de yeso fino.
*Temple al huevo: utiliza a este como aglutinante, mezclado con los colores y
que aplicados adquieren ligero brillo con características de óleo.
* EL fresco: utiliza el agua como aglutinante y se aplica sobre los muros,
previamente enlucidos con una capa de cal o arena muy fina. Adquiere una
gran consistencia y el color se hace firme y fuerte; la aplicación del color es
similar a la acuarela y debe ser ejecutada con mucha prisa ya que la condición
del muro revestido debe estar fresco para el momento de la aplicación del color.
* El pastel: su aglutinante es la goma con la mezcla de pigmentos y tiza en
polvo muy fina; se aplica como un lápiz o una tiza sobre papeles o cartulinas
apropiados.
9
escorzo,m. Pint. degradación de una figura, según las reglas de la perspectiva
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* La encáustica: utiliza la cera como aglutinante, para su aplicación es

indispensable la paleta y el pincel o espátula caliente. De esta técnica se deriva
la crayola.
* El óleo: emplea como aglutinante el aceite de linaza cocido; es el más
utilizado a partir del siglo XV por la riqueza de sus tonos y facilitar
combinaciones y correcciones de color.
* EL MOSAICO: se caracteriza por reproducir formas o imágenes mediante el

pegado de TESELAS o pequeñas piezas cúbicas cuadrangulares o de formas
irregulares fabricadas en piedra, mármol, vidrio, barro cocido esmaltado. Tiene
un fin decorativo sobre muros y pisos. Este arte se practica desde muchos
siglos antes de Cristo y perfeccionado por los romanos hasta el Siglo III de
nuestra época; lo practicaron así mismo los artistas bizantinos en su rica
decoración de sus templos y construcciones civiles.
- EL VITRAL O VITRAUX: es un arte complementario de la arquitectura, se

caracteriza por la utilización del vidrio coloreado para decorar ventanas,
pórticos o muros de las construcciones religiosas o civiles, por sus vivos colores
y por procurar iluminación cromática en el interior de los ambientes.
Los materiales y procedimientos del vitral son los siguientes:
* El vidrio coloreado, en trozos de acuerdo a las formas requeridas y sometidos
al fuego para fijar los colores sobre el vidrio
* El plomo, en varillas o láminas que sirve de soporte a los vidrios, los que a su
vez se sujetan a barras verticales y horizontales de hierro acondicionado a las
formas de las ventanas o puertas.
Su proceso técnico es el siguiente:

1- El boceto a escala deseada de acuerdo a las dimensiones del lugar a
ubicarse.
2- Corte, coloreado y cocción del color en las lunas.
3- Unión de las lunas coloreadas con varillas o láminas de plomo.
4- Fijación en los soportes de sostenimiento en la ventana o puerta.
Los temas que se representan son religiosos con formas simbólicas o

figurativas divididas en pequeños planos. La forma compositiva está basada
en el equilibrio y la simetría.
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- LA PINTURA MURAL.- es otra forma artística que se practicó desde tiempos

antes de Cristo y dentro de las etapas evolutivas del arte de la pintura del viejo
mundo. A diferencia de la pintura ejecutada sobre el lienzo y en caballete, la
pintura mural se realiza sobre la superficie de los muros especialmente
preparados. La técnica que generalmente se utiliza es el temple y el aguazo.
Por su fácil aplicación en grandes extensiones y la poca combinación de
colores.
Dentro de la pintura mural se considera también al fresco y al mosaico con la
diferencia de sus materiales y técnicas.
- LA CERÁMICA.- que en sus primeras manifestaciones fue considerada como

un arte doméstico, utilitario y alfarero, ejecutada generalmente en barro o
arcilla. De acuerdo a la evolución de las culturas y el desarrollo de los países
artísticamente, esta también ha evolucionado respecto al tipo de fabricación,
tipo de material, la forma, el tamaño y la calidad de cocción y pulimento,
además de la decoración, adquiriendo así el nombre de cerámica.
Las técnicas utilizadas son desde su origen: el modelado a mano, luego se

ayudaron de pequeños instrumentos y el torno que dio a la cerámica una
función práctica y estética muy elevada. Otra técnica es el moldeado; la
materia prima de la cerámica son las diferentes clases de arcillas; como la
arcilla natural, el caolín o la arcilla de porcelana (materiales plásticos) y el
cuarzo y el sílice (materiales duros).
Los colores cerámicos son los componentes de óxidos metálicos y barnices que
se utilizan como cubierta.
La calidad de resistencia y durabilidad depende de los cambios que sufren
tanto la arcilla o la cubierta por la acción del fuego a que son sometidos en los
hornos.
Según el fin que tenga su utilidad, se clasifica en lo siguiente:
-cerámica decorativa por excelencia.
- cerámica de uso doméstico (vajilla).
-cerámica para construcciones
- cerámica para sanitarios.
- cerámica para la industria eléctrica
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5.2.3 ARTE ESPAÑOL Y ARTE MESTIZO EN EL PERÚ

