Mostra de Animação Russa apresenta filmes de 1950 a 2014

apresenta
apresenta
Ars et Vita
Rio de Janeiro
2016
MOSTRA
Curadoria Luiz Gustavo Carvalho e Maria Vragova
Direção Executiva Maria Vragova
Direção Financeira Marcos Antônio Miranda A CAIXA é uma das maiores patrocinadoras da cultural no Brasil, e destina, anualmente, mais
Identidade Visual e Design Gráfico Phamela Dadamo de R$ 60 milhões de seu orçamento para patrocínio a projetos culturais em espaços próprios
Assessoria de imprensa Bárbara Chataignier
e espaços de terceiros, com ênfase especial para exposições de artes visuais, peças de teatro,
Tradução Maria Vragova
Revisão Maria Vragova mostras de cinema, espetáculos de dança, shows musicais, apoio ao artesanato brasileiro e
Dublagem Mabel Cezar, Ronaldo Júlio e André Brilhante festivais de teatro e dança em todo o território nacional.
Inserção de Legendas e VT Alessandro Cerri e Marcus Rodrigues
Confecção de objeto e fotografia Ricardo Coelho Os projetos são escolhidos através de seleção pública, uma opção da CAIXA para tornar mais
democrática e acessível a participação de produtores e artistas de todas as unidades da federação,
CATÁLOGO
Coordenação Editorial Luiz Gustavo Carvalho e Maria Vragova e mais transparente para a sociedade o investimento dos recursos da empresa em patrocínio.
Textos Luiz Gustavo Carvalho, Serguei Kapkov, Roman Katchanov, Fiodor Khitruk, Andrey Khrzhanovsky, Larissa Maliukova,
Yuri Norstein e Maria Vragova
A Mostra de Animação Russa, com curadoria de Luiz Gustavo Carvalho e Maria Vragova,
Revisão Maria Vragova é a primeira oportunidade do público brasileiro conhecer parte da vasta e rica produção
Design Gráfico Phamela Dadamo cinematográfica de animação da ex-União Soviética e da Rússia, através de 37 desenhos de 20
diretores, realizados entre os anos de 1950 e 2014.
AGRADECIMENTOS
Aurora B. Bernardini, Alessandro Cerri, Laura Vragova Carvalho, Ricardo Coelho, Valentina Dadamo Coelho, Fábio Flaks, Svetlana
A Mostra exibe animações infantis e adultas, na maioria curtas-metragens, com histórias
Filippova, Serguei Kapkov, Larissa Maliukova, Daniela Mountain, Yuri Norstein, Fabíola Notari, Marcia Pereira, Irineu Perpétuo, baseadas no folclore russo, em contos e poemas de autores importantes, como Kornei
Alexander Petrov, Andrei Plakhov, Escola Municipal Penedo, Estúdio “Soyuzmultfilm” Tchukovski e Vladimir Maiakovsky, além de diversos outros temas, dentre eles o amor, a guerra e
a convivência entre seres humanos e animais de estimação.
ISBN 978-85-66122-04-6
Diretores e realizadores renomados, como Svetlana Filippova, Yuri Norstein, Ivan Ivanov-Vano e
Alexander Petrov, enchem a tela de desenhos feitos com técnicas e traços singulares, levando
o espectador ao encantamento, seja através do humor, do drama ou da alegoria. Ao mesmo
MOSTRA DE ANIMAÇÃO RUSSA Alvará da CAIXA Cultural RJ nº 041667, de 31/03/2009, sem vencimento.
tempo, as trilhas sonoras dos filmes trazem músicas compostas por Shostakovich, Prokofiev
17 a 29 de maio de 2016 - Cinemas 1 e 2
ou Gubaidulina, alguns dos principais compositores do país. Assim, a programação da Mostra de
CAIXA Cultural Rio de Janeiro Animação Russa oferece ao público infantil e adulto uma oportunidade singular de ver reunidos
Av. Almirante Barroso, 25 . Centro
no cinema, através de animações, importantes nomes da literatura e da música.
Tel. (55) 21 3980-3815
Através da Mostra de Animação Russa, a CAIXA reafirma sua política cultural, sua vocação
#vivamaiscultura
www.caixacultural.gov.br social e a disposição de democratizar o acesso aos seus espaços e à programação artística,
facebook/CaixaCulturalRioDeJaneiro cumprindo, desta forma, o papel institucional de estimular a disseminação de ideias, mantendo
Baixe o aplicativo CAIXA Cultural
viva a vocação de abrigar e promover a pluralidade de pensamento.
Prefira o transporte público
CAIXA ECONÔMICA FEDERAL
produção apoio patrocínio

Em 2016, oitenta anos após a criação do maior estúdio de
animação da antiga União Soviética, o público brasileiro tem a
oportunidade de assistir a primeira Mostra de Animação Russa,
através da exibição de 37 filmes, realizados entre os anos 1950
e a atualidade por alguns dos mais importantes nomes da
animação soviética e russa.
Se imaginarmos um espaço entre a razão e o sentimento, a

animação russa, ao longo de toda a sua existência sempre
procurará ocupar um ponto mais perto da emoção que do
entendimento. No espírito pioneiro de Mikhail Tsekhanovsky,
nos desenhos virtuosos de Lev Atamanov, na revolução visual
de Fiodor Khitruk, na filosofia de Yuri Norstein, nas parábolas
subversivas de Andrey Khrzhanovsky ou na frágil poesia de
Svetlana Filippova, a animação se afirmou na história como uma
linguagem com fortes traços autorais. Acima de tudo, ela se
destaca pela liberdade de que desfrutam escritores, diretores e
6 animadores para escolher os elementos que desejam, em meio 7
ao que lhes é oferecido pelo mundo real. Desta forma, em um
país marcado por uma política externa beligerante e opressiva,
esses artistas conseguem criar os desenhos animados mais
humanos do universo e através de uma linguagem esopiana,
burlam todas as fronteiras e estéticas impostas por qualquer
regime político.
Esperamos que, na companhia de Tcheburashka, do gato

Matroskin e do pequeno ouriço, a animação russa propicie um
novo olhar sobre uma cultura rica e praticamente desconhecida
no Brasil.
Desejamos a todos uma excelente Mostra!
Maria Vragova e Luiz Gustavo Carvalho

programação
sinopses
a animação na rússia
Serguei Kapkov e Larissa Maliukova
mikhail tsekhanovsky: um pioneiro da animação

Maria Vragova
conversa sobre a profissão

Fiodor Khitruk
uma enciclopédia animada para a

compreensão de uma sociedade
Luiz Gustavo Carvalho
biografias
a seriedade de uma risada bondosa

Roman Katchanov
fidelidade ao caminho escolhido

Andrey Khrzhanovsky
extratos de “a neve na grama”

Yuri Norstein
ponto de partida
Yuri Norstein
17 19 infantil 16h palestra 17h
PROGRAMAÇAO terça-feira quinta-feira CINE 1 CINE 1
Tcheburashka I Roman Katchanov. 1969, 20 min História da animação na União Soviética e na
O crocodilo Guena I Roman Katchanov. 1971, 20 min
infantil 15h CINE 1 infantil 15h CINE 1 Rússia contemporânea I com Serguey Kapkov
O ursinho Taptizhka I Fiodor Khitruk. 1964, 9 min
Tcheburashka I Roman Katchanov. 1969, 20 min A flor vermelha I Lev Atamanov. 1952, 42 min
A luva I Roman Katchanov. 1967, 10 min Espera, você vai ver! - 3º e 4º episódios I Vicheslav
adulto 19h CINE 1
O ursinho Puff I Fiodor Khitruk. 1969, 10 min Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada)
infantil 18h CINE 1 A história de um crime I Fiodor Khitruk. 1962, 20 min
Umka I Vladimir Popov e Vladimir Pekar. 1969, 10min A ilha I Fiodor Khitruk. 1973, 10 minn
adulto 17h CINE 1 adulto 19h CINE 1 A garça e a cegonha I Yuri Norstein. 1974, 10 min A gaita de vidro I Andrei Khrzhanovsky. 1968, 20 min
A raposa e a lebre I Yuri Norstein. 1973, 12 min A vaca I Alexander Petrov. 1989, 10 min
A batalha de Kerzhenets I Yuri Norstein e Ivan Lavatory - Lovestory I Konstantin Bronzit. 2007, 10
Terem teremok I Leonid Amalrik. 1971, 10 min O ouriço no nevoeiro I Yuri Norstein. 1975, 10 min
Ivanov-Vano. 1971, 10 min min
O ouriço no nevoeiro I Yuri Norstein. 1975, 10 min
A história de um crime I Fiodor Khitruk. 1962, 20 min Três histórias de amor I Svetlana Filippova. 2007, 12 min
25
O conto dos contos I Yuri Norstein. 1979, 29 min Onde morrem os cães I Svetlana Filippova. 2011, 12 min
quarta-feira
adulto 19h CINE 1
A história de Sara I Svetlana Filippova. 2006, 6 min
Brutus I Svetlana Filippova. 2014, 13 min 22 domingo
infantil 11h CINE 1
Meu amor I Alexander Petrov. 2006, 26min infantil 15h CINE 1
A vaca I Alexander Petrov. 1989, 10 min
O sonho de um homem ridículo I Alexander
20 sexta-feira Espera, você vai ver! - 5º, 6º, 7º e 8º episódios I
Vicheslav Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada)
O conto do pescador e do peixinho I Mikhail
Tsekhanovskiy. 1950, 30 min
Petrov. 1992, 20 min Espera, você vai ver! - 11º episódio I Vicheslav
A Sereia I Alexander Petrov. 1996, 10 min
infantil 11h CINE 1 Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min
O velho e o mar I Alexander Petrov. 1999, 20 min O quebra-nozes I Boris Stepantsev. 1973, 27 min mesa redonda 17h CINE 1
10 Espera, você vai ver! - 3º e 4º episódios I Vicheslav Animação Russa I com Serguey Kapkov, Svetlana infantil 15h CINE 1 11
Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada) Filipppova, Maria Vragova e Luiz Gustavo Carvalho
18
A ilha I Fiodor Khitruk. 1973, 10 minn
quarta-feira infantil 16h CINE 1 Meu amor I Alexander Petrov. 2006, 26min
adulto 19h CINE 1 Lavatory - Lovestory I Konstantin Bronzit. 2007, 10 min
Espera, você vai ver! - 5º, 6º, 7º e 8º episódios I
infantil 11h CINE 1
Vicheslav Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada) A ilha I Fiodor Khitruk. 1973, 10 minn
Espera, você vai ver! - 1º e 2º episódios I Vicheslav O homem na moldura I Fiodor Khitruk. 1966, 10 min adulto 19h CINE 1
Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada) Onde morrem os cães I Svetlana Filippova. 2011, 12 min A batalha de Kerzhenets I Yuri Norstein e Ivan
A luva I Roman Katchanov. 1967, 10 min adulto 19h CINE 1
A Sereia I Alexander Petrov. 1996, 10 min Ivanov-Vano. 1971, 10 min
Cuidado, macaquinhos! I Leonid Schwartzman O sonho de um homem ridículo I Alexander O leão e o touro I Fiodor Khitruk. 1984, 10 min A história de um crime I Fiodor Khitruk. 1962, 20 min
(URSS, 1984) 10 min Petrov. 1992, 20 min O velho e o mar I Alexander Petrov. 1999, 20 min
A gaita de vidro I Andrei Khrzhanovsky. 1968, 20 min
24
Brutus I Svetlana Filippova. 2014, 13 min
infantil 14h CINE 1 O conto dos contos I Yuri Norstein. 1979, 29 min terça-feira
Espera, você vai ver! - 1º e 2º episódios I Vicheslav
Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada)
O quebra-nozes I Boris Stepantsev. 1973, 27 min 21 sábado infantil 11h CINE 1
infantil 14:30h CINE 1 Espera, você vai ver! - 9º e 10º episódios I
adulto 18h CINE 1
A luva I Roman Katchanov. 1967, 10 min
Vicheslav Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada)
A ilha I Fiodor Khitruk. 1973, 10 min Lavatory - Lovestory I Konstantin Bronzit. 2007, 10 min
O ursinho Puff I Fiodor Khitruk. 1969, 10 min
O homem na moldura I Fiodor Khitruk. 1966, 10 min O ursinho Puff faz uma visita I Fiodor Khitruk. 1969,
O leão e o touro I Fiodor Khitruk. 1984, 10 min 10 min
A gaita de vidro I Andrei Khrzhanovsky. 1968, 20 min O ursinho Puff e um dia atarefado I Fiodor Khitruk.
1972, 19 min
26 quinta-feira 28 sábado
infantil 11h CINE 1 infantil 14:30h CINE 1

O ursinho Taptizhka I Fiodor Khitruk. 1964, 9 min Espera, você vai ver! - 9º, 10º, 11º e 12º episódios I
Umka procura um amigo I Vladimir Popov e Vladimir Vicheslav Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada)
Pekar. 1970, 10 min
Os três de Prostokvashino I Vladimir Popov. 1978, infantil 16h CINE 1
19 min
Terem teremok I Leonid Amalrik. 1971, 10 min
adulto 15h CINE 1 Tarakã, o bigodudo I Vladimir Polkovnikov. 1963, 16 min
Terem teremok I Leonid Amalrik. 1971, 10 min O leão e o touro I Fiodor Khitruk. 1984, 10 min
Os três de Prostokvashino I Vladimir Popov. 1978,
19 min lançamento 17h CINE 1
O ursinho Puff e um dia atarefado I Fiodor Khitruk.
1972, 19 min Lançamento do livro “Tarakã, o bigodudo”, de K.
Tchukovsky I distribuição de ingressos a partir das
15:30h
27 sexta-feira
adulto 18:30h CINE 1
infantil 11h CINE 1
Meu amor I Alexander Petrov. 2006, 26min
12 O quebra-nozes I Boris Stepantsev. 1973, 27 min Três histórias de amor I Svetlana Filippova. 2007, 13
Espera, você vai ver! - 3º e 4º episódios I Vicheslav 12 min
Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada) Lavatory-Lovestory I Konstantin Bronzit. 2007, 10 min
infantil 14h CINE 1

Meu amor I Alexander Petrov. 2006, 26min
29 domingo
Lavatory-Lovestory I Konstantin Bronzit. 2007, 10 min infantil 14:30h CINE 1

Espera, você vai ver! - 13º, 14º, 15º e 16º episódios
bate-papo 17h CINE 2
I Vicheslav Kotenotchkin. 1969-1986, 10 min (cada)
A obra de Svetlana Filippova I com a autora
infantil 16h CINE 1
adulto 19h CINE 2 Mukha-Tsokotukha I Boris Dezhkin. 1960, 10 min
Lavatory-Lovestory I Konstantin Bronzit. 2007, 10 min O conto do pescador e do peixinho I Mikhail
Três histórias de amor I Svetlana Filippova. 2007, 12 min Tsekhanovskiy. 1950, 30 min
Onde morrem os cães I Svetlana Filippova. 2011, 12 min
A história de Sara I Svetlana Filippova. 2006, 6 min adulto 18:30h CINE 1
Brutus I Svetlana Filippova. 2014, 13 min
O velho e o mar I Alexander Petrov. 1999, 20 min
O ouriço no nevoeiro I Yuri Norstein. 1975, 10 min
O conto dos contos I Yuri Norstein. 1979, 29 min
14 15
SINOPSES LEONID AMALRIK SVETLANA FILIPPOVA
Terem teremok I Terem teremok A história de Sara I Skazka Sari
URSS, 1971, 10min Rússia, 2006, 6 min
Classificação livre. Versão original em russo. Dublagem em português Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português.
A“Terem
lguns animais decidem viver juntos em um “teremok”, uma
casinha típica russa. Baseado em um conto do folclore russo,
teremok” é o último filme do diretor Leonid Amalrik.
Pparaaraqueachar
que uma árvore cresça, é necessário planta-la; para
a primavera comece, é antes necessário limpar a neve;
“o novo”, é necessário despedir-se “do velho”. Assim
pensa, aos 6 anos, a menina Sara.
Três histórias de amor I Tri istorii liubvi

LEV ATAMANOV Alemanha, 2007, 12 min
Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português.
A flor vermelha I Alenkiy tsvetochek
URSS, 1952, 42 min
Upoetas
sando diversas imagens históricas, o filme narra três
historias de amor de Vladimir Maiakovsky, um dos principais
russos do século XX.
Classificação livre. Versão original em russo. Dublagem em português.
Bqualaseado em um conto do folclore russo, análogo ao clássico “A

Bela e a Fera”, o filme narra a história de um bondoso pai, o
traz uma flor vermelha de presente para a sua filha caçula,
Onde morrem os cães I Gde umiraut sobaki
despertando a paixão e a angústia de um estranho ser que habita França, 2011, 12 min
as sombras de um reino distante. O filme foi dirigido por Lev Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português.
Atamanov, uma das principais influências do animador japonês
16
Hayao Miyazaki.
Ucoisas,
m homem cresce e deixa a sua casa. Durante toda a sua vida,
ele quer regressar em busca do seu passado. Mas acontecem
as quais ele não pode mudar: a sua mãe envelhece, a casa 17
fica meio destruída e o seu cachorro morre. Acontecimentos
inevitáveis, aos quais estamos todos destinados.
KONSTANTIN BRONZIT
Lavatory-Lovestory Brutus I Brut
Rússia, 2007, 10 min
Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português. Rússia, 2014, 13 min
Prêmio de Melhor Filme, no Festival Anima Mundi, 2007
Nomeado ao Oscar, na categoria “Melhor curta-metragem”, 2007
ABrutus
autora e animadora Svetlana Filippova aborda um dos
episódios mais trágicos da humanidade. A história do cão
Tumaendo como cenário um banheiro público, Konstantin Bronzit,
um dos principais nomes da animação contemporânea, relata
historia de amor repleta de pureza e romantismo.
na Alemanha nazista.
BORIS DEZHKIN e VLADIMIR SUTEEV

Mukha-Tsokotukha
URSS, 1960, 10 min
Odo filme conta a história de uma mosca que é atacada por uma
aranha no dia do seu aniversário. O filme foi realizado a partir
conto homônimo de Korney Tchukovsky, um dos principais
escritores infantis da antiga União Soviética.
ROMAN KATCHANOV O homem na moldura I Tchelovek v ramke
URSS, 1966, 10 min
A luva I Varezhka Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português.
URSS, 1967, 10 min

Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português. Uburocrática
ma sátira social sobre os burocratas e a burocracia. À medida
que um “homem de papel” sobe os degraus da carreira
do seu país, ele vai deixando a vida e transforma-se
Primeiro Prêmio no Festival Internacional de animação de Annecy. em uma mera máscara.
A história de uma menina que sonhava em ter um cachorro.
O ursinho Puff I Vinni Pukh
O crocodilo Guena I Krokodil Guena URSS, 1969, 10 min
URSS, 1969, 20 min
Classificação livre. Versão original em russo. Dublagem em português. Pdorimeiro episódio das aventuras do “Ursinho Puff”, realizado a
partir do livro homônimo do escritor Alan Miln. A versão russa
Rhistória
ealizado a partir do livro infantil “O Crocodilo Guena e os desenho animado foi considerada a melhor pelo escritor inglês.
seus amigos”, o filme apresenta-nos o personagem ícone da
da animação soviética: “Tcheburashka”.
O ursinho Puff faz uma visita I Vinni Pukh idet v gosti
URSS, 1969, 10 min
Tcheburashka Classificação livre. Versão original em russo. Dublagem em português.
URSS, 1971, 20 min

Classificação livre. Versão original em russo. Dublagem em português. Noamigo
segundo episodio da série, o ursinho Puff decide visitar o seu
coelho, passando por uma situação embaraçosa.
Nvezooporseusegundo episódio da trilogia, o crocodilo “Guena” comemora

aniversário, o qual, infelizmente, acontece somente uma
ano. Tcheburashka e o crocodilo Guena ainda fazem todo o O ursinho Puff e um dia atarefado I Vinni Pukh i den zabot
possível para serem aceitos como “pioneiros”. O filme conta com
18 a participação do famoso animador russo Yuri Norstein. URSS, 1972, 19 min 19
Úagradar
ltimo filme da trilogia. O episódio relata o aniversário do
burrinho Ió e as peripécias do ursinho Puff e seus amigos para
FIODOR KHITRUK o aniversariante.
A história de um crime I Istorya odnogo prestuplenya A Ilha I Ostrov

