EXAMEN PARCIAL DE

LOCUCIÓN RADIAL
Profesor:
Romero Egúsquiza, Carlos

Integrantes:
CALDERON POZO, VALERIA FERNANDA
CASTILLO ORDOZGOITI, JUAN MANUEL LAURENT
FERNANDEZ CHANAME, BRIAN ALEXIS
LOYOLA NUÑEZ, ANGELA LUCILA
ORE RODRIGUEZ, ALLISON AILAHT
RISCO BERNAL, GERALDINE
RODRIGUEZ CAMPOS, LEONARDO JEAN PIERRE
ROJAS CHAVEZ, ALEXANDRA ROXANA
VASQUEZ RAMIREZ, MAKY YURIKO
ZAVALETA GUTIERREZ, ANNGIE ALANIS

Bloque:
8C – 2F

2015
 1. PÚBLICO OBJETIVO DE LA RADIO:

RADIO HELP
La nueva propuesta de Radio Help ofrece una frecuencia inspiradora única en programación y buena música,
orientada a quienes buscan disfrutar de la vida. En la 102.5 fm “Salve el rock”, los jóvenes de 16 años hasta
adultos de 35 años, encontrarán siempre un buen tema, no sólo musical con un catálogo seleccionado a
mano de la mejor música del rock de los 80´s y los 90´s, si no también editorial, con todos los contenidos que
tienen que ver con sus intereses y pasiones. En radio Help hablaremos de: actualidad, cine, teatro, literatura,
arte, viajes, gastronomía, tendencias y calidad de vida.

 PÚBLICO OBJETIVO:

GÉNERO:

MÁSCULINO FEMENINO

 NIVEL SOCIOECONÓMICO DE LOS DISTRITOS:

GRUPO SOCIOECONÓMICO:
 Sector A: Este nivel se concentra mayoritariamente en la Zona 7, compuesta por San Isidro, Miraflores,
Santiago de Surco, San Borja y La Molina
Perfil del A: alto / medio alto (3.4%)

 Sector B: Este nivel se concentrada mayoritariamente en las Zonas 6 (San Miguel, Pueblo Libre, Jesús
María, Lince, Magdalena) y Zona 7 (Santiago de Surco, San Borja, la Molina, Miraflores y San Isidro).
Medio típico (b1) 7.5% (se concentra en la zona 7 y en segundo lugar la zona 6).
Medio bajo (b2) 7.1% (se concentra en la zona 2 y en segundo lugar la zona 4).

 Sector C: Este nivel se concentra mayoritariamente en la Zona 2 (Independencia, Los Olivos, San Martín
de Porras); Zona 4 (Cercado, La Victoria, Rímac y Breña); Zona 1 (especialmente Comas)
Perfil del Nivel C: Bajo (31.7%)
SEGMENTACIÓN PSICOGRÁFICA:
Nuestros oyentes son personas jóvenes entre los 16 y 35 años. Son personas activas tanto en el ámbito
universitario y laboral, son extrovertidos, creativos, innovadores, alegres, con una vida social activa y que
viven en la vanguardia de los acontecimientos; que tienen contacto con los medios de comunicación como
el internet, las redes sociales, la televisión, las revistas y el cine.
Disfrutan del rock, el entretenimiento, teatro, buscando espacios de expresión.
Ellos escuchan música en todo momento ya sea en el transporte público o en auto yendo o regresando de
su centro de estudios o del trabajo.
Gustan de un momento de espacio musical para crear un perfil que los identifique, que refleje sus gustos
teniendo la posibilidad de elegir sus grupos de rock musicales favoritos, evaluar lo que escuchan y opinar
sobre ello.

¿Qué desea que hagan los oyentes en el sitio?

Que conozcan cada uno de los programas que les ofrece radio Help 102.5, que puedan programar música,
votar a cerca de sus cantantes favoritos, comentar ya sea los mismos programas y/o canciones que se
estén reproduciendo.
El público objetivo que escucha radio Help, tienen un estilo de vida donde el rock se toma enserio. Está
comprometido con la tecnología y sobre todo predomina el pensamiento joven.
A nuestro público le encanta el rock alternativo, tanto de los 80-90, llamando la atención de todo aquel que
le guste este tipo de música en inglés y español.
2. OBJETIVO GENERAL

Misión
Somos una radio trasmitida solo a nivel nacional, que busca fomentar la originalidad que se ha perdido en
la radio en el género rock.
Visión
Entretener a los oyentes con la música de género rock y tener interacción con el público para no ser una
radio estática y así lograr ser una de las mejor radios de nuestro país.

3. CONCEPTO
Help 102.5 FM “Salve el rock”, es una emisora de radio peruana que se encarga de transmitir hoy en día la
mejor música de rock de los años 80´s y 90´s con los increíbles hits de algunos de los artistas de esa
época como:
4. PARRILLA DE PROGRAMACIÓN

 Programa “La Alarma”: Un programa de lunes a sábado de 7:00 a 10:00 am para despertar a los
oyentes cada mañana y acompañarlos en su ruta al trabajo, colegio, universidad, etc. Donde la pasarán
más que genial con las mejores canciones de rock de los 90.
 Programa “Noticia Rebelde”: De lunes a sábado de 10:00 am a 1:00 pm que te presentará una
colección de éxitos de los 80 y los 90. Además los locutores te contarán algunos temas que no sabías
sobre tus artistas favoritos.
 Magazine “El Lonza”: De lunes a viernes de 4:00 a 6:00 pm este programa hará tus tardes geniales
donde se comentará sobre distintos temas y los oyentes podrán interactuar a través de Facebook y
twitter.
 Talk show “Cállate y Escucha”: Un programa de lunes a viernes de 6:00 a 9:00 pm donde los locutores
podrán entrevistar a distintos invitados sobre temas de actualidad y música.

 Programa “Insomnio”: Aquí podrás escuchar lo mejor del rock en español de lunes a miércoles de
9:00pm a 00:00 am.

 Programa “Los Profugos” : Podrás escuchar este programa los miércoles y jueves de 9:00 a 12:00 pm;
y los sábados de 6:00 a 9:00 pm te arma las previas a una buena noche para pasar con tus patas.
 Programa “La Rockola” Escúchalo los sábados de 4:00 a 6:00 pm, programa especializado en rock de
los 80, donde escucharás los temas con más altas posiciones de esa década.

 Programa: “La Resaca”: Programa “La resaca”: Sábado de 12:00 a 3:00 pm, un programa para
escuchar y relajarte después de una resaca.

5. GÉNERO Y LISTADO DE CANCIONES:

 CANCIONES EN INGLÉS:

80’s
1. Canción: Don’t Stop Believin’
Intérprete: Journey
Disco: Escape
Año: 1981

Historia: En el verano del año 1981, la banda empezaba a grabar su nuevo trabajo musical, para ello
llevaron todos sus equipos e instrumentos a una sala de ensayo ubicada Berkeley, California. En esas
sesiones, la banda empezó a crear nuevo material musical, y nuevamente la influencia de su nuevo
tecladista fue tomando fuerza.
Una tarde, mientras la banda buscaba nuevas ideas y nuevos acordes, el guitarrista Neal Schon dejó de
lado su instrumento y se puso al hombro el bajo. De inmediato sus dedos empezaron a tocar un "riff" muy
llamativo. De inmediato, y mandando por el guitarrista, el baterista Steve Smith pescó una guitarra y
empezó a tararear una parte vocal muy simple pero a la vez potente. Fue en esa improvisación, en que
Cain y Perry decidieron poner manos a la obra y empezar a crear una nueva canción. Así fue como una
noche, en que Cain y Perry se fueron de parranda por el Sunset Strip, estos dos músicos escribieron la
letra de la canción inspirados en toda esa gente que la pasaba bien escuchando música y compartiendo
con amigos.
El resultado final fue "Don't Stop Believin".

Fuente: http://detrasdelacancion.blogspot.pe/2011/10/dont-stop-believin-journey.html

2. Canción: Eye of the Tiger

Intérprete: Survivor
Disco: Survivor
Año: 1982

Historia: Tony Scotti puso algunos de los temas del disco de Survivor a Stallone, que se dio cuenta que
el estilo de las canciones de Survivor eran las que el buscaba para su película, así que ni corto ni perezoso
dejo un mensaje en el contestador automático de Jim Peterik y Frankie Sullivan (los principales
compositores de las canciones de Survivor), que alucinaron en coloren cuando escucharon la voz de
Silvester Stallone pidiéndoles participar en la composición de la banda sonora de su nueva película.
Claro ellos aceptaron el reto encantados, y pronto recibieron una copia de la película “Rocky III”, para que
viéndola pusieran música a sus escenas, Stallone quería desmarcarse de la música que había formado
parte de sus dos anteriores films, y que estaba formada por temas bastante conocidos, era el momento
de adueñarse del mercado joven, y para eso necesitaba a un grupo moderno como Survivor.
 Pero había una parte de la película que Stallone consideraba la más importante, y quería que la música
fuese la coreografía de las imágenes, en la copia que visionaron Survivor, la canción que Stallone había
colocado de muestra era el conocido “Another one bites the dust” de Queen, la rítmica canción quedaba
muy bien con la escena, y hasta los mismos Survivor intentaron convencer a Stallone que no había porqué
cambiarla.
Stallone fue sincero y contestó que al también le parecía perfecta, pero que era imposible conseguir los
derechos de la canción de Queen.
Así que Peterik y Sullivan se pusieron manos a la obra, empezaron con el mítico riff de guitarra, que
secuenciaba perfectamente los puñetazos de los boxeadores en pantalla.
Para la letra utilizaron algunas frases de la primera película de Rocky, y el hilo argumental de la que tenían
entre manos, en el que por cierto se vieron reflejados, porque ellos como Rocky, también luchaban por
llegar a la cima a pesar de las dificultades que encontraban por el camino.

En un sólo día ya tenían compuesta la mayor parte de la canción, y en los dos días siguientes se acabó
completando, el título de la canción “The eye of the tiger”, se extrajo de la secuencia en que Apollo Creed,
el amigo del entrenador ya fallecido de Rocky, le anima a dejar la mala vida que lleva y que luche por que
vuelva su mirada de tigre, y ese hambre que ha perdido de ser campeón.
El grupo entregó la maqueta de “Eye of the tiger”, a Stallone, que quedó bastante contento, aunque sugirió
dos cosas: Primero que las baterías sonasen más fuertes y poderosas, y segundo que se añadiese una
cuarta estrofa a la canción, el grupo que confiaba mucho en el actor aceptó las propuestas de este, y el
tema fue remezclado de nuevo.

Fuente: http://www.abretedeorejas.com/?p=2572

3. Canción: Rock You Like a Hurricane

Intérprete: Scorpions
Disco: Love at First Sting
Año: 1984

Historia: Con el lanzamiento de su noveno álbum, esta banda alemana logró atravesar todas las fronteras
del mundo e hizo que sus canciones fueran escuchadas en los cinco continentes y que además, fueran
vistos como una banda seria y muy profesional dentro de la escena del rock ochentero.
Este himno del rock, empieza con una sencilla parte de guitarra en manos del simpático Rudolf Schenker
junto a unos delicados y energéticos adornos rockeros por parte de las seis cuerdas de Matthias Jabs.
Esta canción destaca por sus amplios y sorprendentes solos de guitarra y un coro épico, que la deja
catalogada como una proeza apta para cantar a viva voz en los estadios.

Con una letra que habla sobre la rebeldía y la sexualidad extrema, la cual fue escrita por el vocalista Klaus
Meine, que tuvo que arreglar casi diez veces la letra, ya que no quedaba conforme con los arreglos.
La banda logró entrar en la casilla #5 del Billboard Top Rock Tracks en Estados Unidos y a la casilla #25
del Billboard Hot 100.
Con el paso de los años la canción fue tomando más fama, especialmente cuando ocupó el cuarto lugar
en la lista de los mejores riffs de guitarra de todos los tiempos hecha por la revista Sync en el año 2006 y
demás, cuando el canal VH1 colocó esta canción en el número 31 de su conteo sobre las 100 mejores
canciones de hard rock.

Fuente: http://detrasdelacancion.blogspot.pe/2010/06/rock-you-like-hurricane-scorpions.html
4. Canción: Livin’ On A Prayer
Intérprete: Bon Jovi
Disco: Slippery When Wet
Año: 1986

Historia: Parte del éxito de "Livin' on a Prayer" se debió a su letra, que cuenta una historia de amor en
tiempos difíciles. Tommy y Gina, sus protagonistas, son una pareja de clase trabajadora, a la que el día a
día le es cada vez más arduo, y en la que sus integrantes sólo se sostienen por la compañía del otro ante
el anhelo de un futuro mejor. Estos protagonistas están basados en una situación de la vida real que
Desmond Child, quien fue co-autor de esta canción, él vivió en su juventud a finales de los 70's cuando
vivía con María Vidal, quien entonces era su novia. Él era taxista en Nueva York y ella mesera en un
restaurante.
Inicialmente, Livin' On A Player, no iba a formar parte del tercer disco de la banda, ya que a Jon Bon Jovi
no le parecía lo suficientemente buena; pero Richie Sambora, guitarrista de la banda, lo convenció del
potencial del tema.

Fuente: http://www.rollingstone.com.ar/1611268

5. Canción: You Give Love A Bad Name

Intérprete: Bon Jovi
Disco: Slippery When Wet
Año: 1986

Historia: Marcó un antes y un después de la banda liderada por el carismático Jon Bon Jovi y fue la
primera canción de la agrupación que contó con la ayuda del famoso compositor y productor Desmond
Child. Esta canción fue una dedicatoria de Jon Bon Jovi para Diane Lane. Trata de una mujer que hace
sufrir a su amante terriblemente. La canción contiene una letra que trata sobre un hombre que se dá
cuenta que su mujer lo trata mal y que simplemente ella no es para él. Con ese mensaje, sumado el estilo
pop de la banda y sus vestimentas que hoy por hoy nos parecen ridículas, eran la mezcla perfecta para
tener un buen recibimiento por parte de la juventud que ansiaba una dosis de buen rockante tanto
sintetizador de Tecno-Pop en las radios.

Fuente: http://detrasdelacancion.blogspot.pe/2010/10/you-give-love-bad-name-bon-jovi.html

6. Canción: Sweet Child o’ Mine

Intérprete: Guns N’ Roses
Disco: Appetite for Destruction
Año: 1987

Historia: La canción surgió mientras Slash afinaba su guitarra, Axl tropezó y Slash intentó imitar el sonido
de un circo a modo de burla, tocando 3 simples notas. Axl Rose se fascinó con la melodía y compuso una
canción, cuya letra era un poema a su entonces novia y luego esposa Erin Everly.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Sweet_Child_o%27_Mine
7. Canción: Welcome to the Jungle
Intérprete: Guns N’ Roses
Disco: Appetite for Destruction
Año: 1987
Historia: Welcome to the Jungle fue escrita por Axl Rose. Según Axl la inspiración para escribir la letra le
vino de un encuentro que tuvo con un vagabundo mientras caminaba por la ciudad de Los Ángeles, el
hombre después de asaltarlo le gritó: « ¿Sabes dónde estás?, estas en la jungla nene, ¡vas a morir!».
Dicho incidente causó un gran impacto en Axl, el cual lo convirtió en uno de los temas más representativos
de la historia del rock & roll, considerado por VH1 como la mejor canción de hard rock y la segunda mejor
canción de Heavy metal de todos los tiempos. Otra línea «I wanna watch you bleed» fue originariamente
escrito como una alusión al tema de AC/DC «If You Want Blood You've Got It», y la letra de la canción «I
want you to bleed for me», pero Axl cambió las letras una semana antes de grabar la canción y la métrica
de la letra revisada coincidía mejor.
Slash describe el desarrollo de la música de "Welcome to the Jungle" como su propia autobiografía. A
medida que la banda estaba tratando de escribir nuevo material, Axl recordó un riff de Slash había tocado,
mientras vivía en el sótano de la casa materna de Slash. Slash empezó a tocar el solo y la banda pronto
sentó las bases de la canción mientras Slash seguía improvisando con la guitarra. Según Slash, la canción
fue escrita en aproximadamente tres horas.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Welcome_to_the_Jungle

90’s
8. Canción: Come as you are
Intérprete: Nirvana
Disco: Nevermind
Año: 1991

Historia: Responsable de popularizar tanto a Nirvana como a todo el movimiento grunge. Recordada
como una de las canciones más optimistas de Nirvana. Mientras que otras canciones de la banda
contenían letras "oscuras", Come as You Are le da la bienvenida al oyente «como amigo».
Come as You Are es recordada como una de las canciones más optimistas de Nirvana. Mientras que otras
canciones de la banda contenían letras "oscuras", Come as You Are le da la bienvenida al oyente «como
amigo». La canción tiene el tema general de la aceptación, invitando al oyente a hacer lo que el título dice
(«Ven como eres»). Sin embargo, también contiene un ligero aire de sospecha por el encuentro,
particularmente la línea («Y juro que no tengo un arma» que es repetida varias veces.
Como consecuencia de la muerte del cantante Kurt Cobain en abril de 1994, se le dio mucha importancia
a este verso. Varios comentarios se han hecho sobre otras canciones de Nevermind que mencionan a las
armas. Sin embargo, posteriormente fue tomado como mera coincidencia puesto que el álbum fue grabado
tres años antes de la muerte de Cobain.
Por otra parte se cree que esta canción había sido dedicada a su futura hija Frances Bean.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Come_as_You_Are
 9. Canción: One
Intérprete: U2
Disco: Achtung Baby
Año: 1991

Historia: En palabras del propio Bono, One resumía una visión escéptica sobre la ilusión naif de unidad
y hermandad en el mundo, más allá de que con el tiempo el uso de la canción fue derivando en un sentido
algo más luminoso y positivo, siendo utilizada en infinidad de eventos de caridad. Hoy en día la banda en
vivo la utiliza para promocionar hechos vinculados a los derechos humanos y reafirma la posibilidad de
una unidad adulta entre pueblos y naciones, destacando que para ello es necesario reconocer las
diferencias por sobre la masificación.
El tema mantiene en su letra un tono oscuro e inconformista, y está inspirada en palabras de la propia
banda, tanto en la reunificación alemana luego de la caída del muro de Berlín, como en el proceso de
crisis de pareja que estaban viviendo los cuatro integrantes del grupo en ese momento. La profunda
crudeza de algunas frases junto a una lírica fuertemente emotiva y desgarradora, se suman a un tiempo
medio sostenido por una sólida base rítmica, que deriva luego en un in crescendo donde la guitarra de
The Edge se destaca sutilmente y la versátil voz de Bono entrega quizás una de sus interpretaciones más
logradas. La sumatoria de todo ello, ha hecho del tema un favorito de los fans de todas las épocas.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/One_(canci%C3%B3n_de_U2)

10. Canción: Losing My Religion

Intérprete: R.E.M
Disco: Out of Time
Año: 1991

Historia: El guitarrista Peter Buck compuso el ostinato principal y el estribillo en una mandolina mientras
miraba la televisión un día. Buck había comprado el instrumento recientemente y estaba intentando
aprender a tocarlo, grabándose mientras practicaba. Sobre esto, dijo: «Cuando volví a escucharlo al día
siguiente, había un puñado de cosas que eran yo aprendiendo a tocar la mandolina y luego estaba lo que
se convirtió en “Losing My Religion”, y luego un puñado más de mí aprendiendo a tocar la mandolina».
En la canción Michael Stipe canta los versos «That's me in the corner/That's me in the spotlight/Losing my
religion» («Aquí estoy yo en el rincón/Aquí estoy yo en el foco de atención/Perdiendo mi religión»). La
frase «Losing my religion» (en español, literalmente, «perdiendo mi religión») es una expresión del sur de
los Estados Unidos que significa perder la compostura o llegar al límite de la paciencia.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Losing_My_Religion

11. Canción: Alive

Intérprete: Pearl Jam
Disco: Ten
Año: 1991
Historia: Alive es una de las canciones pertenecientes a la trilogía “Mamasan” como lo denomina el
vocalista de Pearl Jam, Eddie Vedder. Es una especie de pequeña ópera rock, que consta de tres
canciones las cuales narra la historia de un niño con un pasado traumático que, después de perder los
 estribos, se convierte en un asesino en serie y termina con sus huesos en la cárcel, culpando a su madre,
con quien había mantenido una relación incestuosa.
La canción, como Vedder ha revelado, es parte autobiográfica y parte ficción. Cuando Eddie era un
adolescente, su madre le reveló que el hombre que conocía como su padre en realidad era su padrastro,
y que su padre biológico estaba muerto.
El origen no solo de la canción, sino también de la trilogía, se encuentra en los demos que Stone
Gossard, Jeff Ament y Mike McCready grabaron durante su participación en el proyecto Temple Of The
Dog, con el objetivo de buscar un baterista y un cantante para su nuevo grupo.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Alive_(canci%C3%B3n_de_Pearl_Jam)

12. Canción: Under the Brigde

Intérprete: Red Hot Chili Peppers
Disco: Blood Sugar Sex Magik
Año: 1991

Historia: Bajo el puente de la ciudad, entregué mi vida”. Cuantas veces tatareamos el estribillo de esta
canción sin pensar en lo que Kiedis -voz principal de Red Hot Chili Peppers, quiere contarnos con esta
historia. Una canción que habla sobre drogas, necesidad, adicción y una terrible soledad. Y, lo más
importante, es una historia personal y real, una letra escrita desde la sinceridad más profunda de su auto.
Kiedis ha admitido más de una vez que desde que era un niño su don era escribir. Se sentaba, cogía un
lápiz o lo que tuviera a mano, y era capaz de usar palabras insignificantes y divertirse juntándolas en una
canción. Sin embargo, Under the bridge fue diferente: “Iba por una autopista de Hollywood, volviendo del
ensayo, sin pensar en nada, y de pronto una canción entera me vino a la cabeza. Cuando llegué a casa
la escribí”. Y aunque parezca sencillo, para Kiedis esta canción supone el incómodo recuerdo de una
etapa de su vida que prefiere olvidar. Una etapa donde sus mejores amigas fueron la soledad y las drogas,
donde todo lo que tenía se resumía en una sola palabra: Mario. Mario era su amigo, un ex-
convicto mexicano que le conseguía la mejor droga. La dependencia hacia él y hacia lo que él le daba era
cada vez mayor, hasta el punto de hacer que Kiedis escribiera una canción contando algo de lo que no se
siente orgulloso.

Fuente: http://www.vagon293.es/musica/under-the-bridge-el-coqueteo-de-kiedis-con-las-drogas/

13. Canción: Creep

Intérprete: Radiohead
Disco: Pablo Honey
Año: 1993

Historia: El cantante Thom Yorke, escribió el tema mientras estudiaba Arte y Literatura en la Universidad
de Exeter a Gerald.7 El guitarrista de la banda, Jonny Greenwood, menciona que la canción estuvo
inspirada en una chica que Yorke había seguido inexplicablemente durante una presentación del grupo.
De acuerdo con él, la canción cuenta la historia de un hombre ebrio que intenta llamar la atención de la
mujer por la que se siente atraído, persiguiéndola por todas partes. Al final, pierde la confianza en sí mismo
para alcanzarla.
 A finales del verano de 1992 fueron firmados por el sello musical Parlophone, subsidiaria de la EMI, y el
grupo se puso a trabajar en un sencillo, durante esas sesiones grabaron «Creep» casi como una
improvisación.7 Cuando hicieron la primera demostración para los productores Sean Slade y Paul Q.
Kolderie, el vocalista describió a «Creep» como «nuestra canción Scott Walker», pero los productores
malinterpretaron la frase y no la admitieron al principio, pensando que era una versión.9 Al observar mucha
dificultad en las grabaciones, Slade y Kolderie le pidieron a la banda que la interpretara de nuevo, ellos la
grabaron en una sola toma y después de finalizar, los productores y el personal —que se encontraba en
la habitación— rompieron en aplausos.7 Una vez que le confirmaran a Kolderie que «Creep» era una
grabación totalmente original, él le llamó a la EMI para que la discográfica la considerara como el próximo
sencillo de la banda.10 A pesar de los halagos y de la grata impresión que le causaron a sus productores,
la banda no tenía intenciones de lanzarla al mercado.

Fue lanzado como su sencillo debut en 1992, y luego apareció en su álbum Pablo Honey de 1993.
Inicialmente no tuvo mucha difusión puesto que la BBC Radio 1 la consideró demasiado depresiva,5 por
lo que fue retirada de la programación tras haberla radiado tan sólo dos veces. Sin embargo, después de
su re-lanzamiento en 1993, escaló al número siete en el UK Singles Chart del Reino Unido y al número
dos en el Hot Modern Rock Tracks de Billboard en los Estados Unidos.