Las formas, los materiales, las técnicas, los estilos y las características más
saltantes del arte español son el resultado de su proceso cosmogónico 10
(evolución artística) y de influencia dentro del panorama europeo, de otro lado,
las características materiales, técnicas, estilos y formas del arte mestizo son
consecuencia del proceso de aculturación o transculturación desde el momento
de la conquista.
Fenómeno simbiótico.
La fusión de las artes española e indígena, de diferente concepción y

realización, otorgaron a la historia un provechoso resultado denominado “arte
mestizo”.
La asociación de los elementos artísticos, trajo consigo mediante el fenómeno
de la simbiosis nuevas formas de expresión y realización estética. Esta
apreciación está expresada o materializada en las primeras formas de
mestizaje, como son los casos arquitectónicos de Huamanga y Cuzco.
En Ayacucho, “la unión de los elementos arquitectónicos con los incaicos no fue
estrictamente de fusión, sino de ensamble o acoplamiento, donde las partes
conservan su unidad e independencia. Este aporte del estilo Inca es sincrónico
a la fabricación de estructuras y estilos españoles a los que va unido.
En el Cuzco el mestizaje se produce por la superposición de estilos

arquitectónicos, como es el caso del Convento Santo Domingo edificado sobre
el Koricancha, respetando su basamento pétreo Este templo ofrece así una
mezcla sin adaptación pero sí con superposición de lo incaico debajo de lo
español o sea la piedra bajo el adobe. Casos análogos pueden rastrearse en
otras expresiones de la esfera artística, como el tejido y la cerámica en los que
10
cosmogonía. (Del gr. κoσμoγoνία).
f. Relato mítico relativo a los orígenes del mundo.

|| 2. Teoría científica que trata del origen y la evolución del universo.

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no se produce necesariamente la mezcla de elementos sino la yuxtaposición de

los mismos sin alcanzar una compenetración total, pero que sí se dará en
tiempos posteriores en la escultura y pintura; solamente en éstas y algunas
artes más se producirá una fusión total de los elementos artísticos.
5.2.4 ETAPAS DEL ARTE VIRREYNAL
Siglo XVI - 1532 a1579 arte mestizo / Renacimiento español (Europa).

Siglo XVII - Arte Barroco
Siglo XVIII - Arte Barroco churrigueresco y el Rococó
Siglo XIX - Arte neoclásico
El arte virreynal fue la expresión de los sentimientos y vivencias de su época.

Espléndidas manifestaciones artísticas se dieron a lo largo de tres siglos del
virreynato, de los que se pueden admirar la gran sensibilidad espiritual, la
habilidad y la capacidad de realización de los grandes maestros.
Los estilos predominantes en España: el renacimiento, el barroco, el
churrigueresco, el rococó y el neoclásico, desarrollado entre los siglos XVI y
comienzos del Siglo XIX y que se enriquecieron con los estilos indígenas dando
origen al arte virreynal.
SIGLO XVI.
- Etapas de inicios del virreynato. Preocupación por la catequización y la

imposición de elementos culturales europeos.
- Importación de elementos artísticos religiosos.
- Llegada de grandes maestros, artistas, pintores, escultores y arquitectos al
finalizar este siglo.
- Construcción de los primeros templos, los primeras escultoras y pinturas como
complemento arquitectónico religioso.
- Se impone el estilo renacentista, con su tipo de decoración arquitectónica,
plateresca y mudéjar.
- Tanto en la pintura como en la escultura se imponen las formas compositivas
estáticas pero monumentales, derivadas del arte humanístico y con
reminiscencias góticas que duran hasta mediados del siglo XVII.
- En la pintura recibe la influencia del manierismo español.
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- Se considera a esta segunda mitad del Siglo XVI como la etapa de transición
hacia el arte del virreynato.
SIGLO XVII.
- Etapa de definición del arte virreynal.

- Se construyen también edificaciones civiles y militares, además de las iglesias
y conventos en diversas ciudades del territorio.
- Surgen variaciones estilísticas constituidas por los estilos regionales, debido
a la forma como se interpretaban las formas arquitectónicas y decorativas en
cada lugar o región.
- Se introduce el estilo barroco, en la arquitectura, escultura y pintura, a
mediados de siglo, desarrollándose hasta mediado del siglo XVIII.
- Se introduce con mayor furor el estilo churrigueresco, hasta mediados del
Siglo XVIII.
SIGLO XVIII.
- Continúa el desarrollo evolutivo del arte virreynal, barroco y churrigueresco en
todas sus expresiones.
- Se difunde el churrigueresco (barroco mestizo local) a algunas ciudades de la
sierra.
- Hace su aparición el rococó que dura hasta fines de siglo.
- Gran desarrollo y difusión de la pintura en el Cusco y en Lima.
- Creación de notables escuelas pictóricas en Lima, Cusco y Ayacucho.
SIGLO XIX (Inicios).