URSS, 1962, 20 min URSS, 1973, 10 min
Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português. Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português.
Prêmio “Golden Gate” no VII Festival Internacional de San Franscico, 1962 Palma de Ouro no Festival Internacional de Cannes, 1974.
Leão de Prata no Festival de Veneza, 1962 “A ilha” conta a história de um Robinson Crusoe contemporâneo.
Diploma no IX Festival Internacional de Cinema e Animação de Uma reflexão poética sobre a solidão humana na sociedade
Oberhausen, 1963 moderna.
BManinarulhos noturnos, causados por uma vizinhança mal educada,

levam o simpático e pacífico contador Vassily Vassilievitch
a cometer um crime. O leão e o touro I Lev i byk
URSS, 1984, 10 min
O ursinho Taptizhka I Taptizhka
URSS, 1964, 9 min
Nrepleta
este seu último trabalho, Fiodor Khitruk retrata, a partir
de uma parábola visual, uma história de amizade e traição,
de simbolismo psicológico.
Ca hibernar
onsiderado pelo diretor como o seu melhor filme, “Taptizhka”
relata a história de amizade entre um ursinho que se recusava
e um coelhinho.
ANDREI KHRZHANOVSKY A garça e a cegonha I Tsaplia i zhuravl
URSS, 1974, 10 min
A gaita de vidro I Stekliannaya garmonika Classificação livre. Versão original em russo. Dublagem em português.
URSS, 1968, 20 min Prêmio Especial do Júri no Festival de Cinema de Annecy, 1975
Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português. Primeiro Prêmio no III Festival Internacional de Cinema de New York, 1975
Fondeilme alegórico que retrata o destino da arte em um governo

burocrático e corrupto. Um músico chega a uma cidade,
reinam a burocracia e a corrupção. Poderão as suas
Nespectador
esta obra-prima, o diretor Yuri Norstein narra uma grande
história de amor entre a garça e a cegonha, fazendo o
esperar pelo beijo final, o qual nunca chegará.
melodias, tirar as pessoas da indiferença? Realizado em 1968,
“A gaita de vidro” foi o primeiro desenho animado censurado na
União Soviética. A música para o filme foi composta por Alfred O ouriço no nevoeiro I Ezhik v tumane
Schnitke, um dos principais compositores do século XX.
URSS, 1975, 10 min
Prêmio do Festival Internacional de Cinema de Londres, 1977
VICHESLAV KOTENOTCHKIN Boomerang de Prata no Festival Internacional de cinema em Sidney, 1978
Prêmio de Melhor Curta-metragem no Festival Internacional de Cinema
de Girona, 1977
Espera, você vai ver! I Nu pogodi!
URSS, 1969-1986, 16 episódios
Umaismaoouriço fica perdido em uma floresta, durante um nevoeiro,
ir ao encontro do seu amigo urso. Neste filme, que recebeu
de 35 prêmios internacionais, Yuri Norstein reflete sobre
os enigmas da vida e os mistérios da existência.
UNa macomposta
das séries mais emblemáticas da animação soviética,
de 16 episódios realizados entre 1969 e 1986.
série, um lobo tenta, continuamente, pegar um coelhinho
que sempre consegue escapar. Muitos enxergam nesta trama Conto dos contos I Skazka skazok
um paralelo com o desenho animado “Tom e Jerry”, apesar de URSS, 1979, 29 min
Kotenotchkin ter conhecido a série americana somente no final Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português.
20 dos anos oitenta. 21
“Grand-Prix” do Festival Internacional de Cinema de Lille, 1980
Prêmio Internacional de Crítica FIPRESSI, 1980
Prêmio da Federação Internacional dos Cineclubes em Oberhausen, 1980
YURI NORSTEIN e IVAN IVANOV-VANO “Grand-Prix” no V Festival Internacional de Cinema de Zagreb, 1980
Primeiro Prêmio no Festival Internacional de Cinema de Ottawa, 1980
A batalha de Kerzhenets I Setcha pri Kerzhentse

URSS, 1971, 10 min
Equestões
ste filme, considerado pela Academia de Arte Cinematográfica
como “o melhor filme de todas as épocas e povos”, aborda as
primordiais da humanidade.
Fa qual
ilme baseado na lenda e no poema sinfônico do compositor
russo Rimsky-Korsakov sobre a cidade invisível de Kitezh,
ficou submersa para evitar a sua ocupação pelas tribos
tártaras.
YURI NORSTEIN
A raposa e a lebre I Lissa e zaiats
URSS, 1973, 12 min
Melhor Filme Infantil e Prêmio Especial, no II Festival Internacional de
Cinema de Zagreb, 1974
Osuasfilme é baseado em um conto popular russo e narra a história

de uma lebre, cuja moradia é invadida pela raposa, e todas as
tentativas de recuperar a sua casa de volta.
ALEXANDER PETROV Meu amor I Moya lubov
A Vaca I Korova Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português.
URSS, 1989, 10 min Prêmio especial do júri no XI Festival Internacional de Animação de
Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português. Hiroshima, 2006
Indicação ao Oscar na categoria “Melhor curta-metragem”, em 1990 Prêmio FIPRESCI de Melhor Animação no Festival Internacional de
Primeiro Prêmio no Festival Internacional de Animação de Hiroshima, 1990 Cinema Documentário e Animação de Leipzig, 2006
Prêmio na categoria “Melhor Estreia” do Festival Internacional de Prêmio de “Melhor Animação” no Festival Internacional Anima Mundi, 2007
Animação de Ottawa, 1991 Indicação ao Oscar, em 2008
Uquemdeintegrava
dos primeiros filmes do diretor, “A vaca” narra as memórias
uma criança sobre o seu relacionamento com uma vaca, “M eu amor” é baseado no romance “A história de amor”,
do escritor russo Ivan Shmelev. No final do século XIX,
o jovem Anton passa a viver em um mundo de sonhos, após se
o cotidiano de uma família rural. O filme é baseado
no livro homônimo do escritor russo Andrei Platonov. entregar à dúvida entre o seu primeiro amor e o desejo por uma
“femme fatale”. O diretor e animador russo Aleksander Petrov
utiliza uma técnica especial para a realização do filme, pintando
quadros de vidro a óleo com os dedos, para então fotografá-los.
O sonho de um homem ridículo I Son smeshnogo tcheloveka
Primeiro Prêmio e Prêmio Especial da ACIFA no Festival Internacional de VLADIMIR POLKOVNIKOV
Animação de Ottawa, 1992
Primeiro Prêmio no Festival Internacional de Animação de Annecy, 1993 Tarakã, o Bigodudo
Primeiro Prêmio no VII Festival Internacional de Animação de
URSS, 1963, 16 min
Stuttgart, 1994
Bcometer
aseado no livro homônimo do escritor russo Fiodor
Dostoievsky. Um personagem desiludido com o mundo decide
suicídio. Após ignorar uma menina que em prantos Otodasfilme, baseado no conto homônimo do escritor russo Korney
Tchukovsky, conta a história de uma barata capaz de deixar
23
22 implora por ajuda, ele volta para casa, pega um revólver para se as feras do reino animal em pânico. Somente o pequeno e
matar, porém acaba adormecendo. Em seguida, em um estranho corajoso pardal pode enfrentar o temível agressor.
sonho, encontra a verdade projetada em uma sociedade ideal,
livre da luxúria e do egoísmo humano.
A Sereia I Rusalka VLADIMIR POPOV e VLADIMIR PEKAR

Rússia, 1996, 10 min Umka
URSS, 1969, 10 min
Indicação ao Oscar na categoria “Melhor curta-metragem”, em 1998 Classificação livre. Versão original em russo. Dublagem em português.
Prêmio Hiroshima no Festival Internacional de Animação de
Hiroshima, 1998
Prêmio Especial do Júri no Festival Internacional de Animação de
Annecy, 1997
Ofilme conta a história de um ursinho polar, chamado Umka, e
do seu primeiro encontro com o ser humano.
Umsereia.
conto envolvente sobre um monge, o seu noviço e uma
Uma história de amor, tentação e traição. Umka procura um amigo I Umka ishet druga
URSS, 1970, 10 min
O velho e o mar I Starik e more Classificação livre. Versão original em russo. Dublagem em português.
Rússia, Canadá, Japão 1999, 20 min

Classificação livre. Versão original em russo. Legendas em português. ÀsÁrtico,
vésperas do réveillon, Umka procura o seu amigo no círculo
envolvendo-se em grandes aventuras.
Oscar de “Melhor curta-metragem”, em 2000
Bdecide
aseado no livro homônimo do escritor americano Ernest
Hemingway, o filme conta a história de um velho pescador que
enfrentar o alto mar em busca de um peixe gigante.
VLADIMIR POPOV
Os 3 de Prostokvashino I Troie iz Prostokvashino
URSS, 1978, 19 min
B“Osaseado no livro “Tio Fiodor, o cachorro e o gato”, do renomado

escritor infantil Eduard Uspensky, o primeiro filme da trilogia
3 de Prostokvashino” relata a vida do menino Fiodor, que
decidi ir viver sem os pais, na companhia de um gato e um cão,
no pequeno vilarejo chamado Prostokvashino.
LEONID SCHWARTZMAN e MAYA MIROSHKINA

Macaquinhos. Cuidado, macaquinhos! I Obezianki. Ostorozhno obezianki!
URSS, 1984, 9 min
Ofilhos,filme “Macaquinhos. Cuidado, macaquinhos!” é o segundo

filme da série de sete episódios sobre uma macaca e os seus
que sempre procuram bagunça. Com um cenário escrito
pelo famoso escritor infantil Gregory Oster, o filme tem ainda a
trilha sonora assinada por Andrei Makarevitch, líder da banda
“Mashina Vremeni”, uma das mais famosas bandas de rock dos
anos 80, na União Soviética.
24 25
BORIS STEPANTSEV
O Quebra Nozes I Schelkuntchik
URSS, 1973, 27 min
Primeiro Prêmio no Festival de Cinema Infantil de Girona, 1974
Filme baseado no livro de E.T.A. Hoffmann e no balé homônimo

do compositor russo P. I. Tchaikovsky.
MIKHAIL TSEKHANOVSKY
O conto do pescador e do peixinho I Skazka o ribake i ribke
URSS, 1950, 30 min
“Melhor filme” do VI Festival Internacional de Cinema de Karlovy Vary,
1951
Rde ealizado a partir do livro homônimo do poeta russo Aleksander

Pushkin, “O conto do pescador e do peixinho” conta a história
um pescador e de um peixinho dourado, capaz de realizar
qualquer desejo do seu dono.
26 27
festejavam a paz, a vida e a infância. O “Soyuzmultfilm” reunia talentos excepcionais,
Serguei Kapkov e que poderiam invejar qualquer outro estúdio no mundo. Nestas circunstâncias, mestres
A animação na Rússia Larissa Maliukova conseguiram criar filmes, os quais, até hoje, conservam um frescor e uma habilidade
técnica surpreendente, além de aspectos psicológicos, educativos e mentais sutis: “A
canção alegre” (1946), “O cavalo Gorbunok” (1947), “O conto do pescador e do peixinho”
A história da animação russa começou com... besouros. Vladislav Starevitch, cineasta, (1950), “A flor vermelha” (1952), “O gatinho teimoso” (1953), “O antílope dourado” (1954),
fotógrafo e excêntrico entomologista amador, decidiu realizar um filme sobre a luta “A rainha da neve” (1957). Nestes filmes, tão diferentes em estilo, humor, tempo e ritmo,
desses insetos por uma fêmea. Ele colocou-os sob uma lâmpada elétrica e ligou a câmera foram exploradas a natureza da imagem desenhada à mão e o caráter do personagem
de vídeo. Porém, o calor chamuscante da luz fez com que os insetos não se mexessem. (cabe ressaltar as contribuições de importância singular para o mundo da animação
Starevitch decidiu então fazer um truque: arrancou as patas de alguns besouros secos realizadas pelo animador e diretor Leonid Schwartzman). Em meados dos anos 60,
retirados da sua coleção e amarrou-os, com a ajuda de um fino fio e plasticina. Em até mesmo o Papa recomendou aos seus fiéis os desenhos animados soviéticos,
seguida, encenou a luta dos insetos, gravando quadro por quadro na película. Desta considerando-os “os mais gentis e humanos do mundo”. Os filmes desta época irradiam
forma, surgiu o primeiro desenho animado na Rússia e a primeira animação de objetos alegria. A animação desses anos tinha ainda uma capacidade colossal de contar histórias,
(animação de bonecos) no mundo. transmitindo aos jovens espectadores o profundo significado dos contos de fadas,
hipnotizando-os, mas ao mesmo tempo, educando-os.
No entanto, isso não foi compreendido imediatamente. A estreia aconteceu no dia 08 de
abril de 1912 e a imprensa moscovita descreveu o “milagre” desta forma: “Starevitch Em 1953, a União Soviética vivencia o “terceiro renascimento” da animação de objetos
descobriu segredos invisíveis sobre o adestramento de insetos! Nos seus filmes, os (animação de bonecos). Após a partida de Vladislav Starevitch, esse gênero só havia sido
besouros atuam como verdadeiros atores!” Domadores de circo pediam e insistiam para lembrado em 1935, quando o diretor Alexander Ptushko realizou o longa-metragem “O
que o cineasta vendesse os segredos sobre a técnica usada para o adestramento dos novo Gulliver”. Neste filme, apareciam na mesma cena atores e personagens animados
insetos. Starevitch, no entanto, ergueu as mãos de maneira teatral e gritou: “De jeito liliputianos. Vencedor do prêmio principal no Festival de Cinema de Veneza, diversos
nenhum!” Ele era um mistificador e um brincalhão nato. Além disso, Starevitch foi o jornais de todo o mundo escreveram sobre o
primeiro diretor a utilizar nos seus filmes a combinação entre atores reais e personagens filme e até mesmo Charles Spencer Chaplin
28 animados em um único quadro. No filme “A embriaguez e as suas consequências” (1913), reagiu ao “novo Gulliver” com cumprimentos 29
o herói principal bebe “para capeta” e Starevitch filma um episódio, no qual um diabo de lisonjeiros. Diretores de arte, artistas,
plasticina sai da garrafa, sob o olhar perplexo do ator russo Ivan Moszhukhin. operadores de câmera e marionetistas
estiveram envolvidos no universo da
Após a revolução de 1917, Vladislav Starevitch emigrou para a França, provocando animação de objetos (animação de bonecos).
um hiato na história da animação no país. Em meados dos anos 20, jovens artistas Entre os melhores exemplos deste gênero de
entusiastas começaram a fazer os primeiros desenhos animados na União Soviética. animação, destacam-se os filmes de Roman
Eram, no entanto, desenhos pouco interessantes, com um viés político, criados a partir Katchanov “A luva” (1967), “Crocodilo Guena”
da técnica de sobreposição de marionetes de papel. Em seguida, surgiram os primeiros (1969) e “Tcheburashka” (1971).
desenhos animados.
Na década de 1960, um sentimento que
Em meados dos anos 30, os desenhos animados de Walt Disney chegaram à União ansiava por novas aberturas invadiu os
Soviética. O impacto junto ao público e aos cineastas foi tão grande, que se tornou clara diversos movimentos culturais existentes.
a necessidade de aprender a partir da experiência americana. Por ordem pessoal do Jovens artistas, recém-formados pelo
camarada Stalin, uma delegação foi enviada aos Estados Unidos. Disney voluntariamente Instituto de Cinema, ainda sem nenhum
compartilhou as suas tecnologias e, em 1936, foi criado em Moscou o principal estúdio de limite imposto pela ideologia e com sede
animação do país. No futuro, todos os sucessos da animação soviética seriam associados pela liberdade, chegam aos estúdios de
ao nome “Soyuzmultfilm”. animação do país. Desta forma, em 1962,
É importante ressaltar que essa nova tecnologia não foi bem recebida por todos os a União Soviética vivencia relevantes
diretores. Muitos imitaram a estética de Disney, mas muitos resistiram a ela, procuraram mudanças na história da animação. Este
uma estética própria, fascinados pelo cinema de animação autoral. De maneira geral, movimento iniciou com o filme “A História
a animação soviética foi confinada à “gaveta infantil”, sendo permitido filmar somente Frames de “A história de um crime”
contos de fadas ou histórias com ensinamentos morais. No entanto, após a Segunda
Guerra Mundial, os artistas filmavam voluntariamente desenhos animados, que
de um Crime”, de Fiodor Khitruk. A revolucionária tragicomédia sobre a imoralidade da sociedade quanto os estadistas olhassem novamente com atenção para o cinema de
impolidez transformou-se em um símbolo de mudanças. O artista ofereceu expressivos animação. O “Oscar”, em alguns sentidos, ajudou a animação russa a sair do gueto do
“alinhamentos” no estilo do filme, permitindo ao espectador pensar o que fora insinuado, esquecimento e a sobreviver a um genocídio econômico...
porém não descrito detalhadamente no espaço. Khitruk é, merecidamente, reverenciado
Era uma época de paradoxos. Em parte, a indústria da animação caminhava rumo ao
como professor por quase todos os diretores da animação contemporânea na Rússia.
abismo financeiro. Os grandes estúdios do país, emblemas da indústria cinematográfica
Trabalhando no universo da animação desde 1937 e tendo estudado e incorporando as
de animação, fechavam as portas. No entanto, paralelamente, como cogumelos,
tradições da animação clássica na sua obra, ele se tornou o descobridor e explorador
proliferavam novos estúdios independentes. Nascidos durante a crise, eles eram imunes a
de áreas até então desconhecidas do cinema de animação. Em cada novo trabalho, ele
qualquer tipo de dificuldade.
abre novas “portas”: “Toptizhka” (1964), “As férias de Bonifácio” (1965), “O homem na
moldura” (1966), “Filme, filme, filme” (1968) e “O ursinho Puff” (1969) constituem marcos Eram também tempos de novas esperanças. Uma escola de animação foi criada em São
no desenvolvimento da animação no país. Petersburgo, inicialmente devido ao ativismo dos diretores Irina Evteeva, Konstantin
Bronzit e Rinat Gazizov... Mas o grupo de São Petersburgo iniciou, praticamente do zero,
A animação não só havia atingido a sua maturidade, como também adquirido um olhar
alguns projetos de grande porte: séries para a televisão e filmes de longa-metragem.
perspicaz sobre a sociedade. Compreendeu também a possibilidade e necessidade de
Hoje, o estúdio “Melnitsa” (Moinho) ocupa um dos principais lugares no cenário comercial
dialogar com o público sobre as preocupações íntimas e cotidianas de cada indivíduo e
do cinema de animação.
a responsabilidade de cada indivíduo na sociedade. Nos melhores filmes, os aspectos
sociais, os pensamentos sobre o presente e o futuro, assim como sobre a moralidade Atualmente, a animação russa está em ascensão. São produzidos 300 filmes por ano,
ganham formas filosóficas. Nos filmes de Andrei Khrzhanovsky, os acontecimentos entre filmes autorais, séries e longas-metragens. Obviamente, as dificuldades financeiras
transformam-se até mesmo em parábolas filosóficas poéticas, tais como “Era uma vez novamente influenciam o desenvolvimento do universo de animação. Até hoje, a Rússia
Kozyavin” (1966) e “A gaita de vidro” (1968). não conseguiu produzir nenhum blockbuster no universo de animação, o qual mereça ser
assistido em todo o mundo. Para a produção de tal produto, simplesmente, não há meios
Quando o animador Yuri Norstein tornou-se diretor, a animação soviética ganhou um
econômicos suficientes. Mas chegaremos lá.
autor que constrói os seus filmes com um universo próprio: “A raposa e a lebre” (1973),
“A garça e a cegonha” (1974), “O ouriço no nevoeiro” (1975) e “O conto dos contos” (1979).
30 Cada imagem mostra ao mesmo tempo o mundo concreto, “habitável”, e o espaço 31
completamente imaterial do espírito. Independente dos protagonistas escolhidos por
Norstein para as suas histórias, no centro da sua obra encontra-se sempre o espírito
perdido, em busca de laços com o mundo, com as suas raízes e com os amigos. O cinema
de animação autoral desta época pode ser, merecidamente, comparado com a literatura,
com a poesia e com a pintura.
Em 1988, foram criados na União Soviéticos estúdios não estatais mais dinâmicos
e com linhas artísticas próprias. Eles atraíam os jovens artistas. Graças à lei “da
cooperação”, Alexander Tatarsky e Igor Kovalev criaram o estúdio “Pilot”, primeiro estúdio
independente. A coluna vertebral deste estúdio era composta por graduandos da escola
fundada pelo próprio Alexander Tatarsky, durante os anos em que ele trabalhava para a
televisão. No estúdio “Pilot”, os diretores souberam combinar com sucesso o trabalho
em filmes autorais e as encomendas do mercado. O estúdio quebrou o estereótipo
relativo à duração dos filmes: somente as questões artísticas determinavam a duração
de cada título. Assim, estudantes provenientes da “Escola Estúdio Pilot” imediatamente
começaram a ganhar reconhecimento do mercado internacional e receberam os
principais prêmios nos concursos internacionais.
Durante os anos 1990, cerca de dez novos estúdios foram criados pelo país. O famoso
diretor de cinema e artista Alexander Petrov criou o estúdio de animação “Panorama”, em
Yaroslavl. No entanto, a crise econômica que assolou o país foi extremamente prejudicial
para o cenário cinematográfico do país. Alexander Petrov concluiu no Canadá o seu filme
“O velho e o mar”, pelo qual ganhou o Oscar americano. Este fato fez com que tanto a
transformação na linguagem artística de Tsekhanovsky, muitos artistas simplesmente
Mikhail Tsekhanovsky: um pioneiro da não aceitaram estas mudanças e deixaram a indústria da animação para outros campos
animação Maria Vragova das artes, tais como a pintura ou a ilustração literária.
O filme “O conto do padre e do seu trabalhador Balda”, baseado na obra do poeta russo
Alexander Pushkin deveria ser o primeiro longa-metragem do diretor, com música de
Um dos pioneiros da animação na União Soviética, Mikhail Mikhailovitch Tsekhanovsky Dmitri Shostakovich. Os trabalhos começaram em 1933 e, após ter escrito parte da
nasceu em 1889, na cidade de Khmelnyntsky. Começou a desenhar ainda no Liceu de partitura, Shostakovich relatou entusiasmado: “Há diversas situações hiperbólicas
Pintura de Moscou, antes de continuar os seus estudos na Academia de Belas Artes de e personagens grotescos... Escrever a música é prazeroso e fácil.” No entanto, em
Paris, entre 1908 e 1909. De volta à Rússia em 1911, formou-se na Academia Imperial de 1936, Shostakovich foi forçado a interromper os trabalhos, após a publicação do artigo
Artes de São Petersburgo e na Escola de Pintura, Escultura e Arquitetura de Moscou. “Confusão ao invés de música”, o qual criticava o “formalismo” nas obras do compositor.
Entre 1918 e 1923, integrou o Exército Vermelho, onde realizou diversos trabalhos em arte Além disso, os movimentos mecanicamente interligados dos personagens em preto e
aplicada e escultura. Trabalhou ainda como artista instrutor na Escola Técnica Estatal de branco foram considerados “incompatíveis” com o estilo pushkiniano pelos críticos.
Arte e Indústria, em Petrogrado (atual São Petersburgo). Finalmente, a animação do filme ficou praticamente pronta e foi enviada aos arquivos do
A partir de 1926, Mikhail Tsekhanovsky trabalhou na editora “Raduga” (Arco-íris) e estúdio “Lenfilm”. Durante a Segunda Guerra Mundial, o material foi destruído durante
na editora infantil Lengiz, ilustrando diversos livros infanto-juvenis em colaboração um bombardeio. Apenas o fragmento “Bazaar”, com poemas de Alexander Vvedensky, e a
com Vladimir Lebedev. O jovem artista foi rapidamente seduzido pelo movimento partitura fragmentada e inacabada de Shostakovitch² sobreviveram ao incêndio. Em seus
construtivista, e logo incorporou o método gráfico proposto por El Lissitzky no seu diários, Tsekhanovsky aponta o destino do filme como “um desastre.”
universo criativo. Esta influência construtivista fica evidente nos assim chamados “cine- Após sobreviver a meses sombrios durante o Cerco de Leningrado, Tsekhanovsky
livros”, criados por Tsekhanovsky na década de 20: “Bola”, “Bim-Bom” e “Trem”. Nestes mudou-se para Moscou no final da Segunda Guerra Mundial e começou a trabalhar no
volumes, nos quais o artista já utilizava algumas técnicas cinematográficas, criava-se, ao “Soyuzmultfilm”. Nos filmes realizados após a Guerra, o diretor retrata o maravilhoso
folhear o livro, uma espécie de animação das imagens. mundo dos contos de fadas russo. Com uma técnica precisa e consciente dos sentimentos
Em 1928, iniciou os seus trabalhos como diretor de animação no estúdio “Sovkino”¹ em de heroísmo, tragédia e poesia presentes nestas obras, Tsekhanovsky conseguiu criar
32 imagens dotadas de uma poesia fabulosa, refutando a opinião daqueles que alegavam ser 33
Leningrado. Com um universo complexo e um vasto horizonte, Mikhail Tsekhanovsky
encontrou na animação uma linguagem ideal para transferir na integralidade o seu estilo a animação apenas um meio para ninharias cômicas.
e a sua visão artística. Já o seu primeiro filme, “Correio” (1929), foi em muitos sentidos um
grande marco na história da animação soviética. Neste primeiro curta-metragem, baseado ¹ O estúdio cinematográfico “Sovkino” passou a ser chamado de “Lenfilm” a partir de 1934.
nas suas ilustrações para o livro de Samuil Marshak, o diretor trouxe para o cinema a ² A partitura foi restaurada e terminada por Vadim Bibergan, aluno do compositor, em 2005.
estética construtivista, que havia aperfeiçoado nas suas ilustrações. Em 1929, ao lado de
Evgueny Sholpo e Arseny Avramov, Tsekhanovsky foi um dos pioneiros do “som desenhado”,
uma síntese de obras musicais através de uma imagem gráfica gravada na película, a
partir de trilhas sonoras. Em 1930, a versão sonora de “Correio” com música de Vladimir
Deshevov e apresentação de Daniil Kharms, ficou conhecida como o primeiro desenho
animado sonoro da União Soviética. O filme foi ainda o primeiro desenho animado a atingir
um grande público na União Soviética e a sua versão em cores (desenhada à mão) constitui
a primeira animação colorida do país. O filme revolucionou o universo da animação na União
Soviética, utilizando ângulos diagonais inesperados, os quais nos remetem às fotografias de
Boris Ignatovitch e trazendo uma organização rítmica da imagem. Essa organização rítmica
Frames de “O conto do pescador e do peixinho”
da imagem e a sincronização entre o som e imagem continuaram a ser desenvolvidas pelo
diretor em “Pacific 231” (1931). Com música de Arthur Honegger, o filme é construído a
Filmografia na mostra
partir de uma complexa composição sonoro-visual. O conto do pescador e do peixinho” (Skazka o ribake
i ribke)
Com o estabelecimento do realismo socialista, Tsekhanovsky foi forçado a abandonar URSS, 1950, 30 min
este estilo extremamente inovador para praticar a técnica genérica que viria a ser
conhecida na União Soviética sob o nome de “Éclair” (no Ocidente esta técnica é chamada
de rotoscopia). Se as diferenças visuais são claramente visíveis, marcando uma profunda
fiodor khitruk
diretor I cenarista I animador I pedagogo
Nasceu em Tver, em 1917. Após concluir os seus estudos no Instituto de
Ilustradores, Fiodor Khitruk integrou o corpo de profissionais do estúdio
“Soyuzmultfilm” entre 1937 e 1941 e entre 1948 e 1983. Animou cerca
de 200 filmes, antes de iniciar a carreira de direção. Colaborou com S.
Alimov, E. Nazarov. Foi professor na Escola Superior para Roteiristas
e Diretores, na Escola de Animadores do Estúdio Soyuzmultfilm e no
Instituto de Cinema de Moscou, além de ter sido diretor artístico do
mesmo estúdio. Vencedor de diversos prêmios internacionais, entre
os quais destacam-se o prêmio do Festival Internacional de Cinema de
Cannes, o Prêmio Estatal da URSS e o Prêmio Starevitch de animação.
Em 1985, foi condecorado como “Artista do Povo”, na União Soviética.
34 35
A luva (Varezhka)
URSS, 1967, 10 min
A história de um crime (Istorya odnogo prestuplenya)
URSS, 1962, 20 min
O ursinho Taptizhka (Taptizhka)

