ROCOCO

Estilo característico europeo que sus orígenes se sitúan en fines del siglo XVII y principios del
siglo XVIII, Su término procede del francés rocaille que indicaba su principal tipo de
decoración.

El rococó floreció principalmente en Francia junto al barroco hasta que adquirió un lenguaje
propio que se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su orden clásico,
los elementos decorativos del Rococó aportaron fantasía y elegancia en las construcciones,
pero fue en los interiores donde consiguió el mayor logro

Características principales

-Arte de la corte francesa (arte de elite) pertenece a un grupo social cerrado

Escultura

-Grandes estatuas, cariátides y telamones desaparecieron casi del todo. El único lugar en el
que se mantendrá el uso de estas composiciones será en los jardines. Siempre se necesitaron
esculturas de grandes dimensiones para los edificios oficiales o para adornar grandes plazas.

-El artista se preocupa de proyectar la obra teniendo en cuenta la colocación de la luz y los
colores dominantes del entorno

-Valorizo mucho el arte de menor escala

-Escultura monumental: Bronce

-Temas principales: Sustituyen a las divinidades mayores representadas en las alegorías,

profanos, mitológicos, sensualidad, erotismo, gracia, belleza (los temas menores triunfarían de
los “serios”)

-Estilización

-Funcionalidad: Escultura como decoración (Arquitectura dependiente del entorno)

-Retratos de medio busto

-Genero naturalista

-Arte Rococó según la región (Alemania, Italia: Tema religiosos) (Rococó Original: Francia,
Mitología)

Pintura

-Soporte: Cuadro al oleo

-Telas como paneles

-Se despega del dibujo, se pinta por manchas, se desprende del realismo del barroco

-importancia del paisaje, revalorización del boceto

-En el retrato aparece la técnica del pastel

-desaparece el marco

-temas: juego, lo mundano, elegante refinado, alegres en comparación al barroco

-Colores: desaturados

-Canon: Cabeza pequeña, rostro oval, piel color porcelana

-importancia a la vestimenta

NEOCLASICISMO

El Neoclasicismo (nuevo clasicismo) fue un movimiento artístico (pintura, literatura, escultura y

arquitectura), surgido en Europa alrededor de 1750, durando hasta mediados del siglo XIX.

Este movimiento tuvo como objetivo principal rescatar los valores estéticos y culturales de las
civilizaciones de la Antigüedad Clásica (Grecia y Roma). Surgió en el siglo XVIII en Europa
extendiéndose por el mundo, permaneciendo hasta mediados del siglo XIX. Recibe ese nombre
una vez que estuvo basado en los ideales clásicos. Se trata de un movimiento de oposición a
las exageraciones, rebuscamiento y complejidades del Barroco. Se produce después de la
Revolución Francesa (1789), en el inicio de la Revolución Industrial y en el contexto de la
Ilustración llamado "Era de la Razón".

Los héroes griegos y la simplicidad del arte fueron muy admirados y formaron la base de este
movimiento. La apreciación del pasado es una de sus características principales que conducen
a muchos de los críticos a pensar que el Neoclasicismo puede ser visto como una cara del
Romanticismo.

Características del Neoclasicismo

Valorización del pasado histórico: Valorización de temas y patrones estéticos del arte clásico
antiguo. Héroes y seres de la mitología griega, por ejemplo, fueron temas recurrentes en las
pinturas y esculturas neoclásicas.

Influencia del arte clásico (grecorromano): el Neoclasicismo estuvo fuertemente influenciado

por el arte grecorromano.

Basado en los ideales iluministas: Fuerte influencia de las ideas filosóficas del iluminismo,
principalmente las vinculadas a la razón.

Oposición al Barroco y al Rococó: Valorización de la simplicidad y pureza estética

(principalmente en la pintura) en contraste con los rebuscos, dramaticidades y complejidades
del Barroco y del Rococó.

