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Diseño de Interiores
Arte contemporáneo
Arte conceptual
Profesores:
Arq. Irma Abades
Lic. A. V. Agustín Trabucco
Arq. Sergio Feltrup
Lunes a viernes de 9 a 21 h.
Torre Universitaria, Zabala 1837, primer nivel inferior.
C1426DQG - CABA
Teléfono: 4788-5400, internos 5002 y 2122.
Email: fasciculos@ub.edu.ar
www.ub.edu.ar
UNIVERSIDAD DE BELGRANO
FACULTAD DE ARQUITECTURA Y URBANISMO
1
INTRODUCCIÓN
TÍTULO
ESPECIFICIDAD DE LA INVESTIGACIÓN
2
En atención a lo expuesto y en función de los pares dialécticos: espacio
intervenido-espacio adaptado, espacio resignificado - espacio transformado se
aborda y desarrolla el presente proyecto de investigación.
1
SAMAJA, Juan (2004) El lado oscuro de la razón. 2da Edic. Edit.JVE Psiqué. Bs.As. (pág. 14)
2
HEIDEGGER, Martin. “El arte y el espacio.”(1970) Revista Eco. Bogota, Colombia. Tomo
122, (Junio) pp. 113-120. Traducción De Tulia De Dross
3
Si bien el concepto de vacío queda asociado a una carencia, en el mismo texto
este autor plantea que “el vacío sería como la carencia por colmar espacios
huecos. Sin duda el vacío está relacionado justamente con las peculiaridades
del sitio y por eso no es una carencia sino una creación. El vacío deja de ser
nada. Tampoco es carencia. En la corporeización de la plástica se juega el
vacío de un modo de conceder buscando y diseñando sitios.”
METODOLOGÍA
a) Momento bibliográfico
b) Momento hermenéutico
d) Momento de integración
FUNDAMENTO
3
HEIDEGGER, Martín (1996) Caminos del Bosque, La época de la imagen del mundo. Madrid,
Edit. Alianza
4
JOSEPH KOSUTH
INVESTIGACIÓN: ARQ. IRMA ABADES
5
Análisis de la producción de Joseph Kosuth.
DATOS INTRODUCTORIOS
Kosuth, que enunció el principio de que una obra de arte es una tautología, llegando a
expresar que el arte es, de hecho, la definición del arte; abordó el tema artístico como
un problema filosófico y lingüístico, todo lo cual lo acercó al Art and Language Group.
Se justifica la elección de este artista y de sus propuestas por considerar que es un
importante referente del arte conceptual, el cual inició sus obras de arte indagando y
aplicando lenguajes, significados y estrategias de apropiación de los años 60. Esta
exploración buscando relaciones entre lenguaje y arte, se continúa por más de 30
años y queda expresada en forma de instalaciones, exposiciones, encargos públicos,
publicaciones y conferencias
4
WITTGENSTEIN, Ludwig Josef Johann (1989-1951) filósofo y lingüista austríaco. Publicó
solamente un libro: el “Tractatus logico-philosophicus”
5
AYER, Alfred Jules (1910-1989) Pedagogo y filósofo británico, padre del positivismo lógico.
6
KOSUTH, Joseph. (1969). “Art after Philosophy”. Ver en Anexo 1. Págs 1 a 10
6
PLANTEO METODOLÓGICO
*One and Three Chairs"; *One and Three Saws; *Four words four colors; (1965)
*Cathexis (1981)
*Casa Encendida y Located Work, Madrid y *8 works in neon in different colors (2008)
7
Se enuncian para su presentación con orden cronológico temporal no necesariamente
seguido en el decurso de la investigación
8
Categorizar es seleccionar lo relevante y agrupar lo semejante. SAMAJA, Juan (2004;80)
7
Los tres espacios de contacto mencionados son el andamiaje flexible sobre el cual se
desliza y ordena la búsqueda.
8
Así como el trabajo de Xavier Escribano de la Universitat Internacional de Catalunya
“Maurice Merleau Ponty: “El anclaje corpóreo en el mundo”
MERLEAU-PONTY, M. 1985 Fenomenología de la Percepción. Barcelona Edit
Planeta-Agostini
Para ahondar en el criterio de que la filosofía deleuziana tiene en su centro una teoría
estética del sujeto y a la vez indagar en las nociones de acontecimiento, cuerpo y
filosofía del arte, se cita
BEAULIEU, Alain 2012 Cuerpo y Acontecimiento La estética de Gilles Deleuze Letra
Viva Colección Animalia
En atención a que a) la noción de objeto se formaliza de acuerdo a un modelo extraído
de una hermenéutica de imágenes y que b) dicho concepto de objeto es la puerta de
entrada a la crítica del psicoanálisis aplicado al campo del arte, se cita
LUTEREAU Luciano 2012 Hacia una estética de la mirada, Buenos Aires, Letra Viva,
(2da. edición).
BARTHES, Roland. Semántica del Objeto. Artículo perteneciente al libro "La Aventura
Semiológica" Edit Paidós 2009
¿Es posible que el arte exprese todavía la esencia de la verdad? Para ello es
necesario responder otras preguntas antes: ¿cómo y qué verdad se manifiesta en la
obra de arte?
En aquellas creaciones que llevan por título Investigaciones, Kosuth expone la clara
voluntad de resignificar preexistencias urbanas y hace uso de dispositivos tecnológicos
como son la materia y la energía del neón con lo cual explora territorios previamente
abiertos desde un campo teórico y los verifica en distintas escalas en especial la
escala urbana donde el soporte es la ciudad misma.
9
En estas intervenciones a nivel urbano se puede inferir en una primera lectura, un
intento por superar las iniciales leyes ordenadoras a favor de construir nuevos
lenguajes que, aunque efímeros, portan la capacidad de redefinir el carácter de
edificios y sitios de emplazamiento.
De este modo produce una puesta en valor dentro de sectores urbanos significativos
en cuanto a historia y memoria de los mismos y genera nuevas relaciones entre
arquitectura y naturaleza urbana, siendo el mismo Kosuth el creador de esta última.
¿Dónde está el centro? ¿Dónde se verifica ese juego de la estructura, que enuncia
Derrida, dentro de la obra de Kosuth?
