Historia de la Opera: Orígenes de la ópera

Historia de la Opera
Parte 1: "Orígenes de la ópera"

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Orígenes - Monteverdi

Pese a que rápidamente se difundió por todas partes, el embrión que fue la
ópera primitiva arrastró una existencia precaria durante los primeros treinta
años de su vida. Componíase este doble ancestro de una teoría, la pretensión
de resucitar el ya largamente olvidado arte dramático de la antigua Grecia, y
una práctica, los experimentos de drama y música del siglo XVI. Hoy día damos
por descontado que la ópera es una forma musical. En los primeros tiempos y
hasta el siglo XVII la ópera era considerada en primer lugar y
fundamentalmente una forma literaria, siendo la música apenas un elemento
incidental añadido. Cuando examinamos las óperas primitivas es fácil ver cómo
se impuso esta idea. La palabra siempre tiene una mayor importancia y, sobre
todas las cosas, los compositores perseguían una declamación clara y correcta
y además la expresión musical de las ideas contenidas en la poesía.

El énfasis sobre el texto verbal tiene sus raíces en el Renacimiento, que asistió
a un renovado interés por el mundo antiguo. Hasta entonces se había
considerado que la música de la antigüedad (de la cual sólo algunos pocos
fragmentos han sobrevivido) poseían mágicos poderes para conmover al
oyente mediante el maridaje de las palabras y de la música expresiva. En el
siglo XVI los músicos fueron preocupándose cada vez más por encontrar un
lenguaje musical capaz de expresar de forma adecuada y conmovedora los
textos a los que acompañaban. Su nostalgia por el perdido arte musical de la
antigüedad condujo a una reacción contra la polifonía amanerada, frente al
contrapunto escolástico, contra la ingenuidad musical que apenas tenía nada
que ver con el sentido de los textos. En 1581, Vincenzo Galilei, el compositor y
teórico, padre del astrónomo, publicó por primera vez algunos de los escasos
fragmentos conservados de la música griega antigua, tres himnos de
Mesomedes en la notación antigua, que utilizó para fundamentar su aversión
hacia lo que él veía como pedantería polifónica.

Los estudios sobre el drama y la música en el mundo antiguo se desarrollaron

particularmente en el círculo de los artistas y los profesores, la llamada
"camerata", reunida en torno al conde florentino Giovanni Bardi, en las décadas
de 1570 y 1580. Vincenzo Galilei y el cantante y compositor Giovanni Caccini
pertenecían a este círculo. Poco más tarde, en la década de 1590, empezó a
reunirse otro grupo en el palacio del acaudalado comerciante conde Jacopo
Corsi. Además de tomar ideas estéticas de la antigüedad, los artistas de este
círculo, entre los que se contaban el poeta Otavio Rinuccini y el compositor
Jacopo Peri, hallaron inspiración en el drama pastoril, especialmente en Il
pastor Fido ("El pastor fiel"), de Giovanni Battista Guarini, que, en lo que se

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refiere a la estructura del argumento, al contenido y a la técnica poética, ejerció

una influencia duradera en la ópera. Es importante observar que, pese al gran
interés mostrado por los intelectuales italianos hacia el drama y la música
antigua, las primeras óperas fueron pastoriles, no tragedias.

El primer fruto de la relación Corsi-Rinuccini-Peri fue la

representación de Dafne, considerada generalmente
como la primera ópera. El libreto de Rinuccini deriva
del mito griego de la naturaleza que habla de la bella
ninfa Dafne, tal como lo relata Ovidio en las
Metamorfosis. El dios del sol Apolo persigue a Dafne y
la convierte rn árbol. El mundo mágico e idílico de los
dioses y los semidioses conjurado por Ovidio siguió
atrayendo a libretistas y compositores durante la
temprana historia de la ópera. La música de dafne,
gran parte de la cual se ha perdido, la compuso
Jacopo Peri como Orfeo Jacopo Peri, con unos pocos añadidos del conde
en el estreno de su Corsi. Los fragmentos supervivientes permiten hacerse
ópera Eurídice una idea de cómo debía sonar, con su stile espressivo
(Biblioteca Nazionale, y su stile rappresentativo declamatorio. Esto mismo
Florencia)
puede verse en otra colaboración Rinuccini-Peri, un
drama per musica titulado Euridice, representado el año 1600 para celebrar el
casamiento de Enrique IV de Francia y Maria de Medici. La asociación de la
ópera con festividades y manifestaciones de poder y grandeza se perpetuó en
los teatros de los príncipes menores y en los teatros de ópera subvencionados.
Originalmente, la función festiva se derivó de los intermedi, los interludios
grandiosos y escénicamente espectaculares insertados en los entreactos de las
comedias que se representaban para celebrar los acontecimientos domésticos
importantes - coronaciones, nacimientos, bodas - en las vidas de los príncipes
italianos del siglo XVI.