A Radiohead le disgustaba la canción porque consideraban que la letra era demasiado «comercial» (al
ser intencionalmente loser). Esto, sumado al enorme éxito que el tema cosechó, hizo que llegaran casi a
odiarla, y «Creep» dejó de formar parte del repertorio habitual de la banda. Esta no volvió a ser interpretada
en conciertos hasta 2001, y desde entonces aparece esporádicamente en su repertorio; la última vez que
ha sido interpretada en un concierto fue abriendo su show en el festival Reading el 30 de agosto de 2009.6
También la tocaron durante su primera gira en Sudamérica.[cita requerida] El tema se convirtió en uno de
los mayores éxitos de la banda y la única canción del grupo, hasta la publicación en 2008 de la canción
Nude, en alcanzar el Top 40 en los Estados Unidos.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Creep_(canci%C3%B3n_de_Radiohead)

14. Canción: Wonderwall

Intérprete: Oasis
Disco: (What's the Story) Morning Glory?
Año: 1995

Historia: Rumores dicen que Noel escribió el tema, para su novia Meg Mathews, pero luego de la
separación en el año 2001, Gallagher sostuvo que, todo había sido un invento de la prensa y que en
realidad la canción fue hecha para un amigo imaginario el cual lo vendría a salvar.
Mención honrosa a los dichos de Noel: “gane más de 4 millones de dolares en una semana por la canción”
Además, “Wonderwall” es uno de los temas más versionados de los oriundos de Manchester. Cabe
mencionar que, Robbie Wiliams lo parodio en un concierto en la ciudad de Slane Castle, debido a los
constantes ataques de la banda quienes se referían a Robbie como “El gordo que bailaba en “Take That”.

Fuente: https://errordepagina404.wordpress.com/2009/09/14/una-pequena-historia-de-wonderwall-de-
oasis-%E2%99%AC%E2%99%AC%E2%99%AC/
15. Canción: Otherside
Intérprete: Red Hot Chili Peppers
Disco: Californication
Año: 1999

Historia: Otherside trata sobre los conflictos internos, los fantasmas y demonios personales.
El punto de partida de su composición es una experiencia compartida por algunos miembros de la banda:
la lucha por desengancharse de la droga, el combate contra la adicción, que únicamente se puede llevar
a cabo solo. Ese trance intenso es la mayor representación de la pelea contra uno mismo, por lo que
simboliza todos esos enfrentamientos interiores, el deseo de un hombre contra su voluntad, su
dependencia contra su libertad.
En esta visión onírica Red Hot Chili Peppers, mientras actúan en una ciudad fantasmal que les sirve de
instrumento, contemplan una sombra rebelde, de la que su propietario intenta huir a través de un mundo
simbólico.
Fuente: http://el-anaconda.blogspot.pe/2007/01/msica-otherside.html

 CANCIONES EN ESPAÑOL:

16. Canción: YO NO QUIERO VOLVERME TAN LOCO

Artista: Charly García
Disco: Yendo de la cama al living
Año: 1982

Historia: Este tema, al igual que "Inconsciente colectivo", iba a formar parte del quinto álbum de Serú
Girán, que no llegó a grabarse por la partida de Aznar y la separación del grupo. Nació como un
adrenalínico rock New Wave bajo el título "Pena en mi corazón", y fue interpretado por Serú en sus
recitales en el Coliseo del 81, con García en la viola eléctrica. Reaparece en Yendo... como un rock
midtempo en la línea Petty-Springsteen, y tal vez de ahí la elección de León Gieco como cantante
invitado. Grito de rebeldía juvenil de Charly ante una sociedad pacata y reprimida ("No me importa si soy
un bandido/Voy pateando basura en el callejón"), contiene una frase genial que se volvió eslogan popular:
"La alegría no es sólo brasilera".

Fuente: http://www.rollingstone.com.ar/1814884

17. Canción: SEXO

Artista: Los Prisioneros
Disco: La voz de los 80’
Año: 1984

Historia: El tema de la canción no es el sexo ni una crítica a la pornografía en sí, sino a la persona que la
consume sin percatarse que es una parte del problema al hacerlo. (…) la dureza de las descripciones
impide dobles lecturas o críticas o negación de una realidad. La mejor crítica a la maldad de la pornografía
no es entonces a la pornografía en sí misma, sino que está en la burla al «cliente fácil» que «compra por
una promesa de sexo». Así también, la hipocresía con que la sociedad aborda lo sexual y el habitual doble
estándar televisivo frente al tema fueron denunciados con acidez e ironía: «El mejor gancho comercial,
apela a tu imbecilidad, te trata como un animal, poniendo en claro tu brutalidad».

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Sexo_(canci%C3%B3n)
18. Canción: LA VOZ DE LOS OCHENTA
Artista: Los Prisioneros
Disco: La voz de los 80’
Año: 1984

Historia: «Yo la pensé mucho para discotheque. En esos años, el 82 y el 83, había muchas fiestas en
San Miguel y un amigo del Claudio, Rodrigo Beltrán, ponía música en esas fiestas. Con él descubrimos a
grupos como Tequila, que eran unos españoles que en San Miguel mataban, tanto
como Devo o Stranglers, mientras en el resto de Santiago estaban tocando a Michael Jackson y
los Foreigner. Entonces, yo pensé en La Voz de los 80 como para bailar en discotheques, porque era una
canción tiradora para arriba, eufórica, que levantaba de moral. Pero para mí era una canción del montón
hasta que se la mostré a Fonseca. Él la vio como hit, y tenía oreja para los hits.»

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/La_voz_de_los_%2780_(canci%C3%B3n)

19. Canción: DEMOLIENDO HOTELES

Artista: Charly García
Disco: Piano bar
Año: 1984

Historia: El inicio del período salvaje, con un canto de guerra que describe de dónde venimos, subraya
algunos traumas y deja un interrogante ante el voluntarismo desmedido de la primavera democrática. La
apertura de Piano Bar es la síntesis más acabada del concepto de reacción, después del clic moderno
nada podía ser igual y el gesto crudo de la canción es el modo de contradecir a todos. El disco está
grabado íntegramente en vivo, no hay segundas tomas y todo suena urgente y despojado. "Demoliendo
hoteles" funcionó como el campo de prueba para confirmar el aguante de la banda integrada por los GIT,
Fito Páez y Daniel Melingo. También incluye la frase generacional del disco, la irrefutable "yo que nací
con Videla".

Fuente: http://www.rollingstone.com.ar/1814884

20. Canción: POR QUÉ NO SE VAN

Artista: Los Prisioneros
Disco: Pateando piedras
Año: 1986

Historia: La letra de la canción puede tener dos lecturas. Una, puede ser una crítica sarcástica a ciertos
sectores sociales de la época (en especial los círculos que organizaron el golpe militar de 1973) que se
quejaban del «atraso» cultural del país en relación a los países desarrollados, instándolos a abandonar
literalmente el país para que dejen a los nacionales forjar un destino propio con raíces locales.
La segunda lectura, poco probable, sería la existencia de un genuino deseo de Jorge González de vivir
en el extranjero. Esto tendría cierto asidero en el hecho que desde mediados de los años noventa ha fijado
su residencia en países de Norteamérica y Europa, desde donde critica el acontecer nacional y su
mediocridad.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/%C2%BFPor_qu%C3%A9_no_se_van%3F
21. Canción: PRÓFUGOS
Artistas: Soda Stereo, Fabián Quintiero
Disco: Signos
Año: 1986

Historia: Soda en su más pura esencia. Percusión en su sitio. Guitarras finas. Sintetizadores precisos.
Arreglos de alto nivel. Bella lírica (Cerati y Charly Alberti se juntaron para narrar la triste pero excitante
historia de dos fugitivos). Y la voz de la gran potencia. Este ‘temón’ sonó de lo lindo en todas sus
versiones, léanse estudio o vivo. Una de las imprescindibles para amar a Soda.

Fuente: http://elcomercio.pe/luces/musica/gustavo-cerati-y-diez-temas-imprescindibles-soda-stereo-
noticia-1754649

22. Canción: PERSIANA AMERICANA – SODA STEREO

Autor: Gustavo Cerati
Artistas: Soda Stereo, Fabián Quintiero
Disco: Signos
Año: 1986

Historia: Gustavo Cerati: "Persiana americana fue escrita en colaboración con un letrista que había
participado en un concurso del programa de radio 'Submarino amarillo'. Aunque no ganó, a mí me interesó
mucho lo que había escrito y lo convoqué; la idea 'voyeurista' de la canción se desprende de aquella
película de Brian de Palma: 'Doble de cuerpo'. La música de Persiana se inspiró en parte en ritmos que
estaban sonando por entonces, temas de The Cure y cosas así. Queríamos hacer algo rápido, ya que
'Signos', tomado en su conjunto, era un álbum en cierta forma más ambiental o más rebuscado. Persiana
es, quizás, el tema más pop del disco."

Fuente: http://www.minutouno.com/notas/1283750-las-historias-detras-diez-canciones-clave-gustavo-
cerati-contadas-el

23. Canción: La muralla Verde

Artista: Enanitos Verdes
Álbum: Contrarreloj
Año: 1986

Historia: La canción comienza diciendo que el protagonista se encuentra parado sobre una muralla que
divide “todo lo que fue de lo que será” mientras observa cómo sus ilusiones se vuelven realidad al
momento de cruzarla. Esta “muralla” es, en realidad, una metáfora de ese parte-aguas de la vida por el
que todos hemos pasado, cuando nos encontramos cerrando una etapa y a punto de abrir una nueva.
Ese exacto momento en el que podemos marcar un antes y un después.
En el coro, el verso “el amor de ayer vuelve a desaparecer” da a entender que esa encrucijada es la
forma de dejar atrás un viejo amor y empezar desde cero. Esta idea se refuerza cuando menciona que
la muralla también divide lo que amó de lo que amará y que finalmente sus heridas se han cerrado para
“desangrar un nuevo corazón”.

Fuente: http://www.elanalistadecanciones.com/#!la-muralla-verde/c199g
24. Canción: Universidad
Artista: Rio
Disco: Lo peor de todo
Año: 1986

Historia:¡Qué tiempos, mi estimado Búho! Era el 87 más o menos cuando escribí esa canción. ¿Yo?
Pues era un estudiante aplicado que dejó a medias la carrera de contabilidad para reemplazarla por
arquitectura, mi gran pasión hasta hoy. Estudié en la Villarreal. Terminé número uno en mi salón. En ese
año tenía la idea de escribir una canción que hable sobre cierta problemática en la vida universitaria. Es
decir: mucha gente que no quería estar adentro, y mucha gente afuera que no podía ingresar. ¡Qué ironía!
Nos demoramos semanas en el coro: ‘¡oh, oh, oh, oh, oh, oh. Cosa de locos!’. Quiero aclarar que no es
una canción que ataque a la universidad. ¿Qué representa para mí esa canción? Es algo importante. Fue
lo que viví en aquellos años.

Fuente: http://trome.pe/columnas/buho-rockero-2049024

25. Canción: CIUDAD DE POBRES CORAZONES

Artista: Fito Páez
Disco: Ciudad de pobres corazones
Año: 1987

Historia: Fito Páez perdió a su madre cuando apenas tenía ocho meses de vida, por lo que su abuela y
sus tías representaron figuras muy importantes en su historia. En 1986, luego de una presentación en
Rio de Janeiro junto a Charly García, el músico recibió una de las noticias más dolorosas e inesperadas:
Belia Ramírez de Páez, abuela de Fito, y Josefa Páez, la tía abuela, a quien él llamaba “mis madres”,
habían sido asesinadas por dos hermanos a los que Fito conoció durante su infancia. La noticia lo
devastó. El músico destrozó el cuarto de hotel donde se hospedaba y recibió la trágica noticia. Luego,
asediado por los medios y el rencor, se refugió en Tahití, donde escribió Ciudad de pobres corazones,
cuyo tema homónimo, el sétimo track en el álbum, es un buen ejemplo de cómo se sentía en ese
momento: “En esta puta ciudad todo se incendia y se va/ Matan a pobres corazones”.

Fuente: http://elcomercio.pe/luces/musica/50-anos-fito-paez-recordamos-historias-detras-cinco-
sus-grandes-canciones-noticia-1549454

26. Canción: DE MÚSICA LIGERA

Artista: Gustavo Cerati
Disco: Canción animal
Año: 1990

Historia: Gustavo Cerati contó alguna vez en una entrevista que sus papás tenían cajas de discos que
se llamaban "Clásicos ligeros de todos los tiempos" en la que habían música de películas y obras clásicas.
"Esas palabras me habían pegado mucho y a mí me quedó sonando siempre la frase de 'clásicos ligeros'.
¡Todo el tiempo vuelvo a lo que hacía cuando era chico! Es un momento en el que salieron muchísimas
cosas: ideas musicales, yeitos con la guitarra y cosas que ahora no se me ocurriría hacerlas. Por otro
lado, había participado en el disco Conga, de Daniel Melero, tocando en un tema que se llamaba 'Música
lenta' que decía: 'serán los efectos de la música lenta'. Y fue como una especie de respuesta velada,
porque me impulsaron esa misma canción y los efectos de la música lenta. Después me acordé de los
clásicos ligeros y de la música ligera, y empecé a escribir sobre lo que significaba un poco la idea del
pop", comentó.

Fuente: http://elcomercio.pe/luces/musica/gustavo-cerati-historias-detras-sus-canciones-videos-
noticia-1838250
27. Canción: Lamento Boliviano
Artista: Enanitos Verdes
Álbum: Contrarreloj
Álbum: Big Bang
Año: 1994

Historia: Su creador e intérprete original fue la banda de rock argentina Alcohol Etílico, formada en la
Ciudad de Mendoza entre otros por Dimi Bass y dos músicos relacionados con los Enanitos Verdes:
Sergio Embrioni (guitarrista de la formación original de LEV) y Horacio Gómez (teclista invitado
permanente en LEV luego de la partida de Tito Dávila). Esta fue grabada en 1986, e incluida en el
álbum de Alcohol Etílico Envasado en origen del mismo año, siendo además uno de los cortes de
difusión nacional de dicho trabajo.
La versión más conocida de ésta canción es un sencillo del también grupo mendocino Enanitos
Verdes, incluida en su séptimo álbum de estudio titulado Big bang, lanzado en 1994. Horacio Gómez
interpretó como teclista ambas versiones (la de Alcohol y la de Enanitos) dado que era miembro de
Alcohol Etílico en la época en que fue compuesta y tecladista de Enanitos Verdes en el momento de
grabar la versión de 1994. La canción se convirtió rápidamente en un éxito en toda América Latina.
En España se hizo popular en 2007, gracias a la versión remezclada de Dani Mata, cuando se
convirtió en una de las canciones del verano, y fue incluida en el segundo disco del Disco Estrella
2007. Su popularidad en este país también se debió a que fue ampliamente difundida como una de las
canciones de la novena edición española del reality show Gran Hermano.
Noel Schajris también graba su versión de esta pieza musical en abril de 2011 y la incluye en su disco
Grandes canciones.

Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Lamento_boliviano

28. Canción: TRICICLO PERÚ

Artista: Los Mojarras
Disco: Ruidos en la cuidad
Año: 1994

Historia: Hermano, yo iba caminando por la avenida Abancay. Era más o menos el año 92 o 93. Hacía
mucho calor. Me paré a tomar un vaso de chicha con un sánguche y me puse a observar. La letra que
escuchas era lo que veía: un buen reloj, chucherías, camisas… Así de simple. No es una gran
invención. Después le agregué un extracto de la composición de Adrián Flores Albán: ‘Alma, corazón y
vida’. ¿A qué me dedicaba en esos tiempos? Tú sabes que soy taxista de profesión, antes que rockero.
Me encanta taxear. En esos años yo manejaba un carro alquilado y gracias a ‘Triciclo Perú’ pude
comprarme ¡¡14 autos!! Hermano, taxear es mi hobby, mi cable a tierra. Sería hipócrita o mentiroso
decirte que ahora lo hago por necesidad, lo hago por el placer de conectarme con la sociedad. Bueno,
con toda la humildad, déjame decirte que cada compositor, cada poeta, tiene derecho al tropiezo con la
felicidad, y esa canción fue mi tropiezo con la felicidad.
Fuente: http://trome.pe/columnas/buho-rockero-2049024

29. Canción: El che y los Rolling Stones

Artista: Los rancheros
Disco: Ni por todo el oro del mundo
Año: 1994
 Historia: La canción que quiero compartir con ustedes se titula: "El che y los rolling stones". Ésta
canción nos habla de una relación complicada entre dos jóvenes que sin tener el tiempo de descubrirse
mutuamente se alejan por miedo a afrontar los problemas personales del otro. Con una melodía simple,
acompañada de 5 notas diferentes, los Rancheros revivieron la leyenda que dice que: "hay que correr el
riesgo de levantarse y seguir cayendo".

Fuente: http://holabrusele.blogspot.pe/2009/11/los-rancheros-el-che-y-los-rolling.html

30. Canción: EL ASESINO DE LA ILUSIÓN

Artista: Leuzemia
Disco: Yo pienso en ti
Año: 1998

Historia: Eh, recuerdo que para las elecciones de 1995 yo fui personero. Vigilaba un montón de mesas.
En todas vi que ganaba Fujimori. Su triunfo fue inobjetable. Había mucha gente que confiaba en este
señor. Todo terminó con el autogolpe, claro. Ahí escribí la canción. Fujimori era alguien que estaba
matando la esperanza y la ilusión de mucha gente que había confiado en él. La canción la escribí en un
par de días, después –cuando Leuzemia se reagrupó– la grabamos. ‘El asesino de la ilusión’ también
pudo llamarse ‘El asesino del amor’, pero ya sonaba muy romántico. Es una canción que me gusta mucho.

Fuente: http://trome.pe/columnas/buho-rockero-2049024

 BIOGRAFÍA DE LAS BANDAS:

1. BON JOVI
Bon Jovi es una banda estadounidense de pop rock y hard rock, formada en Nueva Jersey en 1983 por su
líder y vocalista Jon Bon Jovi. El resto de la formación original la completaban Richie Sambora (guitarrista),
David Bryan (teclista), Tico Torres (batería) y Alec Jonh Such (bajista); este último abandonó la formación en
1994 y fue sustituido de forma no oficial por Hugh McDonald. En cuanto a Richie Sambora, abandonó la
banda de forma definitiva en 2013, siendo sustituido en la última gira por Phil X. Durante sus primeros años
fueron considerados como una de las bandas características del glam metal, siguiendo así el mainstream de
la década de los ochenta, que destacaba por su imagen glamurosa y sus largas melenas bien cuidadas;
aunque ellos siempre han querido alejarse de los calificativos y se consideran a sí mismos una banda de
rock and roll en general.
John Francis Bongiovi Jr. , nació el 2 de marzo de 1962, en Perth Amboy, Nueva Jersey (Estados Unidos).
Su infancia trascurrió en Sayreville, Nueva Jersey. Con trece años, comenzó a tocar la guitarra y el piano.
En el año 80 se trasladó a Los Ángeles, donde vivió en la casa de su padre hasta 1986. Comenzó a cantar
a los 15 años, sus primeros conciertos fueron en fiestas de Nueva Jersey y en bailes de colegios. Abandonó
la escuela muy pronto y se metió de lleno en el mundo de la música.
Trabajó como portero en una central eléctrica, en un almacén de zapatos, vendiendo hamburguesas, lavando
los coches, etc….Grabó su primera maqueta y la mandó a diversas compañías discográficas, también se la
presentó al director de la emisora de Long Island, que se quedó impresionado con el tema Runaway y lo
quiso incluir en una recopilación de talentos de la zona. Jon no aceptó esta oferta y se marchó a Los Ángeles.
Mientras estaba allí, recibió llamadas del dueño de la emisora insistiendo en su proyecto, así que finalmente
aceptó.
Tras el éxito obtenido decidió crear su propio grupo. Es en este momento cuando apareció Richie Sambora.
Crearon Bon Jovi, un nombre fácil de memorizar. En julio de 1983 firmaron un contrato con la Polygram y
grabaron su primer disco.
El 29 de abril de 1989 contrajo matrimonio con Dorothea Rose Hurley. Fueron padres de Stephanie Rose y
de Jesse James Louis.

