Collage y Mas Tecnicas Terapia Con Niños

PLASTICOTERAPIA PARA NIÑOS
CON DÉFICIT DE APRENDIZAJE
GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú.
PROFESORA DE ARTES PLÁSTICAS DE ARTE “MATISSE”
INTRODUCCIÓN
Hoy en día, las técnicas de expresión artística se encuentran más

que nunca con la posibilidad de usarse como herramienta
terapéutica profesional. Una vez que se experimenta personalmente
el poder terapéutico detrás del arte, surge la posibilidad de
entregar y difundir esta herramienta de crecimiento y
descubrimiento personal. Se invita con el siguiente trabajo de
investigación a descubrir una experiencia con este potencial
sanador aplicado a una terapia a través del arte.
El presente documento registra el trabajo realizado con niños de 5

a 8 años de edad durante tres meses, tres veces por semana con la
terapia antes mencionada.
En los capítulos siguientes se describe los aspectos a considerar en

el desarrollo de este caso.
El primer capítulo consiste en el marco teórico que abarca entre

otras cosas definiciones, reflexiones, fundamentos, orientaciones y
ventajas relacionadas con la PLASTICOTERAPIA. En este capítulo
también se desarrollan temáticas como la expresión, la autoestima
y la resiliencia. A partir del segundo capítulo se desarrolla el caso,
presentando los antecedentes que abarcan una descripción breve
del lugar de práctica y aspectos relevantes de los niños,
características observadas y sus antecedentes artísticos.
Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 1 - Formación CAT

El tercer capítulo describe el proceso arte terapéutico donde están
definidos los objetivos, descripción del espacio físico, materiales,
técnicas, sesiones y plan de trabajo.
En el cuarto capítulo se desarrolla un análisis del proceso de la

terapia con los resultados observados.
El quinto capítulo muestra algunas conclusiones y observaciones

finales a este proceso.
Justificación.
PLASTICOTERAPIA en niños con DÉFICIT DE ATENCIÓN

(problemas de aprendizaje), surge como proyecto de
investigación , debido a la necesidad de buscar alternativas de
tratamiento que conlleven a la mejoría del paciente , sin tener que
recurrir al uso frecuente y a veces indiscriminado de psicofármacos
y en particular el del metilfenidato. El uso de las artes, y en
particular las artes plásticas, constituyen un vehículo de cambio
terapéutico, que han demostrado su eficacia y beneficio sobre todo
al tratar problemas de salud que implican trastornos psicológicos,
específicamente en niños.
La Arteterapia no sólo ayuda en la comunicación, también potencia:
• Un mayor autoconocimiento
• El respeto al otro
• La creatividad y la imaginación
• La supresión del miedo a sentirse juzgado (arteterapia en

grupo)
• La mejora de la autoestima
• Un aumento de la cohesión grupal (arteterapia en grupo)
• La tolerancia y la aceptación de las diferencias como algo

positivo

• La concentración
En Arte terapia el dibujo infantil es el objetivo central de la

investigación, es un sistema particular de expresión, una
manifestación plástica y un medio de comunicación. Mediante estas
técnicas los niños en edades comprendidas entre los 4 y 11 años
pueden expresar mejor sus conflictos internos, constituyen un
índice revelador de aspectos de su personalidad en desarrollo y de
su vida psíquica, tales como la memoria, la inteligencia, la
invención, los conocimientos que tienen del mundo que los rodea,
los sueños, los miedos, los deseos.
I. MARCO TEÓRICO
DEFINICIONES DE ARTE TERAPIA
Arte terapia es definida como una profesión en el área de la

salud mental que usa el proceso creativo para mejorar y realzar el
bienestar físico, mental y emocional de individuos de todas las
edades. Se basa en la creencia de que el proceso creativo ayuda a
resolver conflictos y problemas, desarrolla habilidades
interpersonales, manejo de la conducta, reduce el stress, aumenta
la autoestima y la auto conciencia y se logra la introspección.
El arte terapia es definido por los Terapeutas como una forma

de psicoterapia que usa el medio artístico como su forma primaria
de comunicación. Los clientes que son derivados a Arte Terapia no
necesitan experiencia previa o formación en arte, el arte terapeuta
no esta llevado a hacer diagnóstico o asesoría estética de la imagen
del paciente. En definitiva se busca capacitar al cliente a efectuar
cambios y crecimientos en un nivel personal a través del uso de
materiales artísticos en un entorno protegido y facilitador.
PLÁSTICO-TERAPIA:

En las sesiones de arte terapia se utilizan medios referidos a las
categorías visuales, pintura, dibujo, escultura, collage, fotografía,
instalaciones o video, formas siempre consecuentes con el proceso
creativo. Crear con estos medios plásticos y visuales permite a los
niños comenzar a manifestar las cosas que les preocupan, que les
atormentan, entendiendo que la expresión no es una traducción de
la vida interior, sino una representación.
En las sesiones de arte terapia se procura llegar hasta el fondo

de lo que ocurre, que las niños lleguen comunicar, conocerse y
comprenderse, el o la arte terapeuta nunca interpreta las obras de
las personas, sino que les ayuda a que lo hagan ellas mismas.
Abraham Maslow decía que aconsejar o asesorar no se refiere a
adiestrar, modelar o enseñar en el sentido ordinario de decir a
alguien qué hacer y cómo hacerlo. Sino que es DESCUBRIR y
DESPUÉS AYUDAR.
DIFERENTES ORIENTACIONES, MÉTODOS Y TÉCNICAS EN ARTE

TERAPIA
El Arte Terapia abarca un amplio espectro de aplicaciones, ya sea

en las áreas De rehabilitación, educación o salud. A continuación se
analiza mayormente el espectro relacionado con la salud mental,
por ser el punto que se relaciona con el caso.
En el estudio de las diversas corrientes se encuentran dos de

considerable Importancia, la primera enfocada hacia el lado
psicoterapéutico, la segunda hacia el lado artístico. En E.E.U.U.
surgen las dos primeras representantes de estas corrientes.
Margaret Naumburg inició la primera orientación (psicoterapéutica)
al llevar a sus pacientes psicoanalíticos a dibujar y asociar
libremente. De esta manera ella encontró una forma de
comunicarse que iba más allá del puro lenguaje. Bajo este enfoque

la expresión plástica es un complemento al lenguaje verbal, que
ayuda a lograr el insight.
Por otro lado Edith Kramer se inclinó hacia el lado artístico, al darle
mayor importancia al proceso creativo y curativo del arte. Hablaba
Kramer de la sublimación artística, donde el arte permitiría una
integración de las energías canalizadas en el objeto artístico.
Ambas autoras antes mencionadas trabajaron con una orientación
psicoanalítica. Más adelante Harriet Wadeson trabajaría una
orientación existencialista donde el paciente sería responsable de sí
mismo y la terapia a través del arte sería un medio para darle
sentido a la vida. Desde la perspectiva de Wadeson no importa el
resultado sino más bien el análisis y reflexión verbal después de la
creación. En Inglaterra surgió este tipo de terapia proveniente del
lado artístico con Edward Adamson, trabajando en un hospital
Psiquiátrico en 1946. Adamson utilizó el arte y el proceso creativo
natural en el ser humano, como sanador e integrador de la
personalidad. Desde este punto de vista se le da mayor poder al
arte como sistema auto sanador. Otras corrientes observadas en
Arte Terapia son de orientación sistémica, de integración teórica,
psicoeducativa, cognitiva y conductual.
Finalmente habría que preguntarse qué tipo de sistema de trabajo

se requeriría implementar. Sobre esto existen diversos factores a
considerar previamente, tales como el tiempo de trabajo, las
necesidades del o los pacientes y los objetivos buscados. Hills
propone que al abordar la terapia, se debería tener en cuenta tres
aspectos; el tipo de población con el que se trabaja, el contexto y
las habilidades de las personas, y la formación y experiencia del
terapeuta. También hay que considerar el apoyo con que cuenta el
terapeuta (supervisión, equipo multidisciplinario), la contención y
apoyo de las personas con que se trabajará (familia, inserción
laboral y social), el tipo de conocimiento disponible en el tema o
área en que se trabaja, y el tiempo disponible para el trabajo
terapéutico.

Se debe definir si se enfoca la terapia desde un punto de vista
psicoterapéutico o psicoeducativo. El enfoque psicoterapéutico se
concentra en la relación y en el desarrollo de sí mismo al promover
la autoexpresión, reflexión y relación de lo interno con lo externo.
El enfoque psicoeducativo se concentra en el aprendizaje, llevando
la terapia a la adquisición de habilidades o cambio conductas.
• Se puede hablar de tipos de intervención de acuerdo a su

profundidad. Hills describe tres niveles desarrollados por Cawley.
Estos son de sostén, intermedio y exploratorio. El primer nivel, de
sostén es también llamado de apoyo. Esta terapia es corta, no dura
más de 20 sesiones. Se centra principalmente en la autoestima, las
funciones del ego y las habilidades adaptativas. El terapeuta
buscará reducir la ansiedad y la frustración que surjan en el
proceso.
• El segundo tipo de intervención es intermedio. El terapeuta puede

reconocer la contratransferencia, discriminando lo propio y lo del
paciente.
• El tercer nivel, exploratorio, los beneficios nacen de una mayor

madurez, del insight o de la resolución del conflicto intrapsíquico.
Este puede durar años.
Se puede realizar una terapia de modo directivo o no directivo. El

sistema directivo es estructurado, el terapeuta dirige la actividad
que se realizará y los materiales que se utilizarán de acuerdo a los
objetivos de la terapia o de la sesión. La terapia no directiva por su
lado permite una creación libre donde el paciente escoge los
materiales, temáticas y técnicas que usará sin una estructura
preestablecida. Dentro de estas dos técnicas encontramos matices,
como técnicas semi–directivas o cambios de directivo a no directivo
y vice versa dentro de una misma terapia.
VENTAJAS DE LA TERAPIA A TRAVÉS DEL ARTE

Marinovic plantea que la experiencia del arte tiene la particularidad
de permitir integrar diversas funciones en un todo con sentido. Las
principales ventajas mencionadas por diversos autores y que se
describen del trabajo con arte en el proceso terapéutico, fueron
resumidas por Araya, Correa y Sánchez, a continuación:
• Terapia no verbal: El trabajo con imágenes permite expresar

diversas experiencias simbólicas tales como sueños, fantasías e
imágenes del pasado, sin tener que traducirlos a palabras. En
definitiva se está creando un equivalente a las experiencias
humanas pudiendo transformar, revivir y/o reinterpretar estas.
• Proyección: El realizar un producto tangible, espontáneo, que no

persigue un
objetivo estético permite suponer que se relaciona con el mundo

interno del autor, como una proyección de su experiencia de vida.
Se daría objetivación de la realidad al ser la expresión artística un
nexo entre el individuo y su experiencia interna.
• Catarsis: En el proceso de expresión plástica se estimula la

liberación intensa de emociones previamente contenidas. De esta
manera se ayuda a abordar situaciones conflictivas sin
experimentar demasiada ansiedad.
• Integración de opuestos: En el proceso creativo se expresan

polaridades del creador, lo que permitiría la integración de estas.
• Disminución de las defensas: El arte es un medio menos utilizado

que el lenguaje y por lo tanto es menos susceptible de controlar, de
esta manera salen a relucir cosas inesperadas.
• Integración del mundo interno y externo: El creador debe

relacionar sus sentimientos e impulsos internos con las impresiones
externas, de esta manera estaría ordenándose y descubriéndose a
sí mismo y a su entorno desde una perspectiva diferente y
novedosa.

• Permanencia: La obra creada conlleva una experiencia, es por
esto que se puede revivir los sentimientos que se tuvieron al
crearla, con solo mirar la obra.
• Prototipo de un funcionamiento sano: Con la expresión plástica se

promueve un comportamiento sano que estimula la expresión de
sentimientos, la disminución de las defensas rígidas, la integración
de la realidad interna y externa, etc. De esta manera, lo logrado en
la terapia se puede extender a otras áreas en la vida del paciente.
• Experiencia gratificante: La experiencia creativa es gratificante en

sí, lo que lleva al paciente a motivarse con el proceso terapéutico.
VENTAJAS DEL ARTE TERAPIA Y PSICOLOGÍA
A continuación se hace un breve análisis desde una perspectiva

psicológica, de las ventajas del Arte Terapia mencionadas
anteriormente, para lo cual se cita a autores de diversas corrientes.
Terapia no verbal: Plantean que el lenguaje verbal ha adquirido un

estatus exagerado en psicoterapia. Desde una visión gestáltica la
expresión verbal o no verbal es un potencial creativo natural en
todas las personas. En el proceso de “darse cuenta”, el cliente
encuentra sus propias interpretaciones y sentidos en sus
creaciones. En la teoría de los hemisferios, se plantea que las
primeras experiencias de vida son codificadas en imágenes. De esta
manera la expresión verbal no puede dar un significado preciso a
algo que inicialmente no era verbal. Por otro lado la comunicación
no verbal es vista por Kalawski (1983), como una metáfora que
permitiría una interacción entre lenguajes. Se avalaría su uso
terapéutico, porque permite expresar en forma sencilla lo complejo,
comunicar los aspectos paradójicos de la vida y todo esto mediante
el uso de recursos desconocidos, con su sabiduría organísmica
propia. Milner, psicoanalista británica, propone que el arte es un
método para reproducir los estados mentales que en la infancia
fueron una experiencia natural, de esta manera el símbolo es una

fase esencial y reiterada en una relación saludable y creativa hacia
el mundo.
Proyección: Es definida por Dorsch como el desplazar hacia el

exterior procesos interiores, al experimentar o vivenciar cualidades
subjetivas, que serían vistas como algo exterior. Por otro lado la
Gestalt define la proyección como el desplazamiento inconsciente
de sentimientos, impulsos instintivos, culpas y otros hacia
situaciones u objetos distintos. Según Araya, Correa y Sánchez el
crear un trabajo plástico sin perseguir fines estéticos y de manera
espontánea; hace suponer que se relaciona con el mundo interno
del creador, como una proyección de su experiencia vital. Zinker
(1978) plantea que la obra plástica permite transformar la creación
plástica en una creación patológica. Este autor agrega que el
proyector creativo usa la energía de su problema o conflicto para
profundizar en la comprensión de sí mismo y activar sus relaciones
con los demás.
Catarsis: Dice Dorsch que el concepto proviene de la poética de

