Los ismos en el arte

1. 1. Los Ismos en el Arte

2. 2. El arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se
denominan ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino
que muchas son coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas. Las vanguardias no se
pueden entender intentando establecer un orden cronológico. Es un tópico el
considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero esta
ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX. El año 1863 se
puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que Manet pinta
Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra
poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de
plantearlo causó escándalos. El Impresionismo y luego el Postimpresionismo
constituyen el punto de partida para las corrientes del siglo XX.
3. 3. Edouard Manet . El Desayuno sobre la yerba, 1863. Óleo sobre tela.
4. 4. Impresionismo
5. 5. El impresionismo se da a conocer en 1874 en una exposición celebrada en París en
el estudio del fotógrafo Nadar. En esa muestra, celebrada de modo paralelo al Salón
oficial, un grupo de pintores (Bazille, Cézanne, Monet, Pisarro, Degas, Morisot, Renoir
y Sisley) ponen de manifiesto su voluntad colectiva de hacer un arte nuevo que rompa
con el academicismo y la tivialidad artística imperante en la época. Los trabajos
expuestos motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público. Un cuadro de
Monet titulado "Soleil levant, Impression" (Sol naciente, Impresión) sirvió al crítico
Leroy para bautizar al nuevo movimiento con el nombre despectivo de
"impresionismo".
6. 6. Claude Monet . Impression, soleil levant. Óleo sobre tela, 48 x 63 cm. Musee
Marmottan. París
7. 7. Antes de esa primera exposición hubo un período inicial de formación de unos
quince años durante el cual se fueron cuajando las bases que definen este
movimiento. El grupo impresionista realizó siete exposiciones más, en 1876, 1877 (que
mostró el momento de mayor cohesión del movimiento), 1879, 1880, 1881, 1882 y en
1886. A lo largo de esos años dejaron el grupo algunos de los pioneros (Cézanne,
Renoir, Monet, Sisley) y se incorporaron otros (Gauguin, Redon, Cassatt, Seurat,
Signac). El impresionismo se extendió rápidamente por muchos países europeos y
también llegó a EE. UU. Una modalidad del impresionismo es el divisionismo o
puntillismo, también conocido como postimpresionismo o neoimpresionismo.
8. 8. CARACTERÍSTICAS • Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen y el
claroscuro no tienen ninguna importancia. • Figuración con eliminación del detalle y de
todo carácter descriptivo. Búsqueda de la claridad y la luminosidad. • Indiferencia por
el tema, la única preocupación es la luz y el color fugaces. • Búsqueda de la belleza de
la sensación directa: las formas se plasman de modo no acabado, impreciso y
vaporoso, llegando incluso a desmaterializarse. • Preocupación por fijar las
impresiones momentáneas de la naturaleza: el pintor sale al campo con su caballete
en busca de la luz fugaz y el rápido cambio de los colores. • Representación plástica
de la vibración óptica de la luz. • Rechazo de los colores oscuros, el negro queda
proscrito. • Interés por plasmar los efectos cambiantes de la luz (Ejemplo: Monet.
Catedral de Ruán).
9. 9. INFLUENCIAS • La teoría de las sensaciones de Locke: de aquí el rechazo del
realismo clásico como culto a la materia y la búsqueda de una pintura más sensitiva
que plasme la experiencia de las sensaciones visuales fugitivas. • Las teorías ópticas
de Chevreul y de Maxwell: de aquí que los colores no se obtengan por mezcla en la
paleta sino por mezcla optica en el lienzo, que se busque la exaltación de los colores
 complementarios y que se prescinda del negro (negación de la luz), todo ello para
lograr colores limpios, luminosos y vibrantes.
10. 10. Claude Monet Estanque con nenúfares (1899) Óleo sobre lienzo. 88.3 x 93.1 cm.
Museo: National Gallery. Londres
11. 11. Claude Monet Palacio de Mula en Venecia (1908) Óleo sobre lienzo. 62 x 81.1 cm.
National Gallery of Art.
12. 12. Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894
13. 13. Claude Monet, Serie Catedral de Ruán. 1894
14. 14. Edouard Manet, Olimpia, 1863, óleo sobre lienzo, 130´5 x 190 cm, Musée d´Orsay,
París.
15. 15. Edouard Manet, Pífano, 1866, óleo sobre lienzo, 160 x 98 cm, Musée d ´Orsay,
París.
16. 16. Edgar Degas Clase de danza c.1873-1875, óleo sobre lienzo, Musée d´Orsay,
París
17. 17. Edgar Degas Bailarina en la escena, 1878, pastel, Musée d´Orsay, París.
18. 18. Pierre Auguste Renoir, Le Moulin de la Galette, 1876, óleo sobre lienzo, Musée
d´Orsay, París.
19. 19. Pierre Auguste Renoir, Le déjeuner des canotiers, 1881, óleo sobre lienzo, Philips
Memorial Gallery, Washington, D.C.
20. 20. Post Impresionismo (o Neoimpresionismo)
21. 21. Bajo el nombre de Neoimpresionismo o Postimpresionismo se engloban múltiples
tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que
responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos
bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la
individualidad de sus planteamientos. Hay una influencia del arte oriental. En 1868
Japón se abre a Occidente. Las muestras de los ukiyo-e-hanga ofrecen una alternativa
en la que encuentran una nueva forma de realidad.
22. 22. Katsushika Hokusai, La gran ola de Kanagawa, 1823-1829, grabado, Metropolitan
Museum of Art, New York.
23. 23. • Se apuesta por la recuperación del dibujo y del trazo a diferencia de lo que
ocurría en el Impresionismo. • El color se aplica en grandes superficies planas sin
matización y sin perder intensidad en la lejanía. • Por medio del dibujo se dan las
calidades de materia, forma e incluso volumen. • Se transmite una visión cósmica a
partir de lo mínimo. • Se capta el gesto detenido y fijado, coincidiendo con la idea de
instantánea. • Cobra importancia el dejar sin cubrir. • Hay una nueva organización de
espacio: se usa la diagonal y la línea de horizonte se coloca bastante alta, así, las
figuras se van escalonando. Fueron los pintores de la década de 1880 los que vieron
en estas obras grandes descubrimientos aptos para renovar el arte:
24. 24. • Se usan diferentes puntos de vista, así, las composiciones pueden resultar
asimétricas y desdentradas. • Se usan encuadres originales. • Se prefieren los
formatos alargados. • Hay un gusto por los detalles. • Se transmite una visión edonista
de la vida, la misma que reclamaban los impresionistas. • Gusto por situaciones
insólitas. • Se usan las siluetas. • En definitiva se prescinde de todo convencionalismo
anterior. Son novedades que influyen en artistas como Gauguin, Lautrec, Van Gogh e
incluso en Matisse.
25. 25. El Puntillismo Como su propio nombre indica, esta técnica consiste en pintar a
base de pequeños puntos de color puro. En la octava exposición del impresionista de
1886, se dio la primera alternativa a la crisis de los lenguajes. El cambio de
Impresionismo a Puntillismo se debió a las aportaciones científicas y teóricas. Félix
Feneon ya habló de "Impresionismo Científico" y Chevreul aportó su obra escrita Libro
sobre la complementaridad de los colores. Ahora la Naturaleza hay que verla con los
ojos de la mente. Hay que superar la concepción retiniana para incidir en una más
conceptual. Este es el punto de partida para el arte abstracto posterior.
26. 26. Georges Pierres Seurat, Modelo sentada de perfil, c.1887, óleo sobre tabla, 25 x
16 cm, París, Musée d´Orsay.
27. 27. Paul Signac, El palacio papal en Aviñón, 1900, óleo sobre lienzo, 73´5 x 92´5 cm,
París, Musée d´Orsay.
28. 28. Diferencias con respecto al Impresionismo: • La imagen adquiere una entidad
desconocida • La obra parte del "plein air", pero a diferencia del Impresionismo se
termina en el taller. • Se recupera la división entre obra definitiva y boceto. • Las
figuras en el espacio adquieren monumentalidad y rigidez, lo que potencia la pérdida
de la espontaneidad. • Hay una marcada tendencia a la esquematización de formas y
a los volúmenes simplificados. • Da la sensación de que la luz emana de los cuerpos.
En el Impresionismo el procedimiento era a la inversa, ya que la luz era la que incidía
sobre los cuerpos.
29. 29. Vincent Van Gogh, Los girasoles, 1888, óleo sobre lienzo,91 x 72 cm, Münich,
Bayerische Staatsgemäldesammlungen Neue Pinakothek.
30. 30. Vincent Van Gogh, La noche estrellada, 1889, óleo sobre lienzo, 73´7 x 92´1 cm,
Nueva York, The Museum of Modern Art.
31. 31. Vincent Van Gogh, La habitación de Vincent en Arlés, 1889, óleo sobre lienzo,
56´5 x 74 cm, París, Musée d´Orsay.
32. 32. Paul Cézanne, Los jugadores de cartas, 1890-1892, óleo sobre lienzo, 45 x 57 cm,
Musée d´Orsay.
33. 33. Paul Cézanne, Cebollas y botella, c.1895-1900, óleo sobre lienzo, 66 x 81 cm,
París, Musée d´Orsay.
34. 34. Henri Toulouse-Lautrec, La Goulue entra con dos mujeres al "Moulin Rouge",
1892, óleo sobre cartón, 79´4 x 59 cm, Nueva York, Museum of Modern Art.
35. 35. Henri Toulouse-Lautrec, El salón de la Rue de Moulins, 1894, óleo sobre tela,
111´5 x 132´5 cm, Albi, Musée Toulouse-Lautrec.
36. 36. Paul Gauguin,Visión después del Sermón, 1888, óleo sobre lienzo, 73 x 92 cm,
Edimburgo, National Gallery of Scotland.
37. 37. Paul Gauguin, Pasatiempo, "Arearea", 1892, óleo sobre lienzo, 75 x 94 cm, París,
Musée d´Orsay.
38. 38. Fauvismo
39. 39. Se desarrolla en Francia durante los años 1903 a 1907. La primera exposición
tiene lugar en París en el Salón de Otoño de 1905 y alcanza su climax en 1906 en el
"Salon des Indépendants". La denominación deriva de la palabra "fauves" (fieras),
término con el que el crítico Louis Vauxcelles denominó a un grupo de pintores,
encabezado por Matisse, que practicaban un estilo vigoroso de pintura alejado de todo
principio académico.
40. 40. CARACTERÍSTICAS • Carácter lírico y expresivo potenciado mediante el color. •