URSS, 1964, 9min
O homem na moldura (Tchelovek v ramke)

URSS, 1966, 10 min
O ursinho Puff (Vinni Pukh)

URSS, 1969, 10 min
O ursinho Puff faz uma visita (Vinni Pukh idet v gosti)

URSS, 1969, 10 min
O ursinho Puff e um dia atarefado (Vinni Pukh i den zabot)

URSS, 1972, 19 min
A Ilha (Ostrov)
URSS, 1973, 10 min
O leão e o touro (Lev i byk)

URSS, 1984, 10 min
“Pinóquio” e alguns outros. Nós estudávamos estes filmes detalhadamente, quadro por
quadro, cada cena, cada episódio.
Conversa sobre a profissão Fiodor Khitruk No início de 1940, eu fui convidado pelo diretor Lev Atamanov para trabalhar com ele,
em Yerevan. Trabalhei com ele novamente mais tarde, em Moscou. Na verdade, eu
não fui convidado diretamente. Animadores mais experientes, tais como Boris Titov e
Fiquei impressionado pela animação pela primeira vez em 1934. Grigory Kozlov foram convidados, e eles me levaram. Em Yerevan, nós realizamos o
Eu tinha 17 anos, quando vi os desenhos de Walt Disney, no Primeiro Festival primeiro longa-metragem de animação armênio: “O tapete mágico”. Trabalhávamos com
Internacional de Cinema de Moscou. Eram os filmes “Maestro Mickey”, “Os três entusiasmo por mais de um ano e, em maio de 1941, voltamos felizes a Moscou.
porquinhos” e “Os pinguins engraçados”. Obviamente, eu já tinha visto desenhos E a guerra começou... Eu me lembro dos primeiros dias alarmantes. Lembro-me como
animados nacionais e estrangeiros, mas naquela época, eu achava que era somente todo o estúdio era tenso, assim como todo mundo. Já tínhamos outros pensamentos
um truque habilidoso. Mas esses filmes me transtornaram. Eu via algo incrível, e temas: neste estado de mobilização interna, nós sentíamos a necessidade de criar
inimaginável! Eu já estava bastante habituado com o fato que um desenho podia mexer- cartazes curtos, ativos e satíricos. Dezhkin e eu também começamos a criar um cine-
se no écran. Mas o que mais me impressionou, foi que estes filmes fizeram-me esquecer cartaz publicitário. Trabalhávamos como loucos, sem nenhum roteiro ou esboço... Durante
disso, levaram-me para um mundo de novas imagens, surreais e ao mesmo tempo os ataques aéreos, colocávamos capacetes que nós próprios confeccionamos. Subíamos
incrivelmente reconhecíveis, muito divertidas. Porque só podemos rir de algo que no telhado do estúdio e atirávamos bombas incendiárias... Após o término do alarme
conhecemos, sobre o qual temos uma posição. aéreo, voltávamos a trabalhar, pernoitando muitas vezes no estúdio...
Eu não vou mentir, dizendo que aquela sessão foi determinante para mim na escolha da Mas nós não terminamos a nossa história. Eu fui mobilizado como cadete do colégio de
minha profissão. Naquele momento, eu não pensava na animação como a minha futura infantaria, comandante de pelotão e mais tarde como intérprete militar no 17º exército
profissão. Eu já estudava em um liceu artístico e sonhava com as artes gráficas. Mas o aéreo. Junto com as unidades do 3º fronte da Ucrânia, eu lutei até o final da guerra, indo
sentimento que experimentei durante a sessão, permaneceu na minha memória e, após até Viena.
três anos, foi determinante na escolha da profissão.
A guerra acabou. Eu regressei a Moscou e já pretendia voltar ao meu querido estúdio,
36 Em 1937, após ser aprovado no concurso artístico, eu fui aceito como estagiário-animador mas, de repente, fui enviado a Berlim, como intérprete militar, permanecendo dois 37
no estúdio “Soyuzmultfilm”. O trabalho de um animador é muito específico. Ele requer anos na Alemanha. Somente no dia 10 de novembro de 1947, precisamente dez anos
uma qualidade bastante rara: a habilidade de poder imaginar um personagem em após a minha admissão no estúdio, eu voltei ao “Souyzmultfilm”, e a minha profissão de
qualquer ângulo. Essa é somente a primeira premissa para essa profissão. animador, que eu mal havia começado a dominar e da qual já tinha me esquecido. Eu tive
Eu estudava, praticando e observando o trabalho dos nossos melhores animadores: que novamente começar tudo do zero.
Boris Dezhkin, Faina Epifanova, Boris Titov e muitos outros. Mas vivemos ainda anos Eu estava com sorte, pois entrei no grupo de Boris Dezhkin. Como ele se lembrava de
difíceis, cheios de desespero e decepções, antes que eu pudesse chamar-me de artista- mim, logo me deu uma cena de produção do seu novo filme. Mas eu tive problemas com
animador. Quanto mais eu trabalhava, mais eu entendia como a profissão de animador é esta cena, e não consegui fazê-la. O prazo era curto e pressionava-me como a espada de
difícil e heterogênea. O animador não só precisa saber desenhar bem e rápido. Ele ainda Dâmocles. Quanto mais nervoso eu ficava, mais o meu trabalho piorava. Já começava a
precisa ter um ouvido musical, pois trabalhamos com música e somos acompanhados pensar em procurar outro trabalho (eu já tinha exercido a profissão de intérprete), mas
constantemente pela música. Ele necessita de um bom ritmo. Finalmente, ele precisa não conseguia me separar da animação. Ela já fazia parte de mim. Sou muito grato a
de uma propriedade única: tem que guardar na imaginação aquele movimento decisivo, Dezhkin, pois ele entendia perfeitamente o meu estado, as minhas torturas e dúvidas e
porque ele poderá vê-lo durante o processo, no écran, quando as composições estiverem guiava-me com muito tato.
completas e filmadas.
No filme “A patinha cinza”, de L. Amalrik e V. Polkovnikov, eu fiquei encarregado de uma
O animador, trabalhando em uma cena, tem que sentir sempre a sua duração, a sua ordem cena: o personagem inteiro da raposa em uma determinada parte, pois durante o filme,
e o seu ritmo. Vê-la através da sua visão interna. Ele deve ainda ser ator... Precisa ainda vários animadores trabalham em um personagem. Isto também é uma peculiaridade da
de muitas outras qualidades. Dizem que a animação é uma arte sintética, mas também nossa profissão. A imagem é única, e deve existir uma única solução e maneira de atuar ao
podemos dizer que a profissão de animador é uma das profissões mais sintéticas, pois longo do filme, mas é realizada por vários animadores, cada qual com o seu próprio estilo
reúne várias linguagens artísticas. e propriedades... É difícil imaginar o papel de Hamlet sendo apresentando por cinco atores
Nós aprendemos muito com os filmes de Disney, porque a escola de animação clássica,
como é hoje em dia conhecida, é muito bem representada nos seus longas-metragens: “A
Branca de neve e sete anões”, “Bambi” (em minha opinião, o ápice da arte de animação),
em um espetáculo, apesar de ter ouvido falar sobre uma encenação assim na Polônia. Mas no papel de narrador.
isto era uma exceção, e para nós é uma regra.
O pintor L. Schwartzman
O mais difícil para mim, e creio que para qualquer animador, é entrar no papel de um criou um excelente
personagem. Naquela época, eu já dominava os movimentos. Já imaginava como a raposa personagem típico. Junto
andaria, como se comportaria em certas circunstâncias. Mas entrar no papel, sentir o com o diretor e pintor,
caráter e o estado do personagem numa situação concreta era a tarefa mais difícil e, nós discutíamos em
provavelmente, a mais interessante para mim. Eu acho que é a essência do trabalho de detalhes a biografia deste
animador: ele metamorfoseia-se duas vezes. Primeiro, penetra o personagem que ele personagem. A apropriação
cria, e depois, através deste personagem, ele encarna-se no seu caráter, a partir do do personagem começou,
roteiro criado. como sempre, pela
gravação do áudio. A voz
Aqui, um esclarecimento faz-se necessário. Não é o
era de Vladimir Gribkov,
animador que inventa o personagem. A imagem é criada
famoso ator do teatro
pelo dramaturgo e pelo roteirista. Ela é elaborada por
MKHAT. Ele elaborou
um diretor de arte, que encontra uma imagem gráfica Frame de “A rainha da neve”
a parte vocal de maneira tão fina e precisa que o trabalho passou a trazer-me um
concreta, chamada de personagem típica. A tarefa
verdadeiro prazer. Durante o processo apareciam novas tarefas, até então desconhecidas
do animador é personificar esta imagem através do
para mim, como a procura de finas nuances no psiquismo do protagonista.
movimento emocional.
Em a “Rainha da Neve”, eu interpretava mais um papel: o da Rainha da Neve. O contraste
Para mim, foi muito instrutivo participar nos filmes de Mstislav Pachenko, um ótimo
entre um gnomo vivo e expansivo e a imagem da fria feiticeira me ajudava bastante
diretor e uma pessoa bastante otimista. Creio que o filme “Quando iluminam as árvores
no trabalho. A Rainha da Neve era majestosa e imóvel. As suas emoções podiam ser
de natal” foi a nossa primeira colaboração. Eu deveria animar o personagem do boneco
expressas por gestos mínimos: um movimento das sobrancelhas, um movimento dos
de neve. A cena era relativamente longa, cerca de 20 segundos, e o papel consistia em um
olhos, os quais irradiavam uma luz glacial...
monólogo. Era uma tarefa complicada e ao mesmo tempo interessante: o boneco de neve 39
38
não tinha parceiros. Ele não tinha contato com os outros personagens e, principalmente, Eu não tenho como falar de todos os papéis que criei, pois são mais de 200. Eu participei
não fazia nada. Só ficava em pé e falava. No desenho animado, o trabalho começa com da criação de 120 filmes e posso dizer que era uma belíssima escola. Todos nós
a gravação das frases dos protagonistas. O ator Volodin gravou as frases do boneco de aprendíamos com os diretores, com os nossos colegas animadores, aprendíamos fazendo
neve e fez isso de uma maneira tão viva e imaginativa, que para mim tornava-se fácil as cenas, e na maioria das vezes, aprendíamos através dos nossos próprios erros... E
imaginar os gestos e o comportamento do personagem. Mas, obviamemte, a minha esta experiência única como animador ajudou-me muito quando eu decidi ser diretor. Isto
tarefa não se limitava ao trabalho de fazer o boneco de neve mexer os lábios e braços aconteceu no final de 1961.
de maneira sincronizada com o fonograma. Era necessário encontrar os traços típicos
Frequentemente, perguntam-me por que eu decidi ser diretor tão tarde. Realmente,
do comportamento do personagem e aproveitar a cena. Fazendo isso, eu, pela primeira
44 anos não é uma idade apropriada para o início da carreira de diretor. Aqui, eu
vez, entendi que a profissão de animador incorpora parte do trabalho de um diretor: não
devo precisar: ninguém chamava-me para ser diretor, mas tampouco colocavam-me
sou eu o ator. Eu faço isso através de um personagem desenhado e, por isso tenho que
obstáculos. Eu simplesmente gostava muito, e continuo gostando da minha profissão de
interpretar a encenação e controlar a ação dentro da cena.
animador e agora, sendo um diretor experiente, tento não perder a minha habilidade neste
Pachenko tinha uma qualidade excepcional: não pregava sermões e não impunha nada a ramo. Se esta profissão não fosse tão esgotante, demandando esforço, (não somente um
ninguém. Neste sentido, ele era um professor ideal. Sabia precisamente o que queria de esforço moral, mas também um esforço físico, pois finalizando uma cena, você se sente
um animador, mas sempre dava a oportunidade para ele revelar-se, para realizar a sua completamente devastado) eu gostaria de combiná-la com a profissão de diretor.
ideia. E, se esta estivesse em harmonia com a ideia geral, respondendo à ideia principal,
Chegou um momento, quando eu senti que queria e poderia ser diretor. Eu tinha algo a
ele aceitava a proposta com muita vontade, dando ao animador plenos poderes de autor.
dizer, algumas ideias, as quais eu não conseguia expressar como animador. O tema do
Esta qualidade é bem rara entre os diretores e por isso, muito apreciada.
meu primeiro filme, “A historia de um crime”, e as particularidades do meu estilo de
Uma das minhas tarefas mais complicadas foi durante o filme de Lev Atamanov “A rainha direção eram o resultado da experiência profissional adquirida antes deste filme. De
da neve”. Eu tive muita sorte. Normalmente, o animador não anima um personagem. Ele alguma maneira, este filme traz alguns traços autobiográficos. Era uma vez, quando, sem
anima uma cena, trabalhando com todos os seus detalhes. Em “A Rainha da Neve”, eu
fiquei encarregado de animar um personagem ao longo de todo o filme. Era o papel de Ole
Lukøje, um gnomo de um conto de fadas, o qual o diretor introduziu no conto de Andersen
querer, eu encontrava-me em uma situação muito parecida com a do protagonista do para serem descobertas, tantas coisas interessantes, que decidimos com firmeza a
filme. A ideia que eu sugeri ao departamento de roteiros foi logo aceita e aprovada, mas continuar a experiência. Queríamos fazer algo completamente diferente, usando outra
eu não tinha um roteiro em si. Tinha somente alguns esboços, um projeto de rascunho. temática, outro modo de expressão, e, obviamente, outro gênero.
Propuseram o roteiro a Mikhail Volpin, dramaturgo experiente, que aceitou com prazer.
Ainda na juventude, um dos meus pintores preferidos era Evgueny Tcharushin. Pensando
Para mim, não era fácil começar. Quase todo o grupo de produção era iniciante. Serguey em um novo tema, eu, involuntariamente, lembrava-me dos seus desenhos. Eu queria
Alimov, que acabava de se formar no Instituto de Cinema, era um iniciante, assim como o muito usar este estilo surpreendente em uma animação baseada em um conto de fadas.
operador e os jovens animadores. Podemos dizer que todo o nosso grupo pequeno, mas Tcharushin era um incrível contador nas suas ilustrações. Ao mesmo tempo, eu entendia
unido, estava prestes a começar a sua primeira viagem independente. Estávamos todos que era muito difícil reproduzir no écran o encanto incomparável da sua técnica: a técnica
em condições de igualdade. de celulóide é ligada a um desenho de contornos muito rígidos e, normalmente, o contorno
de linhas não é presente nas ilustrações do pintor.
Eu tinha uma pequena experiência
de trabalho como diretor, acumulada Tcharushin preferia trabalhar com manchas coloridas vivas e ricas. Mas como reproduzir
durante o meu trabalho como animador, um desenho destes em milhares de esboços?
mas logo entendi que a profissão de
A tentação era grande e nós decidimos experimentar.
diretor era completamente diferente e
que as responsabilidades eram mais Eu tinha um roteiro, que não era tão bem escrito: a simples história sobre o ursinho
amplas e mais específicas. Aqui, fazia-se Toptizhka. Este roteiro servia muito bem para uma experiência técnica. Em minha opinião,
necessário ainda ser um organizador, a linha de contorno rígida destrói a poesia do conto, tornando as imagens demasiado
gerente de um grupo. E isto não era fácil. concretas. Como resultado, o principal desaparece: o caráter enigmático e misterioso,
que é atribuído ao conto russo. Por isso, decidimos usar a técnica de travessas plenas
A dificuldade residia também no fato
e bonecos de papel, a qual possibilitava a manutenção de uma rica fatura da imagem.
que no nosso filme não tínhamos a
Assim, nasceu o filme “O ursinho Toptizhka”. Provavelmente, é o único filme, no qual
condicionalidade tradicional de um
posso dizer que conseguimos realizar tudo o que pretendíamos. O nosso filme abria novos
conto de fadas, que era uma base 41
40 caminhos no uso das artes ilustrativas na animação.
habitual da nossa animação e que
também consistia a sua principal força Depois, eu recebi, por acaso, um roteiro baseado no conto do escritor tcheco Miloš
de expressividade. Todavia, tentávamos Macourek: “Bonifácio e a sua família”. Lendo as primeiras frases, eu já estava encantado
usar as vantagens de linguagem deste pela atmosfera de conto, pela imagem de um leão calmo, tímido e bondoso (Bonifácio),
gênero. Eu acho que, de algum modo, que deveria pretender ser uma fera feroz no circo onde trabalhava. Este tipo de serviço
obtivemos um resultado. não lhe agradava e ele tinha saudade da África, onde morava a sua avó. Atrás desta
historia simples, há um pensamento profundo sobre o destino do artista, a alegria da arte,
Passaram-se mais de vinte anos desde
e a relação entre o artista e o público.
aquela época, e agora eu posso afirmar
com certeza: infelizmente, nós nunca Se entre os meus primeiros três filmes havia intervalos grandes e durante cinco anos eu
mais tivemos discussões tão ardentes fiz somente três filmes, o meu próximo filme, “O homem na moldura”, foi iniciado antes de
e, ao mesmo tempo, uma unidade e terminarmos os trabalhos de “Bonifácio”. A ideia deste filme já vinha sendo amadurecida
unanimidade no processo de criação do durante algum tempo. Como também no “Ursinho Toptizhka”, ela surgiu a partir de uma
filme, pois cada um queria contribuir técnica, de uma imagem visual. Assim acontece: primeiro você acha uma imagem visual,
com algo seu, com a sua experiência a qual, em seguida, vira um roteiro... Eu creio que encontrei uma imagem bem sucedida:
pessoal. enquanto se desenrolava o destino do protagonista, uma pessoa medrosa e limitada, que
preservava a sua reputação com rigor e tinha receio de fazer algo fora da “normalidade”,
Após o grande sucesso do filme,
a sua moldura aumentava, tornando-se cada vez mais sólida. O homem não crescia.
muitos me aconselharam a continuar o
Simplesmente, a moldura aumentava até o ponto de cobrir completamente a sua persona,
trabalho, inventando novas aventuras
a sua personalidade...
com o protagonista do filme, em outras
palavras, fazendo uma série. Mas, nós
“A história de um crime”
não estávamos atraídos pela ideia.
Existiam, na animação, tantas coisas
Este foi o trabalho mais difícil e mais sério de todos nós encontramos o caráter que tanto procurávamos. Assim mesmo deveria ser o nosso
os que eu havia realizado. Eu sentia a necessidade protagonista. Leonov encontrou a imagem deste sonhador excêntrico. Eu chamei os
de fazer um filme, no qual a ideia seria expressa animadores: olhem, desenhem! Assim deve ser o nosso protagonista.
pelos meios mínimos, somente através de uma
Os meus últimos trabalhos, “A ilha”, “Eu te dou a estrela”, e “Ícaro e os sábios” foram bem
