Medio de expresión universal de educación artística

Educación artística, pedagogía, enseñanza o aprendizaje del

arte o de las artes son denominaciones para las diferentes
modalidades y metodologías de enseñanza y aprendizaje del arte o las
distintas artes y las instituciones creadas en su torno.
Las principales divisiones de este campo son la educación plástica y
visual (de las artes plásticas -pintura, escultura, arquitectura-),
la pedagogía musical o educación musical (de la música) y
la educación expresiva del cuerpo (de la expresión corporaly las artes
escénicas -mímica, danza, teatro, artes circenses, etc.-) Los
profesionales del arte o «artistas» suelen destacar específicamente en
alguna de ellas por sus condiciones naturales o «talento artístico»; sin
embargo, como en toda profesión o actividad humana, se requiere
de entrenamiento, estudio y constante actualización. Los estudiantes
de las distintas disciplinas artísticas pueden especializarse de forma
extrema en una sola para alcanzar el virtuosismo o buscar su
capacitación en otras, bien próximas o bien muy diferentes, formándose
en nuevas manifestaciones artísticas y pedagógicas, con el fin de lograr
un amplio panorama del campo de la expresión artística.
La educación artística incluye tanto la formación reglada u «oficial» que
se ofrece a los que aspiran a una carrera profesional en el mundo del
arte (que inicialmente se hacía en el entorno gremial de los talleres de
oficios artísticos y posteriormente en el entorno de las academias, frente
al que reaccionó el arte contemporáneo con la formación autodidacta y
el arte alternativo y «bohemio» de los grupos de artistas, las
«secesiones» y los refusés —«rechazados»—) como la formación que
se ofrece a todos los niños y jóvenes en el entorno escolar (con distintas
asignaturas regladas del currículo y con actividades extraescolares o
como educación compensatoria) 1 y la oferta de educación no formal y
animación sociocultural que se pone a disposición de
los dilettanti o amateurs («aficionados») adultos, así como los
programas educativos de museos, centros
culturales, ocupacionales, recreativos, universidades(extensión
universitaria), prisiones, agencias de servicio social e incluso el arte
callejero.

