INSTITUCION EDUCATIVA JUAN PIO MONTUFAR

TEMA: DIBUJO
INTEGRANTES:
Joel Tanicuchi
Jordy Ruiz
Josué Veloso
Saul Salazar
Johan Rocha
Concepto de dibujo
El dibujo es un arte gráfica, que consiste en plasmar sobre algún soporte real o virtual: papel,
cartón, vidrio, madera, o el ordenador (en este último caso se denomina dibujo digital) los
contornos de un objeto real o ficticio, el que puede pintarse con colores o ser blanco y negro o
sombreado. Por lo tanto un dibujo puede o no estar pintado. El lápiz es
el instrumento fundamental del dibujante.
El dibujo fue una expresión cultural que ya practicaron los primeros hombres en la Prehistoria y
una muestra de ello son las pinturas rupestres. En la Edad Media como expresión
del pensamientooscurantista de su época, los dibujos representaban figuras esencialmente
religiosas. Con el Renacimiento, los dibujos comenzaron a graficar imágenes humanas, en
consonancia con un mundo cuyo fin era satisfacer las necesidades de las personas.

Los dibujos pueden ser figurativos, representando objetos de la realidad o no figurativos

(abstractos). Algunos dibujos incorporan la técnica de la perspectiva, que grafican los objetos
según la distancia y ubicación donde se hallan en la forma en que son vistos por el observador.
La persona que dibuja se llama dibujante, y plasma sus visiones y sentimientos mediante
imágenes visuales, que son captadas por los destinatarios por el sentido de la vista.

En cine los dibujos animados son un conjunto de ellos, representativos del movimiento en
distintas fases, para ser filmados.
A diferencia del dibujo artístico que no necesariamente debe concordar con la realidad, el dibujo
técnico debe ser exacto, preciso, coincidente en extremo con la realidad, y requiere
conocimientos matemáticos y de geometría. En la industria se utiliza el dibujo para representar
piezas industrialeso maquinarias.
Historia de dibujo
El dibujo sirve como una herramienta para la representación de objetos reales o ideas que, a
veces, no es posible expresar fielmente con palabras. Los primeros dibujos conocidos se
remontan a la prehistoria; las pinturas rupestres de la cueva de Altamira son unos de los
ejemplos más antiguos, donde el ser humano plasmó en los techos y paredes de las cavernas lo
que consideraba importante transmitir o expresar, normalmente actividades relacionadas con
su forma de vida y su entorno.
De las primeras civilizaciones perduran escasos ejemplares de dibujos, normalmente, por la
fragilidad del material en el que fueron ejecutados (se han hallado en ostraca y pinturas murales
inacabadas), o porque eran un medio para elaborar pinturas posteriormente, recubiertos con
capas de color. Las culturas de la Antigua China, Mesopotamia, el valle del Indo o el Antiguo
Egipto dejaron muestras claras de ello, ideando los primeros cánones de proporciones, como
sucedió también en la Antigua Grecia y Roma.
En la Edad Media se utilizó profusamente el dibujo, generalmente coloreado, para representar
sobre pergaminos temas religiosos a modo de explicación o alegoría de las historias escritas,
privando así lo simbólico sobre lo realista, incluso las proporciones y cánones de la época. La
cultura islámica también contribuyó con preciosos dibujos que solían acompañar textos
de anatomía, astronomía o astrología.
Es en el Renacimiento cuando el dibujo eclosiona, logrando alcanzar sublimes logros. Por
primera vez se estudia el método de reflejar la realidad con la mayor fidelidad posible, con
arreglo a normas matemáticas y geométricas impecables: con Filippo Brunelleschi surge
la perspectiva cónica. El dibujo, de la mano de los grandes artistas renacentistas cobra
autonomía, adquiriendo valor propio en autorretratos, planos arquitectónicos y variados temas
realistas –como los de Leonardo da Vinci–, además servir como estudio previo imprescindible
de otras artes, como la pintura, escultura o arquitectura.

Características de dibujo
Boceto: es la prueba del dibujo en un papel aparte. Sirve para ayudar a decidir el encuadre, la
composición, qué elementos se incluyen…

Encajado: son las líneas generales que se trazan en el papel definitivo (se tapan o borran
después) que sirven como base del dibujo.
Línea: es el dibujo de los contornos. Se dibuja primero lo más general y después el detalle.

Valorización: para conseguir más realismo y volumen, se sombrean las zonas más oscuras. Las
zonas de luz se pueden aclarar borrando o usando un lápiz de color blanco o similar.

