CLINICA INSTRUCCIONAL

VIERNES 14 DE AGOSTO
19:00 HORAS
ATONAL SALA DE ENSAYO

TEMA :
ANALISIS TÉCNICA E INTERPRETACION

JOHANN SEBASTIAN BACH

Preludio BWV 1006

FELIPE LIBON
Caprice n. 1 in C Mayor

JOHANN JOACHIM QUANTZ

Allemande in E minor
 En épocas anteriores a la nuestra, existieron una gran cantidad de músicos
sorprendentes que poseían un extenso conocimiento de las posibilidades que se pueden
desarrollar en cualquier instrumento,desde el periodo conocido como el Renacimiento ya había
músicos increíbles que dejaron grandes obras polifónicas, como por ejemplo. Giovanni
Pierluggi de Palestrina.
En los siglos posteriores, y en los periodos conocidos como el Barroco,
el Clasicismo y el Romanticismo, una gran cantidad de instrumentistas escribieron obras
sorprendentes, llenas de pasajes virtuosos y bellas melodías. sin embargo, parece ser que a
muchos de ellos el tiempo los ha condenado a el olvido, ya que hoy en día, poco se sabe acerca
de una gran cantidad de músicos que existieron en el pasado, sin embargo, si solo nos
acercáramos un poco y buscáramos músicos de las épocas antes mencionadas, podríamos ver la
enorme cantidad de virtuosos que existieron en el pasado.
Esta clínica fue ideada con la intención de mostrar solo tres obras de tres compositores, una es
de Johann Sebastian Bach, un gran conocido y estupendo compositor, se trata de un preludio
de sus Sonatas para Violín, la Sonata bwv 1006, una monumental composición .

La segunda composición es de un excelente Violinista Español que vivió en los últimos años de
el siglo XVIII y los primeros años de el siglo XIX, y que se llamó Felipe Libón, he tomado como
muestra su Capricho para Violín n. 1 en C Mayor, de su colección de Treinta Caprichos para
Violín Solo, una bonita y muy virtuosa composición .

La ultima pieza es una composición hecha para Flauta y fue hecha por uno de los mas
respetados compositores de el periodo Barroco el señor : Johann Joachim Quantz, un Flautista
muy virtuoso y de el cual se han rescatado numerosas composiciones todas ellas bellísimas y
de una calidad sorprendente.
El motivo principal de interpretar y analizar este tipo de piezas es debido a que los
compositores utilizaron recursos de composición que son útiles para cualquier persona que
esté interesada en componer música instrumental, ademas de poseer una técnica deslumbrante
en sus instrumentos y lo que nos demuestra que el virtuosismo y la velocidad no son propios
de los músicos de “shred guitar” como equivocadamente hoy en día algunos menosprecian el
trabajo compositivo de guitarristas actuales, aduciendo que “solo tocan rápido” lo cual es una
injusticia, ya que el sólo hecho de componer una pieza original, ya sea de carácter lenta o
rápida, conlleva un gran esfuerzo y dedicación.
 Uno de los objetivos de esta clínica es mostrar a los guitarristas interesados el enorme acervo
cultural y musical que nos legaron los grandes virtuosos de el pasado, y también mostrar que el
virtuosismo instrumental no es algo propio de los guitarristas shredders actuales, sino que mas
bien ha estado presente en todas las épocas desde el Barroco y hasta nuestros días, si contamos
desde 1600, tenemos que son 415 años en los cuales siempre han existido músicos virtuosos y
compositores estupendos.
Agradezco la oportunidad brindada por Alfonso Quintero para la presentación de ésta clínica ,
en la que presento parte de lo que será mi nuevo libro que se llama :
“Classical Masters- The Age of Guitar Wizzards”
Y que contiene el análisis de 12 estupendas piezas como éstas tres que aquí presento, dicho
libro va a estar disponible muy pronto, y por ahora esta clínica es parte de la Gira que se llama
“Alquimia Eterna”, y es parte de los festejos por la presentación de nuestro anterior libro que
hicimos el excelente Guitarrista Argentino Sebastian Salinas y un servidor : Moises Olvera.

Desde ya, una gran abrazo a mi amigo y compañero Sebastian Salinas y esperamos este año
concretar nuevos proyectos y sabemos que la Gira “Alquimia Eterna” será un suceso
inolvidable.
Y también quiero agradecer infinitamente a todas las personas que siempre han asistido a mis
clínicas en varias partes de el País y la Ciudad de México,muchas gracias.
Espero verlos en la Gira “ALQUIMIA ETERNA 2015”.
 JOHANN SEBASTIAN BACH
(1685-1750)
1 Eisenach (1685-1695), Ohrdruf (1695-1700), Lüneburg (1700-1702) y Weimar
(1703-1703)
2 – 3 Arnstadt (1703-1707)
4 – 5 Mühlhausen (1707-1708)
6 – 7 Weimar (1708-1717)
8 – 10 Köthen (1717-1723)
11 – 20 Leipzig (1723-1750)

Primeros años (1685-1703)

Johann Sebastian Bach nació el 21 de marzo de 1685, el mismo año que Georg Friedrich Händel y Domenico Scarlatti. La fecha de su
nacimiento corresponde al calendario juliano, pues los alemanes aún
no habían adoptado el calendario gregoriano, por el cual la fecha corresponde al 31 de marzo. Fue el octavo hijo (el hijo mayor tenía
14 años cuando Johann Sebastian nació) del matrimonio formado entre
Maria Elisabetha Lämmerhirt y Johann Ambrosius Bach, que fue quien probablemente le enseñó a tocar el violín y los fundamentos
de la teoría musical. Sus tíos eran todos músicos profesionales, cuyos cargos
incluyen organistas de iglesia, músicos de cámara de la corte y compositores. Su tío Johann Christoph Bach lo introdujo en la
práctica del órgano.
Su madre falleció en 1694, cuando Johan Sebastian tenía nueve años de edad, y su padre —que ya le había dado las primeras
lecciones de música— falleció ocho meses después. Johann Sebastian, huérfano con
10 años, se fue a vivir y estudiar con su hermano mayor, Johann Christoph Bach, organista en la iglesia de San Miguel
(Michaeliskirche) de Ohrdruf, una ciudad cercana.[ Allí copiaba, estudiaba e interpretaba música, incluyendo la de su propio
hermano, a pesar de estar prohibido hacerlo porque las partituras eran muy valiosas y privadas y el papel de ese tipo era costoso.
Aprendió teoría musical y composición, además de tocar el órgano, y recibió enseñanzas de su hermano, que le adiestró en la
interpretación del clavicordio.
Johann Christoph le dio a conocer las obras de los grandes compositores del Sur de Alemania de la época, como Johann Pachelbel
(que había sido maestro de Johann Christoph) y Johann Jakob Froberger; de compositores del Norte de Alemania; de los franceses,
como Jean-Baptiste Lully, Louis Marchand y Marin Marais, así como del clavecinista italiano Girolamo Frescobaldi. También en esa
época estudió teología, latín, griego, francés e italiano en el gymnasium de la localidad.
.
A los catorce años, Johann Sebastian, junto a su amigo del colegio Georg Erdmann, mayor que él, fue premiado con una matrícula
para realizar estudios corales en la prestigiosa Escuela de San Miguel en
Luneburgo, no muy lejos del puerto marítimo de Hamburgo, una de las ciudades más grandes del Sacro Imperio Romano. Esto
conllevaba un largo viaje con su amigo, que probablemente realizaron en parte a pie y
en parte en carroza, aunque no se sabe con certeza. No hay referencias escritas de este período de su vida, pero los dos años de
estancia en la escuela parecen haber sido decisivos, por haberle expuesto a una paleta
más amplia de la cultura europea que la que había experim entado en Turingia. Además de cantar en el coro a capella, es probable
que tocase el órgano con tres teclados y sus clavicémbalos. Quizás entró en
contacto con los hijos de los nobles del Norte de Alemania, que eran enviados a esta escuela selectísima para prepararse en sus
carreras diplomáticas, gubernamentales y militares.
Aunque existen pocas evidencias históricas que lo sustenten, es casi seguro que, durante la estancia en Luneburgo, el joven Bach
visitó la iglesia de San Juan (Johanniskirche) y escuchó (y posiblemente tocó)
el famoso órgano de la iglesia (construido en 1549 por Jasper Johannsen, y conocido como "el órgano de Böhm" debido a su
intérprete más destacado), un instrumento cuyas prestaciones sonoras muy bien pudieron ser la inspiración de la potente Tocata y
fuga en re menor. Dado su innato talento musical, es muy probable asimismo que tuviese un significativo contacto con los
organistas destacados del momento en Luneburgo, muy particularmente con Georg Böhm (el organista de la Johanniskirche), así
como a organistas en la cercana Hamburgo, como Johann Adam Reincken y Nicolaus Bruhns. Gracias al contacto con estos
músicos, Johann Sebastian tuvo acceso probablemente a los instrumentos más grandes y precisos que había tocado hasta
entonces. En esta etapa se familiarizó con la música de la tradición académica organística del Norte de Alemania, especialmente con
la obra de Dietrich Buxtehude, organista en la iglesia de Santa María de Lübeck, y con manuscritos musicales y tratados de teoría
musical que estaban en posesión de aquellos músicos.

