APOCALIPSIS NOW

ARGUMENTO
En 1969, durante la Guerra de Vietnam, el coronel Kurtz (Marlon Brando), de las Fuerzas
Especiales del Ejército de los Estados Unidos, se ha vuelto loco y ahora manda a sus propias
tropas de montañeses, dentro de la neutral Camboya, como un semidiós. El coronel Lucas
(Harrison Ford) y el general Corman (G.D. Spradlin), cada vez más preocupados por las
operaciones de vigilancia de Kurtz, asignan al capitán de MACV-SOG, Benjamin L. Willard,
para que "ponga fin" a Kurtz "con extremo prejuicio" (asesinarlo).
Willard, inicialmente ambivalente, se une a un barco de patrulla fluvial de la Armada de los
Estados Unidos comandado por el Jefe (Albert Hall), con los tripulantes Lance (Sam
Bottoms), "Chef" (Frederic Forrest) y "Sr. Limpio" (Laurence Fishburne) para dirigirse río
arriba. Se reúnen con el teniente coronel Bill Kilgore (Robert Duvall), comandante de la 1. °
de Caballería y un entusiasta surfista, para discutir acerca del ascenso sobre el Nùng. Kilgore
se burla, pero se hace amigo de Lance luego de descubrir su experiencia de surf y acepta
escoltarlos a través de la boca costera del Vietcong sostenida por el Nùng. Atacan con éxito
al amanecer, con Kilgore ordenando una salida de napalm en los cuadros locales. Willard
reúne a sus hombres en el bote y viaja río arriba.
La tensión surge cuando Willard se cree al mando del bote, mientras que el Jefe prioriza
otros objetivos sobre los de Willard. Lentamente haciendo su camino río arriba, Willard revela
parcialmente su misión al Jefe para calmar sus preocupaciones acerca de por qué su misión
debería continuar. Al caer la noche, el bote llega al puente americano de Do Lung en el río
Nùng. Willard y Lance entran a buscar información sobre lo que está río arriba. Incapaz de
encontrar al comandante, Willard ordena al Jefe que continúe mientras un enemigo invisible
lanza un ataque al puente.
Al día siguiente, Willard descubre por despacho que otro agente del MACV-SOG, el Capitán
Colby (Scott Glenn), que fue enviado en una misión anterior idéntica a la de Willard, se había
unido a Kurtz. Mientras tanto, mientras el equipo lee las cartas de sus casas, Lance activa
una granada de humo, atrayendo la atención de un enemigo camuflado, y el Sr. Limpio es
asesinado. Más río arriba, el Jefe es atravesado por una lanza arrojada por los nativos e
intenta matar a Willard intentando atravesarlo. Willard lo sofoca y Lance entierra al Jefe en
el río. Willard revela su misión al chef, pero a pesar de su enojo hacia la misión, rechaza la
oferta de Willard de que continúe solo e insiste en que completen la misión juntos.
El bote llega a la avanzada de Kurtz y la tripulación que queda es recibida por un
fotoperiodista independiente estadounidense, que alaba el genio de Kurtz. Mientras
deambulan, se encuentran con un Colby casi catatónico, junto con otros soldados
estadounidenses que ahora forman parte del ejército renegado de Kurtz. Al regresar al bote,
Willard más tarde se lleva a Lance con él, dejando al Chef con órdenes de convocar un
ataque aéreo contra el complejo de Kurtz si no regresan. Chef es luego asesinado por Kurtz.
En el campamento, Willard es sometido, atado y llevado ante Kurtz en un templo a oscuras.
Torturado y encarcelado durante varios días, Willard es liberado y se le otorga la libertad del
complejo. Kurtz le da clases sobre sus teorías de la guerra, la condición humana y la
civilización mientras alaba la crueldad y la dedicación del Viet Cong. Kurtz habla sobre su
familia y le pide a Willard que le cuente a su hijo sobre él después de su muerte.
Esa noche, mientras los montañeses matan ceremonialmente a un búfalo de agua, Willard
entra furtivamente a la habitación de Kurtz, mientras realiza una grabación, y lo ataca con
un machete. Mortalmente herido, Kurtz, susurra "... El horror ... el horror ..." y muere. Todos
en el recinto ven a Willard partir, llevando una colección de las escrituras de Kurtz, y se
inclinan ante él. Willard luego lleva a Lance al bote y el dúo se aleja del lugar. Las últimas
palabras de Kurtz se hacen eco inquietantemente mientras todo se vuelve negro.