- Se impone el estilo neoclásico, que renueva la concepción arquitectónica,
escultórica y pictórica.
- Interrupción de las realizaciones artísticas en todas sus formas derivadas de
las preocupaciones por la emancipación.
- Surge el estilo republicano con nuevas tendencias revolucionarias del
modernismo a partir de 1821.
5.2.5 LAS ARTES EN EL VIRREYNATO:
a) ARQUITECTURA:
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La dimensión religiosa de la vida social y la supremacía de la iglesia

(característica de la edad media), siguieron teniendo en España una influencia
muy grande. Este hecho y la idea de unidad política de España, debía basarse
en la unidad religiosa determinando que la conquista y colonización de América
tuvieran algo de una guerra santa contra las creencias y cultos indígenas para
erradicarlo definitivamente o de asimilarlo al culto cristiano.
La preeminencia de la iglesia se reflejó en el orden espiritual, intelectual,
material y económico de la colonia lo que significa que también se reflejó en la
superior envergadura de la arquitectura religiosa, cuyas obras constituyeron la
principal fuente de trabajo para los alarifes u oficiales de construcción como
para artesanos en las ramas técnicas y artísticas (carpinteros, herreros,
talladores, pintores, escultores, orfebres, etc.
LOS ESTILOS ARQUITECTÓNICOS:

Desde sus contactos con los estilos americanos y en especial con la nuestra
cultura nativa, los estilos arquitectónicos marcharon al unísono o en forma
sincrónica con las corrientes de influencia europea y con el correr de los siglos
en que se manifestaron.
- Estilo renacentista:
Se implantó durante fines del Siglo XVI y mediados del Siglo XVII se caracteriza
por haber asimilado las formas clásicas greco-romanas y góticas. Utiliza las
columnas, bóvedas, cúpulas, arcos, relieves.
llega al Perú con esos elementos incluyendo al estilo mudéjar estilo que
combina o mezcla elementos del arte cristiano y árabe) y la decoración
escultórica plateresca Se aplica en las primeras construcciones religiosas de
Lima y Cuzco, posteriormente en ciudades de la sierra, donde sufren algunas
variaciones de acuerdo a la región.
- Estilo Barroco.
Se implantó a mediados del siglo XVII y mediados del Siglo XVIII. Se
caracteriza por recargar la ornamentación y generar gran belleza deslumbrante.
Aglutina comunas y cornisas en distintos tamaños y niveles.
Le da mucho movimiento a la decoración escultórica y genera los contrastes
lumínicos de los altos relieves.
Se aplica en la decoración de los retablos o altares y en los frontis de los
templos y algunas construcciones civiles importantes (casonas).
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Se utilizó el yeso y la piedra; de ornamentación recargada y profusión en el uso

de la columna salomónica.
- Estilo churrigueresco.
Hizo furor desde mediado del Siglo XVIII y fines del mismo. Se deriva del
barroco; se caracteriza por exageras más la ornamentación barroca con formas
de follaje, flores, frutos, bustos, cara de ángeles y forma de animales. Introduce
la columna “salomónica“(de forma retorcida u ondulante), decorada
profusamente.
Utiliza como el barroco, el pan de oro y el color para crear mayor impresión de
riqueza compositiva de los altares.
José de Churriguera, creó un género complicado y retorcido, auténticamente
español, al que se le denominó “churrigueresco”; destacan como ejemplos los
templo de la merced Y San Agustín en Lima, La Compañía de Jesús en
Arequipa.
- Estilo Rococó.
Llamado también estilo afrancesado o barroco francés por su origen; se impone
al finalizar el Siglo XVIII.
Este estilo se opone a la exagera ornamentación del churrigueresco. Su
ornamentación es moderada y simple, utiliza las formas esbeltas de líneas
ondulantes al igual que en las decoraciones escultóricas de los pórticos o
ventanas y balcones, dándole una visión de delicado y gracioso movimiento. Se
utilizó el yeso en molduras que coronaban las puertas y ventanas. Se utilizó el
estilo también en construcciones civiles, El Lima destacan La Quinta presa, el
paseo de Aguas y la Casa Oquendo.
- Estilo Neoclásico.
Tuvo auge en los inicios del Siglo XIX y durante la república. Se inspira en los
modelos griegos y romanos, haciendo renacer las columnas y capiteles
esbeltos de sobrio aspecto; se pretendió resucitar el “clasicismo”, de
características columnas romanas con capiteles corintios, adornos rígidos y
frontis triangulares.
Se aplicó en la portada de la Catedral de Lima y su torre, así como en su Altar
Mayor y también en la fachada y altar de la Iglesia de San Pedro de Lima. En
arquitectura civil en el Cementerio General de Lima y en el Hospicio Manrique.
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En esta época se implanta también el estilo neogótico en lo que se refiere a la

estructura y decoración.
Los tipos arquitectónicos.

Se agrupan de acuerdo a los fines que debe cumplir:
- Religiosa.- como catedrales, iglesias, conventos, capillas.
- Civil.- casonas, paseos, parques, plazas.
- Militar.- fuertes y cuarteles.
En lo que se refiere a las construcciones en general las formas y distribución de
estos tipos arquitectónicos, son predominantemente europeos, adaptados a los
distintos climas o regiones y a los materiales disponibles en ellos para su
construcción.
Cabe recordar que el carácter esencial de la arquitectura española no fue
alterado en el Perú, el aporte se expresó preferentemente en la decoración
escultórica y en el material utilizado, tal es el caso de las construcciones
arequipeñas, ayacuchanas, cajamarquinas y cuzqueñas.
b) PINTURA VIRREYNAL.
Se dio prioridad al motivo religioso; se pinto en tela, madera y muros.
En el Siglo XVI, una vez establecida la conquista y vistas las necesidades de
emprender su labor cultural y catequizadora, se inician las importaciones de
obras de arte y llegan pintores españoles de poco prestigio y por otro lado
italianos, excelentes maestros de la pintura quienes han de contribuir al
afianzamiento de la pintura en esta parte del mundo. A esta tarea contribuyó la
importación de estampas españolas, flamencas y holandesas cuya llegada se
sucede a lo largo del virreynato. Es notable la participación de aficionados
pintores, cuyas obras realizadas en los primeros momentos de la conquista
fueron hombres de las huestes de Francisco Pizarro:
- Diego de Mora: a quien se le atribuye los retratos del Inca Atahualpa en el

