Fichas Artistas

Maurice Utrillo
(1883-1955) Pintor francés, fue hijo del la pintora Suzane Valadon y el bohemio Boissy pero tuvo el apellido
de un pintor español llamado Miguel Utrillo quien años después lo reconoció como hijo. Antes de saberse
Campos Melo Sanai Gesareli | Grupo: 2842 | Ficha: Mixta
aficcionado a la pintura era un hombre alcohólico y fue este problema el que condicionó su trayectoria vital y
pictórica ya que visitaba centros de salud frecuentemente.
Cuando inició en la pintura, imitó las formas impresionistas de Sisley, Pissarro y Raffaelli pero más
adelante, en 1902, comenzó a pintar paisajes sórdidos (indecentes, sucios, maliciosos) de acuerdo a su estado
de animo. En el año de 1907 inició en la denominada “etapa blanca”, dejando atrás el impresionismo, épocas
en las que predominaron los tonos rojos y azules.
“Hacia 1909, comenzó a exponer en muestras colectivas; en el Salón de Otoño exhibió su obra El
pont de Notre-Dame; en 1912 expuso en la Galería Drue, y en el Salón de Otoño mostró Rue à Sannois y Rue
au Conquet. Sus primeras exposiciones en solitario datan de 1913, en el Salón de los Independientes y en la
Galería Blot, en la que presentó alrededor de treinta cuadros”.
Desde aquel momento, sus obras comenzaron a hacerse cada vez más famosas y fue así se lograron
exhibir en salas muy presyigiosas, para 1925 ya era considerado uno de los 5 pintores más celebres de Paris.
En 1935 se unió en matrimonio con la pintora Lucie Valore y fue ella quien le aportó serenidad a su vida y
favoreció una intensa producción que no sólo se limitaba a lienzos sino que también elavoró decorados y trajes
para representaciones teatrales.
Título: La Maison Bernot

Autor: Maurice Utrillo
Año: 1924
Técnica: Óleo
Tamaño: 100 x 146 cm
Localización: Paris
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Bibliografía: S/A. (2004-2018). Maurice Utrillo. México: Biografías y vidas: la enciclopedia biográfica en línea. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biogra-
fia/u/utrillo.html
Chaim Soutine
(1894-1943) Pintor francés de origen lituano. En 1911 fue a Paris y ahí conoció a Modigliani y se intereso por
Rembrandt y Courbet. “Empezó pintando naturalezas muertas, pero tras sus estancias en Céret y Cagnes
descubrió el paisaje, que plasmó con gran intensidad lírica, formas violentas y colores vívidos. A partir de 1922
pintó naturalezas muertas con animales sangrantes, en clara referencia a Rembrandt, y las series de los criados,
de los clérigos, etc., representados con un crudo realismo psicológico y enérgica pincelada”.
Su obra fue definida como expresionista. “Nunca fue capaz de pintar si no tenía el modelo delante.
Pintaba de un modo frenético, como poseído por un ataque de fiebre, precipitando los colores sobre la tela.
Recorría las carnicerías de París en busca de la gallina que tuviera la tonalidad y el aspecto adecuados a lo que
él quería representar. En una ocasión adquirió y trasladó a su estudio un buey entero, muerto, dedicándose a
pintarlo hasta que el hedor de la carne putrefacta alertó a los vecinos primero, y a las autoridades después”.
Título: The Village

