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Tema: Historia de la música clásica con e-links

soycrono
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enviado el 3/12/2003 a las 22:43

Bueno, esto pretende ser un post resumen de la musica clásica, dirigido sobretodo a aquellos, que como yo, no
esten muy puestos en el tema y quieran empezar a indagar. se ha dividido en epocas artisticas, destacando de
cada una los compositores mas famosos y añadiendo algunos discos de ellos, los que sean mas
representativos.

MÚSICA RENACENTISTA

LÍMITES CRONOLÓGICOS

El Renacimiento comienza aproximadamente a mediados del s. XIV, llegando a su apogeo en el siglo XVI y
finalmente a su decadencia a finales de este mismo siglo, bajo el espíritu contrarreformista de la iglesia Católica.
Musicalmente abarca desde la decadencia del Ars Nova, también desde mediados del s. XIV, hasta finales del
s. XVI en que aparece el «estilo recitativo» y las nuevas formas como el oratorio y la cantata.

EL PRIMER RENACIMIENTO

En la segunda mitad del s. XIV comienza una cierta reacción contra la complejidad del Ars Nova y se busca una
mayor simplicidad y elegancia en las composiciones.

El principal impulso a este nuevo estilo se da primeramente en Inglaterra, con compositores como John
Dunstable , y pronto se extiende al resto de Europa, especialmente en la Francia nororiental, en donde los
compositores agrupados en torno a la capilla de los duques de Borgoña serán sus principales valedores. Éstos
destacarán tanto por la composición de sus canciones (con una voz principal y otra u otras dos que la
acompañan), como por consolidar la composición del ordinario de la misa completo, como ya había hecho
Machaut el siglo anterior. Con ello la misa pasa a ser un género de grandes proporciones en el que, junto al
canto gregoriano, se deja sentir claramente la influencia de lo profano: la línea melódica fija (el ya explicado
«cantus firmus» medieval) estaba basada a menudo en canciones u otras obras profanas.

El compositor más destacable de este primer renacimiento fue Guillaume Dufay . También Gilles Binchois fue
un compositor destacado de canciones en el nuevo estilo.
La composición contrapuntística se desarrolló sobre todo a través de la imitación, mediante la cual se repetía,
con una o más voces, una misma idea melódica en un corto espacio. Una voz imitando a otra durante un
espacio relativamente largo formaba un canon. Así, dos voces podían constituir un canon mientras que otras
voces podían realizar imitaciones más cortas.

LA ESCUELA FRANCO-FLAMENCA

La influencia de los compositores borgoñones declinó en favor de compositores nacidos en los territorios franco-
flamencos, que dieron en sus composiciones una mayor importancia al contrapunto, con igual importancia de
todas las voces y un sonido más homogéneo, lo cual contrastaba con las composiciones borgoñonas, con una
voz dominante y con sonidos bien diferenciados.
Los compositores franco-flamencos continuaron la tradición de las canciones, motetes y misas, siendo en su
caso los motetes los que sufrirían mayores cambios y experimentaciones, pues la unificación de todas las partes
de la misa realizada por los borgoñones estaba ya extendida. En cuanto a las canciones, se alejaron de la
sencillez de las canciones amorosas borgoñonas para componer contrapuntísticamente y reflejar sonidos de la
naturaleza o de la gente.
Algunos de los más destacados compositores franco-flamencos fueron Johannes Ockeghem, Josquin des
Prés y Orlando di Lasso .

ITALIA: EL RENACIMIENTO PLENO

Italia recogerá la herencia flamenca y llegará al apogeo del contrapunto y la técnica polifónica. Como rasgo más
importante de este proceso es la potenciación del sentido del texto, sobreponiendo la línea melódica vocal sobre
cualquier otra y dotándola de una gran expresividad dramática. Buena muestra de ello serán los madrigalistas,
que utilizan textos dramáticos, siendo entre ellos Claudio Monteverdi el mejor exponente.
Un paso más adelante será el estilo recitativo, consistente en recitar cantando, expresando los matices del texto
con inflexiones melódicas. Cuando este estilo recitativo sea llevado a la escena estaremos ante el «dramma per
musica» y el nacimiento de la ópera. Será igualmente Monteverdi quien consagre el género favorito de la
siguiente época histórica: el barroco.