imagem-símbolo muito forte.
aceitos tanto pelo público russo, como pelo público estrangeiro. Creio que “A Ilha” é o meu
É difícil trabalhar com os símbolos. A precisão na escolha dos meios é imprescindível. filme mais leve. O único obstáculo encontrado na realização do filme foi o ritmo, melhor
Todo o sistema de imagens do filme era destinado à revelação de uma séria ideia dizer, a pulsação do filme. Enquanto eu não havia assistido ao filme inteiro, cada cena em
social. Trata-se de um filme sobre o dever moral, sobre a consciência, sobre a si me contentava. No entanto, quando eu colei o filme nos testes de rascunho e o coloquei
responsabilidade do homem perante a sociedade e sobre a sua capacidade de assumir na mesa de montagem, ficou óbvio que eu havia errado bastante no ritmo. O filme era
esta responsabilidade. Este filme narra como, a partir da covardia e da ambição, nasce, lento demais.
aos poucos, a infâmia, a qual conduz o homem à morte moral. Por acaso, eu puxei o pedal da bobina e o filme rodou mais rápido. Logo, ficou claro que
Enquanto isso, na minha alma, amadurecia o meu sonho sobre “O Ursinho Puff”. Eu conhecia este era o tempo ideal para o filme. O tempo era muito importante neste filme, como
este livro praticamente de cor. Ele havia sido relatado magnificamente pelo poeta Boris um sinal do tempo no mundo ocidental contemporâneo, o qual está sempre apressado,
Zakholder. Sim, relatado, e não meramente traduzido. Eu flertava com este livro durante correndo e precipitado. Está sempre querendo alcançar algo, que ainda não pode ser
vários anos e estava com medo de estragar tudo, pois a sua fatura era muito fina e o material alcançado.
muito frágil. Levar ao cinema uma obra clássica da literatura (e Ursinho Puff é, sem dúvida, No meio desta confusão, no cruzamento das principais artérias da civilização, deveria
uma obra clássica no nível de “Alice no pais das maravilhas”) é sempre perigoso. Há sempre estar este pobre Robinson. E não se sentia isso no filme. Eu tive que refazer as folhas de
o risco de não alcançar o nível do original da obra. Mas o conto me atraia tanto, que eu estava exposição de todas as cenas. Quando o filme foi filmado novamente, ele ficou muito mais
pronto a arriscar e, se ainda não havia feito, era porque não me sentia totalmente preparado. próximo ao conceito inicial.
Quando eu encontrei o artista Vladimir Zuikov, percebi que o conto era muito próximo a ele e
que ele seria capaz de propor uma ideia Eu gostaria de falar ainda sobre mais um detalhe deste filme. O filme estava prestes a
gráfica interessante. ser concluído, e nós estávamos sem uma ideia para o ponto final. Eu não estava satisfeito
42 com as opções para o final. Eram todas muito concretas, estreitas, simplificando o 43
Para nós, o Ursinho Puff não era pensamento. Nós estávamos sentados, extenuados, pensando em um final, cansados
apenas um ursinho que gostava de mel. de tanto esforço em vão. De repente, alguém começou a assobiar, bem baixinho. Ele
Víamos nele um filósofo, um sonhador. não tinha um bom ouvido e não assobiava tão bem. Assobiava baixinho, imerso em seus
Todas as situações cômicas eram pensamentos... E estes sons deram-me a pista para a ideia do final. Assobiando baixinho,
construídas a partir do conflito entre o um ser igual ao protagonista passa nadando. Ele o convida a agarrar um pequeno tronco
mundo imaginado por Ursinho Puff e a de árvore, o qual ele mal consegue segurar. E eles partem os dois para uma vida em um
realidade que o cerca e com a qual ele mar sem fim...
entra em contato de maneira absurda
e inesperada. Durante o trabalho de A geração de artistas que está chegando hoje ou que chegará amanhã no mundo
criação, foram criadas três opções do de animação terá mais dificuldades do que a nossa, porque as tarefas serão mais
protagonista, mas somente a última era complicadas e, consequente, as expectativas serão mais elevadas. Atualmente, já não
interessante, mais próxima da nossa é suficiente saber desenhar bem ou ser um bom ator. E amanhã, a qualidade principal e
ideia. decisiva será a capacidade de compreender os complicados e contraditórios processos de
vida. E quanto mais complicado for o pensamento, maior deverão ser a habilidade, a arte e
A ajuda chegou inesperadamente, de a maestria para poder expressá-lo de maneira clara e precisa. Isto significa que cada um
Evgeniy Leonov, o narrador das histórias deve ter uma base profissional sólida e saber fazer bem o seu trabalho.
do Ursinho Puff. Ele não narrou
simplesmente o texto do roteiro, mas Todos nós continuamos os nossos caminhos na animação e este processo é infinito. A
imediatamente e, de maneira precisa, animação é uma arte, na qual muitos aspectos ainda não são conhecidos e não foram
entendeu o caráter do protagonista. Ele ainda decifrados.
se posicionou em frente ao microfone,
parou por um momento, assumiu
uma pose, com o olhar pensativo, e “O homem na moldura”
Nesta época, surgem também algumas
Uma enciclopédia animada para a ecranizações dos contos de um dos mais
compreensão de uma sociedade Luiz Gustavo Carvalho importantes escritores infantis da União
Soviética: Kornei Tchukóvsky. Já a versão
colorida, realizada por Ivan Ivanov-Vano, em
A animação dos anos 1960 reflete a relativa liberdade que floresceu na União Soviética 1954, de “Moydodyr” (1954), um personagem
durante um período conhecido como “O Degelo”. Nikita Khruschev, Primeiro-Secretário sob a forma de uma pia antropomórfica,
do Partido Comunista e líder da União Soviética entre 1953 e 1964, denunciou os crimes marca uma nova compreensão do aspecto
cometidos por seu antecessor e colocou um fim ao culto da personalidade de Josef Stalin. gráfico do desenho animado. Ivan Ivanov-
Esse episódio, hoje conhecido como “Discurso Secreto”, foi de importância fundamental Vano (Moydodýr) e, posteriormente,
para a produção artística da segunda metade do século XX na antiga União Soviética, Leonid Amalrik (Limpopo) e Boris Dezhkin
Frame de “Terem-teremok”
pois permitiu que o papel da arte na sociedade fosse reformulado. Assim, no universo da (Mukha Tsokotukha) tentam manter as
animação, surgiu o desejo de realizar filmes, nos quais o público se identificasse como características gráficas dos personagens de
parte da realidade, através da construção de identidades visuais e narrativas históricas Tchukóvski, procurando uma fidelidade aos personagens descritos nos seus contos.
contemporâneas. Enquanto a era stalinista praticamente extinguiu a influência do Essa estética é também claramente visível no filme “Tarakã, o bigodudo”² (Tarakanishe),
construtivismo e da vanguarda russa na animação, Khruschev via a imagem visual como realizado em 1963 por Vladimir Polkovnikov. Neste conto, Tchukóvsky pinta um quadro
um meio importante para a revitalização da sociedade soviética. alegórico, no qual um reino animal idílico é aterrorizado por “um monstro gigante, / ... /
Tarakã é seu nome! Baratona, baratão!” que
A estética revolucionária de Fiodor Khitruk, com o seu filme “A História de um Crime” “rosna, gritalhão / vai mexendo o bigodão” e
(1962), abre o caminho para uma geração talentosa de jovens diretores e animadores ameaça: “Fiquem calmos, não se apressem,
desenvolverem os seus próprios estilos e interesses. Os desenhos animados desta época / Vou engoli-los num instante! / Vou engoli-
traziam não somente um novo estilo de animação, que lembrava as linhas prosaicas do los sem perdão!”. O terrível e bestial
estúdio americano U.P.A.¹, mas abordavam pela primeira vez, desde os anos de vanguarda gigante de Tchukóvsky tem a estatura de
44 da animação soviética, uma história então contemporânea. uma barata, um apelido dado na Rússia aos
45
Assim, a animação dos anos 1960 nos apresenta um crocodilo, que trabalha como homens que possuem um bigode espesso.
crocodilo em um jardim zoológico (Crocodilo Guena) e Tcheburashka, que apesar de ainda Escrito em 1923, quando Stalin era apenas
não ter ser sido identificado pela ciência, já sonha em ser pioneiro. (Crocodilo Guena, um dos “bigodudos” que almejavam o poder
Frame de “Tarakã, o bigodudo”
1969, e Tcheburashka, 1971, de Roman Katchanov). Em “Terem-teremok” (1971), alguns na União Soviética, a sátira faz alusão a
animais decidem viver juntos em uma pequena casinha de madeira, pois “viver junto é qualquer ditadura, imposta por uma minoria contra o desejo da maior parte da população.
mais divertido”, distribuindo ativamente as tarefas cotidianas segundo a aptidão de cada Mas, obviamente, muitas pessoas viram o ditador retratado no poema de Tchukóvsky, e
morador. Desta forma, Leonid Amalrik transporta o universo do conto folclórico russo o apelido dado a Josef Stalin no início dos anos 1930, “Tarakã” (barata), foi derivado do
para a realidade dos apartamentos comunais da União Soviética. Já o “tio Fiodor”, na protagonista deste conto. A animação realizada nos anos 1960, a partir do conto dos anos
companhia do gato Matroskin e do cão Sharik, vivem em um oásis ecológico chamado 1920, mostra como somente na era khruscheviana permitiu a abordagem de certos temas,
Prostokvashino, onde discutem planos mesmo que através de uma linguagem esopiana, na sociedade soviética.
para aumentar as economias rurais, Com “Nu pogodi!” (na programação da Mostra de Animação Russa os episódios foram
comprando a vaca Murka para a produção traduzidos como “Espera, você vai ver!”), nasce na União Soviética a primeira série de
de leite, o qual também poderá ser vendido. animação. O roteiro original, no qual um lobo desastrado persegue uma lebre em diversas
Tcheburashka, Guena e os personagens situações, foi criado pelos escritores Feliz Kandel, Arkady Khait e Alexander Kurlyandsky.
do desenho “Os 3 de Prostokvashino”, de Apesar da maioria dos diretores do estúdio “Soyuzmultfilm” ter rejeitado o roteiro,
Vladimir Popov, tornaram-se tão populares Vicheslav Kotenotchkin foi convencido pela ideia. Mesmo se inicialmente não havia planos
no país, que Tcheburashka foi escolhido para transformá-lo em uma série de filmes, o sucesso do primeiro episódio provocou uma
como mascote da equipe olímpica da popularidade imediata do lobo e da lebre por toda a União Soviética. Centenas de cartas
União Soviética e a canção de aniversário
do crocodilo Guena e as frases do gato
Matrosskin são, até hoje, citadas na Rússia.
Frame de “Terem-teremok”
Klara Rumyanova, conhecida por dublar heróis pequenos e positivos. Mesmo assim, na
primeira cena do filme, o lobo escala uma corda, na sua primeira tentativa de pegar a
lebre, assobiando “Uma canção sobre um amigo”, de Vladimir Vissotsky, em uma bela
homenagem do diretor a um dos maiores cantores e poetas da sua geração.
Obviamente, é impossível não comparar os personagens de “Nu Pogodi!” com os

protagonistas de Tom e Jerry. No entanto, através de um olhar mais atento, podemos
perceber um perene aspecto humanista nos desenhos de Kotenotchkin, aspecto
Frames de episódios da série “Nu podogi!” (Espera, você vai ver!)
inexistente nas eternas brigas entre o gato Tom e o rato Jerry. Kotenotchkin afirmou que
os desenhos americanos de Walt Disney foram, sem dúvida, uma grande influência para a
sua formação. Especialmente, Bambi, o qual foi apresentado na União Soviética logo após
começaram a chegar ao “Soyuzmultfilm”, pedindo por novas aventuras do lobo e da lebre. a Segunda Guerra Mundial. No entanto, o diretor alegou que só teve a oportunidade de
Os primeiros dezesseis episódios, conhecidos como os “dezesseis episódios de ouro”, assistir as aventuras de Tom e Jerry em 1987, quando já havia realizado todos os episódios
foram realizados ao longo de 17 anos, refletindo também as mudanças que aconteciam de “Nu pogodi!”.
na sociedade soviética desta época. Se o primeiro episódio foi criado ainda em 1969, o
décimo sexto foi realizado durante a “Perestroika”, em 1986. Kotenotchkin, que nunca
teve nenhuma pretensão em criar uma animação autoral, tentava criar cenários simples e
concretos. Mesmo assim, muitos intelectuais reconheciam a intelligentsia na personagem
da lebre, enquanto o lobo representava a classe operária.
“Nu pogodi!” pode ser, acima de tudo, visto como uma pequena enciclopédia da vida
soviética: a população do país se reconhecia nos hábitos alimentares dos personagens
e até mesmo nos papirosis fumados pelo lobo nos diversos episódios. Os episódios
mostram os apartamentos khruschevianos, nos quais vivia a maior parte da população,
46 os balneários, que atraiam as pessoas durante o verão, e a moda da época. Enquanto 47
a lebre aparece quase sempre vestida com uma blusa verde e shorts azuis, o lobo, ao
longo da série, desfila todo um guarda-roupa com as principais novidades da moda
do país. Kotenotchkin soube ainda integrar de forma inteligente nos seus desenhos os
maiores sucessos musicais da época e importantes acontecimentos históricos, tais como
a corrida espacial e os Jogos Olímpicos de Moscou. A cultura clássica dos contos russos,
que havia influenciado tantos diretores e animadores nos anos 1950 e no início dos anos
1960, é também visível nos episódios da série, mas ela é inserida com virtuosismo em
situações cotidianas da sociedade soviética. Diversos nomes da cultura contemporânea do
país foram citados nas aventuras do lobo e da lebre, tais como Alla Pugacheva, Vladimir
Vissotsky e até mesmo o brasileiro Chico Buarque, cuja canção “A banda” integra a trilha
sonora de um dos episódios.
Um detalhe, através do qual constatamos como a animação soviética fazia parte da vida
cotidiana das pessoas e a seriedade com a qual eram tratados todos os componentes
envolvidos na produção de um desenho animado, é o fato de grande parte das vozes dos
protagonistas dos filmes pertencerem aos principais nomes do teatro e do cinema russo.
Desta forma, Innokenty Smoktunovsky é o narrador do conto “A garça e a cegonha”, de
Yuri Norstein, e a voz de Oleg Tabakov ficará para sempre associada ao gato Matroskin, ¹ - United Productions of America
² - Tarakã, o Bigodudo (Tarakanishe), lançado durante a Mostra de Animação Russa pela editora Kalinka.
personagem do desenho animado “Os 3 de Prostokvashino”, de Vladimir Popov. Em “Nu Traduzido por Aurora Fornoni Bernardini e Maria Vragova.
pogodi”, Kotenotchkin queria que o personagem do lobo fosse dublado por Vladimir ³ - Tradução de Aurora Fornoni Bernardini e Maria Vragova.
Vissotsky. Como o cantor e poeta não era bem visto pelo governo e a sua obra encontrava-
se então proibida no momento pelas autoridades, a ideia foi censurada e o diretor teve
que optar pelo grande ator de teatro e cinema Anatoly Papanov. A lebre é dublada por
biografias vicheslav m. kotenotchkin
diretor I animador
leonid a. amalrik
Nasceu em Moscou, em 1927. Estudou na Escola de Artistas-Animadores
do “Soyuzmultfilm”. Participou da produção de mais de 60 desenhos
animados , em colaboração com L. Amalrik, L. Atamatov, I. Ivanov-Vano,
diretor I animador M. Pashenko e B. Dezhkin, entre outros. Foi o diretor da primeira série
de animação da União Soviética: “Nu, pogodi!”. Foi condecorado como
“Artista do Povo”, em 1987 e recebeu diversos prêmios internacionais.
Nasceu em 1905, em Moscou. Trabalhou como decorador e diretor de
Faleceu em Moscou, em novembro de 2000.
arte no estúdio “ Merzhrabpom-Rus”, sob a direção de A. Rodtchenko, S.
Eisenstein e V. Pudovkin. Em 1928, começou a trabalhar com animação.
Como animador, contribuiu com I. Ivanov-Vano, V. Suteev, D. Babichenko,
vladimir i. polkovnikov
entre outros. Lutou no Exército Vermelho durante a Segunda Guerra
Mundial. Vencedor do prêmio Starevitch de animação. Leonid Amalrik
faleceu em Moscou, em 1997.
diretor
48
boris p. dezhkin Nascido na região de Moscou, em 1906, trabalhou como animador no
estúdio cinematográfico “Soyuzkino” e “Soyuztekhfilm”. A partir de 1936,
começou a trabalhar no estúdio “Soyuzmultfilm”, como assistente de
49
diretor I animador I caricaturista I roteirista L. Amalrik. Durante a Segunda Guerra Mundial, trabalhou no Estúdio
Cinematográfico Técnico de Guerra.
Nasceu em Kursk, em 1914. Após terminar os estudos de animação, Regressou ao “Soyuzmultfilm” em 1946, colaborou com importantes
trabalhou como animador experimental, com V. Smirnov, e na “Mosfilm”. A animadores, tais como A. Trusov, R. Katchanov e M. Rudatchenko, entre
partir de 1936, integrou a equipe do estúdio “Soyuzmultfilm”, trabalhando outros.
como animador, roteirista e diretor. Contribuiu com importantes diretores,
tais como E. Migunov, V. Vasilenko e S. Rusakov, entre outros.
vladimir i. popov
ivan p. ivanov-vano diretor I animador
diretor I roteirista I pedagogo
Nasceu em 1930, em Moscou. Iniciou os seus estudos no “Soyuzmultfilm”
em 1952, onde, trabalhou como animador e diretor. Colaborou com V.
Nascido em 1900, em Moscou, Ivan Ivanov-Vano é um dos ícones da
Pekar, L. Khachatrian e A. Sher.
animação soviética. Foi o diretor do estúdio “Merzhabpomfilm” no início
dos anos 1930. A partir de 1936, trabalhou no estúdio “Soyuzmultfilm”.
Colaborou com L. Amalrik, M. Botov, B. Butakov e Y. Norstein, entre
outros. Foi professor do Instituto de Cinema (VGIK) e da Escola de
Animação do estúdio “Soyuzmultfilm”. Foi condecorado como “Artista do
Povo”, em 1985.
roman katchanov
diretor I roteirista I animador
Roman Katchanov nasceu em Smolensk, em 1921. Em
1941, iniciou os seus estudos no Instituto de Engenharia de
Moscou. Foi convocado pelo Exército Vermelho, durante a
Segunda Guerra Mundial, quando lutou como paraquedista.
Após a guerra, iniciou os estudos de animação, na Escola
de Animação do estúdio “Soyuzmultfilm”, graduando-
se em 1947. Trabalhou como animador e assistente de
direção. Foi professor na Escola de Animação do estúdio
“Soyuzmultfilm” e na Escola Superior de Cenaristas e
Diretores de Moscou. Colaborou com os animadores N.
Serebryabov, L. Schwartzman e N. Orlova, entre outros.
Em 1981, foi reconhecido como “Artista do Povo”, na União
Soviética.
“A animação começa onde termina a possibilidade de outras 51

