HISTORIA DE LAS ARTES ESCÉNICAS | Bachillerato de artes escénicas

ORIGEN DEL TEATRO

Teatro viene del termino “Theatron” que quiere decir lugar para contemplar, porque en definitiva
¿qué es el teatro sino una representación de historias frente a un público?
Nadie se pone de acuerdo en cual fue el inicio del teatro pero, partiendo de su definición, el chamán
prehistórico fue uno de los primeros actores de la historia; tenía preparación, vestuario y texto para
sus curaciones, cosas que hoy en día faltan en realidad, y un público incondicional, cosa aún más
escasa en la actualidad. El objetivo primordial era la conectividad con la divinidad, elemento base
para la aparición del teatro en todas las civilizaciones.

La tradición teatral en Oriente

En las artes escénicas, sobre todo las teatrales o dramáticas, se observan dos grandes tradiciones: la
tradición oriental o asiática, y la tradición occidental, fundamentalmente europea.
El teatro oriental en general —de la India, China, Japón y el Sureste asiático— tienen ciertas
características en común que lo distinguen claramente del teatro post-renacentista occidental.
• El teatro asiático no surge de la idea de “imitación verosímil de la realidad”, la representación
naturalista es del todo extraña para el arte asiático. Aunque los teatros de los diferentes países
varían, en general son obras de arte unificadas —una realización de la idea del teatro total de
Wagner— que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.
• La formación de los actores, por lo general a través de un largo y arduo proceso, hace hincapié
en la danza, en la expresión y agilidad corporal y en las habilidades vocales más que en la
interpretación psicológica.
• El vestuario y el maquillaje son muy importantes y casi un arte en sí mismos, con todo tipo de
colores e imágenes, así como elementos que poseen un significado específico.
• La estilización se extiende al movimiento, las acciones de la vida diaria se convierten en una
danza o gesto simbólico.
• Los decorados también son estilizados, por ejemplo, el escenario del teatro noh de Japón usa
elementos arquitectónicos y escénicos con significado propio y que no cambian de obra a obra. La
ópera de Pekín tiene una serie de convenciones establecidas en lo que a acciones se refiere: un
largo viaje se indica por un paseo circular sobre el escenario, un actor que corre sobre el escenario
con cuatro trozos de tela representa el viento.
• La teatralidad no se oculta en absoluto, las tramoyas están a la vista del público mientras se
cambia el escenario y se producen los cambios de decorados.
Desde el punto de vista del público, el teatro es participativo, aunque el público no toma parte en la
representación, pero el mero hecho de ir al teatro es una experiencia compartida. Las
representaciones son a menudo largas y los espectadores van y vienen, comen, hablan y quizá sólo
observan sus momentos favoritos de la obra.
El teatro oriental, como otros aspectos de la cultura oriental, fue conocido en occidente a finales del
XIX. Ejerció cierta influencia sobre las ideas de interpretación, composición de guiones y puesta en
escena de algunos simbolistas, de Strindberg, de Artaud, del director ruso Meyerhold y del director
alemán Max Reinhardt así como sobre otros muchos.

EGIPTO
En Egipto practicaban su culto a los muertos mediante danzas y canciones, entre estos ritos destacaba
“Los Misterios de Osiris” que duraba ocho días y, como la morbosidad humana no se inventó ayer,
los días de cartel completo eran los de muerte y resurrección de la diosa.