Para develar este concepto dentro de la producción de este artista se debe recurrir a
su manifiesto, lugar donde despliega su base teórica y a la vez dirigir una mirada hacia
el arte conceptual.
9
FERNÁNDEZ, Roberto (2007) Lógicas del Proyecto. UNIGRAF. Edit Concentra. Bs. As
pág 158
10
DERRIDA Jacques. (1966) La Estructura, el Signo y el Juego en el Discurso de las Ciencias
Humanas Conferencia pronunciada en el College International de la Universidad Johns Hopkins
(Baltimore) sobre «Los lenguajes críticos y las ciencias del hombre» 21/10/66 Traducción de
Patricio Peñalver en La escritura y la diferencia, Anthropos, Barcelona, 1989.
10
Una primer observación general hacia el arte conceptual facultó, en el decurso de esta
investigación, el estudio de las obras desde un distanciamiento tal que permitió
objetivarlas y así aislar en ellas significantes y significados nombrando como
significantes a unidades materiales tales como color, forma, materialidad-neón-luz, de
modo que la obra de arte en su totalidad signifique a través de ellas, en el marco de la
siguiente conceptualización de Barthes 11 “significar quiere decir que los objetos no
transmiten solamente informaciones sino también sistemas estructurados de signos,
es decir, esencialmente sistemas de diferencias, oposiciones y contrastes”
Se impone en este momento una mirada sobre la búsqueda de Kosuth en el marco del
arte conceptual pero, antes de avanzar sobre el tema daremos “un paso atrás” para
volver al acontecimiento y preguntar ¿qué entendemos desde este lugar por arte?
Acordando que la visión del arte surge como un constructo cultural donde el concepto
responde, entre otras cosas, a planteos y orientaciones estéticas, así como a rasgos
económicos, sociales, políticos y/o culturales de la época, desde aquí podríamos
nombrar como arte, no desde una plataforma de certezas sino desde su esencia, a
aquello que se capta por su trascendencia, a aquello que funda mundo al mirar.
Según Heidegger, el arte es real en la obra de arte, por lo cual buscamos primero la
realidad de la obra mientras y según Kosuth lo importante es combatir los aprioris del
arte así como Wittgenstein los había combatido para la filosofía.
11
BARTHES, Roland. Semántica del Objeto. Artículo perteneciente al libro "La Aventura
Semiológica" Edit Paidós 2009
11
parte en el lenguaje como medio indispensable en el intercambio de los individuos (y al
mismo tiempo resultado de ese intercambio) y por otra parte en las ideas concepto.
Ahora bien, aunque las manifestaciones del arte conceptual han sido tan variadas y
disímiles como los artistas que actuaron bajo su influjo, la historia del arte
contemporáneo reconoce en el arte conceptual una instancia de desafío a la definición
estética del arte, que convirtió la escena artística de su tiempo en un campo de
experimentación con ideas filosóficas. De este modo se produce el gran cambio
quedando depositado el protagonismo repito, en las ideas (algo ya introducido por
Duchamp con sus ready made) y mediante la reducción de lo objetivo se tiende a un
análisis de las condiciones bajo las que existe el arte como sistema convirtiendo la
escena artística en un campo de experimentación con ideas filosóficas. Es importante
en este momento observar la postura de Wittgestein la cual va a funcionar como
herramienta para el conceptualismo de Kosuth.
Al presentar sus obras One and Three Chairs, One and Three Saws, One and Three
Coats (entre otras) expone al objeto, que puede ser una silla, un serrucho o un saco
(objetos neutros, cotidianos) por su definición y su representación fotográfica, de modo
que lo artístico queda desplazado del objeto, expresando que el valor reside en la
definición conceptual de los mismos.
De este modo fortalece su actitud de separar la estética del arte pues la estética lidia
con las opiniones del mundo, todo lo cual modifica la relación sujeto-observador-obra
de arte y espacio que la cobija.
Y es este espacio, como ámbito artístico, el que debe enfrentar el dilema de albergar
objetos artísticos reconocidos tradicionalmente como tales y a la vez objetos del
12
mundo cotidiano que a partir de ese momento (los ´60) son susceptibles de leerse
como objetos de arte.
ONE AND THREE COATS ONE AND THREE CHAIRS ONE AND THREE SAWS
a) el objeto cotidiano incluido en el ámbito del arte como puede ser una silla, un
serrucho, un abrigo, una escoba;
d) el productor de la obra de arte, en el caso que nos ocupa: Kosuth, que considera
dicha obra de arte como una “proposición analítica”.
Queda por incluir en esta primaria lectura taxonómica al sujeto que investiga, y en su
camino de investigar construye una mirada reflexiva sobre este mundo del que ya,
inevitablemente, es parte.
13
PROPOSICIONES
“Cualquier cosa, material o inmaterial, puede ser empleada por el artista, siempre
teniendo en cuenta que tanto la forma como la presentación son sólo vehículos para la
transmisión de una idea".J. Kosuth
Este artista entiende que la forma del arte es el lenguaje del arte y que éste, después
de M. Duchamp, necesita de un nuevo estadio crítico que permita elaborar una nueva
mirada sobre la naturaleza del arte. Desde este lugar, y entendiendo como lugar a
aquella situación que resulta de su relación con otras situaciones cualesquiera, plantea
que la obra de arte es una proposición la cual no busca referirse ni reflejar otra cosa
más que el arte. Así, las formas del arte referidas sólo al arte son formas semejantes a
las proposiciones analíticas, no proveerán ninguna información ajena a sí misma y su
significado dependerá exclusivamente de la propia información que contienen.
14
Analicemos cuáles son las variables que se conjugan en esta intervención realizada
por Kosuth: un fragmento ciudad contenedor de una edilicia pregnante en atención a
sus valores históricos, arquitectónicos y/o patrimoniales; el recorte de un texto
materializado en tubos de neón; un observador que participa de la decodificación de la
propuesta y el mismo artista-productor de la obra de arte.
