1.

"Casa Kaufmann" (1935-1939) de Frank Lloyd Wright

ARTE DEL SIGLO XX:

También llamada "Casa de la cascada", está

ubicada en Pennsylvania y es la obra cumbre
de Wright de sus “prairie houses”. Antes de la
construcción de esta imponente casa había una
casita de madera que pertenecía al presidente
George Washington. La casa se construyó en
medio del bosque por donde pasa una cascada
natural. Sobre un montículo de piedra, el
arquitecto generó toda una serie de
horizontales y verticales para jugar con el agua
y la propia roca, intercalando esta última a nivel
espacial y de materiales. Ante la complejidad
del proyecto y lo ambicioso de la idea, el
promotor contrató a otros ingenieros para que
dieran una opinión objetiva sobre el riesgo de la
obra que la aprobaron. Las estructuras de
amplios voladizos y las grandes terrazas de
influencia japonesa hacen que la casa "flote"
sobre la corriente del río. Esta obra pone en
contacto la casa con la naturaleza. Desde el
interior todas las vistas dan a la cascada o a las
rocas, bien en forma de terrazas bien en forma de grandes muros cortina. En la planta
superior se encuentran los dormitorios, cada uno de ellos con su terraza propia. Los
elementos verticales de la casa (torre de la chimenea) está hechos con piedra nativa y con un
ligero relieve que le dan un aspecto escultural. Los otros elementos son de hormigón. Los
suelos y las paredes están recubiertos de piedra y los trabajos en madera están realizados
en nogal veteado. Además, es interesante la decoración con mantas y jarapas mejicanas
como decoración de la sala principal. La casa que todo el mundo soñaría tener.
2."Iglesia de Santa Maria del Naranco" (842)

ARTE PRERROMÁNICO:

Esta iglesia ovetense se contruyó como palacio real en una zona para la caza áulica. De
original concepción, parte de un modelo parecido al de la Cámara Santa. La fachada
occidental y la oriental son iguales. En la parte central hay una balconada con tres arcos, en
la parte superior una ventana tripartita imita el belvedere y en la parte inferior hay una
puerta de acceso a la capilla real. Vemos el uso correcto de los bloques de piedra bien
encuadrados. Para garantizar el peso de la única nave central se han
utilizado contrafuertes con un cierto ritmo. La planta es rectangular y tiene dos niveles: la
superior está envuelta con bóveda de cañon reforzada con arcos fajones. Hay medallones
en las enjutas y las columnas están decoradas con sogeado geométrico. Los capiteles tienen
decoración antropomórfica y zoomórfica. El nivel inferior está dividido en tres espacios: uno
central, y dos laterales que pertenecía a la piscina y a la capilla real. Una de las joyas del
arte asturiano y referente del primer románico hispánico en la península.
3."Las meninas" (1656) de Diego Velázquez

PINTURA BARROCA

: Conocida popularmente desde el siglo como Las Meninas, el cuadro fue titulado
originalmente como "La familia de Felipe IV" y es, probablemente, la obra más importante
del pintor español DiegoVelazquez. Es una pintura de grandesdimensiones, con las figuras
representadas a tamaño natural. Se halla expuesta en el Museo del Prado de Madrid. El
tema principal es el retrato de la infanta Margarita de Austria, aunque se convierte en un
retrato final de corte costumbrista en el cual el propio Velázquez aparece. No es una escena
familiar ya que aparece un enano, la camarera mayor de la infanta, su perro, etc. Se ha dicho
que es una imagen casi fotográfica en que la niña entra en el estudio del pintor de la corte y
esa espontaneidad es la que pretende Velázquez en su obra. Hay un juego de miradas
entrecruzadas entre los personajes de la escena teatral con el público que observa el
cuadro. Todo un juego de luces y sombras muy del barroco y a la vez un homenaje a la
nobleza pictórica que el artista quiso plasmar. Es sin duda la obra española que más ríos de
tinta ha provocado.
4."El nacimiento de Venus" (1484) de Sandro Botticelli.

PINTURA RENACENTISTA:

Esta obra, realizada en temple sobre lienzo de grandes dimensiones es la obra maestra
de Sandro Botticelliy una de las joyas del Quattrocentoitaliano por excelencia. La
iconografía de la obra nos cuenta que Venus nació de los genitales del dios Urano,
cortados por su hijo Crono y tirados al mar. La obra en sí no muestra el nacimiento de la
diosa sino el momento en que ésta arriba a una playa sobre una concha. Es empujada por el
soplo de los dioses alados que son Céfiro, dios del viento del oeste y su esposa Cloris que
es la ninfa de la brisa. El fuerte abrazo de ambos es símbolo de la unión de la materia y el
espíritu y las flores quecaen delicadamente simbolizan la virginidad. La fuerza de la obra se
centra en una Venus púdica, que tapa su sexo y sus senos, pero su pose y el uso del largo
cabello rojizo para cubrirse, le da unerotismo inusual. A la derecha aparece una ninfa que
viene corriendo con un manto floreado para cubrirla y de esa manera cubrir los misterios de
la diosa.
5."El beso" (1887) de Auguste Rodin

ESCULTURA DEL SIGLO XIX:

Esta monumental escultura fue encargada como una figura más en un grupo de relieves que
se colocó en las puertas de un nuevo museo de artes decorativas en París. Debido a su
belleza y junto a “El pensador”, la escultura fue separada del conjunto y expuesta como
pieza única. Rodin nunca esculpía sus grandes figuras desde el alma: el solo retocaba y daba
los toques finales para crear la genialidad de sus obras. “El beso” tuvo versiones iniciales en
bronce y terracota a pequeña escala y que sirvieron de maquetas para la obra final realizada
en mármol. Esta estatua apareció por primera vez en el Salón de Parísde 1898 y el éxito fue
tal, que una compañía ofreció al artista un contrato para comercializar un número ilimitado de
figuras en bronce de pequeño formato. Esta obra tuvo tres copias que realizó por encargo
para diversos magnates, pero la oficial y la que fue encargada por el gobierno de Francia
descansa en el Museo Rodin de París. La inspiración de esta excelente obra de arte
provino de su relación con Camille Claudel.
6."Extasis de Santa Teresa" (1647-1651) de Gian Lorenzo Bernini.

