ARTES VISUALES

LA FILOSOFIA DEL ARTE Y SUS GRANDES PENSADORES

Es una parte de la filosofía que se ocupa fundamentalmente del problema del arte,
así como también del problema estético, el cual es abordado por la estética.
Con el fin de esclarecer la razón del porqué la existencia del Arte Moderno ,
incomprendido y enardecido en cierta forma por el desconocimiento casi general ,
de su filosofía, de las circunstancias que originaron su aparición, de los principios
que lo rigen y de su evolución. Nada acontece en el mundo, si no media una
razón, y esa primera razón de las cosas es el pensamiento humano, luego viene el
proyecto, y por fin la ejecución. Atendiendo al ideal de estos pensadores, los
agruparemos de la siguiente manera:

FORMALISTAS: Aquellos filósofos que pensaron y dijeron, que el fin del arte, era
copiar la naturaleza. Que la pintura debía ser realista, figurativa, es decir, que sólo
debía representar las cosas naturales. Entre los formalistas tenemos :
 ARISTÓTELES (Filósofo griego del siglo IV A.C.)sostiene que el arte debe
copiar la naturaleza; debe tener a la naturaleza como única y exclusiva
fuente de inspiración y modelo.Se diría que que el pensamiento de
Aristóteles, es la síntesis de la mentalidad griega sobre el arte, y a la vez
una alabanza a la extraordinaria obra realizada por sus antecesores y sus
contemporáneos Zeuris y Praxíteles. El pensamiento aristotélico ha sido
acatadao ampliamente, y satisfecho en todas sus formas dentro del arte
formal o realista.
 LEONARDO DA VINCI: (1452-1519) Este genio del arte de la
pintura,tambien filósofo, matemático,inventor y poeta del renacimiento
italiano, apoyando la idea de Aristóteles dice:”El arte debe ser universal” es
decir , que la obra de arte debe ser comprendida y sentida por todos sin
excepción de cultura, y además, el fin del arte debe ser la exlatación de la
belleza natural, en la cual el artista debe poner su aporte espiiritual y
sentimental. A este respecto leonardo insiste diciendo: “La pintura es hija de
 la naturaleza, por lo tanto, pariente de Dios”, para significar enfáticamente
la unión indisoluble de Naturaleza y Arte.
 NICOLÁS POUSSIN (1594-1665) Otro de los grandes artistas de la pintura
universal perteneciente al barroco francés, de acuerdo con la ideología de
los anteriores expone:”El arte es una imitación de todo lo que se ve; su fin
es producir placer”. Vemos a Poussin, un siglo más tarde que Leonardo y
veinte siglos después de Aristóteles, seguir con la misma mentalidad sobre
el arte, pero además le agrega la idea de placer. La filosofía de Poussin, va
a influir posteriormente en el sentimiento que anima el Arte Rococó francés,
arte que tuvo por fin exclusivo producir placer sensual, para satisfacción de
la aristocracia reinante de la Francia del siglo XVIII.

INFORMALISTAS: Serán aquellos que piensan lo contrario, esto es, que el arte
no debe copiar la naturaleza. Son los que justifican la existencia del Arte Abstracto
o arte moderno, que si bien muchas veces se inspira en la naturaleza, sus formas
no se parecen a ella.
 PLATÓN (Llamado el Divino) Maestro de Aristóteles, expone sus ideas
sobre el arte de la siguiente manera: “Puesto que no comprendes el vuelo
de mi pensamiento, es preciso tratar de explicártelo. Por la belleza de las
figuras no entiendo lo que muchos imaginan, por ejemplo cuerpos
hermosos, bellas pinturas, sino que entiendo por aquella, lo que es recto y
circular, y las obras de éste género, planas y sólidas trabajadas a torno, así
las hechas con regla y con escuadra concibes mi pensamiento? Porque
sostengo que estas figuras no son, como las otras, bellas por comparación,
sino que son siempre bellas en sí por su naturaleza:y que procuran ciertos
placeres que le son propios y no tiene nada en común con los placeres
producidos por los estímulos carnales. Otro tanto digo de los colores bellos,
que tienen una belleza del mismo género, y de los placeres que le son
afectos”
 HEGEL.-(1770-1831) Federico Guillermo hégel filósofo alemán, respecto al
arte dice: “El arte no debe copiar la naturaleza, sinó lo que el artista siente
 de ella”.Es decir un nuevo pensamiento que ha de influir profundamente en
la Filosofía del Arte Moderno. Se trata de un pensamiento que propugna la
independencia espiritual y sentimental
 SOCIÓLOGOS: aquellos que realizan con sus ideas una función social, es
decir, que orientan a la humanidad en la razón y comprensión del arte.
Entre estos tenemos a : José ortega y Gasset y José Pijoan.