Dirección
Francis Ford Coppola
Producción
The Rainmaker( 1997 ) Francis Ford Coppola
The outsiders (1983) Francis Ford Coppola
Apocalipse Now (1979) Francis Ford Coppola
Lost in Translation/ Perdidos en Tokio (2003) Sofía Coppola

Francis Ford Coppola

Prácticamente desde sus inicios como cineasta, F. F. Coppola ha desarrollado una
encomiable y a veces fascinante carrera como productor, no solo de sus propias películas o
las de sus hijos y amigos, sino de proyectos muy dispares a los que ha prestado su apoyo
para que pudieran hacerse realidad.
Participó en las dos primeras películas de su amigo íntimo George Lucas, THX-1138 y
American Graffiti, asumiendo parte de las pérdidas de la primera y financiando la propia
distribución de la segunda cuando ésta no encontraba distribuidores (luego sería un
grandioso éxito económico). A continuación se aseguró de que el proyecto de Black Stallion,
y su secuela, llegaran a hacerse. Asimismo, una de las películas más emblemáticas de
Kurosawa, Kagemusha, existe gracias a su intervención como productor.
Contrastando con su progresiva pérdida de poder y control de sus películas como director,
su labor como productor se ha ido afianzando a lo largo de las décadas, hasta unos
productivos, prolíficos y exitosos años 90 en los que ha sabido compaginar proyectos
ambiciosos (Kinsey, El buen pastor), (Sleepy Hollow, Mary Shelley's Frankenstein) y otros
como Jeepers Creepers y Don Juan de Marco.
FRANCIS FORD COPPOLA (DIRECTOR/PRODUCTOR):
Francis Ford Coppola es uno de los cineastas más respetados de la industria del
entretenimiento y un director, productor y escritor con cinco Oscars en su haber. En
“Apocalypse Now” presentó una visión definitiva de la locura y el dilema moral de la guerra
en nuestros tiempos.
Ganó su primer Oscar a los 31 años por el guión de “Patton”, que coescribió con Edmund H.
North. Recibió su primera Palma de Oro en el Festival de Cannes por “La conversación”, una
película que escribió y dirigió. Hasta la fecha ha dirigido 20 largometrajes, entre ellos la
trilogía de “El padrino” y, más recientemente, “Drácula, de Bram Stoker” y “Legítima defensa,
de John Grisham”.
Durante toda su carrera Coppola siempre ha buscado las mejores herramientas para los
cineastas y es considerado un pionero del cine electrónico. Muchas de las técnicas que
desarrolló se han convertido en estándar en la industria. Su productora American Zoetrope
- ubicada en San Francisco –desarrolla y produce proyectos para la pequeña y gran pantalla.

KIM AUBRY (PRODUCTOR):

Aubry es vicepresidente de ingeniería y tecnología de American Zoetrope, un puesto que le
capacitaba perfectamente para usar la nueva tecnología a beneficio de “Apocalypse Now
Redux”.

En 1999 Aubry inauguró Zoetrope DVD Lab, que comercializa DVDs de éxitos de la crítica
como “Apocalypse Now” y los clásicos de Coppola “La conversación” y “Tucker, el hombre y
su sueño”, entre otros. Actualmente prepara la presentación en DVD de las tres películas de
“El padrino” que se pondrán a la venta en otoño de 2001.

Supervisa la post-producción de todas las películas de Zoetrope y asesora a Coppola sobre

las nuevas tecnologías cinematográficas. Ha sido responsable de la post-producción de
“Legítima defensa, de John Grisham”, “Jack”, “El padrino III”, “Drácula, de Bram Stoker”, “La
fuerza del viento” (dirigida por Carol Ballard) y la clásica película infantil “El jardín secreto”,
dirigida por Agnieszka Holland.

Lleva muchos años trabajando en el desarrollo de métodos digitales y electrónicos de post-

producción y ha diseñado y supervisado la construcción de numerosas instalaciones con la
tecnología cinematográfica más innovadora. Ha sido ingeniero de sonido, productor de
programas de radio, periodista y ha dado clases por todo el mundo.

