CURSO SUPERIOR DE

DISEÑO DE MODA Y
COMPLEMENTOS

TEMA 7
DIBUJO
ARTISTICO
 TEMA 7. DIBUJO ARTISTICO

1. ESTILIZACION DE LA FIGURA

El diseñador de moda, a menudo, presenta una visión idealizada de un figurín,

con una forma más estilizada y exagerada de lo normal. Es una representación
poco realista de las proporciones del cuerpo, que tiene como finalidad conse-
guir un dibujo con más estilo y con más espacio para la creación de las prendas.
Para conseguir que la figura resulte más estilizada, sin olvidar la estructura del
cuerpo humano y sin que aparezca distorsionada ante los ojos del observador,
basta con alargar algunos miembros del cuerpo, sin que el resto sufra altera-
ciones. Así:

- La cabeza debe ser más pequeña y el cuello más estrecho y alargado.

- El cuerpo o torso deberá quedar sin cambios.
- La cadera y la cintura se estrechan.
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 - Las piernas se alargan, mostrándose delgadas y sin apenas masa muscu-
lar.
- Los brazos no se alargan habitualmente, pero si se adelgazan es preferi-
ble que no aparezcan con masa muscular.
- Los dedos de las manos se alargan, pero no excesivamente.
Con la estilización de la figura, el diseñador consigue alargar el cuerpo del fi-
gurín para realzar la prenda y dejar más espacio a la creación, imprimiendo un
estilo de dibujo más acorde con el diseño de los vestidos.
De esta forma se consiguen unas proporciones de nueve o incluso 10 cabezas,
dependiendo del gusto y el estilo de cada diseñador.

1.1 DIBUJAR EL FIGURIN

a) DISEÑO DEL MANIQUI

Cuando se dibuja un figurín de moda hay que establecer de manera clara el

cuerpo y la pose que se le va a dar al modelo. Para ello, primero habrá que
conocer bien la figura desnuda para después ir añadiendo las distintas prendas
que formen su atuendo.
El diseñador deberá comprender bien el desnudo, las proporciones y la estruc-
tura del cuerpo humano para, posteriormente, poder adaptar sus diseños sobre
el figurín. Un estudiante de moda debe aprenderán primer lugar, a dibujar la
figura desnuda y adquirir unos conocimientos básicos de anatomía artística.
Para comenzar a dibujar un figurín de moda hay que tener en cuenta que este
debe quedar centrado en la página. Si al principio no se tiene mucha soltura a
la hora de dibujar, es bueno trazar primero unas líneas suaves para que el di-
bujo vaya teniendo forma, y cuando se tenga una imagen definida en el papel,
dibujar con un trazo más fuerte y con mayor decisión para reafirmar los con-
tornos de la figura. También es importante aprender a controlar la presión ejer-
cida con la punta del lápiz, rotulador, pincel o cualquier herramienta de dibujo
que se utilice.
Si el dibujo al darle muchos trazos ha quedado muy emborronado se puede
calcaren otra hoja siguiendo las líneas de dibujo válidas. Hay que tener en
cuenta que el figurín es un patrón o una base y que no debe llamar más la
atención que el diseño del vestuario. La prenda es la protagonista, por eso es
importante centrarse en que el atuendo tenga un aspecto lo más realista posi-
ble, y que pueda visualizarse sin problemas. El figurín debe actuar como percha
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del vestido, pero sin cobrar un excesivo protagonismo anatómico; debe facilitar
la lectura del corte y todos los detalles del atuendo.
Las partes más importantes a la hora de dibujar un figurín son las siguientes:
- Se dibuja la cabeza con forma de óvalo y algo alargada y se traza una
línea por encima y otra por debajo. Este
será el punto de partida.
- Para que la figura esté proporcionada,
esa medida se repetirá ocho veces por
el resto del papel sin variar la medida (el
cuerpo se mide en nueve cabezas hu-
manas) trazando rectas horizontales
que permitan construir la figura y ayu-
den a centrar el figurín.
- Una vez que el papel tiene trazadas es-
tas medidas se comienza a dibujar el
cuerpo. La tercera línea tiene que estar
en el centro del pecho, la cuarta en la
cintura, la quinta en la cadera, la sexta
en el medio muslo, la séptima en las rodillas, la octava en el gemelo, la
novena a la altura del tobillo y la última en la planta del pie. En total son
10 líneas que dividen el cuerpo en nueve partes iguales.
- Se dibuja el contorno del cuerpo. Muchas veces se usa el ordenador para
crear el maniquí y que sirva como referencia a la hora de darle movi-
miento y vestirlo.
- Terminado el dibujo se borran las líneas, que han hecho más fácil que la
figura tenga las proporciones ideales y que resulte un dibujo equilibrado
para la ilustración de moda.
- Es de gran ayuda conocer y marcar las articulaciones del cuerpo para po-
der modificar con naturalidad la dirección de brazos y piernas y que el
figurín no quede con una posición antinatural.