ESCULTURA BARROCA:

Fue un encargo del cardenal Cornaro para ser colocada sobre su tumba. Actualmente se
encuentra en la iglesia de Santa María de la Victoria en Roma. Es, sin duda, la obra más
conocida de Bernini y una de laspiezas más interesantes del alto barroco romano. En esta
exquisita obra encontramos a Santa Teresa de Jesús, escritora mística y reformadora, en
pleno trance. El movimiento frenético de los ropajes, junto al uso de materiales marmóreos
de color y metal, crea una atmósfera divina. Gran culpa de ello lo tienen los filtros de luz que
atraviesan la ventana cercana al conjunto escultórico. La iconografía que la propia santa
explica en su obra escrita, nos deja entrever un episodio en que se le aparece un ángel que le
atraviesa el corazón con un dardo de oro. La expresión de ella es de dolor/placer ya que
está sufriendo el castigo divino. Las figuras están hechas de blanco mármol y los rayos de
sol que decoran el fondo son de bronce. Además, la capilla donde fue ubicada esta
escultura de grandes dimensiones, fue pintada por el propio artista para darle más realismo
al conjunto.
7.”La venus de los 262 trapos” (1967) de Michelangelo Pistoletto

ARTE POVERA:

Es un montaje de la famosaVenus de Cnido en forma y concepción. Está rodeada de

trapos imitando el acceso a una cueva. La figura parece sostener para que no se caigan o
bien se dispone a entrar. El artistahizo una serie donde variaba figura de Venus que podía
ser blanca o dorada. La primera que usó fue de yeso y la compró en una tienda de figuras de
jardín seriadas de una carretera. Tras el éxito de esa primera obra, los otros montajes los
hizo en mármol y chapado en oro. En su intento constante de armonizar la vida real con el
arte, expuso por primera vez esta obra en un patio de vecinos, acercando el arte al vulgo y
buscando un alejamiento del lugar tradicional de exposición (arte povera). Con esta obra se
pretende olvidar el arte del pasado, banalizándolo mediante la reproducción serial de la
estatuaria clásica y rodeando la pieza con un efímero y vulgar montón de trapos que podría
significar la matriz femenina. Se mitifica, eso sí, la figura de la mujer. Aún y así, estas obras,
al no estar solidificadas con ningún material, varían siempre que se transporta a una nueva
exposición. Pistoletto creó también “La venus ciega” que fue otra obra en la que cogió otra
Venus en serie y le creó como una especie de turbante-capa de ropas que empezaba a la
altura de los ojos.
8.“El Panteón” (27 a.C.) de Agripa

ARQUITECTURA ROMANA:

El Panteón fueun templo circular que se construyó para el culto de todos los dioses
romanos. Se cree que el edificio fue destruido y en tiempos de Adriano se volvió a realizar
siguiendo los planos del edificio original. Por lo tanto la cronología correría hacia el 125 d.C.
y la construcción sería del arquitecto Apolodoro de Damasco. Adosado al pórtico de un
templo clásico en planta y estructura, se le añadióuna innovadora sala circular exclusiva de la
arquitectura romana. Esta forma junto con la bóveda semiesférica se utilizaba en los baños
termales, pero nunca en un templo. La cúpula mide 43,44 m de diámetro, lo que la convierte
en la mayor cúpula de la historia del arte. La otra gran cúpula, la de San Pedro del
Vaticano, se construyó un poco más pequeña por respeto a este monumento. El interior es
espectacular con sus ochoexedras y nichos que alternan pilastras y columnas en su primer
piso. En el segundo una hilera de ventanas que fueron redecoradas a la “maniera” clásica en
el siglo XVIII. El pavimento de la rotonda es ligeramente convexo, para que la lluvia que
entra por su famoso óculo abierto, fluya sin problema. El interior de la cúpula está decorado
con cinco filas de casetones. Una obra inigualable y necesaria para comprender muchas
iglesias posteriores.
9."La habitación" (1888) de Vincent Van Gogh

PINTURA POSTIMPRESIONISTA:

Van Gogh realizó tres obras parecidas y ésta en concreto es la denominada “El dormitorio
en Arles”. Representa la modesta habitación que tenía el artista en la plaza Lamartine, 2 de
esa localidad francesa. Residió en los años 1888-1889, un poco antes de la llegada de Paul
Gauguin a la ciudad. En el cuadro vemos dos puertas: la de la izquierda subía a otro piso y
la de la izquierda era la habitación de invitados que fue ocupado posteriormente por su
amigo Gauguin. No era la mente convulsa del artista lo que motivó la forma trapezoidal de la
habitación, sino que era así. El mobiliario era sencillo, en madera de pino y con poca
decoración. La fuerte perspectiva torva que utiliza, es uno de los sellos de identidad de su
etapa final, ya que fallecería dos años después de terminar este cuadro y después de sufrir
una gran depresión nerviosa. El artista dejó más de 900 pinturas y 1.600 dibujos, solo en
los últimos diez años su vida.
10."Pantocrator de Sant Climent de Taüll" (1123)

PINTURA ROMÁNICA:

En este edificio singular del románico catalán de influencia lombarda, encontramos una de
las pinturas murales más interesantes del mundo. Estamos hablando del “Pantocrátor” que
se hallaba (actualmente están conservadas en el Museo de Arte Nacional de Catalunya)
en el ábside central de la iglesia. En ella vemos al “maiestas domini” dentro de una mandorla
perlada y en posición sedente. A la altura de sus hombros encontramos una alfa y una
omega, del alfabeto griego, símbolo del principio y del fin de la humanidad. Una de sus
manos está en posición de bendición mientras que la otra sostiene un libro abierto donde
podemos contemplar la leyenda “Yo soy la luz del mundo”. A ambos lados de Dios
encontramos dos serafines alados y a continuación el tetramorfos. Debajo encontramos la
figura de cinco apóstoles y la imagen de la virgen María tocada en blanco y con un manto
azul.
11."Victoria de Samotracia" (190 a.C.)