Período de Weimar a Mühlhausen (1703–1708)

En enero de 1703, poco después de terminar los estudios y graduarse en San Miguel y de ser rechazado para el puesto de organista
en Sangerhausen,[3] Bach logró un puesto como músico de la corte en la capilla del duque Johann Ernst III, en Weimar, Turingia. No
está claro cuál era su papel allí, pero parece que incluía tareas domésticas no musicales. Durante sus siete meses de servicio en
Weimar, su reputación como teclista se extendió tanto que le invitó a inspeccionar y dar el concierto inaugural en el flamante órgano
de la iglesia de San Bonifacio de la cercana ciudad de Arnstadt, a 40 kilómetros al sudeste de Weimar. La familia Bach tenía
estrechos vínculos con esta vieja ciudad de Turingia, al lado del Thüringenwald, o bosque de Turingia.
En agosto de 1703, aceptó el puesto de organista en dicha iglesia, con obligaciones ligeras, un salario relativamente generoso y un
buen órgano nuevo, afinado conforme a un sistema nuevo que permitía que se utilizara un mayor número de teclas. En esa época,
Bach estaba emprendiendo la composición seria de preludios para órgano; estas obras, inscritas en la tradición del Norte de
Alemania de preludios virtuosos e improvisatorios, ya mostraban un estricto control de los motivos (en ellas, una idea musical
sencilla y breve se explora en sus consecuencias a través de todo un movimiento). Sin embargo, en estas obras aún faltaba para que
el compositor desarrollara plenamente su capacidad de organización a gran escala y su técnica contrapuntística (donde dos o más
melodías interactúan simultáneamente). Se estima que fue entonces cuando compuso su conocida obra Tocata y fuga en re menor.
Las obras tempranas de Johann Sebastian Bach
estuvieron influidas por las del compositor y
organista Dietrich Buxtehude.
Las fuertes conexiones familiares y el hecho de estar empleado por un entusiasta de la música no impidieron que surgiera tensión
entre el joven organista y las autoridades después de varios años en el puesto.
Johann Sebastian estaba insatisfecho con el nivel de los cantantes del coro; pero su empleador estaba muy molesto después de que
Bach se ausentara de Arnstadt sin autorización durante varios meses en
1705-1706 para visitar en Lübeck al gran maestro Dietrich Buxtehude y asistir a su abendmusiken en la iglesia de Santa María
(Marienkirche). Este episodio bien conocido de la vida de Bach implicaba que tuvo que caminar unos 400 kilómetros de ida y otros
tantos de vuelta a pie para pasar tiempo con el hombre al que
posiblemente consideraba como la figura máxima entre los organistas alemanes. El viaje reforzó el influjo del estilo de Buxtehude
como fundamento de la obra temprana de Bach y el hecho de que alargase su
visita durante varios meses sugiere que el tiempo que pasó con el anciano tenía un alto valor para su arte. Johann Sebastian quería
convertirse en amanuense (asistente o sucesor) de Buxtehude, pero no
quiso casarse con su hija, que era la condición para su nombramiento. A pesar de su cómoda posición en Arnstadt, hacia 1706
parece que Bach se dio cuenta de que necesitaba escapar del entorno familiar y
avanzar en su carrera. Le ofrecieron un puesto mejor pagado como organista en la iglesia de St. Blasius (San Blas, Divi Vlasi) de
Mühlhausen, Turingia, una importante ciudad al norte. El año siguiente, tomó posesión de este mejor puesto, con paga y condiciones
significativamente superiores, incluyendo un buen coro. A los cuatro meses de haber llegado a Mühlhausen, se casó, el 17 de
octubre de 1707, con Maria Barbara Bach, una prima suya en segundo grado, con quien tendría siete hijos, de los cuales cuatro
llegaron a la edad adulta. Dos de ellos —Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach— llegaron a ser compositores
importantes en el ornamentado estilo Rococó que siguió al Barroco.
La iglesia y el ayuntamiento de la ciudad debían de estar orgullosos de su nuevo director musical. De buena gana aceptaron los
requerimientos de Bach e invirtieron una gran suma en la renovación del órgano de St. Blasius, y les agradó tanto la elaborada
cantata festiva que Bach escribió para la inauguración del nuevo concejo de la ciudad en 1708 —Gott ist mein König, BWV 71,
claramente al estilo de Buxtehude— que pagaron complacidos la publicación de la obra, y en dos ocasiones, en años posteriores,
tuvo que regresar el compositor para dirigirla. Sin embargo, su estancia en la ciudad terminaría el mismo año, cuando le fue ofrecido
un puesto mejor en Weimar.
Período en Weimar (1708–1717)
Transcurrido apenas un año, en 1708, una nueva oferta de trabajo le llegó desde la corte ducal en Weimar. El retorno al lugar de su
primera experiencia laboral fue esta vez muy diferente. El puesto de concertino,
un excelente salario y la posibilidad de trabajar con músicos profesionales fueron seguramente motivo suficiente para dejar su
puesto en Mühlhausen. Bach se trasladó con su familia a un apartamento muy cercano al palacio ducal. Al año siguiente nació su
primer hijo y se unió a ellos la hermana mayor y soltera de Maria Barbara. Permaneció con ellos ayudando en las tareas domésticas
hasta su muerte en 1729. En los
siguientes años nacieron sus primeros hijos, de los cuales destacan Wilhelm Friedemann Bach y Carl Philipp Emanuel Bach. A la
muerte del príncipe Johann Ernst en 1707, su hermano Wilhelm Ernst había asumido el poder de facto. Por su anterior cercanía con
el duque Johann Ernst, que había sido a su vez un avezado músico y admirador de la música italiana, Bach había estudiado las obras
de Antonio Vivaldi, Arcangelo Corelli y Giuseppe Torelli, entre otros autores italianos, aprendiendo a escribir aperturas dramáticas y
asimilando su dinamismo y emotividad armónica, transcribiendo sus obras y aplicando dichas cualidades a sus propias
composiciones, que a su vez eran interpretadas por el conjunto musical del duque Wilhelm Ernst.
Este período en la vida de Bach fue fructífero y comenzó un periodo sostenido de composición de obras para teclado y orquestales.
Alcanzó el nivel de competencia y confianza para ampliar las estructuras existentes e incluir influencias del exterior. Bach absorbió
estos aspectos estilísticos en parte mediante la transcripción de conciertos para cuerda y viento para clavecín y órgano de Vivaldi;
muchas de esas obras transcritas son todavía interpretadas con frecuencia. Bach se sintió atraído especialmente con el estilo
italiano en el que uno o más instrumentos solistas alternan sección por sección con la orquesta completa a través de un movimiento.
Continuó tocando y componiendo para órgano e interpretando música de concierto con el conjunto del duque. También comenzó a
componer preludios y fugas que fueron posteriormente recopilados en su obra
monumental El clave bien temperado (Das Wohltemperierte Clavier), que consta de dos libros compilados en 1722 y 1744, cada uno
conteniendo un preludio y fuga en cada tonalidad mayor y menor. Fue impreso por primera vez en 1801. En el ambiente familiar
comenzó a escribir la obra Orgelbüchlein (Pequeño libro para órgano) para su hijo mayor Wilhelm Friedemann, obra didáctica que
