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Producción
(Lo que ocurre fuera del espacio gris está “saltándose el eje”)
❖ El ángulo de visión varía por muchas razones, principalmente
para seguir al sujeto. Con esa idea, propia del cine de los
30s, 40s, se terminaba disociando al personaje del espacio.
Las secuencias de diálogos se rodaban en estudios y luego se
componía la escena con material de estudio de diferentes
locaciones creando la continuidad. Lo importante para el
público era ver a las estrellas.
❖ La realidad es que el sujeto nunca está separado del
decorado, son un todo.
❖ Los ángulos de la cámara no son nada por separado. El
análisis simplista de que el picado posiciona al sujeto
inferiormente que al contrapicado, no es válido siempre, ej.
Ciudadano Kane:
➢ se utilizan mucho los contrapicados, cuando es jóven los
techos son bajos para demostrar su fuerza de desafiar a
la ley. Cuando es anciano y ha perdido toda su fuerza el
decorado parece gigante a comparación de él.
❖ El espectador se identifica con la cámara y sus movimientos,
transferencia. A menudo se varía el ángulo para crear
excitación del espectador, ya sea por secuencias complejas,
bailes, etc.
❖ La perspectiva lineal en los storyboards nos permite imaginar
diferentes puntos de vista ante un decorado real o ficticio.
❖ La perspectiva secuencial es la que utiliza el cineasta cuando
pone un plano tras otro para crear otra experiencia espacial.
El montaje en continuidad puede dictar sus propias leyes
físicas. Puntos de vista:
➢ Vista a la altura de los ojos: tienden a ser estables y
sirven de contraste a composiciones dinámicas.
➢ Picado: el grado de perspectiva puede ir aumentando para
aumentar la profundidad. A medida que avanzamos los
planos se van cerrando, se conoce como plano progresivo.
Si la vista de un encuadre entra en conflicto con otra
no será progresivo.
➢ Contrapicado: encuadre antagónico.
❖ Una manera de ver los ángulos de cámara y cómo representan el
espacio es dibujar los story sin el sujeto
❖ A lo largo del tiempo cada vez más se utilizan las locaciones
ante los decorados por un tema de dinero y de realismo. Para
espacios grandes es necesario utilizar un objetivo de gran
angular (se utiliza mucho en t.v)
❖ Los términos abierto y cerrado se utilizan para describir la
ubicación de un sujeto en el encuadre. Los encuadres abiertos
son bastante propios de los documentales donde el director no
puede controlar lo que está dentro. Aparecen personas
cortadas. En los cerrados todo está cuidadosamente situado.
Sin embargo ambas pueden ser fingidas para crear orden o
desorden.
❖ El cineasta los utiliza para crear distintos grados de
participación del espectador, distancia estética. El tamaño
de un plano, gracias a la profundidad, establece la relación
público-sujeto. Algunas formas de crear esto con encuadres
abiertos:
➢ situar la cámara en contrapicado para ver mejor al
sujeto con el que quiero que el público se identifique.
➢ utilizar la profundidad de campo para destacar más a uno
que a otro, aunque hay veces que el que menos se nota es
el que más llama la atención
➢ aprovechar el contraste visual del sujeto
❖ Muchas veces las puertas hacen veces de encuadre para
permitir al espectador espiar la situación. También otras
arquitecturas, a través de teleobjetivos al comprimir la
acción en profundidad o espejos dándonos la posibilidad de
combinar un plano-contraplano.
❖ El punto de vista determina con quién se identifica el
espectador. Casi siempre es invisible para el espectador pero
la sumatoria afecta la interpretación. Existen tres tipos de
narración para determinar el punto de vista con la cámara:
➢ Primera persona: por ejemplo Hitchcock muestra los
acontecimientos a través de los ojos de un personaje, no
se utiliza este recurso todo el tiempo.
➢ Tercera persona: se presenta la acción como si fuese
vista por un espectador ideal, es el más común en
Hollywood y se combina con pasajes omniscientes y
subjetivos.
➢ Omnisciente: tenemos que pensar qué piensa el personaje,
para ello se utiliza voz en off o recursos gráficos
(muchos lo consideran poco cinematográfico)
❖ Existen grados de subjetividad para cualquier plano; cuanto
más cerca esté la cámara de la mirada de un actor, mayor será
el grado de identificación.
❖ Hay dos formas de determinar la identificación del
espectador:
➢ Control gráfico: utiliza la composición y puesta en
escena (ej. colocación del actor en el encuadre)
➢ Control narrativo: depende en gran medida del montaje,
el contexto narrativo da a entender incluso en encuadres
cerrados y puntos de vista de terceras personas.
❖ Algunos ejemplos de cómo emplear estas técnicas:
➢ identificar primeros planos del otro personaje como
punto de vista
➢ si el material fue rodado con una cámara fija se puede
cambiar el orden de los planos (suponiendo que se base
en la continuidad)
➢ secuencia auditiva/subjetiva del personaje con el que
queremos que se identifiquen
➢ el personaje acompaña al espectador a meterse en la
escena
➢ usar un personaje más tiempo en pantalla generalmente
hará que nos identifiquemos más con este
➢ utilizar un personaje sumido en sus pensamientos hará
que nos identifiquemos más con este