Está casado con la montadora Diane Asnes y viven con sus dos hijos en San Francisco.
JOHN MILLIUS (GUION)
John Milius (San Luis, Missouri, 11 de abril de 1944), cuyo nombre completo es John
Frederick Milius, es un guionista, director y productor de cine.
Milius trató de unirse a la Infantería de Marina en la década de 1960, pero fue rechazado a
causa del asma crónica que padece. Él atribuye su fascinación por las armas y los militares
a pesar de esta decepción.
Alumno de la Universidad del Sur de California, fue co-guionista de las dos primeras películas
que tuvieron como protagonista a Harry el Sucio, y es también conocido por películas como
Apocalypse Now, en la que trabajó como guionista, El gran miércoles, película de culto entre
la comunidad surfista, y Conan el Bárbaro, de la cual fue el director. En Amanecer rojo en
1984 también fue el director. Una peculiaridad de esa película es que reúne a una
prometedora y nueva generación de actores como lo eran Patrick Swayze, Charlie Sheen,
Lea Thompson y Jennifer Grey, o la serie de televisión para HBO Roma.
Recibió una nominación a los Óscar al mejor guion adaptado, por "Apocalypse Now" (1979).
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Nacido el 11 de abril de 1944 en St. Louis, Missouri, Milius creció con una saludable
curiosidad por la historia y por las artes. Ingresó en las aulas de la Universidad de California
del Sur (USC), y bien pronto descubrió que lo suyo eran las cámaras. Otros también supieron
ver ese talento, que en 1967 le hizo acreedor de su primer galardón: un premio académico
de la Escuela de Cine de la USC por una película que realizó como tesina, Marcello, I'm
Bored (1966).
Tras acabar sus estudios de cine en la universidad, empezó a compaginar la escritura
cinematográfica con la práctica del surf. Como ven, nos hallamos ante un tipo dinámico, un
hombre de acción en toda regla.
Durante los años setenta, alcanzó notoriedad como guionista. En su haber se cuentan
libretos como Harry el fuerte (Magnum Force, 1973), Las aventuras de Jeremías Johnson
(Jeremiah Johnson, 1972), El juez de la horca (The Life and Times of Judge Roy Bean, 1972)
y Apocalypse Now (1979). Este último fue uno de sus primeros textos y, en principio, era un
proyecto que, bajo la producción de un amigo de Milius, Francis F. Coppola, iba a ser dirigido
por otro amigo del guionista, George Lucas.
Debo hacer una mención especial a dos colaboraciones sin acreditar: Harry el sucio (Dirty
Harry, 1971) y Tiburón (Jaws, 1975). He aquí un detalle interesante: en la cinta sobre el
escualo gigante, Milius fue responsable del diálogo donde el pescador Quint (Robert Shaw)
narra la dramática singladura del acorazado Indianapolis en 1945, hundido por los japoneses
en el Pacífico y con su tripulación diezmada por cientos de tiburones.
Nuestro personaje pronto asumió tareas de dirección. Debutó con Dillinger (1973), biopic del
célebre atracador de los años treinta. La cinta fue protagonizada por Warren Oates y Ben
Johnson. La seguiría El viento y el león (The Wind and the Lion, 1975), ambientada durante
la presidencia de Theodore Roosevelt.
Tan apasionante como entretenida, El viento y el león es la crónica del secuestro de una
mujer norteamericana y sus hijos por un caudillo rifeño, El Raisuli. Dicho personaje, cuya
existencia está documentada, fue encarnado por Sean Connery en una cinta cuya fidelidad
histórica es inversamente proporcional a su escala épica. A decir verdad, hay poco de lo
primero, pese a que se basa en varios hechos reales separados en el tiempo.
A continuación, John Milius rodó El gran miércoles (Big Wednesday, 1978), un largometraje
sobre el mundo del surf.
Según les indiqué, el surfing es una de las grandes pasiones del cineasta, como también
puede comprobarse en Apocalypse Now (Por cierto, El gran miércoles fue un fracaso de
taquilla, aunque posteriormente ha alcanzado la categoría de film de culto, como sucede con
casi toda la filmografía de Milius).
Tiempo después, llegó a las pantallas la cinta que consagró al realizador y, de paso, lanzó
a Schwarzenegger al estrellato: Conan el Bárbaro (Conan the Barbarian, 1982).
Conan, al igual que El viento y el león, fue rodada en distintas localizaciones de España.
Desde el punto de vista histórico, es la cinta seminal del género de espada y brujería. Y
como sucede con otros títulos de Milius, también la consideramos un film de culto. Ello se
debe a múltiples factores, pero citaré sólo dos: la electrizante banda sonora de Basil
Poledouris, y por supuesto, los relatos originales de Robert E. Howard en los que se basa el
guión.
En general, los críticos no tuvo reparos en calificar al director de ultraviolento. También
cargaron las tintas sobre las tendencias criptofascistas de la cinta, supuestamente
manifestadas en detalles como la cita de Nietzsche que abre el film.
VITTORIO STORARO (DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA):
Vittorio Storaro ganó el Oscar por su fotografía visceral en “Apocalypse Now” y sus imágenes
ahora dejan una impresión aún más indeleble gracias a la técnica de transferencia de color
de “Apocalypse Now Redux”.