Aristóteles. Durante la experiencia estética las emociones son
excitadas, exacerbadas y de esta manera “purgadas” o eliminadas.
Breuer y Freud hablan de una “purga” de la mente, para liberarla
de lo que actúa como un estorbo o causa de perturbación. Según
Araya, Correa y Sánchez, la catarsis se daría cuando alguien se
abstrae de la realidad concreta y actual, creando una situación
“como sí” fuese real. Con ello estaría aliviando sus temores y
culpas. La capacidad de realizar actividades “como si” estaría dada
por el uso de la fantasía y de las imágenes. El arte posee de esta
manera una cualidad catártica.
Disminución de las defensas: Según Dorsch defensa se define en

psicología como una de las fuerzas instintivas fundamentales en la
relación con el mundo exterior como respuesta a lo que se
experimenta como amenaza o activamente como ataque, lucha o
conflicto. Se encuentra siempre en los distintos tipos de conducta y
de excitación. El arte, al ser un medio de expresión menos familiar,
puede llevar a que surjan elementos inesperados, contrarios a la

intención del creador. Ulman (1975) y Wadeson (1980) coinciden en
afirmar que esto acelera el proceso terapéutico, porque permitiría
reconocimientos inesperados, que suelen conducir al insight, al
aprendizaje y al crecimiento.
Integración del mundo interno y externo: La actividad artística

permite extraer orden del caos. El paciente realiza en este proceso
una síntesis entre los sentimientos, impulsos internos y las
impresiones externas. En el proceso creativo podrá descubrirse a sí
mismo y al mundo externo desde una perspectiva diferente,
estableciendo una relación entre estos. (Kramer, 1974).
El proceso de la integración de polaridades es tratado en la

psicología Junguiana. Al ser la expresión plástica un lenguaje
simbólico, de menor control consciente, permite acceder a
contenidos tanto del inconsciente personal como colectivo. Esto
facilita el reconocimiento de la sombra o de aquellos aspectos que
la conciencia ha dejado de lado.
Prototipo de un funcionamiento sano: Araya, Correa y Sánchez

citan a Kramer (1974), la cual señalaría que gracias al carácter
simbólico de la expresión plástica, se pueden expresar y enfrentar
conflictos y tensiones antes de que se esté preparado para hablar
de ellos. De esta manera, al poder enfrentar y elaborar esto en el
aspecto simbólico, se fortalece el yo, disminuye la ansiedad y se
promueve una maduración psíquica general.
Experiencia gratificante: Para Kramer (1974) y Ulman (1975) el

arte es una experiencia gratificante, que se relaciona con la
posibilidad de expresar deseos y fantasías, de construir un mundo
simbólico en que cada parte refleja al creador con su gratificación
narcisista.
LA AUTOESTIMA RELACIONADA CON LA EXPRESIÓN Y EL SÍ MISMO

EN
EL ARTE-TERAPIA

A continuación se extraen comentarios de diversos autores, donde
se relaciona la expresión artística con el conocimiento de sí mismo
y la mejora en la autoimagen o autoestima.
Dorsch define la expresión como un conjunto de manifestaciones

objetivas observables, de las que se deduce el estado anímico de la
persona. El arte, según este autor, al ser una producción de la que
se ha hecho independiente, se convierte en una expresión
objetivada. Dice Wadeson (1980) que la expresión plástica no es
verbal, ni lineal, es espacial, careciendo de reglas sintácticas y
temporales, así se logra representar relaciones y procesos
simultáneamente. Por otro lado Gardner plantea que la expresión
plástica posee una riqueza y flexibilidad que la hace propicia a la
expresión de emociones, logrando entregar una imagen más rica y
colorida de la realidad. En la expresión que se desarrolla en el Arte
Terapia existiría un mayor conocimiento del sí mismo, puesto que
existe una conexión con el mundo interno. Dorsch define el sí
mismo como una expresión que alude al hecho de que
simultáneamente el sujeto vivencial es consciente de su propia
vivencia y se convierte a sí mismo en objeto. Esta expresión de sí
mismo presentaría una trascendencia en relación a los contenidos
cambiantes de la consciencia. La expresión y comprensión personal
a través del arte sería la naturaleza de la creatividad, que se
encuentra presente en una terapia artística. Al estimular la
creatividad a través de la expresión, se estaría también
desarrollando la creación de soluciones vitales (Wadeson 1980).
Agregan diversos autores, que en el proceso de creación plástica se

estimula un mayor conocimiento de sí mismo, a través de explorar
el mundo simbólico personal y los procesos psicológicos de esta
vivencia. Rhyne Janie (1973), considera que la terapia artística
busca la expansión del darse cuenta en relación a sí mismo y su
ambiente, la expansión de sí mismo, el desarrollo de la
espontaneidad, la capacidad de goce y el asumir responsabilidad
por la propia vida. Kramer, (1974) y Malchiodi (1988) plantean que
la terapia artística entrega contención, apoyo y protección, donde el

paciente puede experimentar los cambios necesarios en su visión
de sí mismo y del mundo.
En el conocimiento de uno mismo, Rogers propone la visión positiva

que incluye el amor, el afecto y la crianza, entre otros. La imagen
positiva de sí mismo, la autoestima y la auto valía surgen de la
recompensa positiva de uno mismo. C. Rogers habla también de
una auto valía positiva condicionada, que consiste en comenzar a
quererse a uno mismo si se cumple con los estándares que otros
exigen, más que si se sigue la propia actualización de los
potenciales individuales. Como estos estándares no consideran las
necesidades individuales, va aumentando la exigencia y el
cumplimiento de estas. De esta manera puede que no se logre un
buen nivel de autoestima. Según las teorías de Rogers, las
personas poseen una tendencia actualizante, una suerte de impulso
hacia el crecimiento, salud y ajuste. La terapia más que hacer algo
al individuo, trataría de liberarlo para un crecimiento y desarrollo
adecuado. La experimentación de sentimientos reprimidos, aunque
parezcan ambivalentes, hostiles o irracionales, permite al sujeto
actualizar su experiencia, ser "él mismo" y modificar el auto
concepto distorsionado que estaba manteniendo hasta el momento.
RESILIENCIA
Marinovic dice que las artes visuales usadas en arte terapia

permiten reforzar el sentido de control y de autoestima,
gratificando la necesidad de perdurar entre otras cosas. Estos
elementos permitirían detectar los mecanismos que el paciente ha
usado para adaptarse y funcionar en la vida. Es por eso que cabría
detenerse en aquellos aspectos del paciente reflejados en la terapia
artística, que muestran elementos resilientes de la conducta previa
o actual.
La resiliencia es definida como la habilidad para surgir de la

adversidad, adaptarse, recuperarse y acceder a una vida
significativa y productiva. Otras definiciones que se dan de

resiliencia aducen a las personas que a pesar de vivir en situaciones
de adversidad, se desarrollan sanos y exitosos, y reaccionan
positivamente frente a la adversidad. La resiliencia sería la
capacidad humana de hacer frente a las adversidades, superarlas y
salir de ellas fortalecido. Kotliarenco dice que en el estudio de
personas resilientes se ha visto que existen factores protectores y
factores de vulnerabilidad que se presentan como opuestos
incidiendo en la capacidad de cambiar la reacción que tienen las
personas frente a situaciones de riesgo. La vulnerabilidad implicaría
la intensificación de la reacción frente a estímulos, lo que conlleva a
la desadaptación; en cambio, el factor protector es atenuante
frente a estos estímulos, la capacidad humana de hacer frente a las
adversidades, superarlas y salir de ellas fortalecido. Boris Cyrulnik
agrega que todos podrían hacerse resilientes, pues se trata de
volver a unir, dentro de lo posible, las partes de la personalidad que
fueron destrozadas por el trauma. Pero la sutura no es perfecta y el
destrozo deja rastros. Para volverse resiliente, es necesario
encontrar cómo se impregnaron dentro de la memoria los recursos
internos, cuál es el significado del trauma para uno, y cómo nuestra
familia, nuestros amigos y nuestra cultura colocan alrededor del
herido recursos externos que le permitirán retomar un tipo de
desarrollo.
Al hablar de resiliencia es inevitable encontrarse con el tema de la

competencia, ya sea mirado desde el punto de vista de cómo se
solucionan los problemas o explicando las causas de un buen
desarrollo. Kotliarenco dice que los estudios de competencia se
encuentran bien encaminados, porque analizan los elementos que
definen las influencias de las relaciones sociales e individuales. Se
asocia el concepto de resiliencia con el de robustez, que es
considerada como una característica de la personalidad que
refuerza la tolerancia al estrés. La robustez se caracteriza por
mostrar un conjunto de rasgos personales de carácter adaptativo
que se muestran en situaciones complejas estos son: sentido de
desafío, compromiso, oportunidad y sensación de control sobre la
situación personal. Frente a una situación de estrés, la robustez se

observaría en cómo reacciona la persona y su manera de ver estos
sucesos en su vida de manera subjetiva.
Vulnerabilidad con respecto a los factores de estrés se relaciona con

la susceptibilidad del sujeto a sufrir las consecuencias de este.
Según Kotliarenco, Cáceres y Fontecilla, la vulnerabilidad estaría
ligada al significado individual que cobra un evento estresor a cada
persona, influyendo sus capacidades cognitivas y emocionales. Es
por esto que un mismo evento puede ser tomado como un factor
protector o de riesgo dependiendo del sujeto. Dice Rutter que la
vulnerabilidad y los factores de protección se definen por la
capacidad de los sujetos de cambiar su reacción frente a
situaciones de riesgo. En este sentido la vulnerabilidad implica la
intensidad de reacción frente a un estímulo y los mecanismos
protectores involucran la atenuación de esa reacción. De esta
manera si aumenta la tolerancia ante los factores negativos del
estrés, disminuye la vulnerabilidad. Pasando a otro plano de la
resiliencia se puede encontrar diversos elementos relacionados
como características propias de la resiliencia. El “mandala de
resiliencia”, rescatado por Kotliarenco y elaborado por Wolin y Wolin
(1993), resume algunos de estos elementos mencionados. Estas
características son: Introspección (insight), independencia,
capacidad de relacionarse, iniciativa, humor, creatividad y
moralidad.
Por su lado Kotliarenco menciona como elementos que promueven

la resiliencia:
- Características del temperamento que contendría un nivel de

actividad adecuado, capacidad reflexiva, responsividad frente a
otras personas.
- Capacidad intelectual
- Naturaleza de la familia, incluyendo este punto la cohesión, la

ternura y preocupación.
- Apoyo externo.

Ferguson y Llynskey hablan de factores protectores en ambientes
de alto riesgo.
Entre estos se encuentra la inteligencia y la habilidad para resolver

problemas, desarrollo y vínculos afectivos externos, apego parental,
pertenencia al género femenino, temperamento, conducta y
relación con los pares.
ARTE TERAPIA Y CREATIVIDAD
Lo más importante no es la definición de creatividad, sino saber

vivirla, saber sentirla, saber enseñarla. La creatividad debe estar
presente en todas las facetas de nuestras vidas, aún las que
creamos menores, es un estilo de vida. Promover la creatividad
implica crear una atmósfera que promueva las capacidades de
libertad individual, que haga posible que las personas construyan
sus propios modelos de reconocimiento.
A pesar de lo que dice Howard Gardner que no se puede decir que

un hombre o una mujer son creativos, sino que son creativos en X
cosa, “ya sea en escribir, en enseñar o dirigir una organización. La
gente es creativa en algo”. Debemos enfrentarnos con creatividad a
las distintas situaciones de nuestro vivir cotidiano.
LA EDUCACIÓN ARTÍSTICA DEL NIÑO
¿Qué es el arte? El ARTE es una actividad dinámica y unificadora,

con un rol potencialmente vital en la educación de nuestros niños.
Su objetivo no debe ser el desarrollo de la capacidad creadora del
maestro, sino la de los niños.
Uno de los componentes básicos de una experiencia artística

creadora es la relación entre el artista y el ambiente. Por lo tanto,
el desarrollo mental del niño, depende de una rica y variada
relación entre el niño y el ambiente, esta relación es un ingrediente
básico para llevar a cabo una experiencia de creación artística.

El hombre aprende a través de los sentidos. La capacidad de ver,
sentir, oír, oler y gustar proporciona los medios para establecer una
interacción del hombre y el medio. El desarrollo de la sensibilidad
perceptiva debería, pues convertirse en una de las partes más
importantes del proceso educativo. En un sistema educacional bien
equilibrado se debe acentuar la importancia del desarrollo integral
de cada individuo, con el fin de que su capacidad creadora potencial
pueda perfeccionarse.
Significado del arte para los niños.
Para los niños, el arte es un medio de expresión, un lenguaje del

pensamiento. Un niño expresa sus pensamientos, sus sentimientos
y sus intereses en los dibujos y pinturas que realiza. Su expresión
tiene para él tanta importancia como para el adulto la creación
artística. El maestro debe reconocer que sus propias experiencias
acerca del aprendizaje no le sirven al niño, pues lo que importa en
el proceso educacional es el aprendizaje del niño.
Autoidentificación y autoexpresión.
No hay expresión artística posible sin la autoidentificación con la

experiencia expresada, así como con el material artístico utilizado
para ese fin. Este es uno de los factores fundamentales de
cualquier expresión creadora. Es la verdadera expresión del yo.
Puesto que las experiencias cambian con el desarrollo, la
autoidentificación abarca los cambios sociales, intelectuales,
emocionales y psicológicos que se operan en el niño.
También se presenta la necesidad de identificarse con otros. Y sólo

a través de la identificación con nosotros mismos podremos llegar a
identificarnos con otros.
En la construcción de formas, la autoexpresión encuentra una salida

que refleja los sentimientos, emociones y pensamientos de un
individuo, en el nivel de su propio desarrollo. Lo que importa es el
modo de expresión, no el contenido.

El niño desde muy pequeño se expresa libremente mediante el
balbuceo o el llanto. Este puede ser un medio más auténtico de
autoexpresión que una forma superior de arte si el trabajo artístico
está supeditado a otros, o si se basa en imitaciones de una escena
o un contenido que no tienen relación con el autor de la obra.
Existe una gran satisfacción en poder expresar los propios

sentimientos y emociones en el arte. Incluso los niños muy
pequeños, que no saben nada acerca de las dificultades técnicas del
manejo del lápiz, pueden sentir una enorme satisfacción al hacer un
garabato con un lápiz blando.
El niño que imita puede convertirse en un ser dependiente en

cuanto a sus pensamientos y llegar a subordinar sus ideas y su
expresión a las de otros. Puesto que imita no puede dar expresión a
sus pensamientos y su dependencia de otros puede conducirlo a la
frustración.
El arte como elemento importante en la sociedad.
El arte se considera como la forma más elevada de la expresión

humana. O también hay quien lo considera como un reflejo de la
sociedad dentro de la cual surge.
El sentido del arte se ha considerado, generalmente, como algo con

lo cual se nace, algo que surge intuitivamente de la sensibilidad
individual. Por eso hay discrepancias sobre si el arte puede
enseñarse. Hay quienes piensan que es algo tan vital para nuestra
sociedad que debemos comenzar desde muy temprano en nuestro
sistema de educación a "enseñar" buen gusto y a desarrollar el
hábito de seleccionar cuidadosamente los objetos de nuestro
ambiente. Pero lo que es evidente es que el individuo es libre de
rechazar o aceptar, de formular sus propias opiniones y de abrir
nuevos caminos, pero no debe tener libertad de convertirse en un
espectador pasivo dentro de nuestra sociedad.
El arte puede desempeñar un papel significativo en el desarrollo

infantil. El niño que toma conciencia de sí mismo y del ambiente

que lo rodea, es el que se convierte en el centro de la enseñanza.
La educación artística puede proporcionar la oportunidad para
incrementar la capacidad de acción, la experiencia, la redefinición y
la estabilidad que son imprescindibles en una sociedad llena de
cambios, tensiones e incertidumbres.
• COMPRENSIÓN DEL DESARROLLO
La figura que un niño dibuja o pinta es mucho más que unos

cuantos trazos en un papel. Cada dibujo es una expresión que
refleja los sentimientos, la capacidad intelectual, el desarrollo físico,
la aptitud perceptiva, el factor creador implícito, el gusto estético, e
incluso el desarrollo social del niño. En los dibujos también se
refleja las transformaciones que sufre el niño a medida que crece y
se desarrolla. Para comprender y valorar mejor la importancia de
esos cambios debe comprenderse el significado de los diferentes
factores que componen el desarrollo.
Desarrollo emocional o afectivo - Un dibujo puede ser una

oportunidad para que el niño se desarrolle emocionalmente, lo cual
está en relación directa con la intensidad con la que se relacione
con su trabajo. Los grados de autoidentificación varían desde un
bajo nivel de compenetración, con repeticiones estereotipadas,
hasta un alto nivel donde el creador se entrega totalmente a la
tarea de representar cosas que son significativas e importantes
para él, y donde él mismo aparece en el dibujo, especialmente los
niños pequeños.
Las frecuentes repeticiones estereotipadas se encuentran

