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3. ORGANOLOGÍA
3.1 Instrumentos de cuerda
3.2 Instrumentos de cuerda y tecla
3.3 Instrumentos de cuerda pulsada
3.4 Instrumentos de viento
3.5 Instrumentos de percusión
3.6 Orquesta
3.7 Otras agrupaciones
4. PRECLASICISMO
5.1 SONATA
5.2 SINFONÍA
5.3 CONCIERTO CLÁSICO
6. COMPOSITORES
TEMA 8: LA MÚSICA INSTRUMENTAL EN EL CLASICISMO
1. INTRODUCCIÓN Y CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA CLÁSICA(Ver
tema 7)
2. CARACTERÍSTICAS DE LA MÚSICA INSTRUMENTAL
- En general, se produce una notable mejora en la calidad técnica instrumental.
- Si durante la época barroca la principal característica fue la emancipación de la música
instrumental respecto a la vocal, en la segunda mitad del siglo XVIII se establecen las
estructuras fijas de las formas más importantes de esta época y que también lo serían a lo largo
del siglo XIX.
- Se produce en el Clasicismo el establecimiento de la orquesta sinfónica como una formación
fija, base del concepto orquestal que hoy entendemos formada por instrumentos de cuerda
frotada, viento y percusión. Se observa un aumento en el número de intérpretes, tanto en la
cuerda como en el viento, pasando éstos a desempeñar un papel más melódico. Algunos
instrumentos antiguos se desechan a favor de otros mas modernos y perfeccionados formando
así el corpus de instrumentos que forman la orquesta clásica.
- La figura del director se va desvinculando de la interpretación. En las primeras décadas se
dirige la orquesta desde el violín primero (concertino) hasta que definitivamente adoptará un
papel independiente del instrumento.
- Progresiva sustitución del clave por el piano como instrumento solista ya que en las obras
desaparece el bajo continuo.
- La orquesta clásica contaría con una plantilla similar a la siguiente:
- Durante la segunda mitad del siglo XVIII se generalizaron los conciertos públicos de
música instrumental. Era común desde el siglo anterior las representaciones públicas de ópera,
pero no de otros géneros. Francia fundó la primera organización de conciertos públicos,
llamados Conciertos Espirituales (se interpretaba música religiosa), a partir de 1725. En torno a
1750 estaban ya totalmente consolidados y se continuaron llamando así a pesar de que las obras
interpretadas eran profanas. Londres y Alemania también ofrecerán en la segunda mitad del
siglo XVIII conciertos públicos de abono. A veces con reducido público, este tipo de conciertos
compitieron fuertemente con la ópera, espectáculo que contaba con la mayoría del público. El
desarrollo del concierto público fue un fenómeno importante para los músicos y compositores
del siglo XVIII ya que les puso en contacto inmediato con un público que pagaba, de modo
similar que ocurría sólo en el Teatro de ópera. El concierto fue el responsable de la preferencia
por un repertorio específico, la popularidad de determinadas formas y su posterior desarrollo.
Además, favoreció la emancipación del compositor respecto del patrón privado. Ofrecía una
alternativa a la vida de servidumbre.
3. ORGANOLOGÍA
El clave que había sido el instrumento Barroco por excelencia irá desapareciendo a favor
del clavicordio, caracterizado por su sonoridad dulce y clara y su capacidad de admitir sutiles
matices dinámicos, con cuerdas perpendiculares a las teclas y con unos macillos que permitían
obtener una graduación de la intensidad del sonido según la fuerza con que se pulsaran las
teclas.
El piano o pianoforte fue inventado por B. Cristofori en 1710 y cuya novedad
fundamental con respecto al clavicordio residía en su mecánica (más liviana que en la del
instrumento moderno). El nombre se debe a la facilidad del instrumento para realizar matices
“forte” y “piano”. Su mecánica consistía en: unos martillos de madera golpean las cuerdas y
vuelven después a su posición original. El sonido es menos metálico, más suave. Las cuerdas se
colocan paralelamente al teclado. Éste, tendría una extensión inicial de 5 octavas aunque a
finales del XVIII llega a tener 6. En el Romanticismo llega a su extensión habitual, 7 octavas y un
cuarto. Será el instrumento más importante tanto de esta época como del siglo siguiente.
A finales del siglo XVIII se introdujeron pedales de expresión. (forte o dolce,). Los
principales compositores para piano fueron: Clementi (también constructor de pianos), Haydn,
Mozart y Beethoven.
En el curso del siglo XVIII los timbales, siempre dos y afinados en la tónica y la
dominante encontraron su lugar definitivo en la orquesta y poco a poco se le confiaron tareas
cada vez más brillantes y no como mero relleno.
El resto de instrumentos de percusión utilizados: triángulo, glockenspiel, platillos,
bombo y plato, gong, son utilizados buscando un carácter oriental.