b) CABEZA

Se comienza dibujando la cabeza, luego el cuello, a continuación los hombros

y el torso, la cadera, y por último las piernas y los brazos.
Para el dibujo de la cabeza, se traza un eje de simetría formado por una línea
horizontal y otra vertical cuyo eje central se encuentre en el punto medio de la
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cabeza. Así, se observa que esta queda di-
vidida en cuatro partes. Sobre la línea ver-
tical se trazan los rasgos faciales con cuatro
líneas que se corresponden con el naci-
miento del pelo, los ojos, la nariz y la boca.
Se comprueba que la altura de los ojos se
sitúa casi en el centro de la cabeza.
Hay que tener en cuenta que la cabeza de
una mujer y de un hombre se deben dibujar
de manera muy distinta:
- La cabeza masculina tiene unos án-
gulos más agudos, las cejas más
gruesas, el cuello más recto y la bar-
billa cuadrada.
- La cabeza de una mujer se dibuja con
una forma más redondeada, las cejas
más finas, el cuello más delgado y la
barbilla más redondeada.

c) TORSO Y CADERA

En la zona superior del torso están los hom-

bros, que se pueden mover independiente-
mente uno del otro, y en la parte inferior la
zona pélvica, que es más ancha en la zona
donde se unen las piernas. Con una línea
horizontal algo inclinada se marca la altura
de los hombros y con unas líneas sencillas
se perfilan el torso y los senos (en el caso
de un figurín femenino), teniendo en
cuenta que los hombros del figurín mascu-
lino serán más anchos que los del femenino. La cadera puede sobresalir más
que cualquier otro punto del cuerpo, esto dará un movimiento exagerado, so-
bre todo al figurín femenino, al que le aportará una curva definida y le otorgará
una mayor expresividad a la figura. La cadera suele presentar una dirección
contraria a la que ofrecen los hombros (la cadera que sobresale es una postura
muy común en moda).
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 d) PIERNAS Y BRAZOS

Las piernas son una parte muy importante en una ilustración de moda. La ma-
yoría de las prendas quedan bien en un figurín con una pose dinámica, cami-
nando por ejemplo; así se podrá mostrar el movimiento de la prenda de una
manera natural. Las piernas femeninas son sinuosas, con curvas suaves que de-
berán dibujarse con un perfilado continuo y suave. A la hora de dibujar los
brazos, hay que tener en cuenta que estos queden con una longitud correcta.
Un brazo recto que cuelga hacia debajo de manera paralela al cuerpo, deberá
llegar hasta la mitad de la parte superior de la pierna. Es importante que los
brazos queden más delgados de lo normal y que el movimiento sea delicado.
El brazo femenino es diferente al masculino: es más delicado, la muñeca es más
estrecha y no muestra una masa muscular tan definida.

e) MANOS Y PIES

La muñeca es la zona de la mano donde se

realiza el movimiento, por tanto habrá que
pensar cuidadosamente la pose de esta para
que el dibujo quede coherente y no forzado.
Con respecto a los dedos, hay una gran di-
ferencia entre los de un hombre y los de una
mujer: los dedos masculinos son más cua-
drados y gruesos y los femeninos más del-
gados y estilizados. Los pies en una ilustra-
ción de moda se suelen alargar y estilizar

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más de lo normal. Casi siempre están
cubiertos por zapatos, que serán un
detalle clave a la hora de aportar el
look completo. El calzado con taco-
nes realza el volumen de los gemelos,
provoca una curva mayor de lo nor-
mal y da un aspecto más elegante y
estilizado.
Es fundamental dibujar todas las par-
tes del figurín con naturalidad, para
después cubrirlas con los diseños y
saber en qué dirección irán los teji-
dos.
Solo conociendo bien el cuerpo hu-
mano se logrará jugar con cada tipo
de prenda y darle sentido al figurín.
Los accesorios de moda como bol-
sos, pañuelos, cinturones, zapatos,
sombreros o bisutería darán un to-
que definitivo al diseño, por lo que
habrá que valorar cuáles son los que
mejor combinan con el tipo de figu-
rín y atuendo que se haya dibujado.

f) FIGURIN E ILUSTRACION DE
MODA

Hay que diferenciar entre un dibujo

de un figurín de moda y una ilustra-
ción de moda:
- El figurín de moda tiene como
objetivo poder confeccionar una prenda y por ello es muy importante
que los detalles de la misma estén muy claros, para que la persona que
tenga que realizar el patrón pueda entender lo que se quiere conseguir,
una prenda física. En definitiva, el figurín es el medio en el que se repre-
senta un traje que tiene la finalidad de ser confeccionado.