Ha ganado otros dos Oscars: por “Rojos” de Warren Beatty y “El ultimo emperador” de
Bernardo Bertolucci. Hijo de un operador de cine, fue uno de los alumnos más jóvenes
admitidos en la Escuela Nacional de Cine Italiano y a los 21 años ya era ayudante de cámara.
Estableció una relación estrecha con Bernardo Bertolucci y colaboraron en “La estrategia de
la araña”, “El conformista”, “Ultimo tango en París”, “1900”, “Luna”, “El cielo protector” y “El
pequeño buda”.

Entre sus otras películas podemos citar “Corazonada”, “Tucker, el hombre y su sueño”, “Dick
Tracy”, “Lady Halcón”, “Ishtar” y “Bulworth”. Su proyecto más reciente fue la miniserie “Dune”,
basada en el bestseller de Frank Herbert.

Storaro siempre se ha interesado por lo que llama “escribir con luz” y el uso del valor
expresivo de los colores. Actualmente imparte un curso titulado “Escribir con Luz” en la
Academia de Ciencias de la Imagen de L’Aquila (Italia.) de la cual fue cofundador. De 1988
a 1990 fue presidente de la Asociación Italiana de Cinematógrafos y actualmente trabaja en
un libro de varios volúmenes sobre sus teorías de la cinematografía.
ANGELO P. GRAHAM (DIRECTOR DE ARTE)

Angelo Graham es un director de arte estadounidense. También es conocido como Angelo

P. Graham, pero en su mayoría omite la inicial del segundo en los créditos de la película. Él
es también un diseñador de producción y un decorador de conjuntos. Nació en los Estados
Unidos, pero se desconoce la fecha de nacimiento. Ha estado activo desde 1970 hasta 2000.
Graham fue el director artístico de películas como The Legend of Bagger Vance (2000), Jack
(1996), Rising Sun (1993), Final Analysis (1992), * baterías no incluidas ( 1987), Jinxed!
(1982), Hammet (1982) y The Escape Artist (1982), Apocalipsis Now (1979), El trabajo de
Brink (1978) y The Natural (1984). La primera película en la que trabajó fue The Little Big
Man en 1970. En su carrera, Angelo Graham trabajó con varios actores y actrices
experimentados como Marlon Brando, Harrison Ford, Robert de Niro, Faye Dunaway, Al
Pacino y Steve. McQueen. Ganó un Premio de la Academia a la Mejor Dirección de Arte por
El Padrino: Parte II (1974). Las obras de Graham pertenecen a los géneros de la comedia,
el crimen, el drama, el thriller y el western. Obtuvo tres nominaciones más para un Oscar y
un BAFTA.

WALTER MURCH (EDICIÓN Y SONIDO):

Tras su innovadora mezcla de sonido e imágenes en la original “Apocalypse Now”, Walter
Murch ha tenido la excepcional oportunidad de revisitar su obra – beneficiándose de la
tecnología digital – en “Apocalypse Now Redux”. En 1979 ganó el Oscar al Mejor Sonido y
fue nominado al Oscar y al BAFTA al Mejor Montaje.
Sus trabajos de montaje y mezclas de sonido han sido premiados por las Academias
americana y británica y en 1997 ganó dos Oscars (al Mejor Montaje y al Mejor Sonido) – algo
sin precedentes – por “El paciente inglés”, además del BAFTA al Mejor Montaje.
Anteriormente, ganó dos BAFTAs por “La conversación” y fue candidato a los premios de las
dos Academias por “Julia”. En 1991 compitió por dos Oscars por su trabajo en “Ghost” y en
“El padrino III”.
Entre otras películas, ha sido responsable del montaje de “La insoportable levedad del ser”,
“House of cards”, “Romeo is Bleeding” “Primer caballero” y en 1998 reeditó y restauró “Sed
de mal” de Orson Welles. Su trabajo más reciente ha sido “El talento de Mr Ripley”, de
Anthony Minghella. Ejerció de regrabador de mezclas en “Llueve sobre mi corazón”, “El
padrino”, “El padrino II” – todas de Coppola – y en “THX-1138 y “American Graffiti” de George
Lucas, además de “Crumb” (Terry Zwigoff) y todas las películas en las que ha trabajado
como montador. Actualmente trabaja en el montaje de “K-19”, dirigida por Kathryn Bigelow.
Ha colaborado en varios guiones, entre ellos “THX-1138” y “El corcel negro”. En 1985
coescribió y dirigió el largometraje “Oz, un mundo fantástico”.