Simplicidad y equilibrio de las formas

Temas mitológicos y cotidianos

Racionalismo, academicismo e idealismo

Armonía y belleza estética

Uso de la proporción y la claridad

Imitación de la naturaleza

En la pintura, el uso de colores fríos y la valorización de la perspectiva fueron recursos muy

utilizados.
En la escultura, fuerte influencia de las formas clásicas del Renacimiento. A diferencia de los
escultores barrocos, que pintaban sus obras, los artistas neoclásicos optaron por el color
blanco natural del mármol (como los escultores griegos y romanos).

Arquitectura en el Neoclasicismo

La arquitectura neoclásica fue fundamentada en los ideales clásicos y en las construcciones

erigidas durante el período del Renacimiento.

La arquitectura neoclásica sigue la línea de los templos también al estilo grecorromano, tanto
para construcciones civiles o con propósito religioso.

Pintura del Neoclasicismo

La pintura presenta diversas características de ese período, el cual buscaba la pureza y la

armonía de las formas. Inspirados en las artes grecorromanas, el realismo, el racionalismo de
las obras y el equilibrio de los colores, fueron esenciales para diseminar ese estilo en las artes
plásticas. El epicentro la pintura neoclásica se desplaza hacia Francia. En la Revolución
Francesa, el modelo clásico adquiere sentido ético y moral, asociándose a cambios en la visión
del mundo social, flagrantes en la vida cotidiana, en la simplificación de los patrones
decorativos y en la forma despojada de los trajes.

-Tratamiento escultórico.

- Rechazo de lo artificioso y decorativo, lo ilusionista.

- Se usan las verticales y horizontales, ortogonalidad y abandona las diagonales.

- El tema heroico- patriótico

- Utilización de un ambiente antiguo donde aparecen unas columnas toscanas.

Escultura Neoclasicista

La Escultura Neoclásica viene a unir diversos elementos basados en la escultura clásica, de

donde el uso del mármol es su más fuerte característica.

Se busca la armonía de las proporciones y de las formas con la exploración de temas

relacionados a mitología y personajes heroicos. Los escultores neoclásicos fueron marcados
por el rigor y la pasividad y su producción academicista es considerada fría. Las estatuas de
héroes uniformados, mujeres envueltas en túnicas de Afrodita, o niños conversando con
filósofos, fueron los protagonistas de la fase inicial de la escultura neoclásica. En la escultura se
respetaron movimientos y posiciones reales del cuerpo, aunque la obra nunca estaba exenta
de cierto realismo psicológico, plasmado en la expresión pensativa y melancólica de los
rostros. La búsqueda del equilibrio exacto entre naturalismo y belleza ideal quedaba evidente
en los esbozos de terracota, en los cuales los volúmenes y las variaciones de las posiciones del
cuerpo eran estudiados con cuidado. El escultor neoclásico encontró el dinamismo en la
sutileza de los gestos y suavidad de las formas.

- Perfección técnica, gran dominio del oficio.

- Idealización, simplificación de los volúmenes.

- Poses y vestimentas inspiradas en las esculturas clásicas.

- Reproducción de las vestimentas adheridas al cuerpo de la escultura griega o "ropa mojada".

ROMANTICISMO

Aparece en Francia a principios del siglo XIX como una reacción violenta contra la frialdad del
neoclasicismo. Si este significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación,
pasión e infinito.

CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES

SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones, sentimientos e ideas íntimas.

LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede manifestarse según
su gusto y según las exigencias de la propia obra.

SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista expresa y no

cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar determinada por la naturaleza del
contenido.

PINTURA: Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran composiciones
dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la literatura y la historia
medievales y de la realidad pintoresca. Artistas importantes en el campo de la pintura fueron:
Géricault, Delacroix, Francisco de Goya y Caspar Friedrich.

ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo XIX y representó
una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una libertad y eclecticismo
absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad clásica a favor de los ideales
medievales.

ARTISTAS

Goya

fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y
el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo.

-Su paleta de pinturas era altamente cromática y sugerente.

-Utilizó diferentes técnicas como el fresco, óleo, lienzo y cartones para tapices.

-Sus temas se basaban en pinturas de carácter religioso, algunas escenas costumbristas de la

época en los cartones, retratos históricos y bodegones.