Según Heiddeger es importante destacar que a pesar de que todos los elementos de
esa constelación son necesarios, y juegan su peculiar papel, su centro no es ni el
artista, ni el espectador sino la propia obra de arte (un centro, eso sí, descentrado y
descentrable en tanto no es posible establecer de una vez por todas la ‘esencia’ del
arte; ‘ser’ es un ‘acontecer’ –una eclosión-, y si el Arte es una fuente lo es porque
actúa como un manantial del que brotan, cuando lo hacen, obras de arte en torno a las
cuales cristaliza una entera constelación (que incluye a los artistas y al público, a los
modos técnicos de elaboración y a los canales de difusión. 12
12
HEIDEGGER, Martín 1996 Arte y Poesía. Bs. As. Edit. Fondo de Cultura Económica
15
“Todo me fue dilucidado aquel día. ¿Qué más? No hay nada.
El lenguaje utilizado por Kosuth es una nueva construcción generada por el recorte de
frases ordenadas según una nueva sintaxis y este recurso se verá aplicado tanto en
obras ejecutadas en espacios exteriores a cielo abierto como en obras emplazadas en
espacios interiores como museos y sitios para exposiciones.
13
CORTAZAR, Julio. (2002) “62, Modelo para armar” Edit. Alfaguara
16
Aquí se presentan las frases
del proyecto Al fin creí entender
donde emplea, "como
elementos prefabricados",
fragmentos en forma de frases
tomadas de tres novelas, de
Borges (números en azul),
Cortázar (números en violeta) y
Onetti (números en amarillo)
con el fin de construir a la vez
un cuarto texto con un
significado propio e
independiente.
¿Por qué esta elección? A lo que Kosuth responde: “Elegí el lenguaje como el material
para mi trabajo porque parecía ser la única posibilidad con el potencial de ser un
material neutral; considerar la transparencia del lenguaje significaba que su uso en
arte nos permitiría, en cierto sentido, ver ’arte’ y a la vez seguir focalizando en el
contexto socio cultural del que depende para su sentido.
Este intercambio de ideas se completa con el análisis por parte de cada artista de lo
que ha querido transmitir con la obra que pensó (obra ideada) y con la que ha tenido
que realizar (obra consumada) siguiendo las instrucciones dadas por otro.
17
La experiencia se inicia preguntando
dónde se encuentra la obra. ¿Se
encuentra en la propuesta inicial ideada
por el autor? ¿En la interpretación del
artista que la concreta? ¿O en la
interpretación del sujeto que observa, lee
las instrucciones y luego decodifica
según sus propios patrones culturales?
Located Work, Madrid
18
Desde esta estrategia lograba separar dos aspectos de la producción artística:
conceptualización y elaboración de la obra de arte logrando con esta separación
visualizar el valor de la ideación y del concepto sobre la acción. Se verifica en ambos
ámbitos, tanto exterior como interior, que el lenguaje es el constructor del mensaje y
Kosuth con este dispositivo construye espacio; ese espacio que Merleau Ponty 14
distingue del espacio “geométrico”, el “espacio antropológico” como espacio
“existencial”, lugar de una experiencia de relación con el mundo de un ser
esencialmente situado “en relación con un medio”.
Interpretar exige reconstruir la estructura interna del texto. En ciertas obras Kosuth
recurre al diagrama como dispositivo que permite hacer más perceptible las relaciones
entre las partes y expresa a través de objetos de conexión, como son las lineas, las
relaciones primarias entre las partes que conforman el todo. Si bien la herramienta
utilizada es el tubo de gas de neón, su producción se basa en la relación de palabras y
objetos, lenguaje y representación como se verificar en Four words four colors (1965)
o 8 works in neon in different colors (2008) donde a través de los enlaces de los
Mapas de Lenguaje (Otro mapa para no indicar, 2007) logra exponer un nuevo mundo
de significados.
Sin embargo cuando el ministerio de Cultura francés le encarga (1991) un trabajo para
conmemorar a Champollion, no utiliza el neón pero realiza sobre una plancha de
granito de 100 metros cuadrados una fiel reproducción de los grabados de la piedra
Rosetta donde lo que privilegia es la palabra.
La misma actitud de no uso del neón queda expresada en 1998 cuando exhibe un set
de tres aguatintas y fotograbados L'essence de la rhétorique est dans l'allégorie (la
esencia de la retórica se encuentra en la alegoría) donde las palabras clave (imitar,
mostrar, nombrar, ver, leer) obligan a reflexionar en cuanto al papel del lenguaje, su
significado y la representación dentro del campo del arte.
14
MERLEAU PONTY. Fenomenología de la Percepción pág 173
19
*Piedra Rosetta (1991) *L'essence de la rhétorique est dans l'allégorie. (1998)
21
The Play of Unmentionable - Brooklyn - 1992
Vale señalar, por el compromiso que conlleva con el tema, su reflexión acerca de las
consecuencias del descubrimiento de América (Instalación Casa de Colón otro mapa
para no indicar: el mundo antes de América) donde analizó los mapas como elemento
de representación basado en códigos y signos todo ello entroncado con la
preocupación del artista en cuanto al papel del lenguaje, los signos y la representación
en relación del ser humano con respecto a los lugares y el trato con el otro.
Este trabajo del año 2007, es parte de una puesta mayor denominada “Terra Ultra
Incógnita” como encargo del CAAM (Centro Atlántico de Arte Moderno) de las Palmas
de Gran Canaria.
22
Para esta ocasión Kosuth realizó 4 instalaciones consideradas como las
intervenciones más relevantes de este artista en España las cuales se emplazaron en
2 espacios expositivos del CAAM y en 2 museos de la ciudad: la casa de Colón y El
Museo Canario. Una de las puestas es “14 Lugares del significado” realizada sobre la
fachada de una casa-palacio del siglo XVI del barrio de Vegueta.
En dicho sitio funciona la sede administrativa del CAAM y donde reproduce la historia
multicultural de la isla, caracterizada por los intercambios culturales producidos a lo
largo de los siglos con el paso de ingleses, italianos, alemanes, franceses, judíos,
árabes, japoneses etc.
Otra muestra es “Invitados y Extranjeros: Terra Ultra Incognita” donde presentó una
selección de textos repartidos en forma de citas sobre ambas plantas de la sala San
Antonio Abad. Estas citas firmadas por escritores, filósofos y científicos, aluden de
cierta forma al concepto de invitado /extranjero en atención a que las Islas Canarias
fueron testigo a lo largo de los últimos cinco siglos de un constante ir y venir de
“invitados /extranjeros” que han pasado por el archipiélago dejando la herencia de sus
culturas y tradiciones.