MOVIMIENTO ARTÍSTICO
Un movimiento artístico es una tendencia referente al arte, con una filosofía o
estilo común, seguida por un grupo de artistas durante un periodo de tiempo.
Si está limitado a un grupo de artistas en un lugar y momento concreto, se habla
entonces de una escuela artística; por ejemplo, la escuela sevillana de pintura.
Con la palabra estilo también se alude a las características que unifican o
distinguen a un autor de otro (el estilo personal o la voluntad de estilo,1 que se
hace más marcada en los genios del arte y en la personalidad de los
artistas burgueses, sometidos al mercado de arte,2 sobre todo a partir
del romanticismo); o, menos usualmente, a la kunstwollen (voluntad de
arte o voluntad artística, en expresión de Alois Riegl).
 IMPRESIONISMO
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en Francia a finales del S.
XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por la Academia Francesa de
Bellas Artes, que fijaba los modelos a seguir y patrocinaba las exposiciones
oficiales en el Salón parisino.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una representación del mundo
espontánea y directa.
El Impresionismo parten del análisis de la realidad. Hasta ahora la pintura
reproducía un escenario en el que ocurría un acontecimiento que conformaba el
mensaje para el espectador. Ahora, se quiere que la obra reproduzca la
percepción visual del autor en un momento determinado, la luz y el color real que
emana de la naturaleza en el instante en el que el artista lo contempla. Se
centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los objetos y no en la
representación exacta de sus formas ya que la luz tiende a difuminar los
contornos. Ven colores que conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas
compuestas por colores que varían en función de las condiciones atmosféricas y
de la intensidad de la luz. Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo
objeto en diferentes circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el
objeto, sino las variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.

 POSTIMPERIONISMO
Este termino se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX
y principios del XX - tras el impresionismo. Fue acuñado por el crítico británico
Roger Fry en 1910, con motivo de la exposición celebrada en Londres de pinturas
de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Este término era sólo una
extensión del impresionismo como un rechazo a sus limitaciones. Los post-
impresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la
pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más
emoción y expresión a su pintura.
Aunque los post-impresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado
por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la
naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo. Seurat, denominado
neo-impresionista por sus criterios más próximos al impresionismo, inventó una
técnica denominada puntillismo, cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un
domingo de verano en la Grande Jatte (1884-1886, Instituto de Arte de Chicago).
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del
color y una mayor libertad formal. Cézanne se interesó por resaltar las
cualidades materiales de la pintura, representando seres vivos y paisajes,
volúmenes y relaciones entre superficies, como en Pinos y rocas (1895-1898,
Museo de Arte Moderno, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y la
luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó
los experimentos del cubismo.
Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular,
se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como
se aprecia en la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas).
Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación
subjetiva, ejemplificada en Noche estrellada (1889, Museo de Arte Moderno de
Nueva York), preludió el expresionismo. Henri de Toulouse-Lautrec estuvo
fuertemente influido por las composiciones lineales de los grabados japoneses, y
su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y los colores planos.
Otros movimientos artísticos posteriores, como el cubismo, el expresionismo, el
fauvismo, el surrealismo y el futurismo, presentaron algunas de las características
de la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y el énfasis en el
concepto abstracto del arte.
Fueron artistas post-impresionistas los siguientes:
Paul Cézanne
Paul Gauguin
Harry Lachman
Georges Seurat
Henri de Toulouse-Lautrec
  FAUVISMO
El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser
estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del
momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que
realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una
comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando
cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su
obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no
debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de
disciplinas o como ignorante.
Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la
influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al
fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.
Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink,
Braque, Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de
fauvismo a este movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón
de Otoño de 1905, por causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas
anteriormente nombrados.