Otra línea será la que represente Giovanni Pierluigi da Palestrina, cuya música, de carácter religioso y
atendiendo a las normas del Concilio de Trento, será el máximo exponente de la polifonía coral que se convirtió
en el principal ideal del estilo renacentista.

Pero paralelamente al desarrollo vocal se da otro hecho de gran trascendencia: la música instrumental se libera
de su servidumbre de la voz y emprende un camino propio, expresándose sin el apoyo de texto alguno.

OTROS PAÍSES

En España destacará sobremanera Tomás Luis de Victoria , que alcanzará gran renombre en toda Europa en
composiciones de carácter religioso, mientras que Antonio de Cabezón será un reconocido compositor de
música instrumental.
En Inglaterra cabe destacar el surgimiento en la música instrumental de los virginalistas, siendo William Byrd
uno de sus mejores representantes. El virginal, antecesor del clave (v. comentario), fue el primero de los
instrumentos que dio lugar un gran movimiento musical que se aprovechaba de todas sus capacidades sonoras
y expresivas.

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MÚSICA BARROCA

LÍMITES CRONOLÓGICOS

El barroco comienza ya a finales del s. XVI, cuando la Contrarreforma de la Iglesia Católica da lugar a todo un
nuevo movimiento político, cultural y religioso, extendiéndose este periodo hasta los primeros decenios del s.
XVIII.
Musicalmente se inicia igualmente a finales del s. XVI, mientras que para su conclusión se toma como
referencia habitual el año de la muerte de J. S. Bach en 1750.

LA MÚSICA VOCAL

A finales del s. XVI, cuando predomina la polifonía renacentista, se extiende entre los compositores italianos un
interés por la música de la Grecia clásica. Lejos, pues, de los modelos franco-flamencos, se busca componer en
un estilo menos complejo en cuanto al contrapunto y lleno de contrastes emotivos, con un texto comprensible y
una melodía más elaborada y claramente diferenciada del acompañamiento. Este estilo se conocerá como
monodia acompañada, que se hará presente en la ópera, género que aparece con la «camerata fiorentina» o
«di Bardi» en Florencia a finales del siglo XVI y será perfeccionado por Claudio Monteverdi .

Otros géneros nuevos en la música vocal son la cantata y el oratorio.

LA MÚSICA INSTRUMENTAL

La música instrumental también aumenta su importancia, aunque generalmente con obras contrapuntísticas sin
divisiones claras.
Sin embargo también había composiciones con secciones contrastantes, igualmente contrapuntísticas.
Muchas de las piezas instrumentales se basaban en una melodía preexistente o en un bajo. Otras obras se
basaban en ritmos de danza.
Por último, había obras en estilo improvisatorio para los instrumentos de teclado.

Con los nuevos estilos se transforman progresivamente en el s. XVII algunos conceptos musicales, en especial
en Italia: se concentran en dos voces -soprano y bajo- el cuerpo de la obra y se «rellena» el espacio musical
restante con acordes que se dejan a la improvisación del intérprete que tocaba el instrumento de teclado: el
llamado «bajo continuo» hace referencia a la línea del bajo con relleno armónico. Es una textura característica
de la música de este periodo.
Otra importante innovación es el estilo concertante, marcado por numerosos elementos contrastantes -
densidad o intensidad del sonido, velocidad de ejecución, confrontación de instrumentos- en contraposición con
el estilo fluido del renacimiento tardío. Dicho estilo, que resultaba entonces agitado y violento, se aplicó a todos
los géneros y formas.

Los compositores italianos más destacados del s. XVII y comienzos del XVIII fueron Arcangelo Corelli,
Alessandro Scarlatti, Domenico Scarlatti y Antonio Vivaldi .
Entre los alemanes destacaronn Dietrich Buxtehude y Heinrich Schuetz .
En Inglaterra sobresalió la figura de Henry Purcell .
En Francia destacaron Jean-Philippe Rameau y Jean-Baptiste Lully .

EL BARROCO TARDÍO

Los contrastes acusados del primer barroco se suavizaron con la llegada, a finales del s. XVII, del sistema de
relación armónica llamado tonalidad que comenzó a imponerse y que a comienzos del s. XVIII era dominado por
los compositores. Frente a los contrastes, se buscaba más bien una moderación y unidad, que resultaban
muchas veces de la elaboración de un estado emocional llamado «afecto». El control de la tonalidad y el
remarcar un estado de ánimo fueron las características principales.