50
formas artísticas”, disse uma vez o diretor búlgaro Todor
Dinov. E eu concordo plenamente com ele.
Como dizer que a animação não é cinema, se os

personagens falam através da voz dos melhores atores do
cinema e do teatro? Se a música para os desenhos animados
é composta por renomados compositores? E como trabalha A luva (Varezhka)
um animador? Ele se desespera, bate os pés, cantarola algo URSS, 1967, 10 min
para si próprio, fala por todos os seus heróis, gesticula... Em
uma palavra, um teatro em um só ator. Crocodilo Guena (Krokodil Guena)
URSS, 1969, 20 min
A animação é uma arte de origem humana. Fina, filigrana.
Algumas pessoas, após terem observado o nosso trabalho, Tcheburashka
até mesmo o compararam com a iconografia. URSS, 1971, 20 min
A minha profissão passou a ser chamada artista animador,

ao invés de artista multiplicador. Um artista que dá a vida
a alguém, que anima. Mas eu prefiro o título anterior,
porque eu nunca tive a sensação de animar nenhum dos
heróis que desenhei. Desde o início, eles eram animados
Vicheslav Kotenotchkin
“Espera, Kotenotchkin, você vai
na minha imaginação... ver!” (1999)
sonorizados por N. Bogoliubov, V. Gribkov, M. Astangov e R. Simonov. O trabalho com
Atamanov não era um trabalho contínuo de um grupo de diretores. Nos intervalos entre os
A seriedade de uma risada bondosa Roman Katchanov filmes, eu trabalhava como animador, ganhando experiência e segurança. Assim, quando
os diretores V. Polkovnikov e A. Snezhko-Blotskaya me propuseram trabalhar como
diretor de arte no “Menino enfeitiçado”, eu aceitei.
Tudo começou durante a guerra. Nós estávamos assistindo um filme americano, o qual De novo, eu tinha sorte, pois conheci V. Polkovnikov. Ele já era um diretor bastante
falava sobre as vantagens do piloto automático em comparação ao piloto humano. O filme conhecido. Junto com L. Amalrik, tinha feito o filme “A patinha cinza” e outros filmes
utilizava-se de técnicas de animação. importantes. O encontro com V. Polkovnikov teve um grande significado para mim.
Trabalhando com ele, eu apreendi a trabalhar com pintores, atores e compositores.
De repente, na cabeça do piloto que estava no comando aparecem ovos mexidos em uma
Posteriormente, na então recém-criada União de Filmes de Animação de Bonecos, eu
frigideira. O avião começa a balançar, mas os ovos mexidos desaparecem e a aeronave
conheci A. Karanovitch, que me convidou para ser o assistente de direção e animador do
endireita-se. Depois, na imaginação do piloto aparece uma imagem de uma menina
filme “Pedro e o lobo”. Eu aceitei a proposta. Até hoje, eu me lembro do prazer que senti
trocando de roupa. O avião começa a dar voltas..., e bate em uma montanha. Mas no final,
quando eu vi o boneco que eu havia animado.
tudo termina bem. O piloto está deitado em um leito hospitalar, todo enfaixado, e a mesma
menina está dando-lhe comida na colher, falando-lhe alguma coisa e colocando a comida O filme “Pedro e o lobo” impressionou-me menos do que aquela primeira cena que eu
em algum lugar entre as faixas. Ela diz alguma coisa e ele tosse. próprio fiz. Mas eu já estava atraído pelos bonecos. Junto com escritor I. Fink, eu escrevi
um roteiro baseado no antigo conto russo “O velho e a garça” e o propus a Karanovitch. O
Estes desenhos animados ingênuos me fascinaram. Eu pensei como seria ótimo, se eu
movimento e a plasticidade já eram bem melhores do que em “Pedro e o lobo”, mas ainda
pudesse animar os meus próprios desenhos e caricaturas.
estavam longe da perfeição. Eu quero falar só de uma cena deste filme.
A guerra terminou e eu entrei no estúdio “Soyuzmultfilm”. Era junho de 1946. Os meus
Em um lago, há um barco parado próximo às margens. Um velho senta-se no barco. Fui eu
professores eram os principais animadores do país.
que filmei esta cena e fiz da seguinte maneira: entrando na embarcação, o velho empurra
Após terminar o curso, eu comecei a trabalhar na produção. Alexander Ivanov foi o o barco com o pé.
primeiro diretor com quem eu trabalhei. Ele era uma pessoa emocional, que sabia como
52 entusiasmar os seus colegas. Depois, eu trabalhei com as joviais irmãs Brumberg, com
Quando vimos a cena filmada no écran, ficamos muito impressionados, pois vimos um 53
personagem vivo, com o seu próprio caráter. Não era um simples boneco. Aquele traço
o valente Bredis, cuja técnica era ótima, com o calmo e sensato Sazonov e com o cordial
simples, e os movimentos do pé ficaram muito expressivos. Era uma “bicicleta” animada
Babitchenko. E, finalmente, com o misterioso Tsekhanovsky. Eu o chamo de misterioso,
que eu próprio havia inventado.
pois ele sempre guardava uma certa distância. Se todos os diretores ainda buscavam
uma estética própria ou, em outras palavras, estavam em fase de formação e na maioria O desenho é algo bem complexo e, muitas vezes o uso da imagem torna-se muito
das vezes apenas tinham diferentes personagens, Tsekhanovsky já havia criado o filme difícil. No desenho, tudo acontece de forma rápida. Por isso, uma rápida adaptação
“Correio”, considerado até hoje como um clássico da animação. do espectador à imagem ilustrada é essencial. O tempo necessário para o espectador
acreditar no que está acontecendo no écran e aceitar as regras do jogo.
Naquela altura, Tsekhanovsky era um grande adepto da técnica conhecida como
rotoscopia. Nesta técnica, as filmagens eram feitas com atores verdadeiros, os quais Em primeiro lugar, penso nas crianças. Elas são muito receptivas e entendem muito bem
com algumas modificações eram copiados para o papel, entrando desta forma no filme. a ideia transformada em ações dos protagonistas. Muitas vezes elas adivinham antes dos
Muitos amaldiçoam esta época, alegando que este método causou danos à arte da adultos, ou seria melhor dizer, preveem por que tudo acontece. Elas são muito sensíveis
animação. Talvez isto seja verdade, mas este método também era útil. A movimentação e às ideias falsas e composições estudadas. Em primeiro lugar, elas precisam ver a verdade
sonorização das filmagens contavam com a participação de grandes atores, tais como M. no cinema. Em um conto, em uma fantasia, nos cenários mais surreais, nas ações mais
Astangov, M. Ianshin, G. Vitsin, A. Gribov e N. Bogoliubov. Os animadores, transcrevendo extravagantes dos protagonistas as crianças sentem muito nitidamente a verdade.
as cenas interpretadas pelos autores para o papel, ficavam mais próximos aos mistérios
de arte cênica, gestos, articulações e movimentos. Isto não pode ser nunca subestimado.
Os seus cérebros, ainda sem muita experiência de vida, rejeitam a mentira e
elas não são capazes de se entusiasmarem por cenários falsos.
Em 1949, Lev Atamanov começou a trabalhar no estúdio e me convidou como seu
Tudo isto diz respeito à verdade no conteúdo do filme, ao cenário. Mas ainda existe, se assim
assistente. Eu aceitei o convite e nós fizemos três filmes juntos: “A cegonha amarela”, “A
podemos nos expressar, a verdade dos movimentos.
flor vermelha” e “O antílope dourado”. Em minha opinião, os dois últimos são os melhores
filmes de Atamanov. E obviamente, não digo isso porque estive envolvido. Todo o mérito é
do ótimo trabalho de direção e do bom roteiro, escrito para o filme “A Flor vermelha” por
G. Grebner e por N. Abramov para “O antílope dourado”. Além disso, estes filmes foram
O ator real, como qualquer pessoa real faz muitos movimentos “excessivos”, sem pensar Para mim, é difícil entender os cineastas que vão ao departamento de roteiros,
nisso. Você se senta em uma cadeira e arruma a sua roupa, em um mero instinto. Você se perguntando se havia algum novo roteiro. Eu acho que o encontro com um tema é como o
levanta da cadeira e sem pensar, involuntariamente, sacode as migalhas que ficaram na encontro com a mulher amada e acontece casualmente. Assim foi o meu encontro com o
roupa. Mas quando um animador dá vida a um desenho ou objeto, ele esquece isso. Ele roteiro do filme “A luva”.
esquece, porque neste momento ele movimenta somente o personagem. O personagem
Quem o viu primeiro foi Karanovitch. Chegou, dizendo que eu ia gostar do roteiro e que
parece um robô, mexendo sem movimentos excessivos ou detalhes vivos, e o espectador,
poderia fazer alguma coisa boa com ele.
inconscientemente, percebe que nesta cena não há vida. Se um ator real faz estes
movimentos involuntariamente, o espectador da mesma maneira, involuntariamente, Realmente, eu gostei do roteiro e comecei a trabalhar com a autora, Zhanna Vitenzon. O
percebe estes movimentos. primeiro roteiro era bem diferente da versão final. No primeira versão, haviam diálogos,
mas eu achava que seria também possível contar a história sem usar palavras.
Uma vez, os alunos de animação tinham que observar a seguinte cena: uma menina brinca
de amarelinha. Num desenho ela saltava melhor, em outro pior. Mas ela simplesmente Eu também compreendi que a música não deveria ser obrigatoriamente sincronizada no
saltava. E de repente, em uma das cenas, nós vimos uma menina real. Aconteceu o filme. Segundo minha experiência, a sincronização feita durante a pós-produção é mais
seguinte: levada pelo animador até o final da linha, ela virou-se para saltar de volta, e produtiva do que quando feita durante as filmagens.
neste momento jogou a trança para o outro lado, para que ela não a atrapalhasse a saltar. Quando o diretor trabalhava em um filme que seria sincronizado após as filmagens, o
Eu chamo estes detalhes e traços vivos de “incomodidades planejadas”. Eles devem trabalho de montagem era muito importante. Para que um compositor escrevesse a
existir em cada cena. Se um filme está repleto destes detalhes, o tempo de adaptação música sincronizada para um filme, eu precisava fazer cálculos, quebrando a cabeça,
será mínimo. É muito importante que o diretor e animador, a partir de um estudo preciso e determinar os momentos de destaque, com uma precisão de até dois quadros.
de encenação, pensem nas “incomodidades planejadas”. O compositor, limitado neste desafio, tinha que enfiar a sua musica neste espaço,
Quando Karanovitch e eu filmávamos “A nuvem apaixonada”, eu não podia aplicar a previamente calculado. A partitura voltava para mim como um bumerangue, e eu virava
minha “descoberta”, pois o filme foi feito a partir de objetos semi-dimensionais, com os refém desta música. Perdia a liberdade de montagem e de medir a duração do filme.
movimentos limitados. Trabalhando neste filme, eu tive a oportunidade de conhecer Nazim Em algumas cenas, tornava-se impossível mudar o tempo de movimentação. Tudo isto
Khikmet, grande poeta turco e uma pessoa muito simpática. Eu guardarei as conversas prejudicava a qualidade. Além disso, para o compositor é mais interessante escrever a
54 com ele para sempre na minha memória. música tendo a possibilidade de ver o filme. 55
Enquanto filmava “A nuvem apaixonada”, eu estava escrevendo o roteiro para o filme Houve uma época, quando se dava muita importância à sincronização. Um roteiro simples,
“Masha e o urso”, baseado na peça de G. Landau. uma história ingênua e a falta de personagens com caráteres diferentes e de psicologia
nos filmes eram compensados pela musicalidade e abundância de temas musicais.
Eu precisava de um diretor de arte e pedi um conselho a Vadim Kurchevsky. Quando ele
Muitas vezes, um longa-metragem é acompanhado por um tema musical, composto de
soube que eu precisava de um pintor talentoso, jovem e alegre, disse-me que conhecia
forma talentosa pelo compositor. Se este é o caso em um longa-metragem, o mesmo não
uma pessoa assim. E me apresentou a Nikolay Serebryakov. Realmente, Serebryakov era
se aplica em um curta-metragem.
um jovem simpático. E o mais importante, ele era talentoso. Ele realizou os esboços dos
cenários e dos bonecos. Quando os bonecos ficaram prontos, começamos as filmagens. Há ainda dois assuntos importantes a serem abordados quando um diretor começa a
No filme “Masha e o urso”, eu vivenciei uma experiência importante. As bonecas eram pensar em um filme ou começa as filmagens. Trata-se da questão do conto de fadas e da
pensadas e confeccionadas sem bocas e toda a importância durante a sincronização foi questão da diversão. O que me atrai em um conto de fadas, não é o lado fantástico, mas o
focada na gesticulação, que resultou bem expressiva no filme. Aqui, a minha experiência comum, aquilo que reconhecemos. E o humor. Ele é obrigatório, independente do conteúdo
de trabalho com o método da rotoscopia me foi útil. Os diálogos também foram bem de cada filme. E em um roteiro inspirado em uma história triste, o humor torna-se ainda
gravados. O papel do urso foi dublado por Anatoly Papanov, que era muito jovem na mais necessário. Há inúmeras possibilidades de fazer o espectador rir. Eu gostaria de dar
época. Após a primeira exibição, eu perguntei aos meus colegas o que eles acharam alguns exemplos dos meus filmes e explicar essas possibilidades.
da articulação e todos acharam bem sincronizado. O mais interessante é que ninguém Eu me guio, quase sempre, pelo contraste ou pela associação: o constaste de ações
reparou que os bonecos não tinham bocas. Graças a isso, eu compreendi que o mais da personagem com o seu caráter ou da desconformidade dos acontecimentos com as
importante na frase é o gesto. normas fixas.
A maestria na confecção dos objetos animados crescia a cada filme. Junto a eles, eu No filme “A luva”, o coronel demitido faz continência ao buldogue e mostra, de maneira
procurava um tema próprio. “O sapinho procura um papai”, “Como contruíram uma casa
para o gatinho” - todos esses filmes e, especialmente, “A netinha perdida”, foram uma
preparação para o filme “A luva”.
óbvia, que é submisso ao cão... orgulhoso da animação soviética e sinto uma grande responsabilidade. Tenho a sensação
que ainda não fiz o meu filme principal, que ainda não achei o meu caminho.
É muito importante que os personagens
façam tudo de maneira perfeita. Talvez isto seja ruim, pois, como sabemos, o mais importante é a descoberta e não a procura.
Qualquer exagero do próprio movimento,
Muitas vezes é no final da sua vida artística que um autor cria a sua obra “principal”.
qualquer comicidade elimina a
descoberta. Quanto mais sério for o Não devemos ficar tristes, pensando que é pouco. Somos muitos, e se cada um de nós
movimento, quanto mais o contraste fizer a sua obra, mesmo que seja somente uma, elas serão suficientes.
for sublinhado, mais cômica torna-se
a situação. Lembrem-se do mesmo
coronel, em “A luva”. Solenemente ele dá
o binóculo ao buldogue, o qual está em
uma pose muito séria e isto nos faz rir.
Vou agora dar o exemplo de algo

