Barroco Italiano

Las primeras acepciones del término “barroco” aparecieron alrededor del s. XVIII y provienen de
Barrueco, que quiere decir perla irregular, esta palabra ha sido traducida como:

 Alusión a una obra que no respetaba las normas de la armonía, según el Dictionaire de
Trévoux;
 Silogismo medieval que, tras una forma exagerada, ocultaba un fondo de inconsistencia
lógica, según el Dizionario delle belle arti del disegno.

El barroco surge en Italia y de ahí se fue difundiendo por toda Europa, y se fue desarrollando durante
el siglo XVII y casi todo el siglo XVIII. Surge como una contraposición al Renacimiento, pero
realmente era una evolución o un cambio en el arte Universal. Como características generales
tenemos:

1. Un gran desarrollo técnico.

2. Una grandiosidad y complejidad en sus obras.
3. Movimiento de las formas y una libre expresión de los sentidos.
4. Se convierte en un arte de adorno, de desequilibrio.
5. Tiene dos tendencias: el continuar el estilo clásico que se niega a desaparecer y la aparición
de nuevos modos de arte (Distorsión, Dinamismo, Tensión y Contrastes).

Barroco en la Iglesia:

Arquitectura: El material que más se usa es la piedra sillar, pero en determinados edificios se usó el
mármol de varios colores con objeto de realizar espacios apropiados para la teatralidad barroca.
Como características tenemos:

 Predominio de la línea curva y retorcida;

 Exuberancia en los fines decorativos, tanto en los interiores como en los exteriores;
 Se potencializan los elementos arquitectónicos clásicos: Columna salomónica, Frontones
partidos por curvas y rectas, cornisas, nichos, molduras, etc.;
 Se logran grandes efectos escenográficos y de perspectiva en el interior por medio de la
decoración pictórica ilusionista y en el exterior se debió a la integración con el medio
urbano.
 Se hace uso de claroscuro.

Entre los artistas italianos están Carlo Maderno con la fachada de San Pedro del Vaticano; Giovanni
Lorenzo Bernini con el Baldaquino de San Pedro y la Plaza de San Pedro del Vaticano; Francesco
Borromini con. ¿Qué sigue?

Escultura: Aquí se rompe con las ideas de simetría, estatismo e idealismo que eran los objetivos de
la escultura renacentista. La escultura estática, sino que busca la captación al instante, plasmando
el momento de una acción. Otra característica es el naturalismo en sus representaciones, y con ello
colaboran efectos luminosos y la acentuación de las escenas dramáticas y actitudes dramáticas en
las figuras. Los materiales que se usan son la piedra, el mármol de colores, le bronce y los estucos.

La persona que más destaca entre los italianos es Giovanni Lorenzo Bernini, que es el iniciador de la
escultura barroca y que influiría en toda Europa. Entre sus obras más importantes está el Éxtasis de
Santa Teresa.

Pintura: Debido a la gran diversidad de escuelas, es difícil precisar las características de la pintura
barroca; aunque en términos generales, rompe con los cánones y los arquetipos del Renacimiento,
y vuelve su mirada hacia el Naturalismo. El pueblo se convierte en protagonista y sus actividades
cotidianas se vuelven temas de las obras. El realismo también lleva a los temas cruentos (martirio
de santos) los cuales van empapados de cierto misticismo y que obliga a introducir elementos
sobrenaturales. Se produce el cambio más radical del barroco.

Otras características de esta pintura son:

1. Dominio de profundidad y perspectiva;

2. Predominio del color sobre el dibujo y de la luz sobre la forma;
3. Manifiesta gusto por el naturalismo;
4. Utilización de escenas de género, pinturas de flores, paisajes independientes y bodegones;
5. Aumento de temas profanos, de temas por encargo y del retrato político;
6. Empleo del fresco; se abandona el temple y predomina fundamentalmente el óleo sobre el
lienzo.

Entre los pintores más famosos está Michelangelo Merisi da Caravaggio con obras como la
Vocación de Mateo, la conversión de San Pablo y la Cena de Emaús.

Barroco Español

Escultura: Es probablemente la manifestación artística más unida en cuanto a lo que es material,

temática y finalidad en todo el barroco hispano. La temática es religiosa, ya que siguen unas de
las ideas del Concilio de Trento: “Acercar la religión al pueblo”.