dejó inconclusa. Contenía corales tradicionales luteranas, creadas en texturas complejas para formar organistas. En 1713, le
ofrecieron un puesto en Halle cuando aconsejó a las autoridades durante la renovación de Christoph Cuntzius del órgano
principal de la galería oeste de la Marktkirche Unser Lieben Frauen. Johann Kuhnau y Bach y volvieron a tocar cuando se inauguró
en 1716. Los musicólogos debaten si su primera cantata Christen, ätzet diesen Tag BWV 63, fue estrenada aquí en 1713, o si fue
interpretada para el bicentenario de la Reforma Protestante en 1717.
En 1717, ocurre en Dresde el anecdótico intento de duelo musical con Louis Marchand (se dice que Marchand abandonó la ciudad
tras escuchar previamente y a escondidas a Bach). Ese mismo año, con motivo del fallecimiento del maestro de capilla (o
Kapellmeister) de la corte, Bach solicitó el puesto vacante, pero el duque decidió otorgárselo al hijo del fallecido maestro de capilla.
Esto lo decepcionó profundamente y lo impulsó a presentar su renuncia, lo que disgustó al duque Wilhelm Ernst, que ordenó su
arresto por algunas semanas en el castillo antes de aceptarla. Según una traducción del informe del secretario del tribunal, fue
encarcelado durante casi un mes antes de ser despedido desfavorablemente:
Köthen (1717–1723)
Bach comenzó a buscar un trabajo más estable que propiciara sus in tereses musicales. El príncipe Leopold de Anhalt-Cöthen
contrató a Bach como maestro de capilla en 1717. El príncipe Leopold, que también era músico, apreciaba su talento, le pagaba bien
y le dio un tiempo considerable para componer y tocar. Sin embargo, el príncipe era calvinista y no solía usar música elaborada en
sus misas; por esa razón, la mayoría de las obras de Bach de este período fueron profanas. Como ejemplo están las Suites para
orquesta, las seis Suites para
violonchelo solo, las Sonatas y partitas para violín solo y los Conciertos de Brandeburgo. También compuso cantatas profanas para
la corte, como Die Zeit, die Tag und Jahre macht, BWV 134a. A pesar de haber nacido en el mismo año y de estar separados
únicamente por alrededor de 130 kilómetros, Bach y Händel nunca se
conocieron. En 1719, Bach realizó un viaje de unos 30 kilómetros desde Köthen hasta Halle con la intención de conocer a Händel, sin
embargo éste había abandonado recientemente la ciudad. En 1730,
Friedmann, el hijo de Johann Sebastian, viajó a Halle para invitar a Händel a visitar a la familia Bach en Leipzig, sin embargo dicha
visita nunca tuvo lugar. Su mujer, Ana Magdalena, contó cómo le encantaba
a su marido transcribir durante horas las partituras de Händel y cómo hablaba siempre de él y de su música con verdadera devoción.
El 7 de julio de 1720, mientras Bach estaba de viaje con el príncipe Leopold en Carlsbad (Karlovy Vary), la tragedia llegó a su vida: su
esposa, Maria Barbara Bach, murió repentinamente. Algunos especialistas señalan que en memoria de ella compuso la Partita para
violín solo n.º 2, BWV 1004, en especial, su última sección, la «Chacona». Al año siguiente, Bach conoció a Anna Magdalena Wilcke,
una joven y talentosa soprano que cantaba en la corte de Köthen. Se casaron el 3 de diciembre de 1721. Pese a la
diferencia de edad —ella tenía 17 años menos— tuvieron un matrimonio estable. Juntos tuvieron trece hijos más, seis de los cuales
llegaron a edad adulta: Gottfried Heinrich, Johann Christoph Friedrich y Johann Christian, todos ellos llegaron a ser músicos
destacados; Elisabeth Juliane Friederica (1726–81), quien se casó con el alumno de su padre Johann Christoph Altnickol; Johanna
Carolina (1737–81); y Regina Susanna (1742–1809). Leipzig (1723–1750)
Iglesia de Santo Tomás (Leipzig).
En 1723, fue nombrado cantor de la Thomasschule en la Iglesia Luterana de Santo Tomás (Thomaskirche) de Leipzig y director
musical de las principales iglesias de la ciudad, San Nicolás (Nikolaikirche) y San Pablo (Paulinerkirche), la iglesia de la Universidad.
Era prestigioso puesto en la ciudad mercantil líder del
Electorado de Sajonia, un electorado vecino de Turingia. Aparte de sus breves ocupaciones en Arnstadt y Mühlhausen, éste fue el
primer trabajo estatal de Bach, en una carrera que había estado estrechamente
ligada al servicio a la aristocracia.
Este puesto final, que mantuvo durante 27 años hasta su muerte, lo puso en contacto con las maquinaciones políticas de su
empleador: el Ayuntamiento de Leipzig, dentro del cual había dos facciones: los absolutistas, leales al monarca sajón en Dresde,
Augusto II de Polonia llamado el Fuerte, y la facción de la ciudad-estado, que representaba los intereses de la clase mercantil, los
gremios y los aristócratas menores. Bach fue contratado por los monárquicos, en particular por el alcalde de aquella época, Gottlieb
Lange, un abogado joven que había servido en la corte de Dresde. Coincidiendo con el nombramiento de Bach, a la facción de la
ciudad-estado se le otorgó el control de la Thomasschule, siendo Bach requerido para varios compromisos con respecto a sus
condiciones de trabajo.
El trabajo de Bach le requería instruir a los estudiantes de la Thomasschule en el canto y proveer semanalmente de música sacra a
las principales iglesias de la ciudad. Además, tenía que enseñar latín, pero le permitieron emplear a un ayudante para que lo hiciera
en su lugar. Le encargaron una cantata para el servicio de los domingos y días festivos en la iglesia durante el año litúrgico.
Habitualmente interpretaba sus propias cantatas, muchas de las cuales fueron compuestas durante sus primeros tres años en
Leipzig. La primera de ellas fue Die Elenden sollen essen, BWV 75, representada por primera vez en la Nikolaikirche el 30 de mayo de
1723, el primer domingo después del Domingo de Trinidad. Bach recopiló sus cantatas en ciclos anuales. Cinco son mencionados en
sus obituarios, aunque sólo existen tres. La mayoría de estas obras se utilizan en las lecturas del Evangelio prescritas para cada
domingo y día festivo en el año luterano. Bach comenzó un segundo ciclo anual el primer domingo después del de Trinidad de 1724 y
compuso únicamente cantatas corales, muchas de ellas fueron compuestas usando himnos tradicionales de la Iglesia. Entre ellos se
incluyen O Ewigkeit, du Donnerwort, BWV 20; Wachet auf, ruft uns die Stimme, BWV 140; Nun komm, der Heiden Heiland, BWV 62; y
Wie schön leuchtet der Morgenstern, BWV 1.
Para los ensayos e interpretaciones de estas obras en la iglesia de Santo Tomás, Bach probablemente se sentaba al clave o dirigía
frente al coro de espaldas a la congregación. A la derecha del órgano en una galería lateral estarían las maderas, los metales y
timbales, y a la izquierda los instrumentos de cuerda pulsada.
El ayuntamiento sólo otorgaba alrededor de ocho instrumentistas permanentes, limitación que fue fuente de
constante fricción con el cantor, que tuvo que reclutar al resto de los veinte o más músicos requeridos para las
partituras medianas o grandes, en la universidad, la Thomasschule y el público. El órgano o el clave era
probablemente tocado por el compositor (cuando no estaba de pie dirigiendo), el organista de casa, o uno de sus
hijos, Wilhelm Friedemann o Carl Philipp Emanuel.