Gorber inventó un xilofón con teclado parecido al clavicordio con una extensión de
cuatro octavas y cuyas teclas estaban conectadas con unas baquetas en forma de bola de madera
que golpeaban las láminas del instrumento.
3.6 Orquesta
4. PRECLASICISMO
Durante los años comprendidos entre 1740 y 1770, solapándose en principio con el final del
Barroco y después con el Clasicismo, el ideal musical adopta el término de estilo galante,
concepto que no está definido de forma precisa pero que se utilizó para referirse a la música de
moda que se oponía al estilo elaborado, recargado y solemne asociado a Luis XIV. El galante era
un estilo de música amable, alegre, elegante y que se usó a veces como sinónimo de rococó,
vocablo más común en las artes plásticas. Este estilo se desarrolló principalmente en Italia y
Francia debido a las influencias de los Ilustrados y Enciclopedistas que con fuerza defendían los
nuevos ideales de sencillez, naturalidad y sentido común que acabaron instalándose de
manera definitiva en la segunda mitad de siglo.
Dentro de este estilo debemos hablar de Domenico Scarlatti, hijo del conocido compositor de
ópera napolitano Alessandro Scarlatti. Compuso la mayoría de sus obras más importantes en
España al servicio de Fernando VI y en particular de Bárbara de Braganza ya que era su
profesor de música.
Del total de sus obras debemos destacar sus sonatas. Compuso 555 y en ellas se establecen
claramente las relaciones tonales entre la tónica y la dominante. Son conocidas como sonatas
bipartitas monotemáticas ya que constaban de dos secciones en un único movimiento pero con
un único tema. Estas sonatas suponen la transición desde la sonata barroca a la sonata clásica,
principal forma en la segunda mitad del siglo XVIII.
También debemos nombrar como músico importante a Johann Christian Bach. Si Scarlatti da
un paso fundamental en la evolución de la sonata, Johann Christian lo hace a favor de la forma
Concierto. El Concerto grosso barroco desaparece, quedando únicamente el de solista. Destacan
sus Conciertos para cembalo o pianoforte, que indican la transición del instrumento en la época.
Fue el primer compositor que adopta el pianoforte para la ejecución pública en forma de
concierto para orquesta.
Por último, destacamos a Luigi Boccherini, compositor dedicado exclusivamente a la música
instrumental. Trabajó para la aristocracia española, primero al servicio del infante Luis Antonio,
hermano de Carlos III. Cuando Luis Antonio murió, pasó a trabajar a la Capilla Real, formando
parte de la larga lista de músicos extranjeros al servicio de la corte en España. Destacan sus
conciertos para violonchelo, cuartetos, sinfonías y sus más de 100 quintetos, algunos de los
cuales incluían la guitarra.
Solapándose al estilo galante, tenemos ya en la segunda mitad del siglo XVIII el llamado
Empfindsamer Stil y traducido como “estilo de la sensibilidad”. Se da principalmente en
Alemania y se caracteriza por el énfasis de los matices y la expresión de sentimientos a menudo en
rápida sucesión. La armonía utilizaba giros sorprendentes, cromatismos, modulaciones
extrañas..., junto a matices extremos.
El Empfindsamer Stil tuvo durante los años 70 una última fase conocida como el periodo
llamado Sturm und Drang (tempestad y calma). La intensidad emocional exacerbada y los
arranques apasionados y violentos constituyen la característica principal de esta música, lo cual
anuncia claramente el Romanticismo, pero sin embargo, este estilo se disipó desembocando en
unas décadas de música clásica.
Los compositores que desarrollan el Empfindsamer Stil fueron dos de los hijos de Bach,
Wilhem Friedemann Bach y sobre todo Carl Philippe Emmanuel Bach, el más importante.
Destacan sus sonatas, de carácter bitemático, predecesoras de las que mas tarde escriben Haydn
Mozart o Beethoven.
4.3 Escuela de Mannheim
No podemos cerrar el capítulo de los estilos preclásicos sin nombrar la Escuela de Mannheim
ya que constituyó el más importante antecedente al hablar de la música orquestal en el
Clasicismo.
La corte alemana de Mannheim fue famosa por su intensa actividad artística. Consiguió
reunir a importantes intérpretes y músicos de toda Europa. Contaba con una orquesta que
consiguió ser famosa a nivel internacional. El músico Johann Stamit inauguró su mayor época
de esplendor.
Las características de esta orquesta marcarán las principales directrices de las orquestas
posteriores:
- La orquesta era conocida por su virtuosismo y efectismo: brillantes tutti orquestales, crescendi
impactantes, pausas repentinas...
- Establecimiento de una alta disciplina de ensayos y precisión en la ejecución.
- Elimina de su práctica el Bajo Continuo.
- Dirección de la orquesta desde el violín primero.
- Se generaliza el esquema de la sinfonía a 4 movimientos, con Minueto – trío en el tercero.
- Formación instrumental prácticamente similar a la clásica posterior.