En cuanto a la técnica, se basa en el tallado de madera, policromada después con estofado y

encarnados. Para darle un sentido de mayor realidad, se empezó a hacer uso de postizos, esto
es, colocación de cabellos reales, uñas y dientes de asta, ojos y lágrimas de cristal, etc. La
teatralidad por otro lado, la expresividad violenta, el drama o el misticismo, persiguen conmover
al pueblo para atraerlo a la Fe.

Entre los artistas reconocidos en esta manifestación artística se encuentra Gregorio Fernández
con la Inmaculada; Juan Martínez Montañés con Cristo de la Clemencia; Alonso Cano con San
Juan Bautista y Francisco Salzillo con la Santísima Virgen de las Angustias.
 Pintura: Surge la pintura tenebrista en Valencia, debido a las estrechas relaciones con Italia e
influenciado por Caravaggio. Entre los artistas surge una figura sobresaliente: José de Rivera con
obras como El sueño de Jacob, La Inmaculada Concepción y La Comunión de los Apóstoles.

El siglo XVII representa la época culminante de la pintura española. Los centros del arte serán
Madrid y Sevilla que eran capitales políticas y económicas. La pintura española no gusta de la
interpretación teatral de los temas, sino una forma más realista y cargada de emoción.

Aunque la pintura religiosa sea la preferida, El naturalismo permitió el desarrollo del retrato, el
bodegón, el paisaje, la pintura de género, la cortesana y la mitología, aunque solo Velázquez lo
retomo. Sus características son:

 Predominio de cierta intimidad y un sabor de humanidad nada teatral. Se prefiere un

equilibrado naturalismo y se opta por la composición sencilla.
 Predominio de la temática religiosa y la expresión ascética-mística. Velázquez trabaja la
fábula pagana.
 Ausencia de sensualidad.
 El tenebrismo temprano como vehículo ideal para expresar valores espirituales.

Entre los pintores más famosos están Francisco de Zurbarán con San Hugo en el refectorio
y Santa Casilda; Diego de Velazquez con La fragua de Vulcano y Las meninas y Bartolomé
Esteban Murillo con Niños comiendo fruta y La Sagrada Familia.

Barroco Novohispano

Arquitectura: La arquitectura se divide en Arquitectura Religiosa, Arquitectura Civil y Arquitectura

Religiosa de los siglos XVII Y XVIII.

 Arquitectura religiosa: Esta arquitectura era regida por la elección del lugar ideal para cada
orden religiosa y para una mayor cercanía con los pueblos indígenas. Los inmuebles se vieron
influenciados por las fortalezas medievales bajo estilos góticos, mudéjar y renacentista. Sus
elementos arquitectónicos eran: Atrio, Capillas posas, Capilla abierta, Templo, Convento o
claustro y Huerta.
 Arquitectura civil: La tipología de las casas-habitaciones se transformó a lo largo del dominio
novohispano. Hasta llegar al siglo XVIII las más conocidas eran:
1. Las haciendas: Responden a las tipologías como azucareras, con la casa separada de la zona
de producción.
2. Las haciendas de campo: Aquellas que son agrícolas y ganaderas; están fortificadas. Las de
órdenes religiosas se caracterizan por su austeridad.
3. Las casas-habitación nobiliarias: Con oficinas en el entresuelo para atender asuntos de las
propiedades. Todas las viviendas se abren a la calle con una puerta y ventanas laterales en
el primer piso y en la parte alta con balcones.
4. Las vecindades: Varios patios dispuestos al centro del predio; entre más adentradas estaba
la vivienda, costaba menos el alquiler.
 Arquitectura religiosa s. XVII y XVIII: Las fachadas barrocas mantienen el esquema
renacentista con las portadas en elementos horizontales y elementos verticales conocidos
como calles hasta basarse con el Neoclásico. Se pone importancia en el oro en los templos
por ser incorruptible y significa infinitud y eternidad. Un arquitecto importante es Manuel
Tolsá con El palacio de minería y El Hospicio Cabañas.

Escultura: La escultura se divide en Escultura del s. XVI, Escultura del s. XVII y Escultura del s.
XVIII.

 Escultura s. XVI: Tras la conquista, fue necesario la producción de imágenes religiosas.

