ROCOCÓ

Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco, mais leve e intimista
que aquele e foi usado inicialmente em decoração de interiores. Primeiramente, desenvolveu-se na França, no
século XVIII, e difundiu-se por toda a Europa. No Brasil, foi introduzido pelo colonizador português e sua
manifestação se deu principalmente no mobiliário, conhecido por estilo ”Dom João V”. Na França, o rococó é
também chamado estilo Luís XV e Luís XVI.

Para alguns historiadores é um estilo que durou entre 1720 a 1780, ficou vigoroso até o advento da
reação neoclássica, por volta de 1770, irradiou-se da França para o resto da Europa, principalmente na parte
católica na Alemanha, na Prússia e em Portugal.

O termo rococó deriva do francês rocaille, que em português, por aproximação significa “concha”, isso
é significativo na medida em que muitas vezes podemos perceber as linhas de uma concha associadas aos
elementos decorativos desse estilo. Também pode ser associado à palavra “embrechado” que é uma técnica
de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizados originariamente na decoração de grutas artificiais.

A expressão “época das Luzes” é, talvez, a que mais frequentemente se associa ao século XVIII.
Século de paz relativa na Europa, marcado pela Revolução Americana, em 1776, e pela Revolução Francesa,
em 1789. No âmbito da história das formas e expressões artísticas, o Século das Luzes começou ainda sob o
signo do Barroco. Quando terminou, a gramática estilística do Neoclassicismo dominava a criação dos artistas.
Entre ambos, existiu o Rococó.

Para entender melhor os valores que essa tendência artística passa a refletir, é preciso voltar ao século
XVII e verificar que durante o reinado de Luís XIV, ou seja, entre 1643 e 1715, a França viveu sob um governo
centralizador e autoritário, que deu às artes uma feição clássica. Quando Luís XIV morreu, em 1715, a corte
mudou-se de Versalhes para Paris e aí entrou em contato com os ricos e bem-sucedidos homens de negócios,
financistas e banqueiros que, por nascimento, não pertenciam à aristocracia. Mas graças à riqueza que
possuíam, tinham condições de proteger os aristas, atitude que lhes dava prestígio pessoal para serem aceitos
na sociedade aristocrata. Tronaram-se, por isso, os clientes preferidos dos artistas que passaram a produzir
quadros pequenos e as estatuetas de porcelana para uso doméstico, muito ao gosto da sociedade na época.

A arte rococó refletia, portanto, os valores de uma sociedade fútil que buscava nas obras de arte algo
que lhe desse prazer e a levasse a esquecer de seus problemas reais. Os temas utilizados eram cenas eróticas
ou galantes da vida cortesã e da mitologia, pastorais, alusões ao teatro da época, motivos religiosos e farta
estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos nas molduras.

Na ourivesaria, no mobiliário, na pintura ou na decoração dos interiores dos hotéis parisienses da

aristocracia, encontram-se os elementos que caracterizam o rococó: as linhas curvas, delicadas e fluídas, as
cores suaves, o caráter lúdico e mundano dos retratos e das festas galantes, em que os pintores representaram
os costumes e as atitudes de uma sociedade em busca da felicidade, da alegria de viver e dos prazeres
sensuais. Além disso, possui leveza, caráter intimista, elegância, alegria, frivolidade e exuberância.

ARQUITETURA

Durante o Iluminismo, entre 1700 e 1780, o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-
barroca. Nos primeiros anos do século XVIII, o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma e para Paris.
Na França surgiu com a obra do decorador Pierre Lepautre.

As principais características da arquitetura rococó no exterior são:

Menores proporções e normalmente edifícios com apenas dois andares baixos;

Fachadas mais alinhadas e alisadas, pois são abolidos os elementos clássicos decorativos (colunas,
frontões e esculturas), mantiveram-se as balaustradas, as cornijas e os entablamentos, os ângulos retos foram
suavizados por curvas;
Telhados de duas águas;
Portas e janelas maiores e com arcos de volta-perfeita;
Decoração exterior concentra-se nas portas e janelas, nas consolas (peça arquitetônica saliente que
serva para colocar estatuetas e vasos, também chamadas de mísulas); e
Utilização de ferro forjado, em grades para jardins, lagos, portas e varandas.

Os jardins continuam a ser parte da arquitetura civil, tal como no barroco, e compõe-se de grandes
relvados com arvoredos, esculturas, rampas e lagos, pavilhões de caça, pequenos apartamentos, pagodes
chineses e quiosques turcos. Estes espaços servem de locais de reuniões íntimas com fogos de artificio, festas
de máscaras e celebrações públicas.