Autor: Chaim Soutine
Año: 1923
Técnica: Óleo
Tamaño: 73.5 x 92 cm
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Bibliografía: S/A. (2004-2018). Chaim Soutine. México: Biografías y vidas: la enciclopedia biográfica en línea. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biogra-
fia/s/soutine.htm
Moise Kisling
(1891-1953) Pintor de ascendencia judía, nació en Cracovia. Fué miembro de la Escuela de París, su obra se
caracterizó por un nítido dibujo y brillante colorido. Estando en París, se transladó en 1910 a la capital
francesa y se alistó como voluntario en la Legión Extranjera al comenzar la Primera Guerra Mundial. En ese
momento él fue gravemente herido y fue así que logró la ciudadanía francesa.
“En Montparnasse, Kisling se integró en la comunidad de pintores de gran renombre que residían
en aquella época, en el famoso barrio parisino y que formaron parte de la citada Escuela de París. Y fue en este
barrio donde encontró a su musa y modelo, Kiki de Montparnasse, que lo había sido para un buen número de
pintores, posó para él en sus más desnudos, amén de numerosos retratos”.
En 1927 abrió un estudio en Montparnesse y fue por esa época que se hizo amigo de Modigliani a
quien le pintaría uno de sus mejores retratos. Kisling practicó un expresionismo muy cercano al de Marc
Chagall en sus paisajes pero pronto se haría experto en los desnudos femeninos y en los retratos con detalles
surrealistas.
Título: Retrato con un collar

Autor: Moise Kisling
Año: 1930
Técnica: Óleo
Tamaño: 41.2 x 33.3 cm
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Bibliografía: S/A. (2017). Moise Kisling: Expresionismo y Escuela de París. México: Pintura. Recuperado de https://trianarts.com/moise-kisling-expresionismo-y-escue-
la-de-paris/#sthash.SSVr6wJZ.dpbs
Henri Matisse
(1869-1954) Pintor francés y máximo representante del fauvismo. “El 20 de marzo de 1906 se inauguraba en
los grandes invernaderos de Cours-la-Reine, en París, una nueva edición del Salón de la Sociedad de Artistas
Independientes. Aquella exposición supuso el primer gran éxito de Matisse y su consagración como pintor y
como cabeza visible de un nuevo movimiento. Los lienzos del artista causaron sensación: de gesto espontáneo
y color puro, su obra daba las pautas de un estilo nuevo, lleno de vigor expresivo y que se negaba a ser una
mera imitación de la naturaleza”.
En 1908 quiso transmitir sus ideas a los jóvenes artistas y abrió una academía, la cual sólo
mantuvo hasta 1911. Realizó su primera exposición en Nueva York, en la galería Alfred Stirglitz. “En los
últimos años de su vida, que pasó en Niza, los reconocimientos a su trabajo fueron incesantes: el Museo de
Lucerna organiza su primera gran exposición antológica, con más de trescientas obras; recibe el premio de la
Bienal de Venecia (1950); se inaugura una retrospectiva en el Museo Nacional de Tokio (1951) y en el Museo
de Arte de San Francisco (1952), y se abre un museo dedicado a su obra en su ciudad natal”.
Título: La Danza
Autor: Henri Matisse
Año: 1909
Técnica: Óleo
Localización: Rusia
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Bibliografía: S/A. (2004-2018). Henri Matisse. México: Biografías y vidas: la enciclopedia biográfica en línea. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biogra-
fia/m/matisse.htm
Maurice de Vlaminck
(1876-1958) Pintor francés. Los experimentos pictóricos realizados junto a André Derain, unidos a los de
Henri Matisse, desembocaron en el fauvismo, movimiento del que fue el más radical exponente. Trabajó
principalmente paisajes, bodegones, cuadros de flores y retratos. De Maurice de Vlaminck puede afirmarse que
encarnó el verdadero espíritu fauvista. Rebelde y contestatario, años más tarde, rememorando aquella época,
diría de sí mismo: "Yo era un bárbaro tierno." Si el carácter sereno de Matisse transformaba el color en un
elemento de gozosa sensualidad, Vlaminck lo utilizaba como un arma que arrojar contra la tradición. De
carácter vehemente y apasionado, le movía una arrogancia airada que le llevaba a repudiar los museos y a
extraer del color toda la fuerza expresiva. Con Vlaminck la pintura se convierte en trasunto de una vitalidad
incontenible: "Cuando tengo la pintura en las manos, es la vida y yo, yo y la vida." Con estos planteamientos,
sus paisajes son productos surgidos de la pasión.
Título: Restaurante de la Machine