 REALISMO
Movimiento artístico del siglo XIX, de carácter fundamentalmente francés,
caracterizado por una rebelión contra los temas tradicionales de orden histórico,
mitológico y religioso a favor de escenas no idealizadas de la vida moderna.
Situado entre el romanticismo y el simbolismo, se trata de un periodo que da
especial importancia al presente y tiende a la exclusión de todo lo que no sea
verificable como hecho; tomando los artistas conciencia de los terribles problemas
sociales de la industrialización. A diferencia del naturalismo, el realismo es menos
crudo y descarnado ya que añade a la intención reproductiva una relación
dialéctica y un juicio del artista sobre la realidad interpretada. Su principal
representante es Gustave Courbet. Los cubistas dicen encontrar en ellos, fuente
de inspiración para sus ideas.

ARTISTAS PLASTICOS NACIONALES CONTEMPORANEOS

Esta pieza es de Ángel Chávez, uno de los Grandes Maestros del arte moderno
del Perú. El título original de la pintura al óleo, "Calor", los medios de calor. El
trabajo tiene en el sentido que el espectador una sensación visual de calor. Como
el sol se pone en el fondo, se abre en contra de la piel de cobre de los dos nativos,
mujeres desnudas. Chávez fue muy conocido por la pintura prehispánica norte
peruano Cerámica como puede verse en la cima de la cabeza de la mujer. Las
ollas están llenas de frutas y verduras nativas añadir a la aldea-, como motivo.
Esta pieza de medidas 31 "x 25" enmarcado y tiene un precio de $6,500.00. Obras
de arte por Ángel Chávez pertenecen al Patrimonio Cultural de la Nación lo que
significa que las piezas de su que se venden en el Perú ya no puede salir del país.
BORIS VALLEJO
Boris Vallejo (Lima, 8 de enero de 1941)1 es un dibujante nacido en Perú.2 Boris
emigró a Estados Unidos en 1964, donde reside actualmente en Allentown,
Pensilvania. Con frecuencia trabaja con Julie Bell, su esposa, pintora y modelo.
Vallejo dibuja casi exclusivamente para los géneros fantásticos y eróticos.2 Sus
dibujos han ilustrado la portada de docenas de obras de ciencia ficción y han sido
presentados en unas serie de calendarios que se han convertido en best-sellers.
Vallejo ha creado póster para películas, como Barbarian Queen and National
Lampoon's Vacation. Vallejo tiene dos hijos de un matrimonio anterior, uno de los
cuales, Dorian Vallejo, también ha trabajado en el género de fantasía.
Los dibujos de Vallejo muestran típicamente a dioses, monstruos y/o
musculados bárbaros (hombres o mujeres) en plena batalla. Muchos de las figuras
masculinas se basan en el propio Vallejo, mientras que muchas de las femeninas
se basan en su esposa. Sus últimas historias se inclinan más hacia el lado erótico,
aunque siguen conservando los temas de fantasía.
Famosas son sus portadas para The Savage Sword Conan, entre las que
destacan los números 1 y 10.
CLASIFICACIÓN DE COLOR
 POR SU NATURALEZA
Existen dos naturalezas cromáticas: el COLOR LUZ y el COLOR MATERIA
1) Color luz o color del prisma
Resultado de la suma de las radiaciones de las distinta longitudes de onda de
diferentes proporciones de azul, rojo y verde. La mezcla aditiva de estos tres
colores produce el color blanco y la ausencia de ellos el negro. La suma de dos
colores produce un secundarior. Así: rojo más azul dá magenta, rojo más verde
produce amarillo, y verde más azul, color cián. Estos colores "secundarios" del
sistema aditivo, constituyen los colores "primarios" de la mezcla sustractiva, y
viceversa.

2) Color materia (color pigmento o color de la paleta).