divertido, criado através de associações.
No mesmo filme, a dona do puddle pega
o seu pupilo que ficou na linha de partida
nos braços e corre, tentando alcançar os
outros cães. Com o puddle nos braços,
ela ultrapassa todos os obstáculos, e logo
reconhecemos nesta menina as mães,
as quais protegem demais os seus filhos
e estão prontas a fazer tudo por eles. Frames de “Tcheburashka”
56 Eu procuro o lado divertido das coisas 57
Frame de “A luva”
sérias. E por isso, quando em 1967 eu li o conto “Crocodilo Guena e os seus
amigos”, de Eduard Uspensky, os personagens Tcheburashka e Crocodilo Guena não
me impressionaram muito. Eu gostei da cidade, na qual seres humanos e animais vivem
juntos. Nela, por exemplo, o meu vizinho poderia ser um crocodilo que trabalhava no
jardim zoológico.
Nós fizemos três filmes sobre Tcheburashka e Guena: “Crocodilo Guena”, “Tcheburashka”
e “Shapokliak”. Não estamos com pressa em fazer a continuação.¹ Quando se filma uma
série, o próximo filme tem que ser sempre melhor do que o precedente. E isto é realmente
obrigatório, quando eles não são interligados somente pelo enredo.
Recentemente, recebemos a visita dos dois principais animadores dos estúdios de Walt
Disney: Ollie Johnston e Frank Thomas. Eles trabalharam mais de 40 anos nos estúdios e
são autores dos melhores episódios nos filmes mais conhecidos de Disney. Conversando
com eles, eu contei sobre o primeiro desenho animado que eu vi e sobre a história do
piloto. “Fui eu que pensei o personagem”, exclamou, de repente, Ollie Johnston.
Depois, ele me enviou uma carta muito simpática, dizendo que havia contado este caso ¹ - O texto do autor foi escrito no início dos anos 1980 e o livro de S. V. Asenin, A sabedoria da imaginação, foi
para os seus colegas e que estava muito contente por me haver “trazido” para o mundo da publicado em 1983. Em 1983, R. Katchanov realizou ainda o último filme sobre Tcheburashka: “Tcheburashka vai à
escola”
animação.
² - Em 1983, a população da URSS eram 271 milhões de habitantes
Quando eu imagino, mesmo que por um momento, o número de espectadores² que
assistem os nossos desenhos, fico com medo. Mas, quando eu vejo com quanto amor os
nossos filmes são recebidos, sinto uma gratidão pelo calor e atenção que recebemos, fico
andrey khrzhanovsky
diretor I roteirista
Nasceu em 1939, em Moscou. Realizou os seus estudos
de direção no Instituto de Cinema de Moscou (VGIK). A
partir de 1962, trabalhou no estúdio “Soyuzmultfilm”, onde
trabalhou com N. Orlova, N. Popov e G. Arkadiev, entre
outros. O seu filme, “A gaita de vidro” foi o primeiro filme de
animação a ser censurado na União Soviética. Premiado em
diversos festivais internacionais, Andrey Khrzhanovsky foi
condecorado como “Artista do Povo”, na Rússia, em 2011.
58 59
A gaita de vidro (Stekliannaya garmonika)
URSS, 1968, 20 min
convincente, como se fosse uma testemunha. Pushkin se tornou o herói preferido dos
meus desenhos infantis. Eu adorava desenhar a boca vermelha de um africano e uma
Fidelidade ao caminho escolhido Andrey Khrzhanovsky farta cabeleira, cheia de caracóis que desciam até suíças.
Em um dos desenhos do duelo, eu, seguido por minha intuição e querendo livrar Pushkin
da morte, desenhei os adversários atirando para lados opostos. Ao encontrá-lo, trinta
Um dia, eu gostaria de fazer um filme que tenha tudo o que o poeta prometeu: anos depois, eu o utilizei no meu filme “O belo dia” (um filme realizado a partir de
“... terá tudo: o passado, desenhos infantis e baseados nos temas de Pushkin).
e o presente, Por que eu me lembrei destas historias? Para fazer uma confissão: eu compreendia a
as minhas aspirações e fundamentos, realidade como um arranjo artístico. Isto é bom ou ruim? Eu acho que é bom e ruim.
e o que vi na vida...” Para mim, este conceito era frutífero, porque me ajudou a enxergar a cultura como um
Neste filme, eu gostaria de falar sobre as pessoas, acontecimentos e obras de arte que processo atrelado ao desenvolvimento. Sem esta sensação, de fazer parte deste processo,
me influenciaram e afinal fizeram-me escolher a minha profissão. Eu não gostaria de eu não me imagino no cinema. Assim, sem a continuidade não pode existir um espírito
fazer isso porque me considero uma pessoa interessante ou a minha vida instrutiva, inovador. Esta sensação alimenta o meu interesse à cultura clássica, às construções
mas porque acredito, como Fellini, que “tentando contar sobre si próprio com a maior polifônicas, à criação (para uso individual) de vários micro-sistemas.
franqueza, é possível ajudar as outras pessoas a alcançar uma compreensão mútua...”. Concluindo as minhas lembranças da infância e com a predisposição de trabalhar no
Isto seria a maneira mais natural de expressão. Mas, por enquanto, direi algumas cinema, eu falarei dos dois interesses que surgiram nesta época.
palavras sobre mim e sobre o meu trabalho. Um deles é ligado à música. Tanto os meus estudos, quanto os meus estudos na área de
Algumas recordações. desenho, não me conduziram a continuar uma formação profissional no ramo (a música
agradece). Mas assim como a pintura me ajudou nas questões de compreensão do espaço,
As recordações mais vivas da minha infância estão interligadas com as artes visuais. a música aumentou o meu interesse em relação à duração temporária como uma das
Uma das primeiras é ligada diretamente aos trabalhos do meu pai, pintor por formação e principais substâncias da vida e da arte.
60 aluno de K. Malevitch e P. Filonov. Talvez não com as obras em si, mas com o processo de 61
trabalho, o fascinante cheiro de tinta, espremida na paleta ou guardada no estreito tubo Nesta época, o meu pai trabalhava no teatro de variedades, onde participava de comédias
dentro do álbum de estudos. de um ato e fazia espetáculos baseados na arte da imitação. Daí surgiu o meu amor pelos
espetáculos, que incluía o amor pela cena e pelos bastidores, pela variedade de gêneros
Na infância, eu também tentei pintar. Participei de várias exposições, sendo até premiado. típicoa desta época (final dos anos 1940/ início dos anos 1950). Em outras palavras, por
Mas eu não me tornei pintor. Eu compreendi agora, que não tinha a bravura e a obsessão tudo que me fazia pensar sobre a natureza carnavalesca da arte.
necessárias, componentes importantes ao talento. Eu gostava mais de simplesmente
observar do que de pintar. Eu acredito que a animação é a linguagem mais próxima da minha natureza artística,
que eu definiria como lírico-satírico. Creio que esta definição foi, em primeiro lugar,
Outra fonte de inspiração para mim era o armário de livros. Até hoje, ele está no meu influenciada pela literatura russa.
quarto, o velho, “muito respeitado” armário com os livros, que seria o “protagonista” de
um dos meus filmes. Gogol me impressionou muito. Espero poder leva-lo, um dia, ao écran.
No armário, além dos livros, nós guardávamos álbuns com reproduções. Em um grande O mesmo, posso dizer sobre a poesia de Maiakóvski.
livro azul, que continha quase toda a obra de Van Gogh, eu fiquei impressionado pelo L. Tolstoi, uma vez, falou que o seu principal problema era ter a imaginação mais viva
desenho de um velho escondendo o seu rosto entre os joelhos. Eu tinha a impressão que do que os outros. Este “problema”, também presente na minha família e nos grandes
ele chorava. pintores me cativava. Neste cativeiro, eu sentia uma liberdade maior.
O corpo do velho, a cabeça, as grandes mãos faziam-no parecer com o meu avô. Desde E, por fim, o destino me presenteou com a amizade de dois grandes satíricos: E. Garin e
então, sempre que eu olhava para o meu elegante e otimista avô polonês (um traço típico N. Erdmann. O contato com eles e com as suas artes determinou de uma vez por todas a
dos livreiros profissionais), eu me lembrava daquele velho. Era difícil de imaginar o meu direção do meu caminho, assim como o meu posicionamento.
avô em uma pose triste, com as mãos escondidas entre os joelhos. Mas eles faziam parte
Mesmo assim, foi o acaso que levou-me à animação.
do mesmo conto e uniram-se contra a minha vontade. Era um milagre de outra existência,
e esta se tornava realidade.
Outra lembrança vinda do “armário” era o livro “As anotações d`Arshiak”, de Grossman.
Eu conhecia a cena do duelo entre Pushkin e Dantes de cor e a contava de maneira tão
Terminando o curso de direção do Instituto de Cinema de Moscou (VGIK), eu recebi a
proposta de realizar o meu trabalho de conclusão de curso no estúdio “Souyzmultfilm”.
Devo ressaltar que naquela altura cada aluno deveria realizar uma filmagem. E como o
número dos diretores formados pelo Instituto chegava a trinta por ano, conseguir manter
esta condição era bastante complicado. Nós, que estávamos formando da faculdade de
direção, nos encontrávamos diante de um dilema: esperar anos pela sua vez em um dos
estúdios de cinema ou fazer o trabalho final sem perder tempo em um estúdio alternativo.
“Era uma vez Koziavin”, o meu primeiro filme, foi o meu trabalho de conclusão de curso.
Certa originalidade deste filme, apontada pelos críticos, foi o resultado da minha
inexperiência na questão da assim chamada especificidade da animação. De algum
modo, eu entendia esta especificidade, pois durante alguns meses, eu assisti os cursos
práticos de mestres experientes, tais como V. e Z. Brumberg e F. Khitruk. Mas as nossas
tarefas eram mais largas do que esta especificidade e, de alguma maneira, a ignoramos
conscientemente. Neste trabalho, eu e o diretor de arte Nikolai Popov, que também estava
fazendo o seu primeiro filme e por isso compartilhava comigo a liberdade virginal em
relação à tirania dos clichês, recebemos uma ajuda relevante do experiente animador
Anatoly Petrov. Ele também queria ultrapassar as barreiras das formas tradicionais.
Durante os trabalhos para o meu próximo filme, eu encontrei novos colegas talentosos: os
pintores Yulo Sooster e Yuri Sobolev e o compositor Alfred Shnitke.
Nos famosos versos de Boris Pasternak, ele assim descreve o artista:
62 “Mas quem é ele? Em qual arena 63

ganhou a sua experiência?
Com quem lutou?
Com ele próprio, com ele próprio.”
Neste sentido, eu considero “A gaita de vidro” como mais um passo na luta (em primeiro
lugar, comigo) pela “nova visão” (expressão de Y. Tianianov). A livre construção da
composição e o uso de vários estilos tem um objetivo: uma expressão de forma livre e
completa e o equilíbrio entre a estrutura emocional e lógica.
Aqui, entramos no território conhecido como “cinema de autor”. Sem entrar em

pormenores nesta questão muito importante para mim, eu devo ressaltar que a animação
(aqui, falo, sobretudo, dos filmes feitos com a técnica de grupo) apresenta-se como o
meio de expressão mais apropriado. Pelas seguintes razões: quase não há intermediários
entre o “diretor” e o “espectador” e há a possibilidade de transmitir com maior precisão a
“escrita” do artista (por isso, eu prefiro a animação desenhada à animação de bonecos).
O trabalho de animação pode ser comparado, pelo seu caráter pessoal e intimista, ao
trabalho de um pintor que trabalha com miniaturas ou de um poeta.
A animação, em uma linguagem ampla e lacônica, é o caminho mais curto para atingir tanto
as emoções quanto o consciente do espectador. Eu creio que, se alguém tentasse modelar o
processo de pensamento no cinema, a linguagem da animação seria a mais apropriada.
yuri norstein
diretor I roteirista I animador I pedagogo
Um dos principais nomes da animação contemporânea, Yuri
Norstein nasceu em 1941e frequentou a Escola de Animação
do estúdio “Soyuzmultfilm”, onde trabalhou entre 1961 e
1989. Com diversos filmes realizados em uma parceria
com a sua esposa, Francesa Yarbussova, Yuri Norstein
também colaborou Roman Fatchanov e Ivan Ivanov-Vano,
entre outros. Em 1993, junto com Fiodor Khitruk, Andrey
Khrzhanovsky e Eduard Nazarov, criou a esolca-estúdio
Shar. Vencedor do Prêmio Estatal da URSS, Yuri Norstein foi
condecorado “Artista do Povo”, na Rússia, em 1996.
64 65
A batalha de Kerzhenets (Setcha pri Kerzhentse)
URSS, 1971, 10 min
Direção I Yuri Norstein e Ivan Ivanov-Vano
Ivan Ivanov-Vano, um dos nossos mais antigos diretores,
me convidou para ser o co-diretor do filme “A batalha de
A raposa e a lebre (Lissa e zaiats)
URSS, 1973, 12 min
Kerzhenets”. Nós utilizamos a música de Rimski-Korsakov
e a nossa ideia era unir o som e a plasticidade visual. Era A garça e a cegonha (Tsaplia i zhuravl)
um trabalho colossal e não se tratava de uma ideia formal. URSS, 1974, 10 min
Não queríamos simplesmente fazer conexões coloridas
com a música. O objetivo era alcançar um efeito emocional O ouriço no nevoeiro (Ezhik v tumane)
URSS, 1975, 10 min
para as imagens. Através de uma mistura de cores,
tentamos dar um desenvolvimento dramático às imagens. Conto dos contos (Skazka skazok)
“A batalha de Kerzhenets” é uma tentativa de unir a cor ao URSS, 1979, 29 min
ritmo e à música.
Yuri Norstein e Franceska
Iarbussova
Eu não creio que o meu trabalho com Francesca Iarbussova possa ser um exemplo para
outros artistas. Um dia, eu estava vendo algumas gravuras japonesas. Em uma delas, eu
vi uma mulher sentada com um galo, o qual tinha a cabeça ao lado do rosto dela e o seu
enorme bico quase lhe tocava os olhos. Eu estava perplexo. O que é isso? Franchesca me
contou que quando ela tinha quatro anos, ela gostava de entrar nos galinheiros. Ela ficava
de cócoras e permanecia quietinha até que as galinhas achassem que ela era uma delas.
Elas começavam a rodeá-la, examinando-a. Ela me contou que o galo, com o seu bico
enorme, começava a limpar os seus cílios.
Franceska me fez sentir uma comoção, mostrando como de uma crisálida nasce uma
borboleta. Ela trouxe um grande molho de urtiga coberto de lagartas para casa. Elas se
espalharam pelo quarto. Dentro de alguns dias, por todo lado apareceram as crisálidas.
Em um belo dia, Francheska diz: “Agora, desta crisálida virá uma borboleta”. Eu fiquei
olhando, olhando, olhando e, de repente, as batentes da crisálida se abriram e fecharam.
Meu coração começou a bater forte de tanta emoção. É uma visão cósmica. Você é
testemunha do surgimento de uma nova vida. As pétalas da crisálida se abriram e ficaram
sem mexer. Tudo estava em silêncio. Através da abertura das conchas, apareceram as
asas molhadas. Elas eram enrugadas, como o corpinho de um bebê, acabado de sair do
66 ventre materno. Finalmente, a recém-nascida saiu da crisálida. O que aconteceu depois 67
foi um espetáculo. Observar como um novo ser, lentamente, se enchia de tempo. Tudo,
na vida humana, acontece no espaço de dois ou três anos, aqui acontecia em horas. A
borboleta encheu os vasos com resina. A resina ficou sólida, as asas se enrijeceram,
como sob o vento. Elas eram incrivelmemte limpas, ainda com pólen. As asas ainda não
mostravam os buracos causados pela força do vento. As asas, duras, tremiam um pouco
e depois começaram a mexer. Assim o avião verifica o motor e o volante antes de chegar Frame de “O conto dos contos”
à pista de decolagem. “A borboleta se prepara para o vôo. Ela está secando as asas.”,
comentou Franceska. Ela previa cada movimento da borboleta, porque na infância as Às vezes ela não alcança o meu ritmo, as minhas exigências, e eu fico com a impressão
cultivara por todo lado. Eu acho que ela própria, um dia, foi uma borboleta, um cardo, uma que ela está com preguiça ou não consegue chegar ao estado necessário da criação. E
flor... Como a protagonista de Marquez, ao redor da qual sempre adejavam as borboletas. afinal, quando ela alcança a temperatura criativa necessária, a tensão cai e temos que
Franceska sente muito bem o mundo que cresce, floresce e respira. Ela realmente o começar tudo do zero.
conhece como os artistas renascentistas. Ela é um mistério para mim. Quanto mais eu a Mas eu nunca conseguiria fazer um esboço com a sua força, como ela é capaz de fazer nos
conheço, menos a conheço. Em uma longa vida conjugal isto é ótimo, sem dúvida. Mas como seus melhores momentos de devaneio artístico. As suas revelações me impressionam.
nós somos ligados um ao outro pelo trabalho, as relações tornam-se mais complexas. Muitas vezes, em meia hora ela passa do estado de uma pessoa incapaz de pensar,
Pode parecer que a nossa união seja uma união feliz. Estamos juntos também quando ao estado da mais alta tensão de um pintor profissional. Para mim, trata-se de uma
não trabalhamos. Torna-se mais fácil discutir o que estamos fazendo e alcançar algum inspiração mágica...
resultado nas nossas disputas “ardentes”. Mas acabamos atrapalhando bastante um ao
outro. A dependência familiar entra diretamente em conflito com o processo artístico.
dos dois como roteiristas. Roman Katchanov é um ótimo diretor. Os seus filmes “A Luva”,
“Crocodilo Guena” e “Tcheburashka” são obras primas da animação mundial. Eu posso
Extratos de “A neve na grama” Yuri Norstein chamá-lo de professor. É um homem de uma bondade eterna, de muito tato. Sabe usar
perfeitamente os detalhes do jogo. Eu não exagero em dizer que Roman Katchanov criou
a sua própria escola de movimentação na animação de objetos (animação de bonecos). Eu
O roteiro do filme “A Garça e a Cegonha” é bastante simples, e em minha opinião, lembra acho que sem ele, eu não viraria diretor.
o universo poético de Tchekhov e Gogol. Não estou usando a palavra poesia por acaso. Voltando ao roteiro, podemos dizer que enquanto uma frase é consecutiva, o
Trata-se de uma história simples: dois personagens que não podem fazer as pazes e ficar
cinema é, simultaneamente, consecutivo e paralelo. É o seu fenômeno.
felizes, porque ambos têm medo de ser humilhados e por isso, tentam mostrar a sua
independência e superioridade. Uma história humana e não um mero conto animal. E aqui Por isso, o sentido de construção no cinema e na literatura é distinto. No cinema, nós
começaram todos os problemas. Eu pressentia, porém não adivinha que seria tão difícil. percebemos a ação em várias camadas: som, cor, luz... Que riqueza de percepção! Neste
Eu li este conto na infância e depois eu o li para os meus filhos. sentido, o cinema apresenta grandes vantagens em comparação à literatura. E mesmo
assim, a literatura é a forma de expressão autoral e de anotação imaginativa e metafórica
Porém, eu só senti o desejo de filmá-lo quando mais potente e sólida. Aí reside a sua grande força. Pelo conjunto de sinais e sons,
eu comecei a ficar perseguido pelo barulho de repetimos a realidade na consciência.
grama, pelo barulho dos juncos dos rios. Pode-
se achar estranho, pois trabalhando com artes Na consciência, a realidade inventada é
visuais, foi o som que me causou um impacto, sempre mais forte do que na vida. Nela,
levando à criação do filme. somos livres da dependência física.
Depois, ainda antes de começar a escrever o roteiro, eu imaginei uma cena: a garça e a
cegonha imitam um a outro. Uma fala: “Toma!”, e a outra responde: “Toma você!”. Eu ainda A palavra é o intermediário entre a realidade e nós. A palavra é a moeda de troca da
não sabia onde colocaria esta cena no filme. Mas eu fiz a desenhei. Posteriormente, eu realidade. E o mais importante: a realidade é representada pela palavra, quer dizer, pelo
68 escrevi algo parecido com o roteiro, apesar de não poder chama-lo de roteiro. Resumia-se sinal através do qual ela se revela. 69
a algumas simples ações, nada mais do que isso. O tempo todo, eu estava preocupado em No cinema, a realidade é apresentada pela realidade. Aqui, faz se necessário um esforço
não mostrar uma mera história de dois animais. Ao contrário, o foco da história deveria do autor para ultrapassá-la. A força da linguagem cinematográfica e, ao mesmo tempo,
ser a natureza humana. Finalmente, o roteiro foi escrito por Roman Katchanov. E a partir a autenticidade têm um grande significado no caminho rumo à perfeição espiritual da
daí, realizei os filmes com os meus esboços. Nos créditos do filme aparecem os nomes obra cinematográfica e, consequentemente, de nós próprios. A palavra é a linguagem que
nós usamos. E não nos comunicamos na língua cinematográfica. É o primeiro sistema de
sinais entre os animais. Talvez, sob a pressão da televisão, algo acontecerá nos nossos
conscientes. Por enquanto, nós estamos somente perdendo o hábito de falar. Já não
somos mais capazes de expressar o nosso pensamento de forma correta, imaginativa e
rica. Estamos ficando preguiçosos. O cinema nos faz passivos. Lendo uma obra literária
temos que passar um caminho esgotante de imersão no texto. O cinema, por princípio,
nega este caminho. Os filmes, nos quais o trabalho de imersão na imagem, na ação e
na linguagem cinematográfica se faz necessário, não passam o critério de “cinema”.
Assim, muitas vezes, a percepção do espectador não corresponde aos critérios do autor.
Podemos lembrar-nos das salas vazias nos filmes “A noite de Cabiria” e “A ilha nua”.
Casos de convergência entre a verdade artística e o sucesso junto aos espectadores
acontecem raramente. Eles acontecem quando a sociedade é abalada pelo acontecimento
histórico retratado pelo artista.
Frame de “A Garça e a Cegonha”

Quantos truques usa o cinema para atrair espectador! Efeitos criados pelo computador,
criação de uma realidade irreal... É possível usar tudo: as fantasias virtuais (porque a
realidade parece-nos simples), super-heróis, efeitos especiais, que encantam o publico...
70 71
Passo a passo, o nosso consciente se habitua às situações que causam efeito. Somente
as grandes ações podem ser chamadas verdadeiras, e não mais aquelas coisas prosaicas
que realmente podem diminuir o medo da vida. Dependentes dos efeitos, eliminamos do
nosso consciente o interesse pelo simples. Criando a indústria cinematográfica, ficamos
vulneráveis a todos os efeitos colaterais. Mas o que fazer, se o baile de máscaras já
começou?
Já desaprendemos a nos
surpreender com o dia a dia, por
isso, exigimos da arte pratos mais
apimentados.
“O conto dos contos”

alexander petrov
diretor I diretor de arte
Nasceu na região de Yaroslavl, em 1957. Estudou no
Instituto de Cinema de Moscou (VGIK), na classe de
Ivan Ivanov-Vano e na Escola Superior de Roteiristas
e Diretores, com os professores Fiodor Khitruk, Yuri
Norstein e Eduard Nazarov. Criou o estúdio independente
“Panorama”, em 1992, na cidade de Yaroslavl. Entre 1996
e 1999 viveu e trabalhou no Canadá. Em 2007, criou o
Ateliê Alexander Petrov. As suas animações receberam
os principais prêmios internacionais, entre os quais se
destacam o Prêmio Honorário do Festival Internacional de
San Marino e o Oscar Americano.
72 73
A Vaca (Korova)
URSS, 1989, 10 min
O sonho de um homem ridículo (Son smeshnogo tcheloveka)