momento de su derrota y encarcelamiento en Cajamarca, y también el retrato
de Francisco Pizarro, obra que se convierte en el primer documento histórico-
artístico de la conquista.
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- Cristóbal de Molina y Pedro Sarmiento, quienes realizaron gráficos

descriptivos de los pasajes históricos más importantes, sin trascendencia
estética.
Entre los pintores españoles que llegaron hacia el último tercio del Siglo XVI
están Juan de Illescas, pintor de imágenes de santos con características
artesanales, utilitarias y mercantiles, y, Andrés de Saravia, pintor de poca
trascendencia artística.
Entre los primeros peruanos que realizaron fecunda labor artística pictórica en
los inicios del coloniaje, tenemos a Francisco Juárez, pintor indígena de
Huarochirí, quien realiza cuadros para decorar las salas del Hospital San
Andrés; a lo que se le denomina la primera producción pictórica peruana.
- Melchor de Zanabria, contemporáneo de Juárez, limeño que realizó una

colección para decorar el retablo de la Iglesia Santa Ana; aplica en sus obras la
técnica del estofado en oro.
- Miguel Luis de Morales y Francisco García, limeños de gran labor artística
religiosa, con quienes culmina la pintura del Siglo XVI.
- Felipe Huamán Poma de Ayala, cronista que ilustró sus escritos con gráficos
de la vida incaica en los inicios del siglo XVII, lo que viene a constituir un
documento de extraordinario valor histórico, más que estético.
La llegada de tres pintores italianos en la última cuarta parte del Siglo XVI,
Bernardo Bitti, Mateo Pérez de Alesio y Angélico Medoro, significó para el Perú
una contribución valiosa en la técnica y la estética pictórica que desarrollaron
en el primer tercio del Siglo XVII. Enseñaron a pintar a la manera occidental:
* Bernardo Bitti; características de su obra:

Es definitivamente clásico, debido a la influencia de los grandes maestros
italianos durante la época de sus estudios, recibe la influencia del manierismo,
por el alargamiento de sus personajes. Entre las primeras obras que realiza
tenemos “la Coronación de la Virgen”, ubicada en la Iglesia San Pedro, “La
Virgen de La Candelaria”, “La Virgen de la Expectación del parto (Virgen de la
O)” y “San Ignacio Mártir”; todas estas obras se encuentran ubicadas en la
Iglesia San Pedro de Lima.
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También tiene obras en Bolivia como “La Virgen, el niño y San Juan Bautista”,
este pintor religioso no dejó ningún discípulo debido a su carácter retraído y
solitario, pero que su obra significó una extraordinaria lección para la época.
- Mateo Pérez de Alesio; gran maestro italiano, que realizó fructifica labor
pictórica, no solo en el Perú, sino en España. Su obra se caracteriza por su
gran realismo, característica de la pintura renacentista es un excelente retratista
y gran realizador de la pintura al fresco.
Entre sus obras se mencionan el “Retrato del Virrey García Hurtado de
Mendoza”, “San Cristóbal”, “San Pedro y San Pablo” que se encuentran en la
Catedral de Lima, la pintura al fresco que decora algunos de sus muros y la
cúpula del Convento de La Merced de Lima, considerada como la más
importante obra mural al fresco realizada a inicios del siglo XVII.
Decoró diversas iglesias como San Agustín, Santo Domingo y la catedral de
Lima. Dejó varios discípulos que estudiaron en su taller de la calle Mantas;
destacan su hijo y sacerdote dominico Fray Adrián de Alesio, Fray Francisco
bejarano, Domingo Gil, Pedro Pablo Morón, Francisco garcía y Francisco
Sánchez Nieto; a través de los cuales se prolongó su estilo renacentista con
claras influencias del estilo manierista.
- Angelino Medoro; pintor italiano cuya obra se caracteriza por la aplicación

del buen colorido, de los buenos trazos en su dibujo y la excelente organización
de sus composiciones.
Entre las obras que realiza se mencionan a la “Virgen de la Antigua”, “La
Oración del huerto”, “El descendimiento de la Cruz”, “San Buenaventura”.
Tiene dibujos de excelente factura como la “Adoración de los Reyes Magos” y
la “Sibila” que presentan conocimiento y dominio de las formas humanas a las
que agrega espontaneidad, fluidez y plasticidad.
Entre otras obras tenemos, la “Inmaculada” que se encuentra en el Convento
de San Agustín, “EL Cristo de la Columna” (colección privada), “El milagro de la
multiplicación de los peces” (que se encuentra en el Monasterio de las
Descalzas de San José”, “El Milagro de San Antonio” (en el Convento de los
Descalzos), “San Francisco y Santo Domingo orando al Crucificado”, Tríptico
del “Crucificado con la Virgen y San Juan” ( en el Convento de San Francisco
de Lima), “La Virgen de los Dolores” en la Catedral de Lima.
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Características de su obra son: Sus personajes, tienen gran proporción