generalmente sólo en los dibujos de niños que han desarrollado
modelos rígidos en su pensamiento. Estas repeticiones expresan un
tipo inferior de estado afectivo. Es lamentable que a veces los
adultos estimulen esta forma de expresión pidiendo a los niños que
copien o tracen formas sin sentido. Un niño que se acostumbre a
depender de tales moldes, que ejecute bien esas copias, y que
llegue a recibir elogios del maestro por su trabajo, puede perder la
confianza en sus propios medios de expresión y recurrir a las

repeticiones estereotipadas como un mecanismo de evasión. Tal
actividad mecánica e irreflexiva no tiene cabida en ARTE.
Un niño incapaz de responder afectivamente puede expresar el

aislamiento de sus sentimientos no incluyendo nada personal en su
trabajo de creación. Se sentirá satisfecho con una representación
meramente objetiva, como por ejemplo: "esto es un árbol". No
introduce nada que indique su relación con estos objetos. Este tipo
"inafectivo" de expresión artística se encuentra en cualquier edad.
Con la inclusión directa del yo, el niño participa realmente en su

dibujo y se identifica con él. La experiencia artística es realmente
suya, y la intensidad de su compenetración proporciona un factor
de desarrollo emocional o afectivo.
Desarrollo intelectual - El desarrollo intelectual se aprecia

generalmente en la forma de conciencia progresiva que el niño
tiene de sí mismo y de su ambiente. El conocimiento que revela el
niño cuando dibuja indica su nivel intelectual.
Una forma muy conocida de medir la madurez mental es el "test del

dibujo del hombre", en el que se pide al niño que dibuje un hombre
lo mejor que pueda. Por lo general, un dibujo rico en detalles
subjetivos proviene de un niño con elevada capacidad intelectual.
Esto no quiere decir que cualquiera sea capaz de estimar las
aptitudes intelectuales de un niño con sólo mirar sus dibujos, pero
un maestro sensible puede penetrar y comprender problemas que
el propio niño está muy lejos de advertir. Al mismo tiempo, ayudar
a estos niños a que desarrollen una relación sensorial con sus
dibujos puede ser muy beneficioso para estimular la toma de
conciencia de las diferencias existentes en el ambiente, lo que
puede contribuir al desarrollo intelectual de la criatura.
Es muy importante que se pueda mantener un equilibrio apropiado

entre el desarrollo emocional o afectivo y el intelectual. El arte
puede realizar esta función a través de motivaciones apropiadas.

Desarrollo físico - En el trabajo creador de un niño se revela su
desarrollo físico por su habilidad para la coordinación visual y
motriz, por la manera en que controla su cuerpo, guía su grafismo
y ejecuta ciertos trabajos. Las variaciones en el desarrollo físico
pueden observarse muy fácilmente en el niño que garabatea,
cuando los trazos en el papel cambian de unas pocas marcas
indefinidas a un garabateo controlado; dentro de un lapso
relativamente corto. También la exageración o la omisión reiteradas
de ciertas partes del cuerpo pueden vincularse con el desarrollo
físico del individuo.
Desarrollo perceptivo - En el terreno de la actividad creadora, el

desarrollo perceptivo creciente puede advertirse en la toma de
conciencia progresiva del niño y en la utilización de toda una
variedad de experiencias perceptivas.
Las primeras etapas del desarrollo indican simplemente goce y

reconocimiento del color, mientras que en niveles más avanzados
ya es posible estimular relaciones de color siempre variables, con
diferente iluminación y en distintas condiciones atmosféricas. El
desarrollo perceptivo comprende también el complejo campo de la
percepción espacial. Un niño pequeño conoce y comprende el
espacio inmediato, aquel que tiene un cierto significado para él. A
medida que crece, el espacio que lo rodea se extiende y cambia la
forma en que lo percibe.
Los niños que se muestran indiferentes ante las variaciones de

color, las diferencias en las formas, la apreciación de la suavidad o
la aspereza y la sensibilidad a la luz y a la oscuridad, pueden estar
bloqueados por muy diversas razones.
Las experiencias auditivas se incluyen a veces en la expresión

artística, variando desde el simple conocimiento de sonidos y su
inclusión en los dibujos, hasta las reacciones sensoriales a las
experiencias musicales transformadas en expresiones artísticas.
Desarrollo social - El desarrollo social de los niños puede apreciarse

fácilmente en sus esfuerzos creadores. Los dibujos y las pinturas

reflejan el grado de identificación que el niño tiene con sus propias
experiencias y con las de otros. Los niños muy pequeños comienzan
a incluir algunas personas en sus dibujos tan pronto abandonan la
etapa del garabateo.
El proceso artístico en sí proporciona un medio para el desarrollo

social. El arte se ha considerado, primordialmente, como un medio
de expresión, y como tal se convierte más en una expresión social
que en una personal. Dibujar un bombero, una enfermera
atendiendo a pacientes en un hospital o un agente de policía dando
indicaciones, evidencian un cierto grado de conciencia social.
Para los niños mayores, el arte de otras culturas es un medio de

apreciar y comprender otras sociedades o pueblos, y de que los
valores de una generación influyan de alguna manera sobre la
siguiente. Si se examinan los dibujos de los niños de distintas
sociedades, se puede descubrir los valores de los grupos, a través
de las representaciones del ser humano que hacen esos niños.
Desarrollo estético - La estética puede definirse como el medio de

organizar el pensamiento, los sentimientos y las percepciones en
una forma de expresión que sirva para comunicar a otros estos
pensamientos y sentimientos. Si la organización es en palabras la
llamamos prosa o poesía, si es en tonos es música, si se basa en
los movimientos del cuerpo la denominamos danza y si se logra por
medio de líneas, forma y color, la distinguimos como plástica.
La estética está íntimamente ligada con la personalidad. La falta de

organización o la disociación de partes dentro de un dibujo pueden
ser señal de falta de integración psíquica del individuo.
Desarrollo creador - El desarrollo creador comienza tan pronto

como el niño traza los primeros rasgos. Lo hace inventando sus
propias formas y poniendo algo de sí mismo, de una manera que es
únicamente suya.
Las experiencias artísticas se han considerado siempre la base de la

actividad creadora dentro de la escuela. Todo producto artístico, si

es realmente el trabajo de un niño, será una experiencia creadora
en sí misma.
El desarrollo de habilidades creadoras es esencial en nuestra

sociedad, y el dibujo del niño refleja el desarrollo de su creatividad,
tanto en el dibujo mismo como en el proceso de realizar la forma
artística.
• ETAPAS DEL DESARROLLO
Los niños dibujan en una forma predecible, atravesando etapas

bastante definidas que parten de los primeros trazos en un papel y
van progresando hasta los trabajos de la adolescencia. A veces
resulta difícil decir dónde termina una etapa y comienza la otra, es
decir, el desarrollo en el arte es continuo y las etapas son típicos
puntos intermedios en el curso del desarrollo. No todos los niños
pasan de una etapa a otra en la misma época. Sin embargo,
excepto para el caso de los niños con deficiencias o el de los
superdotados, estas etapas se suceden ordenadamente, una
después de otra, y la descripción de cada una es un elemento
valioso para comprender las características del niño y su capacidad
artística en un momento determinado.
Etapa del garabateo o del garabato. - Esta etapa dura,

normalmente, desde los 2 a los 4 años. El niño comienza a dibujar
haciendo trazos desordenados en un papel. Estos trazos hechos al
azar se van organizando y controlando con el tiempo, pero sólo a
los 4 años el niño logra dibujar objetos reconocibles. También los
garabatos sufren varios estadios o etapas de desarrollo, desde los
trazos totalmente desordenados y al azar hasta los garabatos
organizados.
Etapa preesquemática. - Comienza, generalmente, alrededor de los

4 años y dura hasta los 7, aproximadamente. El niño realiza el
típico dibujo de un hombre que sólo tiene cabeza y pies, y
comienza a dibujar una cantidad de otros objetos de su ambiente
con los que ha tenido contacto. Estos dibujos suelen aparecer sin
orden alguno y pueden variar de tamaño considerablemente.

Etapa esquemática. - Se inicia alrededor de los 7 años y se
extiende hasta los 9, más o menos. Por regla general repite, una y
otra vez, el esquema que ha utilizado para representar un hombre.
Sin embargo, al contrario que en la etapa anterior en los dibujos
aparece un cierto orden. El niño dispone los objetos o personas que
está dibujando en línea recta, al pie del papel y según el ancho del
mismo. Estos trabajos suelen ser bastante decorativos.
Etapa de naciente realismo. - Dura desde los 9 años hasta los 12.
Sus dibujos son más detallados que antes y ya no están colocados
en fila a lo ancho del papel. El niño se interesa mucho más por los
detalles y ya no hace los dibujos grandes y francos que ejecutaba
cuando era más pequeño. A partir de esta etapa el niño no está tan
ansioso por mostrar sus dibujos y explicarlos, sino que los oculta de
la observación de los adultos.
Etapa pseudonaturalista (o etapa del razonamiento). - Entre los 11

y los 12 años el niño toma rápidamente mayor conciencia del
ambiente que lo rodea y empieza a preocuparse por cosas tales
como las proporciones y la profundidad en los dibujos. El dibujo de
la figura humana presenta muchos detalles, también se aprecian
más las diferencias y gradaciones del color. Esta etapa es el fin del
arte como actividad espontánea y dura hasta los 14 años,
aproximadamente.
Período de la decisión.- A partir de los 14 años, más o menos, los

niños desarrollan un conocimiento consciente del arte. Hasta cierto
punto, el desarrollo natural de un joven no se extiende más allá de
esta etapa, pero puede ir adquiriendo conscientemente un
perfeccionamiento de las técnicas artísticas.
Aparentemente, estas etapas o estadios del desarrollo se adaptan a

todos los niños y en cualquier parte. Esto es exacto en las etapas
iniciales de representación, antes de que la cultura influya al niño
en su desarrollo artístico. Lo que dibuje diferirá, de acuerdo con el
ambiente en el que se encuentre y el medio de que se valga para
dibujar, pero todos los niños garabatean hasta la edad de cuatro

años; el período de los primeros intentos de representación
continuará hasta los 6 ó 7 años, independientemente de donde se
encuentre el niño.
ETAPA DEL GARABATEO
La importancia de la primera infancia
Los primeros años de vida son probablemente los más cruciales en

el desarrollo de una criatura. El arte puede contribuir enormemente
a este desarrollo, pues el aprendizaje tiene lugar en la interacción
del niño y el ambiente. El arte comienza para el niño cuando sus
sentidos tienen el primer contacto con el medio y reacciona ante
esas experiencias sensoriales. Cualquier forma de percibir y de
reaccionar frente al medio es una base para la producción de
formas artísticas, ya sea en el nivel de un niño o en el de un artista
profesional.
El primer registro permanente de un niño, por lo general, toma la

forma de un garabato alrededor de los 18 meses de edad. El primer
trazo es un paso muy importante en su desarrollo, pues es el
comienzo de la expresión que no solamente lo va a conducir al
dibujo y a la pintura, sino también a la palabra escrita. La forma en
que estos primeros trazos sean recibidos puede influir mucho en su
desarrollo progresivo. La atención que se les preste puede ser la
causa de que el niño desarrolle actitudes, cuando comience su
escolaridad formal.
El desarrollo del garabateo
Los garabatos tienden a seguir un orden bastante predecible.

Comienzan con trazos desordenados en un papel y gradualmente
evolucionan hasta convertirse en dibujos con cierto contenido
reconocible para los adultos. En términos generales, los garabatos
se clasifican en tres niveles o categorías principales: garabatos
desordenados, controlados y con nombre.
• garabato desordenado- Los primeros trazos, generalmente no

tienen sentido, variando del longitud y dirección. A menudo, el niño

mira hacia otro lado mientras hace estos trazos y continúa
garabateando. Puesto que los niños en la edad del garabateo no
han desarrollado un control muscular preciso, generalmente sólo
pueden repetir los movimientos más amplios.
Los garabatos tienen, en gran medida, como base, el desarrollo

físico y psicológico del niño, y no una intención de representar algo.
Es muy importante que el niño tenga oportunidad de garabatear, y
que el adulto se interese por lo que el niño está haciendo, pues él
debe sentir que este camino de comunicación es bien mirado o
aceptado por los adultos.
A los 2 años, generalmente, la actividad del garabateo ha

comenzado a ser un medio real de expresión, uno de los primeros,
después del llanto. Parece inequívoco que el garabateo es una parte
natural del desarrollo total de los niños, que refleja su evolución
psicológica y fisiológica.
• garabato controlado- Unos seis meses después de comenzar a

garabatear, el niño descubrirá que hay una vinculación entre sus
movimientos y los trazos que ejecuta en el papel. Es un paso muy
importante, pues el niño ha descubierto el control visual sobre los
trazos que ejecuta.
La mayoría de los niños en esta etapa garabatean con gran

entusiasmo, puesto que la coordinación entre su desarrollo visual y
motor es una conquista muy importante. Esto estimula al niño y lo
induce a variar sus movimientos. Muy raramente realiza puntos o
pequeños trazos repetidos, porque esto requiere que el niño levante
el lápiz del papel. Ahora, los trazos del niño serán casi el doble de
largos y, a veces, intentará usar diferentes colores.
Alrededor de los tres años ya se aproxima a la forma de tomar el

lápiz que tiene el adulto, puede copiar un círculo, pero no un
cuadrado. Los garabatos comienzan a ser mucho más elaborados.
• garabato con nombre- El niño alrededor de los 3 años y medio,

comienza a dar nombre a sus garabatos: "Esta es mamá", "este soy

yo"... Esto es un indicio de que el pensamiento del niño ha
cambiado, ahora dibuja con intención, aunque los dibujos en sí no
hayan cambiado mucho. Lo importante es que los garabatos o
líneas que los adultos pueden considerar sin sentido alguno, tienen
en cambio un significado real para el niño que los está dibujando.
El significado del color
El color desempeña un papel secundario en la etapa del garabateo.

Esto es evidente, en especial, durante los dos primeros niveles,
cuando el niño está adquiriendo su coordinación motriz. El lápiz
negro sobre el papel blanco, o la tiza blanca sobre la pizarra negra
resultan preferibles a cualquier otra combinación de colores que
pueden no dar los fuertes contrastes deseados.
Sólo cuando el niño entra en la etapa de dar nombre a sus

garabatos desea realmente emplear diferentes colores para
distintos significados. Una de las primeras etapas en el proceso de
la percepción del color es, simplemente, la de distinguir entre
colores diferentes. Esto no significa que el niño sea capaz de
nombrar los colores, sino que debe tener la oportunidad de poder
realizar cierta elección en el color.
Los cambios de color pueden a veces ser significativos para la

asignación de nombres a los dibujos, pues los colores pueden tener
algún significado para el niño. Sin embargo, es de primordial
importancia en las etapas del garabateo que el niño tenga primero
oportunidad de crear líneas y formas, de desarrollar el dominio de
la coordinación y de comenzar sus primeras relaciones pictóricas
con el ambiente.
El medio y el proceso de desarrollo
Se ha demostrado que aun durante los primeros meses de vida, los

niños expuestos a un ambiente visualmente rico se desarrollan más
rápidamente que aquellos que no tienen nada interesante en lo cual
puedan concentrar su atención, tales como juguetes móviles
colgados sobre la cuna.