Los dos grandes compositores alemanes del último barroco fueron Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich
Haendel .

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MÚSICA CLASICISTA

LÍMITES CRONOLÓGICOS

Etapa que corresponde al periodo llamado Neoclasicismo en el resto de las artes.


Como referencia de inicio del clasicismo musical se toma el año de la muerte de J. S. Bach en 1750, aunque el
clasicismo pleno se identifica con la llamada Primera Escuela de Viena, hacia 1760, finalizando con el triunfo del
espíritu romántico a principios del s. XIX.

LOS ANTECEDENTES EN DIFERENTES PAÍSES

En las primeras décadas del s. XVIII comienza a desarrollarse un nuevo estilo que considera el contrapunto
barroco demasiado rígido y que prefiere mayor espontaneidad musical y reniega de un único estado de ánimo
presente en la obra.
Esta reacción fue diferente en diversos países:

En Francia la nueva corriente, llamada rococó o estilo galante, y ejemplificada por François Couperin , se
caracterizaba por tener una textura homofónica, esto es, una melodía acompañada con acordes en vez del
discurrir ininterrumpido, como en la fuga barroca.
La composición típica era corta y programática, con imágenes extramusicales como las de pájaros o molinos de
viento. En ocasiones se hacía una yuxtaposición de frases musicales, como en la música para danza.
El clavicémbalo era el instrumento más popular.

En el norte de Alemania el estilo anterior al clasicismo se llamó empfindsamer Stil o estilo sentimental, más
amplio en los contrastes emocionales que el estilo galante, que tendía a ser sólo elegante o agradable.
Las obras eran generalmente más largas que las franceses y se servían de varias técnicas puramente
musicales para darles unidad.
No confiaron en referencias extramusicales como hicieron los franceses, y por ello los alemanes ocupan un
importante lugar en el desarrollo de las formas abstractas, como la forma sonata, y en el de los grandes géneros
instrumentales, como el concierto, la sonata y la sinfonía.

En Italia, a pesar de no contar con un nombre específico para el estilo anterior al clasicismo, se contribuyó
también al desarrollo de los nuevos géneros, especialmente de la sinfonía.
La obertura de la ópera italiana, llamada con frecuencia sinfonía, y sin conexión temática con la obra a la que
introducía, progresó hacia la forma sonata, basada en un movimiento de acercamiento y distanciamiento con un
tono principal.

Los alemanes tomaron la idea de escribir una sinfonía instrumental independiente e hicieron surgir de ella
diferentes géneros y formas musicales.
Se empezó a distinguir entre música de cámara, con un instrumento tocando cada parte, y música sinfónica, con
varios instrumentos para cada una de las partes.

EL CLASICISMO PLENO

El apogeo de la música del s. XVIII conocida como estilo clásico o clasicismo se produjo verdaderamente a
finales del siglo con la música de un grupo de compositores que formaron la «escuela de Viena».
Los más importantes fueron Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven.

En la ópera, el gran género de la época, se produjeron grandes cambios.


En Italia había perdido mucho de su carácter originario de «drama con música», llegando a ser un conjunto de
arias escritas para el lucimiento de los cantantes.
Varios compositores europeos reintrodujeron los interludios instrumentales y los acompañamientos y las
intervenciones corales, y dieron variedad a las formas y estilos de las arias. También trataron de combinar
grupos de recitativos, arias, dúos, coros y secciones instrumentales dentro de las mismas escenas.
El reformador más importante fue Christoph Willibald Gluck , mientras que con Mozart la ópera de este
periodo alcanzó su grado más alto de perfección, caracterizando a los personajes tanto con los aspectos
vocales como con los instrumentales.

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MÚSICA ROMÁNTICA (Post-romántica, Nacionalista e Impresionista)

LÍMITES CRONOLÓGICOS

El romanticismo propiamente dicho apenas abarca desde los inicios del s. XIX hasta aproximadamente la mitad
de ese mismo siglo.
Sin embargo, musicalmente el periodo romántico sobrevivió al espíritu positivista que afectó al resto de las artes
en la segunda mitad del s. XIX y sólo tras la finalización de la Primera Guerra Mundial y la aparición del
dodecafonismo puede considerarse finalizado (e incluso su pervivencia real en algunos autores va más allá de
esos años).