humana; equilibrio y simetría.
Surgieron corrientes locales como la famosa escuela cuzqueña; formada por
peruanos destacando el indio Diego Quispe Tito, otros fueros, Basilio Santa
Cruz Pumacallu, Basilio pacheco y Marcos Zapata; los motivos fueron
básicamente religiosos, flores y adornos dorados (pan de oro).
c) ESCULTURA EN EL VIRREYNATO.
Sus temas fueron también fundamentalmente religiosos, se uso madera,
destacan:
- Pedro Noguera, arquitecto de la Catedral de Lima (trabajó la Sillería del Coro),
esculpió además los santos de piedra de la fachada.
- Baltazar gavilán, considerado el mejor escultor del virreynato, con su máxima
obra: La muerte.
Entre los escultores cusqueños destacan: Juan Tomás de Tuyru Túpac (autor
de la Virgen de la Almudena y del bello Púlpito de la Iglesia San pedro de
Lima) y Melgar Huamán, escultores púnenos: Francisco Titu Yupanqui, Juan
Hualcán y Marcos Rengifo.
En la región ayacuchana, se comenzó a esculpir el “piedra de Huamanga” y el
Arequipa se hacían ya, trabajos en “piedra de sillar”. En todo el virreinato a
nivel popular se realizaron “esculturas de palo”, que representaban a santos y
virgen para el culto en casa.
5.3 ARTE REPUBLICANO.

Las artes plásticas en la república. Llamamos pintura republicana, a la que
surgió a partir de la Independencia del Perú (1820) hasta nuestros días. Se da
en cuatro periodos consecutivos, producto de su evolución:
- Pintura costumbrista (1820 – 1860 aprox.)
- Pintura Académica (1860 – 1920 aprox.)
- Pintura indigenista (1920 – 1940 aprox)
- Pintura Contemporánea o moderna. (1940 aprox- hasta nuestros días)
5.3.1 Pintura costumbrista, (1820 – 1860 aprox.).
Se denomina así, porque tiene por tema retratar la descripción de las

costumbres. Se representa los caracteres mas significativos y representativos
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de un pueblo; es una pintura amena, narrativa e histórica; a veces humorística,

satírica pero con el sustento de la verdad.
Aquí se encuentran algunas pinturas de extranjeros que estuvieron de paso por
nuestras ciudades y pintaron nuestras costumbres, destacando Juan Mauricio
Rugendas, Francisco Leoncio Angrand, A.A. Bonnaffe, Max Radiguet y otros.
El tránsito del virreinato a la república significó la aparición de dos artistas que

careciendo de formación académica, encarnaron el nexo entre las tradiciones
pictóricas del coloniaje y las nuevas tendencias; ellos son JOSÉ GIL DE
CASTRO y PANCHO FIERRO, destacando ambos en la capital limeña.
Estos dos artistas, luego de las guerras de la independencia se volcaron a
expresar el universo de los próceres civiles y militares, la vida urbana y las
costumbres.
JOSÉ GIL DE CASTRO, (1783-1841)

Fue pintor de Cámara del Gobierno peruano, cartógrafo del ejército, capitán de
Ingenieros del Ejército de Chile, diseñador de los uniformes del ejército peruano
y artista muy cotizado en la alta oficialidad que se hizo retratar por él.
Su obra es valiosa, desde el punto de vista histórico documental. Es un artista
de firme trazo en el dibujo, buen colorista, con tratamiento en sus personajes de
cierta rigidez que son representados en la proporción de ¾ natural; le mucha
expresividad a los tipos sicológicos, como por ejemplo retratos realizados de
Simón Bolívar, Francisco de Paula Otero, Bernardo O’higgins, destacando los
de Don José de San Martín y el mártir Olaya.
Por haber radicado muchos años en Chile, se convierte en precurso de las
artes plásticas de ese país.
PANCHO FIERRO, (1809-1879)

El más vigoroso e imaginativo artista que definió con su singular talento su
emancipación artística del viejo mundo. Limeño, nacido en 1810, ha dejado a
través de sus acuarelas de todo lo significativo de las actividades cotidianas de
las costumbres y los personajes más característicos de todas los estamentos
sociales de la vida limeña. Murió en 1879
Características de su obra:
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- Instinto en las proporciones y la composición, incipiente proporción y

forma.
- Insinuación del movimiento en sus personajes.
- Capacidad de captación de la expresión, los gestos y las actitudes.
- Acompaña a sus composiciones cierto sentido humorístico a los actos
humanos; al que le agrega una gracia ligera, de la comicidad, sin
amargura, ni preocupaciones.
- Los temas de su predilección, a los que acompaña con fondos de
casonas, alamedas, balcones y perspectivas callejeras, son personajes
religiosos, militares, procesiones y sus vivanderas, tapadas, escenas de
corridas de toros, etc. Lo que viene a constituir una espléndida visión de
la Lima independiente del segundo tercio del Siglo XIX.
Destacan :Ño Toribio, EL Montonero Escobar, Las tapadas, La Frutera,