Bach seleccionaba a los coristas, sopranos y contraltos de la Thomasschule y a los tenores y bajos de la Thomasschule y de
cualquier lugar de Leipzig. Las intervenciones en bodas y funerales daban un ingreso extra a estos grupos; es probable que para
este propósito, y para el entrenamiento escolar, escribiese al menos seis
motetes, la mayoría para doble coro. Como parte de su trabajo regular en la iglesia, dirigía motetes de la Escuela veneciana y de
alemanes como Heinrich Schütz, que servirían como modelos formales para sus
propios motetes.
Bach amplió sus horizontes compositivos más allá de la liturgia al hacerse cargo, en marzo de 1729, de la dirección del Collegium
Musicum, un conjunto de representación de música profana iniciado por el compositor Georg Philipp Telemann. Esta fue una de las
docenas de sociedades privadas en las principales ciudades
germanoparlantes que fueron creadas por estudiantes universitarios activos musicalmente; estas sociedades se fueron haciendo
progresivamente más importantes en la vida pública musical y fueron típicamente lideradas por los músicos profesionales más
destacados de cada ciudad. En palabras de Christoph Wolff, asumir la dirección fue un movimiento astuto que «consolidó el firme
control que ejercía Bach sobre las principales instituciones musicales de Leipzig». Durante todo el año, el Collegium Musicum de
Leipzig paticipaba regularmente en escenarios como la Cafetería Zimmermann (Zimmermannsches Caffeehaus), una cafetería en la
calle Sainte-Catherine frente a la plaza del mercado. Muchas de las obras de Bach durante las décadas de 1730 y 1740 fueron escritas
e interpretadas para el Collegium Musicum;
entre esas obras se encuentran parte de sus Clavier-Übung y muchos de sus conciertos para violín y clave.
Si bien está claro que nadie en el ayuntamiento dudaba del genio de Bach, hubo una constante tensión entre el
cantor, que se consideraba el líder de la música eclesial de la ciudad, y la facción de la ciudad-estado, que lo veía como un maestro
de escuela y quería reducir el énfasis en la composición de música tanto para la iglesia como para la Thomasschule. A partir de
1730, la facción de la ciudad-estado estaría encabezada por el teólogo y filólogo Johann August Ernesti. Profesor en la Universidad
de Leipzig, Ernesti, junto con buena parte del claustro de la Universidad, propugnaba un cambio de modelo educativo que se
reorientaría hacia disciplinas más ilustradas como las ciencias naturales o la filología. Las múltiples prerrogativas de Bach como
cantor de Santo Tomás chocaban con esta pretensión, por lo que pronto surgiría una agria disputa entre Bach y Ernesti, que
pretendía relegar la importancia de la música a un segundo puesto, y retirar al cantor toda competencia en materia educativa. El nivel
de la disputa llegó a tal punto que Bach pidió ayuda al rey de Polonia, Gran Duque de Lituania y Elector de Sajonia, Augusto III, que
intervino a su favor. El hecho de que Bach hiciera intervenir al elector de Sajonia escandalizó a la corporación de Leipzig, que
consideraba el asunto como un tema local y la actitud de Bach como propia de alguien con delirios de grandeza. Tras la disputa, las
relaciones entre Bach y sus patronos locales se degradarían rápidamente. Sea como fuera, el ayuntamiento nunca cumplió la
promesa -que hizo Lange en la entrevista inicial- de ofrecer un salario de 1000 táleros anuales, si bien se ofreció a Bach y a su familia
una reducción de impuestos y un buen apartamento en una de las alas de la Thomasschule, que fue renovado con gran gasto en
1732.
Fallecimiento (1750)
La salud de Bach empeoró en 1749; el 2 de junio, Heinrich von Brühl escribió a uno de los burgomaestres de Leipzig para pedirle que
su director de música, Gottlob Harrer, ocupara los cargos de
Thomascantor y director musical «ante el eventual [...] fallecimiento del señor Bach». Bach se fue quedando progresivamente más
ciego, por lo que el cirujano británico John Taylor lo operó durante su visita a
Leipzig entre marzo y abril de 1750. El 28 de julio de 1750, Johann Sebastian Bach fallecía a la edad de 65
años. Un periódico de la época informó que «las infelices consecuencias de su muy poco exitosa operación» fueron la causa de su
muerte. Historiadores modernos especulan con que la causa de su muerte fue una apoplejía complicada por una neumonía. Su hijo
Emanuel y su alumno Johann Friedrich Agricola escribieron su obituario.
Actualmente se cree que su ceguera fue originada por una diabetes sin tratar. Según ciertos médicos, padecía de blefaritis,
enfermedad ocular visible en los retratos de sus últimos años.
Las posesiones de Bach incluían cinco clavecines, dos laúd-clave, tres violines, tres violas, dos violonchelos, una viola da gamba,
una laúd y una espineta y 52 «libros sagrados»,
incluyendo obras de Martín Lutero y Flavio Josefo. Inicialmente fue enterrado en el viejo cementerio de San Juan en Leipzig.
Su tumba estuvo sin identificar durante casi 150 años. En 1894, su ataúd fue encontrado finalmente y
trasladado a una cripta en la iglesia de San Juan. Este edificio fue destruido durante un bombardeo del bando aliado durante la
Segunda Guerra Mundial, por lo que desde 1950 los restos de Johann Sebastian Bach están ubicados en una tumba en la iglesia de
Santo Tomás de Leipzig.
 LAS SONATAS Y PARTITAS
Johann Sebastia Bach escribió sus Seis Sonatas y Partitas para Violin durante sus años de trabajo como
director una pequeña Orquesta de Musica de Cámara en la Ciudad de Kothen.
De 1717 a 1723, en esa ciudad

En Kothen Bach estaba al servicio de el Principe Leopold,un joven de 23 años que era un gran aficionado a
la música, en incluso era hábil con ciertos instrumentos.
En estos años Bach se dedicó a componer música instrumental y musica de cámara,de ésta epoca es cuando
se cree que Bach compuso varias de sus colecciones y obras instrumentales memorables, como . Las Seis
Suites para Violonchelo Solo,La Fantasia Cromatica y Fuga, los Seis Conciertos de Brandenburgo, Las
Suites Francesas para Clave,la parte numero uno de el Clave bien Temperado, La Sonata para Flauta Sola y
muchas otras obras más.

