El Teatro

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DEDICATORIA: A Johnny Mendoza

gran iqueño que aporto al teatro

regional de nuestra ciudad.

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INDICE

PRESENTACIÓN .............................................................................................................. 4

El TEATRO ........................................................................................................................ 5

1.- CONCEPTO ............................................................................................................. 5

2.- ORÍGENES DEL TEATRO ...................................................................................... 6

3.- LOS SISTEMAS SEMIÓTICOS DEL TEATRO .................................................... 12

4.- PRINCIPIOS Y FUNDAMENTOS DEL TEATRO Y LA DIRECCION

ESCENICA………………………………………………………………………………….16

5.- COMPOSICIÓN, ÉNFASIS, MOVIMIENTO Y ACCIONES FÍSICAS ................... 19

6.- CLASIFICACIONES DEL TEATRO ...................................................................... 21

7.- CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL TEATRO ............................................. 24

8.- HISTORIA DEL TEATRO EN EL PERÚ ............................................................... 25

9.- BREVE BIOGRAFIA DE JOHNNY MENDOZA .................................................... 28

CONCLUSIONES............................................................................................................ 29

BBLIOGRAFIA ................................................................................................................ 30

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PRESENTACIÓN

Hoy en día el teatro es una manifestación cultural donde ya no solo

se observa realizaciones de obras netamente clásica, si no también

que las producciones teatrales han marcado nuevas tendencias,

donde podemos ver obras teatrales para niños.

Es importante destacar la labor de los actores cuya personificación

debe llegar al público, donde su papel principal es que logre cautivar

la atención del público.

En el teatro vivimos por un tiempo una realidad distinta y, para eso,

llegamos a algunos acuerdos con los demás sobre cómo entender

esta nueva realidad. Estos acuerdos tienen que ver con quiénes

somos, dónde estamos, en qué momento nos imaginamos que

ocurre la historia que vamos a contar, qué objetos y qué ropa

usaremos, cómo expresaremos que pasamos de un tiempo o espacio

a otro: de pronto, la silla de la casa puede convertirse en un camión;

una casaca, en armadura y con un silbido podemos anunciar que

viajamos de una ciudad a las alturas de un cerro.

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El TEATRO

1.- CONCEPTO: El término teatro procede del griego theatrón, que puede

traducirse como el espacio o el sitio para la contemplación.

El teatro forma parte del grupo de las artes escénicas. Su desarrollo está

vinculado con actores que representan una historia ante una audiencia. Este

arte, por lo tanto, combina diversos elementos, como la gestualidad, el discurso,

la música, los sonidos y la escenografía.

El teatro o dramática se presenta ante los posibles receptores de dos maneras:

mediante la actuación de los actores sobre un escenario delante del público o a

través de la lectura de la obra como si se tratase, por ejemplo, de una novela.

De todos modos, las obras teatrales están concebidas para ser representadas,

y cualquier lectura personal no es más que un ejercicio incompleto, ya que

hemos de prescindir de elementos tales como la música, la iluminación, el

movimiento de los actores.

También se conoce como teatro al edificio o instalación donde se representan

tradicionalmente las obras de teatro. También se incluyen en este ámbito

espectáculos como el ballet, la ópera, monólogos o la pantomima.

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2.- ORÍGENES DEL TEATRO

Los orígenes históricos del teatro están asociados a la evolución de los rituales

relacionados con la caza y con la recolección de frutos y alimentos propios de la

agricultura, que desembocaron en ceremonias dramáticas a través de las cuales

se rendía culto a las divinidades. Estos rituales también sentaban y reflejaban

los preceptos espirituales del grupo social.

 Teatro griego

Los griegos de la ciudad de Atenas celebraban rituales en honor a Dionisio (el

dios que simbolizaba la fecundidad y la vida).A esta deidad se le atribuía la

introducción de la vid (uva) y por eso se le consideraba también dios del vino.

Sus fiestas eran excesivas y apasionadas. En ellas, unos 50 hombres dirigidos

por un jefe constituían un coro que, mediante cantos y danzas, alababan a este

dios y, a menudo, contaban una historia antigua o un mito. A esta celebración se

le nombró ditirambo. Tiempo después, el coro se dividió en semicoros, cada uno

de los cuales respondía al otro y era guiado por un líder llamado corifeo o jefe,

de modo que estos corifeos comenzaron a dialogar entre sí. Un día a tales cantos

alguien respondió con palabras de Dionisio y fue entonces cuando se introdujo

la representación del “propio dios”. Más adelante se invocó a otros dioses o

héroes griegos, surgiendo de esta manera los personajes. Habiendo historia,

diálogos y personajes estamos muy cerca de lo que es el teatro que conocemos

actualmente.