CHINA
El Teatro chino tiene un origen ritual. En dicha forma, proviene de la India. La manera tradicional
del Teatro chino, con danzas, mimo, acrobacias y cantos, se puede establecer hacia el siglo VI a.C.
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El mayor desarrollo de este Teatro se da durante la Dinastía Yuan (1280-1368) y alcanza un
lucimiento particular con la Opera de Pekín, en el siglo XIX.
En el Teatro chino no existe un género definido. Las obras que se representan son consideradas como
melodramas con final feliz. Se utilizan cuatro tipos básicos de personajes: sheng (masculinos), tan
(personajes femeninos, representados siempre por actores masculinos), chou (personajes cómicos) y
ching (personajes forzudos masculinos, con máscaras de maquillaje).
JAPÓN
En este país se han desarrollado tres formas teatrales que han trascendido al paso del tiempo: Bunraku,
Noh y Kabuki.
• El BUNRAKU es el Teatro de títeres, que en una época se prefirió al representado por actores y
que alcanzó una gran calidad técnica.
• El NOH. Su nombre significa talento o habilidad. Tuvo su esplendor en el siglo XVII, de cuando
datan los primeros textos impresos. Es la forma aristocrática del Teatro japonés. Utiliza grandes
despliegues de escenografía, vestuario y máscaras, con un diseño del escenario diferente al Teatro
occidental. Las obras preferidas del Noh son leyendas y hazañas guerreras japonesas (intervienen
dioses o son bélicas). En las representaciones, los actores cantan, bailan y recitan, de una manera
y con un ritmo muy poco comprensibles para el público occidental.
• El KABUKI, derivado del Noh, es el Teatro popular del Japón. Sus elementos son muy parecidos
a los del Noh, pero los textos, llamados yokyoku, son más accesibles al público.. Cabe aclarar
que, como en China, en el Teatro Japonés participan exclusivamente hombres, quienes
representan incluso los papeles femeninos.
INDIA
El Teatro en la India, escrito en sánscrito, ya en el siglo V a.C. tenía autores importantes, como
Kalidasa (siglo 1 d.C.), que ha influido en Occidente con su pieza “Shakuntala”, la cual ha sido
retomada por algunos autores europeos.
En el Teatro de la India se generó una forma, llamada Kathakali, que nace en el siglo XVII en Kerala,
al sudoeste de la India. El Kathakali se basa en textos mitológicos, como los poemas del Mahabharata
y el Ramayana, libros sagrados hindúes. La particularidad fundamental de este Teatro es que en sus
representaciones no se habla, y los actores desarrollan su expresión a través de un total dominio del
cuerpo, danza, gestos faciales, etc.
ARABIA
Las prohibiciones de la religión islámica no han podido evitar que se represente teatro en los países
que siguen estas creencias. Existen estilos como el Teatro de Pésame, que tiene sentido religioso, y
el del Sultán de los estudiantes, pero el más interesante y popular es el Teatro del Tapete, que consiste
en un largo espectáculo ambulante celebrado sobre un tapete.

Tradición teatral occidental

El teatro, tal y como se entiende Enel mundo occidental, nació en la antigua Grecia entre los siglos V
y VI a.C. Concretamente en su capital, Atenas.
Los ciudadanos atenienses realizaban ceremonias en honor al dios de la vegetación y del vino
Dionisio. Estos ritos evolucionaron poco a poco hasta convertirse en teatro. Siendo así en uno de
los mayores avances culturales de la civilización griega.
TEATRO GRIEGO
El origen del teatro griego se sitúa alrededor de la figura de Tespis (actor, director, dramaturgo) quien
recorría los lugares con su carro de actores hacia la mitad del siglo VI a. de C. Sus actuaciones tenían
que ver con las celebraciones en honor a Dionisos y la fiesta de la vendimia, al principio muy simples
y con un solo actor. Poco a poco se fue complicando la representación: primero colocó a un personaje

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y lo hizo dialogar con el actor original; más tarde situó al coro, monocorde, que tendrá una gran
importancia a lo largo de todo el teatro griego.
El teatro griego presentaba tres clases de obras: tragedias, dedicadas a las leyendas heroicas; dramas
satíricos, en las que se hacía burla de tales leyendas; y comedias que se referían a la vida corriente
en forma de farsa. Las tres empleaban un coro en los intermedios entre escenas y, a menudo, en
medio de éstas. Estaban escritas en verso y empleaban máscaras y, a su vez, las tres estaban
relacionadas con ideas de fertilidad. Las tragedias, las piezas satíricas y las comedias se representaban
como parte de las ceremonias anuales en honor a Dionisos. Aristóteles dice que la comedia nació de
las canciones fálicas, que eran himnos en honor de Falo, dios de la Fertilidad y del ditirambo, o
himno coral que se cantaba a Dionisos.
En líneas generales, la tragedia griega presenta las siguientes características:
• Las representaciones teatrales formaban parte de algunas celebraciones religiosas y, por lo
tanto, las obras se representaban en unas fechas concretas del año.
• Los festivales eran competitivos: se seleccionaban tres poetas trágicos de entre los
concursantes. Cada autor presentaba tres tragedias y un drama satírico.
• El coro: su papel fue disminuyendo a partir del siglo V (danzaban a son de la flauta). Es el
elemento más relevante de la tragedia. La tragedia se constituye sobre la dualidad entre coro-
personaje. El coro permanece en forma semicircular en la orchestra, su función es
principalmente lírica; los personajes están en la escena. El corifeo es el personaje del coro que
habla en nombre de todos.
• Los héroes trágicos están por encima de lo humano; la tragedia los presenta como una
reflexión sobre los límites de la naturaleza humana. De ahí el efecto catártico, de purificación,
de la tragedia.
• Todos los actores y el coro llevaban máscaras adecuadas a su papel (el uso de máscaras
posibilita que los actores jueguen con los papeles: un actor con dos personajes / un personaje
con dos actores). Llevaban coturnos para que se les viera mejor. Los actores y el coro eran
siempre varones, que debían ser ciudadanos atenienses (aunque el personaje fuera femenino).
La tragedia griega se estructura según el siguiente esquema:
1. El prólogo. Parte que precedía la entrada del coro; es un monólogo que explica el
argumento y la situación inicial.
2. La párodos. Canto del coro mientras entra. El coro no se va hasta el final de la obra. El
coro es otro personaje más de la obra.
3. Los episodios. Escenas de uno o más actores junto al coro.
4. Los estásimos. Cantos del coro desde la orchestra. Se intercalan con los episodios.
5. El éxodo. Escena final tras el último estásimo. Salida del coro.