Hay una relación directa entre cómo ensaya el niño su garabateo y
cómo se relaciona con el resto de su ambiente. Sus garabatos con
lápiz, pintura o arcilla presentan el mismo tipo de características
que manifiesta el niño en otras situaciones. Por ejemplo, un niño
que ha perdido su capacidad para adaptarse a situaciones nuevas
tiende a garabatear con repeticiones estereotipadas.
El garabateo como un reflejo del desarrollo
El proceso de desarrollo es continuo pero no uniforme. Así como

encontramos grandes diferencias individuales en el crecimiento,
también las hallamos en el garabateo de los niños, que se puede
considerar como un reflejo del desarrollo físico y afectivo del niño.
Los primeros garabatos registran una actividad kinestésica y, en

ellos, las líneas aparecen hechas al azar o repetidas como para
dominar un trazo particular. Poco a poco, el adulto adiestrado para
ello puede percibir cambios cuando el niño comienza a hacer una o
varias figuras cerradas reunidas en configuraciones complejas. Esto
significa que los conceptos del niño más allá del yo no se han
desarrollado por entero y que no tiene una completa integración
visomotriz.
Los niños muy pequeños captan primeramente la dimensión

vertical, para luego reconocer la horizontal y, sólo en último lugar,
comprenden la dimensión diagonal. Los niños que garabatean no
son capaces de copiar una diagonal, pues ésta es una tarea que la
mayoría de los niños sólo pueden realizar después de los cinco
años.
Como promedio se puede decir que el niño comienza a garabatear a

los 2 años y continúa haciéndolo hasta que tiene 4 más o menos. Y
puesto que el garabateo es un reflejo del desarrollo total del niño,
tendremos en él un indicio del progreso intelectual de la criatura,
particularmente en un momento en que los tests comunes de
inteligencia no pueden aplicarse. Por consiguiente un niño que a los

6 años siga en la etapa del garabateo no será capaz de actuar en el
nivel que normalmente se considera propio de los niños de su edad.
Motivación artística
Lo más importante en todas las etapas del garabateo es la

comprensión y el aliento del adulto. En las primeras etapas, por lo
general, no es necesaria ninguna motivación, salvo la de proveer al
niño de los materiales apropiados y animarlo para que siga
adelante con su actividad. El trabajo del niño nunca debe
interrumpirse, él mismo será quien decida cuándo se ha
completado su obra.
Cuando el niño pasa al garabato con nombre debe ser estimulado,

no en el sentido de perfeccionar sus dibujos, sino de manera que
tome mejor conciencia de lo que dibuja. El propósito es alentar el
pensamiento imaginativo.
Materiales artísticos
Los materiales usados por los niños deben ajustarse a sus

necesidades. Si durante la época del garabateo lo que el niño
necesita practicar y experimentar son sensaciones kinestésicas, los
materiales deben estimular la expresión espontánea sin que su uso
suponga dificultades técnicas. Por ejemplo, en vez de usar un
lapicero común que se quiebra con dificultad se recomienda una
barra tipo pastel (crayon), lápices de fibra o tiza blanca sobre la
pizarra.
La arcilla es también un material excelente para esta edad. El

manejo de un material tridimensional le permite al niño utilizar los
dedos y los músculos en forma diferente. Golpear y amasar la
arcilla, sin ningún propósito aparente, es una etapa paralela al
garabateo desordenado. La fabricación de objetos indeterminados
equivale al garabateo controlado.
El uso ocasional de materiales para "collage" es conveniente para el

niño en la época del garabateo, ofreciéndole la oportunidad de
familiarizarse con el color y la textura.

ETAPAS DEL DESARROLLO DURANTE LA ESCUELA PRIMARIA
ETAPA PREESQUEMÁTICA (DE 4 A 7 AÑOS)
La importancia de la etapa preesquemática.
Cuando el niño empieza crea conscientemente ciertas formas que

tienen alguna relación con el mundo que le rodea, comienza la
etapa preesquemática. Esta etapa surge directamente de los
últimos períodos del garabateo y es el comienzo de la comunicación
gráfica. Los trazos y garabatos van perdiendo cada vez más su
relación con los movimientos corporales, ahora son controlados y se
refieren a objetos visuales. El niño trata de establecer una relación
entre él y lo que intenta representar.
Generalmente, hacia los 4 años el niño hace formas reconocibles y

hacia los 5 se puede observar, casi siempre, personas, casas,
árboles... Alrededor de los 6 las figuras han evolucionado hasta
constituir dibujos claramente distinguibles y con un tema.
Características de los dibujos preesquemáticos
Los dibujos de los niños de esta edad se pueden considerar como el

resultado de la evolución de un conjunto indefinido de líneas hacia
una configuración representativa definida. Los movimientos
circulares y longitudinales evolucionan hasta formas reconocibles.
Generalmente, el primer símbolo logrado es un hombre, dibujado
típicamente con un círculo por cabeza y dos líneas verticales que
representan las piernas. Aunque no hay ninguna duda de que los
niños saben mucho más sobre el cuerpo que lo que dibuja, pues la
mayoría de ellos sabe identificar rápidamente casi todas sus partes.
La representación del hombre, se vuelve más elaborada con la

adición de brazos que salen a ambos lados de las piernas, con el
agregado de un redondel entre ambas piernas que representa el
vientre y, en algunas ocasiones, con la inclusión del cuerpo. Y
cuando el niño alcanza los 6 años, generalmente, alcanza a trazar

un dibujo bastante elaborado de la figura humana. Y con 7 años,
habrá establecido cierto esquema.
Significado del color
En esta etapa tiene más importancia, para el niño, las formas en sí

que la relación entre el color y el objeto. Comparan los distintos
objetos por sus formas variadas, no por su color. Esto no significa
que los niños, a esta edad, no tengan conciencia del color, sino que
su habilidad para trazar formas de su propia elección domina su
pensamiento.
En los dibujos y pinturas realizados a esta edad hay normalmente

poca relación entre el color elegido para pintar un objeto y el objeto
representado: un hombre puede ser rojo, azul, verde o amarillo,
según como hayan impresionado los colores al niño. Tampoco debe
llamar la atención, si un niño elige su color favorito para pintar el
retrato de su madre, sobre todo si se siente afectivamente unido a
ella.
Significado del espacio
Los dibujos de un niño en el primer nivel de la representación

señalan un concepto de espacio muy diferente del que tiene un
adulto. El niño concibe el espacio como aquello que lo rodea, es
decir, como relacionado primordialmente con sí mismo y su propio
cuerpo. Los objetos aparecerán arriba, abajo o uno junto al otro. Él
no se ve a sí mismo en el suelo, junto a otros objetos que también
están en el suelo.
El concepto que un niño tiene de su mundo puede estar tan ligado

consigo mismo, que llegue a confundir sus propios pensamientos y
sentimientos con las cosas que le rodean. Si se cae de una silla,
siente que la silla se ha lastimado. Es casi como si él mismo fuera
la silla. Por lo tanto, se puede decir, que el niño está
emocionalmente consustanciado con sus relaciones espaciales, en
esta etapa. El tamaño de los objetos y los materiales que él
selecciona del medio ambiente, y la forma en que los ubica están,

en gran medida, condicionados por juicios de valor. Es evidente que
la forma en que un niño dibuja o representa el espacio está
íntimamente ligada con todo su proceso mental.
Desarrollo del niño en la edad preescolar
Los niños de una misma edad difieren enormemente, ya que cada

uno es el resultado de su interacción con el ambiente en el que se
han desarrollado. Sin embargo, a esta edad todos tienden a ser
curiosos, llenos de entusiasmo, inclinados a emprender tareas,
especialmente aquellas que implican manipulación de materiales,
aunque no de forma lógica.
El mundo gira alrededor del niño y su experiencia está limitada a un

contacto directo con su ambiente. El niño a esta edad preescolar
juega consigo mismo o "junto" a otros niños más que "con" ellos, y
a menudo su conversación es más bien un reflejo de su propio
pensamiento que el desarrollo de una cualidad social.
Los dibujos preesquemáticos como reflejo del desarrollo
Para el niño, el dibujo es el medio gracias al cual desarrolla

relaciones y concreta muchos pensamientos vagos que pueden ser
importantes para él, convirtiéndose en una experiencia de
aprendizaje.
Puesto que es una edad en la que hallamos gran flexibilidad y

variación en los dibujos, también nos encontramos en ella con
rápidos cambios en el modo de pensar. Observando una serie de
dibujos de un niño de 5 años es de esperar que encontremos
intentos de representaciones. Cuanto más diferenciados sean esos
intentos, más altos serán los procesos intelectuales que se han
desarrollado. En general, cuantos más detalles se encuentren en un
dibujo, mayor será la conciencia que el niño ha tomado de las cosas
que le rodean.
Uno de los indicios más importantes de esta etapa preesquemática

es la flexibilidad del niño. Un niño cuyos dibujos son simples
repeticiones del mismo símbolo, exhibirá en otros comportamientos

la tendencia a resguardarse o esconderse detrás de estereotipos
sociales. En cambio, un niño que reacciona frente a experiencias
significativas en forma afectivamente sensible demostrará esta
sensibilidad afectiva en sus trabajos artísticos. En sus dibujos
exagerará aquellos objetos o hechos en los cuales se ha visto
emocionalmente envuelto.
La percepción significa mucho más que el simple conocimiento

visual de los objetos, incluye la "intervención" de todos los
sentidos. Tan pronto como el niño establece algo más que un mero
significado de un objeto, comienza la percepción visual y el niño
empleará ahora otras líneas aparte de las simplemente
geométricas.
Motivación artística
La motivación debe hacer de la experiencia artística mucho más

que una simple actividad, debe estimular en el niño la toma de
conciencia de su ambiente y hacerle sentir que la actividad artística
es extremadamente vital y muy importante. También el maestro
debe sentir que esa es una actividad importante, ya que mientras el
adulto quede fuera de la motivación y simplemente dirija la
actividad artística, no podremos esperar que los niños se interesen.
Seguir simplemente las instrucciones de un adulto para trabajar con
ciertos materiales o incluso disponer de estos materiales y de
libertad para desplegar actividades durante un determinado período
de tiempo, puede dar resultado en el terreno de los negocios, pero
puede fracasar totalmente cuando se trata de obtener una
experiencia de aprendizaje significativa. Posiblemente, es más
importante la forma de decirle algo a un niño que lo que se le dice.
Tanto el maestro que deja pasar cualquier cosa y no le interesa lo

que el niño hace como el maestro autoritario que indica todo lo que
debe hacerse, parecen tener influencia negativa sobre el dibujo y,
por lo tanto, sobre el niño.
El período comprendido entre los 4 y los 7 años de edad es

importante en el área del desarrollo perceptivo y es probable que

esos años sean los más importantes en la vida de un niño. Parece
ser que el período entre lo 5 y los 8 años es el de más rápido
perfeccionamiento de la capacidad perceptiva analítica. En esos
años, se desarrolla la capacidad de mirar, examinar y complacerse
en una conciencia visual de las cosas del ambiente.
Uno de los mejores medios de estimular las relaciones del niño con
las cosas que lo rodean es comenzar con la función de las distintas
partes del cuerpo humano. En algunos casos, una motivación de
este tipo puede realizarse haciendo intervenir al niño activamente
en una experiencia práctica. Lo que importa es activar el
conocimiento que el niño tiene de sí mismo en su ambiente
inmediato, y desarrollar este concepto del ambiente a través de su
propio yo corporal. Cualquier motivación de este tipo debe incluir
tantos sentidos y experiencias sensoriales como sea posible, y debe
comprender al niño totalmente, con sus pensamientos, sus
sentimientos y sus percepciones.
Una motivación que se base especialmente en el recuerdo de algo

en lo cual hayan intervenido los niños, debe proporcionar la
oportunidad para que cada uno exprese sus propios sentimientos y
emociones, con su modo personal. Jamás debe censurarse la
expresión creadora del niño, sino que, por el contrario, se debe
estimular la mayor variedad posible de respuestas.
Los temas
A esta edad, es importante que cualquier tema que se proponga

esté relacionado directamente con el niño mismo. Cuanto más
entregado esté el niño a la actividad artística, más se identificará
con lo que hace y más activamente empleará los sentidos; cuanto
más suyo sea el proyecto, más significativo será para él. No basta
presentar un tema, pues el niño necesita participar del mismo y
tomar activamente conciencia de los detalles.
El desarrollo de sensibilidad respecto de las partes del propio

cuerpo es una de las consideraciones primordiales en los temas.
Pueden destacarse también las relaciones de tamaño, así como el

material artístico puede ser en sí un tema apropiado durante esta
etapa. Aunque a veces, los niños tienen el tema, y no se requiere
motivación ni estímulo para que surja.
Teniendo en cuenta que el proceso de creación tiene mucho más

significado que el producto final obtenido, se debe seleccionar el
material artístico de modo que llene las necesidades del grupo para
el cual se ha planeado el trabajo. Si se cambian constantemente los
materiales o se introducen algunos nuevos se puede llegar a
interferir en el proceso de dominar el material que es indispensable
para que el niño pueda expresar sus sentimientos, sus reacciones
sensoriales y su propio concepto intelectual sobre el medio.
Un excelente material para desarrollar la libertad de acción, en este

nivel de edad, es la témpera preparada como pintura espesa y
aplicada con un pincel de cerda sobre grandes hojas de papel
absorbente, para que no se escurra la pintura. También, pueden
usar lápices comunes, los cuales les permiten dibujar con detalles.
Y como material tridimensional, se recomienda la arcilla. Pero a
esta edad, no hay lugar para las figuras de papel recortadas.
ETAPA ESQUEMÁTICA (DE 7 A 9 AÑOS)
La importancia de la etapa esquemática
Un esquema puro o una representación esquemática pura es una

representación que no revela experiencias intencionales. Cuando el
niño representa estas experiencias, o cuando modifica el esquema
sabemos, que ha representado algo de importancia para él. El
esquema representa el concepto del niño y demuestra su
conocimiento activo de un objeto. También, puede referirse tanto al
espacio y a las personas como a los objetos.
Características de los dibujos esquemáticos
a) ESQUEMA HUMANO - Es una figura a la cual el niño ha llegado

después de mucha experimentación. Durante sus primeros intentos

de representación, el niño dibuja la figura humana de muy diversas
maneras, y ese dibujo que hace, representando a un hombre,
puede variar de un día al otro. El esquema de un hombre que posee
un niño será completamente diferente del de otro niño. Es algo muy
individual y puede considerarse como un reflejo del desarrollo del
individuo, ya que representa al concepto que tiene mediante la
combinación de muchos factores: el proceso mental, la toma de
conciencia de sus propios sentimientos, y el desarrollo de su
sensibilidad perceptiva.
b) ESQUEMA ESPACIAL- El principal descubrimiento durante esta

etapa es la existencia de un orden en las relaciones espaciales, es
decir, sabe que él está sobre el suelo, el coche está sobre el suelo,
los árboles crecen en el suelo... Este primer conocimiento
consciente de que el niño es parte de su ambiente se expresa por
un símbolo que se llama línea de base. Ésta línea es universal y se
la puede considerar como parte del desarrollo natural de los niños.
Representa el suelo sobre el que se apoyan los objetos, el piso de
una habitación, la calle o cualquier base sobre la cual se encuentre
el niño. La contraparte de la línea de base aparece en los dibujos
como la línea del cielo, trazada, generalmente, en la parte superior
del dibujo.
En esta etapa de su desarrollo, el niño no ha alcanzado aún la

conciencia de la representación de un espacio de tipo
tridimensional, el esquema del niño es una representación en dos
dimensiones. En raras ocasiones, aparecen algunas líneas
abstractas para representar la profundidad, pero el mayor
descubrimiento es que hay un orden definido en las relaciones
espaciales. El niño dispone los objetos o personas que dibuja en
línea recta, al pie del papel y según el ancho del mismo. Aparece el
sol en la parte superior de la hoja y luego las estrellas, en vez de
dibujarlo todo en el mismo plano, y abajo sobre la línea de base
están dibujados los árboles, uno a continuación del otro, separados
por la misma distancia.
Significado de las variaciones en el esquema