Cuando un pigmento refleja toda la luz blanca que lo ilumina, el objeto
aparece blanco. Cuando absorbe toda la luz blanca sin devolver al ojo
ninguna radiación, vemos el objeto negro. Al fenómeno de absorción de
todas o parte de las irradiaciones luminosas se le denomina comúnmente
síntesis o mezcla sustractiva, porque tienden a sustraer el color blanco de
la luz. Los colores son obtenidos por sustracción a partir de los
primarios azul cián, el rojo magenta y el amarillo cadmio. (CMY) Si se
mezclan producirán un tono marrón sucio que tiende a negro.
El sistema substractivo es el que se produce al aplicar los colores sobre el
blanco del papel o el lienzo, ya que estos soportes reflejan la luz en vez de
generarla. Las impresoras de color utilizan esta misma combinaciones de
colores de forma sustractiva.
  POR SU CUALIDAD
Las combinaciones de los diferentes colores entre sí, además de con el blanco y
con el negro, son infinitas. Por este motivo tenemos un sistema de clasificación
para poder organizar todas las variaciones que podemos obtener mezclando los
colores primarios, el negro y el blanco. La clasificación se fundamenta en las
propiedades del color, que son, tono, valor y saturación. Basándonos en estas tres
cualidades confeccionaremos las tres escalas básicas de colores: el círculo
cromático, la escala de valor o claro-oscuro y la escala de saturación o escala de
grises.
TONO:
Definimos tono como la propia cualidad que tiene un color. Tonos son todos los
colores del círculo cromático, primarios, secundarios e intermedios. Podemos decir
que cuando se va a la izquierda o a la derecha en el círculo cromático se produce
un cambio de tono.
VALOR:
Cuando a cada uno de los colores o tonos del círculo cromático los mezclamos
con blanco para ganar luminosidad o con el negro para oscurecerlo, lo que
estamos realizando es un cambio de valor. Para realizar la escala de claro-oscuro,
es decir, los diferentes valores de un color tenemos que tener en cuenta que no
todos tienen la misma luminosidad. Si tuviesemos que graduarla en una escala de
1 a 10, el amarillo estaría en el número 9, el naranja en el 8, el rojo y el verde en el
6, el azul en el 4 y el violeta en el 3.
SATURACIÓN:
Cuando un color pertenece al círculo cromático se dice que está saturado, que
tiene el máximo poder de pigmentación, de coloración. Pero no siempre nos
encontramos los colores puros, sino que se suelen ver compuestos por mezclas
complejas, con cantidades desiguales de colores primarios. Para cambiar la
saturación de un color hay que mezclarlo con su complementario y, así, se obtiene
la escala de saturación o de grises.

 POR SU INTERPRETACIÓN PICTORICA

Los géneros artísticos, además de clasificar las obras por temas, han sido la
presentación artística a través de la historia de la pintura, que ha afectado también
la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de las obras de arte. Los
autores como Platón (427-347 a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8 aC)
afirmaron que el arte es siempre una mímesis y que su mérito está en el valor
didáctico de lo que representa y su buena representación, sin establecer
diferencias entre el retrato imaginado o real.Vitruvio en la segunda parte del siglo I,
describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con comida y de
otras salas con paisajes o escenas mitológicas.6
En el renacimiento, Leon Battista Alberti quiso elevar el grado de «artesano de la
pintura» al de «artista liberal» afirmando: «El trabajo más importante del pintor es
lahistoria», con la palabra historia se refería a la pintura narrativa, con escenas
religiosas o épicas « ... la que retrata los grandes hechos de los grandes hombres
dignos de recordarse difiere de la que describe las costumbres de los ciudadanos
particulares, de la que pinta la vida de los campesinos. La primera tiene carácter
majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y residencias de los grandes,
mientras que la otra será adecuada para jardines ...»7
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y el coleccionismo, hizo que,
aunque no se perdiera la monumentalidad para murales narrativos, surgieran las
pinturas más comerciales y en otros formatos más manejables, así comenzaron a
clasificarse los géneros pictóricos y su especialización por parte de los artistas. En
la Italia central se continuó haciendo pintura histórica, los pintores de la parte norte
de la península itálica realizaban retratos y los de los Países Bajos realizaron
la pintura de género a pequeña escala presentando la vida campesina, el paisaje y
la naturaleza muerta. En 1667, André Félibien historiógrafo, arquitecto y teórico
del clasicismo francés, en un prólogo de las Conferencias de la Academia hace
una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la historia, el retrato, el paisaje, los
mares, las flores y los frutos».

