CAPÍTULO I

Ishmael Randall Weeks

Cosas Perú 768 x 506

Hablar de Ishmael Randall es hablar de cómo lo concreto se transforma

en abstracción. Donde muchos ven desperdicios o objetos sin valor él ve lo excepcional y

una oportunidad para mostrar la realidad. Decir que es un ser talentoso y dotado es caer en la

redundancia, ya que con sólo con observar y contemplar sus obras nos damos cuenta de ello.

Nació en Cusco en el año 1946. A los dos días de nacer en un pueblo sur de Cusco,

se muda al distrito de Ollantaytambo, donde desarrolla su infancia hasta llegar a su pubertad.

De padre escritor y madre pintora, no dudaba de lo que iba a ser en el futuro. Randall (2017)

comenta: “Supongo que está en mis venas el ser creativo. Siempre había ese aprecio. Por mi

parte lo más apreciado era escribir y dibujar con las manos. En mi casa no había discusión si

iba a ser abogado u otra cosa.” (p.x)

 En el año 1989 se fue de Perú, a estudiar fuera, en una escuela de Ciaro, Washington.

Con tan solo dieciséis años de edad, realiza su primera muestra de pintura presentada en el

museo (xxxxx). Luego de unos años se muda a Nueva York.

Forma parte de los escultores más importantes del Perú y de Estados Unidos.

Licenciado en Artes Plásticas por el Bard College, Annandale-on-Hudson, NY (2000) y ha

participado en el Skowhegan School of Painting and Sculptore (2007). En estos espacios

desarrolla una práctica asociada a la escultura y basada en una inteligente experimentación

con los materiales.

Por muchos años, sus obras han sido expuestas en galerías y museos peruanos y de la

misma forma en el extranjero, como: Middlesbrough Institute of Modern Art, UK; MoMA

P.S.1, NY; el Museo de Arte Contemporáneo (MAC), Lima; CCEBA, Centro Cultural de

España en Buenos Aires; el The Drawing Center, NY; el Museo de Arte de Lima (MALI);

The Drawing Room, Londres, UK; el Museo de Bellas Artes, Ciudad de México; el Bronx

Museum, NY; el Museum of Fine Arts en Boston; el MACRO Museo d´ Arte

Contemporánea, Roma; el Museum of Art and Desing, NY; el Museo del Banco de La

República, Colombia; la Fondazione Cassa di Risparmio di Modena, Italy; etc.

Su trabajo abarca instalaciones, escultura, vídeo, y trabaja en papel .En estas obras,

los problemas de la urbanización, la transformación, la regeneración, la fuga, el colapso, y la

existencia nómada han sido predominante. Mientras que el trabajo en el estudio de dibujo

sirve como un medio para una exploración más íntima de estos problemas, la base de su

trabajo a mayor escala radica en la alteración de los materiales y los residuos ambientales, a
menudo en el sitio (incluidos los materiales básicos tales como libros, pelotas, latas vacías,

objetos electrónicos, triciclos, neumáticos viejos, bicicletas, piezas del barco, y fragmentos

de construcción de edificios) que a menudo son alterados para crear objetos escultóricos y

espacios arquitectónicos. Estas obras se presentan en forma visual de los objetos funcionales,

mientras que despojándolos de su productividad para hacer frente a las nociones de trabajo y

utilidad, obligando a un examen de nuestra comprensión de las formas culturalmente

específicas, mientras que la explotación y la adaptación de sus códigos y asociaciones

particulares de forma simultánea.

Ha colaborado en otras exhibiciones colectivas internacionales incluyendo la 10ª

Bienal de La Habana, así como la 9ª Bienal de Cuenca. Ha recibido becas, residencias y

premios de instituciones importantes como la fundación Marie Walsh Sharpe en Nueva York,

la Fundación para el Arte Contemporáneo, así como The Art matters, The Vermont Studio

Art Center, Johnson, Vermont y The Sculpture Space en Nueva York.