Autor: Maurice de Vlaminck
Año: 1905
Técnica: Óleo
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Bibliografía: S/A. (2004-2018). Maurice de Vlaminck. México: Biografías y vidas: la enciclopedia biográfica en línea. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/-
biografia/v/vlaminck.htm
André Derain
(1880-1954) El pintor francés André Derain fue uno de los principales protagonistas de la corriente fauve y
una de las figuras más destacadas del movimiento moderno. En 1898 abandonó sus estudios de ingeniería
para dedicarse a pintar. En un principio, Paul Cézanne ejerció una fuerte influencia sobre su pintura y más
tarde se sintió fascinado por la obra de Vincent van Gogh expuesta en la Galerie Bernheim-Jeune. Bajo la
influencia de la pintura de Paul Signac, Derain aplicaba los colores puros, sin mezclar, sobre un lienzo de
preparación blanca, con una pincelada de pequeños toques gruesos y cuadrados que daban a la superficie
pictórica un aspecto de mosaico. La presentación de las obras de Derain junto a las de Matisse, Vlaminck y
otros jóvenes artistas, en el Salon d’Automne de 1905, les valió el calificativo de fauves (salvajes) por parte
del crítico Louis Vauxcelles.
En 1906 comenzó a relacionarse con el grupo intelectual de Montmartre (Max Jacob, André
Salmon, Guillaume Apollinaire) y en 1907 entabló amistad con Georges Braque y Pablo Picasso, con los que
compartía su nuevo interés por el arte primitivo, que influyó en sus esculturas en piedra. En 1908 destruyó
gran parte de su obra para concentrarse en una serie de paisajes en los que partía del constructivismo de
Cézanne y de una cierta influencia del incipiente cubismo de Braque y Picasso.
Después de pasar cuatro años en el frente durante la Primera Guerra Mundial, su pintura se hizo
más clásica, bajo la influencia de Jean-Baptiste-Camille Corot y de los grandes maestros del clasicismo.
Título: El puente de Charing Cross

Autor: André Derain
Año: 1906
Técnica: Óleo
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Bibliografía: S/A. André Derain. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/derain-andre.
Georges Rouault
(1871-1858) Georges Rouault fue un pintor francés con un estilo tan personal que se le denomina como
expresionista. Desde luego sus cuadros expresan, sobre todo emociones. Esta emocionalidad, unida a sus
bruscos contrastes cromáticos son dos de los rasgos más característicos de su obra pictórica.
De familia parisina muy pobre, Rouault empezó en esto del arte como aprendiz de vidrieras.
Quizás por ello sus cuadros parecen vidrieras, con sus contornos de color negro y sus colores intensos. Pronto
se inicia en las Bellas Artes de mano de Gustave Moreau, y descubre también a Van Gogh, una de sus
mayores influencias.
Rouault era un ferviente católico y en sus cuadros hay numerosas pinturas religiosas, aunque no
dejaba de lado sus Prostitutas, sus payasos y otras figuras marginales pintados en tonos sombríos pero
intensos.
En su obra quiso denunciar la crueldad, la hipocresía y el vicio, tres rasgos típicos del ser
humano. Con sus cuadros mostró la fealdad y la depravación de la humanidad. Rouault era un misántropo
en muchos sentidos, aunque por alguna razón era el ser humano el principal protagonista de su obra El
propio autor afirmo: dijo: «Un árbol contra el cielo posee el mismo interés, el mismo carácter, la misma
expresión que la figura de un ser humano».
Título: Payaso tragique