La tercera muestra se emplazó dentro del Museo Gran Canario bajo el nombre “Un
problema a Resolver” y fue elegida especialmente para su presentación la sala del
Museo en la que se encuentran los restos antropológicos de la población aborigen
Canaria.
23
Invitados y Extranjeros: Terra Ultra Incognita
Un problema a Resolver
REFLEXIONES FINALES
Este recorrido expuesto por alguna de las obras de Kosuth permitió verificar la
resignificación de la ciudad cuando actúa como nuevo soporte del arte y su correlato
con la resignificación espacial a través de sus muestras e instalaciones en espacios
interiores desde una postura metodológica donde unifica la práctica artística con la
teoría. A la vez permitió comprobar la coherencia permanente entre el pensar y el
hacer, utilizando al lenguaje como herramienta conceptual, para lo cual vale citar a
Foucault cuando expone que el “lenguaje es el murmullo de todo lo que se pronuncia,
y es al mismo tiempo ese sistema transparente que hace que, cuando hablamos, se
nos comprenda; en pocas palabras, el lenguaje es a la vez todo el hecho de las hablas
acumuladas en la historia además del sistema mismo de la lengua”.
24
MARIO MERZ
INVESTIGACIÓN: LIC AGUSTÍN TRABUCCO
25
ESTADO ACTUAL DEL CONOCIMIENTO SOBRE EL TEMA
26
OBJETIVOS DEL TRABAJO
27
MARIO MERZ Y CRESCENDO APPARE
La obra Crescendo Appare de Mario Merz (1), realizada en 1992, esta emplazada en
La Barceloneta, un barrio marinero del distrito de Ciutat Vella de la ciudad de
Barcelona construido durante el siglo XVIII (2) , más precisamente yendo por el Paseo
Joan de Borbó, del lado del mar, tocando al Port Vell, por la parte adoquinada. Es
parte de la exposición “Configuracions Urbanes” comisariada por Gloria Moure (3)
Historiadora y crítica de arte, que selecciono a ocho artistas y otros tantos
emplazamientos en los barrios de Ribera y Barceloneta. La exposición es uno de los
actos organizados por Olimpíada Cultural y pasa de ser una muestra a formar parte de
la colección municipal de arte público con carácter permanente. Tal colección cuenta
con los nombres y las obras de Mario Merz, Rebecca Horn, James Turrell, Lothar
Baumgarten, Jaume Plensa, y Juan Muñoz.
28
Si volvemos al título de la “Configuración Urbana” Crescendo Appare que traducimos
aquí por Creciendo Aparece, nos preguntamos: ¿Cómo crece? y ¿Qué aparece?
En una lectura inicial de la obra contestaríamos: crece de la manera en que la serie
matemática lo permite y aparece o se manifiesta según la energía del neón. Ambas
contestaciones las encontramos apropiadas, pero no suficientemente explícitas para
los fines que perseguimos. Retomemos la primer interrogación, ¿cómo crece?
En el “como” también está implícita su naturaleza, el mecanismo por el cual crece. De
acuerdo con uno de los conceptos que se expresan en” Estética, Teoría de la
Formatividad” de Luigi Pareyson “el arte es formativo, es decir, expresa una forma de
hacer que, a la vez que hace, inventa el modo de hacer” (5).
Para ello la serie de progresión numérica, comúnmente llamada de Fibonacci, es
metáfora esclarecedora, dado que ella se desarrolla a partir de la suma de los dos
números inmediatos anteriores, se forma y se enuncia a si misma. Mario Merz la
incluyó por primera vez como recurso expresivo en los años 70, (Scala, 1971) y nunca
más la abandonó. En una entrevista que cita el artista y crítico de arte Giorgio
Guglielmino en el cátalogo para la muestra de Merz en Fundación Proa explica: “Para
Merz, la progresión de Fibonacci es “explicación y metáfora al mismo tiempo, del
crecimiento en todo campo. La naturaleza se incrementa y se expande, así como la
sociedad. Tales cambios se fundan en la suma de evento del pasado que por lo tanto,
es parte integrante y vital de todo desarrollo futuro. Lo mismo sucede con el arte.” Así
como también en la entrevista que le realizaran en 1972 en ocasión de la exhibición en
el Walter Art Center de Miniapolis al respecto explica: “El Hombre ama a los árboles
porque comprende que son parte esencial de la vida. Cuando un hombre establece
este tipo de relación con la Naturaleza, comprende que también él es parte de una
serie biológica. La serie de Fibonacci es natural. Si se colocasen una serie de árboles
en una muestra, se tendría una entidad muerta. Pero los números de Fibonacci, en
una muestra, están vivos, porque los hombres son como los números de una serie.
29
La gente sabe que los números son vitales, porque pueden ir hacia adelante hasta el
infinito. Los números son la vitalidad del mundo”. Mas adelante retomaremos estos
conceptos para interpretar la idea de crecimiento en relación al todo de la obra.
Pero, que nos dice Merz acerca del neón, que en este caso, es el como de la
manifestación de la serie. Merz nos aclara que para él, los tubos de neón son “líneas
de fuerza”, que le interesa la “sensación de energía que la luz del neón, de tramos
inestable, sabe transmitir” y mas sutilmente que el "halo de la atmósfera" de las luces
de neón, "disuelve" su "fisicidad, y para terminar agrega, “si la forma desaparece, su
raíz es eterna”. Aquí la idea de disolución de lo físico en pos de la aparición de lo
metafísico nos recuerda a aquel pensamiento que Heidegger plantea sobre que “el ser
obra de la obra tiene el carácter de su hechura”. Lo metafísico aquí se presenta en el
mundo de las ideas, de los conceptos.