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 Teatro romano

En el siglo IV a.C., la república romana había empezado su expansión y Grecia

terminó siendo absorbida por esta. Los romanos reconocieron el alto nivel

cultural alcanzado por los griegos e intentaron imitarlos en muchos sentidos,

hasta llegar a fusionar fi nalmente esta cultura con la suya. Por eso se suele

hablar de la cultura grecolatina.

Los romanos heredaron la tradición de las últimas comedias griegas; y aunque

sus primeras representaciones también estuvieron ligadas a lo religioso,

terminaron convirtiéndose especialmente en un medio de entretenimiento. Los

más grandes autores de estas comedias romanas fueron Plauto y Terencio.

Asimismo, introdujeron el arco dentro de las construcciones. Con este elemento

arquitectónico, los teatros ya no necesitaron las colinas como apoyo para las

graderías y pudieron ser situados en medio de una manzana o cuadra. La

reducción de la importancia del coro hizo que el área destinada a él, la orquesta,

fuera reduciéndose cada vez más, mientras el espacio de la escena fue

ampliándose.

 El teatro en la Edad Media y l teatro en la Edad Media y el

Renacimiento.

Edad Media (siglos V y XV) Con la caída del Imperio Romano en el 476 d.C.

decae también el teatro clásico grecolatino. La Edad Media se caracterizó por

una influencia muy fuerte de la Iglesia católica en todos los ámbitos de la

sociedad: la censura eliminó el teatro de crítica dura y entretenimiento. El teatro

volvió a vincularse con lo religioso, pero a diferencia de las ceremonias rituales

de los primeros siglos, las ceremonias teatrales medievales tuvieron un objetivo

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muy claro: adoctrinar o enseñar a los pobladores, muchos de ellos analfabetos,

la historia de la Biblia. La celebración litúrgica de la misa es ya una

representación teatral de la muerte y resurrección de Cristo. En la Edad Media

fueron los mismos clérigos los que crearon y actuaron los primeros diálogos entre

personajes importantes de la historia bíblica. Tales representaciones se

realizaban al interior de las iglesias alrededor del siglo X.

El teatro italiano y la Comedia del Arte En Italia, siguiendo la corriente clasicista,

se edificaron teatros al estilo antiguo (tal como habían sido en el Imperio

Romano), pero sobre espacios rectangulares ya existentes; así adquirieron una

forma más parecida a los teatros de hoy (el teatro “a la italiana”). Kermesse

pintura de David Vickboons. Se puede observar el teatro en las calles durante el

Renacimiento. A En la Comedia del Arte los personajes eran arquetipos (tipos o

modelos fijos) definidos por sus máscaras(A) , movimientos (B) y vestuario (C).

Máscaras de la Comedia del Arte. Durante el Renacimiento comenzó un proceso

de recreación del teatro clásico grecolatino. La corriente que persigue el estilo,

las reglas y las formas clásicas (es decir, las de la antigua Grecia) es

frecuentemente llamada corriente clasicista. Sin embargo, al no tener

conocimiento exacto de cómo eran las representaciones en las épocas antiguas,

las obras clásicas se reconstruyeron nutriéndose del teatro que se había hecho

durante esos años y que tenía gran aceptación (el teatro popular,

especialmente). Se descubre la perspectiva con la cual se logra crear la ilusión

de profundidad en las pinturas de los decorados. En los teatros más cultos se

puede ver un gusto especial por el refinamiento clásico, tanto de las formas como

de los textos dramáticos. Sin embargo, en el teatro popular aparece con gran

fuerza la tendencia a la improvisación con la Comedia del Arte.

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 El teatro del Siglo XVI

Comenzó a alcanzar una gran popularidad en todo el mundo, surgiendo carros

ambulantes que ofrecían espectáculos teatrales y anfiteatros creados con el

mismo fin. En este período surgió el teatro nacional, que intentaba mostrar

valores y elementos populares realzando la importancia de lo relativo a la patria.

El español ocupa un lugar importante en este tipo de teatro y en él destacan las

figuras de Lope de Vega, Tirso de Molina y Calderón de la Barca. También en

Inglaterra y Francia el teatro popular cobra gran importancia donde destacaron

las obras de Shakespeare y de Corneille, Racine y Molière, respectivamente.

De este modo, el teatro es una de las disciplinas artísticas que puede

identificarse con el tiempo en el que vive. Las obras teatrales responden al

período en el que fueron creadas y permiten conocer a fondo los aspectos

sociales, culturales y políticos que rodeaban la vida de su autor.