Si analizamos las variaciones del esquema podemos lograr una
mejor perspectiva de las experiencias del niño, entendiendo por
esquema aquel concepto que sobre el hombre y el ambiente el niño
ha llegado a dominar. Existen 3 formas principales de desviaciones
en los dibujos de los niños:
1) exageración de partes importantes.
2) desprecio o supresión de partes no importantes.
3) cambio de símbolos para partes afectivamente significativas.
El origen de estas desviaciones reside en experiencias autoplásticas

(sensaciones del yo corporal o muscular) o en el significado relativo
que ciertas partes tienen para el niño.
La desproporción proviene, casi siempre, de alguna intención o

experiencia definida, aunque esto no significa que la experiencia
sea necesariamente consciente. Como el niño no tiene conciencia
alguna de estar cometiendo una exageración y omitiendo partes,
cualquier corrección que se le haga a su expresión sólo servirá para
cambiar su sentimiento sincero y real, por una forma rígida
impuesta desde fuera que no tiene sentido alguno para el niño.
La línea de base como parte del paisaje
La línea de base simboliza unas veces la base sobre la cual se

apoyan las cosas, y otras, la superficie del terreno del paisaje. En
esta etapa, cuando los niños dibujan una casa, suelen dibujar la
chimenea perpendicular a la línea del techo, que sirve de línea de
base. Cuando el niño utiliza dos líneas de base, significa que tiene
un desarrollo mayor, que conlleva un paso hacia la perspectiva.
Otros medios de representación espacial
En algunas ocasiones, para representar el espacio en sus dibujos,

los niños suelen utilizar representaciones espaciales subjetivas. El
proceso, frecuentemente usado, de "doblado", pertenece a esta
categoría de representaciones espaciales subjetivas. Por doblado se
entiende el proceso de crear un concepto de espacio dibujando los

objetos perpendicularmente a la línea de base, aun cuando parezca
que esos objetos están dibujados en forma invertida.
A veces, un niño que normalmente usa líneas de base, las omite

totalmente. Esto puede deberse a que ha vivido una experiencia
emocional tan poderosa que supere la sensación de estar en
contacto con el suelo. Es evidente que lo que el niño incluye en sus
dibujos o pinturas, es un reflejo directo de sus propias experiencias.
Representaciones de espacio y tiempo
Uno de los métodos de representación espacio-tiempo surge de la

necesidad de comunicación. Para representar una escena de algún
tipo de narración que los niños conozcan, realizan una secuencia de
dibujos. Estos pueden ser separados, como los de una historieta,
auque no estén limitados por una raya. Los episodios sobre viajes u
otro tipo de acontecimientos semejantes, que requieren una
secuencia de tiempo, son representados de ese modo.
Otra forma de representación espacio-tiempo es aquella en la que

se asienta en un dibujo distintas acciones que han tenido lugar en
diferentes momentos. Esto proviene no de la necesidad de
comunicar algo, sino de la importancia de la acción misma. El niño
esta tan centrado en dibujar la acción que no se da cuenta que está
representando diferentes momentos en un mismo dibujo.
Los dibujos del tipo de RAYOS X
Este sistema es el de describir simultáneamente el interior y el

exterior de un edificio o de cualquier otro ambiente cerrado. Esto
ocurre si el interior es más importante, para el niño, que el exterior.
En algunas ocasiones, si el niño está muy entusiasmado con el
interior, llega a "olvidarse" del exterior y lo suprime. Pero, por lo
general, se ve parte del interior y parte del exterior, como si éste
fuera transparente.
El significado del color y del diseño

El niño descubre que hay una relación entre el color y el objeto, por
lo que los colores que usa no son algo casual y por eso suele repetir
los mismos colores para los mismos objetos. El establecimiento de
un color definido para un objeto y su constante repetición es un
reflejo directo del desarrollo progresivo del proceso intelectual del
niño, quien ya ha comenzado a desarrollar la capacidad de
categorizar, de agrupar cosas en clases y de hacer generalizaciones.
Para el niño el poder comprobar que el color de su pintura es el
mismo que el del objeto que está pintando resulta un importante
descubrimiento y una experiencia satisfactoria. El niño empieza a
encontrar cierto orden lógico en el mundo y está estableciendo
relaciones concretas con las cosas que le rodea.
Cada niño desarrolla sus propias relaciones de color, pudiendo ser

el origen de estos esquemas de color individuales el concepto visual
o emocional del color. Aparentemente, la primera relación
significativa que el niño tiene con un objeto puede determinar su
esquema de color. Dicho esquema no cambiará, a menos que el
niño se vea envuelto en alguna experiencia en la cual adquiera
importancia un cambio de color.
La enseñanza de los aspectos formales de las proporciones iría en

detrimento de la espontaneidad y de la libertad típicas de los
dibujos de los niños, pues interferiría con su innata necesidad de
expresión. Los elementos formales como el equilibrio y el ritmo,
cuando se los utiliza como guía o motivación, fallan en su propósito.
El desarrollo del niño en la edad escolar
En esta etapa, el niño ya no representa objetos en relación consigo

mismo, sino que comienza a representar objetos en relación lógica
con otros objetos. Por lo tanto, ahora es posible empezar en un
programa de lectura que tenga sentido. En la lectura es necesario,
entre otras cosas, que exista correlación para relacionar letras
entre sí para formar un símbolo con la palabra. Introducir al niño en
un programa de enseñanza de la lectura antes de que esté maduro
para ello, puede crear actitudes negativas contra la lectura.

El esquema particular de un niño es exclusivamente suyo. Se
pueden distinguir, fácilmente, los dibujos de un niño de los de otro,
simplemente observando las representaciones esquemáticas.
Los dibujos esquemáticos como reflejo del desarrollo
Una de las pruebas del desarrollo intelectual del niño es su

comprensión del mundo que lo rodea. Las cosas pueden tener
significado para el niño o no tener sentido alguno para él, según
sea su relación afectiva con ellas y su comprensión intelectual de
ellas. Que para el niño el mundo haya adquirido algún sentido, o
no, depende parcialmente del grado hasta el cual él haya formulado
sus conceptos. Por lo tanto, es probable que el niño exprese en sus
dibujos un símbolo definido para las cosas que representa
continuamente. En los dibujos de esta edad no es común encontrar
figuras superpuestas.
El empleo de un esquema en forma rígida puede ser un modo de

eludir el abordaje de los propios sentimiento y emociones. El uso
flexible de los esquemas es un importante requisito para la
verdadera expresión. La propia naturaleza del esquema, el
concepto que tiene el niño, y que usa una y otra vez, siempre que
lo necesite, encierra el peligro de que se convierta en un
estereotipo que se repite en forma mecánica, sin repercusión
afectiva. La flexibilidad es el atributo más importante del desarrollo
afectivo y hay que prestarle la mayor atención durante este
período. Otra forma de flexibilidad se presenta en la variación del
tamaño de los objetos representados. Los cambios en el tamaño
indican el valor afectivo que dichos objetos poseen para él.
En las creaciones artísticas de un niño se pueden apreciar también

su desarrollo social. La presencia del esquema indica que el niño ha
dejado de pensar en sí mismo como centro del ambiente y se ha
hecho menos concentrado en su yo, autoconsiderándose de una
forma más objetiva. Cuando el niño se dibuja a sí mismo en una
línea de base es porque ha comenzado a verse en relación con
otros.

Hasta cierto punto, incluso el desarrollo físico se puede apreciar en
la producción artística de los niños. Un niño físicamente activo
probablemente dé a sus figuras más movimiento y acción que otro
niño a quien le falten energías.
La motivación artística
La clase y tipo de motivación que se debe utilizar con los niños

surge de las necesidades de los niños en cada una de las etapas del
desarrollo, pero ante todo se debe crear una atmósfera en la cual
se estimule en el niño la conciencia de que forma parte del medio.
También es importante estimular una mayor toma de conciencia de
las acciones y funciones de la figura humana. Toda motivación debe
hacer que el niño llegue a ser más sensiblemente consciente de sí
mismo y de su ambiente, debe desarrollar y estimular un intenso
deseo de pintar algo significativo, y debe alentar al niño para que
sea flexible en sus ensayos con los materiales y con el tema.
Dado que los niños fusionan tiempo y espacio, resulta ventajoso

utilizar estímulos de tiempo y espacio. Las motivaciones que
conducen a esas representaciones deben incluir tópicos subjetivos,
en los que la experiencia personal del niño provea el tema y relato
objetivos de acontecimientos.
Los temas
Uno de los campos importantes para tomar como tema es el mundo

privado del niño. Esto incluye tópicos con un sentido emocional
para la criatura, tales como fantasía y sueño. Cuando un niño pinta
algo que está profundamente relacionado con él, o cuando revela
ciertos deseos o conflictos, debe tenerse en cuenta que cualquier
tema es aceptable.
Puede suceder, a veces, que ciertos niños utilicen temas no

representativos como medio de escapar a una experiencia
expresiva de creación. Esta falta de compenetración o de interés se
puede apreciar cuando los niños, con cierta frecuencia, se esconde
tras la frase: "Estoy haciendo sólo un dibujo".

Cualquiera que sea el material artístico, debe facilitar la expresión

del niño y no ser un impedimento para ello. Cuando los niños
sienten ansias de crear después de una motivación significativa,
deben hallar los materiales artísticos listos para su uso. Un material
estará correctamente usado siempre y cuando llene los propósitos
para los cuales se ha elegido.
Al nivel de los 7 a los 9 años de edad, el niño no demuestra interés

por la representación de la profundidad. Lo más característico de
esta etapa es que el niño ha encontrado un concepto de forma, de
espacio, de color, y que a través de las repeticiones desarrolla un
esquema. A veces, estas repeticiones revelan cualidad de diseño.
Es muy importante que el niño pueda repetir los mismos colores
para los mismos objetos siempre que los desee. Un material que no
le ofrezca la oportunidad de ensayar el dominio o la seguridad en
su manejo, no es un buen medio de expresión para esta etapa del
desarrollo.
En cuanto a la arcilla, no es simplemente un material más. Puesto

que es tridimensional, estimula otro tipo de pensamiento. La
característica propia de la arcilla es su plasticidad. Esta propiedad
es la que permite usarla con ventaja con los niños de esta edad,
pues la naturaleza misma del material exige el uso flexible de los
conceptos.
Se pueden observar dos métodos de expresión distintos de trabajar

con la arcilla. Uno de ellos es de trabajar con la masa total de
arcilla, sacando material para ir dando la forma deseada. Este
método se llama analítico y significa que existe un concepto del
todo, aunque vago, a partir del cual se irán desarrollando los
detalles. El otro método se llama sintético y consiste en construir
las partes o símbolos representativos de cada cosa por separado y
unirlas para construir el conjunto. Éste significa que el niño está
realizando una síntesis a partir de impresiones parciales.
ETAPA DE NACIENTE REALISMO (DE 9 A 12 AÑOS)

Importancia de la edad de la pandilla
A esta edad el niño descubre que es miembro de una sociedad.

Existe una conciencia creciente de que uno puede hacer más en un
grupo que solo, y de que el grupo es más poderoso que una
persona aislada. También hay un creciente desarrollo de la
independencia social respecto de la dominación de los adultos, un
aprendizaje de las estructuras sociales en forma muy personal. Esta
es una parte fundamental del proceso de desarrollo y un paso
importante en la interacción social.
El niño de esta edad comienza a pensar en términos sociales, a

considerar las ideas y opiniones de los demás, pero el cambio que
lo aleja del pensamiento egocéntrico se opera lentamente.
Características de los dibujos durante la edad de la pandilla
En esta etapa, el esquema, ya no es adecuado para representar la

figura humana, ahora el niño expresa características vinculadas al
sexo: pantalones en los chicos, faldas en las chicas... También
adquiere un cierto sentido para los detalles, pero a menudo pierde
el sentido de la acción.
Aunque a los 9 años, la mayoría de los niños, siguen exagerando el

tamaño de la figura humana, ésto tiende a ser sustituido por la
acumulación de detalles en aquellas partes que son
emocionalmente significativas. Ahora los dibujos del tipo rayos X o
los que utilizan el procedimiento del "doblado", son criticados por
los niños en esta etapa.
Significado del color
El niño va adquiriendo un mayor conocimiento sobre las diferencias

de los colores y puede llegar a ser más consciente del color si se
logra poner de relieve las relaciones propias del niño frente a éste y
hacer que la acción entre el niño y el color sea significativa.
El niño goza con los colores y ahora es capaz de una mayor

sensibilidad hacia las diferencias y semejanzas. Cualquier

conversación sobre el color deberá centrarse en la experiencia y no
en el uso "apropiado" del color en un dibujo.
Significado del espacio
El niño empieza a alejarse de lo concreto y comienza a manejar

conceptos abstractos. En sus dibujos, puede hacer algo más que
colocar las cosas en fila, como hacía en la etapa anterior. La
habilidad para distribuir varias imágenes sobre una hoja de papel,
de modo que tengan relación entre sí, significa que el niño está en
condiciones de manejar esos objetos simultáneamente y no de
ordenarlos solamente sobre una línea. Como resultado de esta
creciente conciencia visual, el niño descubre que el espacio entre
las líneas de base adquiere significado, y además también descubre
el plano. La línea de base empieza a desaparecer, aunque para
algunos niños continúe siendo de uso frecuente, el espacio que
queda debajo de dicha línea tiene ahora el significado de suelo.
Significado del diseño
Una de las principales funciones del diseño puede ser establecer

relaciones armoniosas. A esta edad es importante que estimulemos
el pensamiento de los niños y les ofrezcamos oportunidades que
den lugar a descubrimientos que se relacionen con la belleza
natural de los materiales que ellos encuentran intactos en el
ambiente. Debe hacerse hincapié en la belleza sincera, tal como se
la encuentra en la naturaleza, porque esto es una extensión de la
propia dirección del niño a esta edad.
No puede haber separación entre el material y su función o entre la

tarea práctica y el diseño. En nuestras grandes culturas, la
artesanía fue siempre inseparable de la destreza y del diseño.
En los dibujos y pinturas de los niños de esta etapa del desarrollo

empezamos a observar un conocimiento consciente de la
decoración. Identificarse con las necesidades de los materiales,
aprender a conocer su comportamiento, es importante no sólo

desde el punto de vista educativo, sino también ético, pues servirá
para crear un sentimiento de sinceridad y autenticidad en el diseño.
Desarrollo del niño en la edad de la pandilla
Durante esta etapa, el niño comienza a desarrollar mayor

conciencia y sensibilidad hacia su ambiente. Se va convirtiendo
progresivamente en un crítico de los demás y de sí mismo, y ciertos
niños empezarán a esconder sus dibujos de los ojos de un adulto
curioso, o harán un comentario despectivo sobre sus esfuerzos.
A esta edad no poseen todavía un control absoluto sobre sus

emociones y esta intensidad emocional puede aprovecharse en los
programas de educación artística. Por eso, es fácil encontrar
exageraciones o sobreestimaciones de algunos detalles particulares
dentro de una composición. También el color puede usarse
simbólicamente, por ejemplo, pintando de color verde una cara.
Los dibujos de esta etapa como reflejo del desarrollo
La capacidad de romper con el esquema y de reconocer detalles

particulares relacionados con el yo y con el ambiente es una de las
características de esta edad. Sus dibujos y sus pinturas señalan,
claramente, que ellos ven las cosas a través de sus propias
experiencias.
El naturalismo no es el objetivo principal en esta edad, pues

generalmente no aparecen intentos de representar la luz y sombra,
efectos atmosféricos, reflejos en el color o pliegues en la ropa. Una
de las características notables de esta etapa es que las diferentes
partes de un dibujo pueden ahora separarse del total sin perder su
significado. Ya no bastan las líneas geométricas y evitan el recurso
de la exageración que utilizaban en etapas anteriores, las
proporciones van siendo más naturales. Uno de los primeros
indicios de la conciencia visual de un niño es la inclusión de la línea
del horizonte y la pintura del cielo hasta encontrarse con esta línea.