El arte
El arte (del latín ars, artis, y este del griego τέχνη téchnē)1 es entendido
generalmente como cualquier actividad o producto realizado con una
finalidad estética y también comunicativa, mediante la cual se
expresan ideas, emociones y, en general, una visión del mundo, a
través de diversos recursos, como los plásticos, lingüísticos, sonoros,
corporales y mixtos. El arte es un componente de la cultura, reflejando
en su concepción las bases económicas y sociales, y la transmisión de
ideas y valores, inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del
espacio y el tiempo. Se suele considerar que con la aparición del Homo
sapiens el arte tuvo en principio una
función ritual, mágica o religiosa (arte paleolítico), pero esa función
cambió con la evolución del ser humano, adquiriendo un componente
estético y una función social, pedagógica, mercantil o
simplemente ornamental. La noción de arte continúa sujeta a profundas
disputas, dado que su definición está abierta a múltiples
interpretaciones, que varían según la cultura, la época, el movimiento,
o la sociedad para la cual el término tiene un determinado sentido. El
vocablo ‘arte’ tiene una extensa acepción, pudiendo designar cualquier
actividad humana hecha con esmero y dedicación, o cualquier conjunto
de reglas necesarias para desarrollar de forma óptima una actividad: se
habla así de “arte culinario”, “arte médico”, “artes marciales”, “artes de
arrastre” en la pesca, etc. En ese sentido, arte es sinónimo de
capacidad, habilidad, talento, experiencia. Sin embargo, más
comúnmente se suele considerar al arte como una actividad creadora
del ser humano, por la cual produce una serie de objetos (obras de arte)
que son singulares, y cuya finalidad es principalmente estética. En ese
contexto, arte sería la generalización de un concepto expresado desde
antaño como “bellas artes”, actualmente algo en desuso y reducido a
ámbitos académicos y administrativos. De igual forma, el empleo de la
palabra arte para designar la realización de otras actividades ha venido
siendo sustituido por términos como ‘técnica’ u ‘oficio’. En este artículo
se trata de arte entendido como un medio de expresión humano de
carácter creativo.
El arte como medio de expresión
El arte es un medio de expresión. Por medio del arte expresarnos lo que
vemos, lo que vemos, lo que sentimos. Entender el arte es conocernos
nosotros mismos. Por medio delas líneas nos expresamos en forma
escrita, ya en base a escribir sobre nuestros sentimientos o ideas o
dibujar para expresar lo que vemos y sentimos. El arte es uno de los
medios de expresión de la sensibilidad humana, dentro del artes
abemos que hay diversidad, distintas especialidades, unos se expresan
con la música, otros con la pintura, el grabado, la danza, el ballet, la
escultura, y tantas otras. Es la esencia del artista y la diferencia entre
arte y lo que no lo es , el logro de plasmaren su obra, los sentimientos
humanos en ella, el que observando el trabajo nos diga con su lenguaje
universal lo que pensaba, lo que sentía, el que nos haga vibrar con la
misma onda del artista y logre la comunicación que él esperaba ,esa es
la meta y es lo mejor que puedo expresar racionalmente el gozo
espiritual de observar una obra maestra que con fuerza y vigor penetra
los sentidos y nos traslada a mundos surrealistas, a épocas pasadas, a
dolores de tragedias no vividas por nosotros pero que nuestros sentidos
pueden percatar.
Diga las necesidades del arte
El arte es necesario, cosa que lo prueba es que todas las sociedades
han hecho arte, desde la antigüedad, es arte es una necesidad social,
las funciones del arte se ven acentuadas según los individuos. El arte
responde a una doble necesidad individual y a una social, con el arte el
hombre es capaz de captar conocimientos del medio que nos permite
dominarlo y compartirlo con los otros.
El hombre vive en una sociedad que se establece relaciones con otro
individuo y esas relaciones significa compartir y comunicar experiencia
y si vive en comunidad es porque así es más fácil dominar el mundo
circundante, y transformarlo para obtener mayores beneficios para sí
mismo y para el grupo que pertenece, lo que permite el dominio del
medio es la experiencia, el conocimiento que la experiencia ocupa y la
participación de ese conocimiento a la comunidad, la experiencia se
transmite a través del lenguaje, y este es la traducción simbólica de la
realidad, dentro del grupo hay siempre una serie de personas mejor
capacitadas para esa área de abstraer simbólicamente la realidad y
para la tarea de comunicar el conocimiento que su experiencia con la
realidad ha producido, esas personas son los artistas, por tanto, el
artista es uno de los pilares para la evolución de una sociedad. El artista
necesita no solo la destreza mental, sino también una destreza manual.
El arte no puede morir ya que es una necesidad social y un instrumento
social útil, el arte no puede morir, ya que mientras haya sociedad y
sociedades, se suceden unas a otras y en este suceder dan origen
estilos diferentes de funciones del arte, el avance técnico puede generar
nuevos tipos de arte pero automáticamente se le asignara una función
concreta a ese tipo de arte. Como ejemplo aqui os dejo con un poco de
video-arte de Agus Acosta, se titula "Concepto Efimero", "para que
quiero mis pies si tengo alas para volar" (Frida Kahlo), quizas el mejor
concepto de arte y de su necesidad que nos han dejado.
Funciones del arte

 Función mágico-religiosa. Es el uso del arte ligado a los rituales

mágicos para los que se produce. Se cree que esta es la función
principal del arte primitivo.
 Función estética. Impera la función estética cuando la obra de arte
gira en torno al concepto de belleza como, por ejemplo, en la
representación de ideales estéticos de la Antigua Grecia.
 Función ideológica. Se transmiten los pensamiento de un
movimiento (social, político, religioso...) a través de la obra de arte.
Pueden ser los pensamientos del artista o los de quienes han
encargado la obra.
 Función conmemorativa y de promoción. Un arte frecuentemente
usado dentro de la propaganda política para la exaltación de triunfos y
la divinización de figuras históricas como en la Antigua Roma.
 Función pedagógica. Las clases dirigentes, como las órdenes
religiosas durante la Edad Media, encargan al artista representaciones
que ilustren sus mensajes para adoctrinar al grueso de la población
que no sabía leer.