Color: un dibujo puede llevar color, especialmente si está destinado a ser una ilustración (dibujo
que acompaña a un texto en libros, carteles, etc.). El color se puede aplicar con varias
técnicas: acuarela, tinta, lápiz de color, ordenador… El color puede ser plano (homogéneo) o con
textura (apariencia irregular que se puede conseguir con el material, el papel, la técnica…).
Correcciones: los errores se pueden corregir, borrando, cubriendo una zona del dibujo con
pintura o un trozo de papel y dibujando sobre él, o escaneando el dibujo y modificándolo en un
programa de retoque fotográfico (ej.: Photoshop). Con estos programas de retoque se pueden
eliminar, añadir o resaltar cosas, mejorar contrastes y colores…

Proporción: la proporción en el dibujo es muy importante, ya que está dará al objeto

representado la armonía necesaria al relacionar correctamente todos los elementos que lo
conforman.

Justificación:
Hoy en día podemos observar que se han creado y mejorado distintos métodos i/o
herramientas para hacer que los dibujos queden mejor y con unos acabados inmejorables.
Cada persona decide que tipo de dibujo va a realizar ya sea manga, anime comic, dibujo
técnico, entre otros, de esa forma, poder lograr comunicar el mensaje o concepto que se
quiera dar a ver dentro del mismo dibujo. En este siglo existen ya muchos dibujos, los cuales
quieren decir o comunicar algún mensaje. Habiendo ya tantas formas de expresar una idea, los
comunicadores gráficos se ven en la tarea de modificar los diseños ya creados para poder
innovar y renovar el punto de vista a cada persona a la que va dirigido el dibujo dicho diseño.
Cada una de las personas tiene diferentes puntos de vista, por tal motivo la persona que
elabora dicho diseño u/o dibujo debe tener en cuenta cada persona lo que podría llegar a
interpretar o dar bien a conocer el mensaje que quiere dar a conocer, el producto o el mensaje
se podría tomar de una manera negativa, ofensiva o sin ningún sentido y el diseñador podría
verse afectado perdiendo su empleo o prestigio. De esa forma se debe tener en cuenta que se
lleve un debido proceso en cuanto al diseño y dibujo de dicho producto. También podemos
tener en claro que podríamos ser asesorados por una persona que sepa manejar el tema. La
presente investigación esta elaborada para dar a conocer por medio de una cartilla, un proceso
para la realización de un dibujo de cualquier tipo ya sea manga, anime, retrato, bodegón, etc.
Esperando solucionar la problemática de algunas personas de cómo empezar o prepararse
exitosamente para la realización e un dibujo. La cartilla estará realizada para cualquier persona
que quiera dibujar algo, pero estará más especificada para jóvenes estudiantes de
comunicación grafica. Por otro lado la cartilla se realizara también para dar a conocer distintos
términos que se utilizan en el dibujo y herramientas y para que y como se utilizan. Desde un
punto de vista social el dibujo hoy en día es considerado una forma de expresión en su
mayoría artística, ya que casi siempre por los medios de comunicación muestran el dibujo de
una manera artística.
Objetivos generales:

1. Conocer y valorar las posibilidades del dibujo técnico como instrumento de

investigación, apreciando la universalidad del mismo como lenguaje objetivo y
universal y valorando la necesidad de conocer su sintaxis para poder expresar y
comprender las informaciones.
2. Valorar el carácter abstracto del dibujo técnico y relacionarlo con otras materias,
comprendiendo su papel como lenguaje universal para la industria, el diseño, la
arquitectura, el arte o en la vida cotidiana.
3. Conocer y comprender los fundamentos del dibujo técnico para aplicarlos a la lectura e
interpretación de los diseños, planos y productos artísticos, científicos o técnicos, para
la representación de formas de todo tipo ateniéndose a las diversas normas y para la
elaboración de soluciones razonadas ante los problemas que se plantean en el campo
de la técnica y del arte.
4. Planificar y reflexionar, de forma individual y colectiva, sobre el proceso de realización
de cualquier construcción geométrica, relacionándose con otras personas en las
actividades colectivas con flexibilidad y responsabilidad.
5. Valorar la universalidad de la normalización en el dibujo técnico como
convencionalismo idóneo para facilitar no sólo la producción, sino también la
comunicación; aplicar las principales normas UNE e ISO, especialmente las referidas a
la obtención, posición, representación y acotación de las vistas de cuerpos.
6. Utilizar adecuadamente y con cierta destreza los instrumentos y terminología
específica del dibujo técnico y de los diversos contenidos de la materia.
7. Integrar los conocimientos de dibujo técnico dentro de los procesos tecnológicos,
científicos o artísticos, fomentando el método y el razonamiento del dibujo como
medio de transmisión de ideas científico-técnicas o artísticas y sus aplicaciones en la
 vida cotidiana, revisando y valorando el estado de consecución del proyecto o
actividad siempre que sea necesario.
8. Utilizar con destreza los instrumentos específicos del dibujo técnico, valorando la
importancia que tiene el correcto acabado y presentación del dibujo en lo referido a la
diferenciación de los distintos trazos que lo configuran, la exactitud de los mismos, la
limpieza y cuidado del soporte, así como las mejoras que puedan introducir tanto las
diversas técnicas gráficas como los recursos informáticos en la representación.
9. Emplear el croquis y la perspectiva a mano alzada como medio de expresión gráfica y
conseguir la destreza y rapidez necesarias.
10. Conocer y comprender los principales fundamentos de la geometría métrica aplicada
para resolver gráficamente problemas de configuración de formas en el plano,
valorando la importancia que tienen la precisión y la exactitud en la representación de
las soluciones.
11. Comprender y emplear los sistemas de representación para resolver problemas
geométricos en el espacio o representar figuras tridimensionales en el plano.
12. Escoger las construcciones geométricas más adecuadas a cada problema, razonando
en cada caso su aplicación, y elegir el sistema de representación más adecuado para
cada necesidad.
13. Adquirir una visión general para la orientación profesional hacia estudios superiores
relacionados con el dibujo técnico.
14. Interesarse por las tecnologías de la sociedad de la información y por los programas de
diseño, disfrutando con su utilización y valorando sus posibilidades en la realización de
planos técnicos.

Objetivos específicos:

1. Explicar la diferencia entre un dibujo técnico y un dibujo artístico.

2. Realizar, con la ayuda del libro de texto y los instrumentos adecuados (compas,
regla T, cartabones) el trazado de: líneas paralelas y perpendiculares. División de
líneas. Trazado de elipses, parábolas, ejercicios de aplicación.
3. Reconocer la proyección utilizada en los dibujos dados. Explicar las conveniencias y
desventajas de las diferentes proyecciones. Representar un objeto simple en
proyecciones ortogonales e isométricas.
4. Reconocer el acotado correcto o defectuoso de un dibujo dado. Explicar las reglas
básicas de acotado. Acotar dibujos ortogonales y pictorales.
5. Explicar las reglas básicas del seccionado. Distinguir y reconocer los tipos de
secciones en dibujos dados. Emplear la técnica de seccionado en la representación de
objetos huecos simples. Emplear vistas auxiliares en dibujos ortogonales.
6. Explicar las bondades de un sistema CAD. Utilizar el Autocad para producir dibujos
simples en 2 dimensiones.

MARCO TEÓRICO:

Se podria decir que el origen del dibujo nunca tuvo comienzo y nunca tendra final que toda la
vida el ser humano a representado, expresado y comunicado a través del dibujo. Por lo menos
hace 35.000 años, cuando todavia vivian los hombres prehistoricos dejaban rastros de su
vivencia con dibujos tallados en las cuevas, representando o tratando de expresarse por medio
de los dibujos. Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas
las formas de los animales que había observado, logrando representar sus movimientos, la
masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es uno de los primeros practicados por
el ser humano, que siempre ha procurado representar los objetos como sus ojos los veían. El
hombre a través del tiempo deja su huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto
reproduciendo su forma, su tamaño y su volumen, bien por medio de un trazo, como en el arte
egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por el juego de las
sombras y de la luz; este último modo de expresión es ya visible en los frescos de Pompeya y
en los artistas del Renacimiento italiano, como Leonardo De Vinci. En términos generales, este
arte se ha desarrollado en función de las condiciones de existencia de cada época, de cada
cultura y de los progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por
los artistas. Había pasado miles de años y el dibujo había evolucionado substancialmente. Se
había pasado de la composición monotonal y estática de la prehistoria al equilibrio,
minuciosidad y colorido de las representaciones teológicas en templos y santuarios. Ahora
hacia falta detallar la figura de los dioses para agradecerles la esplendor del imperio egipcio.
Los egipcios mayormente sus letras eran dibujos, llamados GEROGLÍFICOS. Mas tarde
encontramos a los griegos, los máximos representantes del equilibrio en el dibujo.
Preocupados por centrarse en la expresión cándida humana, la despojan de todo abalorio o
connotación sobrenatural, consiguen centrarse y obtienen las proporciones consideradas
armónicas hasta el momento. He aquí la unidad y avenencia entre la realidad y la figura. 500
años después, Los romanos aportaron la diversidad que faltaba. Mantener otro imperio sobre
un territorio tan extenso precisaba de un ejercito y una disciplina ejemplar para subyugar a
tantas culturas diversas sobre el mismo mando. Eso, facilitó, en cierta parte, el abandono de lo
artístico y ornamental para acercarse a una doctrina más práctica y útil para esa época; hacían
falta sólidas edificaciones con las que mantener la autoridad sobre los continuos ataques de
los invasores. Obtuvieron en el dibujo el medio para reflejar lo que serían las próximas
construcciones. Surgieron los primeros planos y con ellos nació la arquitectura.
Plan de acción:

La perspectiva lineal es un método de retratar objetos sobre una superficie plana de manera
que las dimensiones se contraen con la distancia. Cada conjunto de bordes paralelos y rectos
de cualquier objeto, ya sea un edificio o una tabla, sigue líneas que finalmente convergen en
un punto de fuga. Normalmente este punto de convergencia está en algún lugar a lo largo del
horizonte, ya que los edificios están construidos al nivel de la superficie plana. Cuando varias
estructuras están alineadas entre sí, como edificios a lo largo de una calle, las cimas
horizontales y los fondos de las estructuras convergen típicamente en un punto de fuga.
Cuando se dibujan ambos frentes y lados de un edificio, las líneas paralelas que forman un lado
convergen en un segundo punto a lo largo del horizonte (que puede estar fuera del papel de
dibujo). Esta es una perspectiva de dos puntos.4 La convergencia de las líneas verticales con un
tercer punto por encima o por debajo del horizonte produce una perspectiva de tres puntos.
La Profundidad también puede ser retratado por varias técnicas, además de la perspectiva
enfoque anterior. Los objetos de tamaño similar deben aparecer cada vez más pequeños
cuanto más lejos están del espectador. Por lo tanto, la rueda trasera de un carro aparece
ligeramente más pequeña que la rueda delantera. La Profundidad puede ser retratado a través
del uso de la textura. A medida que la textura de un objeto se aleja, se vuelve más comprimida
y ocupada, adquiriendo un carácter completamente diferente al de si estaba cerca. La
profundidad también se puede representar reduciendo el contraste en objetos más distantes,
y haciendo sus colores menos saturados. Esto reproduce el efecto de la neblina atmosférica y
hace que el ojo se enfoque principalmente en objetos dibujados en primer plano.
Cronograma de actividades:

Bibliografías:

1492, An Ongoing Voyage. 1992. Washington, D.C.: Library of Congress.

Abad, Gonzalo. 1998. Una serie de pinturas cuzqueñas de Santa Catalina de Siena: historia,
restauración y química. Buenos Aires: Fundación Tarea.

Ades, Dawn. 1989. Art in Latin America: The Modern Era, 1820-1980. New Haven, Connecticut:
Yale University Press.

Adorno, Rolena. 1990. “The Depiction of Self and Other in Colonial Peru,” Art Journal 49: 110-
118.

Adorno, Rolena. 2000. Guaman Poma: Writing and Resistance in Colonial Peru. Austin, Texas:
University of Texas Press/Institute of Latin American Studies.

Der Altertum der Neuen Welt: Voreuropäishe Kulturen Amerikas. 1992. Vienna: Museum für
Völkerkunde.

America Bride of the Sun. 1992. Antwerp: Royal Museum of Fine Arts.

Amerlinck de Corsi, María Concepción. 1999. “Vistas del palacio del virrey en México.” In Los
siglos de oro en los virreinatos de América: 1550-1700, pp. 158-162. Madrid: Sociedad Estatal
para la Conmemoracion de los Centenarios de Felipe II y Carlos V.

Araúz, Reina Torres de. 1980. San Francisco de la Montaña: joyel del arte barroco americano.
Panama: Instituto Nacional de Cultura.
Arellano, Alfonso. 1996. La Casa del Deán: un ejemplo de pintura mural civil del siglo XVI en
Puebla. Puebla: Universidad Nacional Autónoma de México.

Arellano, Fernando. 1988. El arte hispanoamericano. Caracas: Universidad Católica Andrés

Bello.

Armella de Aspe, Virginia and Guillermo Tovar de Teresa. 1993. Escudos de monjas
novohispanos. Mexico City: Gutsa.