ESCULTURA GRIEGA:

Es una “niké” alada de bulto redondo perteneciente a la escuela rodia del período
helenístico. Mide 245 cm y está hecha en mármol. Parece ser que se hizo construir para
conmemorar el triunfo de las tropas navales griegas en la batalla de Salamina. La victoria se
posa encima de una plataforma que es la proa de un navío. El cuerpo se contonea en una
graciosa posición que le da gran dinamismo. Va envuelta en un finísimo manto labrado en la
piedra que produce una sensación de traslucidez anatómica, que recuerda a la técnica de los
“paños mojados” preconizada por Fidias. El viento agita los ropajes de la figura lo que da
un sentimiento de gozo y de triunfo. Como curiosidad, decir que una de sus famosas alas se
adhirió posteriormente debido a una restauración. También comentar que la conocidad
marca de ropa deportiva “Nike”, extrajo su nombre de esta estatua y la forma de su logotipo
emula una de sus alas.
12."Moisés" (1513) de Miguel Angel

ESCULTURA RENACENTISTA:

El Moisés es una espectacular escultura de mármol centrada en la figura del personaje

bíblico. Se concebió originariamente como figura para decorar el sepulcro del papa Julio
II que tenia que ubicarse enSan Pedro del Vaticano. Al final acabó en la iglesia de San
Pietro in Vincoli. El hecho de que tenga cuernos es debido a un error de interpretación
de San Jerónimo al traducir del hebreo: entendió que tenía cuernos cuando tenía que haber
escrito que le salían rayos por los ojos una vez que Moisés recibió la bendición divina. En la
figura destaca los pliegues de los ropajes, que junto al movimiento de la cabeza y la
protuberancia muscular y vascular, crea una tensión psíquica inusual en el período. Es una
imagen tan realista que la leyenda dice que cuando Miguel Angel acabó la obra le dijo
"Parla, cane!" ("habla, perro") golpéandole la rodilla con un martillo. La verdad es que sólo
faltaba extraerle la vida a la piedra.
13."Capilla de Notre Dâme de Haut" (1954) de Le Corbusier

ARQUITECTURA DEL SIGLO XX: Larevolución plástica que comportó esta

capilla para seguidores y discípulos de este maestro vino dada por su acercamiento a la
arquitectura sacra. No olvidemos que Le Corbusier era agnóstico y cuando recibió el
encargo de este lugar de peregrinación destruido por los bombardeos en la II Guerra
Mundial, tuvo que pensarlo. Igualmente, él estaba de acuerdo en la introducción de la
arquitectura y la pintura moderna en las construcciones religiosas. Una vez convencido le
sedujo el enclave ya que estaba en un promontorio de unos 500 metros de altura. Otro
elemento que generará la curiosa forma afilada de la iglesia fue el descubrimiento de un
caparazón vacío de un cangrejo que encontró en una playa de Long Island. Apoyado en
cuatro gruesos muros esta forma de concha servirá como modelo para la cubierta. Ésta se
construye como si fuera un ala de un avión, es decir, de una sola pieza utilizando el hormigón
de manera bruta que le da un color más oscuro. Esto contrastará con la blancura de las
paredes que tendrá un refinamiento mayor con el mismo material. Los muros son
independientes y separados de la cubierta por una hendidura, pero a la vez sujetos por
pilares de hormigón que conforman la verdadera estructura portante del edificio. La planta
de la capilla es asimétrica y los suelos del altar son de piedra. Se coloca en el interior una
virgen policromada del siglo XVII único vestigio de la antigua capilla. Los muros juegan con
pequeños ventanales que contienen vidrieras creando en el interior efectos de luz por el
abocinamiento de las mismas. También, las paredes interiores laterales caen en diagonal
evocando modernos contrafuertes. Los campanarios recuerdan las estelas funerarias de
Esquía. Lo que más destaca de esta iglesia es el juego de luces y sombras, rompiendo con
aquella obsesión de las superficies claras y la luminosidad homogénea de los años
20. Consigue una fusión de las artes: arquitectura, escultura y pintura.
14."Cruz de la Victoria" (905)

ARTES MENORES:

La cruz más famosa de Asturias está guardada en la Cámara Santa de Oviedo y se hizo en
el taller de orfebrería de la capital. Alfonso III, rey de Asturias, encarga esta cruz para
conmemorar la el centanarios de la "Cruz de los Angeles", la cual admiraba. El alma es de
madera y parte de ella pertenece a la cruz que lleva Don Pelayo cuando ganó la Batalla de
Covadonga. De ahí su nombre de "victoria". Tipológicamente, la cruz tiene forma latina y
tiene las cuatro puntas trilobuladas. Por delante, la decoración es de piedras preciosas no
engarzadas. La base de madera se cubrió con láminas de oro trabajadas con filigrana en
motivos vegetales y animales. La parte de atrás también está laminada en oro, pero no está
tan elaborada su decoración y las piedras son más modestas.
15."El columpio" (1757) de Jean Honoré Fragonard

PINTURA ROCOCÓ:

Esta obra es el perfecto ejemplo de la pintura rococó. "Los felices azares del columpio" o
simplemente "El columpio" es una obra encargada por un rico barón a Fragonard en
homenaje a su amante. Otro pintor rechazó el encargo por considerarlo obsceno. La verdad
es que el resultado conseguido, entre refinado y sensual, con ese dinamismo y ese escorzo,
ha catapultado esta obra al esquema de las formas ideales de una época
concreta. Representa una escena galante en un paisaje idílico. La mujer se balancea en un
enorme columpio gracias a los empujones de una persona mayor, mientras un joven mira
debajo de las faldas. No olvidemos que el adulterio estuvo permitido entre las clases
aristocráticas a lo largo del siglo XVIII, ya que muchas bodas estaban concertadas o se
realizaban por interés. Después de casarse era habitual que cada miembro de la pareja
tuviera aventuras sexuales con sus verdaderos amores. Una obra que presagiaba la moda
paisajista deTurner o Constable.
16."Pirámides de Giza" (4600 a.C.)