A Sereia (Rusalka)
O velho e o mar (Starik e more)

Rússia, Canadá, Japão 1999, 20 min
Meu amor (Moya lubov)

discutíamos longamente, mas nada nos satisfazia. Eu voltei
para casa (morávamos em Sverdlovskl¹), e lá filmei um
entrevista
fragmento que nos faltava. Comecei a filmar e, de repente,
deu certo. Eu levei este material para o estúdio e nele
Com A. Petrov havia algo especial. Ainda não tínhamos nenhum material
por Elena Dolgopyat concreto, mas havia uma poesia própria. E, enquanto eu
filmava, Volodya Petkevitch veio até mim, e perguntou-me
o que eu fazia. Ele disse que Platonov havia escrito algo
parecido. Ele conhece bem os contos infantis de Platonov e
O seu primeiro trabalho individual, “A vaca”, é baseado no conto me trouxe o livro. E imagine! Era o que eu procurava. Mais
de Platonov. Por que Platonov? simples e menos intelectual do que tudo o que eu havia
A.P. Antes ainda de realizar o filme “A vaca”, eu fiz um criado, ele ia diretamente ao ponto. Eu desfiz-me de todas
filme baseado em Platonov, em colaboração com Vladimir as minhas dúvidas e comecei a filmar. Não filmei todo o
Petkevitch. De maneira geral, ele foi o responsável pelo conto de Platonov. Eu excluí um grande episódio: a parte
meu entusiasmo com Platonov. Nós fizemos o filme “A cotidiana do conto, o qual me pareceu menos importante.
noite”, do qual eu gosto muito. Cerramos os dentes e Concentrei-me no aspecto místico da obra.
quebramos a cabeça, mas hoje, eu posso garantir que não
me senti, neste filme, como um apêndice. Eu não quero
Todos os seus filmes são adaptações
falar mal do trabalho de direção de arte, mas neste filme,
literárias, exceto “A sereia”...
de repente, eu me via em cada detalhe. Eu me reconhecia
neste lugar e, provavelmente, havia nascido para isso. A. P. “A sereia” também é uma adaptação.
E é quase impossível adivinhar de onde
Com “A vaca” foi tudo diferente. Primeiro, eu fiz um roteiro
ela foi adaptada. Tudo começou com “A
baseado em um fragmento de uma obra de Vassily Belov.
74 pobre Liza”. Também é um trabalho dos 75
Um fragmento sobre uma vaca, a qual deverá ser abatida no
meus anos de estudos. Como você vê, os
dia seguinte. Uma situação dramática, pois a proprietária
anos de estudos nos trouxeram algumas
faleceu, e ninguém poderia sustentá-la. A vaca não sabe,
ideias, que apareciam para, logo em
porém pressente o seu fim próximo e recorda a sua vida.
seguida, desaparecer, morrer ou serem
Essas recordações tocaram-me. Eu tentei realizar um
guardadas em algum “armário”. “A pobre
roteiro sobre isso, ainda
Liza” foi apenas uma ideia passageira.
quando era estudante, Frame de “Sereia” Nasceu a partir de um exercício, feito por cada estudante.
na Escola Superior de
Era necessário escolher entre três ou cinco temas:
Roteiristas e Diretores.
“Mumu”, os contos de Tchekhov (se não me engano, “A
Tínhamos a seguinte tarefa:
dama e o cachorrinho”) e ainda algum outro tema. Cada
criar um roteiro e então,
estudante podia escolher o seu tema preferido e deveria
filmar um fragmento de
criar não um, mas três roteiros, com três interpretações
um ou dois minutos. Assim,
do conto: uma comédia, uma tragédia e um melodrama.
nasceu “A vaca”.
O exercício era interessante, proporcionando, a muitos,
Eu a torturei por muito inúmeras descobertas. Sinceramente, era difícil realizar
tempo, pois não sabia o que as três versões. Eu consegui, com muito custo, concluir
fazer. Em paralelo à história somente uma versão e meia: a tragédia e a comédia.
da vaca, de Belov, eu criei Elogiaram-me por este trabalho. Eu não fiz nenhuma
a história do menino. Às alteração e guardei-o em uma pasta. Não me lembro como
vezes, ele é pequeno e vai
Frame de “A vaca”
até ela para beber leite, às vezes, já é grande e vai até
ela com um pedaço de pão. Criei diversas situações. Nós
eu o encontrei novamente, seis anos após a conclusão dos de maneira intuitiva. Não é possível
meus estudos. simplesmente decidir que o personagem
Eu examinei, reli o cenário e pensei: “Pode virar um bom será de tal jeito e que o protótipo dele
desenho. Era preciso enviar um projeto ao Goskino”. Eu o será tal pessoa. Isso nunca aconteceu.
fiz, e ele foi aceito. Eu tinha dúvidas, mas eles decidiram É sempre o resultado de uma procura,
positivamente: podia-se fazer um filme a partir do roteiro onde no final espera-nos uma
proposto. Ele não era mal, mas disso a um filme... Ontem, descoberta ou uma frustração. Depois,
eu vivi a seguinte situação: Em frente da minha janela, de repente, vem uma ideia: e se eu
havia uma macieira. Eu queria desenha-la e, ainda no tentar assim... Ou algum personagem
inverno, havia realizado alguns estudos. Eu não desenhava desenhado começa a lembrar-me
nada, sem ter realizado esboços prévios. No entanto, Frame de “O velho e o mar”
alguém conhecido. Mas nunca aconteceu
quando eu estava pronto para desenhar esta macieira, um simplesmente por minha vontade própria. Posso até dizer
vento forte passou e a derrubou. E, de repente, diante dos que eu nunca percebi este momento conscientemente.
meus olhos, toda essa beleza encontrava-se no chão. Eu me lembro de começar a convencer o meu operador de
câmera, Serguei, a ser o meu “homem ridículo”, quando
já havíamos realizado o filme. O personagem já existia e
Você tem uma escrita realista. Por que a animação e não o
se movimentava. Nós filmamos algumas cenas e eu sentia
cinema?
que havia algo errado. Eu tinha diversas fotografias. Após
A. P. Já me fizeram essa pergunta e eu respondi alguma examiná-las, escolhi a fotografia de um jovem, proveniente
meia verdade, para esquivar-me. Na verdade, eu de uma familha camponesa. Tinha algumas fotografias...
simplesmente não sei. Provavelmente, eu não realizo filmes Mas, ou eu não podia enxergá-las, ou não tinha fotografias
para falar sobre eles, mas para que eles possam levar-nos suficientes... Não sei como, mas eu abordei Serguei.
ao mundo dos sonhos. Até essa esfera, na qual é impossível
76 filmar com uma câmera ordinária, na qual tudo acontece na
Foi uma grande sorte, que eu pude finalmente enxergá-lo, 77
apesar de ele ter estado todo o tempo ao meu lado. Não
imaginação, de onde também tudo emerge. Isso é o que já
teria sido necessário tanto sofrimento. Subitamente, eu
podemos chamar de objeto de animação, ou seja, algo que
compreendi que ele poderia me ajudar. Eu pedi-lhe para
não existe na vida real. É como se todos os meus desenhos
servir como modelo para a animação, pedi-lhe para filmar
da vida real são uma mera moldura para mostrar a minha
algumas cenas. Convidamos ainda uma menina e eles
fantasia ou para penetrar o universo dos sonhos.
atuaram juntos em algumas cenas, as quais poderiam
Para mim, os sonhos têm significados. Os sonhos, a ser usadas para o filme. Por que eu fiz isso, eu próprio
fantasia e todo este mundo paralelo, que existem ao lado não sei. Eu simplesmente o vi com aquela boina. Ele fazia
da nossa vida cotidiana e que parecem muito com a nossa parte daquela época. O seu rosto e o seu caráter eram
vida real. Eu até mesmo tento não opor estilisticamente exatamente o que eu buscava. Podemos dizer que foi uma
o sonho e a realidade, desenhando somente a realidade. feliz coincidência. E, graças a Deus, ele finalmente aceitou,
Eu me esforço para que as transições nos meus filmes pois no início ele tinha dúvidas e chegou até mesmo a
não possam ser percebidas, a fim de levar o espectador, recusar categoricamente.
inconscientemente, até essa esfera superior.
Mas há também situações, nas quais eu encontro um
personagem nos meus desenhos, e tenho a impressão
Alguns dos seus heróis foram feitos a partir de protótipos. O que ele vive. Foi assim com o velho, no filme “A sereia”.
protótipo do menino, no filme “A sereia” foi o seu filho; o velho, Eu procurei um velho, porém não o encontrei na vida real.
em “O velho e o mar”, o seu sogro. Você precisa conhecer bem Também tinha diversas fotografias de diferentes velhos:
a pessoa que inspirará os seus personagens ou basta apenas um monge, um pintor e algum outro. Todos barbudos
um olhar?
A. P. Sem dúvida, é melhor conhecê-la. Eu não sei como
isso acontece. Algumas vezes, acontece completamente
e diferentes. Eu tentei colocar todas essas pessoas na uso da computação. Sobretudo, não me convenceram
mesma medida. Em todo caso, ao assistir o filme, é que o resultado será melhor. Obviamente, o trabalho é
possível perceber que o velho é diferente nas diversas gigantesco. Passo muito tempo para criar uma ilustração
cenas. Em algumas, ele é como Lev Tolstói; em outras, sintética, que pareça uma pintura. Talvez, eu gastaria
como Dostoievsky; em outras como Serafim Sarovsky. Em menos tempo e energia se esta parte fosse realizada
outras ainda, recorda o padre Serguei. Não encontrei uma por outro artista, com o auxílio da computação. Mas
única ilustração para o personagem. eu lamentaria deixar esta parte do trabalho. Estou
acostumado e sem ela, tudo me pareceria monótono.
Você teve a ideia de filmar “O velho e o mar” há muito tempo,

quando o Canadá ainda não estava nos seus planos. Se não Você pensa, atualmente, em
fosse uma produção canadense que tivesse financiado o filme, algum novo projeto?
mas alguma produção russa, qual teria sido o destino do filme? A. P. Ainda é cedo para dizer
A. P. Com certeza eu não o teria realizado em Cuba, ou se ele resultará em algo, ou
levado o cenário para o Mar Branco ou para o Mar de não. Trata-se de um filme
Barentsevo. Eu contaria uma história sobre um velho da sobre o primeiro amor.
região de Pomor. Creio que tais histórias existiram. Eu, Mas não é baseado em
simplesmente, teria vestido toda a história com camisas Turgenev. É uma adaptação
de cânhamo russo e toda a história teria cores prateadas de um livro de Shmelev.
nórdicas, como na “Sereia”. Dramaturgicamente, eu
tentaria manter o mesmo nível. Talvez o filme fosse menos
Por que sempre adaptações?
Frame de “O velho e o mar” espetacular, pois tive que filmar algumas cenas utilizando
muitos efeitos. Algumas cenas pediam este lado espetacular. A. P. Talvez por pobreza.
Muito pouco brota da 79
78 O próprio ecrã exigia isso, ou mais corretamente, a imagem
da sala de cinema, que necessita chocar o espectador. Estes minha imaginação. Por
isso, eu utilizo o que já existe. “A Sereia” é uma exceção, Frame de “O meu amor”
cinemas mostram filmes, nos quais helicópteros mergulham
no mar ou mil antílopes correm pela África. Cenas deste apesar de ter nascido a partir da “Pobre Liza”, a qual, no
gênero. E eu precisei filmá-las. Talvez elas não existissem entanto, sofreu alterações, limitando-se a um pequeno
se os americanos tivessem uma tradição, ao invés de episódio. Mas toda a história... Eu a chamo até mesmo de
simplesmente uma tendência. um vinagrete literário, pois nela há Pushkin, há a história
sobre Lorelei e a história sobre o suicida, que não pode
descansar, voltando sempre à terra, para vingar-se. Esse
Isso influenciará a sua tecnologia? é o seu consolo. Eu quis desenvolver um pouco a história.
A. P. Sou sempre colocado como um lutador contra as
novas tecnologias. Na realidade, não é bem assim. Eu
Fale-nos um pouco sobre os seus professores ou sobre as
inclusive realizei alguns testes em alguns estúdios,
pessoas que lhe influenciaram.
que utilizam o computador nas suas animações. Eles
estavam interessados em mim. Queriam desenvolver A. P. Desde a infância, diversas pessoas me infleunciaram.
um programa, pois acreditavam que o trabalho manual é Mesmo que não tenham me influenciado sob o ponto de
cansativo e lamentavam eu não utilizar todas as qualidades vista artístico, mas como ser humano. Na escola artística,
propostas por uma máquina. Talvez eles tenham algum em Yaroslavl, tínhamos um excelente pedagogo, uma
interesse próprio, pois realizando um programa com a pessoa singular: Piotr Ivanovitch Pavlov. Ele havia estudado
minha participação, o mesmo poderia ser vendido para no Liceu de Artes de Yaroslavl após a guerra, na qual ela
outros artistas. Nós realizamos alguns testes. Eles
foram interessantes, porém não me convenceram que
o processo pode ser acelerado ou simplificado com o
perdeu toda a família. Por isso, talvez, o trabalho com as honestamente, não acredito nisso. Uma pessoa assim deve
crianças, com jovens artistas lhe era muito importante. tem um talento nato. E até mesmo o talento nato é, de certa
As minhas conversas com ele fazem parte das minhas forma, limitado.
primeiras lembranças.
Uma pessoa muito importante para mim foi, sem dúvida, Você se baseia em algumas imagens artísticas durante o
Boris Nemensky, mestre em pintura no Instituto de Cinema trabalho?
(VGIK). Naquela época, ele trabalhava junto com Vitaly
A. P. Eu tento não citar ou usar como fonte um artista só
Aleksandrovitch Tokarev, mestre em desenho. Ele sempre
ou realizar o meu futuro filme em estilo de um artista ou
expressava a sua posição como cidadão e não posso afirmar
de uma escola. Em algum momento, parei de pensar na
que ele tinha muitos apoiadores. Ao contrário, ele provocava
forma, no estilo, nas lembranças ou alusãos que um filme
sempre discussões, mas discussões podem ser produtivas.
possa despertar. Se ele fala do movimento da “Idade de
Sou extremamente agradecido ao mestre Ivan Ivanov- Prata” ou do Renascimento.
Vano, pessoa extremamente conhecida no cinema e uma
Antes, isso era importante para mim. Quando eu fazia
das colunas da nossa animação soviética. Um homem
filmes para outros diretores, eu tentava encontrar uma
que, através da sua vida e obra, levou a animação a um
forma para transmitir com precisão as ideias dos diretores,
determinado nível, mudando a atitude das pessoas em
ou quando o filme era baseado em uma obra literária,
relação a esta linguagem artística. Ele era bastante
também dos autores. Eu procurava formas estilísticas.
excêntrico e muito generoso no diálogo com os jovens
Depois, essa preocupação passou.
artistas. Nós éramos jovens, e não podíamos apreciar a
oportunidade apresentada pela vida. Se eu pudesse voltar Quando eu comecei a fazer os meus filmes, esqueci-me
no tempo, gostaria de poder escutá-lo ainda mais e poder disso. Eu pintava como podia. Obviamente, eu tentava ser
fazer-lhe ainda muitas perguntas. Foi uma grande fonte de fiel a mim próprio e cuidava para que a minha forma não
entrasse em conflito com a fonte literária. Mas eu não
80 conhecimento e experiência para mim. 81
procurava uma forma especial para expressar-me. Eu
E obviamente, os nossos pedagogos em direção: Fiodor
não utilizava as obras de Goya para ilustrar Dostoiévski,
Savelovitch Khitruk e Yuri Norstein. Ambos, provavelmente,
embora isto, provavelmente, fizesse sentido. Algumas
exerceram uma influência decisiva na minha formação
pessoas vêem Goya, Bosch e muita mais nos meus filmes.
como diretor. Eu sempre me lembro deles com gratidão.
E, sinceramente, sinto falta deste contato. Com prazer, Uma vez, eu tinha algumas ilustrações do artista francês
continuaria como estudante, escutando-os transmitir Claude Lorrain penduradas no meu ateliê, como fonte de
os seus pensamentos. Mas, infelizmente, a vida não inspiração. Eu as coloquei ao meu lado, não porque amava
oferece segundas oportunidades. Mesmo assim, nós nos a obra dele, mas porque eu li que Dostoiévski adorava este
encontramos, conversamos amigavelmente por alguns artista e achava ser o único artista a transmitir a sensação
minutos quando nos encontramos nos festivais e em outras de harmonia perdida pela humanidade. Uma harmonia da
ocasiões. Para mim, é sempre como um presente. qual ela tenta se aproximar ou distanciar.
Sim, podemos falar de muitas pessoas que encontramos Eu achava que se Dostoiévski acreditava que a obra de
ao longo da vida. Às vezes, vemos certa pessoa uma única Claude Lorrain correspondia a este ideal, eu deveria
vez na vida, mas é o suficiente para, em algum momento, colocar os seus quadros ao meu redor. No entanto, no filme
entendermos algo sobre a vida, sobre o nosso lugar nela e não há nenhuma referência ao estilo de Claude Lorrain. Eu
sobre a arte. acho que não é necessário utilizar o estilo de um artista
para transmitir pensamentos e ideias. Tento inventar
O mais importante, provavelmente, é o contato com colegas
imagens, sinais, símbolos, composições. É muito mais
e o diálogo com os estudantes. É importante estar e
interessante. Contudo, “O Sonho de um homem ridiculo”
aprender com eles, sentir como eles crescem ao seu lado.
Talvez seja possível evitar as instituições e a educação, e
permanecer solitário. De alguma maneira, isto pode até
ser melhor do que uma educação organizada. Mas eu,
é um manual visual. Nele, encontram-se todos os meus Norstein. Ele também falou sobre a falta da dinâmica
artistas favoritos: Rembrandt, Goya, Bruegel. Estão todos da ação. Isto também parece preocupá-lo. Um filme não
presentes, mas sem utilizar citações diretas. pode simplesmente contar fatos históricos. Ele precisa de
vida, de ação. Precisa de um caleidoscópio de imagens e
quadros. E se não há uma faísca no momento da leitura, é
O que mais lhe ajuda no seu trabalho?
melhor deixar esta ideia.
A. P. Eu não leio sem parar. Já vive assim, mas este período
passou. Eu leio lentamente. Não aprendi a ler rápido.
Tampouco tenho problemas com essa nova geração que não
lê. Eu leio tudo o que pode ser útil para os projetos atuais
e futuros. Na verdade, eu gosto de ler durante o processo
de criação de um filme. Leio tudo o que encontro no meu
caminho: jornais, revistas... Tudo é valido. Percebi que eles
colaboram com o filme. Neste processo, você se encontra
em um estado tão inquieto, que tudo o que passa por você é
filtrado através desta inquietude. Às vezes, isso é útil.
A criação de um filme é um processo muito demorado.
Durante um ou dois anos você vive com o mesmo
pensamento. Você dorme e acorda com ele. Toma chá
e trabalha com ele. Vive todo o tempo sob o seu olhar
fixo. Neste momento, a leitura torna-se um processo
consciente e útil.
82 83
Você tem desenhos e esboços do “Grande Inquisidor” ...
A. P. Eu ainda tenho esta ideia. Para dizer a verdade, eu
tenho medo de realizá-la. Naquela altura, quando eu era
jovem, eu achava que podia realizar qualquer ideia e que
conseguiria fazer tudo. Hoje em dia, eu não arriscaria. Eu
entendi que Dostoiévski não é nada fácil. Eu sabia que ele
é um escritor bastante complicado para a animação e para “A sereia”
o cinema.
“O Sonho de um Homem Ridículo” é um conto bastante
dinâmico, com uma intriga e ações que podem ser
representadas. Há várias cenas que ganham visualmente.
“A Lenda do Grande Inquisidor” começa de uma forma
intrigante e interessante: Espanha, século XVI. Os hereges,
a Inquisição, incêndios e outros fatos. A prisão, onde
se encontram o Grande Inquisidor e Jesus Cristo, que
voltou à terra novamente. Depois, há um diálogo bastante
complicado. Não é um diálogo, mas um monólogo. Jesus
não fala uma palavra, somente o Grande Inquisidor fala.
Na literatura, isto foi feito de maneira brilhante. Há uma ¹ - Sverdlovsk, hoje Ekaterinburg.
intriga, o poder e a dor nos argumentos do velho. Mas