Plasmación de lo real de manera subjetiva: el artista trata de captar lo esencial
interpretando la naturaleza y sometiéndola al espíritu del cuadro. • Énfasis cromático
mediante colores puros, saturados, principalmente planos, realzados por la línea de
los contornos y sin referencia al tema o a su figura. • Eliminación de la perspectiva
espacial. • Referencias formales de las culturas primitivas y exóticas (árabe y africana).
• Relaciones de colores arbitrarias establecidas de manera instintiva e intuitiva, con
predominio de colores complementarios. • Creación de espacios pictóricos de carácter
ornamental basados en motivos decorativos tomados de papeles de pared o piezas de
artesanía.
41. 41. Maurice Vlaminck, Restaurante de la Machine a Bougival. (1905)
42. 42. Henri Matisse. La raya verde, 1905, óleo sobre lienzo, 60 x 41 cm.
43. 43. Henri Matisse Autorretrato, 1906, óleo sobre lienzo, 55 x 46 cm, Statens Museum
for Kunst, Copenhagen.
44. 44. André Derain, El puente de Londres. (1906)
45. 45. Expresionismo
46. 46. El expresionismo surge en Alemania en la primera década del siglo XX, como
oposición al positivismo materialista imperante en la época, en un intento de ofrecer
una nueva visión de la sociedad basada en la filosofía nietzschena (llena de nihilismo)
y la renovación del arte basada en la búsqueda subjetiva de lo esencial, atendiendo
exclusivamente al sentimiento vital y sin someterse a ninguna regla. El expresionismo
es un movimiento que no sólo atañe a las artes plásticas sino también a la música, el
cine y las demás artes.
47. 47. En la evolución de la pintura expresionista alemana existen tres momentos
distintos. El primero se desarolla en Dresde, a raíz de la constitución en 1905 del
grupo Die Brucke (El Puente), y dura hasta 1913; el segundo se desarrolla en Munich
de 1910 a 1914 y está protagonizado por el grupo Der Blaue Reiter (El jinete azul), del
que surgirá la primera pintura abstracta; el tercero se desarrolla en el período de entre
guerras (desde comienzos de los años veinte hasta 1933, año en el que subió al poder
el nazismo) y está unido al concepto de "Neue Sachlichkeit" (nueva objetividad), con
un planteamiento muy distinto del expresionismo inicial desarrollado por los otros
grupos citados. El expresionismo alemán se extendió a países como Holanda, Bélgica
y Francia. El régimen nazi alemán definió al expresionismo como "arte degenerado",
los artistas de esta tendencia fueron proscritos y muchas de sus obras destruidas.
48. 48. CARACTERÍSTICAS • La pintura es concebida como una manifestación directa,
espontánea y libre de convenciones de la subjetividad del artista basada en una
necesidad interior (carácter instintivo y exaltada en Die Brucke / carácter espiritual y
sosegada en Der Blaue Reiter). • Liberación del contenido naturalista de la forma
mediante la libre interpretación de la realidad (las imágenes son creadas, no
copiadas), para así expresar el mundo interior, subjetivo, del artista. • Utilización de
diversos recursos en la interpretación subjetiva de la realidad: desproporción y
distorsión de las formas según un impulso interior; esquematización o reducción de las
formas a lo esencial atendiendo a un sentimiento vital de depuración de lo objetivo (por
este camino Kandinsky llegará a la abstracción total). • Utilización del color y el trazo
para expresar simbólicamente estados de ánimo. • Destrucción del espacio
tridimensional. Aglomeración de formas y figuras. • Ausencia de carácter decorativo.
49. 49. Edvard Munch, El grito, 1893, ceras, pastel y témpera sobre papel cartón, 83´5 x
66 cm, Munch Museet, Oslo.
50. 50. Edvard Munch, Madonna, 1893-1894, óleo sobre lienzo, 90 x 68´5 cm, Munch
Museet, Oslo.
51. 51. Oskar Kokoschka. La Tempestad (1914). Óleo sobre lienzo. 181 x 220 cm.
Öffentliche Kunstsammlung. Basilea
52. 52. Emile Nolde. La última Cena (1909)
53. 53. El Cubismo
54. 54. Término creado por un crítico de arte (el crítico francés Louis Vauxcelles), que al
ver las obras de este movimiento de principios del siglo XX, afirmó que "desprecian la
forma y lo reducen todo, paisajes, figuras y casas, a esquemas geométricos, a cubos".
El cubismo tiene sus bases en Cézanne. La pintura cubista quedó formalmente
fundada en 1907 con la obra de Picasso, "Las Señoritas de Aviñón". Picasso y Braque,
junto a Juan Gris, llevaron a cabo un análisis objetivo de la realidad de la pintura, que
para ellos, necesariamente debía fundarse en la realidad bidimensional del lienzo. Por
eso, junto con eliminar la perspectiva y la ilusión de profundidad, limitaron los colores a
los tonos grises, verdes y marrones, para que el análisis temático de la estructura
corpórea fijada en el espacio, se expresara con mayor énfasis. Con el collage,
buscaron la liberación formal del color de su tradicional carácter descriptivo.
55. 55. 1. Independencia y autonomía de planos, estallido del volumen: Los planos son