ARQUITECTURA EGIPCIA:

Situada a 2o km de El Cairo, encontramos la imponente necrópolis de Giza. En ella se

encuentra las tres famosas pirámides (Kefren, Keops y Micerinos) perteneciente a la cuarta
dinastía egipcia, aunque ya se realizaban entierros a lo largo de la segunda. En el conjunto
también encontramos los templos del valle, las mastabas y, excavada en la roca, la Gran
Esfinge. De las pirámides solo conservamos su núcleo realizado en piedra caliza. Poco
queda de su revestimiento en caliza pulida y granito rosado por la acción de la erosión. La
imponente esfinge mide 57 metros de longitud y 20 de altura. En 1979, este conjunto único
es considerado Patrimonio de la Humanidad.
17."Torre del oro" (1221)

ARQUITECTURA ISLAMICA: Es una torre albarranaubicada a orillas del

Guadalquivir en la ciudad de Sevilla. Mide 36 metros y el nombre lo recibe por el material de
construcción que al reflejarse en el río les da un tono dorado. Se pensaba que eran azulejos
lo que brillaba, pero en una reciente restauración se ha demsotrado que era una mezcla de
mortero con cal y paja prensada. Es una torres con tres cuerpos transversales: dos
dodecagonales y uno cilíndrico, este último terminado en 1760. Se hizo construir por el
gobernador almohade de la ciudad, Abú I-Ulá, como elemento defensivo al lado de las
antiguas murallas y el alcázar, que han desaparecido. Actualmente alberga el museo marítimo
de la ciudad hispalense.
18."La escuela de Atenas" (1511) de Rafael

PINTURA RENACENTISTA: Es, sin lugar a dudas, una de las obras más
conocidas e interesantes de Rafael Sanzio. Fue pintada entre 1510-1511 y estaba
destinada a la decoración de unas habitaciones privadas del Vaticano. Es un cuadro de
gran formato y representa la filosofía en mayúsculas, basado en una escena que narra una
sesión entre diferentes filósofos, científicos y matemáticos clásicos. Para ello, adapta las
figuras al espacio, tomado como una perspectivaexacta y científica. De entre los personajes
reconocidos están Sócrates, Miguel Angel, Epicuro, Platón, Aristóteles, etc. El
escenario recrea un espacio clásico ideal que cambio los esquemas artísticos del período
renacentista.
19."Las señoritas de Avignon" (1907) de Picasso

PINTURA CUBISTA: Este cuadro pertenece al período protocubista dePablo Ruiz

Picasso. Con el se inició un intento de romper con el realismo figurativo, los ideales del
canon espacial y las formas clásicas del cuerpo femenino. Todo se reduce a una serie de
planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, solamente destacan las lineas del dibujo
en una especie de claroscuro. Las caras reflejan un cierto gusto por el africanismo, como si
de máscaras superpuestas se trataran. Y no es de extrañar porque el arte africano empezó a
conocerse en aqeul período y con más profundidad en la cultura occidental. Recuerda
también ese alargamiento de las figuras pictóricas de El Greco o una composición que nos
evoca a "Las bañistas" de Cezánne. Fue una obra incomprendida en la época por su
radicalidad visual. El nombre final se tomó de una calle barcelonesa (Carrer Avinyó) donde
habían muchos prostíbulos a principios del siglo XX, aunque muchos desconocedores de
esta vía, creyeron que se referían a la ciudad francesa del mismo nombre.
20."Sarcófago de los esposos" (s.VI a.C.)

ARTE ETRUSCO: Es un sarcófago funerario de tipo antropoide realizado en

terracota pintada.Muestra a una pareja casada que está reclinada, tal y como se hacía en las
bacanales romanas.En este caso la idea es el mantener esta costumbre en la otra vida,
donde el ocio puede seguir existiendo. Los rostros son sonrientes, con ojos de forma
almendrada y cabellos trenzados. En cuanto a la forma de los pies de las figuras y sus
ropajes son de clara influencia del arte clásico de Grecia. El marcado contraste entre el
busto realizado en alto relieve y las piernas casi aplastadas es una técnica muy etrusca en
cuanto a composición. La acción se traslada a la parte superior del cuerpo con un intento de
individualizar las caras y los dinámicos movimientos de los brazos gesticulantes.
21."Catedral Notre-Dame de París" (1163-1245)

ARQUITECTURA
GOTICA:

Es una de las iglesias góticas más

antiguas de Francia. Apareció en
pleno esplendor económico en una
ciudad que necesitaba un nuevo
enfoque a su edificio de reunión
litúrgica.Una catedral imponente
que fuera una gran simbología del
ascenso espiritual marcado por el
apuntamiento de los arcos y la gran
verticalidad del conjunto. La
burguesía adinerada y el prestigio
del clero del momento, forjaron un
estilo basado en la prosperidad
urbana y el resultado fue la catedral
gótica. En Notre-Dame de París
vamos a encontrar diferentes
influencias en su espectacular
fachada:románico normando por su
fuerte y compacta unidad y el
gótico por su ligereza en la
construcción vertical, y como no,
por sus magníficas portadas.Las torres miden 69 metros de altura, aunque se cree que
podrían haber sido más altas si se hubieran aplicado las teóricas linternas. Los elementos
más conocidos de la catedral són la campana de la torre sur llamada "Emmanuel", la galería
de las gárgolas y el famoso órgano Cavaille-Coll. El interior de las naves es de una ligereza
sublime, sobretodo por las grandes vidrieras que se abren en los laterales.
22."La adoración de los Reyes Magos" (1301) de GIOTTO

PINTURA RENACENTISTA:"

La adoración de los Reyes Magos", llamada también epifanía, es uno de los frescos con más
reputación del "trecento" o primer renacimiento italiano. Iconográficamente, asistimos a la
escena de la llegada de los reyes de oriente al portal de Belén para adorar al niño
Jesús. Es un espacio modesto, con San José, la Virgen y el Niño sedente bajo palio al
lado del ángel de la anunciación. El suelo es arenoso y detrás aparece un estilizado camello.
Se deja entrever una perspectiva tosca desplazada a la izquierda del cuadro y una curiosa
estrella de Belén. La guía divina tiene forma de cometa y es queGiotto, en ese mismo 1301,
vio elcometa Halley porque pasó por Italia y fue avistada. Es una de las primeras obras de
transición de la pintura mural gótica al renacimiento, donde vemos un interés por los pliegues
de las capas y un cierto camino hacia el naturalismo. La temática religiosa medieval entrará
rápidamente en decadencia para dar paso a la renovación de la mitología griega.
23."Campbell soup" (1962) de Andy Warhol