2. GUNS N’ ROSES
La historia de los Guns N’ Roses, uno de los mejores grupos de la escena musical de los 80’ y la última gran
banda del hard rock, comienza en realidad en los años 70’ en el pequeño pueblo de Laffayette, Indiana,
Estados Unidos. William “Bill” Bailey, un iracundo adolescente que a los cinco años cantaba en el coro de la
iglesia y se destacaba por su impresionante rango vocal y un gran dominio del falsete, y que deseaba escapar
a su destino de trabajador asalariado, conoció en el colegio a Jeffrey Dean Isbell, otro joven que parecía
compartir sus intereses musicales. Los dos amigos, junto a otros adolescentes, no tardaron en formar la
banda A.X.L.
Bailey, a esas alturas, era un pequeño delincuente juvenil. No podía conseguir trabajo en ninguna tienda del
pueblo, pues ya había robado en la mayoría de ellas. Su incendiario temperamento le había valido ser
detenido unas 22 veces por la policía (vivía peleándose con todo el mundo, sobre todo con los agentes de la
ley que siempre parecían estar hostigándolo). Además, como tenía la cabellera más larga del pueblo, los
vecinos más tradicionalistas no demoraron en tildarlo de gay.
Por ese tiempo, Bailey se enteró que el apellido de su verdadero padre era Rose, así que decidió cambiar su
nombre a W. Axl Rose (W por William, Axl por ser el nombre de su primera banda y Rose por ser su verdadero
apellido. Curiosamente, las tres iniciales forman la palabra “War” o guerra, sin mencionar que Axel Rose
puede ser un anagrama de “Oral Sex” o “sexo oral”).
Decididos a forjarse un nombre en el mundo de la música, Axel Rose y su amigo Jeffrey Isbell (quien tocaba
la guitarra rítmica y también cambiaría su nombre por el de Izzy Stradlin) se mudaron a Los Ángeles, lugar
donde fundaron la banda Hollywood Rose. Este grupo, posteriormente, se fusionaría con otra banda llamada
L.A. Guns, dando origen a la primera formación de Guns N’ Roses, que en 1985 daría su primer concierto.
Después de algunos cambios de integrantes, a Rose y Stradlin se les unirían definitivamente el guitarrista
británico Saul Hudson (mejor conocido como Slash), el bajista Duff Mc Kagan y el baterista Steven Adler,
conformando la formación clásica de Guns N’ Roses, la misma que se tomaría el mundo por asalto en los
años siguientes.
Luego de realizar una gira llamada “The Hell Tour” por clubes de Seattle, Portland, Eugene, Sacramento y
San Francisco, sacar un mini LP llamado “Live Like a suicide” y ganar cierta reputación, el grupo firmó en
1986 por el sello Geffen Records para grabar “Appetite For Destruction”, su primer disco de estudio. La
producción, que contenía singles soberbios como “Sweet Child o’ Mine”, “Welcome to the Jungle”, y “Paradise
City”, salió a la venta el 21 de julio de 1987 y causó un impacto inmediato. Alcanzó el número uno en las
listas americanas, transformándose en los años siguientes en el disco debut más vendido de la historia (30
millones de copias). El single “Sweet Child o’Mine” sería el primer número uno de la banda y recibiría el
premio Grammy a la mejor canción de rock del año.
Otro número 1 del disco, la poderosa canción “Welcome to the jungle”, contenía en su título y en su letra una
significativa frase sacada de una anécdota real que le ocurrió a Axel Rose cuando viajó por primera vez
desde su rural pueblo natal a Los Ángeles. A poco de bajarse del bus, Rose sufrió el robo de su billetera por
parte de un delincuente negro, quien al ver que el recién llegado era un inexperto joven provinciano que por
primera vez pisaba la gran ciudad, le espetó la siguiente frase: “¿Sabes donde estás? Estás en la jungla,
nene, y vas a morir…” (En la mitad de la canción Rose pronuncia precisamente esta misma frase: “You know
where you are?/ You are in the jungle, baby,/ and you’re gonna die…”).
Una larga gira nacional de catorce meses llevaría a los Guns N’ Roses a convertirse en los intérpretes de
rock más solicitados de Estados Unidos, por encima incluso de los Aerosmith. Por esta época, el vocalista
Axl Rose comenzó a llamar la atención de la prensa por su comportamiento violento. En una ocasión fue
detenido por la policía cuando, después de intentar aparcar en una zona reservada, se enfrentó a puñetazos
con dos agentes, dejando a ambos inconscientes. En otra oportunidad, fue detenido después de atacar con
una botella de vino a una vecina que le había pedido que bajara el volumen de su música. Este
comportamiento para muchos, se debía a la triste infancia de Rose, quien supuestamente habría sufrido
abusos sexuales por parte de su padre cuando tenía 2 años de edad.
A fines de 1988 los Guns N’ Roses lanzaron su segundo disco, “G N’ R Lies”, que alcanzó el número 2 en
las listas de Estados Unidos e incluía las 4 canciones incluidas en el EP “Live Like A Suicide” y 4 canciones
acústicas, entre las que se destacan la bella “Patience”, “Used to love Her” y el controvertido tema “One in a
Million”, que criticaba a los homosexuales, negros, inmigrantes y policías.
En 1989, en la gala anual de los “American Music Awards”, Duff McKagan y Slash aparecieron borrachos y
usando un lenguaje soez mientras aceptaban su premio como mejor disco de heavy metal por “Appetite for
Destruction”, mejor canción Heavy Metal por “Paradise City” y mejor canción rock/pop del año por “Sweet
Child o’ Mine”.
En 1990 el grupo sufrió su primera fractura, luego que el baterista Steven Adler fuera expulsado por sus
problemas con las drogas, una acusación bastante paradójica tomando en cuenta que los otros cuatro
integrantes del grupo no se caracterizaban precisamente por su sobriedad y recato a la hora de beber alcohol
y consumir sustancias ilícitas. Fue una pérdida sensible para la perfecta química musical del grupo, pues el
pesado sonido que Adler le imprimía a su batería jamás pudo ser igualado por su reemplazante, Matt Sorum,
ex baterista de The Cult.
Al año siguiente el grupo sacó a la venta el disco doble “Use Your Illusion I” y “Use Your Illusion II”, que no
satisfizo las expectativas de éxito, pero que contenía algunos buenos singles como “Civil war” (la última
canción que Steven Adler grabó con el grupo), “Estranged”, “Don’t damn me” o la versión del clásico “Knockin’
on heaven’s door”, de Bob Dylan. Para promocionar este mega disco, el grupo hizo una gira mundial de 28
meses de duración. En agosto de 1991, después de un concierto en el estadio de Wembley en Londres, Izzy
Stradlin, uno de los dos fundadores históricos del grupo, abandonó la formación, hastiado por el cruel y
caótico ambiente creado por el autodestructivo Axl Rose (por ese tiempo, por mencionar una de las tantas
“anécdotas” protagonizadas por el rubio cantante, antes de un concierto en la ciudad de Saint Louis, Axl echó
a varios periodistas y provocó una pelea. Y más tarde, ya en el escenario, le dijo al público: «Fuck you, St.
Louis!!», lo que causó graves incidentes donde se reportaron varios heridos de gravedad, setenta detenidos
y destrozos por valor de cientos de miles de dólares.
Después de las partidas de Steven Adler e Izzy Stradlin, los Guns N’ Roses jamás volvieron a ser los mismos.
Pese a participar en el concierto en memoria de Freddie Mercury, líder de Queen, en el estadio Wembley de
Londres y ganar un premio MTV Video Music Awards por la canción “November rain”, en el otoño de 1992 la
banda se fue de tour por Sudamérica y comenzó a vivir los primeros rigores de la fama.
En 1993 salió a la venta un disco de covers, titulado “The Spaghetti Incident”, del cual se desprendió un
single que llegó al Bilboard Hot 100 (“Since I don’t have you”) y en noviembre de 1999 el sello lanzó un álbum
en directo, titulado “Live Era ’87 -’93”, un doble CD que incluía canciones grabadas en diferentes conciertos
a lo largo de los seis años que se indican en el título del álbum. En 1996 y 1997 Slash, Duff Mc Kagan y Matt
Sorum abandonaron el grupo, dejando a Axl como el único miembro original de la banda. En el año 2004,
pese a las protestas de Rose, el sello Geffen sacó el disco recopilatorio “Greatest Hits”, un nuevo éxito
comercial para el grupo, pues se vendieron 6 millones de copias en Estados Unidos y 13 en el resto del
mundo.
En el año 2008 una nueva formación original de Guns N’ Roses –en realidad Axel Rose y otros músicos de
acompañamiento, que la prensa bautizó maliciosamente como Axl N’ Roses-, lanzó su esperado disco
“Chinese Democracy”, un trabajo que mezclaba baladas con canciones rockeras, que obtuvo críticas más
bien tibias y que se promocionó en una gira con el mismo nombre.
A más de un cuarto de siglo del lanzamiento de su primer disco, cuando eran un iracundo quinteto de rock
que escupía soberbias baladas y furiosos himnos roqueros, la influyente sombra de los Guns N’ Roses se
sigue proyectando en la escena rock del mundo. 135 millones de álbumes vendidos y un ingreso al Salón de
la Fama del Rock and roll en el año 2012 sólo le hicieron justicia a un grupo que les devolvió a los melómanos
la fe en el rock más duro. Un grupo que, según la crítica musical, a fines de los años 80′ «esgrimió una
rebeldía hedonista y revivió la actitud punk impulsada por el hard rock, con referencias de los primeros
álbumes de The Rolling Stones”.

3. SURVIVOR
Esta banda AOR fue formada en el invierno de 1977 en Chicago por Jim Peterik, Frankie Sullivan, Dave
Bickler, Dennis Johnson y Gary Smith. Tres años más tarde, consiguieron grabar el disco "Survivor" con el
single "Somewhere in America".
Así comenzaron una gira de 8 meses tras la que la banda volvió a los estudios para grabar lo que sería su
segundo álbum, pero esta vez con Marc Droubay en la batería y Stephen Ellis en el bajo. Este álbum, titulado
"Premonition" es considerado por muchos fans del grupo como su mejor álbum y aunque era mejor que el
primero, la banda no alcanzó el éxito que estaban buscando.
Éste no tardó en llegar cuando recibieron una petición para grabar el tema principal de la película de Sylvester
Stallone, Rocky III.
El resultado fue "Eye Of The Tiger", un tema que, con el sonado riff del principio y la pegadiza melodía,
alcanzó el número uno en las listas americanas, puesto en el que se quedó durante 7 semanas más. "Eye
Of The Tiger" ganó un Grammy, una nominación a los Oscar y fue votada como la mejor canción revelación
en los premios People Choice Awards.
En 1983 el grupo grabó "Caught in the Game", con el que su lista de éxitos siguió aumentando. Pero poco
después de sacar este disco, Dave Bickler decidió abandonar el grupo, siendo sustituido por Jim Jamison (a
quien todos conocerán por el tema principal de la serie Los vigilantes de la playa). Con este cambio de
vocalista, Survivor lanzó su quinto álbum "Vital Signs" en 1984, con los singles "Can’t Hold Back", "High on
You" y "The Search is Over". Comenzaron una gira que duró diez meses y nuevamente Survivor participó en
una banda sonora. Está vez era Rocky IV, y la canción elegida fue "Burning Heart".
El grupo grabó otros dos discos más: "When Seconds Count" y "Too Hot to Sleep" y más tarde, sacaron unos
discos recopilatorios en los que se incluyeron algunos temas cantados por Dave Bickler, que había vuelto a
la banda después de que Jim Jamison decidiera iniciar una carrera en solitario. Pero en la actualidad, el
grupo cuenta de nuevo con Jamison como vocalista, con lo que comienza un nuevo capítulo en la historia de
Survivor
 4. JOURNEY
Journey es una banda de rock creada en 1973 en San Francisco, Estados Unidos, por el teclista Gregg Rolie
y el guitarrista Neal Schon, integrantes originales de Santana. De estilo rock progresivo en sus inicios, fue
cambiando a un estilo más melódico con la incorporación del vocalista Steve Perry en 1978, quien con su
voz convirtió a la banda en una de las más destacadas de los años 1980, con ventas de más de 80 millones
de discos en todo el mundo convirtiéndolos en uno de los artistas más exitosos de todos los tiempos.
Journey alcanzó la cima del éxito en 1981 con el álbum “Escape”, que contenía canciones como "Open
Arms", "Who's Crying Now" y "Don't Stop Believin'". Durante ese período, la banda lanzó una serie de
canciones de éxito, incluyendo de 1981 "Don't Stop Believin'", el más vendido en la historia de iTunes.

5. SCORPIONS
Esta agrupación alemana especializada en el hard rock y en el heavy metal, nace en 1965 por idea de Rudolf
Schenker, pero es recién en 1969 donde comienza a operar oficialmente.
Scorpions en un inicio estuvo compuesto por: Klaus Meine, quien es el vocalista, Matthias Jabs y Rudolf
Schenker en la guitarra, James Kottak se encarga de la batería y Paweł Mąciwoda es el bajista.
Al igual que muchas otras bandas legendarias que persisten hasta hoy, han estado sujetos a una serie de
cambios en su estructura, no sólo musical sino también abandono e incorporaciones de nuevos elementos
en sus integrantes.
En 1972, la banda lanza su álbum debut, "Lonesome Crow", producido por Conny Plank en Hamburgo. Es
aquí en donde aparecen los elementos instrumentales y vocales característicos de Scorpions: la combinación
de los solos de dos guitarras poderosas y la sabia decisión de escribir las letras en inglés, lo que les permitirá
conquistar al público internacional.
En 1973, Schenker se alejada del grupo y es reemplazado por el guitarrista Ulrico Roth; junto a él continúan
presentándose por diferentes ciudades europeas. Un año más tarde, después de ser reconocidos por el
público y de haber hecho un extenso tour, aparece "Fly to the Rainbow". Seguidamente, su tercer LP, "In
Trance", bajo la conducción del reconocido productor Dieter Dierks, sale a la venta en 1975. La aparición de
este disco es un hito muy importante dentro de la carrera de Scorpions, pues logra entrar a los primeros
puestos de las listas en Japón para más tarde convertirse en un grupo de culto en dicho país.
En Alemania, ese mismo año, fueron reconocidos por el público como el mejor grupo en vivo. Asimismo,
iniciaron su primer tour por el Reino Unido, llegando a tocar en un legendario bar "Cavern Club" en Liverpool.
El cuarto álbum de Scorpions, "Virgen Killer", se caracterizó por la ambición de convertir a la banda en el
referente del hard rock alemán. De esta manera, el disco logró ganar el premio de mejor LP del año en su
país de origen. En Japón, "Virgin Killer" alcanza el máximo reconocimiento de la crítica y de los fans,
obteniendo su primer disco de oro.
Su siguiente álbum "Taken by Force" (1977) también fue un éxito en el país nipón, consiguiendo nuevamente
un disco de oro. Tras haberse recibido una gran acogida en el país asiático, el grupo decide llevar a cabo un
tour por ese país en 1978. Este evento se convirtió en todo un suceso, pues a su llegada a Tokio se dieron
cuenta que realmente eran superestrellas en Japón. Este gran acontecimiento los lleva a grabar un nuevo
material titulado "Tokyo Tapes". La aparición de este disco doble coincide con la partida de Ulrich Roth de la
banda. Michael Schenker regresa temporalmente a formar parte nuevamente de la agrupación con el disco
"Lovedrive" en 1979 hasta que Matthias Jabs ocupa finalmente el puesto, después de haber sido elegido
como ganador de una gran audición en Londres.
"Love Drive" aparece en el mercado americano ese mismo año y recibe tres discos de oro, pues fue
catalogado como el gran triunfo de la banda, y es hasta hoy en día considerado uno de sus mejores trabajos.
"Animal Magnetism" nace en 1980, y tras hacerse conocidos en Estados Unidos, realizan su primer concierto
en dicho país, precisamente en un gran festival en Cleveland, Ohio.
En 1981, mientras se encuentran en el estudio grabando "Blackout", Klaus Meine pierde la voz. Repuesto a
este suceso, el grupo reaparece en 1982 posicionándose nuevamente en los Estados Unidos con el single
"No One Like You" ubicándose en el US Top Ten. Asimismo, el LP fue el más votado para conseguir el
premio de "Mejor Hard Rock Álbum del Año", es así como consiguen un disco de platino.
Sin embargo, fue el álbum de 1984 "Love at First Swing" el que finalmente aseguró a la banda una visibilidad
comercial masiva entre la audiencia norteamericana. Reforzados con el éxito del single "Rock You Like A
Hurricane", Scorpions asumió un papel primordial en el mundo del heavy metal.
El doble álbum "World Wide Live" lanzado en 1985, surge como una contraparte a "Tokyo Tapes". Este disco
se encarga de documentar los recientes triunfos internacionales de la agrupación (Festival San Bernadino
Valley, Rock in Río, etc.).
"Savage Amusement", el último álbum co-producido con Dieter Dierks, es lanzado en 1988, llegando a ocupar
el tercer puesto en los charts americanos y el número uno en Europa. Un año más tarde, tras el éxito
conseguido en la Unión Soviética, son invitados por las autoridades de dicho país, para tocar en el concierto
de Leningrado, en un legendario festival pro-paz.
"Crazy World" fue grabado en 1990, en Los Ángeles, y co-producido por Keith Olsen. Este disco con la ayuda
del hit "Wind of Change", alcanzó la popularidad al poco tiempo de su lanzamiento, convirtiéndose en número
uno en 11 países. En 1992, recibieron el "World Music Award" como la banda más representativa del rock
germánico. En 1993 se estrena "Face the Heat" con un Nuevo bajista: Ralph Rieckermann. Pocos meses
después vuelven a recibir un premio en el "World Music Award".
En 1995 sale a la luz "Live Bites" y en 1996 "Pure Instinct". La banda se dedicó a hacer tour mundiales
promocionando los discos anteriores hasta 1998, donde entran al estudio a producir "Eye to Eye". Este disco
marca un cambio en la imagen de Scorpions, donde por primera vez aparecen Rudolf Schenker, Klaus Meine
and Matthias Jabs en la carátula del disco. Además en este álbum se puede oír por primera vez al grupo
cantando en alemán.
En enero del 2000, la banda inicia un reto musical: grabar al lado de la orquesta filarmónica de Berlín para
producir un nuevo material discográfico. De esta mixtura de estilos nace "Moment of Glory".
"Unbreakable", grabado en el 2004, es el último disco producido por la banda. Con motivo de ser el LP
número 20 de la discografía de Scorpions, el grupo se propuso retornar a las raíces de su estilo musical, es
por ello que con este disco retoman la línea hard rock que los había lanzado al éxito mundial.

6. NIRVANA
Banda de rock estadounidense formada hacia 1986 por Kurt Cobain y Krist Novoselic. A pesar de su corta
existencia como grupo, y del suicidio de Cobain en 1994, su música cosechó un tremendo éxito en todo el
mundo, hasta el punto de que Nirvana fue considerada una de las mejores bandas de rock de la época y la
abanderada del movimiento Grunge.
Kurt Cobain y Krist Novoselic pasaron parte de su adolescencia en la ciudad de Aberdeen (estado de
Washington). Juntos habían tocado en algunas bandas de la zona de Washington, como The Sellouts, Skid
Row o The Stiff Woodies.
En 1988 grabaron una maqueta y el sello Sub Pop les ofreció grabar un sencillo. Casi al mismo tiempo que
se producían cambios en el asiento del batería; el puesto lo ocupó definitivamente Chad Channing. Love
Buzz se editó en noviembre de ese año, y en junio de 1989 vio la luz Bleach, el primer álbum de la banda,
fresco y amargo a la vez, producido por el gurú Jack Endino. Ese mismo año se les unió Jason Everman
como segundo guitarra, unión efímera de sólo unos meses, y poco después se embarcaron en una gira por
Europa con TAD.
En mayo de 1990, al final de la gira americana, Channing dejó el grupo. Después de estos cambios, Dave
Grohl ocuparía finalmente este puesto, tras editar un single, Sliver, en el que todavía tocaba Channing en
una cara y en la otra, Dan Peters, de Mudhoney. También marcó su primera colaboración con el productor
Butch Vig, otro gurú de la después llamada "movida Grunge", y más conocido últimamente por su nuevo
grupo, Garbage.
Con Butch Vig grabaron su primer álbum para Geffen, Nevermind, editado en septiembre de 1991, que
tardaría menos de un mes en vender medio millón de copias en USA. El vídeo del primer single extraído del
larga duración “Smells like teen spirit” fue emitido masivamente por la MTV, contribuyendo a su rápida
expansión por el globo. El álbum llegó a número uno en las listas de Estados Unidos en enero de 1992.
Aunque el paso a una multinacional discográfica se dejó notar en algo del contenido del disco, su segundo
larga duración siguió la línea abierta por Bleach: sentimientos y pasiones prevalecen sobre la perfección
técnica y, ayudados por una buena promoción, se encumbraron como abanderados del movimiento Grunge.
Nirvana dejó de existir como grupo, y aunque algún tiempo más tarde Krist Novoselic volvió a empezar desde
abajo con un nuevo grupo llamado Sweet 75, con el cual trabajó con total independencia, nunca llegó a
obtener gran repercusión internacional.
En 1995 Dave Grohl decidió seguir adelante por su cuenta, y grabó en solitario lo que sería su primer álbum
con un nuevo grupo. Sólo su amigo Greg Dulli (de los Afghan Whigs) le ayudó con algún aporte en forma de
guitarra eléctrica, y en verano del año 1995 salió a la luz el primer álbum de The Foo Fighters. Una vez
editado el disco, reclutó a Pat Smear (antes en The Germs y en Nirvana) y a dos ex miembros de Sunny Day
Real Estate, Nate Mendel y William Goldsmith, ya como formación permanente. Este primer álbum consiguió
una excepcional acogida entre la crítica y el público, mezclando algo del Grunge del pasado junto a un
explosivo Power-pop. En 1997 editaron su segundo disco, The colour and the shape, que siguió la línea de
su predecesor en cuanto a estilo y éxitos.
A finales de 2004, tras los interminables pleitos entre los supervivientes de Nirvana (Novoselic, Grohl, la viuda
de Cobain, Courtney Love, y la discográfica propietaria de los derechos de las canciones), vio la luz With the
lights out, un álbum con sesenta y ocho temas inéditos, entre ensayos y grabaciones domésticas del grupo,
que colocó de nuevo a Nirvana en las primeras páginas de la prensa musical de todo el mundo.

7. OASIS
Oasis fue un grupo de rock británico, formado en la ciudad de Mánchester en 1991. En su inicio conocido
como The Rain, el grupo contaba en sus filas con el cantante Liam Gallagher, el guitarrista Paul Arthurs, el
bajista Paul McGuigan y el baterista Tony McCarroll, a los que más tarde se uniría como compositor y
guitarrista principal el hermano mayor de Liam, Noel Gallagher.
Debido a las 8 millones de copias vendidas de su álbum debut “Definitely Maybe”,a las 26 millones de copias
vendidas de su segundo álbum (What's the Story) Morning Glory?, y al hecho de que su tercer álbum Be
Here Now se convirtiera en el disco más rápidamente vendido en la historia del Reino Unido con 420.000
copias vendidas tan solo el día de su puesta a la venta, Oasis ha sido considerado como uno de los grupos
musicales más importantes de su país, habiendo entrado en varias ocasiones en el Libro Guinness de los
récords (actualmente siguen teniendo uno de ellos en su haber). Publicaron 33 singles, de los que 9
alcanzaron el puesto no. 1 de las listas británicas, y 2 de ellos el puesto Nº 1 de las listas estadounidenses.
Los hermanos Gallagher fueron los líderes y compositores del grupo. Vendieron más de 80 millones de copias
a nivel mundial, y hasta antes de la separación del grupo, Liam Gallagher era el único miembro original que
había permanecido en él. Los hermanos Gallagher fueron también reconocidos por sus constantes peleas
entre sí y con otros grupos y artistas, como Blur y Robbie Williams, las cuales propiciaron su aparición en
múltiples ocasiones en la prensa sensacionalista. Tras la deserción de Paul Arthurs, Paul McGuigan, y más
tarde la de Alan White, la alineación final se completaría con el guitarrista Gem Archer, el bajista Andy Bell y
el baterista Chris Sharrock, aunque finalmente el último miembro en abandonar el grupo, ocasionando así su
disolución, fue Noel Gallagher.
En el año 2004, la edición española de la revista Rolling Stone colocó a Oasis en el puesto Nº 8 entre "Las
50 bandas más grandes de la historia del rock".
En el 2007, el grupo fue galardonado con el BRIT Award por su "notable contribución a la música".9 Dig Out
Your Soul, su último álbum, vio su lanzamiento a principios de octubre de 2008.
El 29 de agosto de 2009, tras una fuerte discusión entre los hermanos Gallagher, Noel decidió abandonar el
grupo poniendo punto final a una era. En diciembre del mismo año Liam anunció que el grupo continuaría
grabando sin Noel. Después de algunas especulaciones el grupo cambió su nombre por el de Beady Eye.
Oasis es considerada como una de las mejores bandas de la historia del rock.

8. U2
Banda irlandesa de rock, una de las más populares desde finales de los ochenta. Liderada por Paul Hewson
(1960), más conocido como Bono, la forman el guitarra David Evans (1961), conocido como The Edge, Adam
Clayton (1960) y Larry Mullen Jr. (1961).
Los cuatro futuros miembros de U2 se conocieron en la escuela en el año 1977, donde formaron un grupo
llamado Feedback, que comenzó haciendo versiones de los Beach Boys y de los Rolling Stones. El nombre
del grupo cambió al de The Hype antes de adoptar definitivamente el de U2 y ganar un concurso de jóvenes
talentos en Limerick, a finales de marzo de 1978.
Por aquel entonces entraron en contacto con el que sería su manager a lo largo de esos años, Paul
McGuiness. Su primer single, Out of control (1979), fue todo un éxito en las listas irlandesas, y comenzaron
a ser considerados como una de las bandas más prometedoras del panorama irlandés, circunstancias que
les llevaron a fichar por Island y a editar su primer LP, Boy, en 1980, producido por Steve Lillywhite.
Después de su primera gira americana publicaron “October”, su segundo álbum, en 1981. El disco los
encumbró hasta el top 20 en las listas, pero su consagración llegó con War, en 1983, que los catapultó
definitivamente a la fama. El álbum contenía temas hoy clásicos como “Sunday, bloody Sunday o New year's
day” que alcanzaron el top 20 como singles. Después vendría una gira americana en olor de multitudes, de
la cual se extrajo un mini-LP y un vídeo.
Ya en 1984, Brian Eno y Daniel Lanois produjeron el nuevo trabajo del grupo, “The unforgettable fire”, que
supuso un cambio de dirección en la trayectoria de U2 hacia un Rock A.O.R. (Adult Oriented Rock). El grupo
entró con fuerza en las listas americanas gracias al single Pride. Desde entonces mantuvieron una carrera
ascendente, sobre todo a partir de la publicación de The Joshua Tree en 1987 y del doble en directo Rattle
and hum en el año 1988, que tuvieron gran impacto. El "sonido U2" era ya conocido en todo el mundo.
Para entrar en la nueva década, U2 lanzó Achtung Baby (1991), que supuso un nuevo giro en la carrera del
grupo. Después de dos años de estudio, repartidos entre Dublín y Berlín, sus nuevas canciones resultaron
mejor elaboradas en su grabación, con la adición de electrónica y ciertos aires de Hip-Hop y Dance. Zooropa,
de 1993, prosiguió la misma línea iniciada en su anterior trabajo, y fue muy bien acogido por los seguidores,
que llenaban los estadios de todo el mundo.
A principios de marzo de 1997 el grupo publicó Pop, con un primer single titulado Discotheque que mostraba
las intenciones de U2 de retomar el rock de los setenta y la música de baile de la época, según confesarían
ellos mismos. Tras este disco, U2 llevó a cabo uno de sus más ambiciosos proyectos en forma de gira. Se
denominó Pop Mart y fue realmente espectacular: grandes escenarios y pantallas gigantes de vídeo. Tras
esta larga gira, el siguiente disco del grupo irlandés fue una recopilación llamada U2-Best of 1980-1990,
donde se recogieron los mejores temas de sus diez primeros años.
Durante los últimos años de la década de los noventa la formación atravesó una mala racha creativa, pero la
veteranía y el buen hacer musical de U2 encontró un merecido reconocimiento en la ceremonia de entrega
de los premios Grammy 2000, donde el grupo irlandés se convirtió en uno de los grandes triunfadores de la
gala con tres estatuillas: mejor canción (Beautiful day), mejor actuación y mejor grupo rock. Un año después,
la banda liderada por Bono recibió cuatro nuevos premios Grammy por su trabajo All that you can´t leave
behind: mejor disco rock, mejor sencillo (Walk on), mejor grupo pop y mejor interpretación pop.
En noviembre de 2002 salió a la venta un recopilatorio con 17 temas, dos de ellos inéditos, con el que la
formación irlandesa hizo balance de su última década musical: The best of 1990-2000. En noviembre de
2004, precedida de una gran campaña publicitaria (incluidas noticias falsas sobre el robo de la maqueta y su
difusión por Internet, o sobre un concierto sorpresa por las calles de Nueva York), se llevó a cabo la
presentación del nuevo disco de la banda, How to dismantle an atomic bomb, un álbum más fuerte que los
anteriores y en el que no faltaron también las canciones dedicadas a temas candentes de la actualidad del
momento, como el SIDA en África o el drama de Jerusalén.
Este trabajo recibió en total siete Grammy, dos en 2005 por su canción Vertigo y cinco en 2006 por el álbum
y por la canción Sometimes you can make it on your own. El 14 de marzo de 2005 el grupo tuvo el honor de
entrar en el Salón de la Fama del Rock and Roll de Nueva York, en un acto que tuvo como maestro de
ceremonias a Bruce Springsteen.
En diciembre de ese mismo año Amnistía Internacional eligió a U2 como "embajador de la conciencia 2005"
por "ser, sin duda, el grupo que más ha hecho públicamente por la causa de los derechos humanos". Además,
la revista Time eligió a Bono (junto a Bill y Melinda Gates) Personaje del año 2005 por haber "seducido,
presionado y extorsionado moralmente a los gobernantes de los países ricos hasta forzarlos a condonar
40.000 millones de dólares de deudas de los países pobres".