CHUNKING EXPRESS
ARGUMENTO
Chungking Express recorre a ritmo de sonidos electrónicas, blues melancólicos y rock and
roll, dos historias relacionadas sutilmente entre sí.
Chungking Mansions: historia del agente 223
En la primera, una peligrosa traficante de drogas que ha perdido una mercancía de cocaína
por culpa de unos contactos indios, pasa la noche con el solitario agente de policía 223.
Qiwu, el agente 223, ha sido recientemente abandonado por May, su novia. Dentro de esta
historia se trata bastante explícitamente el tema de "la cuenta atrás", según la cual Hong
Kong iba a volver a pertenecer a China en 1997. Brigitte Lin en su último papel -anunció
retirarse para dedicar tiempo a su familia- aparece aquí con una peluca rubia, unas gafas de
sol y un chubasquero. Wong Kar-Wai tomó a la actriz más representativa de la China
moderna para disfrazarla de rubia occidental. Por otro lado, el personaje de Takeshi
Kaneshiro, Qiwu, al verse abandonado por May, busca por todos los establecimientos latas
de piña -la fruta favorita de May- que caduquen el primero de mayo de 1994. Por otro lado,
Bridgette recibe a su vez una amenaza por parte de su contacto occidental, que le da una
lata a punto de caducar como símbolo del tiempo que tiene para encontrar la droga perdida,
tras lo cual Bridgette decide, puesto que no ha encontrado la mercancía, salvar su vida
asesinando al contacto, el único personaje no oriental de toda la película. Tras la muerte del
cual podemos recibir un breve flash del rostro oriental de Lin. Dentro de esta historia, la
obsesión con el tiempo es constante, como claro símbolo de la cuenta atrás de la propia
ciudad de Hong Kong.
Al final de la historia, ambos personajes se encuentran en un café. Él acaba conquistándola,
pero tras subir a la habitación del hotel, no llega a consumarse el acto sexual: ella se duerme,
él come ensaladas del chef y se va al amanecer. Al final, lo único que le queda al agente
223 es una felicitación por su cumpleaños en su busca.
Midnight Express: historia del agente 663
El cambio de historia ocurre cuando el agente 223 se dirige al bar Midnight Express y rechaza
a la alocada Faye, una chica que acaba sintiéndose atraída por el agente 663, interpretado
por Tony Leung. Este agente tiene una relación con una azafata, que acaba por abandonarle.
Conoce a Faye porque cada noche pasa por el Midnight Express a pedir una ensalada del
chef para su chica. La relación que desarrollan ambos personajes es extraña: Faye,
enamorada del agente, consigue las llaves de su casa para dedicarse a cambiar el espacio
íntimo del agente por otro. Conocedora de los problemas de insomnio del agente, pone
somnífero en sus botellas de agua, y para que olvide a su novia azafata, esconde todos los
objetos que puedan recordar a la misma, cambia un peluche por otro, "ahoga" a un avión de
juguete en la pecera, esconde la camisa de la azafata, y un largo etcétera en el que Faye
trata de reconfigurar el mundo del policía.
El agente 663 obviamente nota las diferencias, y sabe que la chica entra en su casa, aunque
no se lo diga. La personalidad del agente 663 presenta ciertas costumbres que no se antojan
muy normales: principalmente, su costumbre de desdoblarse sobre objetos, de hablar con
ellos como si fueran seres vivos con conciencia propia, claro símbolo de su debilidad
psicológica tras el abandono. De esta forma, en Chungking Express objetos mundanos como
una lata de piña caducada, una toalla "que llora" y un avión de juguete llegan a transformarse
en símbolos personales de los personajes. Según el crítico de cine Carlos F. Heredero,
"asociaciones íntimas y ritos particulares que movilizan las fantasías y las emociones de
unos personajes propensos a la ensoñación imaginaria y la abstracción de la realidad por la
vía de sumergirse en la evocación de la persona amada".1
La historia de los dos personajes acaba cuando el policía cita a la camarera del Midnight
Express en el bar California. Contra toda expectativa, Faye acaba en la verdadera California,
de la que vuelve un año después, convertida en azafata, mientras que el agente 663 se
encuentra rigiendo el Midnight Express.
WONG KAR WAI (DIRECTOR, GUIONISTA)
Wong Kar Wai nació en Shanghai y se mudó a Hong Kong con sus padres cuando tenía 5
años. Se introdujo en la industria del cine como guionista y comenzó a dirigir sus historias
en 1988. Su debut fue As Tears Go By, con la que fue invitado a la Semana de la Crítica del
Festival de Cannes de ese año. Su segunda película fue Days of Being Wild, y ganó cinco
premios en el Honk Kong Film Awards, incluyendo mejor director y mejor película. Fundó su
propia compañía, Jet Tone, en 1992, y pasó los dos años siguientes trabajando en Ashes of
Time. Chungking Express, rodada rápidamente durante un descanso en la post producción
de Ashes of Time, se convirtió en su primer éxito internacional. Le siguió Fallen Angels en
1995. Happy Together, rodada en Argentina, se estrenó en Cannes y ganó el premio al mejor
director. Todas sus películas siguientes también se han estrenado en Cannes: Deseando
amar en 2001 (premio a mejor actor para Tony Leung), 2046 en 2004, e inaugurando el
festival con su primera película en inglés My Blueberry Nights en 2007. Fue además
presidente del jurado en 2006. Aparte de sus películas, Wong Kar Wai ha destacado también
por un buen número de cortometrajes, incluyendo Six Days (2002, para el músico DJ
Shadow), The Follow (2003, con Clive Owen para la campaña on-line de BMW The Hires) y
There's Only The Sun (2007, con Amelie Daure para Philips). En 2004, realizó el episodio
The Hand para la serie EROS, junto a directores como Steven Soderbergh. En 2007 realizó
el corto I Traveled 9000 Km to Give It To You, para el proyecto de Gilles Jacob, Chacun Son
Cinéma, estrenado en Cannes.