Algunos Nombres Imprescindibles En El Teatro

- William Shakespeare.-Nació el 25 de abril de 1564 en el Reino Unido y se

dedicó a escribir obras de teatro y poesía, además era actor. Su vida ha sido

puesta en entredicho en más de una ocasión, sobre todo su sexualidad, sus

ideas religiosas e incluso la autoría de sus obras. De todas formas, no existen

pruebas que permitan saber si dicho rumor es verdadero, así que de momento

es Shakespeare uno de los autores teatrales de mayor prestigio. Entre sus obras

destacan “Hamlet”, “Romeo y Julieta” y “Otelo”.

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- Lope de Vega es conocido como uno de los autores de teatro español más

importantes de la península. Se cree que compuso más de 1.400 comedias y

unas tantas tragedias. Sus obras se caracterizan por una originalidad poco

común en su tiempo (rechazó el modelo clásico impuesto por los griegos),

ofreciendo un teatro con carácter puramente nacional.

Además rompió con los esquemas aristotélicos que dividían al teatro en comedia

y tragedia y en sus obras fusionó ambos estilos consiguiendo un estilo

absolutamente nuevo y único. En sus obras se resalta el honor del pueblo, de

los viejos y los campesinos, por mencionar algunas: “El mejor alcalde”,

“Fuenteovejuna”, “El villano en su rincón”, “La estrella de Sevilla” y “El Caballero

de Olmedo”.

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Entre los autores teatrales franceses destacan Jean Racine y Molière.

- Jean Racine nació en 1639 y se hizo famoso rápidamente con su tragedia

“Andrómaca”. Posteriormente escribió “Británico”,”Mitrídates” y “Fedra”, entre

otras. Se dice que con Racine la tragedia con un estilo clásico alcanzó su mayor

esplendor, muchos críticos lo mencionan como el autor teatral por excelencia.

Sus obras se caracterizan por presentar una acción clara y sencilla donde los

acontecimientos son consecuencia inevitable de las pasiones de los personajes.

- Molière, por su parte, nació en 1622 en Francia y fue un hombre entregado al

teatro con toda el alma. Recorrió el país junto a una compañía teatral realizando

labores de autor, actor y director durante más de 15 años. Se caracterizó por ser

un hombre con capacidades innatas para el teatro, con una imaginación y una

fuente inagotable de ocurrencias, que le permitieron gozar de gran popularidad,

manteniendo a su público siempre alerta, pendiente de nuevas buenas

representaciones teatrales, donde se les aseguraba la risa y el goce detrás de

personajes irónicos pero sin escaparse del todo del realismo. Entre sus obras

más famosas se encuentran “El misántropo”,”Don Juan” y “El enfermo

imaginario”. Cuando se lo nombra, se habla del universo de Molière, sumamente

rico y realista, mejor que el que cualquier autor haya podido crear jamás.

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3.- LOS SISTEMAS SEMIÓTICOS DEL TEATRO

El teatro es un sistema de signos o, mejor dicho, un conjunto de varios sistemas

de signos (o sistemas semióticos). Los más importantes de ellos son:

1. El texto teatral o texto dramático: Tiene su estructura, su trama, su historia,

sus aspectos miméticos y diegéticos, su semántica, sus personajes, su estilo, su

prosodia (métrica y ritmo), en algunos casos también su rima —aspectos que,

salvando las distancias, pueden analizarse como en los textos de otros géneros

literarios. El responsable del texto es el autor, pero hay que añadir que los

directores de teatro de hoy en día suelen acortar y cambiar el texto original

adaptándolo a su visión de la puesta en escena. A veces estos cambios son

meros retoques, pero otras veces el script de la puesta ya tiene poco que ver con

el texto original. A cambio de lo que ocurre en la música, en la que sí se discute

si es mejor representar una clásica, con instrumentos modernos u “originales”,

pero se suele respetar la partitura de un Mozart o un Chaicovski en alto grado,

en el teatro de hoy, la fidelidad al texto no tiene mucha vigencia.

2. El escenario: Designa al tipo de espacio en que se pone una obra. Hay

muchos tipos de escenario distintos : la calle, el escenario al aire libre, el

anfiteatro, la carpa, el café teatro, la pequeña sala, hasta la sala monumental con

el foso de la orquesta y miles de butacas. El hecho de si una puesta está pensada

para un teatro estudio de 40 espectadores o para una función en la plaza mayor

de una gran ciudad afecta por razones obvias a prácticamente todos los otros

sistemas semióticos ni la escenografía, ni el lenguaje corporal, ni la voz, ni

tampoco el maquillaje pueden ser los mismos.

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3. La escenografía: Se compone a su vez de tres sistemas semióticos propios:

a) el diseño del escenario

b) la luz

c) el vestuario Para el diseño del escenario también se usa el término decorado.