La evolución social durante este período es uno de los factores
sobresalientes del desarrollo. Un niño que evite el grupo y que sea
incapaz de vincularse con sus propias experiencias en sus dibujos,
probablemente necesitará cierto apoyo para lograr un mayor
desarrollo social. Es evidente que la evolución en los dibujos y
pinturas se va a producir naturalmente cuando el pequeño haya
experimentado una mayor relación con las actividades grupales.
Sólo a través del niño mismo y de su interacción con el ambiente y
las personas, se producirán los cambios significativos en la
producción creadora.
La motivación artística
La se debe orientar a que el niño acentúe el sentido de

independencia social que recientemente ha descubierto, a fin de
lograr un sentimiento de su propia estimación. Una experiencia
artística debe ofrecerle la oportunidad para que exprese su
progresiva conciencia del sexo, para que desarrolle un mayor
conocimiento del yo y satisfaga su nueva curiosidad hacia el
ambiente. También debe inspirarlo para que utilice los métodos de
cooperación grupal que acaba de descubrir, como medio de alcanzar
ciertos resultados.
Para despertar el interés en la cooperación se emplean

exitosamente dos medios:
Método subjetivo de cooperación: se vale de representaciones de

experiencias individuales de cooperación o de representaciones de
escenas en las cuales la cooperación es importante.
Método objetivo de cooperación: aplica más directamente el trabajo

colectivo en sí.
Un método mucho más fácil de lograr que se realice el trabajo sería

asignar los proyectos autoritariamente, y tener preparado de
antemano el "mejor" método para lograr los resultados previsto;
pero para proporcionar a los niños una experiencia rica y
significativa, deben descartarse tales métodos autoritarios. Es

mucho más importante hacer crecer el interés de los niños en los
materiales de expresión, es mucho más provechoso que tengan la
sensación del descubrimiento, la oportunidad de determinar su
propia relación con el mundo, y no que se preocupen por el aspecto
artístico del trabajo que están realizando.
Los temas
Cualquier tema que se elija deberá ser significativo para el niño y

nunca alejado de sus propias experiencias. Sin embargo, hay un
tema sumamente importante, que jamás debe pasarse por alto: es
el tema que está en el interior de cada niño. En algunos casos, este
tema es muy evidente, por ejemplo, el ansia de un niño de trabajar
con herramientas. Pero a veces, puede estar escondido bajo la
superficie, como ciertos sentimientos de rechazo, abrigado en un
niño tranquilo. Debe existir la oportunidad para que estos caso
extremos puedan expresarse. Esto significa que no solamente se le
han de dar libre salida a la alegría y al placer de crear, sino que
también deben poder expresarse sentimientos más profundo e
impulsos subconscientes. El ideal es que cada niño pueda
expresarse libremente.
Un material es bueno sólo si contribuye a satisfacer las necesidades

del niño y lo ayuda a expresar lo que tiene en su mente. Aunque
existen materiales para el uso infantil en número ilimitado, debe
tenerse la precaución de asegurarse de que los que se eligen se
presten para la expresión y no restrinjan la originalidad del niño. Si
un material es restrictivo o inhibitorio debe descartarse totalmente.
Los papeles de colores constituyen un material básico para esta

edad. Provee medios naturales para la superposición y es un
material apropiado para las primeras etapas de cooperación para
cumplir con proyectos en grupos. Otro material esencial es la
arcilla, que puede usarse en proyectos tridimensionales. Para
trabajos de ingenio se pueden usar otros materiales, tales como:
madera, alambre, tela, papel celofán de colores, etc.

Como en el niño se ha desarrollado el interés de trabajar con gran
variedad de materiales, puede sentirse, fácilmente, atraído por una
serie de juegos que se encuentra en el mercado y que nada tienen
que ver con la creación artística. Dichos juegos prearmados o listos
para pegar piezas entre sí con sólo seguir las indicaciones con
números o letras, son una verdadera amenaza para la curiosidad
del niño y su desarrollo normal. Tenemos que darnos cuenta que
fabricar un bote con un pedazo de madera puede proporcionar al
niño una diversión mayor que unir piezas de un modelo de plástico
preconcebido por un adulto.
LA EXPRESIÓN DE LOS COLORES DESDE EL PUNTO DE VISTA

PSICOLÓGICO.
No solo la apariencia de un color depende grandemente de su

contexto en el espacio y en el tiempo, seria también necesario
saber a que tinte preciso se hace referencia, a que valor de
claridad, y a que grado de saturación.
A todos nos sensaciona el color y cada uno tiene sus propias ideas
sobre antipatías o simpatías, gusto o desagrado sobre aquel o este
color, pero de manera general, todos percibimos una reacción física
ante la sensación que produce un color, como la de frío en una
habitación pintada de azul o la de calor en otra pintada de rojo.
En la psicología de los colores están basadas ciertas relaciones de

estos con formas geométricas y símbolos, y también la
representación Heráldica.
Los colores cálidos se consideran como estimulantes, alegres y

hasta excitantes y los fríos como tranquilos, sedantes y en algunos
casos deprimentes.
Aunque estas determinaciones son puramente subjetivas y debidas

a la interpretación personal, todas las investigaciones han
demostrado que son corrientes en la mayoría de los individuos, y
están determinadas por reacciones inconscientes de estos, y

también por diversas asociaciones que tienen relación con la
naturaleza.
El amarillo es el color que se relaciona con el sol y significa luz

radiante, alegría y estimulo. El rojo esta relacionado con el fuego y
sugiere calor y excitación. El azul, color del cielo y el agua es
serenidad, infinito y frialdad. El naranja, mezcla de amarillo y rojo,
tiene las cualidades de estos, aunque en menor grado. El verde,
color de los prados húmedos, es fresco, tranquilo y reconfortante.
El violeta es madurez, y en un matiz claro expresa delicadeza. En
estos seis colores básicos se comprenden toda la enorme variedad
de matices que pueden ser obtenidos por las mezclas entre ellos y
también por la de cada uno con blanco y negro; cada una de estas
variaciones participa del carácter los colores de que proceden,
aunque con predominio de aquel que intervenga en mayor
proporción. El blanco es pureza y candor ; el negro, tristeza y
duelo; el gris, resignación; el pardo; madurez; el oro, riqueza y
opulencia; y la plata, nobleza y distinción.
Como ya dijimos, los colores que tienen una mayor potencia de

excitación, son rojo, rojo-naranja y naranja, los mas tranquilos, los
azules y azules verdes o violáceos. Un azul turqueza es algo mas
inquieto que un azul ultramar, por la intervención en el primero del
amarillo y en el segundo del azul, que lo hace derivar al violeta. Los
colores mas sedantes y confortables en decoración son los verdes,
azules claros y violetas claros, los matices crema , marfil, beige,
gamuza, y otros de cualidad cálida, son alegres, y tienen cierta
acción estimulante, pero tanto unos como otros , deben ser usados
en áreas amplias y adecuadamente.
Los colores a plena saturación son usados muy pocas veces en

superficies de gran tamaño; los rojos, naranjas, amarillos, azules y
otros colores vivos en toda su pureza no lo presenta nunca la
naturaleza en amplias extensiones, sino como acentos o pequeñas
áreas de animación.

Los colores expresan estados anímicos y emociones de muy
concreta significación psíquica, también ejercen acción fisiológica.
Podremos informarnos mas acerca de estas propiedades mas
adelante, cuando tratemos como tema la cromoterapia.
El rojo significa sangre, fuego, pasión, violencia, actividad, impulso

y acción y es el color del movimiento y la vitalidad; aumenta la
tensión muscular, activa la respiración, estimula la presión arterial y
es el mas adecuado para personas retraídas, de vida interior, y con
reflejos lentos.
El naranja es entusiasmo, ardor, incandescencia, euforia y actúa

para facilitar la digestión; mezclado con blanco constituye una rosa
carne que tiene una calidad muy sensual. El amarillo es sol, poder,
arrogancia, alegría, buen humor y voluntad; se le considera como
estimulante de los centros nerviosos.
El verde es reposo, esperanza, primavera, juventud y por ser el

color de la naturaleza sugiere aire libre y frescor; este color libera
al espíritu y equilibra las sensaciones.
El azul es inteligencia, verdad, sabiduría, recogimiento, espacio,

inmortalidad, cielo y agua y también significa paz y quietud; actúa
como calmante y en reducción de la presión sanguínea, y al ser
mezclado con blanco forma un matiz celeste que expresa pureza y
fe. El violeta es profundidad, misticismo, misterio, melancolía y en
su tonalidad púrpura, realeza, suntuosidad y dignidad; es un color
delicado, fresco y de acción algo sedante.
Los colores cálidos en matices claros: cremas, rosas, etc, sugieren

delicadeza, feminidad, amabilidad, hospitalidad y regocijo, y en los
matices oscuros con predominio de rojo, vitalidad, poder, riqueza y
estabilidad.
Los colores fríos en matices claros expresan delicadeza, frescura,

expansión, descanso, soledad, esperanza y paz, y en los matices
oscuros con predominio de azul, melancolía, reserva, misterio,
depresión y pesadez

EL DIBUJO Y LAS PRUEBAS PROYECTIVAS
El modelo de evaluación psicológica se caracteriza por revisar la

naturaleza del referido, historial clínico, observaciones clínicas,
examen mental y administración de pruebas psicológicas. Existe
una multiplicidad de instrumentos evaluativos que se pueden
utilizar respondiendo al referido y lo que se desea explorar.
Las pruebas psicológicas tienen propiedades psicométricas que

deben tomarse en cuenta para considerar su alcance inferencial o
límites interpretativos. Algunos instrumentos tienen muestras
representativas de la población y pueden estar estandarizados para
su administración uniforme. No obstante, otras pruebas pueden
tener sólo estudios poblacionales específicos o meramente una
traducción de idioma.
Otras propiedades de las pruebas psicológicas se refieren a su

validez y confiabilidad. La validez implica que el instrumento en
efecto mide lo que propone. La confiabilidad refleja la consistencia
de resultados a través de un marco de tiempo.
Las pruebas psicológicas pueden ser de inteligencia (EIWN-R PR,

EIWA), viso-motoras (Bender-Gestalt), psicoeducativas (Woodcock-
Johnson), cuestionarios de auto-reporte (BDI, LCS-36),
vocacionales (ICIV), personalidad (MMPI-2) y proyectivas
(Rorschach, TAT, Dibujos).
Las pruebas proyectivas pueden utilizar estímulos poco

estructurados para disminuir el grado de defensividad. Se utilizan
para aflorar material inconsciente que refleja motivaciones,
conflictos, necesidades, intereses, mecanismos de defensa y
producción de pensamiento.
El Dibujo proyectivo es una técnica que se utiliza para recopilar

información de la persona y medir formación de conceptos,
percepción, abstracción y generalización. Esta técnica puede
utilizarse con varios propósitos (establecer rapport, fines

terapéuticos, clínicos, investigativos o evaluativos). El Dibujo puede
generar hipótesis que sean corroboradas o descartadas dentro de
una metodología evaluativa amplia. Debe utilizarse como una
herramienta evaluativa complementaria que pueda integrarse con
los otros elementos de la evaluación psicológica (incluyendo otras
pruebas) en búsqueda de una correlación de indicadores.
Los Dibujos pueden ser de distintos tipos: Dibujo de Figura

Humana, Dibujo Kinético de Familia, Dibujo de Arbol-Casa-Persona
y Dibujo Libre. Se debe tomar en cuenta las verbalizaciones que
haga la persona con respecto a su representación pictórica. Otro
factor esencial al momento de interpretar esta técnica es considerar
la etapa evolutiva de la persona.
Los Dibujos pueden interpretarse desde una perspectiva clínica para

generar hipótesis. Se deben considerar elementos como la
proximidad, ubicación espacial, inclusión/exclusión, trazado,
tamaño, detalles, énfasis en distintas regiones anatómicas y
configuración de la figura.
Estos elementos pueden sugerir abordaje a la tarea, actitud,

estados de ánimo, tensión, nivel de madurez socio-emocional,
factores motivacionales, conflictos, auto-imagen, manejo de
impulsos, creatividad, fortalezas del ego, factores intelectuales,
capacidad adaptativa, alianzas, relaciones familiares e
interpersonales, entre otros.
En síntesis, las hipótesis generadas de la técnica de Dibujo deben

contextualizarse tomando en cuenta el historial, etapa de desarrollo
y variables situacionales enmarcado en una metodología evaluativa
amplia. Se debe evitar llegar a conclusiones clínicas o diagnósticas
utilizando sólo el Dibujo.
Esta técnica necesita ser correlacionada con otras pruebas. Se debe

formular hipótesis alternas que se corroboren o descarten a base
de un proceso evaluativo científico considerando la capacidad
inferencial de los instrumentos utilizados. La base científica de la
evaluación psicológica cobra mayor importancia en un escenario

forense considerando la naturaleza y efecto de las decisiones
tomadas.
III ANTECEDENTES DEL CASO
HIPÓTESIS
Los niños con problemas de aprendizaje presentan fallas en su

percepción visual, en el aspecto eemocional afectivo, intelectual y
motricidad fina; por medio de la aplicación de técnicas de pintura,

dibujo, grabado, modelado y colage los niños con problemas de
aprendizaje podrían mejorar sus áreas de percepción visual,
emocional, intelectual, su coordinación motora fina, además de
estimular su capacidad de expresión.
Las artes plásticas, a través de la aplicación de técnicas de

dibujo y de observación de la naturaleza que nos rodea, ayudan a
mejorar la percepción visual de los niños con problemas de
aprendizaje.
Las artes plásticas, a través de la ejercitación del trazo por

medio del dibujo y de la práctica en el uso de los materiales como
brochas, pinceles, lápices, crayolas, ayudan a mejorar la
coordinación motriz fina de los niños con problemas de aprendizaje.
Las artes plásticas por medio de temas a desarrollar

relacionados con la vida cotidiana y con la imaginación narrativa de
cuentos, etc., ayudan a mejorar el aspecto emocional afectivo y la
imaginación creativa en los niños con problemas de aprendizaje.
Los síntomas de
- Impulsividad
- Hiperactividad

- Distractibilidad
- Baja autoestima
- Intolerancia a las Frustraciones
- Bajo rendimiento académico.
Se pueden combatir a través de las ARTES PLÁSTICAS
IDENTIFICACIÓN
Nombre : D
Sexo: masculino
Edad Cronológica : 5 años
Número de Hermanos : 2
Lugar que ocupa : 2
HISTORIA DEL PACIENTE
D tiene una hermana mayor (8). D nació de una relación estable,

una pareja amorosa y vive sus primeros años con su abuelos. Los
padres de D son profesionales y se ausentan constantemente por
realizar estudios de especialización en el Brasil ya que son dueños
de una clínica que tienen en la ciudad de Arequipa.
Los niños viajan algunas veces con los padres.
APRECIACIÓN PERSONAL SOBRE LA PACIENTE
D es un niño de estatura y contextura gruesa, moreno. Es un niño

que pierde el control inmediatamente si no se hace lo que el desea,
grita, se tira al suelo. Podríamos decir que es manipulador.

No se deja entender cuando comunica algo. Es un tanto agresivo.
Le gusta mucho el computador y en su corta edad reconoce muy
bien el alfabeto y deletrea palabras.
No se concentra fácilmente, al realizar las tareas que se le pide.
No lleva muy buena relación con su hermana.
ANTECEDENTES ARTÍSTICOS
La experiencia artística que D tiene es la que adquirió en el colegio.