ARTE POP:

Andy Warhol, es junto a Salvador Dalí, uno de los pocos genios de la historia del arte.
Demostró una gran imaginación y originalidad al plantear sus campañas publicitarias, en sus
inicios. Fue pintor, ilustrador, cineasta y literato, pero sobretodo el mejor relaciones
públicas del Hollywood de los años 60. Su primera exposición individual del 9 de Julio de
1962, fue todo un descubrimiento, ya que marcó la llegada del "pop art" a la costa oeste de
los Estados Unidos. Para ésta, utilizó productos de consumo realizados en serie e iconos
del "star system" que transformó como si fueran "ready mades" y como él quiso. La decisión
era de él: en el fondo era el artista. Esta idea "duchampiana" planeó siempre por sus obras y
en la serie de "Campbell soup" pudimos disfrutar de ilustraciones, serigrafías o instalaciones
con cientos de latas apiladas. Fue un icono de la vanguardia y del "underground" en un
momento en que el arte estaba caminando a toda velocidad hacia lo conceptual.
24."Discóbolo" (455 a.C.) de Miron

ESCULTURA GRIEGA:

Ante la duda, nos encontramos en el momento justo del lanzamiento de disco de un atleta
griego. Su magistral artífice fue Mirón, que supo imprimir toda la tensión muscular en el
mármol de esta pieza, considerada uno de los cánones del clasicismo.Curiosamente esa
tensión no se refleja en el rostro y solo hay concentración en sus rasgos faciales. Existe una
fuerte torsión del cuerpo, pero a la vez hay armonía en el movimiento. Como ha sucedido en
infinidad de esculturas de este período, nos han llegado las copias romanas, gracias a las
cuales podemos conocer auténticas joyas como este "Discóbolo".
221."Máscara de Agamenón" (1550-1500 a.C.)

ARTE MICÉNICO:

Se trata de una máscara funeraria localizada sobre la cara de un cuerpo hallado en la tumba
V de la acrópolis de Micenas. Esta pieza fue hallada por el arqueólogo Heinrich Schliemann
pensando que era el recubrimiento facial mortuorio del mítico rey griego Agamenón. Estudios
posteriores han dejado claro que es una obra realizada 300 años después de la desaparición
de dicho magnate, por lo tanto, no podía corresponderle, aunque se ha mantenido de manera
histórica este sobrenombre. Actualmente se encuentra expuesta en el Museo Arqueológico
de Atenas. La tradición funeraria de aquel período aproximado del 1500 a.C era ubicar a
los difuntos en fosas excavadas en el suelo junto con su ajuar funerario. Después se cubría
con unas vigas y se cubrían de tierra decorando su exterior con una estela. Los ajuares
funerarios eran ricos en collares, copas, diademas, etc. realizados en oro y en bronce. Este
descubrimiento concreto nos dio a conocer una cultura que era comercial y que tenía un
estatus social importante. No todos los humanos al ser enterrados recubrían su rostro con
una máscara funeraria de oro. Solamente los altos dignatarios o militares se reservaban ese
privilegio para en la otra vida mantener su nivel social. En este caso creemos que fue un
guerrero importante ya que se han encontrado en su tumba armas blancas como espadas o
cuchillos. Estas máscaras no eran auténticos retratos, pero tampoco creemos que fueran
excesivamente idealizados ya que en este caso la simetría facial y los rasgos no son demasiado
favorecedores.
220."La gran odalisca" (1814) de DOMINIQUE INGRES

PINTURA ROMANTICISTA:

Esta obra de corte orientalista fue un encargo realizado por Carolina, hermana de Napoleón
y reina de Nápoles. Un cuadro que tenía que hacer pendant con otro desnudo que tenía en
su poder la mecenas. Fue una obra expuesta en el Salón de París en 1819. El nombre de
odalisca proviene del turco odalik y designa a una mujer de un harén. Está recostada
voluptuosamente sobre un diván que de espaldas gira su cara al público de manera insinuante,
entre accesorios de toque arábigo como un abanico, un turbante o una pipa. Destaca el
detallismo del cuerpo, pero sobre todo de los ropajes y las texturas de las telas. Un cuerpo
criticado por ser excesivamente alargado y que parece ser que el propio Ingres decidió aplicar
en evocación al manierismo precedente. Un intento de belleza individualizada que muestra
dulzura y una mayor sensación curvilínea influencia de Rafael y del conocimiento de los
pintores italianos que obtuvo en su viaje a Florencia. También fue criticado por su escaso
cromatismo, aunque la percepción del mismo está perfectamente vinculada a la realidad.
217. "Los girasoles" (1888) de Vincent Van Gogh

PINTURA POSTIMPRESIONISTA:

"Los girasoles" es una serie pictórica que el artista holandés Vincent van Gogh realizó entre
1888-1889. Tres de estos cuadros contienen quince girasoles y dos de ellos doce, todos
siempre dentro de un único jarrón. De la selección de estas obras nos quedaremos con el más
conocido que se puede contemplar actualmente en la Nueva Pinacoteca de Múnich por su
belleza y por ser el primero de la serie. Este lienzo en concreto, lo pintó en agosto de 1888
durante su estancia en Arlés. Destaca las tonalidades amarillas y es que no olvidemos que el
pintor, muy receptivo a los colores que le envolvían, estaba disfrutando de una luz típicamente
mediterránea. Sabemos que uno de estos "girasoles" decoró la habitación que el artista
preparó para su amigo Gauguin. En cada una de las telas vemos girasoles en diferentes
etapas de su vida: creciendo, en su esplendor y marchitos. El uso del espectro de tonos
amarillos fue muy innovador en la época conjuntándolos además con tonos ocre, tierra,
naranja, etc. El color está aplicado con fuertes pinceladas, casi agresivas, con pequeños
toques salteados, de gran plasticidad y relieve. Un relieve que da cierto volumen a los
girasoles además del uso de tonos azules y verdes para resaltar las sombras creando una
suave intensidad lumínica.
214."Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" (1639-1640) de
Claude Lorrain