CARACTERÍSTICAS GENERALES

La difusión y esplendor del clasicismo llevó consigo su propio agotamiento, dando lugar a que muchos
compositores comenzasen a sentir la necesidad de nuevas fórmulas en las se percibiese el naciente espíritu
romántico de la época, cargado de originalidad y subjetivismo.
Las nuevas composiciones, impregnadas de sentimiento antes que de reflexión, y de unidad de expresión antes
que de unidad musical, mostraban el arrebato romántico con la inclusión de pasajes con poco o nada que ver
con el conjunto, bastando para ello que dichos pasajes pareciesen bellos u originales. Esto sucederá en todos
los géneros, que a su vez tenderán a mezclarse e interpretarse de forma personal.

La búsqueda de la expresión dio lugar, aparte de a una gran variedad de estilos, al encumbramiento de lo
original y personal. Por ello, virtuosos del piano como Liszt , o del violín como Paganini , fueron muy
admirados.

Además, se darán otra serie de novedades importantes:


- Por primera vez la música se presenta como un arte independiente sin necesidad de justificación con otras
artes o con ideas extramusicales.

Esta independencia se manifiesta sobre todo en la música instrumental, en donde se continúa la tradición de la
música pura, sin referencias externas, en autores como Schubert, Schumann, Brahms, Mendelssohn y
Bruckner .

Es notable, sin embargo, el uso frecuente de ideas tomadas, por lo regular, de la literatura o la pintura, tal y
como sucede en la música programática, que atendía antes al desarrollo de dicha idea que a un plan
estrictamente musical.
El ejemplo de música programática más extendido fue el poema sinfónico, siendo dos de sus grandes
representantes el francés Berlioz y el húngaro Liszt .
Igualmente en las canciones se tomaban textos de poemas de los siglos XVIII y XIX, manifestando con la
música los ambientes y caracteres descritos en los textos. Alemania fue el país que mejor representó esta
tendencia a través de los lieder (canciones) de Schubert, Schumann, Brahms, Wolf y, a finales del siglo,
Richard Strauss .

- También por vez primera el compositor se ve a sí mismo como artista independiente que sirve sólo a su
inspiración. En este sentido de independencia, como en otros, Beethoven fue el primer modelo romántico,
aunque sus procedimientos compositivos estén anclados en el clasicismo o puedan de hecho adscribirse a
aquel periodo.

- Y también por vez primera la música se populariza, sobre todo por existir una gran masa burguesa que la saca
de su tradicional ámbito aristocrático o religioso.

Uno de los grandes géneros fue la ópera, que al posibilitar la conjunción de la música con el gran espectáculo
propiciaba situaciones dramáticas llenas de emotividad.

En Francia, Spontini y Meyerbeer configuraron el estilo llamado grand opéra. Offenbach desarrolló la ópera
cómica o bufa.
También cabe destacar a Gounod y Bizet dentro de la ópera de este país.

En Italia, Rossini, Donizetti y Bellini continuaron la tradición del bel canto.


( Rossini la elevó hasta su más alto grado, y es mejor situarle en el CLASICISMO pues apenas incluye
elementos románticos, y fue el mejor continuador también de la ópera cómica de Mozart.
Donizetti y Bellini pueden situarse en el romanticismo más por sus libretos que por sus formas compositivas.)
Durante la segunda mitad del siglo Verdi moderó la preeminencia del bel canto para hacer mayor hincapié en
los aspectos dramáticos propios de las relaciones humanas.
Puccini afianzó esta tendencia con el retrato del amor y las emociones violentas.

En Alemania, Wagner llamó a sus óperas dramas musicales, en los cuales todos los elementos se conjugan en
un propósito dramático o filosófico central. Las referencias principales no serán ya las relaciones humanas,
como en Verdi , sino los mitos y leyendas. Es igualmente destacable su uso de fragmentos musicales cortos
llamados «leitmotivs», que representan musicalmente a todos los personajes, objetos o conceptos: cada vez
que uno de éstos aparece en escena o se hace referencia a él, suena su correspondiente leitmotiv.