Ellos toman el control del hacer de la obra. Lo predicen. Nuevamente la teoría estética
de la Formatividad nos aporta conceptos interpretativos al respecto, pero para ello
antes debemos comprender lo que en Pareyson son dos conceptos, el de Forma
formata y el de Forma formans. Por Forma formata se entiende el hacer, todo aquello
que comprende la concepción, búsqueda y selección que el artista hace para
encontrar el lenguaje para su obra, esa búsqueda que puede ser física o conceptual se
manifiesta en la obra y da lugar a la Forma formans, esta es una consecuencia de la
Forma Formata, pero a la vez parte indivisa de la obra, aparece mientras la obra
crece, o lo que es lo mismo creciendo aparece.
En este punto energía y matemática se emparentan y ambas comparten el mundo
metafísico, mejor dicho se entregan a él.
30
Solamente con la aparición de los números se forma el otro, solamente con la
aparición de la energía eléctrica aparece el color que lo expone. Y esta secuencia
sigue el camino del proceso de generación en la obra de arte. El principio de auto
formulación, de crecimiento programado se reconoce en la serie; ella tiene por
característica no tener fin, pero si comienzo, y esto evoca a la vida o lo que es lo
mismo al proceso histórico que la vida formula. Un acontecimiento origina otros y se
basa en otros anteriores, de manera de conformar una continuidad, de hechos, de
ideas. El modo creciente de la serie, apela a la idea que los hechos no se repiten, se
re formulan, tomando el inmediato anterior como espejo antitético, y resultando de
esto, en un acrecentamiento de sentido, de significado.
31
GLORIA MOURE Y LAS “CONFIGURACIONES URBANAS”
Mas que sugestivo es el nombre elegido por Gloria Maure para intitular esta exhibición
que de temporal paso a permanente, diríamos, temporal su presentación y
permanente su celebración.
Celebración que trasciende la mirada sobre la obra individual para centrarse en un
todo con la ciudad. El fenómeno comporta una complejidad notable, y sus alcances
impredecibles. Los diálogos se multiplican, la obra con su entorno inmediato y este a
su vez en relación con la ciudad toda, y esta, en relación con las otras obras y sus
relaciones propias, que van conformando esta nueva realidad urbana. Fenómeno de
expresión contemporánea que en la intuición de nuestro trabajo denominamos
“interioridad urbana”. Tal como si de un rompecabezas espacial se tratase,
intentaremos ir componiendo las piezas de este concepto, ensayando una
interpretación.
La estructura urbanística del barrio es un buen ejemplo del tipo del espíritu de
planificación urbana del período de la Ilustración, conforma un triangulo con calles de
trazado rectilíneo e islas de casas regulares. La tipología de vivienda en origen era el
de “viviendes” unifamiliares de planta baja y primer piso con acceso a dos calles para
que tuviesen una ventilación óptima (7).
32
Volviendo a Fibonacci y en una primera interpretación que relaciona simétricamente la
obra de Merz y el barrio de Verboom. ¿Podríamos aventurarnos a decir que Merz es
un hombre crítico de la Ilustración?
Ciertamente en el plano estricto de la temporalidad, esto no sería posible.
Pero apoyándonos en el concepto de sustitución ya enunciado por Jacques Derrida
en su “Carta a un amigo Japonés” (8), entendemos que toda interpretación es una
sustitución dentro de una cadena de sustituciones, que hace desaparecer todo intento
de encontrar un significado único al objeto, dado que el mismo está en
“desconstrucción”, solo podemos realizar el acto de sustituir para interpretar.
33
En síntesis ambas son operaciones conceptuales que encuentran en la materialización
su propio enunciado, que, con la capacidad de reformularse, proyectan crecimiento.
Crecimiento que significa “evolución”. Crecimiento de la ciudad Ilustrada y crecimiento
en la obra de Merz.
A la luz de estos conceptos una serie de suposiciones se hace presente: ¿Es la obra
de Merz crecimiento en la obra de Verboon? ¿Completa la obra de Merz a la de
Verboom? Y en esa dirección ¿Es la Torre Agbar, de Arquitecto Jean Nouvel
crecimiento en la obra de Merz así como en La Sagrada Familia de Gaudí?
34
Dado que eso verdaderamente “real” para los principios de la Ilustración seria la idea,
siendo su consecuencia física la aplicación de un modelo universal que funcionaria
para todo el mundo civilizado; del mismo modo, lo verdaderamente “real” en la
Gioconda es ella misma, la pintura original de Da Vinci, y las reproducciones, la
exportación de un modelo de belleza apto para ser adoptado por todo el mundo
civilizado. Ambos soportes serán completados con sendas sustituciones. Por un lado,
los bigotes y la barba que Duchamp aplica al retrato, reconfiguran el significado que
tiene para el mundo civilizado la Gioconda, y el título, que leído en francés es una
conocida ironía fonética, plantea cierto grado de crítica mordaz sobre la actitud
burguesa para con el arte. En el mismo sentido la obra de Merz reconfigura el
significado que el modelo conceptual que la ilustración define para el género humano
en este caso como modelo urbanístico y su título suplanta la idea de planificación por
la de aparición, confiriéndole cierto grado de independencia con respecto al concepto
determinista que el término “planificación” supone.
35
La Torre de manera manifiesta se relaciona con la Basílica de la Sagrada Familia
proyecto del Arquitecto Antonio Gaudi, en palabras del mismo Nouvel, su forma se
inspira en las de Gaudi , no solo en las agujas del templo, sino también en un proyecto
no construido de un rascacielos que en 1908 diseño el arquitecto Catalán, fue
orientada para tener una optima visión del mencionado templo, además de tomar en
cuenta los pináculos del monte Montserrat de gran importancia para los Barceloneses,
dado que allí se encuentran los restos de su santa Patrona. Nuevamente la tecnología,
expresión de las ciencias y el misticismo.
36
ARISTÓTELES, MERZ, FIBONACCI, Y PAREYSON…
El conocimiento por parte de Fibonacci de las teorías Aristotélicas a través de las
enseñanzas (indirectas) del principal hombre de ciencia de su época, Averroes, están
fundamentadas en los viajes que realizo el sabio Pisano por aquellas regiones del
mediterráneo donde la enseñanza de las matemáticas eran de excelencia entre los
años de su formación (1190 – 1202). Averroes sirvió en Sevilla, Córdoba y Marruecos,
fue el principal traductor de Aristóteles del Medioevo, y su libro vulgarmente conocido
como “Refutación de la refutación,Tahafut al-tahafut ” el más influyente en Europa,
divulgados por sabios como Jacobo Anatoli en el 1200.