objeto de estudio en sí mismos, y no en visión global del volumen, de ahí que éste se
disuelva. Los grandes volúmenes se rompen en otros más pequeños. Así, queda rota
también la línea de contorno, se interrumpe el trazo lineal. Por eso se compara el
 resultado de este proceso con el reflejo en un espejo roto o con la visión a través de
un caleidoscopio. 2. Perspectiva múltiple: Viene dada por el estudio de cada plano en
su autonomía. Se rompe con la perspectiva monofocal albertiana. La pintura se ha
liberado del yugo de la tradicional visión monocular. Se multiplican los ángulos de
visión de un mismo objeto. Así se ofrece una visión compleja del mismo ente, que se
puede presentar al mismo tiempo de cara, de perfil o desde cualquier otro ángulo
significativo. Las características de un nuevo lenguaje: En el Cubismo no hay nada de
teórico, sino que todo son descubrimientos:
56. 56. 3. Desaparición de gradaciones de sombra y luz: Esto viene dado por la
descomposición del volumen. 4. Color "Tono Local": El color no aporta indicaciones
suplementarias. Por lo general se aplicaba por pequeños toques. Esto se ha dado en
llamar Color Passepartout, apto para todos los objetos, pero que no consiste en el
verdadero color de ninguno de ellos 5. Geometrismo: Los formas geométricas invaden
las composiciones. Las formas observadas en la naturaleza, son traducidas en
cilindros, conos, esferas y cubos. La retina capta las formas y la mente del pintor las
simplifica. 6. Base filosófica: Las aportaciones filosóficas de Bergson son muy
importantes para el Cubismo. Él afirma que el observador acumula en su memoria una
gran información sobre un objeto del mundo visual externo. Los pintores cubistas
vuelcan esta experiencia distorsionando y superponiendo paisajes. No se trata de
reflejar la realidad misma, sino la idea de realidad que posee el artista.
57. 57. Guillaume Apollinaire, fue el principal teórico del Cubismo, escribió Méditations
esthétiques. Les peintres cubistes en 1913. En esta obra estableció las tipología y
etapas del Cubismo: • Científico, • Órfico • Instintivo. Otros especialistas se han
referido a las etapas con otros nombres como fase analítica, fase hermética y fase
sintética. Todas estas denominaciones responden a un deseo de taxonomizar la
inevitable evolución del Cubismo.
58. 58. 1. Fase analítica En el primer momento, se partió de la observación de la realidad
para proceder después a su "destrucción". Resultaba un conjunto de planos
indescifrable, lo que es en definitiva es la obra cubista. Pablo Picasso. Frutero y pan
sobre una mesa (1909)
59. 59. 2. Fase hermética Para paliar la confusión y la difícil lectura de las obras analítica,
Picasso y Braque, empiezan a dejar pistas en sus obras. Se empiezan a introducir
detalles figurativos y esquematizados para estimular la comprensión. Por ejemplo, las
cuerdas o clavijas ayudan a identificar la posible existencia de un instrumento musical,
o un pomo la de una mesa. En esta etapa también se hizo habitual la imitación
"realista" de caracteres de imprenta, letras o cifras, que lleva a la comprensión de que
nos hallamos ante la presencia de un periódico, de una etiqueta de botella o de un
sobre. Se empieza a imitar la madera o el mármol para sugerir por ejemplo un violín.
Pablo Picasso. Retrato de Ambroise Vollard. (1910)
60. 60. 3. Fase sintética, el collage como paso previo a la escultura: En esta fase se dio un
nuevo paso. Ya no hay razón para imitar minuciosamente una etiqueta o un sobre,
sino que se toma un ejemplar real y se pega, es la técnica del Papier collé, inventada
por Picasso y por Braque . Se podían pegar papeles en otro tipo de material, como
estera, hule... en el momento en que se incorporan materiales cotidianos se da un
paso más, asistimos al nacimiento del Collage. El primero que lo practicó fue Braque.
La idea es bastante audaz porque antes nunca se había incorporado al arte un
fragmento de la vida. Así se consigue el objetivo tan ansiado en todo el mundo de la
vanguardia, el unir arte y vida. El collage nos ayuda a recuperar el referente concreto.
A partir de este momento ya no interesó el análisis minucioso, sino la imagen global.
Sobre la superficie del soporte se pegan papeles, telas y objetos diversos, de ahí que
comience a hablarse de la "introducción de intrusos".
61. 61. Con el collage se inaugura una serie de técnicas que comportan una revisión total
del acto pictórico en sí, y se ofrecen al artista infinitas posibilidades de variación. Con
 el collage la técnica cambia, no sólo se trata de pintar, sino también de añadir y
construir. Esta técnica constructiva, hace que se camine lógicamente hacia la
escultura y su tridimensionalidad. El pincel es sustituido por las tijeras y la cola, y
después los clavos y la soldadura. Los fragmentos de imagen pasan a formar parte de
un conjunto estético. Los materiales se descontextualizan, se hacen enigmáticos y