Destacamos as características mais presentes no interior da arquitetura:

O salão principal é o centro das dependências à volta do qual há algumas salas secundárias e
escadaria para o andar superior, onde ficam as divisões privadas dos donos da casa;
As divisões são baixas, pequenas, independentes, arredondadas e com pavimento parquet (tacos
de madeira), iluminadas pelas portas-janelas, pelos vários espelhos e pelos candeeiros e lustres;
A decoração das divisões é feita com diferentes tipos de móveis: cômodas, escrivaninhas, grandes
relógios, poltronas, etc. Em cima deles eram colocados bibelôs de prata e porcelana;
Uso de materiais que pintados imitam mármores;
As paredes são cobertas de decoração com cores claras, misturando-se com dourado e prateado
das molduras das telas, tapeçarias, afrescos e relevos; e
Os cantos e os limites das paredes desaparecem totalmente sob esta decoração imensa e pela
utilização dos sofitos – superfícies curvas que ligam o teto às paredes.
 São exemplos dessa arquitetura, o Hôtel de Soubise, construído por Germain Boffrand e decorado por
Nicolas Pineau, em Paris, entre 1736 e 1739 e o Petit Trianon, construído por Jacques-Ange Gabriel, em
Versalhes, entre 1762 e 1768.

O Hôtel de Soubise, sobretudo o Salão da Princesa, é um exemplo típico do estilo rococó Nicolas
Pineau criou um estuque, frisos, que emolduram quadros e espelhos, guirlandas que se entrelaçam em
sucessivas linhas curvas, enfim, um ambiente tão decorado que o olhar do observador é atraído
sucessivamente para os mais diversos detalhes.

Em terras alemãs, o estilo barroco vindo da Itália penetrou lentamente e só conseguiu plena afirmação
no século XVIII, quando a Itália á se encontrava, por sua vez, assimilando as influências do rococó. Por esse
motivo, é difícil estabelecer a distinção entre os estilos barroco e rococó na Alemanha.

A maioria dos edifícios barrocos da Alemanha foi construída no sul católico, por volta de 1710-50, após
a devastadora Guerra dos Trinta Anos. Os construtores de igrejas na Bavária foram especialmente
influenciados pelo estilo rococó, exibindo uma mistura entre as diversas artes.

Os irmãos Asam – Cosmas Damian (1686-1739), pintor de afrescos e o escultor Egid Quirin Asam
(1692-1750) – combinaram seus talentos em igrejas com iluminação melodramática, espaços ilusórios e apelo
emocional. O altar da Igreja do Mosteiro de Assunção, em Rohr, inclui uma imagem da Virgem Maria, que
realmente paira no ar. Iluminada lateralmente e sustentada por barras ocultas, ela levita como se por milagre.

Os irmãos Zimmermann – Dominikus e Johann – projetaram abadias e igrejas de peregrinação em

estilo rococó, como o famoso Die Wies (1745-54), na Bavária. A mistura das cores branca e rosa, delicada
como porcelana predominou na igreja que se assemelha a uma caixa de joias.

O mais rococó de todos foi o Pavilhão de Amalienburg de François Cuvilliés (1734-39), em

Nymphenburg. O antigo anão da corte e brilhante projetista criou uma sala circular, com aproximadamente
15m de diâmetro, revestida por vidros. Madeiras esculpidas e filigranas em prata descem pelas paredes com
displicência. Os ornamentos em estuque (esculpido por Johann Zimmermann), como harpas, violinos,
borboletas e pássaros emprestam uma aparência suave. Com fundo em azul pálido, a sala possui uma
delicadeza etérea que desmente o seu propósito. O exterior da agradável cúpula do pavilhão era um posto de
caça ao faisão.

O maior mestre barroco da Alemanha foi Balthasar Neumann (1687-1753). Engenheiro por
treinamento, ele projetou o Palácio Episcopal em Würzburg, entre 1737 e 1742. Outra obra-prima de Neumann
é a igreja de Vierzehnheiligen (Igreja dos Catorze Santos Auxiliares), erguida na Baviera entre 1732 e 1772.
Ela é formada por planos ovais contínuos do piso à abóboda, com iluminação entrando pelas janelas
transparentes. A decoração rococó invade o espaço, criando uma sensação de movimento.
 Entre aproximadamente 1690 e 1730, a Áustria produziu a sua cota de fantásticos edifícios nos estilos
barroco e rococó. Johann Fischer Von Erlach (1656-1723) foi um classicista que combinou a contida decoração
interior com elementos fantásticos da Antiguidade. No lado externo do pórtico em forma de Panteon do seu
Karlskirche (iniciado em 1716), em Viena, encontram-se duas torres gêmeas, como algo nunca visto desde as
Colunas de Trajano.