Los principales autores de la tragedia griega son

• ESQUILO.- En sus obras plantea siempre importantes problemas religiosos o morales, como
la imposibilidad del hombre para escapar a su destino. De sus siete tragedias conservadas,
destacan Prometeo encadenado y la trilogía La Orestiada (Agamenón, Las coéforas, Las
Euménides). La Orestiada tiene como tema la venganza de Orestes. Agamenón, el héroe de
la guerra de Troya, es asesinado al regresar a su patria por su esposa Clitemnestra y por Egisto,
con el que aquella se había casado.
• SÓFOCLES.- Limitó la intervención del coro, dando así más acción a las obras. Sus
personajes, aunque heroicos y tomados de la mitología, son arrastrados por El destino sin una
explicación lógica. De sus obras sólo sobresalen Antígona, Electra (sobre el tema de la
venganza de Orestes ya tratado por Esquilo: Electra era hija de Agamenón y Clitemnestra, y
hermana de Orestes) y Edipo rey.

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• EURÍPIDES.- Es autor de tragedias en que los personajes, más humanos y realistas, no se
mueven ya a impulsos de los dioses, sino que obedecen a su conciencia. Entre sus obras
conservadas, diecisiete, destacan Medea, Electra (sobre el mismo tema ya tratado por Esquilo
y Sófocles), Andrómaca e Ifigenia.
Frente a la tragedia, la comedia tenía la función de reflejar las acciones cotidianas realizadas por
tipos comunes con sus vicios y virtudes. En principio tuvo su origen en la burla de los mitos que se
representaban en la tragedia, y estaba constituida sobre todo por obscenidades, burlas y parodias. Los
personajes eran el comilón, el viejo achacoso, el avaro, el tonto, el obseso sexual, etc.
Es Aristófanes quien comienza a desarrollar comedias más formales, si bien remitian a espacios
múltiples y a fantasías no muy ortodoxas. De todas sus comedias sólo nos han llegado nueve. Dos
de las más importantes son Lisístrata, una comedia en la que las mujeres se rebelan contra los afanes
belicosos de sus maridos, y Las aves, donde dos amigos huyen de su ciudad en la cual están acosados
por los impuestos, a un mundo utópico habitado por pájaros, para establecer allí ellos mismos una
tiranía. El otro autor de comedias en Grecia se llamaba Menandro. Nos ha llegado muy poco de su
obra, en fragmentos además, que han permitido reconstruir algunas comedias, pero se sabe que
componía comedias más refinadas que las de Aristófanes, dedicadas sobre todo a la creación de tipos
ridículos en sus vicios y costumbres: el adulador, el desconfiado, el supersticioso, etc.
Un teatro griego estaba constituido por:
El graderío (teatrón ) era el lugar destinado a los espectadores. Solía situarse en las faldas de una
colina, en donde se colocaban gradas de piedra como asiento. Siempre en semicírculo. En Atenas la
primera fila, la más cercana a la escena, estaba
reservada a funcionarios y sacerdotes.
a) La orquesta (orchestra) era un espacio circular
situado entre la primera fila de espectadores y
la escena propiamente dicha; estaba reservada
para el coro, que además de cantar danzaba. A
ella se accedía por unas puertas laterales
(párodos) y en medio había un altar para
Dionisios.
b) El proscenio (proskenion) era una plataforma
de piedra de unos cuatro metros de alto y tres
de ancho, situada en la parte delantera de la
escena y que estaba reservada a los actores. Era
donde se desarrollaba la acción dramática o cómica representada por los actores. Tenía una
pequeña escalera por la que se bajaba a la orquesta.
c) La escena (skene) estaba situada detrás del proscenio, cerrándolo por detrás y por los lados. En
los primitivos teatros de madera la escena no fue más que una barraca de tela y madera donde los
actores se cambiaban. En los teatros de piedra era una construcción de varios pisos que
representaba la fachada de un palacio o de un templo. Contribuía a orientar la voz de los actores
hacia el público.
El teatro griego mejor conservado y el más grandioso es el de Epidauro. Tiene capacidad para 14.000
espectadores y, convenientemente restaurado, es utilizado por la Compañía Nacional Griega para
festivales de verano. Sorprende su magnífica acústica.