Autor: Georges Rouailt
Año: 1911
Técnica: Óleo y gouache
Tamaño: 38 x 27 cm
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Bibliografía: S/A. Georges Roualt. Historia del Arte. Recuperado de https://historia-arte.com/artistas/georges-rouault
Amadeo Modigliani
(1884-1920) Pintor y escultor italiano. Cursó estudios de arte en Florencia con Giovanni Fattori (1902) y en
Venecia (1903). En el año 1906 atraído por la pintura de Toulouse-Lautrec, viaja a París, donde conoce a
Pablo Picasso, Jean Cocteau y otros. Llevó una vida temeraria, que poco a poco le fue mermando la salud.
Influido por el fauvismo y también por el escultor rumano Constantin Brancusi, sus primeras obras son
esculturas inspiradas en las máscaras africanas. Su pintura se caracteriza por la simplificación, con líneas
sinuosas, formas planas y proporciones alargadas.
La mayor parte de su obra la integran retratos y estudios de la figura humana caracterizados por
los rostros ovalados. Su primera exposición individual se realizada en la galería de Berthe Weill, y es
clausurada por la policía a causa de unos desnudos calificados de inmorales que se mostraban en el
escaparate de la sala.
Consumido por la enfermedad, tras una semana de terrible agonía en que la pareja permanece
recluida en su estudio, sin comida y sin solicitar ayuda a nadie, el pintor muere el 24 de enero de 1920 de
meningitis tubercolosa en un hospital de París. A las pocas horas, su compañera, que se encontraba ya en el
octavo mes de gestación, se suicida arrojándose desde la ventana de su piso.
Título: Retrato de Beatriz

Hastings
Autor: Amadeo Modigliani
Año: 1915
Técnica: Óleo
Tamaño: 81 x 54 cm
Localización: Nueva York
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Bibliografía: S/A. Amedeo Modigliani. Busca Biografías. Recuperado de https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/84/Amedeo%20Modigliani
Ernst Kirchner
(1880-1938) Fundador y principal impulsor del grupo expresionista alemán Die Brücke (El Puente), Ernst
Ludwig Kirchner comenzó a pintar de forma autodidacta al tiempo que estudiaba arquitectura en la
Technische Hochschule de Dresde, en la que obtuvo el diploma en 1905. Su interés por el arte primitivo, que
contemplaba en el Museo Etnográfico de Dresde, se vio reflejado tanto en su obra como en los muebles y
murales que fabricó para el estudio que compartía con Heckel en una antigua carnicería del barrio obrero de
Friedrichstadt.
En octubre de 1911 se trasladó a Berlín, donde pintó sus obras más significativas y comenzó a
tener un cierto éxito que le llevó a ser seleccionado para el Armory Show, exposición de arte europeo
contemporáneo celebrada en Nueva York en 1913. Fruto de sus contactos con los componentes del grupo
expresionista de Múnich, los miembros de Die Brücke fueron incluidos en la exposición de Der Blaue Reiter
(El Jinete Azul) de 1912.
Su obra mantuvo siempre la simplificación formal expresionista y el uso arbitrario del color.
Como los demás pintores de Die Brücke, evolucionó desde un primer momento de influencia de Van Gogh a
un estilo más sintético y bidimensional, de pinceladas gruesas, y una mayor autonomía del color. Su
temática estuvo en un principio dedicada al paisaje, con o sin figuras, y al desnudo, y más tarde se centró en
el ajetreo de las calles berlinesas de las que, entre 1912 y 1914, pintó unas memorables escenas. En Suiza
volvió la pintura de paisaje de un creciente misticismo.
Título: Street Berlin

Autor: Ernst Kirchner
Año: 1913
Técnica: Óleo
Tamaño: 120.6 x 91.1 cm
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Bibliografía: S/A. Ernst Ludwig Kirchner. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/kirchner-er-
nst-ludwig
Schmidt-Rottluff
(1884-1976) Karl Schmidt fue uno de los protagonistas del primer movimiento pictórico expresionista
alemán. En la Escuela de Chemnitz coincidió con Erich Heckel y, en 1905, siguió sus pasos y se trasladó a la
ciudad de Dresde para estudiar arquitectura y pintar de forma autodidacta. Junto a Heckel, Ernst Ludwig
Kirchner y Fritz Bleyl creó en 1905 el grupo expresionista Die Brücke (El Puente), con la intención de buscar
un nuevo lenguaje pictórico que rompiera con el pasado.
Fue entonces cuando el joven Karl Schmidt añadió a su nombre el de su lugar de nacimiento y se
convirtió en Schmidt-Rottluff. En los veranos de 1907 y de 1912 fue con Heckel a pintar a Dangast, y en
1911 siguió a sus compañeros en su traslado a Berlín, donde residió el resto de su vida.
Su estilo expresionista, de pincelada vigorosa y brillante colorido, evolucionó desde un primer periodo bajo
la influencia de Van Gogh hacia formas más planas y sintéticas. Como sus compañeros, realizó numerosas
xilografías y fue el primero de ellos en experimentar asimismo con la litografía.
Título: Portrait of Emy