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 - Una ilustración de moda, en cambio, muestra un estado de ánimo, un
estilo, una tendencia, y goza de mayor libertad creativa. Los artista s sue-
len jugar con varias técnicas de pintura y mezclarlas entre sí, incluso lle-
gando a crear un collage. Normalmente se utilizan para aparecer en re-
vistas u otras publicaciones de moda, pero muy rara vez para que la
prenda que lleve el dibujo sea confeccionada ya que suele ser un dibujo
artístico y no técnico.

1.2 POSES DEL FIGURIN

La correcta presentación de un diseño de ropa depende en gran medida de la

elección adecuada de la pose de un figurín. En el mundo de la moda, tanto en
las revistas como en los desfiles, hay una serie de poses convencionales que se
repiten y que, por tanto, el diseñador debe conocer para plasmarlas en sus
figurines. Hay multitud de poses, pero para comenzarse deberá optar por las
más comunes para que no queden demasiado artificiales. La pose más común
será apoyar todo el peso del cuerpo sobre una sola pierna y el brazo en jarra
apoyado en la cadera. Los perfiles y las poses laterales también suelen utilizarse,
pero rara vez se mostrará un figurín de espaldas, a no ser que tenga algún
detalle importante que haya que resaltar. En la pose lateral, las piernas juegan
un papel muy importante. Habrá que adelantar y flexionar una de las piernas
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para darle dinamismo al dibujo y lucir
de una manera más clara un vestido o
una falda.
El diseñador tendrá que adaptar la
pose del maniquí al estilo que se quiera
dar en el dibujo al figurín que se esté
confeccionando. Por ejemplo, si se
trata de un diseño juvenil habrá que útil
izar una pose dinámica y desenfadada,
con cabeza alta y brazos en jarra por
ejemplo. En cambio sí es un diseño clá-
sico. Será mejor utilizar una pose más
tranquila con mirada hacia abajo o bra-
zos pegados al cuerpo.
La pose siempre debe ir de acuerdo
con la prenda que se quiere ilustrar La
actitud del figurín es esencial, utili-
zando para ello el mismo estilo de la
prenda que se haya diseñado. Es con-
veniente no transmitir rigidez para que
las poses no queden forzadas. Para ello
se deberán evitar los movimientos exa-
gerados. Hay que estar seguros de que
las poses son naturales y que, aunque
sean un poco exageradas, son poses
que cualquier persona puede llegar a
hacer sin caerse al suelo o hacerse
daño, de esta manera los dibujos apa-
recerán naturales y armoniosos. Lo me-
jor para coger soltura con diferentes
poses será practicar con ayuda de re-
vistas de moda, o incluso se puede tra-
bajar y esbozar con ayuda de personas
que quieran posar para nosotros.
Aunque se adopten distintas poses en
el figurín, hay que comprobar siempre
que este continúe resultando equilibrado. El eje central debe tenerse muy en
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cuenta para conseguir el equilibrio en
la pose. La manera más sencilla de
comprobarlo es realizando una línea
vertical desde el centro superior de la
cabeza hasta los pies. La figura puede
contonearse y curvarse de manera exa-
gerada pero los pies tienen que estar
al mismo nivel que la cabeza para que
no dé la sensación de que se va a caer.