Hay quienes rechazan este segundo término, porque “decorado” suena a mera

función decorativa, y si hubo y hay ciertas épocas y ciertos contextos en que una

puesta tenía y tiene decorado pero no diseño escenográfico llenando el

escenario de muebles y objetos para que no esté vacío, los teatristas actuales

suelen preferir un escenario diseñado al servicio de la visión de la puesta en

escena, y que cada objeto que haya en él tenga su función no solamente práctica

sino también estética dentro de esta visión. El diseño de luces determina qué

tipos de focos se usan con qué intensidad y qué tono en cada momento de la

puesta, y de qué tipo son las transiciones entre un tipo de iluminación y otro.

Estas características se suelen fijar en el guion de iluminación. El vestuario

puede ser histórico, realista, reduccionista (una camiseta y un leotardo negros,

por ejemplo) o puramente fantástico. Otros elementos directamente relacionados

con la escenografía, son el maquillaje y la peluquería. Suele haber una estrecha

colaboración entre los diseñadores de escenografía, luces y vestuario. A veces,

un mismo escenógrafo se encarga de los tres aspectos. Aquí vale lo mismo que

se ha dicho antes: lo que se busca es una óptica, una estética, una visión

conjunta de los distintos elementos escenográficos.

4. El diseño sonoro: Voces en off, canciones, música, ruidos— forma parte del

gesamtkunstwerk teatral. Los sonidos pueden producirse en el acto o, lo que

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suele ser la norma hoy, estar grabados. Hay puestas en escena con música

especialmente compuesta para ellas.

5. El elenco: Cada actor, cada actriz tiene una voz, una cara, una expresión

corporal y un físico propios; tiene cierta edad; ha recibido una determinada

formación y suele tener sus puntos fuertes y sus puntos flojos entre las facultades

que requiere su oficio. Por ello, la selección de actores (el casting) para una

puesta no puede sino condicionar el carácter de esta.

6. Actuación: Mientras que el sistema semiótico anterior se define por las

condiciones y facultades individuales de cada actor y de cada actriz, el término

actuación se refiere a la manera en que se aprovechan estas coordenadas

personales en una puesta en escena. Dicho de otro modo: se refiere a las

características que se les da a la voz, la mímica, la gestualidad, y el movimiento

escénico. Al igual que con la escenografía, que puede ser ilusionista y pomposa

o reducida y prescindiendo de cualquier adorno, también existen distintos tipos

de actuación.

7. La coreografía: No hay que confundirla con la escenografía. Ésta se ocupa

del aspecto del escenario y del carácter y la distribución de los objetos en él,

mientras que la coreografía se ocupa de la posición y los movimientos de los

personajes en el escenario. Una de las teorías a este respecto es el concepto de

la comedia del arte que percibe el escenario como una plataforma mantenida en

el medio por una punta. Cada personaje tiene su peso dramático y social que

prefigura su posición en el escenario. Además, los personajes que están en

escena tienen que mantener la plataforma en equilibrio durante toda la puesta y

cada movimiento de un personaje repercute en el conjunto.

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8. El público: Es un factor importantísimo de la puesta en escena, y también

influye en ella. El público es en parte responsable de que ninguna función de una

misma puesta en escena es idéntica a la que la precede o la que la sigue.

Factores como si la sala está llena o casi vacía, en qué momentos el público se

ríe o aplaude, o interferencias como alguien que está tosiendo constantemente

marcan una función. Aunque existen criterios y métodos de hacerlo, evaluar la

contribución exacta del público en una función es sumamente difícil (Pavis,

Balme).

9. El contexto: Designa el marco geográfico, sociopolítico e histórico de una

obra. El contexto no es algo ajeno a la representación, sino que forma parte

esencial de ella, tanto visto desde el proceso de la puesta en escena (contexto

de la puesta) como también desde la recepción, desde el público (contexto de la

función.

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4.- PRINCIPIOS Y FUNDAMENTOS DEL TEATRO Y LA DIRECCION

ESCENICA.

-Trabajar físicamente a nivel corporal: danza, acrobacia, expresión corporal.

Todo movimiento corporal debe responder a un propósito, no el movimiento por

el movimiento. La energía interna del actor. Trabajo con la dicción: todos los

actores reciben clases de canto. Se trata de seducir con las palabras. Cuando

los actores dicen una oración debe de tener muchos significados, depende de

cómo se diga.

-Hablamos del subtexto: debajo del texto. Lo que subyace al texto, debajo de las

palabras. Se deben evocar imágenes. El actor debe de crear una línea sin

interrupción con esto. Se debe de visualizar todo y transmitírselo a los demás

actores. Nosotros siempre vemos lo que hablamos. Visualizar es actuar con el

trabajo de la memoria, da detalles, es contar con detalles, así se activa la

capacidad de visualizar. Hay dos momentos:

• Acumulación de las visualizaciones.