Si bien dice su madre; que le gusta mucho el arte y siempre le pide
material de arte para realizar algunos dibujos. Su nivel de dibujo,
no se aproxima a la etapa pre esquemática propia de su edad.
Sin embargo sus intereses se inclinan a la pintura en el

computador.
IV. PROCESO ARTE TERAPÉUTICO
Objetivos
- Elevar el rendimiento académico. A poyar al desarrollo de la

inteligencia emocional.
- Liberar barreras utilizando la fantasía y el inconsciente.

Desarrollar la creatividad y sentido competitivo.
- Utilizar el dibujo como medio de auto expresión y

comunicación.
- Estimular la responsabilidad. Elevar la autoestima.
- Reducir el uso de psicofármacos, y en particular el

metilfenidato
Alcanzar una visión global e integrada de las posibilidades del

arte como instrumento de crecimiento y mejora personal y como
medio para compartir sentimientos y resolver problemas.

- Mejorar la calidad de vida a partir de poder expresar, contactar
y resignificar sus sentimientos.
Materiales y Métodos:
Todos los materiales estuvieron a disposición de los niños

(paciente) en cada sesión.
Los materiales escogidos se usaron en técnicas de collage,

modelado, origami, pintura, gráfica y técnica mixta. Se dispuso de
arcilla, greda, plasticina, témpera, acuarela, lápices de mina, de
colores, de cera, plumones, cartulinas, papeles de colores, pinceles
y brochas de distinto grosor, vasos plásticos, mezclador, tijera,
botella con agua, pegamento, revistas para recortar, papel de diario
y música.
SESIONES
Se acordó trabajar todos 3 veces por semana a partir de la 16:30

horas, los días lunes, miércoles y viernes; teniendo cada sesión una
duración de 2 horas pedagógicas.
Se solicitó a los padres traer los materiales y llegar a la hora;

avisar cuando no pudiera asistir.
PLAN DE TRABAJO
La primera etapa de trabajo no tuvo mayor intención que la de

conocer al paciente, saber cómo se manejaba con los materiales,
como era su reacción frente a este tipo de trabajo. D prefería el
trabajo con el computador por lo que era necesario crear un vínculo
entre la plástica y el computador para así dar un un espacio de
confianza, entre el paciente y el terapeuta.

Donde crear plásticamente fuese visto como una manera de
expresar su interioridad.
La mayoría de las actividades fueron planificadas sesión a sesión de

acuerdo a lo que D iba mostrando y necesitando expresar. En la
medida que se fue trabajando sus sistemas de defensa y control,
surgió la necesidad de enfocarse en él, en su visión de sí mismo, es
por esto que se trabajó el tema “yo y mi familia”, “yo”.
En un par de sesiones previas al fin de la terapia, D demuestra

mucho interés en realizar actividades de dibujo, pintura, modelado
y origami en estas últimas sesiones se enfocaron en lograr una
cierta autonomía creativa, en hacer que D pudiera trabajar con
mayor docilidad y a culminar los proyectos que inicia.
IV. DESARROLLO
A continuación se presenta el proceso de terapia relacionando

las imágenes con los objetivos y resultados observados.
En la primera sesión el objetivo común de las primeras sesiones fue

generar un clima de confianza, puesto que era necesario disminuir
la ansiedad y promover un espacio protegido, a salvo, para
expresarse libremente.
El niño realizó el tema “apaches” esta actividad genera un espacio

de confianza y se busca estimular al paciente a desarrollar su
potencial creativo. Con esta actividad el niño experimentó el
contacto con la dactilopintura, esta actividad consiste en crear
expectativas en el niño con los colores, la pintura en las manos y el
collage. Esta técnica de Arte Terapia brinda placer y juego donde
se experimenta con sensaciones y sentimientos que se generan a
partir de la creación. La Terapeuta inicialmente dirigió y puso con la
mano del niño la muestra.El niño D disfrutó de la actividad pero a la
indicación de ordenar el material (recoger el papel trozado y botar

al tacho de basura) se tiro al piso, empezó a gritar, golpear y no
cumplió con la consigna.
En la Segunda sesión, se le pidió realizar un “dibujo: Yo y mi

familia” para explorar sus trazos, aplicación de color y ubicación
espacial en el formato bidimensional.
El niño D, intentó representar probablemente a seres de su

entorno. Observamos la proyección de lo que siente, al parecer D
está aislado por su familia. Tratamos de persuadir al niño para que
describa los componentes de su trabajo, pero en el intento D
abandonó el proyecto. Se cansó y trato de llamar nuestra atención
con gritos. Como se puede observar en la imagen los trazos de D,
muestran agresividad y tensión Los trazos acomodados de plumón
que presenta el dibujo fueron colocados por el niño después de que
D tome conciencia del acabado de su carpeta de trabajo. En el
siguiente “dibujo hablado” a D se le pidió completar el paisaje para
lo cual ubicamos una casa, árbol, animalito, etc. y el debía
completar con un niño haciendo volar una cometa, más árboles,
casas y otros animales. Este fue el resultado.
En la tercera sesión realizó un “antifaz”; conseguimos su atención

en la realización de un antifaz para poder motivar en D su
concentración en el proyecto. Inicialmente captamos su atención al
dibujar el molde y pedir que utilice tijeras para recortar. El niño
mostró mucha dificultad al recortar y solicitó nuestra ayuda.
Nuevamente mostró interés al decorar la máscara pero abandonó el
proyecto para retomar su atención se le tomó una “fotografía” con
la máscara puesta y lo inducimos a culminar el proyecto. Pedimos a
D, que comente sobre “quién es el niño que tiene el antifaz”. No
logramos ningún comentario. Como se puede observar en la
imagen los trazos de D, su pensamiento ya está en proceso de
estructuración, nuevamente muestra agresividad y tensión pero sin

embargo los controla. Debemos destacar que la actitud de D es
más dócil. Pero su grado de concentración sigue siendo muy corto.
En la cuarta sesión realizamos el tema “Flores” con sellos de

plastilina; conociendo la naturaleza de D quien es un niño que muy
fácilmente pierde la concentración; creamos expectativa
combinando plastilina con témpera, haciendo sellos de hojas las
cuales cubríamos la superficie obteniendo el color verde mediante
una mezcla de pintura de témpera la indicación era crear ramos de
hojas, pero aún D no se ubica en el plano bidimensional. D se
mostró muy concentrado y participó en la ejecución del sello. Debo
destacar que D pone interés en cada actividad “nueva” y para
motivar su trabajo cada proyecto es fotografiado.
Aún D muestra determinada resistencia a las indicaciones, notamos

en él a un niño ensimismado. Como que se aísla. NO ATIENDE.
En la quinta sesión “PECES EN EL AGUA” con huellas de los dedos

de la mano, el contacto con la pintura en la mano es una sensación
que todo niño no puede resistir. Con esta actividad tratamos de
trabajar la lateralidad con D, el niño muestra torpeza motriz y poca
coordinación viso motora. Los peces los realizó poniendo la huella
del dedo pulgar izquierdo y pintando de 2 colores con la mano
derecha. D es ambidiestro. Las piedras se realizaron con el índice
de la mano derecha y las algas con el borde de la palma de la
mano. El niño debía añadir detalles con lápiz a cada uno de los
peces (debía colocar cola, aletas, ojos, etc. por pez) pero no se
ubica en la forma, no controla su trazo. El agua realizó con crayola
pero como podemos observar se nota la tensión que ejerce su
carácter.
En la sexta sesión se realizó “la ducha” técnica con papel

(maquigami), actividad que sirve para estimular la comunicación,

imaginación y creatividad. El niño D, trato de imitar los
movimientos y cumplir las indicaciones de “ducharse
imaginariamente con el papel”, se observó que su coordinación
motora no era buena con respecto a la lateralidad, no la desarrolla
acorde a su edad. Posteriormente a la indicación de crear un objeto
con el papel no puedo lograrlo, le ayudamos a confeccionar una
pelota y una pulsera, D pinto los objetos pero no logró realizarlo
alternando colores para dar sensación de pulsera y pelota. El niño
mostró docilidad en la expresión corporal mas no en la decoración
del objeto.
En la séptima sesión se realizó DIBUJO: PEZ, BOTE, COHETE,

CASA, etc. Cómo pretender que D dibuje lo que sabe de las cosas?
Fue nuestra interrogante. El niño está y no está a las indicaciones.
Su padre nos demostró que sabía deletrear y leer a sus 5 años, que
le gusta mucho el computador. Efectivamente D, siempre repara en
las actividades de la computadora. La maneja muy bien. Pero
entonces como hacer para que realice trazos con sentido en una
superficie bidimensional. Llegue a utilizar el PC para lograr que D
dibuje con “sentido” y lo hice observar cómo un ave realizaba los
dibujos del pez, bote, cohete, etc. utilizando las formas
geométricas. En la siguiente página: www.childtopia.com.
Asombroso, D se concentró en los dibujos realizados en el pc y
luego utilizando la retentiva y percepción visual trasladó
correctamente aquellas imágenes. Como puede observar en la
siguiente lámina. La consigna fue realizar 6 imágenes, el niño se
agotó; pero el resultado fue muy impresionante en cuanto al dibujo
pero al colorear aún muestra mucha tensión en su trazo.
En la octava sesión, el niño D tenía que realizar un “aviones” en

origami, para lo cual lo motivé ingresando a la página
www.tudiscoverykids.com, lugar donde se puede armar un avión en
forma de rompecabezas, Noto que D necesita ayuda al momento de
ubicar las piezas y girarlas con el mouse, me pide constantemente
que lo apoye. Luego pasamos a realizar la actividad doblando el

papel en niño, aún no se ubica, por falta de coordinación biso
motora. Posteriormente se le pidió que pinte con plumones los 2
aviones con la finalidad que se ubique en un plano tridimensional. D
se cansa y concluye con bastante exigencia. También debía pintar
una cartulina de color celeste a pincel y colocar unos puntos
blancos con la parte posterior del pincel. Lo hizo muy bien, pegó
finalmente los aviones como se le indicó. Esta actividad fue muy
variada y eso permitió que D esté concentrado al cien por ciento.
En la novena sesión, realizamos dibujos de “alegría, tristeza, enojo,

serenidad”, estados de ánimo, con la finalidad de que D aprenda a
comunicar sus emociones y ubicar partes del rostro como son ojos,
nariz, boca, etc. En la primera lámina observamos el concepto que
D tiene de los rasgos faciales. Para concientizar a D de la alegría,
tristeza, serenidad y enojo, recurrimos a gesticular los distintos
estados de ánimo y solicitamos que D. también los realice,
(gesticule). El niño se mostró muy dócil en esta actividad y muy
gracioso. Pero, ¿cómo llevar al papel?; como lograr que los dibujel.
Primeramente recurrimos al PC en la página:

www.xardesvives.com/plastica/ el niño ubicó correctamente los
ojos, nariz, boca, cejas, para demostrar los diversos estados de
ánimo. Posteriormente, ubique 8 óvalos en la lámina los cuatro
primeros fueron muestra y los siguientes D debía completar. A D le
cuesta realizar trazos, su línea es muy dura. Estos fueron los
resultados.
En la clase 10 y 11, realizamos “flores de papel” en origami y

“rompecabezas”, D cada día es más dócil su actitud a cambiado,
pero aún su motricidad no es fina, muestra mucha tensión, y su
grado de concentración es muy difusa es necesario seguir
realizando actividades de doblado, trozado y modelado. En estas
actividades podemos observar que los trazos son mas continuos

que ubica los elementos de la composición con armonía, intenta
doblar el papel y llenar espacios.
Según la mamá de D, al niño le gusta armar rompecabezas y los

arma de muchas piezas, claro está que las piezas que arma son
planas; en esta oportunidad le bridamos un tipo de rompecabezas
en el que las piezas se ubican como si se tratara de un engranaje,
juego ideal para desarrollar ubicación espacial (tridimensionalidad)
y que inicialmente le costó mucho armar. D intentó abandonar el
juego pero logramos que desistiera de ello. En estas actividades D
realiza comentarios pero no pronuncia bien las palabras.
En la 12 sesión realizamos una “tortuga”, actividad de modelado

que consiste en realizar 7 piezas entre ellas: esferas, conos, rollos,
para su elaboración. Observamos que a D le cuesta realizar estas
piezas en plastilina. Tiene muy poca coordinación motora, las
esferas generalmente las aplasta, los rollos se le rompen y el cono
casi ni lo logra hacer. Abandona las cosas cuando no le salen.
Recurrimos a la cámara fotográfica para lograr su concentración
“tomando fotografías a su trabajo”. D logro armar una tortuguita y
aquí el niño muestra su resultado.
En la 13 sesión, pintamos en volumen, una “taza”; D adquiere

nuevos conocimientos cuando son novedosos, y logramos su
concentración cuando trabaja con material diverso. Al niño le
agrada pintar con témperas, le brinde una taza a la que
previamente realicé dibujos de flores. Pedí a D que prepare los
colores: verde, naranja, amarillo, etc. y los vaya colocando de
acuerdo a las indicaciones. D se mostró muy entusiasmado y más
aún cuando le deje que era “un regalo para mamá”. Claro está que
aún la correcta ubicación de colores no es la más adecuada pero lo
realiza con interés. Trabaja hasta culminar su pintura. Con esta
actividad D nos comunica sus emociones pero lamentablemente no

pronuncia bien las palabras. Es otro problema que el niño debe
enfrentar.
En la 14 sesión, debe realizar “máscaras” con relieve de plastilina;

Realicé los dibujos con formas geométricas los cuales D debería
cubrir con plastilinas y arrastrando el color con el dedo índice. En
esta actividad D. estuvo muy concentrado puesto que debía amasar
la plastilina para poder utilizarla. Estos son los resultados. D cada
vez está muy motivado, se concentra, trata de realizar sus
actividades, pide disculpas cuando nota la molestia de la profesora
y retoma su proyecto. Podemos decir que estamos logrando un
cambio de conducta, de emociones, motricidad cada vez más fina y
despertando su creatividad.
En la 15 sesión, debe realizar una “casita de papel” cubierta con

paredes de collage. En la ejecución de la actividad observamos que
el niño estaba muy sensible, tenía muy poca concentración y
nuevamente se retraía, probablemente porque la mamá comentó
que se le había realizado una intervención quirúrgica a sus
genitales.
Tomó 2 sesiones realizar esta actividad, el niño no tiene facilidad

para trozar papel ni pegar en la superficie; se le observa disperso.
Con seguridad fue generado por el trauma de su tratamiento
médico. En esta actividad D, no se encuentra con una actitud
positiva, para realizar su actividad así que optamos por recurrir al
uso del PC, y realizar un cuento interactivo relacionado con la
elaboración de su casita www.cuentosinteractivos.org; Para tratar
que el niño tome confianza con la profesora y tome conciencia de
terminar su casita para los personajes de la historia.
Notamos que habido un retroceso en su proceso. Es bueno indicar

que se le ha pedido a la madre de D, que haga evaluar al niño con
un psicólogo pero aún no lo ha hecho. Los padres de D
continuamente viajan, el niño con su hermana se quedan al cuidado
de una nana y sus abuelos.