Las Sonatas para Violin Solo son unas composiciones instrumentales impresionantes.
Ya anteriormente a Bach ,en Alemania músicos como : Franz Heinrich Biber,Johann Jakob Walther y
Johann Paul Westhoff, habian escrito obras para Violín que contenian texturas polifonicas.
Bach parece haber absorbido todos esos conocimientos de sus antecesores y las Sonatas que escribió son
obras magnificas, piezas que contienen muchas características como : Textura Polifónica, Armonía
Implicada, Partes escritas a Contrapunto y sorprendente mente escribió fugas a cuatro voces para un
instrumento en el cual parecía imposible hacer tales composiciones.
Las Seis Sonatas para Violín Solo son estupendas obras de las cuales podemos aprender infinidad de
recursos , pero ademas son piezas que contienen una técnica deslumbrante y son obras escritas por un
virtuoso.
Bach escribió tres Sonatas, las catalogadas con los números 1001, 1003 y 1005, y tres Partitas, que ahora
tienen el número de catalogo 1002, 1004 y 1006.

El orden de las piezas que contiene cada Sonata y Partita es el que podemos ve en la tabla siguiente :

SONATA 1001 PARTITA 1002 SONATA 1003 PARTITA1004 SONATA1005 PARTITA1006

G minor B minor A minor D minor C Mayor E Mayor
1.-Adagio 1.-Allemanda 1.-Grave 1.-Allemanda 1.-Adagio 1.-Preludio
2.-Fuga 2.-Double 2.-Fuga 2.-Corrente 2.-Fuga 2.-Loure
3.-Siciliana 3.-Corrente 3.-Andate 3.-Sarabanda 3.-Largo 3.-Gavote en
Rondeau
4.-Presto 4.-Double 4.-Allegro 4.-Giga 4.-Allegro Assai 4.-Menuet I
5.-Sarabande 5.-Ciaccona 5.-Mnuet II
6.-Double 6.-Bourre
7.-Tempo di 7.-Guigue
Borea
8.-Double

Las piezas que contiene esta coleción de Sonatas y Partitas son todas ellas obras maestras y contienen
pasajes muy intrincados e ingeniosos.
Muchas de éstas piezas han sido estudiadas por generaciones de músicos desde el periodo Clásico y hasta
nuestros dias,incluso muchos guitarristas de rock han hecho transcripciones de algunas de éstas piezas para
la guitarra eléctrica, guitarristas como Patrick Rondat,Michael Fath, German Schauss y muchos otros , han
transcrito y adaptado piezas de esta colección .
Nosotros como guitarristas podeos aprender muchas cosas a partir de interpretar piezas como esta, uno de
los problemas con los que comúnmente nos encontramos es con que muchas veces necesitamos la técnica de
un virtuoso parapoder interpretar este tipo de composiciones, por eso es necesario abordarlas una por una e
ir practicandolas con muchas calma, asi, a la vez que vamos desarrollando nuestra técnica, podemos ir
descubriendo muchos recursos que posteriormente podremos poner en práctica e nuestras propias
composiciones.

La siguiente es una adaptación para la guitarra eléctrica que hice de un preludio de éstas Sonatas, se trata de
el Preludio de la Tercera Partita Catalogado BWV 1006.
En las páginas siguientes encontrarás una descripción de esta pieza y al final una transcripción completa
para guitarra eléctrica :
 JOHANN SEBASTIAN BACH
PRELUDIO BWV 1006
Transcripcion para Guitarra

Un preludio es una composicion que se utilizaba como introduccion para un grupo de piezas que a veces
constituian una Suite, aunque tambien se llamaban Sonatas, Ordres,Partitas etc.
Los preludios a veces tambien formaban parte de grupos más pequeños de dos piezas, como en el Clave
bien Temperado, en el que un preludio es seguido de una Fuga y asi constituyen dos piezas , (Peludio y
Fuga).
Tal como lo escribió Joel Lester en su estupendo libro :”Bach Works for Solo Violin”. 1
Existen algunos preludios que siguen un determinado patrón ritmico, de éste tipo de Preludios podemos
encontrar varios en e Clave bien Temperado,pero tambien existen Preludios que son de una forma un poco
más libre, el Preludio en E Mayor es de éste tipo, en realidad se trata de una composición monumental, la
cual mantiene un aire uniforme durante toda la pieza, y es asi como van apareciendo las intrincadas
melodias que contiene.
El preludio que vamos a estudiar es una composición intimidante , y si queremos aprenderla completa ,
tendremos que ir paso a paso, seccionando la pieza y aprendiendo las partes poco a poco, a la vez deestarlas
practicando constantemente, posteriormente ensamblaremos todas las partes que aprendamos y finalmente ,
despues de muchos esfuerzos, quizas podamos interpretar toda la pieza a una velocidad moderada, ya
despues haremos una interpretación ala velocidad sugerida, que es de Allegro, es decir alrededor de 133
bpm., lo cual puede parecer no tan dificil, pero tomando en cuenta las intrincadas partes que contiene esta
composición, les aseguro que será un gran esfuerzo.
Primero que nada, aprenderemos la Escala de E Mayor : E-F#-G# A-B-C# -D# -E.
Aqui tienes un diagrama de la Escala para que practiques y te familiarices con ella :
E Mayor Scale
E F# G# A B C# D# E F# G# A B C# D#E
B C# D# E F# G# A B C# D# E F# G#A B
G# A B C# D# E F# G# A B C# D#E F#
D# E F# G# A B C# D# E F# G# A B C#
A B C# D# E F# G# A B C# D# E F# G#A
E F# G# A B C# D# E F# G# A B C# D#E

Posteriormente,veremos los acordes que podemos formar en la tonalidad de E Mayor, y esto nos va a ser de
mucha utilidad para identificar cuando exista un cambio de tonalidad en el preludio, en la tabla siguiente,
podemos ver los acordes que podemos formar en la tonalidad de E Mayor, incluí loa acordes de Triada y
Séptima solamente, y debemos de estar conscientes de que un músico como Bach no se limitaba
1 Joel Lester—Bach Works for Solo Violin-Oxford University Press 1999
exclusivamente a estos acordes, en el preludio vamos a encontrar muchos acordes alterados ó inversiones, o
fragmentos de acordes etc.etc.
ACORDES EN LA ESCALA DE E MAYOR

I II III IV V VI VII
E Mayor F # menor G# menor A Mayor B Mayor C# menor D# dim
E Maj7 F# min7 G# min7 A Maj 7 B Dom 7 C# min7 Dmin7b5
Tonica Supertonica Mediante Subdominant Dominante Submediante Sensible
e
E Mayor F # menor G# menor A mayor B Mayor C# menor D#
disminuido

C # menor A Mayor B Mayor F# menor G # menor E Mayor N/A

En la figura siguiente, podemos ver los primeros compases de esta Pieza,en esta sección un motivo en E
Mayor es presentado y después repetido una octava mas grave en los dos primeros compases, los cuales
son seguidos por una melodía con notas obstinadas e los compases siguientes..
En los compases 7 y 8 vemos una secuencia ascendente que es seguida por una melodía con notas
reiteradas,en este caso las notas de B y de E.

En la figura siguiente podemos ver una extensa melodia que se basa principalmente en reiterar la nota de
E,y Bach compuso una serie de melodias muy interesantes ,en esta seccion tiene un carácter intenso,porque
van cambiando las notas que se centran en una sola y van surgiendo agradables melodias.
 El carácter intenso de la melodia centrada sobre la nota de E, da paso a otra sección,esta vez una melodia
ascendente en la que Bach hace uso de el Acorde de E Mayor y posteriormente el acorde de C# Mayor (C#-
E#-G#) este es uno de los acordes alterados que Bach introdujo en esta composición.
La frase ascendente basada en el acorde de C# Mayor la podemos ver en el compás 33,y hasta el compás 35,
en donde prosigue una serie de complejas melodias que anteceden una de mis partes favoritas, los arpegion
con saltos de cuerdas .