TÉCNICAS DE PINTURA

PINTURA CON LAPIZ DE COLOR

Para emplear la técnica de la ilustración de lápices de color, primero debemos
tener bien aprendidas las bases, aquellos pilares del dibujo que crearan la
esencia de nuestra composición.
Estas son:
Contorno y perfiles: son todas aquellas líneas que están en el límite y el interior de
nuestros dibujos, aunque en la ilustración realista la línea está de más, debemos
tener presente su aporte a nuestra percepción.
Espacios ocupados y vacíos: esto se refiere a la relación con el contorno de
nuestros dibujos con el área de “aire” que los contiene.
Proporción: la proporción es la relación de medidas internas y externas que tienen
nuestros dibujos.
Perspectiva: que significa el poder de representar con líneas la profundidad en un
plano bidimensional como lo es nuestra superficie limpia de trabajo. Esto apoyado
en principios geométricos de la fuga, el escorzo y el punto.
Luz y sombra: es la acción de los rayos luminosos sobre los objetos.
Teoría del color: es el principio del fenómeno físico donde se originan todos los
colores a partir de 3 colores primarios, el blanco y el negro.
Composición: este apartado resulta en la distribución estética y conveniente de los
elementos plasmados en un formato.
Una vez revisados estos elementos procedemos con la técnica, que se reduce a
los diferentes tipos de saturación, el degradado y el difuminado.
De la rugosidad del soporte y del grado de blandura y grosor del grafito, dependen
las posibilidades expresivas de la técnica.
Existen distintas maneras de tomar el lápiz. Si se sostiene adecuadamente,
ilustrarás correctamente. Existen algunas maneras de hacerlo, las cuales son:
En caso de trazos pequeños tomarlo como un lápiz normal solo que una poco más
alejada del papel.
Tomarlo como un cuchillo, esta forma es aconsejable cuando se está dibujando en
superficies verticales o inclinadas, cuando trazamos rasgos de cierta longitud que
requieren agilidad y rapidez de resolución.
Es muy importante recordar que la punta sacada con un cutter o cuchilla sirve para
trabajos de mayor dificultad que los que requieren de punta de sacapuntas normal.
Así mismo, como consejo primordial es benéfico tener todos los utensilios
organizados, y tener siempre en cuenta que uno de las reglas básicas en las
técnicas a mencionar es siempre pintar “de menos a más.”
Las técnicas más utilizadas para pintar con lápiz de colores son:
TÉCNICA LINEAL O RAYADO: Utiliza la superposición de líneas cruzadas que
forman tramas, para conseguir valores, matices y contrastes; en las zonas con
más intensidad se sugiere que se tracen más líneas.
TÉCNICA TONAL: Es el método más utilizado, trata de trabajar siempre de menos
a más modelando volúmenes, se valora y se matiza “manchando” de color con el
lápiz. Se puede aparentar un efecto de mancha con líneas superpuestas, es lo
más recomendable.
TÉCNICA DEL GRATTAGE (o raspado): Primero se utiliza la técnica tonal como
base, luego, con mucho cuidado, se aplica una capa de color oscura, se toma una
lanceta y se trata de hacer un dibujo a línea del modelo con la misma. Cada trazo
realizado llevará la cera del segundo color como consecuencia del raspado,
quedando debajo y visible el pigmento de la primera caja.
TÉCNICA DEL BLANQUEADO: este método busca aparentar el resultado
obtenido con la técnica al pastel, para esto se debe aplicar intensamente el color
blanco, si, así sencillamente, al mero estilo de la técnica tonal, ya que el color
blanco tiene la característica de fundir color y trazos, desapareciendo los efectos
propios del grano del papel.

PINTURA CONTEMPORANEA

Pintura contemporánea es un término de la historiografía del arte utilizado de

forma muy ambigua en la bibliografía, las instituciones y el mercado de arte, como
ocurre con los de arte contemporáneo, escultura contemporánea o arquitectura
contemporánea.
Puede referirse a la pintura de la Edad Contemporánea, o limitarse a la del siglo
XX, o al periodo posterior a la Segunda Guerra Mundial (1945).
Para mayor confusión, se utiliza también muy extensamente el concepto
de pintura moderna, tanto en oposición como en identificación con él.