Por tal motivo los franciscanos establecieron sus primeras escuelas de artes para que
los indígenas aprendieran el uso del policromado y estofado y que desarrollaran las
técnicas europeas. Las primeras esculturas fueron hechas en piedra o madera. Por otro
lado, también se empezó a hacer uso de la pasta de caña de maíz para las esculturas.
 Escultura s. XVII: En este siglo se empieza a notar el movimiento de la imagen en los
paños de las vestimentas, se ondulan los pliegues, las piernas y brazos pierden su
“acartonamiento” y se humanizan los rostros. Además, se empieza a hacer uso de
cabello, pestañas y dientes naturales. Emplean otros materiales como: Piedra, mármol,
estuco, marfil, alabastro y cera. La temática se encargó de promover la devoción a los
santos.
 Escultura s. XVIII: Responden a la tendencia de las imágenes vestidas a pesar de que la
Iglesia las había prohibido. Hubo producción en madera que expresa un gran
movimiento espiral creando contornos complejos y quebrados, las proporciones son
alargadas y tienen cortes profundos que producen luces y sombras.

Pintura: Igual que en la escultura, la pintura se divide en: Pintura del siglo XVI, Pintura del siglo
XVII y Pintura del siglo XVIII.

 Pintura s. XVI: Se trabajó con la pintura mural, usando la técnica de los indígenas y la de
los españoles bajo programas pictóricos dictados por las ordenes mendicantes para
poder evangelizar. Se usaba la pintura sobre piel de venado, pinturas sobre sarga y
tabla. En cuanto a técnica, la mayoría son monocromas al temple con base de pigmento
vegetal y mineral, con carácter lineal. El auge de la pintura de caballete inició con las
Ordenanzas de 1557, los cuales dictaban cuatro categorías de pintores:
1. Imaginarios: Dominan los procedimientos técnicos para la base de preparación y
materiales, además de manejar el dibujo, anatomía y perspectiva.
2. Doradores: Encargados de aplicar las encarnaciones, policromía y estofado de las
imágenes y retablos.
3. Fresquitas: Dedicados a la pintura mural.
4. Sargueros: Son los que pintaban los lienzos sin bastidor que se empleaban como
antepuertas o tapices.
 Pintura s. XVII: Se mantuvo la pintura mural, pero el eje temático dio un giro a paisajes
históricos que se plasmaban en los muros. Empieza la etapa más brillante de la época
 barroca, ya que llega la influencia de Rubens, Zurbarán, Murillo y el tenebrismo de
Caravaggio. El principal heredero del estilo claroscurista fue Sebastián López de Arteaga
con su obra Cristo en la Cruz.
Los principales artistas en este siglo fueron Cristóbal de Villalpando, Juan Correa con
obras como el Biombo de los cuatro continentes y Baltasar de Echave Rioja con Sepultura
de Jesús.
 Pintura s. XVIII: Se caracterizó por una alta demanda de pinturas por parte de la Iglesia
a la par del crecimiento económico. La cartela es uno de los elementos que aparecen
en los retratos y proporcionan la biografía del personaje. Como en algunos casos fue
puesta posteriormente, se tapó la firma de los artistas, dejando las obras como
anónimas. Comienzan a pintarse los cuadros de castas de la población novohispana.
La pintura popular tuvo su auge en este siglo, la cual no era realizado por artistas, sino
por el mismo pueblo. Este arte parecía burdo porque en su mayoría lo producían los
indígenas, ya que, al no tener estudios, seguían su instinto plástico. Lo más
característico es:
1. Su espontaneidad; y
2. Pureza estética al no estar ligado a algún estilo artístico.

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LE RECOMIENTO QUE INTEGRE IDEAS USANDO ALGUNOS CONECTORES Y ESTRATEGIAS DE
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REFLEXIÓN INTEGRADORA DE INFORMACIÓN, IMÁGENES, DATOS, ETC., BAJO UNA ESTRUCTURA O
PLANTEAMIENTO PERSONALIZADO. SUGIERO QUE HAGA UN CONTRASTE ENTRE LAS
CARACTERÍSTICAS DEL BARROCO EN ITALIA Y LAS QUE SE DIERON EN ESPAÑA EN TODAS LAS
EXPRESIONES, LUEGO DESTACAR ALGUNAS DE LAS DIFERENCIAS QUE SE DIERON EN EL BARROCO
NOVOHISPANO EN RELACIÓN A LAS DE LA NUEVA ESPAÑA, ETC. ESPERO QUE EL TIEMPO LE SEA
SUFICIENTE PARA DAR UN BUEN TERMINADO A SU PROYECTO, ANIMO.