El auge de esta orquesta duró hasta los años 80. Importantes músicos que trabajaron en la
corte fueron Johann Stamitz, sus dos hijos, Cannabich, Holzbauer o Richter.
5.1 SONATA
Lo esencial del Clasicismo es el respeto a las formas y a la norma, dado que para llegar a esa
perfección que se pretende lo primero es respetar las leyes musicales. Justamente la SONATA
resume mejor que nada este respeto a la forma y a la norma, dado que está basada en ello.
La sonata que hemos visto nacer durante el Barroco monotemática bipartita de Doménico
Scarlatti, cambia radicalmente con la llegada del Clasicismo, dotándose de una forma muy
estricta que debe seguir el músico. Los cambios son:
- Sometimiento a una estructura muy determinada.
- División de la sonata en tres o cuatro tiempos (sonata tripartita o cuatripartita), a los que
puede anteceder una especie de introducción lenta.
- El primer movimiento es el más normativo y se llama “forma sonata” por antonomasia.
- Establecimiento con claridad de las relaciones armónicas, es decir, de un lenguaje tonal
jerarquizado con el predominio de la tónica I, la dominante, V, y la subdominate, IV.
Se ha considerado a C.P. E. Bach como el autor que asienta las bases de la forma Sonata
bitemática-tripartita.
El Desarrollo tiene libertad y ocupa la parte central del Tiempo Sonata, Como su nombre
indica, en esta sección se desarrollan elementos temáticos que pueden ser sacados de los dos
temas (A y B), lo cual varía dependiendo de la creatividad del compositor. Parte muy libre a la
hora de componer, presenta gran número de posibilidades ya que no existe ningún esquema
preexistente de desarrollo. El desarrollo debe conducir al tono principal después de distintas
modulaciones (cambios de tonalidad) para dar entrada a la:
Reexposición que empieza con el tono principal exponiéndose los dos temas principales
iguales o variados, pero siempre reconocibles y siempre ambos temas en la tonalidad principal
y unidos por un puente.
Este movimiento puede terminar en una Coda, que puede ser extensa o de proporciones
menores, terminando en una cadencia auténtica en el tono principal.
5.2 SINFONÍA
La sinfonía es una gran sonata para orquesta; sigue por ello, la forma de Sonata
expuesta, aunque al ser interpretada por toda la orquesta, suele ser más compleja.
La Obertura Napolitana con sus tres movimientos Rápido-Lento-Rápido del Barroco fue
el origen de esta Forma. El primer movimiento (Rápido) evoluciona con dos temas (forma
sonata), junto con los otros dos movimientos, crece en extensión. Se añade un Cuarto
movimiento (minué entre el Segundo y el Tercer movimiento de la antigua obertura),
consiguiendo una nueva forma: La Sinfonía.
Estos cambios son realizados en el Norte de Italia por compositores como Giovanni
Sanmartini y Luigi Bocherini. Parecidos experimentos realizan a través de la forma sonata
algunos de los hijos de Bach, como Johann Christian Bach y Philipp Emmanuel Bach, que
trabaja en la corte de Federico el Grande en la Escuela de Berlín.
De la Escuela de Mannheim, ya mencionada destacan Stamit, Richter y Cannabich.
Viena es la tercera gran ciudad donde se da la actividad sinfónica con Haydn, Mozart y
Beethoven. La corte de Viena atraía a muchos músicos y allí se dio la música que se consideró
como el paradigma de la música clásica.
6. COMPOSITORES
A pesar de tener una infancia dura y una sordera progresiva que comenzó antes de que
cumpliera 30 años, el genio de Böhm será uno de los compositores más importantes de la
historia de la música, marcando la transición del siglo XVIII hacia el Romanticismo.
Podemos fechar su periodo clásico hasta 1802 aproximadamente. A partir de ahí comienza en
sus composiciones una época de transición. Compositor ante todo de música instrumental, fue a
este género al que dedicó la mayor parte de su tiempo y su esfuerzo.
Sus sonatas del periodo clásico muestran con claridad la tradición clásica, aunque también
importantes innovaciones que adelantan su estilo personal. De esta época es su Sonata Patética
para piano de 1799.
En cuanto a la música de cámara, Beethoven se verá influenciado por los cuartetos de Mozart
y Haydn. Así se aprecia en sus cuartetos op. 18. De su periodo clásico es también el famoso
Septimino, que se volvió tan popular que parece que Beethoven llegó a odiarlo.
No tenemos demasiadas muestras en el campo sinfónico ya que de sus 9 sinfonías solamente
pertenecen al periodo clásico las número 1 y 2. A partir de la tercera se produce una ruptura en
el marco estructural.
Dentro de sus conciertos, los primeros se encuentran dentro de la concepción dramática
mozartiana aunque con un mayor grado de virtuosismo, los matices y las dimensiones,
elementos que anuncian claramente el Romanticismo.