Autor: Schimidt-Rottluff
Año: 1919
Técnica: Óleo
Tamaño: 71.9 x 65.4 cm
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Bibliografía: S/A. Karl Schmidt-Rottluff. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/schmidt-rottluff-karl
Erich Heckel
(1883- 1970) El pintor y grabador alemán Erich Heckel fue uno de los fundadores en Dresde del grupo
expresionista Die Brücke (El Puente) y uno de sus miembros más activos. Recibió clases de pintura y dibujo
en Chemnitz, donde conoció a Karl Schmidt-Rottluff. En 1904 se trasladaron juntos a Dresde a estudiar
arquitectura en la Technische Hochschule, donde coincidieron con Ernst Ludwig Kirchner y Fritz Bleyl.
Tanto Heckel como el resto del grupo se entusiasmaron por el arte del holandés, cuya influencia sería
evidente en sus obras hasta 1910.
Con la llegada del nazismo sus obras fueron confiscadas y diecisiete de ellas expuestas en la
tristemente famosa exposición Entartete Kunst (Arte degenerado). Su inicial estilo expresionista, dentro de
las pautas marcadas por Die Brücke, estuvo centrado siempre en el paisaje con o sin figuras. Realizó también
numerosos grabados en madera de gran simplificación formal. En los años veinte evolucionó a formas más
cercanas a la Neue Sachlichkeit (nueva objetividad), y el color fue dando paso a una mayor importancia del
grafismo. Durante sus últimos años volvió a un tipo de pintura expresionista, formal y cromáticamente
menos agresiva y violenta que la de su primera época.
Título: Blankenese
Autor: Erich Heckel
Año: 1910
Técnica: Óleo
Tamaño: 68.5 x 80 cm
Localización: Alemania
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Bibliografía: S/A. Erich Heckel. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/heckel-erich
Max Pechstein
(1881-1955) El pintor expresionista alemán Max Pechstein comenzó su formación como aprendiz de
decorador en Zwickau y en 1900 se trasladó a Dresde para estudiar en la Kunstgewerbeschule. En 1906
conoció a Erich Heckel y a través de él entró a formar parte del grupo Die Brücke junto a Ernst Ludwig
Kirchner y Karl Schmidt-Rottluff. En 1907 recibió una beca para visitar Italia, y posteriormente estuvo en
París, donde conoció al grupo fauve y convenció a Kees van Dongen para colaborar con Die Brücke. A su
regreso a Alemania, trasladó su residencia a Berlín, donde también iría el resto de componentes del grupo
tres años más tarde.
En la capital germana, Pechstein vio la posibilidad de aumentar sus encargos, que se materializa-
ron en la decoración de numerosas casas particulares y en el diseño de vidrieras. Paralelamente, su obra
comenzó a recibir reconocimiento público, adelantándose en esto al resto del grupo.
Con la llegada al poder en 1933 del partido nacionalsocialista, Pechstein fue obligado a abandonar su trabajo
como pintor y cesado como profesor de la Preussische Akademie der Künste, donde trabajaba desde 1922.
También fue incluido por el régimen nazi en la exposición muniquesa Entartete Kunst (Arte
degenerado) y su obra fue retirada de los museos estatales. Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial,
Pechstein fue rehabilitado en su puesto de profesor y recibió un gran número de reconocimientos por su
obra. Murió en Berlín Occidental en 1955.
Título: Chica en el sofá verde con un gato