-En sus obras predominaba la luz.

-Sabía plasmar los diferentes rasgos psicológicos en sus obras de arte.

-Ejerció una fuerte influencia en los grandes pintores pertenecientes al Renacimiento y al estilo
Barroco.

Friedrich

Fue el artista más sobresaliente del romanticismo alemán y quien mejor representó la nueva
idea que adquirió la pintura de paisaje, concebida de un modo sublime y religioso y donde la
naturaleza, captada de forma indeterminada pero minuciosa, abrumaba por su inquietante
belleza. Su interés primario como artista era la reflexión de la naturaleza, su trabajo a menudo
simbólico y anti clásico intenta dar una respuesta subjetiva y emocional al mundo natural.
Géricault

Una figura singular en el panorama de la pintura francesa y un pionero del Romanticismo, Su

estilo se debe en buena medida a las copias de obras maestras que realizó en el Louvre y a una
estancia en Italia (1816-1817), donde entró en contacto con la obra de Miguel Ángel y con el
barroco romano.
Se centró en escenas de la vida cotidiana y temáticas poco populares y escabrosas (naufragios,
retratos de locos, trata de negros, cadáveres). En sus estudios de pintura dio desde el principio
evidentes muestras de rebeldía al no respetar las reglas. Por este temperamento fue el
prototipo de hombre romántico, moda que unos años después arrasaría toda Europa. Se
interesó muy pronto por los retratos de pacientes de psiquiátricos y enfermos de todo tipo. Al
poco introdujo estos rostros en sus enormes pinturas: oscuros y depresivos lienzos cargados
de expresividad que construyó a partir del arte de su ídolo Rubens y de otro famoso precursor
del romanticismo, Goya

Delacroix

Continuador de la obra de Géricault, desde sus inicios buscó la fama en los salones oficiales,
pero mediante un lenguaje que se oponía a las formas pulidas de los pintores neoclásicos.

- Expresión cromática.

-Simbolismo, sentimiento y refinamiento.

-Se acercó a temas exóticos, religiosos, cotidianos, políticos e históricos.

Fussili

añadiría elementos propios: su sensibilidad, como lo erótico, lo burlesco, lo satírico y lo

satánico, todo ello envuelto en sofisticación. Con énfasis en lo violento.

Representaba un sentido del romanticismo plenamente alemán: su mundo nocturno

POSTIMPRESIONISMO

El postimpresionismo supone entre otras cosas una recuperación de la importancia del dibujo
y de la preocupación por captar no sólo la luz sino también la expresividad de las cosas y de las
personas iluminadas.

Algunas características generales, con inclusión del pintor que mejor las representa:
- Interés por la construcción de la forma, el dibujo y la expresividad de los objetos y figuras
humanas.
- Conciliación entre efecto volumétrico (conculcado por el fulgor luminoso impresionista que
casi había desmaterializado las formas) y el gusto puramente estético (Cézanne).
- Concepción del cuadro a base de cuerpos rigurosamente geométricos (Cézanne)).
- Empleo de colores contrastantes para distendir y definir los planos y formas.
- Efectos pictóricos basados en búsquedas estructurales, espaciales y cromáticas.
- Utilización de colores puros con gran carga emotiva ( Van Gogh) y modulados (Gauguin)).
- Creaciones imaginativas a base de pinceladas cursivas que intentan expresar la angustia y el
desconsuelo interior (V. Gogh).
- Interés por lo exótico (Gauguin) y los bajos fondos (Toulouse-Lautrec).
- Creación de composiciones simplificadas y estáticas, buscando la armonía de las masas
cromáticas encerradas en perfiles bien ceñidos (Gauguin).
Los pintores postimpresionistas
Paul Gauguin. Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia,
mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde
pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con
tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por
ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el
"primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá
en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras
e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas.
Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la
definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto
sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En
sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización
de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha
influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria..
Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes
de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del
color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su
pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con
contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX.
Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,...
Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y
prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga
irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin
Rouge.