Dichos escritos influenciaran directamente sobre las ideas de otros hombres de ciencia
del alto Medioevo, la Escuela de Chartres y del renacimiento como son Giordano
Bruno y Pico della Mirandola. Las ideas que subyacen en todos ellos, es la necesaria
separación entre la Ciencia y la Teología, coincidiendo ambas en que las Matemáticas
son el lenguaje común a una y otra, y que dicho lenguaje reposa en la Naturaleza
conformándola, enunciación conceptual numérica y manifestación física (el triángulo
Dorado es verificable matemáticamente con la serie de Fibonaci a partir del 3, esta
presente en la estructura de crecimiento del árbol del Ciprés y en los caracoles
gasterodópodos). Volviendo a Aristóteles rescatamos una de sus sentencias definitivas
acerca de la Naturaleza, allí él muestra la estrecha relación entre desarrollo y forma
“ni aquí ni en parte alguna veremos bien en el interior de las cosas a menos que
las veamos realmente crecer desde sus comienzos…” concepto que está
manejando Pareyson, (autor éste en el que el piamontés era un experto reconocido),
como Etienne Gilson para quien “la filosofía de la naturaleza de Aristóteles aporta un
lenguaje excelente para la filosofía del arte porque Aristóteles ha concebido la
naturaleza precisamente como una especie de arte.”
De tal modo que el concepto básico de su filosofía es el de “la forma incorporada que
vive y se desarrolla”.
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En alguna medida el crecimiento urbano planificado o no, es susceptible de ser
analizado según los principios de la formatividad, una ciudad crece y a su vez su
crecimiento la conforma como tal, aquellos elementos nuevos o extraños a su hechura,
como la inserción de la planificación de Vervoon en la Barceloneta, obligan a la ciudad
a tomar una decisión con respecto a tal apéndice, o se incluye y pasa a conformar la
forma formas, o la excluye y se enquista rompiendo con la uniformidad del todo
urbano. La aparición de ejes (avenidas, paseos, etc.) y de hitos, (plazas, monumentos
o sitios de interés) son recursos que la ciudad (de la mano de los urbanistas o muchas
veces de forma espontánea) produce para ir incorporando estos agentes nuevos
dentro de su hechura.
En ese sentido los dos grandes urbanistas que trabajaron en Barcelona en el siglo
XIX, primero el francés León Jaussely y luego el catalán Idelfonso Cerdá Suñer
tomaron a la Sagrada Familia, al casco antiguo y a la Barceloneta como partes
necesarias dentro de sus planificaciones. Ya en el siglo XX la obra de Merz es eje e
hito vinculante de este barrio con Barcelona toda. Esto se plantea desde dos lados
simultáneos, lo puramente físico y lo conceptual. Y en el principio del XXI la Torre
Agbar lo reafirma conformando el concepto aquí planteado de “interioridad Urbana”,
la ciudad como soporte de las “Configuraciones Urbanas”.
CONCLUSIÓN
Si bien la obra de Mario Merz se localiza fundamentalmente en interiores (galerías,
museos, fundaciones) no rehúye por ello a la espacialidad exterior. Desde sus
primeras obras con neón, hasta la incorporación de la serie de Fibonacci, desde la
ganancia del plano de piso como soporte hasta la apropiación de superficies verticales
e incluso de edificios, todos ellos siguen una línea coherente, una continuidad
estilística e ideológica que nos permite abordar el tema de la ciudad como un aspecto
más de esa interioridad y que finalmente es marco en la obra.
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Notas
(1) Mario Merz nació el 1 de enero de 1925, en Milán, Italia. Criado en Turín, estudió medicina
durante dos años en la Universita degli Studi di Torino. Se unió al grupo antifascista “Justicia y
Libertad “durante la segunda guerra mundial; casi a su término fue detenido y encarcelado en
1945 por razones políticas. En la cárcel dibujó incesantemente sobre cualquier clase de material
que tenía a su alcance. En 1950 comenzó a pintar con óleo sobre tela. Su primera exhibición
individual se realizó en la Galleria La Bussola en Turín en 1954, donde incluyó obras cuya
temática se relacionaba con sistemas ecológicos. Alrededor de 1966, comenzó a perforar lonas y
objetos -botellas, paraguas, impermeables- con tubos de neón, alterando los materiales a través
de una infusión simbólica de energía.En 1967, Merz se asoció con otros artistas italianos -
Giovanni Anselmo, Alighiero & Boetti, Luciano Fabro, Jannis Kounellis, Giulio Paolini, Giuseppe
Penone, Michelangelo Pistoletto, Gilberto Zorio y su mujer Marisa Merz- constituyendo un
movimiento artístico articulado por el crítico y curador Germano Celant denominado Arte Povera:
arte tridimensional pobre en materiales y rico en significados. Los materiales que utilizaban no
tenían voluntad de representar. Los artistas abandonan entonces el objeto de construcción del
arte tradicional y éste aparece como un proceso ligado íntimamente a la vida, no es un producto
acabado. La relación arte-vida es la gran consigna artística del Arte Povera. Los materiales que
utilizan no poseen un gran significado cultural, su interés reside en el hecho de que están en
contacto directo con el hombre. Así, importa la idea de que el hombre activa dichos materiales
para otorgarles un sentido. Este movimiento artístico histórico se caracterizó por una estética
anti-elitista que incorporaba materiales propios de la vida cotidiana y del mundo orgánico en
protesta por la deshumanizante naturaleza de la industrialización y del consumismo capitalista.
Desde 1968, Merz utiliza la imagen del Iglú, que se convirtió en su marca de autor. A lo largo de
los años el IGLU fue construido con diversos materiales. Suele tener un esqueleto de metal y
cubierto con fragmentos de arcilla, cera, lodo, vidrio, arpillera y ramas, frecuentemente
acompañadas por frases políticas o literarias en tubos de neón. En 1970, Merz comenzó a utilizar
la fórmula de Fibonacci de progresión matemática dentro de sus trabajos, transmitiendo el
concepto mediante el uso de los numerales y la figura del espiral. Al momento de realizar su
primera exposición individual en el Walker Art Center de Minneapolis, Estados Unidos, en 1972,
ya había comenzado a agregar a la iconografía de sus obras una serie de periódicos
amontonados, animales arquetípicos y motocicletas. A estos elementos se les sumó
posteriormente la mesa como símbolo de la necesidad humana para la plenitud y la interacción.