PINTURA BARROCA:

Claude Lorrain fue un pintor francés

establecido en Roma y que atendía al
nombre original de Claude Gellée. Lo
enmarcaríamos dentro del barroco
clasicista, con una clara inspiración
paisajista vinculada a la belleza de la
campiña romana de aire bucólico-pastoril.
Firmaba sus cuadros como "Le Lorrain"
aludiendo a su ciudad natal. Trabó
amistad con Nicolas Poussin y se introdujo
en los círculos artísticos romanos y del
papado. Su fama se fue extendiendo y
llegó a tener buenos imitadores como
Sebastien Bourdon. Sus paisajes
clásicos fueron pintados en clave religiosa
o mitológica. Idealizó el paisaje sereno,
evocador de la antigüedad, en su
búsqueda de la bella Arcadia, con la
placidez del mar o del cielo e introduciendo figuras bellas en los conjuntos de la naturaleza.
Utilizó una luz directa y natural proveniente del sol del atardecer o del amanecer que centró
en sus composiciones. En su afán de pintar espacios abiertos recurrió a los puertos que
sirvieron de pretexto para dar cierta acción a las figuras que se movían en escena. Este
"Paisaje con el embarque en Ostia de Santa Paula Romana" es un óleo encargado por
Felipe V para decorar su Palacio del Buen Retiro y que actualmente se expone en el Museo
del Prado. Forma parte de una serie de cuadros que diversos pintores de la época realizaron
para el monarca. Aunque no lo parezca a simple vista se trata de una escena religiosa. Es el
momento en que Santa Paula, en el siglo IV, se despide de sus hijos cuando embarca en el
puerto de Ostia con destino a Palestina, donde vivirá como una ermitaña al lado de San
Jerónimo. Pero queda claro que Lorrain utilizó esta temática para la realización de un
monumental paisaje urbano lleno de reminiscencias arquitectónicas ambientadas en la
antigüedad clásica, aunque pretendidamente renacentista en concepto. Destaca el punto de
fuga central creado por la luz solar dorada.
210."San Sebastián" (1480) de Andrea Mantegna

PINTURA RENACENTISTA:

El tema del asaetamiento de San Sebastián fue pintado tres veces por Andrea Mantenga,
uno que se conserva en Viena, otro en Venecia y el que nosotros trataremos y que se halla en
el Louvre de París. El artista nativo de Padua vivió en una época donde la peste negra hizo
estragos y en un momento donde se pensaba que esta enfermedad se transmitía por el aire.
Como San Sebastián fue martirizado con flechas transportadas por la fuerza eólica se
pensaba que este santo era protector de la peste. El cuadro que se conserva en la famosa
pinacoteca francesa es un fragmento del retablo de San Zenón de Verona. El santo
aparece atado a una columna estriada de corte clásico muy de moda en un momento en que se
miraba hacia las formas grecorromanas. La perspectiva con la que trabaja el pintor es muy
baja, creando una sensación de solidez y dominio en la figura. Sus ojos miran hacia el cielo en
un gesto de resignación ante el martirio. A sus pies, se muestran dos personajes que
representan a los arqueros que han martirizado al santo, símbolo del mal. Destaca el gran
realismo de la higuera, de la anatomía de la figura y la credibilidad visual de las ruinas clásicas.
208."El enigma de la hora" (1911) de Giorgio de Chirico

PINTURA METAFÍSICA:

Giorgio de Chirico es un artista griego, de procedencia italiana, muy conocido en Italia por
la creación de la escuela metafísica dentro de la línea del surrealismo europeo de principios
del siglo XX. El gusto por el simbolismo y las obras filosóficas
de Nietzsche y Schopenhauer le llevaron a una concepción muy personal en su pintura. Las
obras comprendidas entre 1909 y 1914 son las que le han dado mayor reconocimiento, una
vez mudado a Florencia. En ese impás de tiempo pasó por Turín y por París, captando el
carácter metafísico de las arcadas de esas ciudades, su arquitectura, las sombras y
plasmándolas en una serie de cuadros llamados "Piazza metafísica" donde diversos "enigmas"
recogían espacios evocadores sombríos y abrumadores. En un principio buscó paisajes
urbanos inspirados en ciudades mediterráneas, con una luz y una soledad inusual hasta aquel
momento. Son imágenes llenas de calma y de silencio. Poco a poco su evolución tendió a crear
espacios atiborrados de objetos con la aparición circunstancial de los maniquís como
espectadores excepcionales de un mundo onírico y yermo. El artista consideró que el
espectador tenía que aportar algo a la obra de arte dejando el tema abierto para que éste lo
interpretara como creyese oportuno. Este movimiento artístico se consideró uno de los claros
precedentes de la pintura surrealista. Sobre esta obra decir que se nos presentan diversas
figuras difuminadas en un espacio arquitectónico dando una sensación de ausencia. Un gran
reloj que marca las tres menos cinco aún da más misterio al conjunto.
204."La resurrección de Cristo" (1463-1465) de Piero della Francesc

PINTURA RENACENTISTA:

Esta obra llamada en Italia simplemente "La resurrección" fue pintada por Piero della
Francesca, en Arezzo. Está considerada una de las obras más interesantes de este pintor
sobre todo por el uso de sus diversas perspectivas. Hay tres planos: los soldados dormidos
en primer plano, la aparición de Cristo y el fondo paisajístico. El conjunto tiene una gran
solemnidad por la presencia frontal y hierática de Jesús, pero sobre todo por su composición
piramidal. Cristo aparece en el centro y es el punto focal de atención, sobretodo porque
lumínicamente destaca el color de su piel y su vestimenta más clara en contraste con el
cromatismo del cuadro. Sale de su sepulcro y mira directamente al espectador. En la mano
derecha lleva la cruz roja de los cruzados (bandera simbólica de la resurrección) y con la
derecha sostiene la toga rosácea, mientras que con su pie da la sensación de haber surgido
en aquel mismo momento de la tumba. Sus heridas son evidentes y su ubicación separa el
paisaje en dos partes: la parte derecha contiene árboles exuberantes y vivos representando
el nacimiento y la izquierda vemos árboles caducos de invierno que simbolizan la muerte. A los
pies se encuentran los soldados somnolientos y separados por la línea horizontal del
sarcófago. Uno de los soldados es Piero della Francesca, justamente el que duerme de
manera frontal. Parece que uno de ellos acaba de despertar, pero sobretodo destacan
algunas incongruencias anatómicas realizadas por el artista.
203."El caminante sobre el mar de niebla" (1818) de Caspar David Friedrich