TEATRO ROMANO
A pesar de la dependencia que el teatro romano presenta con respecto al teatro griego, muy
especialmente al principio de su desarrollo, lo cierto es que el teatro romano intensifica algunos temas

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del teatro griego y va olvidando otros. Para los romanos pasa a ser el teatro un juego, en contra de la
concepción griega, que lo consideraba un ritual. Con Roma aparece la figura del empresario, que paga
a los actores y autores, y que cobra una entrada al público. Sólo cuando el Estado se hace cargo de
los espectáculos teatrales pasan a ser gratuitos. Los romanos apenas cultivan la tragedia y si lo hacen,
como en el caso de Séneca, no es para representarla, sino para leerla en voz alta en círculos escogidos.
Sin embargo, cultivan con gran fortuna la comedia, crítica de tipos humanos y de costumbres
sociales.
Dos son los autores cómicos principales en Roma: Plauto y Terencio.
• Plauto de origen humilde, era actor hasta que decidió convertirse en comediógrafo con gran
éxito. Sus obras representan personajes ridículos por sus deformidades morales, como el avaro
de Aulularia, o el soldado fanfarrón en Miles gloriosus.
• Terencio, que era un esclavo liberado por su amo debido a su inteligencia y talento, era mucho
más refinado y recibió la influencia de Menandro, el comediógrafo griego. Su obra completa,
más sus traducciones de Menandro, se perdieron en un naufragio.
En la tragedia romana destaca SÉNECA cuyas obras fueron escritas para ser recitadas o leídas y no
representadas, ya que en el siglo I el interés del público por la tragedia había decaído. Las obras de
Séneca (“Las troyanas”, “Medea”, “Fedra”)
El teatro romano se representaba en espacios provisionales: estrados de madera, carros, etc. A partir
del 60 a. C. se construyeron en piedra y mármol, y eran edificios diseñados especialmente para su
finalidad. Los construían desde los cimientos y estaban divididos en dos partes iguales, la mitad
para el escenario y la otra mitad para los espectadores. El escenario estaba cubierto y se ponían
toldos para el público. En España tenemos varios teatros romanos, entre ellos el de Mérida, el mejor
conservado del mundo. Alguno como el de Sagunto ha sufrido una polémica restauración.

A diferencia de sus modelos helénicos, Se edificaban en suelo plano. Contaban con diversas plantas
construidas en mampostería. Buscando mejorar aún más la acústica del recinto teatral, los
arquitectos disminuyeron la orquesta a un semicírculo, y las representaciones se hacían ahora sobre
una superficie algo elevada (pulpitum). Este fue el origen de los actuales escenarios.
Las fachadas de los teatros, denominadas frons scenae, contaban con varios pisos y hacía las veces
de escenario. Las gradas donde se ubicaba a los espectadores (cávea) constaba de tres partes bien
diferenciadas: la Ima, la media y la suma.
La primera zona era la inferior y en ella se ubicaban a la clase dirigente y a los senadores. En la zona
media se sentaban el pueblo llano. La suma o parte superior se destinaba para los esclavos y para las
mujeres. Al igual que en algunos circos romanos, el graderío se podía cubrir con un velum a modo de
gigantesco toldo para proteger del sol.

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Teatro romano de Mérida.

TEATRO MEDIEVAL
Durante la Edad Media surge en toda Europa un teatro religioso, relacionado con las
festividades litúrgicas donde se representan los episodios más importantes de la vida de
Jesucristo (sobre todo, su nacimiento y muerte). Este teatro se representa al principio en el
interior de la iglesia, pero más tarde sale al atrio, con una clara intención de adoctrinar al
pueblo.
De esta manera nacen en Francia:
• los milagros (miracles): breves obras que desarrollan la historia de un pecador que es salvado por
la intervención milagrosa de la Virgen María;
• y los misterios: dramas inspirados en pasajes bíblicos que se representaban durante varios días y
con la participación de gran parte del pueblo.
Por otro lado, existe un teatro profano en el que destacan:
• las farsas: pequeñas obras de carácter cómico y satírico con personajes caricaturescos (el bobo,
el cura glotón, el avaro, etc.) que se representaban en la plaza, en la calle o en un local cerrado;
• las Danzas de la Muerte: en varios países europeos durante el siglo XIV y XV existían unas
danzas macabras en las que la muerte invitaba a diversos personajes a bailar con ella. El tema
central es el poder igualatorio de la muerte, que no distingue entre el poderoso y el humilde, la
joven y la anciana, el religioso y el caballero… Unos y otros se daban la mano para danzar en un
sobrecogedor desfile de todos los estamentos medievales.

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