Eurídice es la primera de las muchas óperas basadas en el mito de Orfeo, el

cantor y tañedor de lira tracio. Eurídice, la esposa de Orfeo, muere a causa de
la mordedura de una serpiente, por lo que Orfeo desciende al Hades para rogar
por la vida de Eurídice. Allí, su canto expresivo mueve a compasión a los seres
demoníacos y se le permite regresar al mundo con Eurídice. Encontramos a
Orfeo una y otra vez a lo largo del tiempo en la historia de la ópera, incluyendo
ejemplos cruciales como los de Monteverdi y Gluck. Se podría decir de ella que
es el prototipo de ópera. No es una coincidencia que Apolo, dios del sol y de la
música, y Orfeo aparezcan como personajes en las primeras óperas, un tema
frecuente acerca del poder de la propia música.

La mayoría de edad: Claudio Monteverdi

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Claudio Monteverdi fue el primer genio incontestable de la historia de la

ópera. Sin un conocimiento de la lengua italiana, las óperas de Peri y
Caccini (que compuso la música para la Eurídice de Rinuccini al objeto de
rivalizar con la de Peri) presentan obstáculos insuperables al oyente
contemporáneo. No es este el caso de Monteverdi, como muestran las
recientes representaciones con gran éxito de sus tres óperas
supervivientes. Los modernos oyentes, ya sean expertos o profanos,
quedan cautivados por el modo en que Monteverdi era capaz de insuflar
vida expresiva en sus personajes, son arrastrados por el ímpetu
dramático de sus obras y encantados por la riqueza y la plenitud tonal de
la música.

Monteverdi nació en 1567, tres años después que Shakespeare, hijo de

un médico de Cremona, la ciudad de los constructores de violines.
Empezó a componer madrigales a una edad muy temprana y se fue a la
corte de los Gonzaga en Mantua, donde llegó a ser maestro di capella en
1601; no era un simple y vulgar tejedor de notas sino un intelectual,
insólitamente bien educado, sensible, coherente, dueño de sí mismo y
versátil. Vio enseguida las limitaciones y las posibilidades de la nueva
forma teatral. Su respuesta fue llevar a la escena, el 24 de febrero de
1607, en Mantua, L'Orfeo, favola in musica, la primera ópera en alcanzar
un lugar permanente en el repertorio. El texto lo había escrito Antonio
Striggio, un funcionario de la corte. Diez años después de que el dramma
per musica hubiera venido al mundo, esta obra constituida en hito incide
aún en el mito de Orfeo y tiene una gran deuda con el tratamiento que dio
Peri a la misma historia. La acción es presentada por las alegóricas
figuras bien conocidas de las obras y representaciones renacentistas.
Orfeo y Eurídice, recien casados, aparecen en un entorno idílico con
ninfas y pastores. Tras la muerte de Eurídice, conmovedoramente
descrita por el mensajero, Orfeo se aventura en el mundo inferior al objeto
de rescatar a su amada. A causa de su amor infringe la orden de no
volver su rostro y mirar a Eurídice en el camino de retorno. Su esposa es
condenada al Hades de nuevo. Las óperas primitivas tendían a sustituir
los finales trágicos por finales felices y Orfeo no es una excepción: Apolo
aparece como un deux ex machina y conduce a Orfeo al Paraiso, donde
se reunirá para siempre con Eurídice. Los pastores celebran la apoteosis
de Orfeo con una danza. Habían nacido las reglas perdurables de una
estructura dramática: el lieto fine (final feliz) como requissito operístico; la
alternancia de escenarios en fuerte contraste (idilio, mundo inferior,
paraiso), que se convertirá en un rasgo esencial de la ópera barroca
francesa; la combinación de recitativos y números independientes, coros,
danzas, números ariosos, ritornellos y danzas, canciones para varias
voces. La orquesta adquiere una mayor significación, caracterizando las
escenas dramáticas y los acontecimientos con su colorido y utilizando los
instrumentos para efectos simbólicos. En veintiseis pasajes
instrumentales independientes su efecto es relevante en la medida en que

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apoya e interpreta la acción. En la orquesta de Monteverdi había unos

cuarenta ejecutantes. La partitura no consigna todos los particulares;
marca la tónica general sin entrar en detalles. Por la época del Orfeo
Monteverdi estableció los principios de su nuevo estilo - seconda prattica
como opuesta a la tradicional prima prattica - Y afirmó que "el compositor
moderno actúa sobre la base de ser fiel a la realidad".

La siguiente ópera de Monteverdi se basó en la leyenda griega de

Ariadna. Sólo sobrevive un fragmento, el famoso y seminal Lamento
d'Arianna (1608), una efusión enormemente expresiva cantada por
Ariadna tras ser abandonada por Teseo, su amante, en la isla de Naxos.
Cuando la cantante que interpretaba el papel de Ariadna cayó enferma
antes del estreno, Monteverdi introdujo una actriz: estaba más interesado
por la expresión verbal que por el canto bello. Monteverdi ensayó Arianna
durante cinco meses, iniciando así el hábito de la larga y completa
preparación para lograr representaciones modélicas. La corte de mantua
celebraba también fiestas en las que figuraban de manera preeminente
óperas y ballets de Monteverdi.