PINTURA ROMÁNTICA:

Esta evocadora imagen de Friedrich es un hermoso óleo que se encuentra en la Kunsthalle

de Hamburgo. Parece ser que la persona que contempla el inhóspito paisaje puede ser el
propio pintor que contempla el mar de nubes que queda bajo sus pies. Vemos al fondo la
aparición de otros picos mientras él, impasible en su postura y apoyado elegantemente en un
bastón, crea un contraste negro en su ropa como la montaña que hay en primer plano. Su
origen suizo nos hace pensar que el paisaje representado fuera de la zona de la Sajonia.
Dentro de la moda romántica de aislarse para crear un mundo diferente al real, el pintor decide
experimentar en paisajes imposibles como en los altos de una cascada o en el borde del mar.
Esta intención de separarse del mundo estaba vinculada con la idea de lo sublime que
experimentaban estos artistas. La gama cromática de este cuadro es muy reducida: el negro
del primer plano, los tonos marrones de las rocas y el gris blanquecino para representar el cielo
y la densa niebla. El gran triunfo de la obra gracias a los contrastes en el color es la
consecución de una clara perspectiva aérea que le da una gran profundidad física y moral a
este paisaje irreal.
82."El origen del mundo" (1866) de Gustave Courbet

PINTURA REALISTA:

"L'origine du monde" es uno de los cuadros más escandalosos y a la vez vergonzantes del
siglo XIX. En aquel período, la Academia Francesa regía las formas estilísticas de los
pintores galos decimonónicos. Aquellos que no eran aceptados por los académicos para
exponer en su Salón no podían triunfar, ya que en aquel período aún no estaban en marcha
las galerías de arte privadas. Courbet, uno de los "enfants terribles" de la pintura francesa,
nos quiso presentar el primer plano de un pubis femenino con una cruda y extrema realidad,
lo que supuso para el pudoroso espectador una fuerte impresión de sensualidad y
erotismo. Esta pieza, única del período, por su radicalidad y peculiar encuadre, quedó
proscrita hasta que vio la luz, en 1988, en una exposición de Nueva York. No olvidemos,
que, en aquel período, el desnudo femenino estaba aceptado, pero siempre visto desde la
"excusa" mitológica y dentro de un idealismo pictórico. El realismo de este pintor y de otros
de su generación presentaron a la sociedad y a las personas con la veracidad que
necesitaba un siglo donde las revoluciones sociales y políticas se sucedían una detrás de la
otra.
200."La Gioconda" (1503-1506) de Leonardo da Vinci

PINTURA RENACENTISTA:

Para celebrar nuestra entrada 200 y para homenajear nuestro Favicon, hemos decidido optar
por este clásico entre los clásicos de la pintura. Quizás sea la obra más conocida de la historia
del arte, denominada Gioconda o Mona Lisa y realizada por Leonardo da Vinci, su última
gran obra. Ríos de tinta se han volcado sobre esta pieza y sobretodo en relación a la
enigmática sonrisa (de ahí el apelativo italiano de "gioconda" entendido como "alegre"). Es
una pintura al óleo sobre tabla de álamo de 77 x 53 cm, expuesta en un sala exclusiva del
Louvre. La identidad de la joven se cree que fue Lisa Gherardini, una noble florentina que
fue retratada por el genial artista por encargo de su marido Francesco Bartolomeo.
Leonardo hizo el dibujo, aplicó el óleo diluído e introdujo una técnica revolucionaria llamada
"sfumato" que consistía en evitar las líneas de contorno típicas del quattrocento
difuminándolas, dando así una sensación tridimensional gracias al fondo. La mujer está
sentada en un sillón apoyando sus brazos en el propio asiento en una galería que se abre a un
paisaje acuoso inspirado en unas vistas que el propio pintor de los Alpes pudo contemplar
en Milán. Podría ser un recodo del lago de Como o el Arno. La dama no tiene cejas ni
pestañas, aunque Vasari hablaba de ellas en su descripción, aceptándose la téoría de que
fueron eliminadas en una restauración agresiva posterior. Su mirada gira levemente a la
izquierda sonriendo de manera peculiar. Lleva un suave velo sobre el cabello, símbolo de
castidad. Sobre los famosos enigmas de la obra se han hablado de una sonrisa que aparece
y desaparece según el punto del cuadro contemplado; el posible embarazo cubierto por los
brazos o la identidad definitiva de la modelo. La obra fue robada en 1911 y por ello
actualmente está envuelta de importantes sistemas de seguridad.
198."La familia de Carlos IV" (1800-1801) de Francisco de Goya

PINTURA REALISTA:

Este retrato colectivo familiar de la familia real española se conserva en el Museo del Prado.
En esta obra Goyadestaca su gran conocimiento retratístico siendo el culmen un tipo de
pintura que durante años realizó. Revela su gran maestría en los detalles y su sutileza a la hora
de definir los personajes. No olvidemos que el artista era pintor de cámara de Carlos IV y su
primer gran encargo para el monarca fue un retrato donde apareciera toda la familia
borbona con la única condición de cierto parecido con "Las meninas" de Velázquez. Realizó
gran cantidad de bocetos, que hoy en día se conservan, para enfocar bien este cuadro,
realizados en forma de dibujos de imprimación rojiza con ciertos matices de color. Presento
diez bocetos de los diferentes miembros que integrarían la tela. Finalmente, entre junio de
1800 y diciembre de 1801 el artista trabajó en la obra definitiva y cuando fue presentada no
suscitó, por lo visto, gran regocijo en el rey que esperaba algo más grandioso, aunque todos
reconocieron que fueron fielmente representados. Parece ser que Goya fue muy diligente y
los pintó más favorecidos de lo que realmente eran, otorgándoles una sensación vívida y un
aire digno que pocos pintores de la época sabían representar en sus personajes. Están todos
los miembros de pie y alineados, vestidos con lujosos trajes y abundantes joyas. El centro del
cuadro y del poder del momento no lo marca el rey sino la reina María Luisa de Parma. La
perspectiva está bien elaborada, pero evita las decoraciones de fondo de gusto velazquiano.
Mencionar la aparición en la zona de la izquierda del propio Goya con un gran lienzo
emulando al Velázquez de las meninas. La pincelada disuelta del pintor presagia un
primerísimo impresionismo que le permite crear destellos lumínicos muy innovadores en la
pintura de la época.
194."La última cena" (1955) de Salvador Dalí