PRIMER ROMANTICISMO

Partiendo del propio clasicismo, con el que no hay una voluntad clara de ruptura en cuanto a las formas
compositivas, el romanticismo se difunde en principio sobre todo por Alemania y Europa central.
Aparte del citado Beethoven, una temprana manifestación romántica se da con Schubert en sus obras para
piano y con Weber en su producción operística.

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ROMANTICISMO PLENO

Con la expansión del movimiento por toda Europa aparecen numerosas tendencias:

- Una primera tendencia ataca ya contundentemente al clasicismo -relacionándolo también en términos políticos
con el poder-, desechando sus técnicas compositivas para valorar más la inspiración. Artistas franceses como
Berlioz serán los adalides de esta tendencia rupturista.

- Otra tendencia, en compositores como Schumann y Mendelssohn , fue la que procuró conjugar la producción
personal con el dominio de la forma clásica, siguiendo el ejemplo de los compositores del primer romanticismo.

- Finalmente hubo una tendencia más práctica que aprovechó la difusión del romanticismo entre la clase
burguesa para componer abundantemente en los géneros más rentables, como la música de salón que los
aficionados podían interpretar en casa, o la música teatral (ópera, opereta, ballet, música incidental para
escena, etc.) de la que esta clase emergente sentía avidez.
Esto no significaba que en estos géneros no hubiese autores y composiciones de calidad, como lo demuestran
las canciones para piano de Mendelssohn o las óperas de Meyerbeer, Verdi o Wagner .

Por otra parte, con autores como Chopin ya se vislumbra en esta etapa lo que será posteriormente el
nacionalismo: un interés por lo popular y exótico que se transluce en la adopción de formas melódicas, rítmicas
o instrumentales del folclore de diferentes países, que con ello tratan de dar a conocer una identidad nacional.

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ROMANTICISMO TARDÍO

Tras la muerte de compositores como Schumann, Mendelssohn y Chopin a mediados del s. XIX se abre una
nueva etapa que comienza con convulsiones políticas que acarrean importantes cambios en el comportamiento
y el pensamiento de la sociedad.

A este respecto es fundamental el desarrollo del positivismo en todos los órdenes sociales y artísticos. Sin
embargo, la música no parece apercibirse puesto que continúa con sus mismos temas, estilos y técnicas
compositivas. Sólo en la ópera parecen darse ciertos cambios, comenzando a proponer temas realistas como
argumento de sus obras, hasta llegar al llamado verismo italiano, que busca el retrato auténtico de ambientes y
pasiones.

Por otra parte, en Alemania comienza a interesar el estudio histórico de las formas musicales, dando lugar a la
musicología que se extenderá luego por el resto de paises.

A raíz de esto se forman dos corrientes enfrentadas: la representada por Brahms , uno de los primeros en
inspirarse en formas del pasado para buscar un nuevo lenguaje; y la representada por Liszt y Wagner , que
buscan ese nuevo lenguaje haciendo uso de una mayor libertad formal y temática.

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EL IMPRESIONISMO FRANCÉS

A finales del s. XIX el panorama musical romántico había quedado definitivamente alterado, como lo mostraba la
música de Wagner. Se había llegado a la desintegración de la tonalidad; el uso del color del sonido, haciendo
que muchas notas quedasen fuera del tono principal, dio lugar al cromatismo, que sería una de las principales
características del impresionismo francés, representado por compositores como Debussy y Ravel .
Este estilo dejó su huella también en otros compositores de fuera de Francia, como en el italiano Ottorino
Respighi , el ruso Alexander Scriabin , o el español Manuel de Falla . Pero también hubo otros compositores
franceses que no seguirían estrictamente el camino impresionista, como Satie o Poulenc .

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EL NACIONALISMO

El nacionalismo acaba también por desarrollarse completamente y aparecen escuelas nacionalistas en casi
todos los países europeos, destacando las siguientes:
- la bohemia -o checa- con Dvorák o Smetana .
- la rusa con Chaikovski, Glinka y el llamado «Grupo de los Cinco» compuesto por Borodin, Mussorgski,
Rimski-Korsakov, Cui y Balakirev .
- la escandinava con el noruego Grieg , el danés Nielsen y el finlandés Sibelius .