Con frecuencia, Merz responde al ambiente específico de sus exposiciones a través de la
incorporación de materiales propios del área y adaptando la escala de la obra al espacio, como
ocurre en Fundación Proa en Buenos Aires. Merz posee una larga carrera de exhibiciones
internacionales. incluyéndolo tanto en exhibiciones de Arte Conceptual, Arte de Proceso y
Minimalismo, y "Arte Povera". También desde hace unos años sus muestras retrospectivas se
incorporaron la Agenda de los más importantes museos del mundo. Representando a uno de los
movimientos más trascendentes de la posguerra europea, Merz se destaca por la versatilidad de
su propia obra y un largo proceso creativo que lo consagra como uno de los grandes maestros
del arte del siglo XX.
(2) Proyectado por el ingeniero Pròsper de Verboom a fin de dar cabida a los habitantes del barrio
de La Ribera que habían perdido sus viviendas, mandadas demoler por Felipe V para construir la
Ciudadela.
(3) Gloria Moure (Barcelona) es Doctora en Historia del Arte por la Universidad de Barcelona.
Empezó su trabajo como comisaria independiente con la retrospectiva de Marcel Duchamp que
tuvo lugar en 1984 (Fundación Miró de Barcelona la Caixa, Madrid y el Museo Ludwig de
Colonia). Ha sido directora de la Fundació Espai Poblenou, Barcelona (1989-95), donde se
realizaron las primeras exposiciones en España de Bruce Nauman, John Cage, Mario Merz,
Rebeca Horn y Rodney Graham entre otros. Vive y trabaja en Barcelona.
(4) La Serie conocida comúnmente como de Fibonacci, realmente comienza con el cero y luego
continua con el uno, pero aquí por decisión del artista la serie comienza por el uno y sigue así
hasta el 4181; de modo que todos ellos son : 1-1-2-3-5-8-13-21-34-55-89-144-233-377-610-987-
1597-2584-4181.Liber Abaci, (libro del ábaco o libro de los cálculos). Escrito a los 32 años de
edad en 1202, revisado y considerablemente aumentado en 1228, se divide en quince capítulos.
En el publicó lo que había aprendido durante su estadia en Africa del Norte. Este libro mostró la
importancia del nuevo sistema de numeración aplicándolo a la contabilidad comercial, conversión
de pesos y medidas, cálculo, intereses, cambio de moneda, y otras numerosas aplicaciones.
En estas páginas describe el cero, la notación posicional, la descomposición en factores primos,
los criterios de divisibilidad. El libro fue recibido con entusiasmo en la Europa ilustrada, y tuvo un
impacto profundo en el pensamiento matemático europeo.
(5) Estética. Teoría de la formatividad (1954) una estética hermenéutica, donde el arte es
interpretación de la verdad.
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Para Pareyson, el arte es “formativo”, es decir, expresa una forma de hacer que, “a la vez que
hace, inventa el modo de hacer”. En otras palabras, no se basa en reglas fijas, sino que las
define conforme se elabora la obra y las proyecta en el momento de realizarla. Así, en la
formatividad la obra de arte no es un “resultado”, sino un “logro”, donde la obra ha encontrado la
regla que la define específicamente. En esto consiste su teoría de la formatividad, un proceso en
el cual hay una experimentación por parte del artista, donde se enfrenta a múltiples posibilidades,
pero a la vez no dirige sus operaciones al azar, la posibilidad válida es una sola. Son intentos
guiados por un concepto y esto significa someterse a la propia voluntad de la obra. Ese concepto
no es metafísico, sino que en cada momento de la producción de la obra aparece como
necesidad interna; la propia voluntad de la obra. La obra se va clarificando lentamente en los
distintos pasos de un proceso en que el artista se somete y que sólo una vez terminado, es
consciente que tomó el único camino posible para realizar la obra. Podemos decir entonces que
en la creación artística hay un camino de aventura, donde la actividad del artista se compone de
intuiciones, diálogo con la materia, ensayos, errores, búsqueda, etc. A esta búsqueda Pareyson
la denomina forma formata, pero que contiene a su vez la forma formans; es decir; el resultado
de esa búsqueda; la organización de todo eso, porque las reglas de la producción se descubren
en el propio hacer, en la propia aventura, esto es la intencionalidad de la obra que orienta al
artista a tomar una de las múltiples posibilidades que se le presentan en el camino. La unidad o
la conciliación de la forma formata y la forma formans, es el punto principal de la teoría de la
formatividad. La verdadera pre-existencia de la obra es eso; forma formata y forma formans al
mismo tiempo, es ley y el resultado de su aplicación a la vez. Formar la obra significa entonces,
inventar la obra y al mismo tiempo el modo de hacerla; tanteo y realización ordenada; dos
momentos de un mismo accionar.
(6) Hoy, su población es de 22.428 habitantes (según el censo hecho durante el 2008) y su actividad
fundalmente turistica. El barrio debe su existencia a los terrenos que se ganaron al mar al
absorber la Isla de Maians. Este tiene forma triangular y limita con las playas del barrio y el mar,
con el Muelle de España del Port Vell y con el barrio de La Ribera, la Estación de Francia y el
nuevo Puerto Olímpico de la ciudad. Con el paso de los años y la especulación, esta estructura
ha desaparecido y encontramos edificios con alturas muy superiores a las que se establecieron
en origen, además de la partición de las viviendes originales en mitades y cuartos de piso.
Durante el siglo XIX tuvo un importante desarrollo industrial con grandes fábricas hoy
desaparecidas como la Maquinista Terrestre y Marítima, convertidas en la actualidad a
pabellones deportivos o instituciones educativas.