Em Potsdam, nos arredores de Berlim, fica o fabuloso Parque Sanssouci, um dos mais belos
complexos palacianos da Europa. O Palácio Sanssouci é a construção mais antiga do enorme parque, que
possui 287 hectares. Construído em estilo rococó entre 1745 e 1747 para ser a residência de verão de
Frederico, o Grande, rei da Prússia. O palácio possui um belo jardim, a leve colina foi cortada em terraços e
cada degrau recebeu videiras protegidas por 168 portas envidraçadas.

Profusão, sensualidade e divertimento davam o tom fundamental do barroco alemão e austríaco,

complexo e dinâmico como a música de Bach ou Haydn. O rococó era alegre como uma ópera cômica de
Mozart.

PINTURA

A pintura do Rococó divide-se em dois campos nitidamente diferenciados. Um deles forma um

documento visual intimista e despreocupado do modo de vida e da concepção de mundo das elites europeias
do século XVIII, e o outro, adaptando elementos constituintes do estilo à decoração monumental de igrejas e
palácios, serviu como meio de glorificação da fé e do poder civil.

Apesar de seu valor como obra de arte autônoma, a pintura rococó era concebida muitas vezes como
parte integrante de uma concepção global de decoração de interiores. Começou a ser criticada a partir de
meados do século XVIII, com a ascensão dos ideais iluministas, neoclássicos e burgueses, sobrevivendo até
a Revolução Francesa, quando então caiu em descrédito completo, acusada de superficial, frívola, imoral e
puramente decorativa.

A partir da década de 1830, voltou a ser reconhecida como testemunho importante de uma determinada
fase da cultura europeia e do estilo de vida de um estrato social específico, e como um bem valioso por seu
mérito artístico único e próprio, onde se levantam questões sobre estética que floresceriam mais tarde e se
tornariam centrais para a arte moderna.

O Rococó denota uma nova maneira de viver e sentir a arte. Os temas trazem cenas pastoris, festas
galantes, traduzindo amor, sedução, erotismo e hedonismo (doutrina filosófica que faz do prazer o objeto da
vida). Temas tratados de forma ligeira e superficial, com referência à deuses e a pequenos cupidos.
Teatralidade próprias do estilo rococó, opostas à ansiedade e tristeza do barroco.
 A tradição do retrato continuou, mas tornou-se mais histórico, sereno, burguês, sensível, psicológico,
delicado de tons suaves e gradações cromáticas que fazem lembrar o sfumato renascentista.

As composições são próprias para decorar interiores e, por isso, são exuberantes e rítmicas. Fazem
parte da composição elementos marinhos, como conchas e ondas, as cores são baseadas nos brancos, azuis,
rosas, nacarados do mar e das conchas. Trazem leveza e graciosidade dos gestos, movimento, ritmo e sentido
cênico.

Dentre os pintores deste período, destacamos:

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) era oriundo de Valenciennes, mas instalou-se em Paris, onde
faleceu aos 37 anos de idade, de tuberculose. É considerado um verdadeiro mestre da pintura rococó francesa.
Seus personagens são joviais e parecem dedicados ao gozo das coisas boas da vida, à busca de uma cultura
perfeita e da alegria de um viver tranquilo. Ele começou a pintar suas próprias visões de uma vida divorciada
de todas as privações e trivialidades, uma vida fictícia de alegres piqueniques em parques de sonho onde
nunca chove, de saraus musicais onde todas as damas são belas e todos os enamorados graciosos, uma
sociedade em que todos se vestem de sedas sem ostentação, e onde a vida dos pastores e pastoras parece
ser uma sucessão de minuetos. Mas há um toque de tristeza e melancolia, certo ar de tédio em meio ao prazer.
Tal como Rubens, a quem ele admirava. Watteau era capaz de transmitir a impressão de carne palpitante
através de uma pitada de giz ou cor.
Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699-1779) foi mais racional e pintou cenas de gênero e naturezas-
mortas reveladoras da vida cotidiana. Tinha uma situação econômica melhor do que a de Watteau. Esse fato
permitiu-lhe uma criação mais livre independente dos favores da corte e das expectativas artísticas da
aristocracia. Por isso, seus quadros, em vez de apresentarem o mundo fantasioso e frívolo dos cortesãos,
retratam cenas da vida cotidiana e burguesa da França. A principal característica de Chardin é a sua
composição nítida e unificadora de todos os elementos retratados. A pintura dele conserva o mesmo toque
luminoso de Watteau, mas os temas de interesse desses dois artistas, apesar de pertencerem ao mesmo
movimento artístico, são muito diferentes.
François Boucher (1703-1770) pintou expressões ingênuas e maliciosas em suas numerosas figuras
de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica,
mas a alegre descontração do estilo rococó. Além dos quadros de caráter mitológico, pintou, sempre com
grande perfeição no desenho, alguns retratos, paisagens (“O Casario de Issei”) e cenas de interior (“O pintor
em seu estúdio”).
Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), francês, desenhista e retratista de talento, Fragonard destacou-
se principalmente como pintor do amor e da natureza, de cenas galantes em paisagens idílicas. Foi um dos
últimos expoentes do período rococó, caracterizado por uma arte alegre e sensual, e um dos mais antigos
precursores do impressionismo.
Canaletto (1697-1768) seu nome era Giovanni Antonio Canal, era filho do pintor Bernardo Canal, daí
o apelido Canaletto. Pintor veneziano requintado, sutil, minucioso e sóbrio. Destaca-se da sua pintura o
tratamento da luminosidade e suas paisagens urbanas de Veneza sob o ângulo barroco, captando a visão de
suas ruas e canais, envoltos em luzes e sombras. Em 1730, passou a usar a câmara escura, um instrumento
óptico que permitia a passagem dos raios solares por uma lente e refletia a imagem que se queria pintar, como
base de suas obras. Conseguiu assim mais precisão no desenho, mais luminosidade e um contraste mais
brilhante entre as cores. Morou na Inglaterra (1746-1755), onde o cônsul inglês em Veneza, Joseph Smith,
apresentou o artista a importantes clientes que desejavam paisagens de Veneza como recordação de viagem.
Giambattista Tiepolo (1696-1770) italiano, de Veneza, foi o mais importante dos decoradores rococó.
Uma das suas obras primas é o teto da escadaria do Palácio Episcopal de Würzburg, que ilustra o rococó como
uma manifestação de puro deleite, há extraordinária diversidade dos seres, pois a pintura representa os quatro
continentes: Europa, Ásia, América e África. As alegorias imaginadas por Tiepolo parecem unir-se num cortejo
para expressar as belezas próprias de cada região da terra: na África, estão imponentes avestruzes e camelos;
na América, lindas jovens com coares de penas coloridas cavalgam exóticos crocodilos; e na Ásia, tigres e
elefantes majestosos fazem parte de um rico desfile.
Francesco Guardi (1712-1793) pintou cenas imaginárias onde mistura o real e o surreal. A arquitetura
é fantasiada e já pinta com uma cor e luminosidade quase impressionista. As primeiras obras dele guardam
nítida influência com as obras de Canaletto e Lucas Carlevarijs. Com o passar do tempo, no entanto, o pintor
se dirigiu rumo à criação de um estilo próprio.

Fazendo largo uso do sfumato e da chamada pittura di tocco, estilo baseado em pequenas e enérgicas
pinceladas pontuais, o artista criou um estilo de pintura mais solto, em contraposição às pinturas sólidas e
organizadas de Canaletto e Tiepolo.

ESCULTURA

Na escultura e na pintura da Europa oriental e central, ao contrário do que ocorreu na arquitetura, não
é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó, quer cronológica, quer estilisticamente.

Mais do que nas peças esculpidas, é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o
espírito rococó. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas, cada uma com existência própria
e individual, que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas.

Aparecem novos cânones estéticos:

As linhas curvas e contracurvas do barroco continuam, tornam-se mais delicadas e fluídas,

organizadas em S ou em C, ou contracurvas duplas;
Em relação à figura humana, utiliza-se o cânone anatômico maneirista (corpo alargado e silhueta
caprichosa), mas dão leveza e graciosidade aos gestos, atitudes e posições, tornando-os sempre de certa
forma galantes, cortesãos e muito elegantes;
Grupos escultóricos em que as composições têm movimento e ritmo, um sentido cênico faz o
enquadramento da escultura como cenário a ela destinado.
 Os escultores têm preferência pelas esculturas decorativas e ornamentais que complementam a
arquitetura, de forma a cobrir todas as estruturas e superfícies. A estatuária de pequeno porte, destinadas às
decorações dos interiores, com pequenos objetos, sem função utilitária (bibelôs, bustos, estatuetas religiosas,
composições mitológicas e alegóricas).