Por su parte, el nacionalismo italiano, el que se da con la Unificación y representado por Verdi , no tuvo
verdadera repercusión en la composición musical.

Y en Francia, compositores como Franck, Saint-Saëns o Fauré ahondaron en la creación de un estilo


«francés», pero sin preocupaciones nacionalistas, a la vez que los compositores impresionistas comenzaban su
andadura y rompían definitivamente con el romanticismo.

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EL POST-ROMANTICISMO

Otras escuelas destacables como la inglesa o la española aparecerían más tarde, ya en el Post-romanticismo.
El español Falla hizo uso de la música popular, siendo especialmente sus compatriotas Albéniz, Granados y
Turina quienes trataron de crear una escuela nacional española, continuando una línea de trabajo iniciada por
Felipe Pedrell .

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MÚSICA DEL SIGLO XX Y CONTEMPORÁNEA

LÍMITES CRONOLÓGICOS

A pesar de hablarse de música del siglo XX, debe considerarse que su inicio «oficial» suele fecharse con la
aparición del dodecafonismo, ya bien entrado el siglo y terminada la Primera Guerra Mundial, cuando se da la
manifestación de toda una serie de experimentos formales que dan lugar a numerosos estilos y corrientes.

CARACTERÍSTICAS GENERALES

Con la fonografía, la radio, el desarrollo de las comunicaciones, etc., los aficionados comienzan a verse en
disposición de juzgar las novedades musicales más rápidamente que nunca. Uno de los resultados de esto es
que se valora más que nunca la originalidad, un rasgo ya propio del romanticismo. Los propios compositores
están más al tanto de lo que hace el resto, y por tanto, en busca de esa originalidad, la diversidad y el cambio
serán los rasgos distintivos del siglo.

LOS ESTILOS FUNDAMENTALES

La mayoría de los estilos se fundamentan en ciertas características armónicas:

El cromatismo sigue siendo fundamental en la armonía de este siglo. Como consecuencia extrema del
cromatismo se llega al atonalismo, es decir, la total ausencia de tonalidad central. El austriaco Arnold Schönberg
ideó el sistema dodecafónico, en el que los doce sonidos de la escala tonal se colocan en serie según un orden
escogido por el compositor, pudiendo sólo utilizar esa serie o unas determinadas variaciones de la misma. Al
principio fueron sus alumnos Alban Berg y Anton von Webern los únicos que adoptaron su técnica. Sin
embargo, después de treinta o cuarenta años desde su aparición, la mayoría de los compositores del siglo XX
utilizaron este sistema.

Basado en el sistema dodecafónico, el serialismo establece un orden para la sucesión de las diferentes figuras y
para los niveles de intensidad sonora, por ejemplo, así como para las notas. Se ha llamado también «serialismo
integral» para distinguirlo del serialismo limitado del dodecafonismo. Destacan en este estilo Olivier Messiaen y
su alumno Pierre Boulez , junto con Karlheinz Stockhausen, Ernst Krenek y Milton Babbitt .

La politonalidad, o uso simultáneo de más de una tonalidad.

La modalidad o uso de modos y escalas del renacimiento y anteriores. Béla Bartók utilizó profusamentelos
modos de la antigua música popular húngara.

La música microtonal, que se basa en la división de la octava en más de los doce sonidos normales, por lo que
algunas notas, llamadas «microtonos», suenan un poco más agudos o graves que los sonidos de la escala
normal.

Pero también hay estilos cuya novedad no estriba tanto en el ámbito armónico:
El neoclasicismo, en la década de 1920, busca un retorno a la concepción clásica en la que todos los elementos
de la composición contribuyan a la claridad de la estructura formal.
En cuanto a sus características armónicas, el neoclasicismo usó de un sentido diferente de la tonalidad al
combinar el cromatismo con las formas del barroco y del clasicismo. Los músicos más destacados de esta
tendencia serán Igor Stravinsky, Paul Hindemith, Sergei Prokofiev y Dmitri Shostakovich .

La música concreta fue el resultado de la combinación de sonidos grabados al azar en la calle (a comienzos de
1948 por el ingeniero francés Pierre Schaeffer y algunos compositores de París). Con dicho nombre se hacía
referencia a una música que contenía ruidos de la vida diaria y sonidos abstractos y artificiales producidos por
instrumentos musicales.