 Función de registro, análisis y expansión de la realidad. El artista

investiga su entorno y muestra la información que ha recopilado a
través de la obra de arte. El estrecho vínculo entre la producción de
arte y su contexto histórico permiten que, aunque el registro de su
entorno no haya sido una prioridad para el artista, a través de las obras
de arte se pueda obtener información de la cultura de la que proviene.

 Función modeladora de la sensibilidad. La contemplación de obras

de arte enriquece y da forma a la sensibilidad artística del espectador.
 Función ornamental. El arte se usa para transformar un espacio.
 Función mercantil. Las obras de arte tienen un valor de cambio y el
arte se convierte en un producto más. Con esta función aparecen
intermediarios que ponen en circulación las obras (marchantes,
galerías, casas de subastas, etc.) y crece la distancia entre el artista y
el público general.
 Función de discriminador social. Cuando se compra arte caro se
adquiere un prestigio directamente relacionado con la capacidad de
pagar grandes sumas por un objeto que es innecesario y que carece
de utilidad aparente.
La pintura
La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos
mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En
este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del
color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de
pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja
de papel, un lienzo, un muro, una madera, un fragmento de tejido,
etc.— una técnica determinada, para obtener
una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar
a una obra de arte según algunos principios estéticos.
El arquitecto y teórico del clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en
un prólogo de las Conferencias de la Academia francesa hizo
una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la historia, el retrato, el
paisaje, los mares, las flores y los frutos».
La pintura es una de las expresiones artísticas más antiguas y una de
las siete Bellas Artes. En estética o teoría del arte, la pintura está
considerada como una categoría universal que comprende todas
las creaciones artísticas hechas sobre superficies. Una categoría
aplicable a cualquier técnica o tipo de soporte físico o material,
incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así como los soportes o
las técnicas digitales.
Los géneros pictóricos
Los géneros pictóricos se suelen clasificar en cuanto a su contenido
temático: retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaj
e y marina, pintura religiosa, mitológica, alegórica, de historia, de
género, etc. No debe confundirse esta con las clasificaciones de la
pintura según su técnica (dibujo, grabado, fresco, temple, óleo,
encáustica, acrílica, mixta, etc.) o soporte (mural, lienzo, papel, etc.
Antiguamente se denominaba “pintores de género” a los que se
ocupaban de un sólo género o subgénero: pintura de paisajes o "país"
(campos, ríos y montañas, follajes, celajes,
marinas, arquitecturas), pintura de flores, de animales, de ropajes, de
joyas, etc. El término tenía un cierto sentido peyorativo, ya que parecía
que el artista que trataba sólo esos asuntos no valía para otros (de
hecho, en la división gremial del trabajo pictórico, se les encargaban
explícitamente esas partes de las obras mayores que firmaban
maestros más importantes), y se contraponía al “pintor de historia”, que
en una sola composición trataba todos esos elementos, incluyendo las
figuras humanas en todo tipo de poses o actitudes). Se había
establecido una jerarquía de géneros, estipulada académicamente. En
el siglo XVIII, "pintor de género" era el que representaba escenas de
la vida cotidiana (temas anecdóticos, como los que ya se habían tratado
abundantemente en la pintura holandesa o por los bamboccianti),
opuesto igualmente al pintor de historia, que trataba
temas religiosos (del Antiguo o Nuevo Testamento, vidas de santos o