Los arpegios con saltos de cuerda aunque dificiles de ejecutar,conllevan una melodia muy agradable y que
ademas está entrelazada con fraseos descendentes muy ingeniosos,como en el compas 50 y 51 y en el
compás 55 y 56.

aquí les presento un fragmento de la parte de los arpegios, es un poco compleja,pero si practican con esmero
verán resultados :
 aquí la continuacion de el fraseo descendente que Bach mezcló con melodiosos arpegios :

Bach efectúa una modulación a la Tonalidad Subdominante ( A Mayor) y repite el mismo fraseo o idea en
donde anteriormente era reiterada la nota de E,solo que esta vez , es reiterada la nota de A, y de hecho
desarrolla la misma idea pero esta vez en la tonalidad Subdominante.

En las figuras siguientes podemos ver el fraseo ahora en A Mayor,una repetición de una idea estupenda y
que le adhiere mucho mas interés a la composición :
Algunas posiciones en la guitarra resultan bastante impresionantes y complicadas, pero con esmero y mucha
practica realmente es posible ejecutar los fraseos, pero tengan cuidado, en realidad es necesaria una gran
destreza para interpretar las complejas partes que escribió Bach, asi que tendran que ir con cuidado, y como
me dijo una vez Sebastian Salinas: --Ten cuidado, Bach es complicado y debes ir despacio-.
En la figura siguiente podemos ver la conclusión de el fraseo en A Mayor, que es seguido por otra idea que
ya nos habia presentado Bach anteriormente y es un fraseo construido con base en un arpegio,esta vez es el
arpegio de A Mayor.

En fin, el preludio de Bach es una impresionante muestra de su ingenio y virtuosismo en el Violín, Bach
implica armonias, las entrelaza de una forma muy compleja y logra una melodia demasiado intrincada, pero
no por eso pierde interés, más bien Bach escribió una pieza monumental y en la cual plasmó mucho de su
gran ingenio que es cuasa de admiración hasta nuestros dias, aunque debo decir que parece ser que en la
época de Bach, ser genio de la música era una práctica común, debido a lo impresionante de las
composiciones de músicos anteriores a él, o contemporáneos de el genio de Eisenach, como :
Johann Kaspar Ferdinand Fischer, Christoph Graupner,Georg Phuillip Telemann,Francois Couperin,
Antonio Vivaldi, Benedetto Marcello, Johann Friedrich Fasch,Carlos Seixas, Dietrich Buxtehude y muchos
más, que cada vez que escucho sus obras me maravillo ante tanta belleza y ingenio...
Ern las páginas siguientes encontrarán una transcripción completa de el Preludio BWV 1006, de la Tercera
Partita para Violín Solo de Johann Sebastian Bach Transcrita para Guitarra Eléctrica, no está de más decir
que deberán de practicar lentamente y tener una excelente memoria para poder aprender toda la pieza de 138
compases de puro Virtuosismo.
Y bien, practiquen mucho y buena suerte !!!
 FELIPE LIBON
(1775-1838)
Felipe Libón nació en la ciudad española de Cadiz el 17 de agosto de 1775,Hijo de padres franceses,fué
un estimado compositor y violinista,el fue alumno de Giovanni Batista Viotti (1755-1824) en Londres y
estudió composición con Cimador.
En 1796 el regresó a Cadiz y tiempo después tocó en los conciertos de la corte en Lisboa ,y fue empleado
como violinista solista de el príncipe real de Portugal.
En 1798 el fue a Madrid en donde condujo varios conciertos de camara de el Rey.
Alrededor de 1800 el estuvo en Paris,donde en 1804 el fué eñ primer violinista de la emperatriz
Josephine.
En 1810 fué empleado como acompañante de la emperatriz Marie Louise,y después entró en la orquesta
privada de Carlos X.
Felipe Libón falleció en Paris el 5 de Febrero de1838
Como compositor,Felipe Libón es conocido por las siguientes obras:
6 Conciertos para Violín.
1 Aria con Variaciones para violin y orquesta.
2 Colecciones de Arias con Variaciones para Violin y Cuarteto de Cuerdas o Pianoforte.
6 Tríos para dos Violines y Chelo.
3 Grandes dúos concertantes para dos Violines.
30 Caprichos para Violín Solo.
 CAPRICHO N. 1 EN C MAYOR

La música de Felipe Libón tiene un encanto especial, melodías muy refinadas que te llegan hasta el corazón.
Los Treinta Caprichos para Violín Solo son piezas muy agradables y que abracan una amplia gama de
aspectos de la técnica de el Violín, cualquier violinista puede desarrollar muchos aspectos técnicos al
interpretar las piezas de esta colección, pero a la vez, también puede educar su oido, ya que las melodias que
contiene endulzan los oídos de cualquier persona.
Algunos de los Caprichos de esta colección requieren de una gran destreza, pero por eso es que se debe de
practicar siempre lentamente y poco a poco ir incrementando la velocidad.
Para nosotros guitarristas, e interpretar éste tipo de piezas nos puede proveer de muchos recursos técnicos
invaluables, y también podemos aprender sobre tópicos como : Armonía, Modulación
Composición,manejo de las voces etc.

El primer Capricho de ésta colección está escrito en la Tonalidad de C Mayor, y en el transcurso de la pieza
es introducida también la Tonalidad de G Mayor, en si, Libón utilizó ambas tonalidades para hacer su
composición, que es una composición corta pero verdaderamente encantadora y técnicamente virtuosa.
A continuación, vamos a ver las secciones que contiene esta pieza y sus caracteristicas:
Estos son los primeros compases de el Capricho,el cual comienza con la presentación de e tema inicial en C
Mayor, el cual, después de algunas variaciones es presentado nuevamente completo en los compases 5 y 6.
En los compases 7 y 8 encontramos unas secuencias descendentes que curiosamente van ascendiendo hasta
terminar en el Arpegio de C Mayor.
Aqui le melodia es transportada a una octava mas aguda cada vez, por ejemplo, primero es de E a E,
despues es de A a A, y en la ultima desde la nota de D y a la nota de D.
Para concluir en el arpegio de C Mayor.

En la parte siguiente, Felipe Libon utilizó la tonalidad de G Mayor,en esta seccion podemos ver secuencias
de notas en la escala de G mayor, ademas de melodias basadas en los arpegios de G Mayor y D dominante
7.

La sección siguiente es una de mis favoritas, una secuencia melódica que va descendiendo, esta vez en la
tonalidad de G Mayor, esta secuencia es intrincada y muy interesante,por lo que deberemos de practicarla
con esmero,incluyendo la parte de los arpegios .
En esta sección podemos ver los arpegios de G Mayor y D Mayor y concluyen con el arpegio de G Mayor.
Posteriormente es presentado nuevamente el tema inicial de el Capricho, esta vez como introducción a otra
secuencia melódica intrincada, ésta secuencia es curiosa , ya que es similar a la anterior, solo que esta vez
va ascendiendo y está en la tonalidad de C Mayor.