• Seducir al espectador con la visualización. ¿Cómo se visualiza?: escuchando.

Ver de lo que se habla. Hablar: descubrir imágenes visuales. Hablar al ojo más

que al oído: comunicación visual al describir el contexto, así otros actores ven

las cosas como lo veo yo.

Estudiarme el texto (diálogo) primero por sus contenidos, prospección racional

del papel, se imaginan las situaciones y el texto viene después, tras la

prospección de las acciones físicas. Es igual que el escritor que recopila material

y ofrece una parte de ese material. El actor selecciona también y cuenta lo que

quiere. Un actor debe saber escuchar y convencer. Devolver al interlocutor con

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imágenes la relación y el interés, traspasar las visualizaciones, que vea con los

ojos del actor lo que el actor ve. El actor no se abandona al personaje, se trabaja

con doble perspectiva o doble vida, donde se analizan las acciones. Para captar

a personas que se quieren conmover. No es dejar de ser uno mismo sino que

se debe descubrir el personaje y el ser de uno mismo (del actor): doble

perspectiva. Interpretar un personaje a través de las experiencias de uno mismo.

El tiempo y ritmo de la acción se refiere a la velocidad de la acción. Cuando

aceleramos el tempo es menor. El ritmo es cambio de velocidad y énfasis. Las

circunstancias dadas cambian por el tempo y el ritmo y por el interés de ejecutar

una acción. La lógica y secuencia de una acción: en lo físico con objetos o en lo

emocional con actores que todo tenga lógica. Trabajar con la mecanización de

los objetos para que sean lógicos y reales. Los sentimientos igual: acciones

internas y externas. Lo primero es la atracción, buscarse pretextos, beso, más

demandas, cabreo, ruptura, todo es igual a la secuencia lógica para el mundo

interior y exterior. Caracterización: muchos actores trabajan con clichés, eso es

falso porque el sentimiento exterior es consecuencia del mundo interior. Así se

transmite el exterior construyendo el interior del personaje.

El sentimiento es consecuencia de una acción. Lo interior redunda en el exterior,

trabajarlo = a sostén interno (esqueleto). Trabajando el interior aflora lo exterior.

En las obras no hay descripción de los personajes, por ello hay que hacerlo, sólo

aparecen a veces detalles.

El autocontrol y la terminación: economía de esfuerzo que la emoción recordada

en la tranquilidad provoca. Un actor debe seleccionar su comportamiento ya que

no se pueden transmitir todos los detalles. Por eso hay que eliminar y seleccionar

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el comportamiento clave de los personajes y por la economía del esfuerzo

limpiar del personaje lo superfluo para interactuar con los otros actores y todo en

la acción debe responder a un propósito.

El trabajo emocional: aunque el personaje sea muy dramático, hay que trabajar

con la emoción trabajada en la tranquilidad. Como cuando se cuenta algo

dramático y a pasado, con la tranquilidad de la persona que lo ve venir. No tanta

agitación, sino tranquilidad, porque se seleccionan los detalles y se arma mejor

el discurso.

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5.- COMPOSICIÓN, ÉNFASIS, MOVIMIENTO Y ACCIONES FÍSICAS

Énfasis por la posición del cuerpo en relación al público (de mayor a menor

énfasis)

1) De frente al público.

2) De ¾ frente al público.

3) De espaldas: puede haber razones o reacciones para dar la espalda.

4) De perfil: lo más inexpresivo del ser humano. Más que la espalda en cuanto a

inexpresividad es el perfil porque no se le ve la cara al actor ni el movimiento

facial.

5) De ¾ de espaldas al público.

Énfasis por el área del escenario ocupada (de mayor a menor énfasis)

Basándose en la izquierda y derecha del actor, que es nuestra derecha e

izquierda frente a la película de frente, que también es nuestro mecanismo de

lectura, y el lado derecho pesa más. Distancia respecto al público: más cerca =

mayor dominio y peso; más lejos = se pierde presencia, distancia y tamaño y

menor dominio. Según estas normas hay 6 áreas de actuación.

Bajo - Centro es la que tiene mayor presencia; impone más; está más cerca del

espectador; más ¿estática, atractiva?; domina el eje de composición. Arriba -

Centro se enriquece pero marca el eje menos. Abajo - derecha se pierde dominio

del centro pero hay mayor peso porque está a la derecha. Arriba - derecha más

peso pero menos énfasis que la zona Bajo - Centro

El movimiento debe hacerse simultáneamente con la emisión del texto.

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Un texto fuerte (positivo, con valor, dinámico) requiere movimientos fuertes.

Requiere movimientos débiles si el texto ofrece dudas, depresiones.