Autor: Max Pechstein
Año: 1910
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Bibliografía: S/A. Max Pechstein. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/pechstein-max
Emil Nolde
(1867-1956) Pintor pionero del expresionismo alemán Emil Hansen cambió su apellido por el de su lugar de
nacimiento, Nolde, en la provincia de Schleswig. En 1898 su destino fue Múnich, donde pretendía dedicarse
plenamente a la carrera de pintor. Estudió en diversas academias privadas y durante 1899 residió en París,
donde asistió a la Académie Julian y se sintió fascinado por la obra de Vincent van Gogh y Paul Gauguin.
Tras su regreso, residió en Copenhague, donde conoció a Ada Vilstrup, con la que se casó en 1902
y junto a la que iría a vivir a la isla de Alsen en 1905. En 1907 aceptó la invitación de formar parte del
grupo expresionista Die Brücke (El Puente). Sin embargo, dos años más tarde lo abandonó debido a las
diferencias de edad y temperamento con sus jóvenes compañeros, para seguir su propio camino centrado en
temas de inspiración bíblica. Cuando en 1911, la Secession berlinesa rechazó algunos de sus cuadros, Nolde
tomó parte en la formación de la Neue Sezession.
Quizás emulando a Paul Gauguin, en 1913 se embarcó en una expedición al Pacífico de la Oficina
Colonial Alemana y tuvo la oportunidad de visitar Rusia y muchos países asiáticos. Gracias a este viaje
conoció gran número de culturas lejanas, por las que se sentía atraído como la mayoría de los expresionistas.
Con su reputación consolidada, Nolde construyó en 1927 una casa en Seebüll, muy cerca de su lugar de
nacimiento y de la frontera con Dinamarca, que tras su muerte se convertiría en la sede de la Fundación Ada
y Emil Nolde.
Título: La última cena

Autor: Emil Nolde
Año: 1909
Técnica: Óleo
Localización: Dinamarca
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Bibliografía: S/A. Emil Nolde. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/nolde-emil
Franz Marc
(1880-1916) Franz Moriz Wilhelm Marc fue miembro fundador del grupo expresionista alemán Der Blaue
Reiter (El Jinete Azul). Hijo de un pintor de paisajes, comenzó sus estudios en la Akademie der Bildenden
Künste de Múnich bajo la dirección de Gabriel von Hackl y Wilhelm von Dietz en 1900. En 1903 y 1907
viajó a París, donde conoció de primera mano el impresionismo y se sintió especialmente atraído por la obra
de Vincent van Gogh y Paul Gauguin.
Conocería a los miembros de la Neue Künstlervereinigung de Múnich, de la que pronto se hizo
miembro y a la que pertenecían, entre otros, Wassily Kandinsky, Alexej von Jawlensky y Gabriele Münter. De
todos ellos, Marc se sintió especialmente cercano a Kandinsky, con el que compartía la idea de la necesidad
de renovar espiritualmente el arte occidental. Esta postura pronto provocó divergencias con otros miembros
y terminó con la escisión del grupo.
Marc y Kandinsky expusieron bajo el nombre de Der Blaue Reiter en diciembre de 1911 y en
1912 editaron un almanaque que, con sus ensayos, se convertiría en todo un manifiesto sobre el nuevo arte,
fundamental para el desarrollo del arte del siglo XX. En 1912 Marc y Macke viajaron a París, donde
conocieron a Robert Delaunay y experimentaron de primera mano las tendencias cubistas. A partir de
entonces las composiciones de Marc tendieron a una mayor abstracción. Por estas fechas comenzó a elaborar
su proyecto para ilustrar una biblia, algo que respondía a sus profundas creencias religiosas.
Título: Die gelbe Kuh