Reconoce que con el paso del tiempo ha ido madurando más no cambiado, ya que si

ese hubiese sido el caso, podríamos apreciar en sus obras rasgos fuertes de arte figurativo.

Considera el crecimiento de Ollantaytambo- y de Cusco en general - como un proceso

que se da a pasos agigantados, sin embargo, estos pasos están destinados hacia el turismo

dejando de lado el interés y la necesidad de las poblaciones y comunidades locales, tomando

en cuenta la importancia económica que posee el turismo y las inversiones que se generan a

través de ellas. Como respuesta ante esta problemática social y política Ishmael presenta

“APACHETA”, donde refleja su opinión a través del uso de minerales en piedra como lo son
el cobre y la plata, colocadas estéticamente sobre una escalera caracol, la que gira gracias a

un motor trabajado en la base de esta.

Motivado por los temas sociales como el “Baguazo” -desarrollado durante el período

del segundo gobierno de ex-presidente Alan García, que tuvo como finalidad la explotación

de los recursos mineros sin considerar las consecuencias de los daños ocasionados a estas

comunidades, daños como la contaminación ambiental, abuso de poder (llegando a generar

muertes por revueltas) - Ishmael toma como referencia sucesos sociopolíticos ocurridos en

el Perú para montar la instalación de “APACHETA”.

Gracias a la identidad que el artista atesora con su tierra de origen, presenta su

escultura TRIBUNA, identificando en ellas temas sociales como la ineficiente

formación educativa y principalmente temas relacionados con la historia del Perú :

crecimiento demográfico, migraciones, falta de identidad nacional,

 CAPÍTULO 2

Para el hablar del trabajo de Ishmael Randall debemos tener en manifiesto los

conceptos entre los que se catalogan sus obras: escultura e instalación; sin embargo,

tenemos que hacer mención de dos conceptos previos entre los que se avalará nuestro trabajo:

los valores táctiles y el movimiento.

VALORES TÁCTILES

Bergson, en su obra Les deux sources de la morale et de la religion, menciona:

Un cuerpo es, esencialmente, lo que es para el tacto. Tiene formas y dimensiones

definidas independientes de nosotros. Ocupa cierto espacio y no puede cambiarlo

sin tomar el tiempo necesario para ocupar, una a una las posiciones intermedias.

La imagen visual que tenemos del él la juzgamos una mera apariencia cuyos

diferentes aspectos deberán cambiar siempre de acuerdo con la imagen táctil.

Esta imagen es la realidad a la que la otra imagen atrae nuestra atención. (París,

Alcan, 1932, p. 139)

Aparecen, los valores táctiles, en representaciones que estimulan la

imaginación, es decir, a poder sentir su peso, su volumen, la distancia que existe entre
la pieza y nosotros, además de impulsarnos a tener contacto con ellos,

asirlos, caminar en su contorno y acogerlos.

Cuando una representación visual es catalogada como obra de arte y no como

un simple producto de trabajo con las manos , no importa cuán elegante sea o cuan

elaborado este , siempre posee valores táctiles ; ya que, será aceptado como obra de

arte si los atractivos de la pieza se apoya sobre estos valores táctiles.

Los valores táctiles son intensificadores de la vida y no despiertan simple

admiración, sino satisfacción y alegría.

MOVIMIENTO

Luego de los valores táctiles, el movimiento es el elemento más esencial en la obra de arte.

Según Bernard Berenson (2005) “Es la energía manifiesta que vitaliza los trazos que

limitan una obra y los delineamientos de todas las partes dentro de esos límites” (p.74)

La representación del movimiento puede estar representado con la multiplicación de

las líneas, es decir, descomponer el movimiento total mediante una cadena de formas fijas.

Para la creación de este movimiento, es importante que exista la presencia de luz (relacionado

con el volumen) para generar sombras propias. Fundamental es seleccionar bien el acabado

del material de la escultura.

Existen dos tipos de movimientos: El virtual y el real.

 Movimiento virtual: Crear la sensación de movimiento cuando no la hay.