Durante esta época la vida de Monteverdi

se ensombreció; su esposa murió; hubo
dificultades en Mantua; hubo un brote de
peste; en 1618 empezó la guerra de los
Treinta Años; la ciudad de los Gonzaga
fue saqueada en 1630 y ardieron muchas
obras inéditas de Monteverdi. Monteverdi
se trasladó de Mantua, donde las
El Teatro Grimani de Venecia. relaciones con el duque reinante se
Grabado en cobre de Vicenzo hicieron tensas, a Venecia, que pronto se
Maria Coronelli convertiría en un baluarte de la ópera.
(Museo Civico Corre, Venecia) Allí, en 1613, fue designado director de
música de la Basílica de San Marcos, uno
de los puestos musicales más importantes de Italia. En Venecia fue
donde tuvieron lugar las primeras representaciones de las últimas óperas
de Monteverdi. El héroe de Il ritorno d'Ulisse in patria (1641) es Ulises,
también llamado Odiseo, quien tras vagar largamente durante su viaje de
retorno al hogar de la guerra de Troya llega a Itaca y derrota a los
pretendientes de su esposa Penélope. L'incoronazione di Popea (1642)
es una de las primeras óperas históricas; llena de introspección
psicológica e ironía, es la historia de una cortesana que se casa con el
emperador romano Nerón. Tras el mito griego y la leyenda homérica la
historia universal se apodera de la escena operística. Alborea el realismo,
aunque sea con vestidura clásica. Aparecen ya personajes cómicos; esas
figuras periféricas son retratadas con viveza y vigor, anticipando la opera
buffa. Monteverdi murió a una avanzada edad en Venecia en 1643.

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Entretanto, la condición social de la ópera estaba cambiando,

convirtiéndose en un espectáculo musical dramático para el público en
general. Hasta entonces había estado reservada a la corte, era un asunto
esotérico de las clases nobles. Ahora, en marzo de 1637, el músico y
administrador Benedetto Ferrari abría el teatro San Cassiano en
Venecia, un teatro de ópera abierto a todo el que adquiriese una entrada.
Todo el mundo concurrió a la maravilla de la ópera, el portento que había
estado reservado a las clases dominantes. Tan sólo dos años más tarde
Ferrari estaba en condiciones de abrir otros dos teatros de ópera. Pronto
hubo dieciocho en Venecia; recibían el nombre de las parroquias en que
se hallaban situados. La ópera se había convertido en un pasatiempo
popular.

En Roma hubo algunas quejas acerca de los

"aburridos recitativos" y el énfasis literario
dominante. La nueva forma artística se enriqueció
con música en forma de arias y coros y
particularmente con elementos tomados del teatro
renacentista, preseentando escenas religiosas y
seculares, espectáculos varios, desfiles
carnavalescos y procesiones triunfantes (trionfi),
espectáculos alegóricos o bíblicos, interludios
cómicos y commedia dell'arte. El ansia de
Escena de una novedades de los italianos se hizo extensiva a la
representación de la
commedia dell'arte.
ópera; los excesos barrocos de escenografía y
Dibujo de Giuseppe tramoya estaban ya cercanos. Las costumbres
Zocchi piadosas fueron secularizadas; los rituales litúrgicos
(Galleria degli Uffizzi, quedaron reflejados en las numerosas escenas con
Florencia) templos y sacerdotes, las procesiones religiosas en
desfiles, coros masivos y cabalgatas. La ópera
conformó su ser en un país católico, donde la liturgia se impregna de
teatralidad, el ceremonial se confunde con la escenografía. La difusión
más rápida tuvo lugar en los vecinos países católocos de Francia y
Austria. La ópera llegó a las áreas de habla alemana a través de Viena,
Salzburgo y Praga. El norte protestante manifestó sus reservas. Sólo los
grandes puertos y los centros comerciales, donde soplaba un viento de
libertad, le abrieron sus puertas a la nueva diversión. Por otra parte, la
Guerra de los Treinta Años había desvastado y empobrecido grandes
zonas de Europa. No fue sino hasta 1678 cuando se abrió el primer teatro
de ópera en suelo alemán; fue el Theater am Gänsemarkt (Teatro del
Mercado de los Gansos) en la ciudad libre hanseática de Hamburgo, una
empresa privada sin subvención. Los teatros de ópera, ya estuvieran en
manos cortesanas o privadas, pronto hicieron el descubrimiento
fundamental de que la ópera es un entretenimiento caro que siempre
anda balanceándose en la cuerda floja de la bancarrota. Los muchos
teatros que competían en Italia equilibraban sus balances combinando

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sus actividades operísticas con mesas de juego, restaurantes y otros

servicios. Un ejemplo reciente de esto en nuestros días es en Montecarlo,
donde casino y teatro florecen bajo el mismo techo.

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