escenas alegóricas), mitológicos o históricos (del pasado remoto o más
actuales -en ausencia de fotografía, la pintura cumple un papel de
crónica de acontecimientos-). En cambio, a partir del siglo XIX, al perder
la pintura de historia su posición privilegiada con los cambios estéticos
de la pintura en la Edad Contemporánea, se otorgó igual categoría a las
demás. Durante un tiempo, la "pintura de género" pasó a ser la que, sin
ser "de historia", tampoco podía clasificarse en las principales cuatro
categorías reconocidas (retrato, desnudo -o "academia"-, paisaje y
bodegón -o "naturaleza muerta"-); siendo "pintor de género" el que no
tenía ningún género definido. Finalmente, al eliminar cualquier jerarquía
en la representación artística, se pasó a considerar pintura de género
cualquier obra que represente escenas de la vida cotidiana, al tiempo
que aún se habla de géneros artísticos para designar los diversos temas
que han sido recurrentes en la historia del arte, haciendo así una
síntesis entre los diversos conceptos anteriores.
La pintura religiosa
La pintura religiosa es aquella que tiene como tema las
representaciones de los textos sagrados, especialmente dentro de
los tres monoteísmos. Es un subgénero dentro de la categoría general
de pintura de historia caracterizada, en Europa, por tomar las escenas
que representa del Antiguo o el Nuevo Testamento, así como las vidas
de los santos y otros textos apócrifos cristianos. Es
un género ampliamente desarrollado, que constituye una parte muy
importante de la producción artística de los pintores en determinadas
épocas. La pintura religiosa se desarrolla principalmente en tres
grandes culturas monoteístas: cristianismo, judaísmo y musulmán.
Cada una de estas culturas desarrolla los cuadros de diferentes
maneras.
Mosaico y taracea: el mosaico es la técnica de confeccionar imágenes
mediante el embutido de piedras duras, bien en el suelo o bien en la
pared. Cuando está colocado a modo de pavimento recibe el
término griego de lithóstroton: el revestimiento es aplicado sobre cal,
arena u otros materiales como piedras, guijarros, losas de mármol, etc.
Vidriería: se realiza sobre cristales engarzados en madera, yeso, oro o
plomo, los cuales se van encajando con láminas de plomo,
estañándolos, con una capa de masilla (blanco pintor con aceite de
linaza). Las vidrieras antiguas tienen grisallas, óxido férrico líquido,
aplicado para dibujar con precisión detalles pequeños; hacia 1340 se
sustituyó por el óxido de plata y, a partir de aquí, ya no se hacen cristales
de colores, sino que se colorea sobre cristal blanco. El proceso de
fabricación es por fases: elaboración de un boceto en cartón, corte de
los vidrios, pintura de los mismos, cocción y unión por emplomado.
Azulejería: el azulejo es una baldosa de cerámica vidriada que se usa
como revestimiento de suelos y paredes. Al igual que los ladrillos
esmaltados, tiene su origen en el Oriente Próximo. En España, en el
siglo xv, surgió la variante del alicatado, con tres tipos: cuerda
seca, cuenca o arista. Ese mismo siglo, en Italia, se inició la producción
de losas de mayólica, sobre todo en Nápoles y Faenza, cuyas
composiciones pictóricas tuvieron luego gran éxito en España
y Portugal, así como México y Perú.
Estuco y yesería: el estuco se elabora con pasta de cal (o yeso
blanco), polvo de mármol, arena lavada y caseína, en distintas
proporciones según la época y el lugar. Sus dos principales aplicaciones
son como revestimiento o como decoración, con distintos grosores,
generalmente más compactos para el primer caso y más finos y
maleables para el segundo. Por su parte, el yeso es un sulfato de cal
hidratado, que mezclado con agua forma una pasta de color blanco, que
puede usarse tanto para la construcción como para escultura y relieves.
La principal diferencia entre ambos es que el yeso, al no tener polvo de
mármol, es más frágil y de menor calidad, aunque su valor decorativo
es similar.

Palabras claves de las artes decorativas.