9. RADIOHEAD

Radiohead es extensamente considerada como una de las bandas más importantes del mundo actual. A
pesar de que su debut fue un tanto modesto, se dispararon al estrellato luego de su éxito “OK Computer”—
un éxito que pocos probablemente habrían esperado o predicho cuando los cinco comenzaron a tocar juntos
a principios de los 80’ luego de haberse conocido en la escuela Abingdon en Oxford.

Thom Yorke fue el líder de la banda. Él estaba cantando en la banda punk TNT, pero le preguntó el bajista
de esta banda, Colin Greenwood, si quería unirse a él y al guitarrista Ed O’Brien en una nueva banda. Junto
a ellos se unió el baterista Phil Selway, un año mayor que todos ellos.
El hermano menor de Colin, Jonny, les insistía constantemente para poder unirse a la banda.
Eventualmente, se le permitió tocar con ellos, primero en la armónica, luego en los teclados. Finalmente,
se convirtió en el guitarrista principal. Juntos llamaron a la banda “On A Friday” (Un viernes) pues ellos
ensayaban los viernes.
En el año 1987 hicieron su debut en la Taberna de Jericó. Ya en abril de 1991 grabaron su primer casete
de muestra. Este demo les dio la oportunidad de grabar otro casete, y el “Manic Hedgehog Demo” los puso
en marcha. El representante de Parlófone A&R, Keith Wozencroft, los escuchó y luego de ver a la banda
tocar en vivo en Jericó, “On A Friday” y firmaron contrato con EMI. También cambiaron su nombre por el
de “Radiohead” luego del tema “Radio Head” de Talking Heads del álbum “True Stories” (Historias
verdaderas). En mayo de 1992, la banda lanzó “Drill EP” que eventualmente sería un tema muy buscado
por los posteriores coleccionistas. Sin embargo, durante su lanzamiento alcanzó solamente el puesto
número 101, a pesar del tour que hicieron para difundirlo.
Luego, lanzaron, en septiembre de ese mismo año, “Creep EP”. Aún, el gran quiebre no llegaría sino hasta
1993 cuando “Creep” entró en la lista de éxitos Billboard Modern Rock, alcanzando en su punto máximo el
puesto número 2. Una reemisión del sencillo dio a Radiohead el impulso que necesitaban en el Reino Unido.
A pesar de ello, el álbum “Pablo Honey” nunca despegó, y la atención en torno a la banda se marchitó, a
pesar del lanzamiento de “My Iron Luna EP” que tuvo varias críticas favorables.

El segundo álbum de Radiohead, “The Bends”, fue lanzado en marzo de 1995. Éste álbum tuvo una mejor
recepción que “Pablo Honey”, y la banda se hizo de sus primeros fans leales. Sin embargo, tuvieron que
lanzar cinco temas antes de que consiguieran un hit top 10, con el hermoso tema “Street Spirit”. Un mes
luego del lanzamiento del sencillo “Paranoid Android” (que tiene una duración aproximada de seis minutos),
la banda lanzó “OK Computer” en junio del 97.

El álbum salió disparado a la cima de los rankings y pasó 71 semanas consecutivas en el ranking UK,
recogiendo críticas increíbles. MTV pasaba el tema “Paranoia Android” con bastante frecuencia, y los
integrantes de Radiohead se convirtieron en superestrellas, ganando varios premios. “OK Computer” vendió
discos hasta llegar a la calificación de platino, y ha ganado reputación como uno de los álbumes más
significativos de los 90’. Luego, las cosas se volvieron bastante tranquilas en torno a la banda.
Posteriormente lanzaron: “Airbag/ How Am I Driving? (Airbag/¿Cómo estoy manejando?) y “Meeting People
Is Easy” (Conocer gente es fácil), una extraña película corta sobre la banda hecha por Grant Gee, quien
también dirigió el video “No Surprises”.

Sin embargo, Radiohead tuvo algunos problemas al hacer el siguiente álbum. Las sesiones de grabación
eran largas y de muchas maneras, los miembros de la banda tuvieron que re definir sus roles musicales. El
estilo de música de Radiohead fue redefinido cuando su cuarto disco, “Kid A” (Chico A), fue lanzado en
octubre del 2000. El álbum fue directo a la cima de los rankings, a pesar del hecho de que no se utilizó
ningún esquema de promoción ordinaria, y no se sacó ningún tema del álbum previamente a su
lanzamiento. “Kid A” fue totalmente diferente de “OK Computer”. La banda había encontrado inspiración de
muchas otras fuentes, apuntando sus cabezas hacia la música experimental. Incluso hoy “Kid A” sigue
siendo un gran éxito. En junio del 2001, ocho meses después de “Kid A”, Radiohead lanzó la segunda parte
de sus largas sesiones de grabaciones.

El álbum “Amnesiac” contiene tracks que fueron hechos al mismo tiempo que “Kid A”, y si bien este nuevo
álbum tenía temas con riffs de guitarra, aún conservaba ese toque de música experimental de “Kid A”.
Durante su tour, la banda estrenó unas pocas canciones nuevas que mostraron una tendencia que
retrocede hacia el buen estilo viejo de la guitarra como base. Sin embargo, es difícil decir hacia dónde se
dirige la banda en términos artísticos. Pero lo que podemos comprobar es que grandes cantidades de fans
leales están esperando por su siguiente movida.

Tras la gira de The King of Limbs, durante la que Radiohead interpretó varias canciones nuevas, la banda
decidió realizar un nuevo paréntesis para trabajar en algunos proyectos independientes. El 25 de febrero
de 2013, Atoms for Peace, el grupo de Yorke y Nigel Godrich, publicó su primer álbum, titulado Amok. El
11 de febrero de 2014, Radiohead lanzó aplicación Polyfauna para Android y teléfonos iOS, una
 «colaboración experimental» entre la banda y el estudio de arte digital Universal Everything en la que se
utilizan elementos musicales e imágenes de The King of Limbs. El 26 de septiembre de 2014, Yorke publicó
su segundo álbum en solitario, Tomorrow's Modern Boxes. El 7 de octubre de 2014, Phil Selway también
lanzó su segundo álbum solista, titulado Weatherhouse, mientras que ese mismo mes se lanza la banda
sonora de la película Inherent Vice, compuesta por Jonny. Esta última incluyó una reinterpretación de la
canción «Spooks», tema de Radiohead inédito en estudio que debutó en directo en 2006.

En febrero de 2015, Selway dijo en una entrevista que Radiohead había trabajado en un nuevo álbum desde
septiembre hasta Navidad, y que retomarían la grabación en marzo de 2015. Jonny Greenwood manifestó
en otra entrevista que: «Ciertamente hemos cambiado nuestro método de nuevo [...] Estamos como
limitándonos a nosotros mismos; trabajando en límites [...] estamos intentando usar tecnología muy antigua
y muy nueva simultáneamente para ver qué pasa».

10. PEARL JAM

Todo comenzó en la primavera de 1984 con la formación de Green River, el que pronto sería un influyente
grupo punk de Seattle, se forma cuando Jeff Ament y Stone Gossard se juntan con Mark Arm y Steve Turner,
los futuros hombres de Mudhoney. En unos meses fueron teloneros de leyendas del punk de los '80 como
Dead Kennedys, Sonic Youth, Butthole Surfers y Jane's Addiction. Sin embargo en Octubre de 1987 Green
River se separan por diferencias creativas. Tres meses después Gossard y Ament empiezan a tocar con el
cantante Andrew Wood y forman Mother Love Bone. En dos años de existencia Mother Love Bone consigue
originar una lucha entre discográficas para ficharlos, hacen una gira por USA, publican un EP y graban un
esperadísimo álbum de debut.

El 19 de Marzo de 1990 Andy Wood muere de una sobredosis de heroína a menos de un mes del lanzamiento
previsto de Apple, el álbum de debut de Mother Love Bone, que finalmente se publica ese verano. (Reeditado
con el título de Mother Love Bone en 1992). Ese mismo verano Ament y Gossard empiezan a tocar con el
guitarrista Mike McCready y el núcleo de un nuevo grupo empieza a tomar forma. Los tres graban una
maqueta (con la ayuda Matt Cameron, el batería de Soundgarden y futuro batería de Pearl Jam), la maqueta
llega a manos del surfista de San Diego, Eddie Vedder. Por medio de Jack Irons, futuro batería de Pearl
Jam. Vedder graba su voz y sus letras en la maqueta y la envía de vuelta a Seattle. Dave Krusen es elegido
como batería ya que Jack Irons rechazó el puesto. La formación es ahora: Krusen a la batería, Gossard y
McCready a las guitarras, Ament al bajo, y Vedder como vocalista. El grupo, que se llamó Mookie Blaylock,
por un amigo del grupo, jugador de la NBA, da su primer concierto en un pequeño club de Seattle, el Off
Ramp, grabando su primera maqueta profesional en los estudios de Seattle, London Bridge Studio, con el
productor Rick Parashar.

En 1991 Mookie Blaylock se embarcaron en su primera gira como teloneros de Alice In Chains y volvieron a
los estudios de grabación London Bridge con el productor Rick Parashar para grabar Ten, su álbum de debut
para Epic. La grabación se completó en una semana y durante la misma cambiaron el nombre a Pearl Jam.
El 16 de Abril se publica Temple Of The Dog en A&M Records. El álbum es un tributo a Andrew Wood, creado
por Chris Cornell y Matt Cameron (entonces de Soundgarden) y por los componentes de Pearl Jam: Stone
Gossard, Jeff Ament, Mike McCready y Eddie Vedder. Durante un concierto en el RKCNDY de Seattle se
graba el video de Alive, el primer single de Pearl Jam. Después de dos meses de gira con el batería Matt
Chamberlain (antiguo batería de Edie Brickell & The New Bohemians, y más tarde de Tori Amos y Fiona
Apple), Dave Abbruzzese se une a Pearl Jam y toca por primera vez con ellos en un concierto gratuito en el
Mural Amphitheater de Seattle ante 4000 personas.

El álbum Ten sale a la calle el 27 de Agosto de 1991, un año más tarde el disco alcanza su puesto más alto
en las listas americanas llegando al Nº2, para empezar su primera gran gira por USA como teloneros de Red
Hot Chilli Peppers y Smashing Pumpkins. La gira culminó con el concierto de Fin de Año en San Francisco,
con los Chilli Peppers y Nirvana.

Dos años después publicaron su segundo álbum, Vs, en el Site de San Francisco, rematando las sesiones
con un concierto sorpresa el 13 de mayo en el pequeño club Slim's y se les otorgan cuatro MTV Video Music
Awards. El álbum debutó en el Nº1 de la listas americanas y vende casi un millón de copias en sólo una
semana.

En 1994 sale a la luz el tercer disco de la banda, Vitalogy. El álbum se edita en CD, cassette y mini-disc dos
semanas después de su lanzamiento en vinilo. Con unas ventas de más de 877.000 copias en una semana,
se convierte en el segundo record de ventas en la semana de debut (después de Vs), y el álbum entra directo
al Nº1 en la lista de superventas. Se mantiene en el Nº1 durante cinco semanas consecutivas.

En 1996 Pearl Jam obtiene su primer premio Grammy en la categoría de "mejor actuación hard rock" por
Spin The Black Circle, y publican su cuarto disco, No Code, que debuta en el Nº1 de la lista Billboard de
álbumes.

Al final de 1997, fueron teloneros de los Rolling Stones en sus cuatro conciertos en el Oakland Stadium de
Oakland (California), en los que estrenan temas de su próximo álbum Yield que sale a la venta a principios
de 1998. El batería Jack Irons no participará en la gira de verano del grupo, es sustituido por el ex batería de
Soundgarden: Matt Cameron.

A finales de 1998 se produce el lanzamiento del primer álbum en directo de Pearl Jam; Live On Two Legs,
grabado durante la gira del 98.

En Marzo de 1999 Pearl Jam comienzan las sesiones preliminares para la grabación de su sexto álbum de
estudio con Matt Cameron a la batería. Binaural, sale a la venta el 15 de marzo de 2000.

Durante la gira de la banda Riot Act de 2003, Vedder interpretaba la canción con una careta de goma con la
cara del presidente. Pearl Jam anunciaron ese año que no renovarían su contrato con Epic Records tras
cumplir con su compromiso al editar el retrospectivo Rearviewmirror: Greatest Hits 1991-2003 (2004). Pearl
Jam grabaron entonces un single independiente, "Man of the Hour", que se incluyó en los créditos finales de
la película de Tim Burton de 2003, Big Fish. La banda transcurrió la mayor parte de 2005 en la carretera,
como cabeza de cartel y siendo teloneros de los Rolling Stones en un par de fechas. En 2006, editó Live at
Easy Street, grabado el año anterior en Easy Street Records de Seattle, solo para su distribución en tiendas
especializadas.

A pesar de que Vedder anunciase que Pearl Jam no estaba interesada en firmar con otra compañía, a
principios de 2006 la banda lo hizo al firmar un contrato con Clive Davis para su Nuevo sello J Records, parte
del grupo de Sony BMG que controlaba el catálogo de la banda con Epic Records. El primer lanzamiento de
la banda para el sello ese año fue un álbum con su nombre en el que el grupo regresaba al sonido hard-rock
de sus inicios. El single contra la Guerra de Irak "World Wide Suicide" fue el primer nº1 de la lista Modern
Rock de la banda en una década. En 2007, la banda editó una caja con 7 cds, Live at the Gorge 05/06,
grabada en el Gorge Amphitheatre, un recinto al aire libre de George, Washington. En 2008, la banda
comunicó que había comenzado a trabajar en su novena álbum de estudio. En julio de 2009, se anunciaba
que Pearl Jam había firmado con Universal Music para el mundo, exceptuando USA donde serán ellos
mismos quienes editen su trabajo. Ese noveno disco de estudio se llama Backspacer.
11. R.E.M

R.E.M. fue una banda de rock estadounidense, formada en Athens, Georgia en 1980 por el cantante Michael
Stipe, el guitarrista Peter Buck, el bajista Mike Mills y el batería Bill Berry. De las primeras bandas pioneras
del rock alternativo, R.E.M. fue fundamental en la creación y desarrollo del género de rock alternativo.
Allmusic declaró: "REM marcó el punto en el que el post-punk se convirtió en rock alternativo". A principios
de la década de 1980, el estilo musical de R.E.M. contrastaba con los géneros post-punk y new wave que
la habían precedido.

La banda conoció a Jefferson Holt, que los vió en Carolina del Norte y se convirtió en su manager. Fue
entonces, con nombre y manager cuando los miembros de REM dejaron la universidad para centrarse en
el grupo. En el siguiente año y medio, REM realizó una gira por el sur de EEUU.

En el verano de 1981, el grupo grabó su primer single, "Radio Free Europe", producido por Mitch Easter,
que incluía como cara B la canción "Sitting Still". El single fue publicado por el sello discográfico Hib-Tone
Records y editaron solamente 1.000 copias. El sencillo fue un éxito en las radios independientes y por lo
tanto también en las escuelas del sur del país. Las letras inquietantes y la voz de Stipe le daban ese sonido
que les hacía distintos.
Como el single tuvo tanto éxito los sellos discográficos independientes se interesaron por REM y REM
decidió interesarse por ello. Al final formó con IRS Records con el cual publicaron su primer EP, Chronic
Town. La banda se fue a California para la grabación del EP.

El primer álbum de estudio de REM fue Murmur, lanzado en 1983. El disco debut tuvo mucho apoyo de
críticas, incluso Rolling Stone que en esa época aún era lo que era colocó a Murmur como el mejor álbum
del año 1983. El álbum llegó al puesto número 36 en la lista de álbumes de Estados Unidos (Billboard 200)
Gracias al gran éxito obtenido con el álbum debut, R.E.M. hizo su primera aparición en la televisión, en el
programa "Late Night With David Letterman", donde tocaron "Radio Free Europe" y "So. Central Rain (I'm
Sorry)" (que después aparecería en su segundo álbum de estudio).

Su segundo álbum de estudio fue Reckoning, que se publicó en el año 1984. El primer single fue el ya
mencionado "So Central Rain". Si bien el álbum fue criticado por ser poco comercial por parte de las radios
principales, las radios independientes acogieron cálidamente el álbum.

Para el tercer álbum, Fables of the Reconstruction, la banda decidió cambiar el rumbo de manera drástica.
Para ello, viajaron a Londres. Las sesiones en el estudio se convirtieron en mucho complicadas y cargadas
de tensión. Se dice que el frio de Londres se metió en Fables of the Reconstriction y por eso es un álbum
tan oscuro.

Para su cuarto álbum REM ya había recobrado el calor de sus primeros trabajos y volvieron a un pop más
alegre, el resultado Lifes Rich Pageant. Que no tuvo mucho éxito en EEUU pero si algo más en Gran
Bretaña.

Tras el ligero éxito de Lifes Rich Pageant, R.E.M. lanzó el álbum Document. Éste se convirtió en su primer
disco de platino y el mejor hasta la fecha llegando al número #10 en el Billboard 200 y en el #28 en la lista
del Reino Unido. Este gran éxito les consiguió un contrato con la Warner Bros. Su sexto álbum, Green se
convirtió en un gran éxito y les llevó de gira.

En la década de los noventa la banda crece y crece. Tanto que Out Of Time (1991) vendió más de 10
millones de copias y en especial el single "Losing My Religion" (cuyo vídeo fue muy criticado por la iglesia
católica), R.E.M. alcanza el estatus de banda de culto en todo el mundo, lo que la ha hecho ser digna de
 los Sultanes del Swing. Un año después, en 1992, R.E.M. lanza un disco más oscuro y con letras más
sórdidas, Automatic for the People, considerado como el mejor disco del grupo hasta el momento.

A finales de 1997, Bill Berry dejó la banda, dejando a Buck, Mills y Stipe como únicos miembros oficiales.
Pasando por varios cambios en el estilo musical, el grupo continuó su carrera en la próxima década con
variadas críticas y éxitos comerciales. R.E.M. vendieron más de 80 millones de discos en todo el mundo.
En 2007, R.E.M. fue introducido al Salón de la Fama del Rock. R.E.M. se disolvió en septiembre de 2011,
anunciando la separación en su sitio web.

12. RED HOT CHILI PEPPERS

Red Hot Chili Peppers se formó en 1982 en la costa oeste de Estados Unidos. Sus componentes -Michael
Balzary (Flea), en el bajo, Hillel Slovak (guitarra), Jack Irons (batería) y Anthony Keidis como vocalista- habían
tocado con juntos durante varios años (bajo el nombre de Tony Flow and the Miraculously Majestic Masters
of Mayhem) en casi todos los bares de Sunset en plena escena punk, aunque con una rara influencia del
funk de los 70.

Finalmente en 1983 el grupo adopta su nombre actual, Irons y Slovak dejan el grupo para dedicarse a otros
trabajos y son sustituídos por Cliff Martínez y Jack Sherman y en 1984 consiguen publicar su primer trabajo
con el nuevo nombre: Red Hot Chili Peppers.
Slovak vuelve de nuevo al grupo en sustitución de Sherman y ofrecen numerosos conciertos antes de lanzar
su segundo trabajo Freaky Styley, con el que se hicieron un espacio en el panorama musical en los Estados
Unidos.
Irons regresa de nuevo y vuelven así a la formación original, pero tras el éxito de su tercer disco Uplift Mofo
Party Plan Slovak muere por sobredosis y la banda se tambalea.

En 1989, el grupo resurge con la incorporación de John Frusciante como guitarrista y Chad Smith en la
batería. La formación con Kiedis, Flea, Frusciante y Smith se consolida definitivamente y publican Mothers
Milk, considerado como uno de sus mejores trabajos. Con la canción Higher Ground consiguieron su primer
éxito en Estados Unidos y el disco casi alcanza el medio millón de copias en su país.

Dos años después publican Blood Sugar Sex and Magic que supuso la consagración mundial para la banda,
en gran parte gracias al tandem musical formado por Flea (bajo) y John Frusciante (guitarra) y en 1995 One
Hot Minute.
En 1999, tras el breve paso por la banda del guitarrista Dave Navarro, Red Hot Chili Peppers recuperan a
Frusciante y publican Californication, del que se vendieron 14 millones en todo el mundo. Tres años más
tarde, lanzaron By de way.