Un texto primero puede ser débil y luego fuerte y debe ser acompañado con un

movimiento débil y uno fuerte. Un texto puede convertirse en fuerte o débil si el

movimiento es similar o puede contradecir lo que se está diciendo: me ha

engañado como a una imbecil + movimiento fuerte; o débil al revés.

El movimiento juega con el subtexto, lo que se insinúa: rebelión o refuerzo del

diálogo. En las comedias se utilizan estas contradicciones. Un movimiento fuerte

después de un texto (diálogo) enfatiza el movimiento.

Reglas de movimiento

• Un personaje no se debe de mover mientras se está hablando, pero puede

beber, etc. ya que una acción física no se toma como movimiento.

• Los movimientos deben ser limpios, con sencillez, precisión y completos.

• Los cruces siempre por delante del otro actor salvo que sea una situación de

huída. • Los movimientos deben de ser ligeramente curvos: así se controla la

posición final del actor. La curva si es hacia el frente, la posición final del actor

es más fuerte respecto de quien se mueve. Curva con concavidad al fondo al

contrario (ver por fotocopias).

• Se debe de iniciar el movimiento con el pie que está más cerca del sitio adónde

va a dirigirse el actor.

• Cuando un personaje entra en escena (on) debe entrar hablando o hacerlo

rápidamente nada más entrar (excepción).

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• Cuando un actor abandona la escena (mutis) debe de decir sus dos últimas

líneas cerca de donde va a irse.

• Dos personajes no deben moverse al mismo tiempo y mucho si van en igual

dirección o en direcciones opuestas.

• Cuando un grupo grande de personas se mueven en una dirección conviene

crear en unos pocos un movimiento contrario.

6.- CLASIFICACIONES DEL TEATRO

Clasificación por tipos:

 Tragedia: Es el género dramático tradicional, donde el argumento versa sobre

un asunto desgraciado con un desenlace fatal. En este género intervienen

personajes nobles o heroicos.

 Comedia: Es un género teatral tradicional contrapuesto al de la tragedia,

donde el desenlace es alegre y optimista. Está destinado a despertar la risa

del espectador y está asociado con las clases bajas.

 Drama: Es el género donde se representan acciones de la vida, tratando

asuntos serios y profundos por medio del diálogo. Este género puede dividirse

en: drama histórico, drama isabelino, drama lírico, drama social, drama

litúrgico, drama satírico.

 Tragicomedia: Es la obra que combina el género trágico con la comedia. Se

desarrolló a partir del Renacimiento. No marca diferencias sociales y emplea

diversos lenguajes.

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 Paso: Es una obra dramática corta que trata un hecho sencillo de

tratamiento cómico empleando un lenguaje realista. Se considera el precursor

del entremés.

 Entremés: Es una pieza teatral cómica en un único acto, surgida en España

en el siglo XVI. Solían representarse en los intermedios de las obras

dramáticas y de allí su nombre.

 Monólogo: Es una obra dramática interpretada por un solo autor, aunque

pueden intervenir varios personajes. Se trata de un parlamento único que

puede ser pronunciado en soledad o frente a otros personajes.

 Farsa: Es una obra cómica que a diferencia de la comedia, no necesita tratar

sobre un asunto verosímil o realista.

 Vodevil: Es una comedia en la cual se entremezclan canciones y bailes, con

carácter alegre, frívolo y amoroso. Ganó popularidad en Francia en los siglos

XVIII y XIX.

 Género chico: Es un género español de argumento simple y de poco

contenido, que se desarrolla en menos de una hora en un escenario con un

único decorado.

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Clasificación por tipos de teatro

 Pantoima: Es el tipo teatro físico que se representa sin utilizar la palabra y

empleando el gesto en su sustitución. Para expresar las distintas situaciones

de manera comprensible, este tipo de teatro emplea códigos muy estrictos en

los movimientos. Este tipo teatral es heredero del teatro de pantomima clásico.

 Teatro de títeres y marionetas: Estos tipos de teatro emplean muñecos en

lugar de actores y representan situaciones humanas o animales de forma

análoga a cómo lo harían los actores. Este tipo de teatro generalmente está

destinado al público infantil.

 Teatro de sombras: Este tipo teatral originado en China e India también

emplea muñecos en lugar de actores, con la particularidad de que el público

jamás observa directamente a los muñecos, sino sus sombras que se

proyectan sobre una pantalla que está frente al espectador. Está considerado

como uno de los antecedentes del cine.

 Teatro negro: Este tipo de teatro se sirve de los efectos visuales para lograr

la ilusión de objetos animados. El ojo humano no es capaz de distinguir

objetos negros sobre negro y este es el fundamento del teatro negro. Es un

teatro de manipulación de objetos donde los “titiriteros” están completamente

vestidos de negro y manipulan objetos que son expuestos a luz negra y que

parecen virtualmente levitar por sí mismos. La compañía más famosa en este

tipo de teatro es el Teatro Negro de Praga.