1. "En decoración coloca siempre una pieza controvertida. Dará tema

de conversación a tus invitados". Dorothy Draper.

2. "No existe una casa tan mala que no pueda convertirse en algo que
merezca la pena". Elsie de Wolfe.

3. "Ama el color. Toma riesgos. Sé curioso". Kelly Wearstler.

4. "La arquitectura es el arte de gastar el espacio". Philip Johnson.

5. “No tengas nada en tu hogar que no tenga un uso o que no creas que
es bello". William Morris.

6. “¿Que es el diseño? Un plan para colocar elementos de la mejor

manera y así lograr un propósito en particular.” Charles Eames.

7. "Cuando estoy trabajando en un problema, nunca pienso en su

belleza. Solo pienso en cómo resolver el problema. Pero cuando lo
termino, si la solución no es bella, sé que está equivocada." Richard
Buckminster Fuller.

8. "Las tendencias desaparecen, el estilo es eterno.” Yves Saint

Laurent.

9. En decoración la mujer siempre tiene razón a no ser que el marido

sea gay." Jonathan Adler.

10. "La casa debe ser el estuche de la vida, la máquina de felicidad." Le

Corbusier.

11. "La alegría simple de tomar una idea en tus propias manos y darle
la forma apropiada es emocionante." George Nelson.
12. "Lo funcional es mejor que lo bello, porque lo que funciona bien
permanece en el tiempo." Ray Eames.

13. "El arquitecto debe ser un profeta... Un profeta en el verdadero

sentido del término... Si no puede ver por lo menos diez años hacia
adelante, no lo llamen arquitecto." Frank Lloyd Wright.

14. "Para crear, uno antes debe antes cuestionarlo todo." Eileen Gray.

15. “Si una obra es intensa, válida y tiene una idea potente hará que las
imperfecciones queden en un segundo plano." Alberto Campo Baeza.

Arte de la Antigua Grecia

El periodo arcaico se inicia a finales del siglo VIII a. C. y abarca hasta

comienzos del siglo V a. C. En este periodo se produce una expansión
de la polis griega, instaurándose un nuevo orden ciudadano, con la
tiranía como marco político principal, sistema que pronto desaparecerá
frente al ideal igualitario de ciudadanía del siglo V a. C.

La legitimación de este tipo de mandato ciudadano supone la promoción

de grandes obras públicas, representativas del prestigio del tirano, quien
apoya la creación de edificios civiles y religiosos en las ciudades donde
gobierna, para lo cual manda remodelar su entramado urbano. Esta
actuación tuvo como objeto otorgar a cada urbe una identidad propia, al
tiempo que mostrar su preponderancia sobre el resto de ellas.

Consecuentemente, el arte desempeña en esta etapa un nuevo papel

propagandístico de la tiranía, cuyos gobernantes lo utilizan para
justificar su poder escasamente legitimado. A partir del siglo VI a. C. el
centro político de la polis se convierte en un lugar de gran relevancia
artística, convirtiéndose la plaza pública o ágora en el corazón de las
actividades cívicas de la sociedad. Entre todas ellas sobresale la de la
ciudad de Atenas, impulsada por el legislador Solón y monumentalizada
en la época de los Pisistrátidas.

El culto religioso desempeñó también un papel fundamental en la

sociedad griega de este periodo, de manera que todas aquellas
ciudades que dispusieron de medios económicos suficientes
promovieron la construcción de edificios religiosos en piedra, los cuales
cumplieron un importante papel a la hora de cohesionar las diferentes
clases de la nueva sociedad, menos igualitaria que la de siglos
anteriores.
Se crean ahora santuarios panhelénicos, como Delfos y Olimpia, donde
los distintos tiranos realizan grandes ofrendas votivas para exhibir su
poder, y se fomentan nuevos cultos populares, al tiempo que surgen
mitos relacionados con dioses y héroes locales, lo que incrementa las
identidades políticas de las distintas polis que necesitan sentirse
independientes y destacar sobre el resto.