La secuencia compleja es seguida por una secuencia ascendente en C Mayor y que llega hasta la nota de G,
la cual es reiterada en varias octavas, antes de dar paso a los arpegios finales de la pieza{ que son los
arpegios de C Mayor y G Mayor, y finalmente el Capricho termina con el Arpegio de C Mayor.
Una pieza muy agradable y llena de virtuosismo.
 JOHANN JOACHIM QUANTZ
(1697–1773)
Johann Joachim Quantz fue un ejecutante,compositor,maestro,escritor de música,fabricante de
instrumentos y uno de los más famosos músicos de su época,su autobiografía ,publicada alrededor de
los años 1754-1755, por Friedrich Wilhelm Marpurg, es la principal fuente de información sobre su vida.
En ella, brevemente describe sus primeros dias y posteriormente se enfoca en sus actividades en
Dresde(1716-1741),su gran gira (1724-1727)y su trabajo en la corte de Federico el Grande en Berlín y
Postdam (a partir de 1741).
Quantz nació en la villa de Oberscheden en la provincia de Hannover el 30 de Enero de 1697, su padre
fué un herrero,a la edad de 11 años el quedó completamente huérfano,y comenzó su aprendizaje con su
tio Justus Quantz.
El primer instrumento en el que tuvo que aprender fué el violín,en el que el tuvo que ser muy diestro y
hábil,posteriormente siguió el oboe y la trompeta, y durante esos años tuvo que trabajar duro en los tres
instrumentos.
Aún en el tiempo de que aprendía a ejecutar los tres instrumentos,también se arregló para tomar
lecciones de Clavicordio.
De acuerdo a su propia elección, el tomó clases con el organista Kiessewetter,un pariente suyo,y a través
de su instrucción fué como tuvo las primeras bases para entender los conceptos de Armonía, y
probablemente también le nació el deseo de aprender composición.
Al terminar su proceso de aprendizaje, Quantz era muy habilidoso en algunos de los principales
instrumentos de cuerda,el oboe y la trompeta.
El esperaba a obtener una posición en Dresde o Berlín, así como también la oportunidad de escuchar
mucha música hermosa ahí,y aprender mucho más de lo que podría aprender en Merseburgo.
En 1714 el tuvo la oportunidad de trabajar en Pirna bajo la dirección de el músico de el lugar Schalle.
Durante ese periodo en Pirna el tuvo la oportunidad de escuchar los Conciertos de Antonio Vivaldi por
primera vez.
Y como ellos representaban completamente una nueva forma de componer música,su impresión fué
muy grande.
Quantz aprovechó para hacerse con algunas copias de ellos,ya que los esplendidos Ritornellos de
Vivaldi servirían como excelentes ejemplos en el futuro.
Quantz aceptó una invitación para unirse a la banda musical en Dresde,uno de los más importantes
centros artísticos de Europa, en marzo de 1716, y así completó su sueño que habita expresado como
completar su aprendizaje
Así, el hizo algunas observaciones :
Aquí en Dresde,yo pronto aprendí que la sola ejecución de las notas tal como están escritas por el
compositor,están muy lejos de ser el más grande mérito de un músico.
La Orquesta Real de Dresde estaba completísima en su tiempo, se distinguia así misma de muchas otras
orquestas por su carácter Francés y su suavidad en la ejecución.
Presentados por el maestro de conciertos anterior : Volumier, y también bajo la dirección de su maestro
de conciertos actual :Johann Georg Pisendel, el cual introdujo un estilo mezclado,logrando una finura
de ejecución que nunca habia escuchado en todos mis viajes.
En ese tiempo,la Orquesta tenia varios y muy famosos ejecutantes :
Como Veraccini y Pisendel en el Violín,Pantaleon Hebenstreit en el Dulcimero,Sylviuss Leopold Weiss
en la Theorba,Richter en el Oboe,Pierre Buffardin en la Flauta Traversa.
Sin mencionar a los excelentes Violonchelistas,Bassoonistas y Cornos.
Cuando escuché a todos esos músicos famosos yo quedé grandemente sorprendido,y mi interés por
continuar mis estudios musicales se avivó mas en mi.
Yo quise prepararme para con el tiempo también ser un miembro de esta excelente compañía.
Quantz pasó parte de el año 1717 estudiando contrapunto con Jan Dismas Zelenka y en 1718,a la edad
de 21 años, fué nombrado Oboista en la nueva Capilla Polaca en la ciudad de Dresde.
Debido a que llegó a ser claro que habria poca oportunidad como Oboista en la Capilla Polaca,Quantz
decidió estudiar seriamente la Flauta Traversa,y en 1719 estudió brevemente con el flautista Francés
Pierre Gabriel Buffardin.
Con Bufardin ,el estuvo tocando piezas rápidas,lo cual era la costumbre de su maestro.
Quantz llegó a ser gran amigo de Pisendel,el gran virtuoso y maestro de conciertos después de la muerte
de Volumier,Pisendel le recomendó a seguir estudiando composición.
Entre los años 1724 y 1727 Quantz fué capaz de completar su educación musical con una gran
odisea,viajando y estudiando en Italia, Francia e Inglaterra.
El estudió contrapunto con Francesco Gasparini en Roma,un aprendizaje al cual el dió un buen uso en
sus Seis Duetos.
Quantz citó.---Yo comencé a tomar instrucción con Francesco Gasparini, un hombre de 72 años el cual
era honesto y noble ,no solo era un experto contrapuntista sino también un agradable y lúcido
compositor de Ópera .
El me enseñó los principios de el Contrapunto,y como yo ya tenia ciertos conocimientos de
composición,yo alcancé en un periodo de seis meses el punto en donde mi maestro ya no tenia que
darme más lecciones.
Más aún, el se ofreció a corregir cualquier composición que yo hiciera y sin ninguna paga, algo raro en
un Italiano!.
En una visita a Nápoles en 1725,Quantz se encontró con Alessandro Scarlatti :
El primer compositor de iglesia en Nápoles fué el maestro de capilla y caballero Alessandro Scarlatti,yo
escuché tocar a Alesandro en el clavicémbalo,el cual el sabia como tocarlo de una forma sorprendente,
aunque no era tan fino como su hijo Domenico.
Después de esto el me acompañó en un solo,yo tuve la buena fortuna de ganarme su aprecio e incluso la
fortuna de que el compusiera algunos solos para flauta para mi.