Vendedores de leña, EL carnaval, EL Tondero, El Son de los diablos, Juanita
Breña, la Zamacueca.
5.3.2 Pintura Académica, (1860 – 1920 aprox.)
Los pintores en esta etapa son ilustrados, han estudiado (becas por el gobierno
en algunos caso) en Europa y regresan al Perú con una nueva estética,
depurada, académica, que se apega al clasicismo, Integrando así a nuestro
país a la corriente cultural artística universal.
Destacan:
Ignacio Merino; es considerado el primer representante de la pintura en el
Perú republicano: “Santa Rosa de Lima “, “San Martín de Porres”, “Colón y su
hijo en la Rábida”, “Colón ante la Universidad de Salamanca”, “La Lectura de
Don Quijote”.
Francisco Laso; retratista en sus inicios: “La Pascana o el Haravicu”, “El
Alfarero”, “EL Retrato de su esposa”, “El Entierro del mal cura”, “Santa Rosa de
Lima”, “Chalán a caballo”.
Luis Montero: “La Venus dormida”, “Los Funerales de Atahualpa”,
Daniel Hernández; pintor representativo de Siglo XIX: “Retrato de la Sra. Luisa
de Mesones”, “La Perezoza”, “Simón Bolívar”, “Mujer con ramillete”,
“Campesino italiano”.
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Teófilo Castillo: “El pleito de las Calesas”

Carlos Baca Flor: es el mejor retratista peruano; supo captar la sicología de
los retratados y jugar con el color de manera muy especial.
Otros; Federico Torrico, Francisco Masías, Juan Lepiani, Luis Astete, Alberto
Lynch.
5.3.3 Pintura indigenista, (1920 – 1940 aprox)

Los temas estaban referidos a los indígenas, y campesinos peruanos, sus
costumbre, su vivienda, paisajes, etc.; tratando de reinvidicar al indio y su
paisaje nativo. Sus cultores son en su mayoría discípulos de Daniel Hernández.
Destacan:
José Sabogal: “”Tondo Colorado”, “Varayocs de

Chincheros”, “La procesión del Señor de los
Milagros”,, “Victoria Regia”, “Hilanderas Huancas”,
“Garcilazo de la Vega”.
“El alcalde de Chincheros “

Pinacoteca Municipal Ignacio Merino en Lima
Enrique Camino Brent:”Calleja de Xauen”, “Vista

de Taos”, “Ventana de Tristán, “El Sermón”.
Jorge Vinatea Reynoso: “Balseros del Titicaca”.
Camilo Blas: “Mochera”
Julio Codesido, “Cusqueños”.
Juan Manuel Ugarte Elespuru, con lineamiento indigenista, que a través del
tratamiento moderno logró el informalismo.
5.3.4. Pintura Contemporánea o moderna, (1940 aprox-hasta nuestros

días)
Surge con las nuevas corrientes del pensamiento y la cultura.
Sérvulo Gutierrez (Ica 1914-1961), cultor del expresionismo, rico y espontáneo
en colorido, utilizó la variedad de rojos.
- Fernando de Szyszlo; introdujo el arte abstracto al Perú.
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--------------------------------------------------
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- Otros, Gerardo Chávez, Milner Cajahuaringa, y nuevas generaciones de

jóvenes egresados de la Escuela Nacional de Bellas Artes, Pontificia
Universidad Católica del Perú, otras instituciones de enseñanza de arte y
muchos autodidactas.
5.4 AUTOEVALUACION DEL CAPITULO V_________________
1. El hombre de Kotosh, considerado el primer escultor peruano y americana con 4,200
años de antigüedad, se encuentra en el departamento de:
a) Ica b) Tacna c) Moquegua d) Huanuco e) Lima
2. Periodo cronológico que se da entre los 2000 a 100 a.C. , donde se presenta los
orígenes de la civilización, siendo la Cultura Chavín su máximo exponente, algunos
autores lo señalan como Primer Horizonte cultural:
a) Periodo Formativo b) Periodo de Desarrollo Regionales, c) Periodo de
Estados Regionales d) Todos ellos. e) Ninguno de los anteriores
3. Cultura que abarcó los valles de Chincha, Pisco, Ica, Nazca, su capital fue lo que es
hoy el Conjunto arqueológico Kawachi, sobresalieron por la policromía de su
cerámica:
a) C. Chimú b) C. Moche c) C. Nazca d) C. Wari e) C. Inca
4. Su arquitectura tuvo tres épocas características: ciclópea, poligonal, imperial:

a) C. Huarpa b) C. Wari c) C. Inca d) C. Tiahuanaco e) C. Huaras
5. Estilo artístico que se desarrollo en el SXVIII, se caracteriza por su recargada

ornamentación, belleza deslumbrante, decoración escultórica, uso de retablos y
altares y profusión de la columna salomónica:
a) E. Renacentista b) E. Barroco c) E. Rococó d) Neoclásico e) Ninguno
6. El acuarelista Pancho Fierro, autor de “Ño ToriBio”, “El Montonero Escobar”, “Las
Tapadas”, “EL Carnaval”, “El Tondero” y otros; pertenece al estilo de :
a) Pintura Costumbrista b) Pintura Académica c) Pintura Indigenista
d) Pintura Contemporánea e) Ninguna de las anteriores.
7. La Obra “Los Funerales de Atahualpa”, de formato de grandes dimensiones en

donde se representa a 36 personajes casi de tamaño natural y que ,podemos
admirarla como exponente de la Pintura Académica en el Museo de Arte de Lima
(Parque de la Exposición), pertenece a:
a) Francisco Laso b) Ignacio Merino c) Pancho Fierro d) Luis Hernández
e) Luis Montero
8. Relacione e indique la obra y su autor:

a) “Pleito de las Calesas” ( ) Ignacio Merino
b) “Retrato de la Sra. Luisa de Mesones” ( ) José Sabogal
c) “Balseros del Titicaca” ( ) Jorge Vinatea Reynoso
d) “Varayocs de Chincheros” ( ) Daniel Hernández
e) “La Lectura del Quijote” ( ) Teófilo Castillo
9. Artista exponente de la Pintura Contemporánea, introdujo el arte abstracto al Perú.
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---------
a) Diego Quispe Titu b) Bernardo Bitti c) José Gil de Castro d) Fernando de