CHAN PUI WAH (PRODUCTORA EJECUTIVA)

Pui-Wah Chan nació en 1949 en Hong Kong, British Crown Colony. Fue productora y
directora de producción, conocida por Chunking Express (1994), El dragón nunca muere
(1988) y Comandos del este: Cóndores del este (1987). Ganó el premio de Hong Kong Film
Award a la mejor película en el 2012 por su película A Simple Life(2011). Por otro lado,
escribió un libro que fue publicado en enero del 2017 llamado “Un estudio del caso acerca
de la inducción de profesores de inglés expatriados novatos en una escuela secundaria de
Caput”. Ella murió el 28 de abril de 2017 en Hong Kong.

CHRISTOPHER DOYLE (DIRECTOR DE FOTOGRAFÍA)

Nacido en 1952 en los suburbios de Sydney, Christopher Doyle se unió a la marina mercante
a los 18 años y viajó alrededor del mundo, consiguiendo un diploma en Historia del Arte por
el camino. Se estableció en Taiwán a finales de los 70, trabajando con un grupo de teatro, y
se encontró aprendiendo a manejar la cámara como operador. Esto le llevó a trabajar en una
serie de documentales para televisión y a conseguir una invitación de Edward Yang para
rodar su debut That Day, On The Beach. Ampliamente reconocido como un cinematógrafo
sobresaliente, ha trabajado en películas como Soul de Shu Kei, Noir Et Blanc ganadora de
la Camera d'Or en Cannes, de Claire Devers, Red Rose, White Rose de Stanley Kwan,
Temptress Moon de Chen Kaige, Psycho de Barry Levinson, Rabbit-Proof Fence y The Quiet
American para Phil Noyce, Hero de Zhang Yimou, The White Countess de James Ivory y La
joven del agua de M. Night Shyamalan. Además, ha dirigido y realizado la fotografía de su
propio debut, Away With Words, y el corto Porte de Choisy. También ha trabajado
ocasionalmente como actor, pintor, ensayista, y ha organizado numerosas exposiciones
fotográficas de su obra. Actualmente trabaja en la post producción de su última película
Warsaw Dark. Su larga y creativa asociación con Wong Kar Wai se extendió entre Days of
Being Wild (1990) y 2046 (2004).
De una entrevista con Christopher Doyle:
"No podría haber hecho Rabbit-Proof Fence si no hubiera hecho Ashes Of Time, y no hubiera
hecho Hero si no hubiera hecho Ashes of Time y Rabbit-Proof Fence. Las exigencias de
rodar en el desierto, las posibilidades del espacio abierto, la calidad y la manera en que te
atrapa, la paciencia que necesitas, las decisiones que debes tomar en ese entorno, todo eso
te dice mucho de lo que ha ocurrido cuando he rodado otras películas".
Nos detenemos en Wong Kar-Wai, del que luego continuaremos hablando, es porque el cenit
de su arte llegó en colaboración con el citado director. Nadie podrá negar las virtudes de la
excelente fotografía de filmes como Paranoid Park (Gus Van Sant, 2007) o Los límites del
control (The Limits of Control, Jim Jarmusch, 2009), películas conceptuales, sí, pero que
entran de inmediato por los ojos, mérito, por supuesto, de este australiano transhumante.
Tal como él ha declarado, no podría haber conseguido los logros visuales épicos de Hero
(Ying Xiong, Zhang Yimou, 2002) si antes no se hubiese perdido en el desierto de Ashes of
time (1994). O hubiese sido impensable la compleja estructura lumínica que crearon para La
Joven del agua (Lady in the water, M. Night Shyamalan, 2006) si antes no hubiese asumido
las experimentaciones llevadas a cabo en filmes como Chungking Express (1994) o Happy
together (1997), por citar algunos ejemplos.