Autor: Franz Marc
Año: 1911
Técnica: Óleo
Tamaño: 189,2 x 140,52 cm
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Bibliografía: S/A. Franz Marc. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/marc-franz
August Macke
(1887-1914) August Macke, uno de los principales componentes del grupo expresionista alemán Der blaue
Reiter (El jinete azul), vivió un período especialmente innovador dentro del arte de su país en el que,
mientras se desarrollaban las principales tendencias expresionistas, iban difundiéndose los sucesivos
movimientos de vanguardia procedentes del resto de Europa. Como un verdadero contemporáneo de su
tiempo, Macke supo integrar en su pintura los aspectos que más le interesaron de la vanguardia.
Su estilo artístico se inició dentro del impresionismo y el postimpresionismo francés y atravesó
más tarde una fase fauve. En 1910, a través de su amigo Franz Marc, conoció a Kandinsky y durante un
tiempo compartió la estética no-objetiva y las preocupaciones místicas y simbólicas de Der blaue Reiter.
El encuentro en París con Robert Delaunay, en 1912, fue para Macke una auténtica revelación. El
cubismo cromático del artista francés, bautizado por Apollinaire como orfismo, se impuso en su pintura a
partir de entonces. Los Escaparates de Macke pueden ser considerados una personal interpretación de las
Ventanas de Delaunay combinadas con la simultaneidad de imágenes del futurismo italiano.
El ambiente exótico de Túnez, adonde viajó en 1914 junto a Paul Klee y Louis Moillet, fue
determinante para la creación de la estética luminista del final de su vida, etapa en la que realizó una serie
de obras consideradas como obras maestras del color.
Título: Portrait with apples

Autor: August Macke
Año: 1909
Técnica: Óleo
Tamaño: 66 x 59.5 cm
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Bibliografía: S/A. August Macke. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/macke-august
Wassily Kandinsky
(1866-1944) Pintor de origen ruso, Wassily Kandinsky fue uno de los iniciadores del arte abstracto del siglo
XX. La lectura de los escritos de Wilhelm Worringer en 1909 y la música de su contemporáneo Arnold
Schönberg le llevaron a un creciente interés por el arte no-objetivo. Kandinsky estaba preocupado por el
materialismo del mundo moderno y veía en la abstracción una vía de liberación del hombre.
En sus páginas, Kandinsky propugnaba una función mística para el arte, un arte no-objetivo que
respondiera no a un reflejo de las apariencias, sino a la fuerza interior del artista.
En 1914 regresó a Moscú, donde llevó a cabo una importante labor como miembro del Comisariado de
Educación Popular.
Al imponerse el realismo socialista como estética dominante, Kandinsky regresó a Alemania,
donde se convirtió en uno de los más importantes colaboradores de la Bauhaus de Weimar, al tiempo que su
pintura se contagiaba de la tendencia geométrica de esta escuela. Con la llegada al poder de Hitler en 1933 y
el consiguiente cierre de la Bauhaus, Kandinsky huyó a París y se instaló en las afueras, en Neuilly-sur-Sei-
ne, donde su pintura recuperó la abstracción más libre de sus primeros años.
Título: Amarillo, rojo y azul

Autor: Wassaly Kandinsky
Año: 1925
Técnica: Óleo
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Bibliografía: S/A. Wassily Kandinsky. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/kandinsky-wassily
Paul Klee
(1879-1940) Paul Klee es un artista de muy difícil catalogación, imposible de asignar a ninguna tendencia
clara ni a una escuela determinada. Durante su juventud estuvo cercano al clima intelectual del expresionis-
mo alemán y su obra posterior se aproximó en algunos momentos a la abstracción geométrica y en otros al

surrealismo.
Se formó artísticamente en Múnich, donde estuvo vinculado al grupo Der Blaue Reiter (El Jinete
Azul) junto con Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke y Alexej Jawlensky. En esta ciudad, entonces
uno de los centros artísticos más avanzados, comenzó su interés por la vanguardia internacional, que le llevó
a realizar la obligada visita a París, donde le impresionó especialmente la obra de Robert Delaunay. En 1914
viajó a Túnez con Macke y Louis Moilliet.
Allí, la luz del norte de África le hizo descubrir el color, que sería a partir de entonces el motivo
principal de sus investigaciones artísticas. En 1928 viajó a Egipto y el paisaje de ese país inspiró sus
composiciones estriadas, relacionadas con su teoría de las estructuras horizontales y verticales, e influyó en
la incorporación de jeroglíficos e inscripciones a su pintura.
De 1931 a 1933 vivió en Düsseldorf, donde trabajó como profesor de la Akademie. A pesar de su
pesimismo y su debilidad física, consecuencia de una grave enfermedad que padecería en 1935, esta etapa
final fue de una intensidad creadora sin precedentes. Entonces, quizá más que nunca, su pintura consiguió
una perfecta unidad entre la vida y el arte.
Título: Castillo y sol