é muito difícil fazer disto uma ação. É difícil traduzi-lo
para a linguagem cinematográfica. Eu consultei Yuri
svetlana filippova
autora I roteirista I diretora I animadora I ilustradora
Nasceu em 1968, em Alma-Ata (Cazaquistão). Formou-se
na Escola Superior de Cineastas e Cenaristas (VKSR) de
Moscou, na classe de Fiodor Khitruk, Yuri Norstein, Eduard
Nazarov e Andrei Khrzhanovsky. Vencedora de inúmeros
prêmios, vive e trabalha em Moscou como ilustradora de
livros, autora, diretora e animadora. Membro da União de
Artistas da Rússia.
84 85
A história de Sara (Skazka Sari)
Três histórias de amor (Tri istorii liubvi)

Alemanha, 2007, 12 min
Onde morrem os cães (Gde umiraut sobaki)

França, 2011, 12 min
Brutus (Brut)
entrevista
Yuri Norstein
Ponto de partida Revista “Nostalgia” n 1, 2007
Com S. Filippova
por Elena Gubaidulina para a Revista Psychologies
Sveta Filippova mostrou-me um roteiro: “Um zelador morava com os seus pertences em
um cômodo apertado. No final do inverno, nevava intensamente. A neve caía durante toda
a noite. Era uma vingança da neve por todo o esforço do zelador para manter limpas as
ruas. O zelador estava deitado com o seu chapéu, embaixo do coberto e tinha um olhar
Como surgem as ideias para os seus filmes?
perplexo. A neve batia freneticamente na janela. O zelador ainda permaneceu deitado
até que, de repente, jogou longe o cobertor, permanecendo deitado. Ele estava vestido S.F. Vou contar uma história. Eu estudei na Escola Superior
e segurava nas mãos uma pá de madeira, que repousava sobre o seu peito”. Neste de Cineastas e Cenaristas, na faculdade de direção de
momento, eu comecei a rir. É um detalhe curioso e engraçado: um zelador que dorme animação. Yuri Borisovitch Norstein nos deu a seguinte
com uma pá nas mãos. O que nos resta na vida e o que nos une? O que torna a realidade tarefa: inventar o despertar de uma pessoa, e através de
mais leve, transformando-a em metáfora? Somente a memória. Ela nos obriga a trabalhar detalhes, mostrar o caráter deste personagem. E deixou-
a partir das nossas experiências anteriores. O zelador dormia toda a noite vestido, pois nos na sala de aula por duas horas. Eu me lembro de olhar
estava sempre pronto para enfrentar a neve. pela janela e ver a neve que caía lá fora. E pensei: como
é bonito para nós, espectadores, ver a neve caindo, mas
Quantas vezes Sveta “despejou” inúmeras possibilidades no desenho? Quantas vezes, no como é difícil para quem tem que limpa-la. Eu desenhei
seu roteiro, o zelador não saiu da sua cova confortável rumo ao espaço aberto? Cada vez algumas cenas, nas quais um zelador dormia vestido,
de maneira diferente. Quanta neve (desenhada) o zelador não limpou, somente para voltar com uma pá embaixo do travesseiro. E como na guerra,
ao seu leito para, em seguida, levantar-se novamente e reiniciar o trabalho, somente para estava sempre pronto para a batalha com a neve. Esse foi o
que ela pudesse amadurecer o personagem e retirar novos detalhes da neve? Eu sempre primeiro desenho que eu mostrei a Norstein. O desenho me
86 repeti a mesma frase: ao achar um novo detalhe, é necessário limpar novamente todo o parecia pobre, e eu sentia vergonha de levá-lo a sua mesa.
87
cenário, para compreender como este novo detalhe influencia o tempo da imagem. Sveta Estava certa que ele me expulsaria do curso por falta de
concluiu a Escola Superior de Cineastas e Cenaristas, foi premiada internacionalmente aptidão profissional. E, de repente, Yuri Borissovitch deu
com o seu trabalho de conclusão de curso, deu à luz a gêmeos. E o seu zelador continuava uma gargalhada. Algo neste zelador com a pá parecia-lhe
a retirar a neve, em uma briga eterna. E nunca conseguia deixar a cidade livre da neve. engraçado. A partir deste episódio nasceu o meu filme “A
De volta à Rússia, Sveta realizou ilustrações maravilhosas para alguns livros de Ludmila história de Sara”.
Ulitskaya, enquanto o zelador continuava a dormir segurando a pá de madeira. E a neve
caía, caía, enquanto as crianças cresciam, cresciam. E tudo terminou quando a sua filha
pegou o material do cenário e escreveu um novo conto. O filme passou a chamar-se “A
Esboços de “A história de Sara” Neste filme surpreendente, o mundo é visto através do olhar de
história de Sara”. uma criança. Observar os seus filhos ajuda-lhe no trabalho?
S. F. “A história de Sara” não existiria se eu não tivesse
Eu assisti o seu filme “A história de Sara”. Não se trata, obviamente, de uma campanha
filhos. Os meus filhos nasceram logo após a conclusão dos
com o título “Precisamos de trabalhadores para limpar o território”, mas eu ouvi o
meus estudos como diretora e animadora e as filmagens
sussurro do meu neto de seis anos: “Mamãe, eu também quero pegar uma pá para retirar
tiveram que ser adiadas por vários anos. Eu os eduquei e os
a neve”.
observava. Nas horas vagas, desenhava cenas para futuros
filmes. O resultado, porém, não me satisfazia. Os finais
me pareciam previsíveis e planos. Os meus filhos pediam-
me para ver o material desenhado e eu lhes pedia para
contar uma história a partir dos desenhos. Sara, que tinha
cinco anos, me contou uma história, inventando um final
completamente inesperado. E eu compreendi que deveria influência de Pirosmani. Depois, a sua chegada à cidade. Já
fazer o filme a partir da sua história e colocar o seu nome se trata de uma estética completamente diferente: Chagall,
no título do filme. Tanto o meu filho quanto a minha filha Tchekriguin, Mansurov, Labas, Gontcharova, Larionov.
ajudam-me no meu trabalho. Eu lhes peço para desenhar Vendo este trabalho no Festival Krok (Festival Internacional
algo, e estes desenhos sempre mostram outro olhar na de Animação Krok), um produtor francês
composição geral e nos protagonistas dos filmes. Estes pediu-me uma ideia para um próximo
desenhos muitas vezes servem como ponto de partida para filme.
os meus filmes.
E o que você lhe sugeriu?

E como surgiu “Três histórias de amor”? S.F. Eu tinha um roteiro sobre a vida
S.F. De alguma forma, essas histórias dão do meu cachorro. Nos anos 1990, eu
sequência ao tema iniciado pelo filme “A tive que deixar a minha cidade natal e
história de Sara”. Por diferentes razões, parti, sem saber o que me aguardava.
a realidade sempre nos interessa. Era Deixei o meu cachorro em casa e lá,
muito interessante poder mostrar a ele envelheceu e morreu sem mim. Eu
história de amor de Mayakovsky, vista Frame de “Onde morrem os cachorros” fiquei com um grande sentimento de culpa. Comecei a
de ângulos diferentes. Como a história refletir sobre este tema e desenhei alguns esboços. O
teria sido contada por Lylia Brik? Como produtor francês gostou da história, apesar dela parecer-
ele próprio a teria contado? E como ela lhe demasiadamente russa. Mas tudo deu certo, e alguns
teria sido vista por um observador? meses depois, eu fui para a França filmar este filme.
Enquanto eu estudava o material, assisti
diversos arquivos audiovisuais da época
O seu filme “Brutus”, provavelmente o filme de animação mais
88 e o roteiro foi mudando. Eu não queria 89
marcante que eu vi nos últimos tempos, fala também sobre
mais falar sobre uma pessoa concreta,
cachorros, sobre criaturas corretas, que não desejam tornar-
invadir os detalhes de uma vida alheia.
se traidores. Como foi filmado este filme?
Assim, criei a imagem geral de um poeta,
o qual deixa a sua aldeia nas montanhas S. F. Eu comprei, por acaso, o livro “Vida de Cão”, de
rumo à cidade grande. A imagem de Ludwig Ashkenazy, e o li para os meus filhos. “Brutus”
Mayakovsky e a sua capacidade de e alguns outros contos não saíram da minha cabeça. Eu
entregar-se ao amor de tal maneira que lembrava também dos comentários das crianças sobre
nenhuma mulher conseguia permanecer este livro. Em 1934, começaram as proibições para os
ao seu lado por muito tempo, continuava judeus na Alemanha nazista. No início, proibiram os
sendo importante. Pequenos pedaços judeus de defender as suas teses nas universidades.
de crônicas, interrompidos de maneira Depois, os alemães não podiam comprar em lojas judias
Frames de “Três histórias de amor” e os casamentos com judeus foram proibidos. Eles eram
brusca, pediam uma continuação. E eu desenhava essas
continuações. Tudo isso resultou em um filme estranho, no proibidos de frequentar bibliotecas, hotéis, teatros e
qual cenas documentais são costuradas junto à animação. óperas, pistas de patinação e piscinas. Os automóveis lhes
A animação determina as novas regras do jogo, mais foram proibidos. Aos poucos, tudo foi sendo proibido. E as
contingentes, e a crônica ganha, desta forma, um aspecto pessoas, acostumadas, continuavam a viver, sem enxergar
diferente. Foi muito importante não contar apenas uma como tudo terminaria. Eu percebi que queria fazer um
história de amor abstrata, mas situa-la em uma época filme a partir do conto “Brutus”. Era um desafio pensar na
concreta da História. O material gráfico e as pinturas de maneira de levar esta literatura para o cinema. De algum
artistas do início do século XX ajudaram-me bastante. O
filme foi construído sobre citações. Começa com a infância
de Mayakovsky na Geórgia. Obviamente, há uma grande
modo, o filme “Brutus” foi dos seus animais de estimação. Assim, a protagonista
mais simples e ao mesmo entrega Brutus, também o traindo. Eu creio que neste
tempo mais difícil do que momento, algo morre dentro dele, ou seja, a guerra nos
os outros. No momento de transforma. O nosso espírito fica cansado de resistir aos
pleitear ajuda financeira absurdos da guerra. A indiferença torna-se a única saída
para a realização de um para sobreviver à maldade. Em algumas situações, para
filme, é necessário indicar verificarmos os nossos limites, precisamos estar em
a duração do mesmo. um ambiente hostil. No entanto, muitas vezes, o mal se
Mas como prever a duração do filme? Tudo é construído a penetra as nossas vidas rotineiramente e não é possível
partir de ilustrações, detalhes e pausas. Como contar isso? reconhecê-lo ou identificá-lo imediatamente. E ele corrói
Eu liguei um cronômetro, fechei os olhos e mentalmente a alma. Adaptamos-nos, tentando sobreviver em um
comecei a ver o filme, o qual eu ainda não havia filmado. E mundo desconhecido, com novas regras. Após ultrapassar
o mais engraçado é que eu o visualizei. Depois, anotei tudo essa fronteira, tudo se torna possível. Isso é ilustrado em
o que tinha visto. Demoradamente, recordava os detalhes e “Brutus”, que apesar de ser representado por um cão no
as impressões gerais. Precisava ainda estudar as crônicas conto, fala da natureza humana.
dos anos de guerra, pesquisar fotografias e filmes. Fazer
centenas de esboços. Tudo ficava dependurado diante dos
Por que a animação pode ser útil em tornar o invisível visível?
meus olhos no meu ateliê, para que eu não me esquecesse
de nada e para que o filme fosse preenchido por pessoas. S.F. Às vezes, penso que a animação é uma linguagem
Ekaterina Baikova e Svetlana Zimina auxiliaram-me nos demasiadamente rude. É possível mostrar alguns aspectos
trabalhos. Elas assumiram parte deste pesado fardo de maneira mais sutil no cinema, assim como fizeram
emocional. Quando eu estava no pedaço mais sombrio da Bergman, Fellini, Tarkovsky, Guerman e Muratova. Lá, é
história, pedi para que a minha filha desenhasse a cena. possível trabalhar diversas soluções através de grandes
90 Esboços de “Brutus”
Sentia a necessidade de um olhar fresco sob uma cena planos ou através da expressão facial dos atores. Tente 91
que nos foi mostrada inúmeras vezes no cinema. Como fazer isso na animação! Revendo os filmes de Caroline
ficavam as pessoas nos comboios rumo aos campos de Leaf, Georges Schwitzgebel, Frédéric Back, George
concentração? Como elas eram recebidas, à noite, por cães Dunning ou dos nossos mestres, eu vejo que nós próprios
e pessoas em uniformes? E a partir dos seus desenhos, nos impomos restrições. Tudo é uma questão de liberdade.
eu aperfeiçoei a animação destas cenas. Era muito É assustador fazer algo que ainda não foi feito por ninguém.
importante preservar a leveza nas ilustrações, assim como Durante os trabalhos no meu último filme, eu me proibi
a negligência e a secura intencional da apresentação. Era explicações e análises sobre o que eu estava fazendo. Eu
preciso procurar detalhes engraçados. li a seguinte frase de um poeta: “Eu não me intrometo na
minha criação”. É verdade. Eu sempre preciso lembrar-me
disso. A poesia é a arte mais próxima da animação. Para
O que motiva a traição das pessoas próximas? E de onde descrevê-la, podemos utilizar as palavras de Seamus
buscamos forças para suporta-la de maneira estóica e humilde, Heaney: “Enquanto algo não chegar voando aos ouvidos do
como o faz o protagonista de “Brutus”? poeta, enquanto a sua consciência não tropeçar em um solo
S.F. Muitas vezes, a traição acontece aos poucos. plano, enquanto a surpresa ou a emoção não o possuírem,
Primeiramente, algo acontece nos nossos pensamentos. mesmo que minimamente, o trabalho não começa.” Uma
Como Brutus, que todo o tempo recordava o velho cavalo. forma que se transforma em pensamento. Esta é uma das
Ele ainda era um cão inteligente e vivia na família de um mais importantes peculiaridades da animação.
professor de latim. E acima de tudo, amava o seu dono.
Mas o cheiro de sangue da velha égua estava sempre
na sua cabeça. E, em um determinado momento, o seu
dono encontra-se sem alternativas diante da situação.
Frames de “Brutus” Um decreto fascista obriga os judeus a se separarem
Podem existir restrições na animação, as quais limitam artistas
e diretores na transmissão do seu universo?
S.F. É necessário pensar em como desenhar em
movimento tudo o que pensamos. E ter consciência que
em cada segundo de um filme encontram-se entre 12 e 24
desenhos. Existem desenhos maravilhosos. No entanto,
depois de começarmos a pensar como os personagens se
movimentarão neste desenho, tudo nos parece em excesso.
Cada história requer uma nova solução em relação à luz,
composição, movimentação da câmera montagem, etc.
Na animação, a movimentação do personagem é muito
importante. Se analisarmos os filmes de Fiodor Khitruk,
podemos constatar que em cada filme ele inventava um
novo estilo de movimentação. Como tudo é permitido na
animação, é difícil alcançarmos tamanha liberdade, tal
como ela possibilita. Criar um mundo com novas regras
e brincar com elas ou destruí-las? Eduard Nazarov nos
mostrou, durante as suas aulas, o filme “Ali Babá” de Giulio
Gianini e Emanuele Luzzati. Os personagens eram feitos
a partir da superposição de papeis, os quais nem mesmo
eram cortados com tesoura, mas rasgados com as mãos.
O filme começa, e inicia-se um jogo de imaginação, no qual
você adivinha como funcionarão as leis recém-nascidas
92 93
neste mundo modificado. Tudo é errado, porém nestes
papeis que se movimentam você reconhece a verdade da
vida. Neste momento, você se sente feliz.
Esboço de “Brutus”
94 95
Bibliografia
Assenin, Serguey. Mudrost Vimisla. Mastera multiplilkatsi o sebe
i o svoem iskusstve. Moskva: Iskusstvo, 1983
Norstein, Yuri. Sneg na trave. Moskva: VGIK, 2005
Khitruk, Fiodor. Professia animator. Moskva: Gaiatri, 2007
Kinovedctheskie zapiski. N52, 2001

O que é uma animação e como se faz?
Animação é uma sequência de desenhos ou fotos de objetos com
pequenas mudanças de posição entre eles. Quando passamos esses
desenhos ou fotos bem rápido nosso cérebro entende que o objeto está
se mexendo. Legal, não é?
E isso pode ser feito de várias maneiras: com desenhos, com fotos e
inclusive com o computador.
r e n t e! Viu? 97
o de t r ás pr a f . Mas
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VAMOS
TENTAR? SSO A
A A S E G UIR O PA -SE!
VEJ DIVIR TA
PA S S O E
Pense na história que você quer contar e no
personagem (ou personagens) que ela terá
1 dica
Agora que você está começando
escolha formas mais simples!
Faça seu bloco de papeis ou compre
2
um pronto. Para fazer o bloco é só
cortar folhas A4 em pedaço menores
e grampear
dica
Para fazer 1 segundo de animação
você vai precisar de 12 a 24
desenhos!
Vai fazendo os desenhos com
3
98 pequenas alterações na forma e
posição para fazer o movimento que
você pensou, um em cada folha
dica
Os profissionais trabalham sobre
uma mesa de luz, assim é possível
ver o desenho anterior e saber onde
você deve alterar a forma. Mas você
pode usar o vidro de uma janela da
sua casa. Ela funcionará como uma
mesa de luz!
LHA
E S TA Q UE A F O E
D E US
E N T E A O L A DO DA
AR OS
T R A NSP E R OS DE SE NH Ã O!
FA Z MAÇ
PAR A SU A A NI
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Mostra de Animação Russa apresenta filmes de 1950 a 2014

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Se imaginarmos um espaço entre a razão e o sentimento, a

Esperamos que, na companhia de Tcheburashka, do gato

Desejamos a todos uma excelente Mostra!

Maria Vragova e Luiz Gustavo Carvalho

mikhail tsekhanovsky: um pioneiro da animação

conversa sobre a profissão

uma enciclopédia animada para a

a seriedade de uma risada bondosa

fidelidade ao caminho escolhido

extratos de “a neve na grama”

infantil 11h CINE 1 infantil 14:30h CINE 1

infantil 14h CINE 1

Lavatory-Lovestory I Konstantin Bronzit. 2007, 10 min infantil 14:30h CINE 1

Três histórias de amor I Tri istorii liubvi

Bqualaseado em um conto do folclore russo, análogo ao clássico “A

BORIS DEZHKIN e VLADIMIR SUTEEV

URSS, 1967, 10 min

URSS, 1971, 20 min

Nvezooporseusegundo episódio da trilogia, o crocodilo “Guena” comemora

A história de um crime I Istorya odnogo prestuplenya A Ilha I Ostrov

BManinarulhos noturnos, causados por uma vizinhança mal educada,

Fondeilme alegórico que retrata o destino da arte em um governo

A batalha de Kerzhenets I Setcha pri Kerzhentse

Osuasfilme é baseado em um conto popular russo e narra a história

A Sereia I Rusalka VLADIMIR POPOV e VLADIMIR PEKAR

Rússia, Canadá, Japão 1999, 20 min

Oscar de “Melhor curta-metragem”, em 2000

B“Osaseado no livro “Tio Fiodor, o cachorro e o gato”, do renomado

LEONID SCHWARTZMAN e MAYA MIROSHKINA

Ofilhos,filme “Macaquinhos. Cuidado, macaquinhos!” é o segundo

Filme baseado no livro de E.T.A. Hoffmann e no balé homônimo

Rde ealizado a partir do livro homônimo do poeta russo Aleksander

O ursinho Taptizhka (Taptizhka)

O homem na moldura (Tchelovek v ramke)

O ursinho Puff (Vinni Pukh)

O ursinho Puff faz uma visita (Vinni Pukh idet v gosti)

O ursinho Puff e um dia atarefado (Vinni Pukh i den zabot)

O leão e o touro (Lev i byk)

Obviamente, é impossível não comparar os personagens de “Nu Pogodi!” com os

“A animação começa onde termina a possibilidade de outras 51

Como dizer que a animação não é cinema, se os

A minha profissão passou a ser chamada artista animador,

Vou agora dar o exemplo de algo

Nos famosos versos de Boris Pasternak, ele assim descreve o artista:

62 “Mas quem é ele? Em qual arena 63

Aqui, entramos no território conhecido como “cinema de autor”. Sem entrar em

Frame de “A Garça e a Cegonha”

“O conto dos contos”

O sonho de um homem ridículo (Son smeshnogo tcheloveka)

O velho e o mar (Starik e more)

Meu amor (Moya lubov)

Você teve a ideia de filmar “O velho e o mar” há muito tempo,

intriga, o poder e a dor nos argumentos do velho. Mas

Três histórias de amor (Tri istorii liubvi)

Onde morrem os cães (Gde umiraut sobaki)

E o que você lhe sugeriu?

Norstein, Yuri. Sneg na trave. Moskva: VGIK, 2005

Khitruk, Fiodor. Professia animator. Moskva: Gaiatri, 2007

Kinovedctheskie zapiski. N52, 2001

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