Recuperam-se materiais que até então tinham sido ignorados – madeira, argila, gesso, ouro e prata,
porcelana (biscuit), este último foi o verdadeiro material do rococó, foi extremamente popular e o mais usado
para a produção de pequenas esculturas.

Nas grandes obras escultóricas são utilizados pedra e bronze e nas esculturas de pequena dimensão
e objetos ornamentais são usados o bronze, o ouro, a prata, porcelana, na decoração mural, a argila, a madeira,
estuque e gesso.

Abandonam-se os temas sérios e nobres e dá-se preferência aos temas menores, irônicos, alegres,
jocosos, sensuais e galantes, na estuaria de pequenas dimensões, já na estatuária monumental, os temas são
comemorativos e honoríficos. Nos temas mitológicos preferem-se os deuses menores e nos temas profanos
dá-se mais valor aos aspectos mais íntimos do cotidiano, em gestos galantes, graciosos e requintados. O tema
religioso (usado sobretudo na Alemanha) mantém-se, mas é tornado menos sério, utilizando-se roupagens
mais luxuosas e poses galantes.

Jean-Antoine Houdon (1741-1828) foi escultor francês que destacou varias esculturas retratando
personagens importantes da história francesa e universal, como Voltaire e Diderot.

Johann Michael Feichtmayr (1709-1772), escultor alemão, membro de um grupo de famílias de mestres
da moldagem no estuque, distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho, obras-primas dos
interiores rococós.

Ignaz Günther (1725-1775), escultor alemão, um dos maiores representantes do estilo rococó em seu
país. Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. “Anunciação”, “Anjo da
guarda”, “Pietà”.

No rococó também se destacou a criação das estatuetas decorativas, a partir da invenção da porcelana
por dois cientistas alemães, Tischirnhaus e Boettger, em 1708. Já em 1709 apareceram as primeiras pelas
decorativas em porcelana. Durante o século XVIII, os escultores rococós alemães, franceses, italianos e
espanhóis criaram modelos para a manufatura de estatuetas, reproduzindo temas mitológicos, campestres e
da sociedade cortesã.

Desses escultores decorativos, destacamos:

 François Boucher (1703-1770) francês, nascido em Paris, foi pintor, gravador e desenhista das
porcelanas reais. É conhecido por suas pinturas idílicas, pelans de volume e carisma, que recorriam aos temas
mitológicos e evocavam a Antiguidade Clássica. Teve vários patronos, entre eles Madame de Pompadour.

Étienne Maurice Falconet (1716-1791), francês, nasceu em uma família pobre Primeiro foi aprendiz de
carpinteiro, mas algumas de suas figuras de barro, com que ocupava suas horas de lazer, atraíram a atenção
do escultor Jean-Baptite Lemoyne, que fez dele seu aprendiz. A influência do pintor François Boucher e do
teatro e ballet são igualmente nítidas em suas formas doces, elegantes e eróticas. Além de trabalhar em
Sévresm foi convidado por Catarina, a Grande, em 1766, para trabalhar em São Petersburgo, onde executou
uma estátua colossal de Pedro, o Grande, em bronze, conhecida como o Cavaleiro de Bronze.

MÚSICA

Entre as austeras experimentações dos compositores do século 17 e a solidificação das formas tonais,
aconteceu um período de transição, mais ou menos entre os anos de 1720 a 1760, batizado de Rococó
("concha" em francês) ou Estilo Galante. Também é costume chamá-lo de Pré-Clássico.
As características fundamentais foram:
- Simplificação harmônica;
- Melodias baseadas ou imitadas da música folclórica;
- Fim do floreio vocal e instrumental;
- Ritmos dançantes (o minueto era a dança oficial de todas as cortes);
- Abandono das texturas polifônicas (imitação e fuga);
- Formas contrastantes entre trechos rítmicos e melodiosos.
Podemos destacar os seguintes compositores:
Georg Philipp Telemann (1681/1767)72
Domenico Scarlatti (1685/1757) 73
Giovanni Battista Pergolesi (1710/1736)74
Wilhelm Friedmann Bach (1710/1784)75
Carl Philipp Emmanuel Bach (1714/1788)76
Johann Christoph Friedrich Bach (1732/1795)
Johann Christian Bach (1735/1782)77
Devemos acrescentar que as primeiras composições de Joseph Haydn (1732/1809) e de Wolfgang
Amadeus Mozart (1756/1791) também levam a marca deste estilo transitório.