PINTURA SURREALISTA:

Es uno de los cuadros más famosos del genial pintor Salvador Dalí también conocido como
"El sacramento de la última cena". Es una obra que se encuentra en la Galeria de Arte de
Washington y pretende ser una revisión moderna de la iconografía utilizada por Leonardo
da Vincidurante el llamado período "atómico" del pintor catalán. La sala donde está Jesús
con sus apóstoles es un dodecaedro con un paisaje de fondo donde se vislumbra un
amanecer, aunque debería ser un atardecer. Se inspiró en la costa ampurdanesa y en su
querido Cadaqués ya que vemos el mar y las típicas rocas de la Costa Brava. Cristo está
en el centro, representado sin barba y con el pelo claro, predicando a sus apóstoles, los
cuales inclinan sus cabezas en posición de rezo. La resolución de cada uno de los discípulos
es diferente en los gestos y en sus túnicas e incluso parecen ser de diferentes razas. Los
trece personajes de la Santa Cena envuelven la mesa donde vemos el vino en un vaso de
cristal moderno y un trozo de pan cortado en dos, todo ello creado como si de un bodegón
clásico se tratara. Jesús está representado en su parte inferior casi en transparencia para
dar sensación de ser etéreo y sobre él se ve su propio torso en gradación con las manos
extendidas en representación de su entrega al hombre. No podemos diferenciar a Judas
Iscariote porque todos ellos, dentro de la simetría, destacan por igual.
193."Díptico del duque de Urbino" (1472) de Piero della Francesca

PINTURA
RENACENTISTA:

Esta obra de Piero della Francesca, que se encuentra en la Galeria Uffizi de Florencia,
también recibe el nombre de "Retrato de Battista Sforza y Federico de Montefeltro".
Está realizada al temple sobre madera. Su datación no es segura del todo y el margen
estaría establecido entre 1460 y 1470. Otras teorías hablan de que el retrato del duque se
finalizó en 1465 y el de su esposa en 1472. Cuando el cuadro se pintó, Battista ya había
muerto (con tan solo 26 años) y su retrato se realizó con la máscara mortuoria. Se considera
uno de los primeros retratos renacentistas y que estuvieron unidos durante mucho tiempo
por un mismo marco. Están realizados en perfil imitando la acuñación de las monedas
romanas que comporta una mayor idealización que el retrato a tres cuartos. Este díptico
está pintado por ambas caras: en la principal se ven los retratos de los duques y en la parte
posterior, en un lado está el duque coronado por la Victoria y en el otro, la duquesa llevada
en un carro por unicornios. Los perfiles de la cara principal están enfrentados y en forma de
busto, destacan sobre un paisaje idealizado y en perspectiva elevada que recuerda a Jan
Van Eyck y la pintura flamenca. Destaca el sentido del volumen y la luz como emblanquece
la tez de Battista. El detallismo de las joyas también es una reminiscencia de los flamencos
primitivos. Esta obra, curiosamente, fue estudiada en el período cubista
de Picasso y Braque por la geometría de los rostros.
189."La carreta de heno" (1821) de John Constable

PINTURA ROMÁNTICA:

Esta obra está considerada como su pieza más famosa y se conserva actualmente en la
National Gallery de Londres. La temática es sencilla: nos muestra un bello paisaje inglés,
con un carro de heno cerca de un molino llamado Flatford en la localidad de Suffolk, pueblo
donde John Constable pasó su más tierna infancia. Este molino pertenecía a su padre y la
casa que estaba al lado mismo era de un vecino agricultor, amigo de la familia del pintor. Es
reseñable destacar que este espacio que inmortalizó aún existe, aunque los árboles si han
variado. Vemos a dos personas cerca del río conduciendo la destartalada carreta que
curiosamente no contiene heno, ya que se entiende que ha sido depositado en algun
granero. Da la impresión de que éste se ha estancado mientras los dos caballos tiran para
salir del barrizal. Destaca la anécdota de un perro lo que nos da a entender el interés
detallista con el que trabajaba el artista. Al fondo vemos los campos llenos de heno mientras
una tibia luz baña toda la composición. Se nos presenta la vida campesina de manera
natural, real y poco idealizada, donde el estudio del cielo y de la luz es importantísimo. No es
una obra hecha en "plein air" sinó que Constable realizó diversos bocetos al aire libre para
luego en su estudio acabar de rematar esta composición.
185."Almuerzo de remeros" (1881) de Auguste Renoir

PINTURA IMPRESIONISTA:

Este famoso cuadro de Renoir enclavado en el período impresionista representa a un grupo

de amigos del propio pintor que descansan comiendo en una terraza de la Maison Fournaise
ubicada en el río Sena y en la población de Chatou. En una mesa colocada en diagonal,
por influencia de los grabados japoneses, aparece un tumulto de personas captadas con
una gran luz que proviene básicamente de la apertura izquierda del balcón, justamente detrás
del hombre que está en camiseta y lleva un sombrero. Otro de ellos también lleva una
camiseta blanca que recoge esa luz indirecta juntamente con el mantel. Al fondo vemos al
pintor y su amigo también artista Gustave Caillebotte vestido con el sombrero burgués de
copa. También aparece una mujer que está jugando con un perro llamada Aline Charigot y
futura esposa del artista. Una obra llena de matices y contrastes lumínicos, con una factura
más nerviosa precursora del puntillismo y un encuadre influenciado por la espontaneidad de
la fotografía.