(7) Jorge Próspero de Verboom, en holandés Joris Prosper Van Verboom (Amberes, 1667 –
Barcelona, 19 de enero de 1744), fue un noble e ingeniero militar español de origen flamenco, I
marqués de Verboom, capitán general y fundador del Real Cuerpo de Ingenieros, aprobado por
Real Decreto de Felipe V el 17 de abril de 1711. Planeó técnicamente el sitio de Barcelona, que
duró 14 meses, entre 1712 y 1714. Al frente de los ingenieros emprendió además la dura tarea
de reformar el sistema defensivo y promover las obras públicas del reino, dando un
extraordinario impulso a todos los trabajos emprendidos mediante constantes y continuas visitas
a los proyectos emprendidos. Se encargó de la construcción de la Ciudadela de Barcelona, de
tan pésima fama, en 1715, para lo que hubo de arrasar parte del medieval barrio de la Ribera.
Asimismo, Felipe V le ordenó proyectar un nuevo barrio en el puerto de Barcelona, en una zona
insalubre denominada Marvella, actualmente la Barceloneta. La construcción del barrio en sí, que
Verboom ya había diseñado en 1719, no comenzó hasta 1753, bajo la dirección del arquitecto
Francisco Paredes. Se urbanizaron una quincena de calles atravesadas por otras nueve,
paralelas a la costa, con casas de planta baja y de un solo piso para que no impidiesen la acción
de las baterías de la Ciudadela.
(8) Carta a un amigo japonés, Jacques Derrida. Traducción de Cristina de Peretti, en El tiempo de
una tesis: Deconstrucción e implicaciones conceptuales, Proyecto A Ediciones, Barcelona, 1997,
pp. 23-27.
“La palabra «desconstrucción», al igual que cualquier otra, no posee más valor que el que le
confiere su inscripción en una cadena de sustituciones posibles, en lo que tan tranquilamente se
suele denominar un «contexto». Para mí, para lo que yo he tratado o trato todavía de escribir,
dicha palabra no tiene interés más que dentro de un contexto en donde sustituye a y se deja
determinar por tantas otras palabras, por ejemplo, «escritura», «huella», «différance»,
«suplemento», «himen», «fármaco», «margen», «encentadura», «parergon», etc. Por definición,
la lista no puede cerrarse, y eso que sólo he citado nombres; lo cual es insuficiente y meramente
económico. De hecho, habría que haber citado frases y encadenamientos de frases que, a su
vez, determinan, en algunos de mis textos, estos nombres.”
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REFLEXIONES FINALES
OBRA DE ARTE Y CIUDAD
La obra de arte encuentra, en muchos casos, su soporte en la ciudad, y es válido
preguntarse ¿porqué lo hace? Podemos convenir que el arte es fruto de la razón,
donde nada es aleatorio, salvo las acciones que se rigen, decisión del artista, por este
sistema. ¿Qué se busca con este soporte ciudadano? Tal vez el arte esté haciendo un
“mea culpa” por haberse alejado del momento fruitivo y ser un objeto comprensible y
apreciable por una minoría que se solaza además en la generación de críticas e
interpretaciones que compiten, abiertamente, con el mismo objeto de arte, en su
formulación estética. Si Emerson 15 dijo que la poesía nacía de la poesía, podríamos
afirmar que el arte nace del arte, y en la visión rizomática de Deleuze, tendríamos una
expansión multidireccional que no nos permitiría pensar en una “frontera del arte”, lo
cual justifica las acciones críticas.
Pero, ¿será una suerte de expiación o una desesperada búsqueda de inserción en la
sociedad? El Palazzo Querini Stampalia o la Casa Encendida pueden acercarnos
algunas primeras respuestas
El sujeto percipiente se encuentra sometido a dos presiones principales: una de ellas
es la acción de la obra sobre su percepción; otra la variación de esa percepción a
través de un recorrido temporal que puede ser el tiempo del recorrido físico o bien del
recorrido intelectual (estamos hablando de la necesaria comprensión) que requiere
“entender” la obra. Y en este recorrido “deleuziano” por la posición temporal
deberíamos precisar que nos estamos refiriendo a un sujeto percipiente de nuestro
“hoy” y con una capacidad básica de comprensión que sobrepase el mero juicio
subjetivo-estético.
15
EMERSON, Ralph Waldo (1883-1882) poeta y filósofo estadounidense. Líder del movimiento del
trascendalismo a principios del siglo XIX. Con sus enseñanzas contribuyó al desarrollo del movimiento del
Nuevo Pensamiento a mediados del siglo XIX.
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¿La Casa Encendida o el espacio diurno, sorprendente para el sujeto? Entre la Casa y
el espacio se formula una relación ambivalente; ninguna de las dos es existente sin la
otra. Por supuesto estamos hablando de la forma formans. La forma formata se
mantiene mágicamente, inalterable. Muy distinto es lo que ocurre con Crescendo
appare. Allí el sujeto debe conocer para apreciar, la obra no tiene una primera lectura
como Casa Encendida. Son simples números iluminados en el pavimento. Sin
Fibonacci no hay “obra de arte”. El espectador debe ser erudito y poder solazarse en
su erudición. En esta obra todo lazo con la fruición, ha muerto.
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Este accionar lleva a un interrogante: ¿la obra de arte sale del Museo en busca del
sujeto? ¿O es el sujeto que, necesitado de apropiarse e interactuar con la obra de
arte, obliga a nuevos emplazamientos que posibiliten la construcción de nuevos
diálogos? El trabajo realizado transitó por momentos donde estos interrogantes se
plantearon y permitieron develar las condiciones que se establecían entre el espacio
expositor a cielo abierto y la nueva propuesta de la obra de arte planteando una nueva
dimensión de significación y perceptiva.
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Desde la mera contemplación (en el caso de la obra de arte tradicional), hasta la
performance que a la vez incluye la posibilidad de generar objetos de equipamiento
para el espacio interior como es el caso de la cómoda del diseñador holandés Tejo
Remy
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Facultad de Arquitectura
y Urbanismo
Diseño de Interiores
Arte contemporáneo
Arte conceptual
Profesores:
Arq. Irma Abades
Lic. A. V. Agustín Trabucco
Arq. Sergio Feltrup
Lunes a viernes de 9 a 21 h.
Torre Universitaria, Zabala 1837, primer nivel inferior.
C1426DQG - CABA
Teléfono: 4788-5400, internos 5002 y 2122.
Email: fasciculos@ub.edu.ar
www.ub.edu.ar