La música concreta marcó el comienzo de la música electrónica, en la que equipos electrónicos u ordenadores
se utilizan como generadores de sonidos para posteriormente modificarlos y combinarlos.
También el azar interviene en la música aleatoria, usando para ello los dados o las cartas, o dejando al
intérprete elegir entre varias páginas compuestas, o haciendo que éste interpretase musicalmente ciertos
dibujos (música gráfica). Los músicos más destacados en este apartado son los estadounidenses John Cage y
Earle Brown , el argentino Alberto Ginastera y el griego Iannis Xenakis .

Finalmente, la ópera ha seguido teniendo el atractivo de los siglos anteriores. Entre los compositores de más
éxito cabe destacar a Richard Strauss, Hans Werner Henze, George Gershwin y Benjamin Britten .
En tanto, el ballet se revitalizará con compositores como Prokofiev, Bartók, Ravel y Stravinsky.
A pesar de la sorprendente variedad de la música de este siglo, un rasgo común en las obras más
vanguardistas es el interés en las cualidades, texturas, densidades y duraciones de los sonidos: por primera
este interés ha primado sobre todos los demás, incluyendo la melodía, ausente hoy, y la armonía, tratada como
un componente más.

Alban.Berg.-.Wozzeck.(Berry,.Strauss,.Uhl,.Opéra.de.Paris.di r.Boulez).EAC_MPC.q9.[SweetDreams]..rar

Alban Berg - Lulu (Stratas, Minton, Schwarz, Opéra Paris P. Boulez) EAC_MPC q9 [SweetDreams].rar

Webern.-.Complete. Works.(Boulez.2000),.(6CDs.mp3.LAME.extreme).zip

Olivier.Messiaen.-.Piano.Music.Vol..1.(Vingt.regards).Austbø.(2CD.mp3.LA ME.extreme).zip

Olivier.Messiaen.-.l_intégrale.pour.orgue.-.cd1.La.nativité.-.fait.par. XTreMULE.Team.rar

[EfCM].H.Berlioz.-.Symphonie.Fantastique.op. 14.(Cleveland.Orchestra.-
.Pierre.Boulez).[FLAC+cue].by.ElPresidente.rar

Stockhausen - Aus Den Sieben Tagen Ape For By Ikhi.rar

Béla Bartók - Concerto for Two Pianos, Percussion and Orchestra; Sonata for Two Pianos and Percussion (EAC,
APE, CUE).rar

Stravinsk y - Pulcinella (Complete) - Boulez (Eac Lame Vbr Extreme Fabee).rar

Stravinsky.Sinfonia.en.3.movimientos.Historia.del.soldado.Sinfoni a.de.los.salmos.by.l3blanc.rar

Hindemith .-.[2001].-.Oeuvres.pour.piano.-.Toros.Can.(EAC.mpc.q7.covers).rar

Prokofiev - Guerre & Paix - Rostropovitch (MPC BrainDead+covers)~l~.rar

Shostakovich Violin Concertos-D Oistrakh-Ape.rar

Shostakovich.[Sonatas for viola, violin & cello].rar

John Cage - Works For Percussion - By Josafat - GR parcial.rar

John Cage - Music For Trombone [Ogg ~300Kbps].rar

Chavez(Sinfonia_India).R._Halffter( cto_violin).Ginastera(Suite_Estancia).Villa-Lobos(Choros_no_
10).ORTVE.Garcia_Asensio.ace

Iannis.Xenakis.=Kraanerg=.(C BR.256,hq,js).by.AudecoN.rar

hans.werner.henze-requiem-mp3-vbr.rar

Rhapsody In Blue - Gershwin Georges By Richi.zip

Dave Grusin (The Gershwin Connection)220Kbps[-MPC-][Mazzaru].rar


Münchner Frauenchor - Benjamin Britten - A Ceremony Of Carols [(c) OttosMopsKotzt for hoer-bar.fr.st].rar

Britten.-.Sinfoni a.da.Requiem.etc.Rattle.(2CD,.ogg.8.3,.covers).zip

basado en http://usuarios.lycos.es/guiaudicion/historia.htm

[Editado el 28/12/2003 por soycrono]