Es nuevamente un reto a través de la plasticoterapia mejorar y
encausar sus emociones.
COMPROBACIÓN DE LA HIPÓTESIS.
• Se aplicó el enfoque psicoeducativo concentrando nuestra

atención en el aprendizaje, llevando la terapia a la adquisición de
habilidades o cambio de conductas.
• Se aplicaron actividades participativas, premios, juegos

cromáticos, interacción con el computador las que ayudaron a:
- Eliminar Síntomas
- Estimular la responsabilidad.
- Desarrollar las motivaciones.
- Mejorar la autoestima.
- Desarrollar el sentido competitivo
- Aumentar el rendimiento académico.
RESULTADOS
- Se modificaron conductas sin el uso de medicamentos
- Se logro el mejoramiento del control muscular, del control de

impulsos.
- Se elevó el sentimiento de solidaridad y empatía
- Se desarrollo la capacidad para trazarse metas a corto y largo

plazo
- Se logró mayor interrelación maestro – padre – terapeuta.

- Se detectaron habilidades y potencialidades hacia las artes
plásticas y sus diferentes manifestaciones.
V. CONCLUSIONES Y RECOMENDACIONES.
• Cada manifestación plástica que se crea se convierte

automáticamente por sí misma en algo positivo. Para el niño era
su objeto personal y para el terapeuta fuente de información, el
arte desarrolla la creatividad y la creatividad es necesaria para
resolver problemas de cualquier tipo.
• Se requiere todavía que el lugar del arte dentro de la

educación (escolar, familiar y social) tenga la importancia que
merece, sobre todo si se toma en cuenta que se podrán favorecer
grandemente el presente y el futuro del niño y del adolescente en
cualquier ámbito en que éstos se desenvuelvan, a través de las
vivencias que les proporcionará el arte en edades tempranas.
• Las actividades plásticas favorecen el desarrollo de los

factores proporcionando sensibilidad táctil, destreza manual, noción
espacial y estética.
Factor emocional afectivo.
Factor intelectual;
Factor físico;
Factor perceptivo;
Factor social;
Factor creador;
Factor estético.

BIBLIOGRAFÍA.
• GUZMÁN, J. C., Y G. HERNÁNDEZ, Implicaciones educativas de

seis teorías psicológicas, unam-conalte, México, 1993.
• KELLOGG, RHODA, Análisis de la expresión plástica del

preescolar, Cincel-Kapelusz, Barcelona, 1979.
• HARRIS, D.B. (1991). El test de Goodenough. Revisión,

ampliación y actualización. Barcelona: Paidós.
• KRAMER, E. (1982). Terapia a través del arte en una

comunidad infantil. Buenos Aires: Kapelusz.
• LUQUET, H. (1978). El dibujo infantil. Barcelona: Médica y

Técnica.
• PALACIOS, J.; MARCHESI, A.; COLL, C. (1991). Desarrollo

psicológico y educación. Madrid:Alianza Editorial. Reportaje y
entrevista a Oliver Sacks.
• LOWENFELD, VIKTOR Y W. LAMBERT, Desarrollo de la

capacidad creadora, Kapelusz, Buenos Aires, 1973.
• MARINOVIC M. Las Funciones Psicológicas de las Artes, edit.

Letras de Deusto,1994.
• TOUSON S. E, Dibujo en la Terapia, s.ed, Buenos Aires, 2002.

• RESILIENCIA [en línea]
MATERIAL COMPLEMENTARIO
REGISTRO DE LAS ACTIVIDADES
Sesión N°1
Fecha: 04 / 03 / 2009
1. Objetivos:
Generar un clima de confianza y motivación.
Alentar al niño a que se familiarice con los materiales y

desarrolle una actividad con material diverso, espontáneo en un
ambiente seguro.
Aplicar la técnica de la dactilopintura y el collage.
Desarrollo motriz – concentración - creatividad e imaginación
2. Actividad Realizada:
APACHES
3. Materiales y/o Técnicas utilizadas:
Block de cartulina, colores, témperas, plumones, goma, tijera,

hojas de papel bond, pinceles, paleta.
4. Proceso:
Reconoce los dedos de su mano
Realiza mezcla de colores.

Pinta su mano alternando colores e imprime sobre una
superficie.
Realiza estado de ánimo sobre caras - “apaches”
Prepara el color verde pinta una superficie
Corta hojas y camufla los apaches entre las hojas
Sesión N° 2
Fecha: 06 / 03 / 2009
1. Objetivos:
Conocer el auto concepto y el grado de madurez que muestra

al realizar la figura humana, su trazo y colores que utiliza.
Comunicar sentimientos y relación con su entorno.
DIBUJO: “YO y MI FAMILIA”
Block de cartulina, colores, lápiz
4. Proceso:
Dibuja su familia
Pinta con colores de su elección
Describe y comenta sobre los elementos de su composición.
Sesión N° 3

Fecha: 11 / 03 / 2009
1. Objetivos:
Utilizar medios para poder expresar ideas y comunicarse sin

temor.
Desarrollar la coordinación viso motora al dibujar y recortar.
Decorar creativamente utilizando formas simples.
ANTIFAZ
cartulina, plantilla, plumones, tijera, lápiz.
4. Proceso:
Utiliza una plantilla para dibujar un antifaz.
Recorta el antifaz
Decora con formas simples y geométricas.
Utiliza el antifaz para comentar sobre el “personaje” que está

detrás.
Sesión N° 4
Fecha: 13 / 03 / 2009
1. Objetivos:
Modelar formas geométricas para el desarrollo de la motricidad

fina.
Mezclar colores, estampar y componer
Crear una composición y ubicarse en el plano bidimensional.

RAMO DE FLORES CON SELLOS DE PLASTILINA
Block de cartulina, plastilina, témperas, pincel.
4. Proceso:
Modelar cono y rollo en plastilina.
Realizar con el cono una hoja y con el rollo una rosa.
Estampar con témpera de colores.
Realizar un ramo de flores.
Sesión N° 5
Fecha: 18 / 03 / 2009
1. Objetivos:
Desarrollo de la coordinación viso motora.
Utilizar “la mano” como elemento de creación
Aplicar mezcla de colores primarios y secundarios.
Desarrollar la imaginación en una composición mixta con

material diverso.
PECES EN EL AGUA - DACTILOPINTURA
cartulina, colores, témperas, crayolas, pincel.
4. Proceso:
Comentar y reconocer los dedos de la mano.

Ubicar en la yema del dedo pulgar de la mano dos colores
primarios
Mezcla de colores.
Estampar y dejar la huella del dedo pulgar, borde de la mano,

dedo índice
Completar con lápiz detalles de los peces (aletas, cola, ojos,

boca)
Pintar con crayola el agua “sin ahogar a los peces”.
Sesión N° 6
Fecha: 20/03/09
1. Objetivos:
Desarrollo de la lateralidad
Crear, imaginar y expresión corporal
Pintar, torcer y decorar.
DUCHA DE PAPEL
Block de cartulina, colores, crayolas, témperas, plumones,

plastilina, goma, tijera, hojas de papel bond, papelotes pinceles,
paleta.
4. Proceso:
El niño toma una hoja de papel y simula que se ducha

(agitando el papel), nos enjabonamos (arrugamos el papel), nos
enjuagamos (desarrugar) y nos secamos. Luego “lavamos” y

exprimimos el papel. Con el papel exprimido decimos ¡ya no es
toalla! ¿Qué será? Cada participante sugerirá algo que se pueda
representar con el papel arrugado: pulsera, pelota, etc. luego
enlazarlo el proyecto al tema que se está trabajando.
Sesión No. 7
Fecha: 25 / 03 / 2009
1. Objetivos:
Desarrollo de la percepción visual y retentiva al observar

animales y objetos, Describir y dibujar.
Aplicar el método de dibujo por formas geométricas.
DIBUJO: PEZ, BOTE, COHETE CON PC.
Block de cartulina, colores, plumones, lápiz.
4. Proceso:
Observa como utilizar formas simples y geométricas para

realizar dibujos de objetos y animales.
Dibuja formas geométricas en la cartulina
Transforma las formas geométricas en objeto / animal.
Pinta las figuras.
Sesión N° 8
Fecha: 27 / 03 / 2009
1. Objetivos:

Desarrollo de la inteligencia emocional. (autoestima positiva)
Desarrollar la coordinación viso motora al plegar papel.

material diverso.
Plegar, decorar, componer.
AVIONES
Cartulina, témperas, plumones, goma, tijera, hojas de papel

bond, pinceles, paleta.
4. Proceso:
Observar y armar aviones en el PC.
Plegar papel para armar un avión
Decorar aviones con plumones-
Pintar una superficie con sensación de cielo.
Sesión N° 9
Fecha: 01 / 04 / 2009
1. Objetivos:
Comunicar emociones.
Reconocer los diversos estados de ánimo.
Dibujar, pintar y expresar diversos estados de ánimo.

ALEGRIA, TRISTEZA, ENOJO, SERENIDAD.
Block de cartulina, colores.
4. Proceso:
Observa y representa en el PC, los diversos estados de ánimo.
Gesticular estados de ánimo y asocia motivos de alegría,

tristeza, enojo, serenidad.
Ubica en óvalos las expresiones de alegría, tristeza, enojo,

serenidad.
Pinta y decora los rostros.
Sesión N° 10
Fecha: 15 / 04 / 2009
1. Objetivos:
Desarrollo de la inteligencia emocional. (autoestima positiva)
Desarrollar la coordinación viso motora al plegar papel.

material diverso.
Plegar, pintar, componer.
FLORES DE PAPEL
Block de cartulina, colores, plumones, goma, tijera, hojas de

papel bond.
4. Proceso:

Utilizar un cuadrado y plegar las flores.
Pintar de colores cálidos las flores.
Confeccionar tallos
Realizar una composición y pintar el fondo.
Sesión N° 11
Fecha: 24 / 04 / 2009
1. Objetivos:
Ordenar, organizar.
ROMPECABEZA
Rompecabezas de piezas tridimensionales.
4. Proceso:
Comentar sobre los animales.
Mencionar los colores que lo componen.
Armar el rompecabezas.
Dibujar el resultado (objeto / animal)
Sesión N° 12
Fecha: 27 / 04 / 2009
1. Objetivos:

Ampliar la capacidad perceptiva para desarrollar la sensibilidad
estética.
Desarrollar las habilidades necesarias para que los materiales y

las técnicas plásticas se conviertan en un medio de expresión.
Afianzar el autoexpresión y el autoestima para favorecer las

representaciones plásticas.
Adquirir nociones espaciales.
TORTUGA
Arcilla o Plastilina.
4. Proceso:
Modelado de cono, rollo, esfera.
Modelar 7 piezas para elaborar la tortuga.
Formar con las 7 piezas la tortuga.
Sesión N° 13
Fecha: 08 / 05 / 2009
1. Objetivos:

estética.
Desarrollar las habilidades necesarias para que los materiales

y las técnicas plásticas se conviertan en un medio de expresión
Adquirir nociones espaciales

PINTANDO UNA TAZA PARA MAMÁ
Bizcocho de una taza, pintura acrílica, pinceles, lápiz, látex

blanco, lija.
4. Proceso:
Lijar el bizcocho.
Aplicar látex blanco al bizcocho
Dibujar el motivo.
Realizar mezcla de colores con pintura acrílica.
Pintar la taza sobre una torneta.
Sesión N° 14
Fecha: 08 / 05 / 2009
1. Objetivos:
Aplicar formas simples y geométricas en sus representaciones

gráficas.
Desarrollar las habilidades necesarias para que los materiales

y las técnicas plásticas se conviertan en un medio de expresión.
MÁSCARAS CON FORMAS GEOMÉTRICAS
Block de cartulina, plastilina, lápiz.
4. Proceso:
Reconoce las formas geométricas.
Realiza el dibujo de las máscaras.

Realiza mezclas con plastilina
Cubre zonas aplicando relieve con la plastilina.
Sesión N° 14
Fecha: 13 / 05 / 2009
1. Objetivos:

estética.
Desarrollar las habilidades necesarias para que los

materiales y las técnicas plásticas se conviertan en un medio
de expresión.
Adquirir nociones espaciales
CASA
Molde, cartulina, lápiz, papel de colores, goma, tijera.
4. Proceso:
Comentar sobre: “cómo es mi casa”.
Transferir el molde de la casa a una cartulina.
Recortar el molde.
Armar la casa.
Trozar papel de colores y aplicar en paredes, techo, ventanas,

etc.

Collage y Mas Tecnicas Terapia Con Niños

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PLASTICOTERAPIA PARA NIÑOS

CON DÉFICIT DE APRENDIZAJE

GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú.

PROFESORA DE ARTES PLÁSTICAS DE ARTE “MATISSE”

Hoy en día, las técnicas de expresión artística se encuentran más

El presente documento registra el trabajo realizado con niños de 5

En los capítulos siguientes se describe los aspectos a considerar en

El primer capítulo consiste en el marco teórico que abarca entre

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 1 - Formación CAT

En el cuarto capítulo se desarrolla un análisis del proceso de la

El quinto capítulo muestra algunas conclusiones y observaciones

PLASTICOTERAPIA en niños con DÉFICIT DE ATENCIÓN

La Arteterapia no sólo ayuda en la comunicación, también potencia:

• La supresión del miedo a sentirse juzgado (arteterapia en

• Un aumento de la cohesión grupal (arteterapia en grupo)

• La tolerancia y la aceptación de las diferencias como algo

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 2 - Formación CAT

En Arte terapia el dibujo infantil es el objetivo central de la

DEFINICIONES DE ARTE TERAPIA

Arte terapia es definida como una profesión en el área de la

El arte terapia es definido por los Terapeutas como una forma

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 3 - Formación CAT

En las sesiones de arte terapia se procura llegar hasta el fondo

DIFERENTES ORIENTACIONES, MÉTODOS Y TÉCNICAS EN ARTE

El Arte Terapia abarca un amplio espectro de aplicaciones, ya sea

En el estudio de las diversas corrientes se encuentran dos de

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 4 - Formación CAT

Finalmente habría que preguntarse qué tipo de sistema de trabajo

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 5 - Formación CAT

• Se puede hablar de tipos de intervención de acuerdo a su

• El segundo tipo de intervención es intermedio. El terapeuta puede

• El tercer nivel, exploratorio, los beneficios nacen de una mayor

Se puede realizar una terapia de modo directivo o no directivo. El

VENTAJAS DE LA TERAPIA A TRAVÉS DEL ARTE

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 6 - Formación CAT

• Terapia no verbal: El trabajo con imágenes permite expresar

• Proyección: El realizar un producto tangible, espontáneo, que no

objetivo estético permite suponer que se relaciona con el mundo

• Catarsis: En el proceso de expresión plástica se estimula la

• Integración de opuestos: En el proceso creativo se expresan

• Disminución de las defensas: El arte es un medio menos utilizado

• Integración del mundo interno y externo: El creador debe

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 7 - Formación CAT

• Prototipo de un funcionamiento sano: Con la expresión plástica se

• Experiencia gratificante: La experiencia creativa es gratificante en

VENTAJAS DEL ARTE TERAPIA Y PSICOLOGÍA

A continuación se hace un breve análisis desde una perspectiva

Terapia no verbal: Plantean que el lenguaje verbal ha adquirido un

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 8 - Formación CAT

Proyección: Es definida por Dorsch como el desplazar hacia el

Catarsis: Dice Dorsch que el concepto proviene de la poética de

Disminución de las defensas: Según Dorsch defensa se define en

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 9 - Formación CAT

Integración del mundo interno y externo: La actividad artística

El proceso de la integración de polaridades es tratado en la

Prototipo de un funcionamiento sano: Araya, Correa y Sánchez

Experiencia gratificante: Para Kramer (1974) y Ulman (1975) el

LA AUTOESTIMA RELACIONADA CON LA EXPRESIÓN Y EL SÍ MISMO

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 10 - Formación CAT

Dorsch define la expresión como un conjunto de manifestaciones

Agregan diversos autores, que en el proceso de creación plástica se

Articulo perteneciente a: GLORIA VALDIVIA REYNOSO - Perú 11 - Formación CAT