Chunking Express - Christopher DoyleEn ese sentido, se puede decir de My blueberry nights
(2007), que una de sus virtudes era no notar la ausencia de Doyle. Y es cierto, pero también
indica su importancia en el trabajo de Wong Kar-Wai. Y todo ello fue posible gracias a un
método de trabajo estrictamente personal y único que le permitió llegar al máximo de sus
posibilidades. De ahí a la madurez, para seguir legándonos sublimes realizaciones con otros
autores.
Wong Kar-Wai jamás rodaba con guión. Únicamente contaba con fotografías de las
localizaciones. Una vaga idea presidía el rodaje pero nunca se sabía hacia donde les llevaría
el viaje. Ese ir encontrando la película que comentaba Doyle llegaba a límites paroxísticos
en las indecisiones continuas y agotadoras de Wong Kar Wai. Pero a su vez, en esa
indefinición constante se horadaba el espacio para que Doyle probase todo lo que quisiese.
En consonancia, tampoco a él le gusta trazar marcas a los actores, sino al contrario, prefiere
buscarlos con su cámara. Todo ello, puede comprobarse en el excelente documental sobre
el rodaje de Happy together, Buenos Aires zero degree (1999), aunque más bien parece una
prolongación del film.
Deseando amar - FotografíaDe esa sinergia en profunda indagación y de esa búsqueda por
vericuetos sinuosos, Doyle nos ha legado imágenes imperecederas que ya constan en el
imaginario colectivo como una de las grandes contribuciones estéticas de los años 90. Las
lentes angulares de Fallen Angels (1995), las dos velocidades diferentes para dos acciones
en un mismo plano en Chungking Express, el ralentí hipnótico de la secuencia en la que Su
Lizhen (Maggie Cheung) baja a buscar tallarines en Deseando amar (In the mood for love,
2000), los fantasmagóricos planos de las cataratas de Iguazú en Happy together... son
ejemplos claros y evidentes de cómo sus registros visuales han otorgado las texturas
perfectas para transmitir la sangrante aflicción de los cuerpos dolientes del posmodernismo,
hundidos en un caos urbano, sabiamente entendido como un organismo vivo.
Happy together - FotografíaY aunque él se quite mérito comentando que muchas de las
lustrosas técnicas utilizadas ya fueron usadas por Méliès, hay algo ineludible en los ojos de
Doyle. Porque sus angulaciones extremadas, sus colores saturados y sus etéreos mantos
urbanos y difusos son por encima de todo pura materia poética. Frente a esos directores
aburridos que se olvidan de lo fundamental en el cine, Doyle sabe que la imagen debe
expresar sentimiento. Revisen o echen un vistazo si no conocen en profundidad su obra.
Corren un riesgo tremendo, pero vale la pena. Porque en la actualidad no existen imágenes
más peligrosas que las de Doyle para sufrir el síndrome de Stendhal. Todos nos
enamoramos con Deseando amar, pero yo todavía no me he repuesto de la experiencia
estética sobrecogedora que me sobrevino cuando fui a ver en un cine completamente vacío,
Happy together, mi primer contacto con su arte. Fue cuando dije: "... y el director de fotografía
es Christopher Doyle. Me lo apunto".