Tras 20 años, 7 guitarristas y 35 millones de discos, Red Hot Chili Peppers, publica en 2003 Greatest Hits
and Videos, con 14 de sus grandes éxitos de los anteriores 12 años más 2 inéditos; más un DVD con 16
videoclips.
En 2008 la banda se tomó un descanso después de la última gira, durante el cual Frusciante abandonó la
banda. Desde octubre de 2009, con su nuevo guitarrista Josh Klinghoffer, han estado trabajando en su
décimo álbum de estudio titulado I'm With You, que salió a la venta el 30 de agosto de 2011.
Bandas español:
1.- SODA STEREO
Soda Stereo nació en 1982 como un grupo heredero directo del new wave, impulsado por bandas como
The Police y Television. En sus comienzos combinaba la energía del punk-rock con las melodías del
reggae y el ska, aunque su música se fue tornando cada vez más pop con el correr de los discos.
No fue casualidad que las primeras repercusiones obtenidas por Soda fueran, en 1983, año en el cual
Charly García incorporó ritmos “bailables”, con "Clics Modernos".
Por el año 1980 Gustavo Cerati se presentó en un cabaret de Parque Centenario con un grupo en el cual
cantaban dos chicas inglesas, bautizado Sauvage. El repertorio incluía covers y canciones propias, más
improvisadas que compuestas, generalmente bailables. Estudiante de publicidad, en la Universidad del
Salvador, era compañero de Zeta Bosio, quien lo invitó a zapar con su propio grupo: The Morgan (en el que
también estaba Andrés Calamaro en teclados).
Primero Cerati se integró a The Morgan y luego formaron, sucesivamente, el grupo Stress (junto a Charly
Amato y el baterista Pablo Guadalupe) y Proyecto Erekto (junto a Andrés Calamaro), aunque no cubrieron
sus expectativas de emprendimientos musicales.
A comienzos de 1982, Cerati y Bosio soñaban con armar un trío estilo The Police, pero les faltaba el
baterista. Carlos Ficcichia llamó por teléfono a María Laura Cerati para invitarla a salir. Atendió su
hermano: Gustavo. Entablaron una charla de compromiso y terminaron hablando del padre de Carlos, un
famoso baterista de jazz: Tito Alberti (autor de grandes canciones del repertorio infantil). A la semana,
Gustavo y Zeta visitaron la casa de Charly, para escucharlo tocar en la batería de su padre, en lo que
fueron los comienzos de Soda Stereo.
Después de examinar algunas ocurrencias (Aerosol, Side Car) adoptaron el nombre de Los Estereotipos,
debido a una canción de The Specials que les apasionaba a los tres y que utilizaron unos meses.
De esa primerísima época data un demo en donde grabó guitarras Richard Coleman que fue integrante
oficial de la banda durante muy poco tiempo en aquellos días de 1982. Las canciones de aquel disco de
presentación eran "¿Por qué no puedo ser del jet set?", "Dime Sebastián" y "Debo soñar" (de Ulises
Butrón), acompañados por Daniel Melero en teclados y Ulises Butrón en guitarra.
Luego surgieron los nombres "Soda" y "Estéreo", dando como resultado el famoso Soda Stereo como
denominación definitiva de esta banda que se quedó sin Coleman ya que el mismo Richard reconoció que
la banda sonaba mejor sin él.
En 1983 consiguieron cierta resonancia con varios demos presentados en Radio del Plata y en discotecas.
Eran las primeras versiones de "Jet-Set" y "Vitaminas". Una noche a los Soda los llamaron de un pub para
suplir a la banda Nylon, que no iba a poder tocar.
Así comenzó un período de constantes presentaciones que los condujeron al Bar Zero, lugar excluyente del
under porteño, junto al Café Einstein. En el tercer show, un productor discográfico los escuchó y los llevó a
grabar profesionalmente para CBS, hecho que finalmente no se concretó hasta mediados de 1984.
Ya por entonces Soda Stereo comenzó a trabajar muchísimo sobre su imagen. Alfredo Lois (amigo del
grupo y compañero de estudios, considerado el cuarto soda) fue el encargado de las producciones
visuales: editar un video-clip antes que un LP, algo totalmente atípico por aquella época. El tema elegido
fue "Dietético", que realizaron con equipos "prestados" por Cablevisión, donde Lois trabajaba de
camarógrafo.
"Soda Stereo", fue el primer disco y se editó en 1984. Contó con la producción de Federico Moura (Virus),
quien se limitó a dar algunos consejos, ya que "todos los temas tenían los arreglos resueltos y pensados".
Si bien el resutado fue un sonido más frío que el obtenido en vivo, los músicos quedaron muy conformes y,
lo que fue más importante: consiguieron una gran recepción por parte de la prensa.
La grabación se realizó en los obsoletos estudios de CBS de Buenos Aires, y el trío (Cerati, Alberti, Bosio)
fue acompañado por Daniel Melero en teclados (autor de "Trátame suavemente") y Gonzo Palacios en
saxo, con la categoría de "músicos invitados", una práctica que adoptaron en lo sucesivo y que en algunos
casos resultaron ser verdaderos miembros de la banda, denominados por los fans y los medios con el título
de “cuarto Soda”.
La presentación oficial de este material fue en el teatro Astros, el 14 de diciembre de 1984. Para la ocasión,
y eligiendo como motivación el tema "Sobredosis de TV", se colocaron 26 televisores prendidos y fuera de
sintonía, sumado a una gran cantidad de máquinas de humo, que dieron un inusual y atrapante efecto
visual.
Aunque el estreno del álbum se realizó el 1 de octubre y fue organizada, también, como si se tratara de un
espectáculo (por la agencia Rodríguez Ares), algo que nunca se había hecho en la Argentina hasta ese
momento.
El lugar elegido fue un local céntrico de comida rápida de la cadena Pumper Nic (Suipacha entre Corrientes
y Lavalle), la más popular entre los jóvenes argentinos de los 80’, y se proyectó el videoclip.
En octubre de ese año también tuvieron la posibilidad de presentarse ante el gran público de Vélez
Sarsfield, en el Festival Rock & Pop, donde también estuvieron INXS, Nina Hagen, Charly García, Virus y
Sumo, entre otros.
Ya para aquel entonces se incorporaron como invitados estables Fabián Von Quintiero y Gonzalo “Gonzo”
Palacios, en teclados y saxo, respectivamente.
Con "Nada Personal" (1985), Soda Stereo demostró que sin abandonar los ritmos "bailables", este segundo
disco logró más profundidad en las letras y madurez en las melodías, hechos que se acentuaron en el trío,
con el paso del tiempo. Las encuestas lo dieron como el mejor disco del año y la presentación en Obras
Sanitarias, de este material, fue unánimemente calificada como "sorprendente".
En 1986 los Soda salieron de gira por Latinoamérica y cosecharon un éxito inesperado. Pero en 1987, en
una segunda gira por el continente, la repercusión fue aún mayor: 22 presentaciones en siete países y 17
ciudades diferentes, ante aproximadamente un total de 200 mil espectadores, abriendo nuevos mercados
hasta ese momento, inexplorados para los artistas nacionales.
En junio de 1986, luego de una gira nacional, el trío grabó su segundo videoclip con "Cuando pase el
temblor", nuevamente bajo la dirección de Alfredo Lois, en las ruinas del Pucará de Tilcara (Jujuy). El video,
que completó la filmación de la presentación en el estadio Obras, fue nominado como finalista del 12°
World Festival of Video and TV, en Acapulco unos años después.
"Signos" (1986) fue un paso clave en la banda. Sin repetir fórmulas exitosas, este trabajo fue mucho más
directo que los anteriores. Al trío se le sumaron Von Quintiero en teclados, Richard Coleman en guitarra y
“Gonzo” liderando una sección de vientos.
"Signos" fue el primer disco del rock nacional en editarse en formato de compact disc. Fue fabricado en
Holanda y distribuido en toda Latinoamérica, aunque reciñen salió a la venta recién en 1988.
Ya dentro de la gira “Signos”, el 3 de diciembre hicieron su primera presentación en Ecuador, y el 9 y 10 de
enero de 1987 en Uruguay (Punta del Este y Montevideo).
Los días 11 y 12 de febrero de 1987, Soda Stereo volvió a presentarse en Chile, en la edición número 28
del Festival Internacional de la Canción de Viña del Mar, donde ganaron el premio Antorcha de Plata.
El Festival de Viña, transmitido por televisión a muchos países latinoamericanos, expandió la fama de la
banda por todo el continente, que no tardó en transformarse en una masiva adhesión incondicional que dio
en llamarse “Sodamanía.
Dos meses después, el 23 de abril, batió récords de público en un recital de rock en Paraguay con su
presentación en el Yacht Club. Mientras tanto, “Signos” fue disco de platino en Argentina, triple disco de
platino en Perú y doble platino en Chile.
El 2 de mayo de 1987 se presentaron en la discoteca Highland Road de San Nicolás, (Buenos Aires),
cuando sucedió un derrumbe en el que murieron cinco jóvenes y hubo más 100 heridos mientras estaban
tocando "Persiana Americana".
Con una carga emocional muy fuerte tocaron en Obras el 8 y 9 de mayo para presentar “Signos” en
Buenos Aires. Como expresión de duelo el grupo no utilizó la escenografía ni los juegos de iluminación que
tenían preparados.
De todas esas giras "Ruido Blanco" fue parte del viejo concepto de pensar que Soda sonaba mejor en vivo
que en estudios. Con material registrado a lo largo de toda la gira latinoamericana (sin el objetivo de
publicarlo), se realizó la mezcla final de ocho temas en la isla de Barbados. Si bien se perdió un poco la
calidad de sonido de los discos anteriores, fue indudable que este trabajo ganó en la frescura,
espontaneidad y potencia característica de los shows en vivo.
El retorno al disco de estuvio fue con "Doble Vida" (1988. Primer álbum grabado íntegramente fuera del
país. La producción estuvo a cargo de Carlos Alomar (quien trabajó con Mick Jagger, Paul McCartney y
David Bowie, entre otros). Logró un sonido más tecnificado del trío y sobresalieron dos hits: "Lo que sangra
- La Cúpula" y "En la ciudad de la furia" (que iba a ser el título de la placa).
A más de doce meses del último recital en la Capital Federla, Soda presentó "Doble Vida" en la cancha de
hockey de Obras Sanitarias, ante 25 mil personas. Para coronar un gran año, cerraron el Festival por la
Democracia que se realizó en Avenida del Libertador y 9 de Julio (Buenos Aires) ante 150 mil personas
junto a Luis Alberto Spinetta, Fito Páez, Los Ratones Paranoicos, Man Ray y otros artistas.
A fines de 1989 grabaron una nueva versión de "Languis" (canción incluida en “Doble vida”) y una canción
estreno llamada "Mundo de quimeras”. Ambos fueron editados en el maxi-simple “Languis” (1989) junto a
versiones remixadas de "En el borde" y "Lo que sangra (la cúpula)".
Luego de editado el disco, Soda realizó dos presentaciones con entradas agotadas en The Palace de Los
Ángeles, convirtiéndose en la segunda banda de rock en español en presentar un espectáculo en Estados
Unidos con entradas agotadas, el 8 de diciembre de 1989, solo tres meses después de que el también
argentino Miguel Mateos hiciera lo propio el 7 de septiembre de aquel año.
A principios de 1990 la banda se presentó en el estadio José Amalfitani (Vélez), compartiendo cartel, en
igualdad de condiciones, junto al dúo inglés Tears For Fears en un show ante 32 mil personas. En dicho
concierto contaron con la presencia de David Lebón, ex guitarrista de Pescado Rabioso y Serú Girán, que
los acompañó en guitarra en el tema "Terapia de amor intensiva".
El éxito continental llevó a la cadena MTV News, europea, a prestar atención a lo que estaba sucediendo
en América Latina con el rock en español, dedicándole un programa especial al grupo, hecho sin
antecedentes para un grupo de rock que no
En junio, Soda Stereo, viajó a Estados Unidos para registrar una nueva placa en los Estudios Criteria de
Miami. Para ello contaron con el aporte conceptual de Daniel Melero y la participación de Andrea Álvarez y
Tweety González, siempre en calidad de invitados.
El resultado fue el álbum “Canción Animal” (1990), considerado generalizadamente como uno de los
mejores de la historia del rock latino. Allí se editó la canción más popular: "De música ligera", además de
otros clásicos de la banda como "Canción animal", "Un millón de años luz", "(En) El séptimo día" y "Té para
tres".
Aquel nuevo álbum significó para la banda el acceso al público español, que se plasmó en mayo de 1992
con presentaciones en las ciudades de Madrid, Oviedo, Sevilla, Valencia y Barcelona.
Era la culminación de un enorme tour por el interior y Latinoamérica, en presentación del disco "Canción
animal" (1990). Pero en materia de público, el máximo registrado en una sola presentación fue el 14 de
diciembre de 1991, con 250 mil personas en la 9 de Julio, en el show gratuito "Mi Buenos Aires Querido".
Ese año también habían batido el record de 14 funciones agotadas en el teatro Gran Rex. Tras ese furor
sobrevino un período de dispersión. Se editó "Rex mix" (1991) quefue un trabajo en vivo, con material
registrado en los shows del año anterior y retoques de estudio.
En noviembre de 1992, los Soda fueron protagonistas de un hecho inédito en la Argentina: la transmisión
de TV en estéreo con la presentación del "Dynamo" (1992) que los tres músicos, más Tweety González
(teclados) y Flavio Etcheto (trompeta), tocaron casi todo el álbum en el programa Fax, de Nicolás Repetto.
Con una puesta de luces y un sonido impecables, Cerati cantó sobre pistas previamente grabadas de las
canciones (procedimiento conocido como "playback") y reforzaron en vivo guitarras, bajo y batería.
En diciembre, llegaron los ocho shows en el estadio Obras, también destacados por la puesta en escena.
"Dynamo" no vendió como se esperaba, porque en aquellos días, el grupo cambió de compañía
discográfica: Sony no tenía intenciones de apoyar un grupo que emigraba y BMG no podía incentivar un
producto de otra empresa.
El 94’ fue el peor año de Soda: por decisión unánime, tomaron distancia del mito y evaluaron la posibilidad
de separarse definitivamente. Cerati ya había encarado proyectos solistas ("Colores Santos", con Melero, y
"Amor Amarillo"), Zeta se dedicó a la producción de otras bandas (Peligrosos Gorriones, Aguirre) y Charly
desapareció de la música para incorporarse al jet-set de las revistas.
Luego de tres años de silencio discográfico (se editaron dos recopilaciones en 1994: "Zona de promesas",
álbum de remixes, y "20 grandes éxitos"), el trío volvió con "Sueño Stereo" (1995).
Los recitales de agosto demostraron que mantenían la vigencia de años anteriores, razón por la cual fueron
invitados a participar del 113º aniversario de la Ciudad de La Plata, en noviembre, ocasión para la cual
reunieron 200 mil personas en la Plaza Moreno, con Julio y Marcelo Moura (exVirus) como invitados.
A mediados de 1996 fueron invitados por la cadena MTV para sus famosas sesiones “unplugged”
(desenchufadas) en Miami. Luego de rechazar la invitación varias veces, Soda Stereo logró que la cadena
aceptara su propuesta de tocar con sus instrumentos eléctricos y enchufados, aunque reorquestando y
modificando las versiones clásicas para hacerlas más lentas y musicalmente más complejas,
Esta presentación fue registrada parcialmente en la placa “Confort y Música Para Volar” (1996) y de
manera completa en una nueva versión del álbum editado en 2007. El álbum incluyó además cuatro temas
nuevos que habían quedado fuera de “Sueño Stereo” y un track interactivo con historietas e imágenes en
video de la presentación en MTV.
Un largo silencio antecedió a la despedida final. Gustavo Cerati participó en un álbum tributo a Queen pero,
finalmente, Soda Stereo anunció su disolución a mediados de 1997.
La banda encaró la última gira, que pasó por México, Venezuela y Chile, antes de cerrar en dos shows en
el estadio de River Plate, en septiembre. Durante el tour se grabaron versiones en vivo, que serían
editadas en dos discos separados, bajo el nombre de "El último concierto A" y "B".
En diez años de separación, varias fueron las oportunidades en las cuales se rumoreó un reencuentro. Sin
embargo, sólo se concretó para finales de 2007: la banda anunció cinco shows en River Plate y luego una
gira por las principales capitales de Latinoamérica, pero aclararon que en 2008 cada uno continuaría con
sus proyectos independientes: Gustavo con su carrera solista, Zeta al mando de su empresa Alerta Discos
y Charly con Mole, su proyecto musical.
A pesar de los constantes rumores de reunión, los cuales irónicamente comenzaron al poco tiempo de la
separación, pocas noticias hubo sobre Soda, salvo un especial para TV de “El último concierto” producido
por la cadena HBO y un documental llamado “Soda Stereo: La Leyenda”, producido por MTV. Finalmente
en el año 2002 se volvió a ver al trío reunido en los premios MTV Latinoamérica para recibir el premio
Legend por su trayectoria musical.
A siete años de la separación fue muy raro el hecho que no existiesen lanzamientos oficiales, por lo que a
finales del 2003 se anunció que Sony Music editó el primer DVD de Soda Stereo, que contenía mucho
material inédito, proporcionado por Gustavo, Zeta y Charly, además de personas muy allegadas a la banda.
Estaba claro desde un principio que la producción fue por parte de Sony y la productora Cuatro Cabezas
(con Mario Pergolini al frente).
El resultado salió a la calle en noviembre de 2004 y fue titulado “Soda Stereo: Una parte de la Euforia
(1983-1997) “. Un documental que resumió la historia de la banda a través de escenas de conciertos,
backstage, entrevistas, ensayos, pruebas de sonido, presentaciones en TV, etc. No obstante dicho DVD
sólo contenía la historia de Soda en Sony/CBS, excluyendo la etapa en BMG, correspondiente a “Sueño
Stereo” y “Confort y Música Para Volar” (de 1994 a 1996), lo que lo hacía un documento incompleto.
El 20 de septiembre de 2005 se editó en Argentina un DVD sobre el concierto final que dioSoda Stereo
exactamente ocho años antes en el Estadio de River Plate, con el título de “El Último Concierto (En Vivo)”.
El DVD, a diferencia del especial que produjo HBO, estaba centrado en el concierto de Buenos Aires en
audio 5.1 e incluía dos temas que habían quedado afuera anteriormente: "Juego de seducción" y
"Sobredosis de TV".
Además, incluyó una opción multi cámara para una sesión de ensayo de "Primavera 0" y un documental de
25 minutos de la gira de despedida con imágenes de los conciertos y pruebas de sonido de México,
Venezuela, y Argentina. También traía una entrevista al desaparecido “cuarto Soda” Alfredo Lois, autor de
ese trabajo, uno de los últimos que hiciera antes de fallecer.
En 2007, al cumplirse 10 años de su separación, la banda decidió reunirse por una vez con el fin de realizar
una gran gira continental. El 6 de junio de 2007 se conoció la noticia y el 9 se oficializó: Soda Stereo
volvería a los escenarios mediante una única gira americana llamada “Me Verás Volver” (frase emblemática
del grupo tomada de "En la ciudad de la furia")
La grilla de concierto superó el millón de entradas vendidas a través de nueve países de América,
realizando 23 conciertos en solo dos meses.
En la última semana de agosto de 2008, Sony-BMG lanzó un nuevo álbum llamado “Me Verás Volver (Hits
& +)”, un trabajo con 18 reediciones de temas en que fueron remasterizados en 2007.
El disco no contenía temas nuevos, pero incluía un código para acceder a contenidos exclusivos en su sitio
web, entre ellos grabaciones de los temas ejecutados en la gira. El álbum alcanzó el primer puesto en
ventas en Argentina y Chile.
La historia de Soda se fue opacando en actualidad. En la madrugada del domingo 16 de Mayo de 2010,
Gustavo Cerati sufrió un ACV (accidente cerebrovasuclar), tras presentarse en un concierto en Caracas
(Venezuela) cuya gira tuvo el mismo nombre que su último disco solista (“Fuerza natural”).
Fuente: http://www.rock.com.ar/artistas/soda-stereo