Autor: Paul Klee
Año: 1928
Técnica: Óleo
Tamaño: 50 x 59 cm
Localización: Alemania
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Bibliografía: S/A. Paul Klee. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/klee-paul
Diego Rivera
(1886-1957) Formado en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de la capital mexicana, a la que se había
trasladado con su familia a los seis años de edad, Diego Rivera estudió luego por espacio de quince años
(1907-1922) en varios países de Europa (en especial, España, Francia e Italia), donde se interesó por el arte
de vanguardia y abandonó el academicismo.
Las obras de este período reflejan, por un lado, un acusado interés por el cubismo sintético de
Juan Gris (El guerrillero, 1915), asumido en su etapa parisina, y por otro una gran admiración por los
fresquistas italianos del Quattrocento (y en especial, por Giotto), lo que motivó su alejamiento de la estética
cubista anterior.
Identificado con los ideales revolucionarios de su patria, Rivera volvió desde tierras italianas a
México (1922), en un momento en que la revolución parecía consolidada. Junto con David Alfaro Siqueiros
se dedicó a estudiar en profundidad las formas primitivas del arte azteca y de la cultura maya, que influirían
de manera significativa en su obra posterior.
Durante la década de los años 20 recibió numerosos encargos del gobierno de su país para
realizar grandes composiciones murales; en ellas, Rivera abandonó las corrientes artísticas del momento
para crear un estilo nacional que reflejara la historia del pueblo mexicano, desde la época precolombina
hasta la Revolución, con escenas de un realismo vigoroso y popular, y de colores vivos.
Título: El hombre controlador del universo

Autor: Diego Rivera
Año: 1934
Técnica: Óleo
Localización: México
1/1
Bibliografía: S/A. (2004-2018). Diego Rivera. México: Biografías y vidas: la enciclopedia biográfica en línea. Recuperado de https://www.biografiasyvidas.com/biogra-
fia/r/rivera.html
Pablo Picasso
(1881-1973) El artista español Pablo Picasso no sólo protagonizó junto con Georges Braque la invención del
cubismo, uno de los primeros movimientos de vanguardia, sino que además fue el iniciador de la imagen del artista
moderno. Su nombre quedará escrito en los libros de historia como la personalidad artística más relevante del siglo
XX. De su estrecha colaboración con Georges Braque surgió el cubismo, un estilo revolucionario que acabó con el
sistema tradicional de representación ilusionista del espacio, cuyas consecuencias han llegado hasta nuestros días.
Ambos artistas, partiendo de las enseñanzas de Cézanne, inventaron un nuevo lenguaje basado en la
fragmentación y simultaneidad de la representación de la forma, en la reinterpretación de los objetos, con una gran
austeridad en el color (cubismo analítico) que fue haciéndose paulatinamente más abstracto (cubismo sintético).
En la posguerra, Picasso, tras un viaje a Italia, regresó a la figuración y desarrolló un tipo de pintura con
figuras monumentales, que se denominó «clásico» y que se correspondía con una tendencia generalizada de vuelta
al orden que se manifestó en Europa tras los años de ebullición vanguardista. En la segunda mitad de los años
veinte, contagiado por el ambiente surrealista, los personajes de sus obras se distorsionan y sus temas se hacen
paulatinamente más dramáticos.
En los años cincuenta, comenzó a hacer recreaciones de cuadros de grandes maestros, como Gustave Courbet,
Eugène Delacroix o Diego Velázquez. En su periodo final trató temas referentes a la muerte, al sufrimiento y al
amor, otorgando una gran importancia a la subjetividad gestual y emotiva, con pinceladas muy sueltas y
expresionistas.
Título: El viejo guitarrista ciego

Autor: Pablo Picasso
Año: 1903
Técnica: Óleo
Localización: Chicago
1/1
Bibliografía: S/A. Pablo Picasso. Museo Nacional yssen-Bornemisza. Recuperado de https://www.museothyssen.org/coleccion/artistas/picasso-pablo

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