1.3 PLANTILLA DEL FIGURIN

Al principio a los estudiantes de diseño

de moda les parece muy difícil crear un
cuerpo humano proporcionado. Para
paliar esta dificultad, existe un método
que ayuda a desarrollar y perfeccionar
estas habilidades: la utilización de
plantillas.
En La plantilla de figurines es una he-
rramienta que utilizan los diseñadores
de moda, sobre todo en sus comien-
zos, para agilizar el proceso de diseño.
Se crean reduciendo el cuerpo de un
figurín a un contorno nítido y simple,
sin ningún tipo de vestimenta. Una vez
se ha diseñado un figurín, se puede
calcar sobre papel vegetal y utilizarlo
para vestirlo con distintos diseños las
veces que se quiera.
El proceso de utilización es muy senci-
llo, se trata de poner el papel sobre la
plantilla, es decir, sobre el papel vegetal que contiene el figurín desnudo, y así
el trabajo del diseñador será más fácil y de un trazo más rápido.
También se puede utilizar la plantilla como base del figurín y cambiar, por
ejemplo, la dirección de los brazos y piernas desde las articulaciones; así se

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conseguirán diferentes poses y movimientos de tal forma que los distintos di-
seños para una misma colección no resulten tan repetitivos o tan parecidos.
Lo ideal es utilizar la plantilla como ayuda y crear por encima de ella diferentes
figurines cambiando el peinado, color de pelo, facciones de la cara, etc. Así no
quedará la colección tan monótona.
De esta forma, el diseñador podrá crear un estilo personal sobre la plantilla
base que le servirá solo como guía, ya que la plantilla es simplemente una he-
rramienta y el diseñador deberá conseguir un dibujo característico y particular.
Se pueden tener distintas plantillas de hombre, de mujer o infantiles, incluso
de frente y de perfil.
También es aconsejable que dichas plantillas sean de varios tamaños, aunque
los más utilizados serán para los tamaños de papel de A3 y A4. Un truco para
conseguir diferentes tamaños es escanear la plantilla y después imprimirla al
tamaño que se necesite.

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 2. DIBUJO DEL FIGURIN FEMENINO

Para comenzar a dibujar un figurín femenino hay que empezar por la cabeza,
teniendo en cuenta que no debe tener un tamaño grande, sino un poco más
pequeño de lo normal y con una forma ligeramente ovalada (ver Figura 1). La
cabeza será el punto de partida.
Habrá que colocarla centrada en el papel y a una altura donde se sepa que el
figurín tendrá más o menos el mismo espacio en blanco arriba y abajo. El si-
guiente paso a seguir será dibujar el contorno del cuerpo. Para él lo se empieza
por el cuello dándole una forma alargada, se continúa con los hombros, y con
unas líneas sencillas se perfila el torso y los senos. Se dibujará la inclinación de
la cadera (que suele ofrecer una dirección contraria a la que ofrecen los hom-
bros) y se descenderá por el cuerpo hasta llegar a las piernas que se tratan con
un simple perfil.
Normalmente el largo
del figurín deberá ser
de unas nueve cabe-
zas desde el punto
central superior de la
cabeza hasta los talo-
nes (ver Figura 2).
Después de dibujar el
cuerpo, se puede em-
pezar a dibujar todos
los detalles como los
rasgos de la cara y el
cabello. También se
pueden aplicar som-
bras en zonas de bra-
zos o piernas (ver Fi-
gura 3).
Por último, habrá que
dibujar la prenda so-
bre el figurín, termi-
nando por los zapatos y los accesorios con los que se quiera acompañar al

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diseño (ver Figura 4). La prenda se debe ajustar a la silueta, para ello se subra-
yará ejerciendo mayor presión con el lápiz. Cuando la prenda se adapta al
cuerpo de la figura, los pliegues y el volumen adquieren una gran importancia.
Al dibujar la forma del vestido debe tenerse en cuenta que los pliegues o arru-
gas suelen coincidir con las zonas donde los miembros se flexionan (las axilas,
las rodillas o las ingles). Hay que aprender a dibujar bien tanto las arrugas como
los pliegues del vestido. Si se aprenden a dibujar estos efectos, se podrá trans-
mitir en los diseños no solo la dirección y la caída de las arrugas de la prenda,
sino también se conseguirá aportar información sobre la calidad del tejido. Así,
las arrugas geométricas y con aristas dan la idea de un tejido rígido y almido-
nado, mientras que los pliegues curvados y viscosos son más propios del ter-
ciopelo. Cada tejido reacciona de un modo diferente ante una arruga, un frunce
o un pliegue. Por ello es importante conocerlos antes de dibujarlos.

3. DIBUJO DEL FIGURIN MASCULINO

El figurín masculino, al igual que el femenino, se comienza por la cabeza, pero

en este caso tiene una forma más cuadrada y angulosa. Después se dibuja el
cuello, más ancho que el femenino y no tan largo, y a continuación se dibujan
los hombros musculosos.