2.- FITO PAEZ

Rodolfo Fito Páez nació en Rosario el 13 de marzo de 1963 y formó Staff, su primera banda, cuando tenía
13 años. Ya en 1977 tocaba en El Banquete, junto a Rubén Goldín y Jorge Llonch. A partir del año
siguiente se presentó como solista en varios pubs locales. Cuando Juan Carlos Baglietto formó su banda,
lo incluyó como tecladista y como arreglador, junto aGoldín, quien también tocaba la guitarra. En esa banda
militaban Silvina Garré y Sergio Sáenz. Para fines de 1983 ya cantaba "Del '63" solo con su piano, en
medio del show deBaglietto.
Durante una presentación con Baglietto en el teatro Coliseo (4/12/82), Charly García fue hasta el camarín
para saludarlo. El apenas tenía 19 años y la plata que sacaba le daba para pagar algunas deudas. Al poco
tiempo, Daniel Grinbank, por aquél entonces mánager de García, lo llamó a su oficina: comenzaría a
ensayar para la gira nacional de "Clics Modernos", junto a GIT y Fabiana Cantilo. Tocaría los teclados en
lugar de Andrés Calamaro, que se unía a Los Abuelos de la Nada y participaría en los discos "Clics
Modernos" (1983) y "Piano Bar" (1984).
Tras ese empujón artístico, preparó su primer disco solista,"Del '63" (1984). Lo presentó primero en Rosario
y luego en Buenos Aires, acompañado por Daniel Wirtz en batería,Fabián Gallardo en guitarra, teclados y
voz, Tweety González en teclados y Paul Dorge en bajo, más los invitados especiales: Fabi Cantilo, Rubén
Goldín y Miguel Zavaleta. Al tiempo, Llonch retornaría al bajo.
Ya por entonces consagrado como uno de los compositores más importantes (Luca Prodán lo definió como
"el hijo deCharly García y Nito Mestre"), se presentó junto a Bagliettoen Obras, el 7 y 8 de junio de 1985,
para presentarse nuevamente ante el público porteño con su nuevo disco,"Giros".
Con Luis Alberto Spinetta tuvo un encuentro fortuito, similar al que lo unió a García. «Esta es la mejor
música que se está haciendo hoy», comentó el Flaco tras escuchar un demo de lo que sería el segundo
álbum. Juntos grabaron "La la la"(1986) y realizaron una desordenada gira que los llevó hasta Santiago de
Chile. Ese año participó de los festejos por los Mil Días en Democracia, organizados por el gobierno de
Santa Fe en el Monumento a la Bandera. Allí se presentó conSpinetta como invitado, en un espectáculo
que también reunió a Juan Carlos Baglietto, Silvina Garré y Antonio Tarragó Ros.
"El peor crimen que puede cometer un intelectual es el engaño a través del cual obtiene dinero", declaró al
presentar"Ciudad de Pobres Corazones" (1987), compuesto en memoria de su tía y su abuela, asesinadas
en Rosario. Este álbum, elegido como el Mejor del Año para el Suplemento Sí, marca una clara
diferenciación con el período anterior, más rítmico. Su escepticismo se plasma en las composiciones dark y
en sus declaraciones: "para quien piensa que la música sirve para algo, la gira de Amnesty es lo mejor que
le puede pasar. Yo no creo que el arte sirva para nada". Si en su primera etapa cantaba "quién dijo que
todo está perdido / yo vengo a ofrecer mi corazón", ahora sentencia: "en esta puta ciudad / todo se quema
y se va / matan a pobres corazones".
En diciembre de 1987 se presentó como telonero de Sting, en el estadio de River Plate. Todavía furioso e
ireverente, declaró: «¡A los 40 años se da cuenta de que están torturando gente en el mundo! ¿Quién de
nosotros puede permitirse esa misma ingenuidad? Lo que es crítico es el fenómeno en los medios: lo
muestran a Sting como si fuera el Santo Redentor» (H.Vargas, pág 106).
"Ey!" (1988), su siguiente disco, se grabó en Nueva York y La Habana, mientras participaba del Festival de
Varadero junto a Baglietto. Este es el primer disco producido por el propio Fito y fue registrado con su
nueva banda: Guillermo Vadalá en bajo, Guillermo Colombres en batería, Osvaldo Fattoruso en percusión,
trompetistas y saxofonistas del grupo Afrocuba (que por entonces acompañaba a Silvio Rodriguez) y una
serie de guitarristas invitados: Fabián Gallardo, Ulises Butrón, Ricardo Mollo y Gabriel Carámbula.
«"Ey!" aparece en un momento de transición. Luego de una temporada en el infierno que lo llevó a su
expresión musical más salvaje, contrapuesto al sitial de romántica lucidez en el que muchos pretendían
congelarlo por su producción anterior, Páez lanza este trabajo sobre el final de una etapa, antes quecomo
testimonio de un nuevo punto de partida (...)"Ey!" parece un conglomerado de influencias y estilos que
muestran no a uno, sino a varios Fito Páez posibles. Una gama de posibilidades en que pueden advertirse,
sin dudas, facetas más logradas e interesantes que otras» (G.Allerand, citado en H.Vargas, pág 119).
"Tercer mundo" (1990) es una especie de película sobre el continente americano y sus países. «El disco
refleja lo que ví en mis viajes por América Latina: las fiestas paganas, los curas mezclados con los
terroristas, las prostitutas tratando de quitarles el dinero a los norteamericanos. Me dije: aquí abajo hay un
mundo muy fuerte. Quise reflejar eso», explicó Fito (H.Vargas, pág 131). Los temas más importantes
son"Carabelas nada", "Yo te amé en Nicaragua", "El chico de la tapa" y "Tercer Mundo", definida
grandilocuentemente como «el equivalente rockero de "Cambalache"». Con nueva banda, este trabajo fue
presentado en el teatro Gran Rex los días 14 y 15 de diciembre. Los músicos eran Gallardo en teclados,
guitarra y coros, Guillermo Vadalá en bajo, Daniel Colombres en batería, Ricardo Verdirame en guitarra,
Mario Maselli en teclados y Celsa Mel Gowland en coros. Entre los invitados especiales (tanto al disco
como a su presentación) figuran Mercedes Sosa, Luis Alberto Spinetta, Liliana Herrero,Fabiana
Cantilo e Illya Kuryaki & The Valderramas.
El siguiente álbum sería el que mayor éxito y dinero le traería:"El amor después del amor" (1992). "Nadie
puede y nadie debe vivir sin amor" es el estribillo que caracteriza a este trabajo, criticado por su
superficialidad y "falto de compromiso". Sin embargo, el éxito comercial lo llevó a ser el disco más vendido
de la historia del rock nacional (600.000 copias) con hits como el tema homónimo, "La rueda mágica","Dos
días en la vida" y "A rodar mi vida". Fue presentado primero en Rosario, en el estadio cubierto de Newell's
Old Boys, luego en once shows en el teatro Gran Rex de la Capital y, finalmente, por todo el país en La
Rueda Mágica Tour '93, que culminó en Velez, los días 24 y 25 de abril, ante 40.000 espectadores cada
noche. En diciembre de ese año repitió su presentación en Velez, a beneficio de UNICEF Argentina: donó
420 mil dólares.
Páez se quedó con todos las encuestas de popularidad: Mejor Solista, Mejor Disco ("El amor..."), Mejor
Tema y Mejor Video
("Tumbas de la gloria") y perdió solamente en Mejor Show, superado por el retorno de Seru Giran en River.
Ya para mediados de 1994, "El amor después del amor" había alcanzado las 650.000 copias vendidas.
El éxito también lo acompañó en Cuba y fue el primer extranjero en permitírsele su presentación en la
Plaza de la Revolución de La Habana, ante 40.000 espectadores y con transmisión en directo para el resto
de la isla. Luego, acompañado por Silvio Rodríguez, fue a visitar a Fidel a la Residencia. Su presentación
en el Festival de Montreux (Suiza).
Con la presión de igualar el éxito anterior, Fito volvió al estudio para grabar "Circo Beat" (1994), pero las
expectativas (artísticamente hablando) quedaron muy grandes para este trabajo. Sin embargo, un par de
temas contaron con amplia difusión en las radios: "Mariposa Tecknicolor" y "Tema de Piluso", en homenaje
al cómico rosarino Alberto Olmedo. También editó "Circo Beat Brasil", con tres bonus tracks en portugués:
"Mariposa Technicolor" (a dúo con Caetano Veloso), "She's mine" (con Djavan) y "Nas luzes de Rosario"
(o "Tema de Piluso", con Herbert Vianna, de los Paralamas). En total, esta placa vendió 350.000 copias, lo
que lo convirtieron en el segundo álbum más exitoso del '95.
Se presentó también en las Francofolies, el desembarco del "nuevo rock francés" en Obras, con Sinclair,
FFF y No One is Innocent, más el aporte local de Todos Tus Muertos y Los Fabulosos Cadillacs.
En 1995 presentó oficialmente el material en 20 shows en el Teatro Opera y cerró el año en un estadio de
River sorprendentemente semivacío (apenas convocó a 25.000 espectadores). Lo acompañaron Pomo
(batería), Gabriel Carámbula (guitarra), Gringui Herrera (guitarra), Guillermo Vadalá (bajo), Alina Gandini
(teclados), Laura Vázquez (teclados) y Nicolás Cotta (percusión). También participaronAndrés
Calamaro, Ariel Rot, Liliana Herrero y Fabiana Cantilocomo músicos invitados. Las presentaciones
de "Circo Beat"tuvieron su última fecha en un show al aire libre y con entrada gratuita, que convocó a cerca
de 50.000 personas en los bosques de Palermo.
La cadena MTV le propuso en 1996 grabar un unplugged, pero ante el no acuerdo económico, Fito grabó
una recopilación acústica en sociedad con Telefé, bautizada"Euforia". Se trata del primer disco en vivo del
rosarino, con varios hits y tres inéditos: "Dar es dar", "Cadáver exquisito" y"Tus regalos deberían de llegar".
En septiembre de ese año protagonizó un hecho histórico: la primera vez que un rockero se presentaba en
el prestigioso Teatro Colón de Buenos Aires. Tocó alguno de sus clásicos, canciones del folklore, unos
tangos y homenajeó a Spinetta y a Charly, con sendos covers.
En 1998 editó "Enemigos íntimos", un muy promocionado álbum junto al español Joaquín Sabina, cuyo
título sería premonitorio sobre la relación del dúo: terminaron cancelando una gira con más de 60 fechas
por América y España con una poesía de despedida firmada por el español: «Urge cortar por lo sano, con
la gira del verano, y el kilombo del video. El rol del patito feo, no me va te lo aseguro, y menos el de hombre
duro, que a tí te cuesta tan poco».
En el '99 se edita "Abre", un material fuerte con temas extensos, producido por Phil Ramone, en el cual el
aspecto vocal se impone en primer plano.
"Rey Sol" (2000) fue dedicado a su hijo Martín. Éste álbum tuvo su cuota polémica con el corte "El diablo
de tu corazón", cuyo videoclip fue dirigido por Eddie Flehner. Pero pese a eso, no fue demasiado aceptado.
Dejando de lado momentáneamente su faceta de músico, Páez dirigió durante el 2001 la película "Vidas
privadas", protagonizada por su mujer de entonces, Cecilia Roth, junto a Gael García Bernal, Lito Cruz y
Héctor Alterio. El film, con guión del propio Páez, fue estrenado el 25 de abril del 2002, y Fito presentó su
trabajo en varios festivales internacionales. La crítica no lo acompañó, y el músico/cineasta se enojó con
los medios especializados.
El 2003 lo encontró en un aspecto mucho más rockero, como hacía tiempo no se lo veía. "Naturaleza
sangre" incluyó como invitados a García, Spinetta y Rita Lee, y el material fue editado también en formato
DVD.
"Mi vida con ellas 1" y "2" no deja de ser una recopilación en vivo, pero tiene el mérito de no caer
necesariamente en los hits más clásicos de su carrera. Fue grabado en diferentes ciudades de América.
Bajo la dirección de Gerardo Gandini y acompañado por una orquesta de nueve cuerdas, encaró otro disco
de versiones,"Moda y pueblo", con el agregado que también incluyó composiciones ajenas de por ejemplo,
Charly García y Spinetta.
"El mundo cabe en una canción" (2006) fue editado luego de terminar de rodar su segundo film, "De quién
es el portaligas". Producido por el propio Fito, el disco fue grabado en Circo Beat, junto a Guillermo Vadalá
(bajo), Gabriel Carámbula (guitarras), Coki Debernardi (guitarras), Gonzalo Aloras (guitarras y voz), Pete
Thomas (batería y percusión) y Vandera (coros). Además, participaron Claudio Cardone, Ana Alvarez de
Toledo, Claudia Puyó, Nigel Walker, Fena Dellamaggiora y Bolsa González. Con este trabajo, ganó un
Latin Grammy en la categoría Mejor álbum de Rock Vocal.
"Rodolfo", editado en agosto de 2007, representa un cambio musical en la carrera de Fito, ya que lo grabó
acompañado solamente por su piano. Al año siguiente, registró en vivo "No sé si es Baires o Madrid", con
varios invitados como Joaquín Sabina (previa reconciliación), Pablo Milanés y Ariel Rot, entre otros.
Con "Confiá" (2010) fue presentado en Rosario, en el Luna Park de Buenos Aires y luego por
Europa, "Tiempo al tiempo"como caballito de batalla.
A fines de 2011, Fito Páez presenta "Canciones para Aliens", un álbum de covers, en el que se encuentran
canciones de Charly García, Nino Bravo y Pablo Milanés, entre muchos otros.
En 2012 se cumplieron 20 años de la salida de "El amor después del amor", el disco más vendido de toda
la historia del rock nacional argentino y que consagró a Fito Páez como uno de los artistas más importantes
de Argentina y Latinoamérica. Para la ocasión, el músico realizó una gira, en la cual interpretó dicho álbum
de forma completa y en el orden de la edición original. El show de Buenos Aires se realizó el 13 de octubre
en el Planetario ante más de 30 mil personas, y allí surgió "El amor después del amor XX años", un
CD+DVD que contiene dicho concierto, con las 14 canciones del emblemático álbum.
El 13 de marzo de 2013 Fito Páez cumplió 50 años de edad y fue él quien entregó regalos; el mismo día
estrenó "El sacrificio", primer sencillo de uno de los tres nuevos álbumes que lanzó durante todo el año.
Unos meses después llega "El sacrificio" en su versión completa, compuesto por nueve canciones y un
bonus track, titulado "La puta diabla". El 30 de septiembre edita en forma digital "Dreaming Rosario", a total
beneficio de las víctimas de la explosión en Rosario, su ciudad natal. A fines de octubre adelanta un nuevo
álbum inédito a la venta el 19 de noviembre y se conoce "Yo te amo", primer sencillo, canción con base
electrónica. El nuevo disco sale bajo el título "Yo te amo" y contiene 11 canciones de amor absoluto (les
dedicó expresamente un tema a su hija Margarita y otro a su pareja, Julia).
A fines de julio de 2014 adelantó un fragmento de "Rock and roll revolution", el sencillo que le dio nombre a
su nuevo álbum (el 31º como solista) el cual, entre otras cosas, rinde homenaje a Charly García.
El 17 de julio se estrena "Hermanos", primer sencillo del álbum que Páez lanza el 21 de agosto junto a
Paulinho Moska, producido por Liminha, quien produjo a Gilberto Gil, Os Paralamas y Ed Motta, entre
otros. La placa tiene dos versiones que alternan portugués y castellano.
Fuente: http://www.rock.com.ar/artistas/fito-paez

3.- LOS RANCHEROS

Rubén Fernández y Miguel Gabbanelli formaron Los Rancheros luego de la disolución de Autobús, en
1988. El nombre de la banda proviene de la casaquinta en la cual ensayaban, en el oeste del Gran Buenos
Aires.
Andrés Calamaro les produjo el debut discográficoen 1991, editado por Sony Music. Con la llegada de
Julián Meza (bajo y coros), le siguió "Tierra bendita" (1993). El éxito del tema "Casualidad" los impulsó a
salir de gira por los países limítrofes, donde repitieron el éxito alcanzado en el interior de la Argentina.
Telonearon a Sting y a James Taylor, en Vélez.
"Ni por todo el oro del mundo" (1995) fue lanzado también en toda Latinoamérica y en Estados Unidos,
donde fue censurado el tema "El Che y los Rolling Stones".
"Supernova" fue grabado en Los Angeles en 1996 y presentado en las cadenas musicales internacionales
con el videoclip "Sin solución".
El compilado de lados B "Adiós" anticipaba una ruptura. En el 2006, luego de casi seis años de separación,
Meno Fernández y Gabbanelli rearmaron la banda para un nuevo disco, registrado en los Estudios Panda.
Para ese material anuncian la participación de Gabriel Carámbula, Ale Sergi (Miranda), David Lebón y
Adrián Otero.
En la celebración por los veinte años de carrera llegó"Estimulante", la novena placa de Los Rancheros, con
11 temas inéditos y "Rosemary", un cover de Litto Nebbia.
Durante los años 2010 y 2011 la banda giró por todo el país presentando su último álbum y cosechando
mucho éxito, como en los viejos tiempos.
A principio de 2013 lanzaron un nuevo sencillo contra la violencia de género, titulado "Ni una muerte más",
donde participan Los Tekis y Rubén Patagonia. Esta y otras nuevas canciones, como "Rubia" y
"Bancarrota" (con Willi Pianciaro de Los Tipitos como invitado) se incluyen en el nuevo LP, "Tras tus
pasos", a la venta a mediados de año. Además, entre las 12 canciones conviven dos covers: "Desconfío"
de Pappo y "Bachata rosa" de Juan Luis Guerra.
Fuente: http://www.rock.com.ar/artistas/los-rancheros

4.- CHARLY GARCIA

Carlos Alberto García Moreno nació el 23 de octubre de 1951. Es una de las figuras fundamentales de la
música contemporánea argentina. Su debut discográfico se produjo en el año 1972, cuando participó del
primer disco de Raúl Porchetto, titulado "Cristo Rock".
Mientras cursaba la escuela secundaria conoció a Carlos Alberto «Nito» Mestre. Junto a él y a Carlos
Piegari, Beto Rodríguez y los hermanos Belia formó Sui Generis, que, tras sufrir varias deserciones, quedó
convertido en un dúo. Al estilo folk norteamericano, muy de moda en aquella época, grabaron tres
discos: "Vida" (1972), "Confesiones de Invierno" (1973) y "Pequeñas Anécdotas sobre las Instituciones".
Por diversas razones, el dúo se separa en 1975, no sin antes organizar un recital despedida, durante el
cual se registró un álbum doble, "Adiós Sui Generis".
En 1976 graba un disco con PorSuiGieco, junto a los líderes del rock acústico: Raúl Porchetto, León
Gieco, Nito Mestre yMaría Rosa Yorio.
La Máquina de Hacer Pájaros es el nombre de su siguiente banda, un proyecto novedoso que orilla el rock
sinfónico. En su corta vida tuvo dos discos editados: "La Máquina de Hacer Pájaros" (1976)
y "Películas" (1977).
Entre 1978 y 1982, García lidera Serú Girán, una de las bandas claves en el Rock Nacional. Con esta
agrupación editó cinco discos: "Serú Girán" (1978), "La Grasa de las
Capitales" (1979), "Bicicleta" (1980), "Peperina" (1981) y "No llores por mí, Argentina" (1982).
En ese mismo año comenzó su carrera como solista. Raúl de la Torre le encargó la banda de sonido de su
película "Pubis Angelical". Simultáneamente, grabó "Yendo de la Cama al Living". Ayudado por la difusión
que se le daba en ese momento al Rock Nacional a través de los medios de comunicación (durante la
Guerra de Malvinas estaba prohibido pasar música en inglés), el disco tuvo una gran recepción en el
público. Canciones antológicas surgieron de él, como por ejemplo "No bombardeen Buenos Aires",
"Inconsciente colectivo" o "Yo no quiero volverme tan loco". Para este trabajo, la banda estaba formada por
Willy Iturri en batería, Gustavo Bazterrica en guitarra, Cachorro López en bajo y Andrés Calamaro en
teclados. Este material fue presentado en un imponente recital - ante 25.000 personas - en el estadio de
Ferrocarril Oeste, el 26 de diciembre de 1982. En la apertura del show, Charly llegó al escenario a borde de
un Cadillac rosa y, en el cierre, una lluvia de proyectiles de utilería destruyó la ciudad que formaba el
decorado, mientras sonaban los últimos acordes de "No bombardeen Buenos Aires".
En su siguiente trabajo como solista ("Clics Modernos", 1983), se inclinó más por el pop-rock, aunque la
canción contestataria encuentra un lugar en, por ejemplo, "Los dinosaurios". Este material fue presentado
los días 15, 16, 17 y 18 de diciembre en el estadio Luna Park, acompañado por Pablo Guyot (guitarra),
Alfredo Toth (bajo), Willy Iturri (batería), Daniel Melingo (saxo), Fabiana Cantilo (coros) y un joven rosarino
en los teclados: Fito Páez. Este disco no fue bien entendido por el público, pues incluía - por primera vez
en Argentina - temas «bailables», es decir: el ritmo tomaba otra dimensión, recortando las letras, hasta
entonces concepto primordial del Rock Nacional.
La trilogía esencial de García se completa con "Piano Bar"(1984), un álbum rockero que tiene
en "Demoliendo Hoteles"y en "Raros peinados nuevos" a sus máximos logros.
En 1985 no grabó ningún disco (fue editada una recopilación,"Grandes Exitos"). Quedó trunco un proyecto
con Luis Alberto Spinetta, del cual sobrevivieron algunos recitales y el tema "Rezo por vos" (incluído en
dicho disco). Ese mismo año fue protagonista del Festival Rock & Pop, organizado por Daniel Grinbank,
donde compartió el escenario con Nina Hagen, INXS y Los Abuelos de la Nada, entre otros, que se llevó a
cabo a principios de noviembre en Velez.
Junto a Pedro Aznar - y no sin levantar cierta nostalgia - grabó "Tango" (1986). Este material fue
presentado en la discoteca Paladium el 26 de marzo. Su difusión fue muy escasa, pese a que dio la
impresión que el proyecto daba para más. Paralelamente, renovó su banda, entonces integrada
por Richard Coleman (guitarra), Fernando Samalea (batería), la vuelta de Calamaro y Melingo. Esta
agrupación se denominaba "Las Ligas".
En 1987 llegó "Parte de la Religión", considerado por muchos como el mejor disco del García solista. Este
material fue grabado e interpretado casi en su totalidad por él, y alterna un rock fuerte con estribillos
melódicos. Es, seguramente, uno de sus discos más prolijos y compactos, desde la tapa hasta el contenido
de las letras. Ya para los shows en vivo, en julio, la banda que lo acompañaba era nueva: Carlos García
López en guitarra, Fernando Lupano en bajo, Fernando Samalea en batería, Fabián Quintiero y Alfi Martins
en teclados y nuevamente Fabiana Cantilo en los coros.
El 15 de octubre de 1988, Buenos Aires tuvo el privilegio de ser la sede del cierre de la gira de Amnesty
International, que deambuló por más de 50 ciudades de todo el mundo, clamando por los Derechos
Humanos. Ese día, más de 80.000 personas asistieron a la cancha de River para aplaudir a grandes
músicos internacionales, como Peter Gabriel, Sting y Bruce Springsteen, acompañados por los negros
Tracy Chapman y Youssou N'Dour. Como representantes locales, León Gieco cantó su eterna "Sólo le pido
a Dios" y "Hombres de Hierro", y Charly arremetió con"Demoliendo Hoteles", "Nos Siguen Pegando
Abajo", "Los Dinosaurios" y "La Ruta del Tentempié".
Tras componer en 1988 la banda de sonido de la película "Lo Que Vendrá", de Gustavo Mosquera (en la
cual también interpretó a un enfermero), trabajó en su siguiente álbum solista, "Cómo Conseguir
Chicas" (1989), esencialmente un trabajo de recopilación de canciones sueltas, que García, por diversos
motivos, nunca había grabado.
Para poder lanzar su siguiente disco "Filosofía Barata y Zapatos de Goma" (1990), García debió sortear un
juicio por "ofensa a los símbolos patrios" ya que ese LP incluía una versión del
Himno Nacional Argentino, que, finalmente, terminó siendo autorizada por los Tribunales.
"Mi Buenos Aires Rock" fue el nombre del festival organizado por la Municipalidad que convoca a cien mil
personas en la 9 de Julio, para presenciar a García, Spinetta, Fabiana Cantiloy La Portuaria. Si bien estaba
pautado que cada artista tocara media hora, García actuó por más de dos horas y terminó con su versión
del Himno Nacional en un escenario iluminado con luces celestes y blancas.
Ese disco mostró claramente la influencia de Prince en el estilo de García, influencia que se vería más
notoriamente en"Tango 4", un disco compuesto e interpretado a dúo conPedro Aznar. La idea era grabar
un álbum con Gustavo Cerati, de Soda Stereo, que se llamaría "Tango 3". El puntapié inicial fue "No te
mueras en mi casa" (incluido en"Filosofía Barata...") y continuó con
"Vampiro", de "Tango 4". Sin embargo, por causas que siempre evadieron comentar, el proyecto quedó en
la nada.
El 22 de diciembre de 1991, como hacía casi nueve años, García reunió a 26.000 personas en Ferro para
el recital Despedida del Año. En esa oportunidad, ingresó al escenario dentro de una ambulancia: era la
forma que había elegido para burlarse de su internación en una clínica, a mediados de ese año. Las
versiones periodísticas indicaban que Charly había ingresado con una fuerte sobredosis, hecho que
quedaría confirmado con una publicitada relación amistosa con el Pastor Carlos Novelli (director del
Programa de rehabilitación Andrés), que terminó en escándalo de acusaciones recíprocas.
La banda de músicos para ese segundo Ferro fue la misma que lo estuvo acompañando desde hacía un
tiempo, ahora bautizada "Los Enfermeros". Entre los invitados, estuvieron Mercedes Sosa, Fito Páez y el
dúo de rappers Illya Kuryaki & The Valderramas.
En 1992, García representó al rock argentino en Les Alumées, una muestra de la cultura porteña que se
realizó en Nantes, Francia. Viajaron tangueros, obras de teatro, pintores y rockeros: Charly convocó a
6.000 personas y fue recibido por el Alcalde de la ciudad. En ese mismo año se dio lo que muchos
esperaban: el reencuentro con Lebón, Aznar y Moro para revivir a Serú Girán. Con una placa en estudios
("Serú '92"), recitales en Córdoba, Rosario y dos estadios de River colmados, durante los cuales se registró
otro álbum doble, el reencuentro no dio para mucho más.
1993 fue un año de silencio discográfico, pero de mucha presencia en los medios. El veraneo en Punta del
Este dejó varias páginas impresas sobre escándalos que siempre lo tuvieron como protagonista. Le
siguieron varias internaciones en clínicas de desintoxicación. «¿No te da miedo vivir así?», le preguntaron.
«No, me gusta. Es parte de la religión. Los que tienen miedo se van antes. Lo que pasa es lo de siempre: si
me tiño el pelo o si me interno, soy tapa de todos los diarios. Si me dieran la mitad de ese espacio cada vez
que saco un disco, vendería millones», contestó (Clarín, 16/02/93).
Hacia octubre comenzó la gira que terminaría nuevamente en Ferro, a fines de diciembre. La banda
soporte, "Los indeseables", sufrió la deserción de Carlos García López y de Hilda Lizarazu, ambos
abocados a sus proyectos individuales (la García López Band y Man Ray, respectivamente). García
convocó a María Gabriela Epumer(ex-Viuda e Hijas), para cumplir ambas funciones, guitarra y coros.
En julio de 1994 se lanza su muy publicitada ópera-rock "La Hija de la Lágrima". Como tal, este trabajo
incluye muchos pasajes instrumentales y de virtuosismo. "La sal no sala" (junto a Juanse) y "Fax U" son los
hits que sobresalen. En septiembre, "La Hija..." se presenta en diez funciones colmadas del Gran Rex.
En febrero del '95 se presentó en el Festival Internacional de la Canción, en el estadio Mundialista de Mar
del Plata, junto a Paralamas, Antonio Birabent y Fabiana Cantilo. Repasó algunos de sus éxitos y adelantó
material de su nuevo disco"Estaba en llamas cuando me acosté" (1995), al frente de la banda ahora
bautizada "Casandra Lange". Todos los temas fueron grabados en vivo, durante la gira por los balnearios
de la costa. La placa tiene solamente dos canciones propias: "15 forever", que había quedado afuera
de "Tango 4", y "Te recuerdo invierno", una melodía que García compuso antes de Sui Generis. Por otra
parte, incluye once covers, entre ellos: "There's a Place" y "Ticket to Ride", de Los Beatles; "Positevely 4th
Street" (Bob Dylan) y "Simpathy for the Devil", de los Rolling Stones. "Sweet Dreams", de Eurythmics, es el
único tema que no respeta la época: «Lo que pasa es que conocí a Annie Lennox en Nueva York cuando
estaba por grabarlo y me lo cantó a capella. No podía dejarlo afuera», se justificó Charly.
Aprovechando el furor de los recitales acústicos, García se presentó en el ciclo "Unplugged" de la cadena
televisiva norteamericana MTV, con un show que incluyó temas de todas sus etapas y que fue puesto en el
aire para toda Latinoamérica en julio y editado en CD para fines de ese mismo año. El material fue tocado
en vivo en el teatro Gran Rex, a fines del '95.
En el verano del '99 fue la gran atracción del ciclo gratuito Buenos Aires Vivo III, organizado por el gobierno
porteño en Puerto Madero. Más de 150.000 personas aclamaron a García en un show dedicado a los
desaparecidos y registrado en vivo para el disco "Demasiado Ego". Ese mismo año volvió a la polémica, al
organizar un recital privado para el presidente Carlos Menem. Ese show quedó registrado en "Charly &
Charly" un disco de edición limitada que no salió a la venta.
Tres años debieron pasar para que García regresara al disco, y al formato de canción en sus
creaciones. "Influencia"(2002) tuvo en "Tu vicio" el corte difusión, pero el resto del material es bastante más
interesante que esa melodía pegadiza pero superflua.
A fines del 2006 comenzaron a circular por internet"adelantos" de "Kill Gill", el nuevo disco de Charly. La
compañía discográfica se negó a publicar oficialmente el material al asegurar que "ya fue descargado por
todo el mundo". El propio García denunció que fue traicionado e incluso sugiere que se trató de "una
maldad" de su propio hijo, Migue.
En 2008 fue detenido en Mendoza, luego de causar destrozos en un hotel. Fue internado en un hospital,
donde se le diagnosticó en primera instancia neumonía. Luego, mediante la intervención judicial y el
consentimiento de sus familiares, quedó internado en un instituto neuropsiquiátrico para iniciar un
tratamiento por excitación psicomotriz. Se recluyó un tiempo en la quinta de Palito Ortega (con quien había
grabado "Kill Gill") y volvió a ser internado en otra institución psiquiátrica, en Capital.
En agosto de 2009 se anunció su regreso, con un tema nuevo (supuestamente compuesto durante su
internación, aunque se encontraron versiones en vivo anteriores) y una gira que culminaría en Velez, el día
de su cumpleaños.
Ese show, bajo una torrencial lluvia, fue registrado en alta definición con 18 cámaras y editado en DVD, con
el título "El concierto subacuático".
Con cuatro años de demora, finalmente en diciembre de 2010 anunciaron la edición de "Kill Gil", con 11
temas y un DVD con animaciones de las pinturas hechas a mano por Charly durante el proceso de
composición del álbum.
Presentada como su obra cumbre, "60x60" es un boxset que recopila una trilogía de shows en el Teatro
Gran Rex ofrecidos a fines de 2011. Incluye tres DVDs, tres CDs, un libro de fotos y una lámina numerada.
Su banda, rebautizada The Prostitution, estaba integrada por Christine Brebes, Julián Gándara, Carlos
García López, Carlos González, Kiuge Hayashida, Rosario Ortega, Fernando Samalea, Toño Silva,
Alejandro Terán y Fabián Von Quintiero.