adquieren características propias. Pablo Picasso. Guitarra. (1913)
62. 62. Pablo Picasso, Guernica, 1937, 349 x 776 cm. óleo sobre lienzo, Museo Nacional
Reina Sofía, Madrid.
63. 63. Pablo Picasso: Las Señoritas de Avignon, 1907 Óleo sobre lienzo, Metropolitan
Museum of Art, New York City .
64. 64. Pablo Picasso, Los Pájaros muertos, 1912, 46 x 65 cm., óleo soble lienzo, Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.
65. 65. Pablo Picasso, Instrumentos de música sobre una mesa, 1925, 162 x 204,5 cm.,
óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía , Madrid.
66. 66. Pablo Picasso . El poeta (1910)
67. 67. Pablo Picasso . Ma Jolie (Woman with Guitar) (1911-12)
68. 68. Georges Braque. Viaducto en L’estaque. 1908.
69. 69. Georges Braque, Instrumentos musicales, 1908, óleo sobre lienzo, 50 x 61 cm,
colección privada.
70. 70. Georges Braque Casas en L´Estaque, 1908 óleo sobre lienzo, 73 x 60 cm,
Kunstmuseum Bern.
71. 71. Dadaísmo
72. 72. El movimiento dada nace en Zurich en 1916 y dura hasta 1922. La denominación
"dada" (caballito) corresponde al primer término que apareció en un diccionario de
alemán-francés abierto al azar y fue adoptado por un movimiento literario y artístico
que pretendía cambiar la sociedad, la cultura y el arte a través del desconcierto, el
inconformismo, el nihilismo, la ironía, la negación de la racionalidad y de todos los
valores establecidos hasta entonces. Sus fundadores fueron el pintor alsaciano Hans
Arp y el poeta rumano Tristan Tzara. Este movimiento se extendió a Berlín, Colonia,
París y Nueva York, donde se constituyó el núcleo más progresista en torno a
Duchamp. La actividad de este artista se caracterizó por la atribución de un nuevo
valor a objetos descontextualizados (los llamados ready- mades). A partir de 1920,
muchos de los artistas plásticos de este movimiento evolucionaron hacia el
surrealismo.
73. 73. CARACTERÍSTICAS • Expresión irónico-satírica de los valores artísticos
establecidos por la tradición y también por la vanguardia fauve y expresionista (actitud
anti-arte). • Integración de técnicas distintas con empleo de fragmentos de materiales
(collage y décollage) y objetos de desecho cotidiano. • Niega el Arte, despreciando lo
retórico y academicista y cualquier canon impuesto. • Protesta contra todo
convencionalismo volviendo a lo instintivo e irracional (lo absurdo, el sinsentido y el
azar establecen la identidad entre el arte y la vida). Feísmo. • Liberación del
subconsciente (se produce una transición al surrealismo y al arte semi-abstracto). •
Motivaciones de disociación. • Auge del disparate.
74. 74. • Expresión libre de la forma artística: todas las cosas de la realidad pueden ser
objeto artístico (Marcel Duchamp crea sus ready- mades: Término utilizado por Marcel
Duchamp para designar los objetos del entorno (un botellero metálico, un urinario, una
rueda de bicicleta sobre un taburete de cocina, etc.), carentes de valor artístico en si
mismos, pero que al ser presentados fuera de su contexto habitual adquieren un
sentido distinto, cuestionando el concepto tradicional del arte y recabando para ellos el
sentido de objetos artísticos • Temática en la que predominan los mecanismos
absurdos ("antimecanismos" que desarrollan una visión irónica de la máquina, de las
cualidades a ella asimiladas y de la creciente importancia de lo mecánico en la
sociedad moderna de la época). • Utilización de nuevas técnicas: el fotomontaje,
 variante nueva del collage introducida por R. Hausmann, realizado a base de
imágenes multiplicadas y superpuestas, tomadas de periódicos, revistas y anuncios; y
el "merz" o collage dadaísta (desarrollado por K. Schwitters) a base de materiales de
desecho de todo tipo y estado.
75. 75. Marcel Duchamp, Rueda de Bicicleta, Objeto Pronto, 1913
76. 76. En 1917 Marcel Duchamp fue invitado por la galería Grand Central de Nueva York
a formar parte del jurado de una exposición de artistas independientes. Sin informar a
nadie, el propio Duchamp envió para exponer en esa exposición este urinario de
porcelana blanca firmado con el seudónimo "R. Mutt". Cuando su Fuente fue
rechazada para la exhibición, Duchamp renunció al jurado y el incidente causó un
escándalo que sacudió al mundo del arte.
77. 77. Francis Picabia Parada Amorosa, 1917, Acuarela
78. 78. Kurt Schwitters Merz 199-2, 1921
79. 79. Jean Arp, Overturned Blue Shoe with Two Heels Under a Black Vault, 1925,
Madera Pintada
80. 80. Hannah Hoch, Pretty Maiden, 1920
81. 81. Surrealismo
82. 82. El movimiento surrealista nace en Francia finalizada la primera guerra mundial.
Surge en el ámbito literario, pero pronto lo abarca todo, pensamiento, artes plásticas,
cine y teatro. El término fue inventado por Apollinaire en 1917, y se popularizó en la
revista Littérature, fundada en 1919 por André Breton, L. Aragon y Ph. Soupault. En
esa revista publicaban sus planteamientos vanguardistas Breton, Paul Eluard, Francis