De Agosto de 1726 a Marzo de 1727 Quantz visitó Paris,en donde el escuchó muchos recitales.
--El estilo Francés no era desconocido para mí y a mi me gustaba mucho su forma de tocar.
En especial las ejecuciones de Michel Blavet ,con quien incluso llegó a tener una buena amistad y
aprendió muchas cosas que Blavet le enseñó amablemente.
Después de una visita de diez semanas a Inglaterra,en donde el se encontró con Georg Friedrich
Handel,el regresó a Dresde el 23 de Julio de 1727.
Y dijo :
Ahora que he reflexionado en toda la buena y mala música que yo escuché en mi odisea,me he dado
cuenta de que he reunido una amplia gama de ideas, pero que seria necesario ponerlas en orden,en cada
lugar que yo me paré yo he compuesto algo,imitando el estilo prevalente de ese lugar.
Pero también he meditado acerca de lo que ser original tiene de ventaja sobre la imitación.
Así que yo seguí esforzándome hacia la meta de formar un estilo personal y así de este modo yo pudiera
ser un originador de música, como siempre, esto me tomaria tiempo, meditación y experiencia para
lograrlo.
Así como resultó una gran experiencia, de aprendizaje, el viaje de tres años por Europa de Quantz, le
sirvió también para establecer una sólida reputación fuera de Alemania, allanando el camino para la
futura diseminación internacional de su música y sus escritos.
Después de un año de haber regresado a la ciudad, Quantz fué promovido para la Capilla de Dresde,de
esta forma le fué reconocido su estatus como uno de los más sobresalientes ejecutantes en esa ciudad.
Hasta este tiempo yo habia sido Oboista y Flautista en la Capilla Polaca, y después de mi viaje, yo fuí
transferido a la Capilla Sajona, a partir de este tiempo yo abandoné por completo el Oboe y me
concentré exclusivamente en la Flauta Traversa.
En Mayo de 1728 Quantz acompañó a el Rey Augusto II de Polonia en una visita de estado a Berlín.
El tuvo contacto con el príncipe Frederick y posteriormente regresó a la corte de Prussia dos veces al año
para enseñarle a tocar la Flauta Traversa.
---Después de que tuve el honor de ser escuchado muchas veces por la Reina de Prussia, me fué ofrecida
una posición en su orquesta por 800 Thaleros al año, yo pensaba aceptar, pero mi patrón el Rey de
Polonia no hubiera estado de acuerdo.
---En el mismo año,1728,el Príncipe de Prussia decidió estudiar la Flauta Traversa,
y yo tuve el honor de enseñarle a su Alteza,por esta razón yo tuve que ir a Berlín,Ruppin ó Reinsberg
dos veces al año.
Hasta 1741 Quantz estuvo envuelto en la actividad musical de la corte Sajona en Dresde,en 1734 el
publicó su Opus 1 consistiendo de 6 Sonatas para Flauta y Continuo.
El se casó en 1737 y en 1739 comenzó a hacer Flautas.
---Debido a la falta de buenas flautas,yo comencé en el año de 1739 a taladrar y afinar algunas yo
mismo,esta práctica nunca me hizo ninguna herida.
Frederick II llegó a ser Rey de Prussia en 1740, y Quantz finalmente aceptó una posición en la corte de
Berlin.
--En Novienbre de 1741 yo fuí llamado por su Majestad de Prussia a Berlín por última vez,y me
ofrecieron una posición de parte de su Majestad con tan favorables condiciones que yo no pude
rehusarme el aceptar:
Dos mil thaléros cada año,además de una paga especial por cada composición,cien ducados por cada
flauta que construyera,y el privilegio de no tener que tocar en la Orquesta,sino sólo en la Orquesta de
Cámara Real,y no tener que recibir ordenes mas que de el Rey,así que yo dejé Dresde en Diciembre de
1741,y comencé a trabajar en el Servicio Real de Prussia en ese tiempo.
Quantz se quedó en Berlin por el resto de su carrera, sus trabajos se centraron en la supervisión de los
conciertos privados vespertinos de el Rey,para los cuales el escribió nuevas composiciones y en las que
el solo tenia el privilegio de criticar la forma de tocar de Frederick.
El murió en Postdam el 12 de Julio de 1773.
Solo pocas composiciones fueron publicadas durante el tiempo de Quantz en Berlín,la más notable
fueron los Seis Duetos Opus 2.
Su más significante contribución para la literatura de la música fué su Tratado :
Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen (Berlin, 1752).
La mayoria de su obra aún está esperando ser publicada y permanece en manuscritos,incluso aún se
desconocen las fechas exactas en que fueron escritas las alrededor de 200 Sonatas para Flauta y 300
Conciertos,también Sonatas en Trio,todos estos trabajos datan desde el periodo de Dresde.
Esta biografia fué tomada de una traducción de el Alemán a el Inglés de la Autobiografia de Quantz,y
que fué publicada por P.Nettl, y se llama : Músicos Olvidados (New York).
 ALLEMANDE IN E MINOR
La Allemande en E menor de Quantz es una pieza muy bonita y agradable, aunque tambien muy compleja y
tambien, al transcribirla a la guitarra resultan unas posiciones muy estensas y con saltos de cuerda
verdaderamente complicados, y sin embargo es una pieza muy bella.
Bien. Lo primero que vamos a hacer para interpretar esta pieza será aprender la tonalidad de E menor
armónica (E-F#-G-A-B-C-D#-E)
La Alemanda en E menor de Johann Joachim Quantz es una pieza muy bonita, la transcribí de una coleccion
de piezas que se han conservado en manuscrito , el manuscrito se llama . Fantasier ogg Praeludier 8
Capriccier, y contiene algo asi como 60 piezas todas ellas encantadoras, es una fortuna que se pueda
encontrar estas piezas y de este modo nos podemos acercar un poco a la música de Quantz, que, además de
ser muy virtuosa, tiene preciosas melodias.

La Allemanda es una forma de composición binaria, con dos secciones que se repiten a si mismas,Quantz
utiliza la tonalidad de E menor Armonica, E-F#-G-A-B-C-D#-E,
 Aqui tienes un diagrama de la Escala de E menor Armonica

E menor Armonica
E F# G A B C D# E F# G A BC D#E
B C D# E F# G A B C D# E F#G A B
G A B C D# E F# G A B C D#E F#G
D# E F# G A B C D# E F# G A B C
A B C D# E F# G A B C D# E F#G A
E F# G A B C D# E F# G A BC D#E

Ahora bien,los acordes que podemos formar en la tonalidad de A menor Armónica son los que podemos ver
a continuación en la tabla siguiente :

ACORDES EN LA ESCALA DE A MENOR ARMONICA

I II III IV V VI VII
Amenor B dim. C Aug D menor E menor F Mayor G# dim
A min 7 B min7b5 CMaj7#5 Dmin7 E Dom7 F Maj7 G#dim7
La Allemanda, como su nombre lo indica, es una forma musical que tuvo su origen en Alemania
aproximadamente en el Siglo XVI,en un principio era una danza en metrica doble de tiempo moderado
Los compositores franceses de el Siglo XVII,experimentaron con la Allemande, tambien llamada alman en
Inglaterra,ellos cambiaron u poco la metrica de doble a cuadruple y experimentaron con varios tiempos de
velocidad .
Una forma de Allemanda mas lenta ,como la Pavana. Fue adaptada a los Tombeau, que son composiciones
para recordar a una persona fallecida como mas tarde fueron los Requiems.
Los compositores Alemanes como Johann Jakob Froberger, Georg Philipp Telemann,Johann Sebastian
Bach y muchos otros incluyeron Allemandas en sus Suites para instrumentos de teclado.
Los compositores Italianos e Ingleses adoptaron formas mas libres para la Allemanda,utilizando una
amplia variedad de tiermpos en un rango que iba desde Largo hasta Presto.

En su Musikalisches Lexicon (Leipzig, 1732), Johann Gottfried Walther escribió que la Allemande debe ser
compuesta y danzada en una ceremoniosa y grave forma.
Tambien Johann Mattheson en su libro : Der Vollkommene Capellmeister (Hamburg, 1739) describió la
Allemanda como una seria y bien compuesta Armoniosidad en estilo arpegiado,expresando satisfaccion o
atracción,y encantamiento en orden y calma, esta musica es caracterizada por la ausencia de sincopas,la
combinacion de motivos cortos en largas unidades y con contrastes de tonalidad y motivos.
Mas tarde en el Siglo XVIII la Allemanda llegó a ser utilizada como una danza en tiempo ternario.por
ejemplo.las Allemandas de Weber.
 La Allemanda de Quantz es una composición en forma binaria, contiene dos secciones que se repiten a si
mismas, la primera sección comienza en la Tonalidad de E menor y comcluye en la Tonalidad de B menor,
y la segunda sección está compuesta en B menor, logrando asi el contraste en la tonalidad que hemos
descrito anteriormente.
En la figura siguiente, podemos ver los primeros compases de la Allemanda, esta sección está escrita en la
tonalidad de E menor armónica

En la siguiente figura podemos ver la conclusión de la primera secci{on, señalada por los signos de
repetición, y la cual termina en la nota de B.
Y tambien podemos ver el inicio de la segunda sección enla tonalidad de B menor, la segunda sección es
mas compleja que la primera y tiene unas melodias estupendas, aunque será un poco dificil ejecutarla, les
aseguro que con mucha paciencia y practica constante verán que podran tocar la pieza completa.

En las páginas siguientes encontrarán la transcripción de la Allemanda completa para Guitarra, practiquen
con esmero y verán lo bonito que suena esta composición.