Fuente: http://www.rock.com.ar/artistas/charly-garcia
5.- LOS PRISIONEROS
Los Prisioneros es el grupo más representativo del rock chileno. La austeridad de su rock sin pretensiones
virtuosas, y letras llenas de aguda observación social fueron la banda sonora del desencanto juvenil en
plena dictadura de Augusto Pinochet, pero hasta hoy mantienen el tipo de vigencia que define a los
clásicos.

Canciones como "La voz de los '80", "El baile de los que sobran", "Latinoamérica es un pueblo al sur de
Estados Unidos" o "Sexo" se elevaron como himnos asistémicos, revolucionarios y contestatarios. Diversas
crisis internas los llevaron a dos quiebres (1989 y 1991), antes de su disolución definitiva, el 2006. Hoy, aún
con ese fenómeno apagado y la banda disuelta, los ecos de sus dos épocas siguen sonando en el público
chileno. Sus tres integrantes se mantienen vinculados a la música en diversos proyectos solistas o de
colaboraciones, si bien muy distantes en estilo.

El origen
A pesar de toda la fuerza política de Los Prisioneros, la banda nació como un grupo totalmente al margen
de cuestionamientos partidistas o ideológicos. Sus integrantes —Jorge González (voz y bajo), Claudio
Narea (guitarra) y Miguel Tapia (batería)— se conocieron como compañeros de curso en 1979, cuando
ingresaron al primero medio del Liceo número 6 Andrés Bello, de la comuna de San Miguel.

La amistad del trío cuajó gracias a la música, y se tradujo en dos proyectos que antecedieron al nacimiento
del grupo: Los Pseudopillos, una especie de banda de temas rapeados y lúdicos que giraba en torno a
González y Narea; y Los Vinchukas, el real antecedente, donde por primera vez usaron instrumentos
caseros y de segunda mano para tocar en vivo en actos del liceo. Finalmente, el 1 de julio de 1983,
debutaron como Los Prisioneros en el Liceo Miguel León Prado.

Ese mismo año, y tras salir del colegio, Jorge González entró a estudiar Ingeniería en Sonido en la
Universidad de Chile. Ahí conoció a Carlos Fonseca, hijo de una familia acomodada que manejaba
paralelamente Fusión, una disquería en el barrio Providencia. A las pocas semanas, Fonseca abandonó los
estudios para dedicarse a la tienda y a un par de proyectos que consumían sus horas libres: una columna
de música en la revista Mundo-Diners y un programa semanal de sonidos contemporáneos en la radio
Beethoven.

Paralelamente, Jorge González ideaba las canciones del trío, a la vez que dejaba también la universidad
para enfrascarse en su tarea de líder, compositor y alma de Los Prisioneros. Contactados por un amigo
común de la Facultad de Artes —el futuro Aparato Raro, Igor Rodríguez— González retomó sus lazos
con Fonseca, quien le pidió temas de su banda para tocarlos en su espacio radial.

El material entregado por González era tan precario, que debieron grabar todas las canciones de nuevo, en
el segundo piso de Fusión. No conformes, arrendaron un viejo estudio de la calle Lira, perteneciente a
Pancho Straub, donde registraron una decena de temas que sirvieron para ser tocados en el programa
de Fonseca y para abrirse paso en los sectores alternativos.

Durante 1984, Fonseca tomó la decisión de ser el manager del trío, e inaugurar con ellos el incipiente
movimiento de rock chileno que dominaría la segunda mitad de la década. Ese año, Los Prisioneros
causaron furor en tocatas universitarias de los recintos de la Chile y de la Católica; no así en sus propios
círculos sociales, donde no eran entendidos. Es que, paradojalmente, fueron estos círculos "cuicos" o
"intelectuales" que tanto aborrecían, los primeros en rescatarlos y elevarlos como ídolos de una corriente
progresista contra el régimen. Sin quererlo, Los Prisioneros eran el estandarte de una lucha contra la
dictadura que nunca les importó. Al menos en esos primeros años.
El fenómeno tasando el furor que causaba su grupo, Fonseca entendió que ya era hora de canalizarlo con
el lanzamiento de un disco. Así, el 13 de diciembre de 1984 salió a la venta La voz de los ´80, un casette
con etiqueta de la recién inaugurada productora Fusión, grabado bajo la clara influencia musical de los
ingleses de The Clash, y que los encumbró como líderes del emergente movimiento musical que nacía en
el país, alimentado por la invasión de pop que llegaba desde Argentina, sobre todo tras la guerra de las
Malvinas.

A mediados de 1985, la multinacional EMI logró vencer su propia autocensura y firmó un contrato de
distribución con Fusión para que el disco fuera repartido por todo Chile. El aparataje poderoso de la EMI los
desparramó por todo el país, llevando el nombre del conjunto de Arica a Punta Arenas. Canciones como
"Sexo" y "La voz de los 80" invadieron la programación radial, abriendo espacios a los nuevos conjuntos
locales que protagonizarían el llamado boom del pop latino de los años '80. La consolidación definitiva de
Los Prisioneros vendría el 1 de noviembre de 1986, cuando lanzaron el disco Pateando piedras con dos
recitales a todo reventar en el Estadio Chile. En ese disco, ya bajo licencia EMI, venía el tema "El baile de
los que sobran", un canto a los jóvenes marginados tras salir de la educación formal, que se hizo himno en
todo el continente.

Pateando piedras significó el gran salto a la masividad de la banda, el ariete que les permitió vencer la
censura que les impuso el oficialismo al vetarlos en la televisión y en los medios controlados por la
dictadura. Letras inteligentes sobre temas sociales, un sonido bailable que se enriqueció con componentes
electrónicos y la acidez del líder González ante la prensa y el público los distinguió definitivamente como la
expresión más vistosa e interesante del rock de esos años. Temas como "Quieren dinero", "Por qué los
ricos" o "Muevan las industrias" contenían certeras críticas sociales, eran bailables y representaban a
buena parte de la juventud de esos años.

Todo ello, sin embargo, tuvo un costo. La prensa los hizo sospechosos, primero, y peligrosos, después,
para el statu quo alentado por la dictadura. Por eso, sin quererlo y empujados por el propio sistema, Los
Prisioneros fueron obligados a definirse políticamente frente a la contingencia. En 1987, durante una gira
extensa por el sur del país, sus recitales comenzaron a ser prohibidos por las guarniciones militares, hecho
que desencadenó que su tercer disco, La cultura de la basura (lanzado en diciembre de 1987), se quedara
sin gira promocional debido al boicot gubernamental.

Ese disco, dedicado a la cultura de la radio AM que los marcó personal y artísticamente, fue un rotundo
fracaso económico, y es el menos apreciado por la propia banda. Poco prolijo en su sonido, La cultura de la
basura incorporaba por primera vez temas de Tapia y Narea, manteniendo la agudeza de las letras
de González, aunque entre una mayor presencia electrónica. Estos elementos apenas trascendieron dada
la escasa difusión del disco, y la distancia con los medios se acentuó cuando la banda llamó publicamente
a votar NO en el plebiscito sobre la continuidad de Pinochet.

El quiebre con los recintos fiscales prohibidos, el trío ocupó 1988 para consolidar su fama en los mercados
de Perú, Ecuador y Colombia. Realizaron giras y tocatas en los tres países, siendo en éste último donde
mayor impacto lograron. Tres giras consecutivas (septiembre y noviembre del 88, y abril del 89) fueron el
resultado del impacto que logró el grupo en el país cafetero.

Pero en pleno apogeo e internacionalización, vino el quiebre. A fines de 1989 y en plena preparación del
disco Corazones, las diferencias musicales de Narea y González se hicieron insalvables. Narea, inclinado
por el rocanrol, y el líder, seducido por la electrónica, rompieron su relación envueltos en una enconada
disputa que se agravó por líos amorosos, y que dejó a la banda convertida en un dúo que en mayo de 1990
presentó su cuarta producción.
Corazones fue el álbum más exitoso de Los Prisioneros y el de mejor factura técnica, grabado y mezclado
en Los Angeles (California) por el productor argentino Gustavo Santaolalla (y con Jorge González solo ante
la imposibilidad de Tapia de viajar, por problemas con su visa). Una colección de dolorosas canciones de
amor y fuerte presencia de los sintetizadores definieron este álbum, para cuya gira promocional fueron
invitados a la banda dos nuevos músicos: la ex Cleopatras Cecilia Aguayo, y el ex guitarrista de la Banda
69, Robert Rodríguez.

En 1991, Los Prisioneros llegaron al primer Festival de Viña del Mar en democracia, en un hecho más
simbólico que otra cosa, porque la banda ya no tenía la combativa cara de otros tiempos. De ahí continuó
una gira de despedida por todo el país, durante la cual no faltaron los ásperos diálogos con el público. Al
término de ese tour se puso fin a la historia de la banda más importante en la historia del rock chileno. La
decisión era definitiva y así se creyó durante toda la década que siguió a su despedida.

El receso cada Prisionero siguió con sus propios caminos musicales. Claudio Narea había
formado Profetas y Frenéticos, banda con la que trabajó intermitente hasta 1996; Miguel Tapia mantuvo la
equívoca carrera de Jardín Secreto; y Jorge González, inició un camino solista que partió con enormes
campañas promocionales, pero terminó con exploraciones en la electrónica y propuestas bastante alejadas
de la masividad de antaño. Los tres se reunieron sólo a instancias de la edición del compilatorio Ni por la
razón, ni por la fuerza, que EMI lanzó con sencillos y rarezas en 1996.

Aunque en aquella ocasión protagonizaron una tocata sin público en una sala de ensayo del centro
Balmaceda 1215, la posibilidad de reunirse fue descartada; y la distancia se acentuó en 1998, cuando
Tapia y González se unieron al venezolano Argenis Brito para el proyecto Los Dioses, con el que realizaron
algunas tocatas no muy afortunadas, recreando el repertorio del trío san miguelino bajo una gira subtitulada
"Lo mejor de Los Prisioneros". La agresividad de Gonzálezy su falta de cuidado sobre el escenario alejaron
al público y enterraron ese camino poco tiempo después.

La edición de un tributo colectivo a Los Prisioneros, producido por Carlos Fonseca; y el disco El cassette
pirata (con grabaciones en vivo) no hicieron más que agudizar las diferencias entre los ex compañeros.
Pero en el 2001 las aguas se calmaron. El regreso de Jorge González de una temporada de
desintoxicación de drogas en Cuba, lo llevó a paulatinos acercamientos a su viejo núcleo de amigos,
incluyendo al antiguo manager.

Tras reuniones sociales entre ellos, en marzo se cuajó el acuerdo de reunirse, y en julio comenzaron los
ensayos, que dos meses después se materializaron en un single: "Las sierras eléctricas" (tema ya incluído
en el compilado Ni por la razón, ni por la fuerza). El rumor, entonces, se confirmaba: Los Prisioneros, con
su formación original, estaban de regreso.

La segunda época el 9 de octubre de 2001 la banda dio su primera conferencia de prensa, con los tres
integrantes anunciando un masivo concierto en el coliseo central del Estadio Nacional y la producción de
un disco con material nuevo. La convocatoria, en todo caso, tuvo un enorme éxito, y la banda debió
aumentar su actuación a dos jornadas en virtud del exceso de demanda. El 30 de noviembre y el 1 de
diciembre de ese año, Los Prisioneros convocaron a un total de 140 mil personas, en sendos conciertos de
casi tres horas donde repasaron buena parte de su repertorio de los años '80.

Durante el 2002, la banda continuó trabajando, realizó giras por Chile y el extranjero, y lanzó un disco y un
DVD con las presentaciones en el Nacional. En mayo del año siguiente , tras presentarse en el Festival de
Viña del Mar, estrenaron la primera canción original desdeCorazones: "Ultraderecha", bailable ironía sobre
la derecha política chilena, y adelanto del disco homónimo lanzado ese mismo año.

Durante la promoción de ese trabajo, que vendió más de 40 mil copias y cosechó disímiles críticas, una
nueva crisis torció radicalmente el destino del grupo. En septiembre se informó de la salida deClaudio
Narea. Fue el guitarrista quien hizo públicas las razones, luego de un último concierto (en Coquimbo). En
una carta abierta enviada a los medios de comunicación, el músico denunciaba haber sido despedido del
trío y de haber tenido que promocionar un disco que nunca había sido de su agrado. González se negó a
comentar sus dichos apenas volvió a enfrentarse a la prensa, durante una conferencia de prensa que se
suponía serviría para presentar como guitarrista reemplazante a Álvaro Henríquez (y que terminó con los
micrófonos de la prensa arrojados al suelo por el airado líder de la banda).

Desde entonces, el flamante trío debió enfrentar las críticas de sus seguidores y de la prensa, en un
período que incluyó una gira por México y que culminó en un concierto en Santiago junto a Café Tacuba de
escasísima convocatoria. Su siguiente disco fue un registro realizado por Los Prisioneros junto a Henríquez
y Pablo Ilabaca, de Chancho en Piedra, como parte del programa "Raras Tocatas Nuevas", de radio
"Rock&Pop". Entonces repasaron temas propios y ajenos (de Los Gatos Los Beatles y Knack, entre otros).
El disco tuvo una excelente factura, pero un bajo impacto en ventas.

El grupo, entonces, se concentró en sus giras fuera de Chile, y en la preparación de un nuevo

disco. Manzana (2004) fue lanzado con una nueva formación: Sergio Coti Badilla, en teclados; yGonzalo
Yáñez (ex No me Acuerdo) en guitarra. El sencillo "El muro", canciones con contenidos sociales y, esta
vez, de amor, justificaron un íntimo lanzamiento en Santiago y la decisión de centralizar su carrera en
México. Desde fines de 2004, permanecieron radicados en ese país, en medio de una abierta opción por
alejarse del público chileno, que en parte no había perdonado la salida de Narea ni pareció empatizar con
el nuevo repertorio del grupo. Por ello, la banda actuó en contadas ocasiones en el territorio nacional.

En ese complejo escenario, yel trío intentó escribir un nuevo episodio de su historia; pero en un esfuerzo
que paulatinamente comenzó a diluirse. Sólo González se instaló en México, mientras que sus compañeros
permanecieron en Santiago. Su manager histórico, Carlos Fonseca, en tanto, renunció al grupo a fines de
2004.

A fines de 2005, la banda anunció que no grabaría material nuevo y que únicamente se presentaría en
vivo. Con esa decisión, y en medio de su conocido hermetismo, Los Prisioneros continuaron con sus giras
por distintos países latinoamericanos, en una agenda de actividades de las que en Chile sólo se sabía por
medios extranjeros o por la página web de la banda.

Y también por esos canales llegó la noticia del fin de Los Prisioneros. Tras presentarse en el Festival de La
Serena, el grupo realizó una corta presentación en un escenario de Caracas, Venezuela. En esa ocasión, y
mientras el público pedía su regreso, González comunicó al empresario que organizaba el concierto que la
banda se había terminado. Eso fue el 18 de febrero de 2006, y la banda terminaba en medio de insultos y
conflictos, de acuerdo a una tensión que ha distinguido toda su historia.

En los días siguientes, la mujer de Jorge González envió un comunicado de prensa confirmando el fin del
grupo sanmiguelino. Miguel Tapia declaró más tarde que la separación era una decisión tomada hacía un
tiempo, y aprovechó de anunciar que seguiría trabajando musicalmente junto a Coti Badilla.

Jorge González, en tanto, decidió quedarse en México, desde donde ha dicho que continuará con la
segunda parte de su historia solista. Su interés por la música electrónica lo ha tenido como vocalista
invitado de prestigiosos proyectos a cargo de gente como Señor Coconut. Hacia fines de la primera década
del 2000, curiosamente. Jorge trabajaba solo y sus dos ex compañeros formaron un nuevo conjunto:
Narea-Tapía.

Cinco años duró la segunda época de Los Prisioneros, en un proceso que estremeció a Chile, pero que fue
perdiendo fuerza con los años. El final del grupo pasó casi desapercibido y ocurrió a miles de kilómetros del
país. Pese a las polémicas, el tiempo pasado y la distancia con el público chileno, no hay hasta ahora
ningún grupo de rock que se les iguale en popularidad e impacto.
Fuente: http://www.musicapopular.cl/3.0/index2.php?op=Artista&id=315

6.- ENANITOS VERDES

Esta banda mendocina tiene origen como trío en 1979. Con el éxito obtenido en sus presentaciones en
Cuyo, la agrupación viaja a Buenos Aires para grabar un demo, que nunca fue editado. Pese a este fracaso
continuan realizando shows, tanto en Mendoza como en la Capital.
En 1984 se incorporan dos nuevos integrantes: Sergio Embroni (guitarra y voz) y Tito Dávila (teclados).
Como quinteto editan el primer disco ("Los Enanitos Verdes"). Para la segunda placa ("Contrareloj", 1986)
cuentan con la producción artística de Andrés Calamaro.
En 1988 son protagonistas de una de las giras más extensas realizadas por un grupo argentino. En seis
meses se presentan en 31 oportunidades, entre las cuales se destacan: Viña del Mar (50.000
espectadores), Mendoza (35.000) y Santiago de Chile (32.000), impulsados por su hit "La muralla".
En noviembre de 1994 se presentan ante 10.000 personas, en un concierto gratuito en los parques de
ATC. Al año siguiente, realizaron una exitosa gira por el interior para presentar "Big Bang" (1994) y
reforzaron su arrollador éxito en América Latina con un tour extenso que culminó en México.
"Tracción acústica" fue un disco para el sello Polygram USA, hecho que los convirtió en el primer grupo
argentino en fichar para una compañía norteamericana.
El álbum "Pescado original" se grabó en California durante los meses de enero y febrero de 2006. El disco
incluye catorce temas, una producción con un sonido más denso y letras con mayor contenido social. La
grabación la realizaron como trío y luego algunos invitados aportaron lo suyo, como el percusionista Luis
Conte y el tecladista Jon Gilutin. Los tracks destacados son "Mariposas", "Me permití soñar" (junto a Julieta
Venegas) y "Sola" (junto a Coti Sorokin). Lo presentaron en una extensa gira continental, en la cual
también celebraron sus 25 años de carrera.
En 2007 realizan varios shows para presentar "Pescado original" y Daniel Piccolo se aleja del grupo. A
partir de allí, Jota Morelli toca la batería como invitado. En 2010 sale "Inéditos. En 2011 editan "Live at
house of blues sunset strip", compuesto por 10 canciones de la trayectoria del trío. El 2 de abril de 2013
sale a la venta "Tic tac", un nuevo álbum, compuesto por 12 canciones y editado bajo el sello Mordisco
Ediciones Musicales. El primer corte de difusión se titula "Besos violentos".

7.- LOS MOJARRAS

En junio de 1992 la banda entra en la escena rockera del Perú, con su disco debut titulado "Sarita Colonia"
(producido por Kike Larrea, guitarrista de Los Mojarras en ese momento) donde la banda fusionó la música
popular como la chicha con el rock, acorde con las nuevas tendencias continentales. La temática sobre los
problemas de la juventud, en sintonía con un acompañamiento musical particular unían masas disímiles,
hasta entonces contradictorias. Debido al éxito obtenido por su primer disco, son convocados para
musicalizar la película del cineasta Augusto Tamayo: “ANDA CORRE Y VUELA”.
En 1994 la banda lanza su segunda producción titulada: “RUIDOS EN LA CIUDAD”, donde destaca su
tema “Triciclo Perú” la cual es elegida canción del año; habiendo sido premiada. Tras este trabajo
musicalizan la telenovela “LOS DE ARRIBA Y LOS DE ABAJO”, dirigida por el francés Michael Gómez.
En 1995 la banda musicaliza la miniserie: “LOS CHOCHES” (en el Canal 2) y la novela “TRIBUS DE LA
CALLE” (en el Canal 9). Graban su tercer CD “Opera salvaje para tribus urbanas”, en el estudio El Pacífico
del alemán Klauss Frederich; siendo el Ingeniero de Sonido, por tercera vez, Wicho García (cantante de
Mar de Copas) y bajo la Dirección de Kike Larrea, hoy radicado en París (primera guitarra de Los Mojarras
1992).
En 1996 contratados por una Productora Alemana a raíz de su éxito musical y fomentado por la película
antes mencionada, llevan a cabo una gira por doce ciudades de Alemania.
En 1997 al regreso de Europa realizan con el grupo teatral Pata Claun, la obra musical “JUICIO FINAL”
basado en una historia escrita por Kachuca y desarrollada por el escritor Rafael Dument, ambos dedicados
al desarrollo de esta, en Francia, en la ciudad de París.
El grupo se desintegra y como la prensa lo describe: CISMA EN LOS MOJARRAS; por tercera vez
“Kachuca” se separa y arma una cuarta camada MOJARRAS.
En 1998; graban su cuarto y quinto CD: “TODOS CONTRA LA PARED EN VIVO” y “TOUR PERRADA”.
Musicalizan también la película MADRE CORAJE (realización que se hizo en homenaje a la heroína
Marianela Moyano), la cual obtuvo un premio internacional.
En 1999; participan musicalizando una novela y una miniserie. La novela “AMOR SERRANO”, también del
francés Michael Gómez; y la miniserie “SARITA COLONIA”.
En 2000; el grupo es afectado por la “política”, por haber hecho un tema en contra del “Asesor” Montesinos.
En 2003; después de tres años sabáticos pero altamente creativos; desplumados de tanta parafernalia
novelística, Hernán Condori “Kachuca” se reinventa con nuevos temas e integrantes formando así el nuevo
grupo: “KACHUKA Y LOS MOJARRAS”, en una propuesta como siempre arriesgada... y como dice el
poeta “CON LECHUGA FRESCA EN EL ALMA”.
En 2004; por fin en este año se logra el objetivo, contando como evento estratégico de partida el Concierto
del “AGUSTIROCK”. En 2005; la banda ofrece un show llamado “LA RESURRECCIÓN”, con
características teatrales. En 2011, los mojarras se reúnen nuevamente y con sus integrantes originales
para dar un concierto.
En 2014; lanza un tema dedicado a la Region Puno titulado "Arriba Puno"; resaltando sus Provincias y
distritos ademas resalta la Festividad Virgen Maria de la Candelaria.
Fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Los_Mojarras

7.- ANDRES CALAMARO

Andrés Calamaro nació el 22 de agosto de 1961 en la Capital Federal. Aprendió a tocar el bandoneón a los
8 años y a los 17 ya manipulaba los teclados en el grupo de candombe-rock Raíces, con quienes debutó en
las bateas en el disco "B.O.V.".
Tras un fugaz paso por la Elmer's Band, se incorporó a Los Abuelos de la Nada, la agrupación de Miguel
Abuelo que grabó cinco discos entre 1982 y 1986. Compuso dos de los hits más destacados de la
banda: "Mil horas" y "Sin gamulán".
Durante su juventud cursó, durante poco tiempo, la carrera de Derecho para finalmente dedicarse de lleno
a la música. Probó suerte con la Chorizo Colorado Blues Band, que formó con su
amigo Augusto Gringui Herrera, para intentar después con una agrupación que seguía la línea de The
Platters, inclinádose por el rock, para así definirse de nuevo junto a Gringui en lo que sería su proyecto
Elmer's Band, al que se sumó Eduardo Cano (posterior bajista de Los Twist).
Tocó como músico de sesión para artistas muy variados como los hermanos Makaroff y Julián Petrina.
Héctor "Zeta" Bosio lo invitó a unirse a una banda local llamada The Morgan, que posteriormente pasó a
llamarse Proyecto Erekto al que se sumó Gustavo Cerati, en lo que finalmente se convirtió en Soda Stereo,
aunque ya sin la presencia de Calamaro.
Gracias a la ayuda de su amigo Alejandro Lerner y de Pipo Lernoud, quienes lo recomendaron como
tecladista, Calamaro fue convocado por Miguel Abuelo para un nuevo proyecto musical. Paralelamente a
sus actividades, Calamaro integró infinidad de grupos, siempre en calidad de invitado.
Además de su trabajo como tecladista Calamaro colaboró en Los Abuelos con composiciones propias,
llegando a ser reconocido como creador del grupo. En 1982 salió a la venta el primer disco de Los Abuelos
de la Nada, del que se destacó el sencillo compuesto por Calamaro "Sin gamulán". El mismo éxito tuvo "Mil
horas", de su disco "Vasos y besos".
Mientras tocaba con esta banda, participó en la musicalización de la obra "Tango salsa" de Roberto
Granados, lo que lo impulsó a componer cada vez más temas propios, que eran compartidos con su siempre
amigo Augusto Gringui Herrera. Finalmente, en 1984 salió a la venta el último disco de estudio firmado por
Andrés Calamaro con Los Abuelos de la Nada: "Himno de mi corazón".
Durante esos años, Andrés también formó la Ray Milland Band, agrupación formada por él junto a Daniel
Melingo, Pipo Cipolatti (con quien ya había tenido experiencias musicales en una banda llamada Los
Almirantes), Miguel Zavaleta, Camilo Iezzi, Charly García, Pedro Aznar, entre otros, cuando fue grabado el
primer disco de Los Twist, "La dicha en movimiento", en el que Andrés estaba participando como tecladista
invitado.
En 1984 hizo su debut solista, con "Hotel Calamaro". La producción de algunos temas estuvo a cargo de
Charly García: Fito Páez también participó de algunas sesiones, ya que estaba grabando su disco "Del '63"
en el mismo estudio. Criticado por la prensa, este trabajo fue casi ignorado por el público. Sin embargo, con
el tiempo, sobrevivieron "Fabio Zerpa tiene razón" y "Otro amor en Avellaneda".
Al mismo tiempo, Calamaro abandonó su acompañamiento en la banda soporte de García debido a sus
compromisos con Los Abuelos de la Nada. Aquel puesto no quedó vacío por mucho tiempo porque en
cuestión de días llegó su reemplazo: el rosarino Fito Páez.