Picabia y Man Ray, entre otros muchos autores. En 1924 se produce el primer
manifiesto surrealista de Breton, que da cuerpo al movimiento. Su ideal era sobrepasar
la realidad y llegar a una renovación de todos los valores culturales, morales y
científicos por medio del automatismo psíquico. La producción surrealista se
caracterizó por la exaltación de los procesos oníricos, el humor corrosivo y el erotismo,
concebido todo ello como armas de lucha contra la tradición, la moral y la cultura
burguesa.
83. 83. Los planteamientos del movimiento surrealista contra la tradición y vida burguesa
tenían una raíz política y un sector del surrealismo empezó a considerar insuficientes
las manifestaciones culturales y se afilió al Partido Comunista Francés. Surgieron así
las primeras discrepancias en el seno del movimiento a propósito de la relación entre
arte y política. Se sucedieron manifiestos contradictorios y el movimiento comenzó a
disgregarse. A pesar de su deterioro, en 1938 se celebra en París la Exposición
Surrealista Internacional, debido a que el movimiento se había extendido por muchos
países. En el campo de las artes plásticas, los pintores surrealistas se manifiestan de
dos maneras diferentes, los surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica
(Magritte, Delvaux y Dalí, entre otros) y que se sirven del realismo y de las técnicas y
recursos pictóricos tradicionales; y los surrealistas abstractos, que practican el
automatismo psíquico puro (Masson, Miró) e inventan universos grafico-plásticos
propios.
84. 84. CARACTERÍSTICAS • Figuración con temática subjetiva de carácter onírico
basada en las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo desaparece en
el llamado "surrealismo abstracto"). • Interpretación de la realidad desde el sueño, el
inconsciente, la magia y la irracionalidad. • Conjunción de imágenes dispares (reales o
irreales), tanto en el tiempo como en el espacio. • Los objetos y formas son
despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación"), el
observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse. • Creación de imágenes
equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras
(principio de la "discordancia"), por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un
animal o bien otra cosa. • Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la
destrucción y lo misterioso.
 85. 85. • Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías,
especialmente eróticas y sexuales. • Toca todos los estilos: clásico, barroco,
ingenuismo, futurismo, etc. • Utilización espectacular de la perspectiva cónica,
exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías). •
Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos. • Ejecución pictórica
minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura (Dalí). • Utilización del claroscuro y
del color modelado. • Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática,
frottage y grattage.
86. 86. • Pintura automática. Pintura realizada mediante el método del automatismo
psíquico. Los surrealistas utilizarán ese método con la intención de transformar
directamente el estado psíquico del artista en una expresión pictórica, en la que el acto
creador no sea influido estilísticamente por el pensamiento organizativo racional. •
Frottage. Técnica inventada por Max Ernst en 1925. Consiste en transferir al papel o al
lienzo mediante fricción o frotamiento, una superficie rugosa, por ejemplo, la de un
trozo de madera. Las dibujos y texturas que resultan se utilizan como punto de partida
de la pintura automática para la realización posterior de imágenes fantásticas. •
Grattage. Técnica consistente en pintar colores repartiéndolos arbitrariamente sobre
una tabla de madera. Una vez secos, son rascados o grabados con una cuchilla o un
punzón afilado creando dibujos o graffitis sobre la superficie coloreada. Esta técnica
también se utilizó como punto de partida de la pintura automática.
87. 87. Salvador Dalí, El Gran Masturbador, 1929, 110 x 150 cm., óleo sobre lienzo,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.
88. 88. Salvador Dalí, La Persistencia de la Memoria, 1931, 24 x 33 cm., óleo sobre lienzo,
Museum of Modern Art. New York.
89. 89. Salvador Dalí. Sueño Causado por el Vuelo de una Abeja en Torno a una Granada
un Segundo antes de Despertar, 1931, 51 x 41 cm., óleo sobre lienzo, Foundación
Thyssen-Bornemisza, Thyssen Museum, Madrid.
90. 90. Salvador Dalí, Crucifixión o Corpus Hipercubicus, 1954, 194.5 x 124 cm., óleo
sobre lienzo, Metropolitan Museum, New York.
91. 91. René Magritte. El castillo de los Pirineos (1959)
92. 92. René Magritte. La condición humana (1933) National Gallery of Art, Washington
93. 93. René Magritte. El imperio de las luces (1954) Museo Peggy Guggenheim. Venecia.
94. 94. René Magritte El dominio de Arnheim (1949)
95. 95. Joan Miró. Nocturno (1940).
96. 96. Joan Miró - The Skiing Lesson - 1966

