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Italia y Alemania en la segunda mitad del siglo XVII

TEMA 5

Aria da capo: Una FORMA de ARIA en dos secciones. La primera sección se repite después del
final de la segunda, la cual tiene una instrucción de da capo, creando una forma ABA.

Trío sonata: GENERO instrumental común durante el BARROCO, una SONATA para dos
instrumentos agudos de cuerda, usualmente VIOLIN y un BAJO CONTINUO. Usualmente 4 o más
instrumentistas.

Sonata da camera: SONATA BARROCA, usualmente una SUITE de DANZAS estilizadas, escritas para
uno o más instrumentos AGUDOS (violín) y un BAJO CONTINUO.

Sonata da Chiesa: Obra instrumental BARROCA para ser ejecutada en la iglesia, usualmente de
cuatro MOVIMIENTOS -lento-rápido-lento-rápido y escrito para dos o más VIOLINES y BAJO
CONTINUO.

Concerto: (Italiano concertare, 'llegar a un acuerdo') (1) En el siglo XVII, un ENSAMBLE de


instrumentes o voces acompañados de uno o más instrumentos, o una obra para un ensamble.
(2)Una COMPOSICIÓN en la que dos o más instrumentos solistas o grupo de instrumentos se
contrasta con un ENSAMBLE ORQUESTAL.

Concerto grosso: Obra instrumental que utiliza el contraste de la sonoridad entre un ENSAMBLE
pequeño y un instrumento solista (concertino), usualmente las mismas fuerzas que apareció ante
un TRIO SONATA, y un ensamble grande, RIPIENO o concerto grosso.

Fuga: Es una composición polifónica que tiene su origen en el ricercari, que era la adaptación a
instrumentos del motete durante el Renacimiento. Normalmente es una obra para instrumentos
de tecla, (aunque puede ser para cualquier otro instrumento polifónico o para conjuntos tanto
instrumentales como vocales).
Preludio coral: Una presentación relativamente coral para órgano de una MELODÍA CORAL, usada
como introducción para el canto congregacional o como un interludio en el servicio de la iglesia
LUTERANA.

Italia: El Italia, la opera siguió el genero musical destacad0, mientras que la cantata era la forma
ms importante de la música vocal. Sin embargo, las obras musicales italianas de la época que
recordamos hoy que interpretamos con frecuencia son instrumentales en particular las sonatas y
conciertos de Ángelo Corelli y de sus contemporáneos.

La Opera:

Cuando la Opera se propago por Italia y otros países el centro principal siguió siendo Venecia
cuyos teatros públicos de opera eran famosos en toda Europa. En la segunda mitad del siglo XVII,
la opera estaba asimismo bien establecida en Nápoles y en Florecía y su importancia era reciente
en Milán y otras grandes ciudades. Entre los grandes compositores figuraban Giovanni Legrenzi en
Ferrara y Venecia y Alessandro Scarlatti que era la influencia dominante de Roma y en Nápoles.

La música de cámara vocal:

La cantata se había convertido en la forma clave de la música de cámara vocal en Italia; el centro
de composición de cantatas se encontraba en Roma.

Las cantantas en 1650 constan de muchas secciones breves y contrastantes como vemos en
Lagrime mie de Barbara Strozi.

La Música sacra y oratorio:

Los compositores italianos de la música sacra de la segunda mitad del siglo continuaron cultivando
el antiguo estilo del contrapunto del modelo de Palestrina, junto a los estilos del concertato mas
reciente, con bajo continuo y cantantes solistas, mesclando en ocasiones ambos en una sola obra.
Música de cámara instrumental:

En el ámbito de la música de cámara instrumental, como en el de la opera cantata, los italianos


siguieron siendo los maestros y profesores indiscutidos. La segunda mitad del siglo XVII y primera
del Ssiglo XVIII fue la época de los grandes constructores de violines de Cremona en el norte de
Italia: Nicolo Amati (1596-1684) Antonio Stradivari (1644-1737) y Giuseppe Batolomeo Guarneri
(1648-1744)

Alrededor de 1660 surgieron dos tipos de sonata. La Sonata de manera o sonata de cámara que
comprendía una serie de danzas estilizadas que comenzaban a menudo en un preludio. La sonara
di Chiesa contenía casi siempre movimientos abstractos que incluían a menudo uno o mas
movimientos que utilizaban ritmos de danza de forma binaria.

Alemania y Austria:

En 1648 al final de la guerra de los treinta años, una gran parte de Alemania estaba arruinada y
empobrecida. El sacro imperio romano estaba debilitado y el imperio constaba de casi treinta
unidades independientes dese ciudades libresautogobernadas como Hamburgo y Nuremberg.

Las ciudades e iglesias apoyaban la música. La mayor parte de las ciudades empleaban a sus
propios músicos llamados Stadtpfaifer, que poseían el derecho exclusivo de proporcionar la
música d la urbe.

La Opera:

Los compositores italiano era bien recibidos en las cortes austriacas y alemanas, donde la opera en
italiano ocupaba un lugar central en la vida musical. Además de lo compositores italianos que
hicieron carrera operística en Alemania. Los compositores alemanes adoptaron el genero y en el
siglo XVIII algunos de los compositores de opera italiana fueron alemanes.

Después de algunos experimentos dispersos, la opera alemana tuvo su primera sede en Hamburgo
con la apertura en 1678 del primer teatro de opera de Alemania.

La canción y la Cantata:

Kaiser y sus contemporáneos alemanes compusieron canciones y arias individuales así como
cantatas en italiano y en alemán. El más notable compositor de canciones y cantatas fue Adam
Krieger de Dresde.
La música sacra católica:

En la música sacra, los compositores de las regiones católicas y luteranas siguieron caminos muy
diferentes en respuesta a liturgias y tradiciones distintas en cada una de las iglesias.

El área del sur de lengua alemana que incluía Múnich, Salzburgo y Viena, sede de la capilla
imperial era mayoritariamente católica. Los cuatro emperadores que reinaron allí entre 1637 y
1740 no solo poyaron financieramente a la música sino también la alentaron con su interés y su
participación efectiva como compositores

La música vocal luterana:

Tras los estragos de la guerra de los treinta años, las iglesias e los territorios luteranos de Alemania
restauraron rápidamente sus efectivos musicales. No obstante dentro de la iglesia habían surgido
dos tendencias en conflictos y ambas afectaron inevitablemente a la música. Los luteranos
ortodoxos qué deseaban fijar la doctrina y las formas publicas del culto, favorecieron el uso de
todos los recursos disponibles de la música coral e instrumentos de su oficio.

En contraste los Pietistas hicieron hincapié en la devoción privada y en las lecturas de la biblia
desconfiaron de la formalidad y de las artes elevaras en el culto y prefirieron música y poesías
simples, que expresaban las emociones del creyente individual.