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El figurín masculino tiene una forma más angulosa y cuadrada que el femenino.
Se continúa con los brazos, que deben ser menos delgados que los del figurín
femenino. Para ello se marcará la masa muscular dando así una forma curva y
aportando un físico deportivo al figurín.

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El siguiente paso a seguir será dibujar la silueta a lo largo, es decir, definir la
línea que llega hasta la punta del pie.

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Por último, se dibujarán las piernas del figurín. Normalmente se suele adoptar
una pose dinámica, por lo que el maniquí puede aparecer caminando, dejando
una de las piernas detrás. Este será el momento en el que se pueden dibujar
los detalles del pelo, y las partes de la cabeza, como ojos, cejas, boca...

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El figurín masculino vestido suele tener una línea de dibujo más dura que la del
figurín femenino, Las arrugas y los pliegues se acentúa y son menos suaves y
delicadas que en la mujer.

4. DIBUJO DEL FIGURIN INFANTIL

El figurín infantil tiene varias edades y, por tanto, diferentes formas y alturas.
Normalmente si el figurín es un bebé o es de poca edad se suele dibujar con
más curvas, es decir, más regordeta
A medida que el figurín tiene más edad (14 a 16 años) suele empezara alargarse
la figura y a resultar más estilizada y proporcionada hasta llegar a la edad adulta
del figurín femenino con las medidas de nueve cabezas.

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El bebé suele dibujarse sentado, ya que en la realidad no puede mantenerse de
pie. Se comienza por dibujar la cabeza, que es el elemento más grande de la
figura, y después se dibujan los brazos separados del cuerpo y por último ias
piernas y pies.
Suele tener la boca y nariz más grandes que los de las figuras adultas y los ojos
se pueden definir con simples círculos.

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Para dibujar un bebé vestido, hay que tener en cuenta que se deben aplicar
muchas arrugas en la prenda, ya que normalmente la pose es sentada y por
esta razón aparecerán muchas dobleces.

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 5. PORFOLIO

El porfolio es una carpeta en la que el diseñador recopila los mejores trabajos

ordenadamente con la finalidad de presentarlos en una entrevista de trabajo.
La carpeta deberá tener páginas transparentes para proteger mejor los trabajos
y un cierre con anillas para que sea más fácil y rápido reorganizarla. Los trabajos
se podrán mostrar por ambas caras. Normalmente el tamaño que se utiliza es
un A3 (42 x 29, 7 cm), que es el doble de un tamaño folio.

Los trabajos que aparezcan en el porfolio del diseñador serán muy personales
y darán una idea clara de su estilo y de lo que es capaz de crear, por eso, se
deben incluir los mejores trabajos.
Será interesante que aparezcan las diferentes formas de trabajar, como por
ejemplo, incorporar una colección con un tema en concreto donde se pueda
apreciar cómo se han desarrollado los diseños partiendo de una idea. Pero
también es bueno que en un porfolio aparezcan otros tipos de trabajos, como
la realización de un collage o de algunos bocetos inspirados en una fotografía
o en cualquier otro tema o también algún mood board (poster donde se hará
una composición de gráficos elegidos por su creador, que pueden consistir en
imágenes -dibujos, fotografías, ilustraciones, montajes...- textos, ejemplos de
objetos, texturas, colores, etcétera).
De esta forma se pueden mostrar las diferentes formas que el diseñador tiene
a la hora de desenvolverse con los materiales y los diferentes estilos que puede
conseguir.
El diseñador también puede ayudarse de detalles o complementos, introdu-
ciendo botones, trozos de tejido, o cualquier otro accesorio que encaje con el
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diseño y que quede armonioso. Habrá que asegurarse de que todas estas pie-
zas y accesorios estén bien pegadas y de que no ocupen mucho para que la
carpeta no quede excesivamente gruesa. La buena presentación del porfolio en
una entrevista de trabajo puede ser el factor decisivo para encajar en el puesto.
El diseñador debe actualizar esta carpeta incorporando trabajos nuevos. Tam-
bién se recomienda incorporar imágenes de diseños propios o incluso fotos de
algún catálogo o revista donde aparezcan algunos de sus trabajos ya que, de
esta manera, la presentación será más completa y profesional.
Es muy interesante ver los porfolios de otros diseñadores para coger ideas, para
ello es recomendable ver trabajos a través de páginas webs como por ejemplo
www.styleportfolios.com. Se trata de una página web que permite a los dise-
ñadores e ilustradores de moda exponer sus porfolios de manera digital para
darse a conocer y conseguir así trabajo dentro del mundo de la moda.

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