ISMOS

ANTECEDENTES:
El arte moderno no nació por evolución del arte del siglo XIX. Por el contrario, nació de una
ruptura con los valores decimonónicos. Las vanguardias iniciaron un nuevo arte que rechaza
las antiguas definiciones
En el siglo XX, las artes figurativas, sufrieron una transformación, los cambios sociales,
cientificos, políticos, hacen que se pierdan el carácter de representacion de la realidad, y exige
una.... periodo supone una conmoción para la pintura, por los últimos descubrimientos
científicos.
También aparece la fotografía, y hace que se desplace el arte pictórico hacia posiciones
distantes de representación.
los avances matemáticos, se puede cuantificar y reducir a fórmulas , y junto a la revolución de
la física es impulsado por el genio Eistein.
concurren también procesos deshumanizadores, la epóca de tensiones que trae esta situación
de la política internacional con bloques armados, los problemas de industrialización crean las
masas humanas, las épocas de tensiones que presceden a la primera guerra mundial,
delimitan una era de resurgimiento colectivo, los artistas contemplan impotentes la situación y
muchos sufren directamente las consecuencias las cifras victimas de la guerra es muy elevada
y tras esta la literatura y las artes plasticas son las que se convierten en testimonios de esta era
de destrucción y odio.

LAS DAMAS DE AVIGNON - PICASSO

En el siglo XX, las artes figurativas, sufren una transformación, los cambios sociales,
científicos, políticos, hace que se pierdan el carácter de la representación de la realidad.
Aparece la fotografía, y desplaza el arte pictórico hacia posiciones distantes de representación.
Los avances matemáticos, se puede cuantificar y reducir a fórmulas , y junto a la revolución
de la física es impulsado por el Albert Eistein.

ARTE CONTEMPORANEO (Los ISMOS del Arte)

Expresionismo.

Los pintores impresionistas no se definían a ellos mismos bajo este apelativo. El término les fue impuesto de modo
peyorativo por el crítico Louis Leroy, al ver la obra de MonetImpresión atardecer o Impresión sol naciente pintada
en 1872 y expuesta en la exposición del 74. "Al contemplar la obra pensé que mis anteojos estaban sucios, ¿qué
representa esta tela?..., el cuadro no tenía derecho ni revés ..., ¡Impresión!, desde luego produce impresión..., el
papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina."

El refinado publico del momento no estaba preparado para aceptar una revolución como la que ellos
proponían. Las burlas y duras críticas a que fueron sometidos les llevarían a posteriori al éxito. Su máximo
reconocimiento se afianza ya entrado el siglo XX.

Postexpresionismo.

Bajo el nombre de Neoimpresionismo o Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a

ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no
hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la
individualidad de sus planteamientos. A cada una de las personalidades hay que entenderla como tesela integrante
del "mosaico neoimpresionista".

Fauvismo.

Fue Louis Vauxcelles el que bautizó el nuevo movimiento como Fauvismo, escribió el artículo "Donatello entre las
fieras". Son "animales" pero con instinto sosegado a la hora de pintar. Es un estado de espíritu ligado a las
circunstancias del momento. Se rechaza la existencia de un método riguroso, en pro de una libertad total ante la
naturaleza.
La primacía del color obliga a la forma a ser más expresiva que fiel a la realidad. El pintor fauve establece
una patética comunión con la naturaleza, rechaza convencionalismos y descubre un lenguaje personal para alcanzar
el máximo objetivo, la unión de arte y vida.

Cubismo.

La fecha de 1907, puede tomarse como referencia para hablar de Cubismo. Este es el año de encuentro entre
Braque y Picasso. Los críticos contemporáneos, fueron unánimes a la hora de proclamar a Picasso como líder del
movimiento. Es curioso el hecho de que las primeras obras cubistas fueran pintadas por Braque. Puede afirmarse
que es al Cubismo lo que Matisse al Fauvismo.

"Las señoritas de Avignon" en 1907 se consideran la piedra angular del arte del arte del siglo XX. Una obra
maestra marcaba un nuevo punto de partida. A partir de aquí Picassoelimina todo lo sublime de la tradición. El
Cubismo sólo es comprensible si rompemos con lo anterior.

Futurismo.

El comienzo se sitúa en 1909, el ideólogo fue Filippo Tommaso Marinetti que escribeManifiesto del Futurismo en el
que afirma: "un automóvil de carreras, que parece correr sobre metralla, es más hermoso que la Victoria de
Samotracia".

 Tras la Revolución Industrial y la científica la sensibilidad humana se transforma en lo más profundo.

 Se trata de rechazar la tradición en pro de la modernidad.
 Se toma el automóvil como símbolo de velocidad y dinamismo.
 Bergson apunta a la importancia de lograr un arte que caminara siempre hacia el futuro.

Al hablar de Futurismo no sólo nos ceñimos al ámbito pictórico, sino también al literario, músico, fotográfico, cine...
Los temas preferidos en pintura son la ciudad y figura humana en movimiento.
Dadaísmo.

El Dadaísmo inaugura un nuevo modo de pensar. Se lucha contra todo lo preestablecido, de ahí que sus
manifiestaciones se denominen antiartísticas. Tzará escribió Siete Manifiestos Dadá. La palabra "dadá" fue hallada
por Tzará al abrir al azar un diccionario, y según sus propias declaraciones, no posee ningún significado.