 Teatro callejero: Es una forma de teatro que trata de acercar el espectáculo

teatral a las masas. Es un teatro que se representa en espacios públicos al

aire libre y que puede tener alguna clase de escenografía o prescindir de ella

totalmente. El estilo de representación es diferente al que se emplea en el

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teatro en sala debido al entorno. En estas obras se suele aprovechar el

espacio como parte de la obra y suele ser interactivo. Una de las variantes del

teatro callejero es el teatro invisible, donde el público no tiene conocimiento

de que está presenciando una obra teatral.

7.- CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL TEATRO

1.- Género artístico en el cual una historia o hecho, trágico, cómico e incluso

dramático, es representado por actores y actrices, frente a un público.

2.- En medio de la representación puede hacer uso de recursos como luces,

sonidos e incluso vídeo (en las últimas épocas) a fin de generar atmósferas que

ayuden a la representación que se lleva a cabo.

3.- Igualmente, otra de las características fundamentales del Teatro es el uso de

vestuario por parte de los actores, a fin de representar distintos personajes. No

obstante, en la actualidad la mayoría de representaciones teatrales no

implementan el uso de máscaras.

4.- También el teatro actual hace uso de escenografías y utilería, a fin de ayudar

a representar más realistamente la atmósfera o ambiente en el cual se desarrolla

la obra interpretada por los actores. No obstante, también se encuentra el Teatro

minimalista en el cual se prescinde de la máxima cantidad de elementos

escenográficos y de utilería, haciendo que el actor trabaje sólo con un o máximo

dos elementos.

5.- A diferencia del Teatro hecho en sus orígenes, el actual se representa en

recintos cerrados, los cuales cuentan con un escenario, parrilla de luces, telón,

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tramoya y unas gradas llenas de butacas, dispuestas para el público. No

obstante, el Teatro de Calle sigue siendo un subgénero teatral de bastante

vitalidad, habiendo grupos y compañía cuyo fuerte es precisamente el teatro de

calle.

6.- Otra de las diferencias con el teatro antiguo, que viene además a darle

características al Teatro actual es que aunque el fin último sigue siendo generar

sensaciones en el público, este último ya no interviene en las funciones, sino que

es mero espectador de lo que sucede en el escenario, aun cuando esto lo

conmueva o lo inquiete, gracias al pacto ficcional que establece el público con

los actores.

8.- HISTORIA DEL TEATRO EN EL PERÚ

El teatro peruano En el Perú el proceso teatral ha sido muy parecido al del resto

de Latinoamérica. La primera obra rescatada en el caso de nuestro país se titula

Ollantay. Basada en una leyenda incaica, esta obra no se representó

teatralmente hasta el siglo XVIII, considerándosele un drama colonial.

Pero lo que sí resulta de extraordinaria importancia, por las implicaciones que

tuvo para los espectadores del s. XVIII, es que en el desenlace el perdón para

Ollanta y logra identificación y simpatía hacia la fi gura del inca representante de

la unidad del pueblo indígena, la reafirmación de su cultura y el reconocimiento

de su actual líder Túpac Amaru II, y por extensión, a las luchas anticoloniales

que encabezó.

Esta obra narra la historia de Ollantay, un reconocido guerrero del Imperio

Incaico que se enamora de la hija del Inca Pachacútec, llamada Cusi-Coyllur

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(Estrellita Alegre, en quechua). Las leyes incaicas prohibían la unión de un

miembro de la nobleza con alguien del pueblo, de modo que los jóvenes

consuman su amor en secreto y engendran una hija, Ima-Sumac (La más bella).

El Inca, al enterarse, ordena que los separen y los castiguen, originando con esto

la rebelión de Ollantay contra el Imperio y sus leyes de diferenciación. La obra

termina, sin embargo, con un fi nal feliz en el que Túpac Yupanqui, Inca que

asume el mando tras la muerte de Pachacútec, les otorga su aprobación.

Durante el siglo XIX destacan las figuras de Felipe Pardo y Aliaga y Manuel

Ascensio Segura, quienes inician la comedia costumbrista, la cual retrata las

costumbres típicas de la sociedad limeña de esos tiempos. La obra más conocida

de Segura es Ña Catita. Años después aparece Leonidas Yerovi, quien escribió

obras muy representativas del costumbrismo como La salsa roja, La de cuatro

mil y Domingo siete. Durante la primera mitad del siglo XX se crean en Lima

varias escuelas y salas de teatro, muchas vinculadas a universidades

importantes: el Teatro de Arte en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos,

la Escuela de Teatro de la Pontifi cia Universidad Católica del Perú, la Escuela

Nacional de Arte Escénico, la Asociación de Artistas Aficionados. Surge la fi gura

de Sebastián Salazar Bondy (Amor gran laberinto, El fabricante de deudas, Algo

que quiere morir y Flora Tristán).