ALFRED YAU WAI MING (DIRECCION DE ARTE)

Por el arte dirección en la que trabajó estrechamente con Alfred Yau Wai Ming,pintor y otro
frecuente colaborador de Wong Kar Wai y el director de arte que desde el año 1989 tiene
una extensa carrera de una treintena de película para el cual comparte el crédito. Es
reconocido por Savior of the Soul (1991), Chunking Express (1994), Ashes of Time (1994) ,
Hotel World (1995) donde ganó el Premio de la Película respectivamente. También, ganó en
el Festival de Cine de Golden Horse por Cuando miro a las estrellas (1999), 2046 (2004).
Añadido a ello, ganó el premio de la película asiática y un gallo de oro por El gran Maestro
(2013).

FRANKIE CHAN (MÚSICA ORIGINAL)

No sólo como compositor, Frankie Chan trabaja en la industria del film como director,
productor, actor y coreógrafo. Los fans del kung fu le conocen por su papel de villano en
Prodigal Son de Sammo Hung. Sus muchas bandas sonoras incluyen las de Ashes of Time
y Fallen Angels.

ROEL A. GARCIA (MÚSICA ORIGINAL)

Nacido en Filipinas, Roel A. García comenzó a trabajar como músico profesional a los 16
años, cuando se hizo pianista de un trío de jazz. Largamente establecido en Hong Kong, ha
tocado virtualmente con todas las estrellas pop. Ha escrito bandas sonoras para muchas
películas de Hong Kong, a menudo en colaboración con Frankie Chan. Para Wong Kar Wai
ha trabajado en la música de Ashes Of Time, Chungking Express, Fallen Angels, y también
para Chinese Odyssey 2002 de Jeff Lau, producida por Wong.

WILLIAM CHANG SUK PING (EDITOR)

Nacido de una familia de Shanghai en Hong Kong, William Chang estudió cine en Canadá.
Fue ayudante del director Tang Shu Shuen en sus primeros títulos The Arch y China Behind.
Su trabajo, casi por sí solo, persuadió a las industrias del cine y la música de Hong Kong de
la importancia del diseño y ganó numerosos premios. El haber trabajado en el montaje de
las películas de Wong Kar Wai Ashes of Time y Chungking Express le valió una reputación
que le hace ser también un profesional muy requerido como montador. También ha trabajado
con directores establecidos como Stanley Kwan, Yim Ho, Tsui Hark o Ching Siu Tung, y
noveles como Jan Lamb o Eric Kot. Pero sobretodo es conocido por su trabajado innovador
con Won Kar Wai, en cuya obra se involucró estrechamente.
"Durante mi tiempo con Ashes of Time Redux, tuve la oportunidad de trabajar con
herramientas y recursos que no estaban disponibles cuando trabajé en la primera versión.
Esto me dio la libertad y el espacio para traer nuevas ideas y una mirada fresca para coger
esta película de época y darle un sabor contemporáneo".

CURIOSIDADES
Después del rodaje de la película de artes marciales Ashes of Time (Cenizas del tiempo),
Wong Kar-Wai encontró un tiempo libre durante el cual “no tenía nada que hacer”. De esta
forma, tomó a su equipo y a algunos actores, incluyendo a la por entonces desconocida
como actriz, pero conocida como cantante Faye Wong, para rodar a toda velocidad una
película antitética a Ashes of Time, donde la lentitud de las meditaciones de los perdidos
personajes medievales fuera cambiada por un retrato del hombre contemporáneo.
"Después del tratamiento más grave y profundo de Ashes of Time, con Chungking Express
quise realizar una película contemporánea más ligera, pero donde los personajes se
enfrentaran a los mismos problemas (…) Chungking Express supone una ruptura en el
conjunto de mi obra: los personajes llegan a aceptar su soledad, son más autónomos y más
independientes, no hallan desesperación en su propia búsqueda, sino sobre todo
divertimiento". Así, en el plazo de dos semanas ya se había rodado la película entera, que
sería, contra todo pronóstico, la que acabaría lanzando a Wong Kar-Wai a la fama
internacional2 por mediación del director Quentin Tarantino y la prestigiosa revista de cine
francesa Cahiers du Cinéma, icono de la "Nouvelle vague" de los años sesenta.