Szyszlo e) Julia Codesido
10. Es una bóveda en forma de media esfera que suele cubrir todo un edificio o parte
de él.
a) Jamba b) Modillón c) Cúpula d) Capitel e) Tímpano
Tarea: Visitar el Museo de Arte y verificar en el lugar la evolución del Arte peruano.
SOLUCIONARIO.
AUTOEVALUACION DEL CAPÍTULO I

1. b
2. b
3. d
4. c
5. d
AUTOEVALUACION del Capítulo 2

1. d
2. c
3. e
4. d
5. e

1. d
2. c
3. d
4. a
5.

1. b
2. d
3. b
4. b
5. d

1. d
2. a
3. c
4. c
5. b
6. a
-----------------------------------------------------------
----------
--------------------------------------------------
---------
7. e
8. ( e ) Ignacio Merino
( d ) José Sabogal
( c ) Jorge Vinatea Reynoso
( b ) Daniel Hernandez
( a ) Teófilo Castillo
9. d
10. c
Ubicación: Museo de Arte de Lima, ubicado en el Paseo Colón, es parte

integrante del Conjunto del Parque de la Exposición. Disfrute su visita.
ANEXO: LECTURAS ADICIONALES.
Anexo 1
ICONOGRAFÍA.
Iconografía, en la historia del arte, estudio del contenido en las artes visuales. El
significado de una obra de arte se expresa, a menudo, por objetos o figuras que el
artista incorpora. El propósito de la iconografía es identificar, clasificar y explicar
dichos objetos así como el significado de ciertas obras de arte. Resulta
particularmente importante para el estudio de obras religiosas y alegóricas, donde
muchos de los objetos representados —cruces, calaveras, libros, velas, por
ejemplo— tienen un significado especial que a menudo es oscuro o simbólico.
El significado iconográfico que se le confiere a determinadas obras es, con

frecuencia, tan antiguo como el arte mismo. Los símbolos iconográficos más
tempranos que se pueden identificar claramente datan del año 3000 a.C., cuando
las civilizaciones neolíticas del Próximo Oriente usaban figuras animales o
humanas para representar a sus dioses. En la iconografía egipcia la diosa-madre
Hator asociada con la vaca, solía aparecer como una mujer con cabeza de vaca
tanto en relieves como en pinturas. El dios Sol, llamado Ra fue identificado por
medio de una cabeza de halcón y el creador Ptah aparece como un toro.
En la antigua Grecia y Roma, cada uno de los dioses era asociado con sus
específicos objetos. Zeus (Júpiter), el padre de los dioses iba acompañado de un
águila o de un rayo; Apolo, el dios del arte, de una lira; Artemisa (Diana) la
cazadora por medio de su arco y su carcaj. Como complemento, los romanos
perfeccionaron el uso de símbolos alegóricos y seculares. Por ejemplo, la
representación de una mujer rodeada de racimos de uvas y de espigas de trigo
podía ser entendida como una alegoría de la abundancia de la tierra.
El arte paleocristiano, durante la persecución romana, fue muy prudente en sus

representaciones y objetos inocuos, como el pez y la paloma. Se utilizaron para
simbolizar a Cristo y al Espíritu Santo. Sin embargo, más tarde el arte cristiano
desarrolló una rica iconografía. En particular, muchos de los santos fueron
asociados a objetos específicos, como por ejemplo San Pedro a dos llaves, o
Santa Catalina a la rueda rota.
-----------------------------------------------------------
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--------------------------------------------------
---------
Durante el renacimiento y a lo largo del siglo XVIII se hicieron especialmente

populares las pinturas alegóricas y los artistas que elaboraban programas
simbólicos para ilustrar, entre otros temas, la vanidad de la existencia humana.
Joyas, monedas e instrumentos musicales son algunos de los objetos que
personificaban la vanidad de los placeres de la vida, mientras que esqueletos,
relojes de arena y velas apagadas constituían el “memento mori” como
recordatorio de la muerte.
En la época moderna el uso de objetos iconográficos ha decaído. Algunas

excepciones encontramos en el cubismo, en el movimiento Dadá, y en el Pop Art,
cuyas imágenes de objetos de la vida cotidiana —periódicos, latas de sopa,
fotografías, figuras de cómic— se han convertido en símbolos iconográficos
genuinos que reflejan la cultura moderna.
Biblioteca de Consulta Microsoft® Encarta® 2003. © 1993-2002 Microsoft Corporation. Reservados todos
los derechos.
REFERENCIA BIBLIOGRÁFICA.
- Ballesteros Manuel “Breve Historia de la Cultura”, 1963 Ediciones La Ballesta,