Él afirma que el dadaísmo nunca estuvo fundado en teoría alguna y que siempre fue una protesta, de ahí que
también se le conozca bajo el nombre de arte de repulsa. La decepción ante la situación mundial, el desencanto de
pintores escasamente reconocidos y el deseo de llevar la pintura a la destrucción que por entonces asolaba Europa.
El lema lo dio Bakunin: "La destrucción también es creación".

Surrealismo.

El Surrealismo trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Este sector recóndito
del ser humano se considera apto para el análisis artístico. Breton intenta descubrir las profundidades del espíritu.
El Surrealismo no sólo afectó al mundo de la pintura, sino también al cine, la fotografía, el teatro, la poesía... . El
resultado es un mundo aparentemente absurdo, alógico, en el que los fenómenos del subconsciente escapan al
dominio de la razón.

LOS ISMOS

l arte del siglo XX se caracteriza por configurarse de múltiples corrientes que se denominan
ismos. No todas las tendencias se suceden linealmente en el tiempo, sino que muchas son
coetáneas y tienen interrelaciones entre ellas.
Las vanguardias no se pueden entender intentando establecer un orden cronológico.
Es un tópico el considerar el arte del siglo XX como ruptura con respecto a lo anterior, pero
esta ruptura no comienza a principios del siglo XX, sino a fines del XIX.
El año 1863 se puede tomar como fecha de inicio de la pintura moderna. Es el año en que
Manet pinta Almuerzo sobre la hierba, que se expuso en el Salón de los Rechazados. La obra
poseía antecedentes del Renacimiento italiano en cuanto a temática, pero el modo de
plantearlo causó escándalos.
El Impresionismo y luego el Postimpresionismo constituyen el punto de partida para las
corrientes del siglo XX.

Edouard Manet . El Desayuno sobre la yerba, 1863. Óleo sobre tela.

Impresionismo

El impresionismo se da a conocer en 1874 en una exposición celebrada en París en el estudio

del fotógrafo Nadar.

En esa muestra, celebrada de modo paralelo al Salón oficial, un grupo de pintores (Bazille,
Cézanne, Monet, Pisarro, Degas, Morisot, Renoir y Sisley) ponen de manifiesto su voluntad
colectiva de hacer un arte nuevo que rompa con el academicismo y la tivialidad artística
imperante en la época.

Los trabajos expuestos motivaron el rechazo generalizado de la crítica y del público. Un

cuadro de Monet titulado "Soleil levant, Impression" (Sol naciente, Impresión) sirvió al crítico
Leroy para bautizar al nuevo movimiento con el nombre despectivo de "impresionismo".
Claude Monet . Impression, soleil levant. Óleo sobre tela, 48 x 63 cm.
Musee Marmottan. París

Antes de esa primera exposición hubo un período inicial de formación de unos quince años
durante el cual se fueron cuajando las bases que definen este movimiento.
El grupo impresionista realizó siete exposiciones más, en 1876, 1877 (que mostró el momento
de mayor cohesión del movimiento), 1879, 1880, 1881, 1882 y en 1886. A lo largo de esos
años dejaron el grupo algunos de los pioneros (Cézanne, Renoir, Monet, Sisley) y se
incorporaron otros (Gauguin, Redon, Cassatt, Seurat, Signac).

El impresionismo se extendió rápidamente por muchos países europeos y también llegó a EE.
UU.

Una modalidad del impresionismo es el divisionismo o puntillismo, también conocido como

postimpresionismo o neoimpresionismo.

CARACTERÍSTICAS

*Rechazo del realismo academicista: la línea, el volumen y el claroscuro no tienen ninguna

importancia.

*Figuración con eliminación del detalle y de todo carácter descriptivo. Búsqueda de la claridad
y la luminosidad.

*Indiferencia por el tema, la única preocupación es la luz y el color fugaces.

*Búsqueda de la belleza de la sensación directa: las formas se plasman de modo no acabado,

impreciso y vaporoso, llegando incluso a desmaterializarse.
*Preocupación por fijar las impresiones momentáneas de la naturaleza: el pintor sale al campo
con su caballete en busca de la luz fugaz y el rápido cambio de los colores.

*Representación plástica de la vibración óptica de la luz.

*Rechazo de los colores oscuros, el negro queda proscrito.

*Interés por plasmar los efectos cambiantes de la luz (Ejemplo: Monet. Catedral de Ruán).

INFLUENCIAS

*La teoría de las sensaciones de Locke: de aquí el rechazo del realismo clásico como culto a
la materia y la búsqueda de una pintura más sensitiva que plasme la experiencia de las
sensaciones visuales fugitivas.

*Las teorías ópticas de Chevreul y de Maxwell: de aquí que los colores no se obtengan por
mezcla en la paleta sino por mezcla optica en el lienzo, que se busque la exaltación de los
colores complementarios y que se prescinda del negro (negación de la luz), todo ello para
lograr colores limpios, luminosos y vibrantes.

Claude Monet
Estanque con nenúfares (1899)
Óleo sobre lienzo.
88.3 x 93.1 cm.

Museo: National Gallery. Londres

Claude Monet Palacio de Mula en Venecia (1908)

Óleo sobre lienzo. 62 x 81.1 cm. National Gallery of Art.