En la década de 1950 una obra peruana de Enrique Solari Swayne resuena a

escala internacional: Collacocha.

“El año de 1956 publica ´Collacocha´, obra representada en 1958 por la

Asociación de Artistas Aficionados. Bajo la dirección de Ricardo Roca Rey y con

la interpretación protagónica de Luis Álvarez, fue uno de los más grandes éxitos

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del teatro peruano de hace unas décadas. El realismo directo de los diálogos,

así como el idealismo peruanista de sus personajes hicieron que se impusiera

en el Primer Festival de Teatro Panamericano en México, colocando a su autor

en un lugar privilegiado en la dramaturgia latinoamericana.

Entre las décadas de 1960 y 1970 los acontecimientos históricos del país y del

mundo llevaron a la aparición de un tipo de teatro en el que la temática social era

parte esencial del quehacer artístico. Las infl uencias de los teóricos del teatro

de fuera como Stanislavski, Brecht y Grotowski, se hicieron notar en el Perú.

Algunos grupos se acercaron más al realismo psicológico o a la idea de la refl

exión para el cambio social, como lo planteaba Brecht. Otros reelaboraron la

búsqueda del retorno al ritual en el sentido planteado por Grotowski, pero

incorporando las raíces culturales peruanas. La crisis económica y política de los

decenios de 1980 y 1990 provocó una reducción de la producción teatral. No

obstante, el teatro continuó siendo una necesidad cultural presente en nuestro

país y hoy ha podido resurgir con diferentes propuestas. Cuando representamos

una obra teatral en el colegio, cuando participamos de una fi esta popular (como

La Candelaria o el Colluriti), cuando vemos el teatro de la calle, estamos siendo

parte de la historia del teatro en el Perú.

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9.- BREVE BIOGRAFIA DE JOHNNY MENDOZA

Johnny Mendoza Torres, uno de los

más incansables impulsores del

arte de las tablas en nuestra región

y país. Originario del barrio La

Esperanza, nuestro ilustre

personaje se tropezó con una de

sus más grandes pasiones siendo

estudiante del Colegio “José Toribio

Polo”, llegando a integrar el Elenco Teatral “Campiña Iqueña” que dirigía el

profesor Ricardo Vila Balbín.

Imbuido por la escuela campiñista, Mendoza decide abrazar la carrera actoral

convirtiéndose en alumno de la Escuela Nacional de Arte Dramático, recibiendo

así las llaves para ingresar con éxito a las ligas mayores de la actuación en el

cine y la televisión. Sin duda, su participación como el malo de la película en

“Pantaleón y las visitadoras” (1999), obra de Mario Vargas Llosa llevada al cine

por Francisco Lombardi, lo lanzó al estrellato, permitiéndole actuar

posteriormente en diversas películas y series televisivas peruanas como “No se

lo digas a nadie”, “Al fondo hay sitio”, “Obsesión”, “Malicia”, “Los

choches”, “Pirañitas”, entre otras. Pese a su recargada agenda actoral,

Mendoza siempre se daba tiempo para difundir el teatro en su tierra natal, Ica,

organizando talleres de actuación en los meses de verano y montando diversas

obras para niños, cuya campaña motivacional la denominaba “Vamos al teatro”.

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CONCLUSIONES

 El teatro ha tomado gran importancia desde la antigüedad

hasta la actualidad, las interpretaciones teatrales, han

tenido el fin de concientizar y a la vez entretener al público.

 El teatro en nuestro país, ha tenido gran acogida ya que

no solo se ha tomado un tipo de teatro especifico,

podemos decir que hoy en día el público puede elegir

diversas obras teatrales ya sea de comedia, infantil y los

monólogos que últimamente han tomado más aceptación

del público.

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BBLIOGRAFIA

El actor en el siglo XX. Barcelona: Gustavo Gili. ASLAN, Odette.

1979

Origen y presencia del teatro en nuestra América. La Habana: Ed.

Letras Cubanas AZOR, Ileana 1988.

Historia social del teatro (2 volúmenes). Madrid: Guadarrama

BERTHOLD, Margot 1974.

Diccionario de Teatro, Dramaturgia, Estética y Semiología.

Barcelona: Paidós. PAVIS, Patrice 1996.

El teatro en América Latina. Gran Bretaña: University Press,

Cambridge. VERSÉNYL, Adam 1996

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