Madrid, España
- Castrillón Alfonso, Museografía. UNMSM
- Castrillon Alfonso; 1era Encuesta de Museos
- ICOM, Consejo Internacional de Museos. “Museos, Patrimonio y Turismo

Cultural”. Encuentro Latinoamericano, Mayo 2000; Trujillo, Perú y La Paz,
Bolivia.
- Stasny Federico, “Breve historia del Arte en el Perú”. UN
- Kauffman Doig, F. “Arte en el Perú Virreynal”, Editorial UNMSM.
- Kauffman Doig, F., 1991. “Introducción al Perú Antiguo, Una Nueva

Perspectiva”, KOMPAKTO Editores, Lima, Perú.
- Microsoft ® Encarta ® Biblioteca de Consulta 2003. © 1993-2005
- WEB SITE:: W.W.W. museonacional.gob.pe

Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia (Pueblo Libre).
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UNIVERSIDAD INCA GARCILASO DE LA VEGA

FACULTAD DE CIENCIAS DE LA COMUNICACIÓN Y TURISMO

PROGRAMA DE PROFESIONALIZACIÓN A DISTANCIA

MUSEOLOGÍA E HISTORIA DEL ARTE

MUSEOLOGÍA e HISTORIA DEL

Primera parte: Museología…………………………………..………..16

CAPITULO II: ORGANIZACIÓN DEL MUSEO

2.1 Organización del museo………………………………………………………. 27

2.3 Que exhibe el Museo...................………………………………………….….29

Segunda parte: Historia del Arte …………………………………..62

CAPÍTULO IV: HISTORIA DEL ARTE UNIVERSAL

4.0 Aspecto generales…………………………………………………………….…69

4.3.1 Cultura Egipcia…………………………………………………………73

CAPÍTULO V : HISTORIA DEL ARTE PERUANO.

La Universidad Inca Garcilaso de la Vega consecuente con sus principios

La validación científica de la propuesta esta basada en los descubrimientos que

La concepción de una formación profesional a distancia transforma

Dentro de este marco, la Facultad de Ciencias de la Comunicación y Turismo

El proceso de elaboración, revisión y mejoramiento de manuales

profesor especialista, el reajuste en su elaboración y la impresión acompañada

Confiamos en la calidad científico-pedagógica de este material didáctico que

La Dirección del Programa

En el presente manual auto instructivo, se presenta una síntesis muy

El contenido de esta obra trata: Aspectos preliminares, que enfoca los

Se expone como Aspecto Preliminar la relación existente entre Museo,

desempeña el papel fundamental de mediador, educador, conservador y difusor

Centro Administrativo Inca de Vilcashuaman

Iglesia y Plazuela Santa Teresa- Ayacucho Casona colonial

i) MUSEOS, PATRIMONIO Y TURISMO CULTURAL.

El turismo es sinónimo de cultura y recreación, podemos definir esta

La cultura esta implícita en el viaje o desplazamiento de las personas; al

Ante la imposibilidad de visitar todos y cada uno de los centros

La cerámica fue también expresión máxima de su desarrollo cultural,

En arquitectura, desde la estructura de huesos de ballena en Chilca, las

Siendo reiterativos, nuestro país tiene un vasto legado cultural, al añadir

afianzada identidad nacional y adecuada conducción y capacitación, es un

El patrimonio registra y manifiesta procesos de evolución histórica, representa

Turismo cultural, es una modalidad especializada cuya motivación principal la

El turismo es uno de los principales sectores económicos a nivel

Se sabe que la actividad turística es un fenómeno económico, de gran

El turismo permite la obtención de divisas que trae progreso y desarrollo a los

El turismo, al atraer la atención hacia el patrimonio, natural o cultural,

Es de obligatoriedad estatal difundir que la promoción y conservación son

éxito no lo será sino se cuenta con la participación de amplios sectores

Los especialistas deben buscar líneas de acción, normas de ordenamiento,

Como manifiesta Yani Herreman, Vice Presidenta del Consejo Ejecutivo

En resumen, el Turismo Cultural tiene, un aspecto social muy importante que se

El Museo; (tratada con más amplitud en las páginas siguientes),

“Pero al abordar el tema de gestión del patrimonio cultural no se puede dejar de

educativas, de conservación, investigación y como atractivo turístico; un

La importancia de la institución del museo es ya reconocida y valiosa que

• Favorecer la participación activa de las comunidades y desempeñar su

Igualmente, el museo debe velar para que sus profesionales:

• Se desempeñen en forma adecuada en la protección del patrimonio en

La ética en el turismo demanda de los agentes actuantes, que el visitante

El turismo cultural se vincula al patrimonio cuando lo hace a un conjunto de

Los museos se clasifican tipológicamente atendiendo a la naturaleza de sus

nacional, regional o local, sus condiciones de pluralidad, singularidad, libertad,

De cara al turismo cultural, los museos deben promover la participación

• Los museos y el turismo cultural deben propiciar la interacción de los

Desde el punto de vista económico, la comercialización del turismo cultural

OBJETIVOS: Al término del Capítulo, el alumno será capaz de:

2.- Conceptuar, analizar y comprender los Museos, su importancia en la

3.- Conceptuar, analizar, comprender y conocer la aplicación de la