  Movimiento real: Involucra el desplazamiento de las formas. Se puede apreciar

el movimiento de la pieza.

Respecto al segundo movimiento tratado, cabe mencionar que los escultores

constructivistas generaron el movimiento de la pieza escultórica gracias al uso de elementos

mecánicos o simplemente gracias al uso de las manos. El haber admitido un nuevo vocablo

(móviles) para definir ciertas obras de arte es tal vez aceptar que el arte de la escultura no se

ha puesto en tela de juicio, ya que si recordamos lo ya dicho sobre su esencia, la atracción de

estos objetos “móviles” es netamente visual.

Una “buena pieza” es otro sinónimo de movimiento. Cuando tiene movimiento, podemos

afirmar que también tiene cualidad y estilo.

Los elementos esenciales en una obra de arte son, en primer lugar, “valores táctiles” y

luego. “movimiento”. Sin embargo, no se puede tratar que basten tales elementos esenciales

para considerar completas y perfectas a las obras de arte. Tenemos las proporciones de las

figuras y la disposición del dibujo, la composición espacial, la cuestión de la significación

espiritual, la cuestión de la ilustración; sin embargo, una obra seguirá siendo una obra de arte

si posee valores táctiles o movimiento, y mejor aún, ambas cosas.

Luego de haber referido estos conceptos previos, debemos abordar, como tema principal

de este capítulo, los temas de arte de escultura e instalación, siendo tratados en el orden

presentado

ESCULTURA
Procedente del latín sculpere, “esculpir”, es el arte de crear formas figurativas y

abstractas, tanto extensas como en relieve, mediante la manipulación de materiales. Se

trata de una actividad de naturaleza humana que se remonta hasta la primera piedra tallada

en los tiempos de la prehistoria. Las obras escultóricas se expresan mediante formas sólidas,

reales, volumétricas ocupando así un espacio tridimensional: alto, largo y ancho, gracias a

esto se puede apreciar los distintos puntos de vista de una obra. Estas características que

definen una escultura hacen que el espectador no solo pueda tener una variada percepción

del objeto sino que también puede ser tocada, permitiendo que el tacto pueda percibir la

textura, la temperatura, la forma u otras cualidades de la materia. Esto es necesario

para compensar esta limitación, que el espectador se esfuerce en ver las obras desde múltiple

puntos de vista.

Años atrás, el uso del mármol y el bronce era resaltantes ya que se consideran los materiales

más nobles. El primero, muy duro, permite manifestar la perfección de la talla, ya que es

imposible ocultar los defectos; mientras que el segundo aunque es muy costoso y exige una

técnica difícil, ha sido el preferido para los encargos más prestigiosos y los monumentos

públicos al ser un material duradero que resiste muy bien a la intemperie.

Otro material noble usado es la madera, que admite bien a la policromía en aras de mayor

realismo. Adicional a estos, encontramos la piedra de alabastro, etc.

Mientras que cierto número de escultores contemporáneos se han mantenido fieles a la

estética de los movimientos de principios de siglo, otros han explorado nuevas direcciones.

Otros escultores han continuado desarrollando obras siguiendo las corrientes abstractas de

las vanguardias históricas, como Eduardo Chillida( El peine de los vientos).

La definición de escultura se ha extendido hasta incluir un amplio espectro de

manifestaciones creativas, materiales y técnicas.

Auguste Rodín - LA CATEDRAL -

Escultura en mármol Eduardo Chillida - EL PEINE DE LOS

VIENTOS- Escultura en acero

Museo de Rodín 800 x

1202 fotolector.diariovasco.com 1750 x 1167

Las esculturas contemporáneas rompen con los convencionalismos estéticos del

academicismo (obras basadas en normas clásicas establecidas por una Academia de Artes

) y desarrolla las nuevas posibilidades expresivas. Por ejemplo, Rodín trabaja la

sensibilidad moderna en sus temas y la invención de procedimientos precursores del arte

contemporáneo.

INSTALACIÓN