En 1985 integró Las Ligas, la banda que acompañaba a Charly García y registró "Vida cruel", con Fernando
Samalea(batería), Richard Coleman, Gringui Herrera (guitarras), Fabián Von Quintiero (teclados) y Luis
Alberto Spinetta como invitado.
Su tercer disco solista, "Por mirarte" (1987) tampoco tuvo demasiada repercusión, aunque se destacaron el
tema homónimo y el cover de "Johnny B. Goode", el clásico rock and roll de Chuck Berry.
Mismo destino sufrió el cuarto álbum, "Nadie sale vivo de aquí" (1989), pese a la buena crítica de los medios.
Ya por entonces tenía una banda estable: Ariel Rot (guitarra), Gringui Herrera (guitarra), el "Alemán"
Schanzenbach (bajo), Ricardo González (batería) y Jordi Polanuer (saxo). Previamente, Andrés, había
trabajado en la producción de los discos de Don Cornelio y la Zona, Los Enanitos Verdes y Los Fabulosos
Cadillacs.

En septiembre de 1991 emigró a España, en donde fundó la banda Los Rodríguez, junto a Ariel Rot, Julián
Infante y Germán Vilella. Con Los Rodríguez, palabra que tenía un significado español que lo sorprendía (se
llama rodríguez al hombre que sigue trabajando mientras la mujer se va de vacaciones con los hijos, esto le
da libertad para hacer cosas que no puede el resto del año), Calamaro volvía a formar una banda que
terminaba su formación con Germán Villela en batería y Daniel Zamora en el bajo. Editaron tres álbumes en
estudio ("Buena suerte", "Sin documentos" y "Palabras más, palabras menos") y uno en directo ("Disco
pirata").

"Buena suerte" (1991) tuvo mucho éxito en Buenos Aires. Este álbum contenía el "Mi enfermedad",
considerado un clásico del rock, que a su vez dio la apertura radial a Los Rodríguez en muchos países de
Sudamérica.
Andrés Calamaro, al mismo tiempo que tocaba con Los Rodríguez, seguía componiendo. Es así como editó
los dos volúmenes de la serie "Grabaciones encontradas", que incluyen, tal como refleja su título,
grabaciones encontradas en baúles, muebles de la casa de sus padres y temas en los cuales el músico es
acompañado por personajes como Luca Prodan o Daniel Melingo.
Las canciones de estos dos volúmenes fueron compuestas durante 10 años y fueron desechadas alguna vez
por Andrés. La experimentación rondó por los dos discos, en los cuales Andrés mostró su inquietud artística
con producciones en distintos estilos, y tocando a la vez guitarras y pianos. Tres de las canciones más
importantes y que han sido tocadas en vivo por Calamaro son: "Lou Bizarro", "No se puede vivir del
amor" y "Buena suerte y hasta luego". En este par de discos se guardó casi una década de
experimentaciones instrumentales que fortalecieron más la imagen de un gran artista lleno de capacidad
creativa.

La actividad con Los Rodríguez continuó, pero los problemas se empezaron a notar. Hicieron el disco
"Palabras más, palabras menos" en 1995 y un año después la agrupación decidió separarse por diferencias
artísticas notables entre Andrés y el resto del grupo. Calamaro tenía un liderazgo compositivo de la banda y
finalmente decidieron apartarse. Se realizó una recopilación de sus mejores temas, algunos grabados en
estudios y otros en vivo. Este álbum recopilatorio se denominó "Hasta luego", disco que consolidó la banda
en lo que a ventas se refiere y que los llevó a realizar una gira española junto a Joaquín Sabina. En 2002 un
nuevo recopilatorio salió la venta, titulado "Para no olvidar", en el que se encontraron algunos inéditos de la
banda.
Su última polémica aparición, aun estando con Los Rodríguez, fue la que mantuvo con el argentino Charly
García, con quien después de haber entablado amistad durante más de 15 años, formó una fuerte y latente
pelea que los alejó, dicen los rumores a causa de una mujer.
En 1995 compuso la banda de sonido de dos películas nacionales: "Caballos salvajes" (segundo trabajo de
Marcelo Piñeyro tras su popular "Tango Feroz") y "1000 boomerangs" (opera prima de Mariano Galperín).
Ya en 1997, cuando la exitosa etapa junto a Los Rodríguez había concluido, Calamaro emprendió un nuevo
proyecto que lo llevaría a Estados Unidos. En este país grabó, junto a músicos de sesión, los temas de su
nuevo trabajo como solista, que se tituló "Alta suciedad" e incluyó canciones como "Flaca", "Media
Verónica", "Crímenes perfectos", y"Loco".
El disco superó las 500 mil copias vendidas en todo el mundo (el segundo disco más vendido del rock
argentino después de "El amor después del amor", de Fito Páez, que alcanzó las 750 mil placas vendidas) y
llevó al músico a realizar gran cantidad de recitales, en los cuales compartió el escenario con músicos como
Fito Páez y Joaquín Sabina, entre otros. Diez años después (2007) "Alta suciedad" fue ubicado en el décimo
puesto, por 180 músicos y periodistas musicales, en lo que serían Los 100 mejores álbumes del rock
argentino según Rolling Stone.
Calamaro participó del álbum "Chiapas", para el cual grabó el tema "Media Verónica", presente en "Alta
suciedad".
"Honestidad brutal" fue un álbum doble del '99, ya que tuvo más crudeza que los anteriores. "El día de la
mujer mundial"o "Paloma" e incluso el reciclado "Los aviones" fueron muestras de ello.
El año 2000, después de hacer una selección de 300 temas de 500 que grabó, viajó a España con sus
músicos (Ciro Fogliata, Guillermo Martín, Candy Caramelo, Gringui Herrera, el "Niño" Bruno y el guitarrista
Coti Sorokin) y grabó las 103 canciones que fueron presentadas en "El salmón", un álbum histórico para la
industria musical por contener cinco discos.
Varios años de silencio pasaron antes de su siguiente trabajo. Calamaro publicó varios temas inéditos
internet, pese a la presión de la industria discográfica en contra del mp3.
En 2004 se despachó con "El cantante", un disco casi acústico de canciones clásicas del repertorio
latinoamericano y tres composiciones propias. También en "Tinta roja" realizó una selección de otros autores,
en este caso del mundo del tango.
Entretanto de esos discos, Andrés regresó a Argentina para presentarse acompañado por Bersuit
Vergarabat. Este show, documentado en "El regreso" (obtuvo el premio Gardel de Oro y varias menciones),
fue una reedición en vivo de clásicos recientes del bautizado El Salmón.
Con "El palacio de las flores" no concretó un retorno masivo como podría imaginarse, sino algo mucho más
artesanal, trabajando junto a Litto Nebbia. El single de difusión fue"Corazón en venta".
En 2006 se lanzó "Calamaro querido! Cantando al Salmón". Un disco tributo a Andrés, cuyo elenco incluyó
a buena parte de los históricos del rock argentino como León Gieco, Lito Nebbia, Pedro Aznar, Fabiana
Cantilo y Fito Páez. Grupos como Los Fabulosos Cadillacs, Los Pericos y Los Auténticos Decadentes, y
músicos de otras latitudes como Joaquín Sabina, Niña Pastori, Julieta Venegas, pasando también por
algunos nuevos talentos como el catalán Muchachito Bombo Infierno, dos personalidades que quedaron
fuera por cuestiones de última organización fueron el argentino Gustavo Cerati y el español Alejandro Sanz.
El gran retorno de A.C. a las bateas fue, efectivamente, con"La lengua popular", una colección de doce
canciones que incluyen el sello de Calamaro: estribillos, poesía, letras finas, ironía, mezcla de ritmos. Sin
dudas, uno de los discos más importantes de ese año.
Durante el mes de enero de 2007, Calamaro fue padre por primera vez de su primera hija Charo, junto con
la actriz Julieta Cardinali, el día nueve de ese mismo mes.
En enero del año 2009, y a raíz de la celebración de los 10 años de la revista Efe Eme, Andrés Calamaro
ofreció otro disco inédito "Nada se pierde", cargado de temas desconocidos hasta la fecha. Entre las
canciones incluidas figuraba inéditos post-Salmón (2000-2003), versiones de artistas como Bob Marley,
Sumo, Moris, y Luis Alberto Spinetta ("Bajan"), una grabación encontrada de la gira Honestidad Brutal
interpretando la canción "I can’t help falling in love" (famosa por Elvis Presley, Bob Dylan y UB40) y finalmente
dos cortes en directo, extraídos de su gira "La Lengua Popular", los tangos "Los mareados" y "Jugar con
fuego".
En 2009, la abundancia creativa de Calamaro superó lo conseguido con "El salmón": "Andrés, obras
incompletas" fue un box-set de seis discos, dos DVDs y un libro, que incluyen recopilaciones, inéditos y
rarezas seleccionado personalmente por el propio autor.
Entre las 108 canciones sobresalieron "Las cosas que me ayudan a olvidar", que había quedado afuera de
discos anteriores, "Rock de la mujer perdida", cover de Los Gatos,"Bachicha", el corte difusión, "Desconfío",
de Pappo Napolitano, y "De la lluvia", un inédito de 1996. También se publicó una edición acotada, de tan
sólo 18 temas.
Andrés Calamaro cerró el 2009 de la mejor manera ya que en los premios Grammys Latinos, fue reconocido
con el galardón "Mejor álbum rock vocal", por su disco "La lengua popular".
En junio de 2010 se publicó su álbum "On the rock", con la idea de grabar un material de estudio con sus
compañeros de gira, Andrés invitó a artistas de la talla de Calle 13, El Langui, Diego el Cigala, Enrique
Bunbury, Niño Josele, Loquillo, Pereza y Jerry González. El disco recuperó temas como "El perro" y nuevos
como "Te extraño". A la semana de su publicación, "On the rock" se colocó en el numero uno en las listas de
ventas de España.
El 23 de julio de 2010, Andrés Calamaro se casó con Julieta Cardinali, tras cinco años de relación y una hija.
En 2011 Andrés Calamaro realizó una obra doble llamada"Samonalipsis Now", que contó con 54 canciones
en total, varias extraídas de su trabajo "El Salmón" y algunas inéditas. Este disco fue presentado en una gira
por España, realizada entre los meses de mayo y junio.
Ya en 2012 se reeditó "Tinta Roja", aquel álbum homenaje a 10 clásicos del tango argentino editado
originalmente en 1996 con clásico como "Nostalgias", "Sur" y "Por una cabeza", entre otros.
El 30 de julio de 2013 se estrena el sencillo "Cuando no estás", primer corte de su nuevo álbum "Bohemio",
que salió a la venta el 17 de septiembre de ese año.
El 14 de mayo de 2014 sale a la venta una reedición de "Bohemio" que incluye el DVD de la película
"Bohemia", dirigida por Leo Damario. En el film, dirigido en riguroso blanco y negro, actúan Carla Quevedo,
Micaela Breque y Andrés Calamaro. Los papeles secundarios están a cargo de las chicas Kafka y otros
extras.

http://www.rock.com.ar/artistas/andres-calamaro
8.- ENANITOS VERDES

Esta banda mendocina tiene origen como trío en 1979. Con el éxito obtenido en sus presentaciones en Cuyo,
la agrupación viaja a Buenos Aires para grabar un demo, que nunca fue editado. Pese a este fracaso
continuan realizando shows, tanto en Mendoza como en la Capital.
En 1984 se incorporan dos nuevos integrantes: Sergio Embroni (guitarra y voz) y Tito Dávila (teclados). Como
quinteto editan el primer disco ("Los Enanitos Verdes"). Para la segunda placa ("Contrareloj", 1986) cuentan
con la producción artística de Andrés Calamaro.
En 1988 son protagonistas de una de las giras más extensas realizadas por un grupo argentino. En seis
meses se presentan en 31 oportunidades, entre las cuales se destacan: Viña del Mar (50.000 espectadores),
Mendoza (35.000) y Santiago de Chile (32.000), impulsados por su hit "La muralla".
En noviembre de 1994 se presentan ante 10.000 personas, en un concierto gratuito en los parques de ATC.
Al año siguiente, realizaron una exitosa gira por el interior para presentar "Big Bang" (1994) y reforzaron su
arrollador éxito en América Latina con un tour extenso que culminó en México.
"Tracción acústica" fue un disco para el sello Polygram USA, hecho que los convirtió en el primer grupo
argentino en fichar para una compañía norteamericana.
El álbum "Pescado original" se grabó en California durante los meses de enero y febrero de 2006. El disco
incluye catorce temas, una producción con un sonido más denso y letras con mayor contenido social. La
grabación la realizaron como trío y luego algunos invitados aportaron lo suyo, como el percusionista Luis
Conte y el tecladista Jon Gilutin. Los tracks destacados son "Mariposas", "Me permití soñar" (junto a Julieta
Venegas) y "Sola" (junto a Coti Sorokin). Lo presentaron en una extensa gira continental, en la cual también
celebraron sus 25 años de carrera.
En 2007 realizan varios shows para presentar "Pescado original" y Daniel Piccolo se aleja del grupo. A partir
de allí, Jota Morelli toca la batería como invitado. En 2010 sale "Inéditos. En 2011 editan "Live at house of
blues sunset strip", compuesto por 10 canciones de la trayectoria del trío. El 2 de abril de 2013 sale a la venta
"Tic tac", un nuevo álbum, compuesto por 12 canciones y editado bajo el sello Mordisco Ediciones Musicales.
El primer corte de difusión se titula "Besos violentos".

Fuente: http://www.rock.com.ar/artistas/los-enanitos-verdes

9.- HOMBRES G

Banda de pop español liderada desde 1983 por David Summers (1964), hijo del conocido humorista y
cineasta Manuel Summers, y formada inicialmente por David Summers (voz y bajo), Rafael Gutiérrez
(guitarra), Daniel Mezquita (guitarra y teclados) y Javier Molina (batería). Su pop desenfadado y sin complejos
arrasó en las generaciones más jóvenes de la segunda mitad de los 80 y pulverizó los récords de ventas de
los grupos españoles del momento.
Ídolos iniciales de la post-modernidad madrileña, pasaron de malditos a admirados cuando temas
como Venezia o Devuélveme a mi chica (más conocido como Sufre, mamón, otro de los versos del estribillo)
se convirtieron en superventas en el verano de 1985. Antes de fichar por el recién creado sello Twins, los
Hombres G se habían ganado una buena legión de seguidores que asistían a sus conciertos en locales de
moda como el madrileño Rock-Ola y que se sabían de memoria las letras de Marta tiene un
marcapasos o Milagro en el Congo, canciones grabadas entre abril y mayo de 1983.
Convertidos desde aquel mágico verano en fenómeno de masas, el grupo repitió los tics de los más populares
del pop español de los sesenta, incluido el de rodar un par de películas (Sufre Mamón, 1987, y Suéltate el
pelo, 1988, ambas dirigidas por el padre de David) y fue pronto imitado por grupos como Modestia Aparte o
Terapia Nacional. A medida que el tiempo hacía adultos a su público y a los integrantes del grupo, Hombres
G fue perdiendo gas, mientras bandas como las citadas tomaban el testigo de su estilo juvenil y desenfadado.
Pasado el éxito de álbumes como La cagaste, Burt Lancaster (1986), Estamos locos, ¿o qué? (1987) o
de Voy a pasármelo bien (1989), el grupo intentó un cambio de estilo poco comprendido por sus fans con su
disco Ésta es su vida(1990). Finalmente, tras Historia del bikini (1992) y el recopilatorio de sus Éxitos (1993),
la banda se disolvió. En 1994 David Summers editó un álbum en solitario, en una línea mucho más intimista,
lejos de la frivolidad característica de Hombres G.
En 2002, diez años después de abandonar los escenarios, los Hombres G volvieron a reunirse y pusieron en
marcha una exitosa gira por América. A finales de ese mismo año, los siete discos editados por la banda
entre 1985 y 1992 se publicaron a modo de recopilatorio, manteniendo las portadas y el diseño de los vinilos
originales. En 2003 se publicó un disco-homenaje titulado Voy a pasármelo bien en el que destacados grupos
y artistas españoles (Los Secretos, Seguridad Social, Antonio Vega, Mikel Erentxun, La Cabra Mecánica,
Álex Ubago y El Canto del Loco) presentaron versiones de los temas más famosos del grupo.
En diciembre de 2004, y después de que el grupo se hubiese embarcado en una gira por toda España para
promocionar su nuevo disco, Peligrosamente juntos, se publicó el libro Hombres G. Seguimos locos, ¿y qué?,
una obra biográfica escrita por Pepe Colubi en la que se repasan las anécdotas de toda la trayectoria del
grupo. La nueva etapa ha traído por el momento otros dos álbumes, Todo esto es muy extraño (2004)
y 10 (2007) así titulado por ser el décimo de su discografía. De este último, que incluyó once temas nuevos,
se extrajo el single Me siento bien.

Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/hombres_g.htm

DISCOGRAFIA

1. BON JOVI
Discografía:

 Bon Jovi (1984)

 7800° Fahrenheit (1985)
 Slippery When Wet (1986)
 New Jersey (1988)
 Blaze of Glory (1990)
 Keep the Faith (1992)
 Cross Road (1994)
 These Days (1995)
 Destination Anywhere (1997)
 Crush (2000)
 One Wild Night: Live 1985-2001 (2001)
 Bounce (2002)
 This Left Feels Right: Greatest Hits With a Twist (2003)
 Have a Nice Day (2005)
 Lost Highway (2007)
 The Circle (2009)
 What About Now (2013)

2. GUNS AND ROSES

Discografía:

 Appetite for Destruction (1987)

 G N' R Lies (1988)
 Use Your Illusion I (1991)
 Use Your Illusion II (1991)
 The Spaghetti Incident? (1993)
 Live Era: '87-'93 (1999)
 Greatest Hits (2004)
 Chinese Democracy (2008)

3. SURVIVOR
Discografía:

 Survivor (1979)
 Premonition (1981)
 Eye of the Tiger (1982)
 Caught in the Game (1983)
 Vital Signs (1984)
 When Seconds Count (1986)
 Too Hot to Sleep (1988)
 Reach (2006)

4. JOURNEY
Discografía:

 Álbumes de estudio
 Journey (1975)
 Look into the Future (1976)
 Next (1977)
 Infinity (1978)
 Evolution (1979)
 Departure (1980)
 Escape (1981)
 Frontiers (1983)
 Raised on Radio (1986)
 Trial by Fire (1996)
 Arrival (2001)
 Generations (2005)
 Revelation (2008)
 Eclipse (2011)

 Bandas de sonido

 Dream, After Dream (1980)

 Discos en vivo
 Captured (1981)
 Greatest Hits Live (1998)
 Live In Houston 1981 From The Escape Tour (2005)
 The Frontiers Tour(2014)

 Copilaciones
 In the Beginning (1980)
 Greatest Hits (1988)
 The Ballade (1991)
 Time (1992)
  The Journey Continues (2001)
 The Essential Journey (2001)
 Open Arms (2004)
 The Best of the Best Gold (2006)
 Don't Stop Believin': The Best of Journey (2008)
 Greatest Hits - Volume 2 (2011

5. SCORPIONS
Discografía:

 Lonesome Crow (1972)

 Fly to the Rainbow (1974)
 In Trance (1975)
 Virgin Killer (1976)
 Taken by Force (1977)
 Lovedrive (1979)
 Animal Magnetism (1980)
 Blackout (1982)
 Love at First Sting (1984)
 Savage Amusement (1988)
 Crazy World (1990)
 Face the Heat (1993)
 Pure Instinct (1996)
 Eye II Eye (1999)
 Moment of Glory (2000)
 Unbreakable (2004)
 Humanity: Hour I (2007)
 Sting in the Tail (2010)
 Return to Forever (2015)

6. NIRVANA
Discografía:

 Bleach (1989)
 Nevermind (1991)
 Incesticide (1992)
 In Utero (1993)
 MTV Unplugged (1994)
 From the Muddy Banks of The Wishkah (1996)
 Nirvana (2002)
 Sliver: The Best of the Box (2005)

7. OASIS
Discografía:

 Definitely Maybe (1994)

 (What's The Story) Morning Glory? (1995)
  Be Here Now (1997)
 The Masterplan (1998)
 Standing on the Shoulder of Giants (2000)
 Familiar to Millions (2001)
 Heathen Chemistry (2002)
 Don't Believe the Truth (2005)
 Dig Out Your Soul (2008)

8. U2
Discografía:

 Boy (1980)
 October (1981)
 War (1983)
 Under A Blood Red Sky (1983)
 The Unforgettable Fire (1984)
 The Joshua Tree (1987)
 Rattle And Hum (1988)
 Achtung Baby (1991)
 Zooropa (1993)
 Pop (1997)
 The Best Of 1980-1990 (1998)
 All That You Can't Leave Behind (2000)
 How To Dismantle An Atomic Bomb (2004)
 U218 Singles (2006)
 No Line On The Horizon (2009)
 Songs of Innocence (2014)

9. RADIOHEAD
Discografía:

 Itch (1992)
 Pablo Honey (1993)
 Com Lag (2Plus2IsFive) (1994)
 The Bends (1995)
 OK Computer (1997)
 Kid A (2000)
 Amnesiac (2001)
 I Might Be Wrong: Live Recordings (2001)
 Hail To The Thief (2003)
 In rainbows (2007)
 The King of Limbs (2011)

10. PEARL JAM

Discografía

 Ten (1991)
  Vs (1993)
 Vitalogy (1994)
 No Code (1996)
 Yield (1998)
 Binaural (2000)
 Riot Act (2002)
 Pearl Jam (2006)
 Backspacer (2009)

11. R.E.M
Discografía

 Murmur (1983)
 Reckoning (1984)
 Fables of the Reconstruction (1985)
 Lifes Rich Pageant (1986)
 Dead Letter Office (1987)
 Document (1987)
 Green (1988)
 Eponymous (1988)
 Out of Time (1991)
 Automatic for the People (1992)
 Monster (1994)
 New Adventures in Hi-Fi (1996)
 Up (1998)
 Reveal (2001)
 In Time: The Best of R.E.M. 1988-2003 (2003)
 Around the Sun (2004)
 R.E.M. Live (2007)
 Accelerate (2008)
 Live from London (2008)
 Live at the Olympia (2009)
 Collapse into Now (2011)
 Man On the Moon (2011)

12. RED HOT CHILI PEPPERS

Discografía:

 The Red Hot Chili Peppers (1984)

 Freaky Styley (1985)
 The Uplift Mofo Party Plan (1987)
 Mother's Milk (1989)
 Blood Sugar Sex Magik (1991)
 One Hot Minute (1995)
 Californication (1999)
 By the Way (2002)
 Live in Hyde Park (2004)
  Stadium Arcadium (2006)
 Live from London (2009)
 I'm with You (2011)

13. ENANITOS VERDES

Discografía

 Enanitos Verdes (1984)

 Contrarreloj (1986)
 Habitaciones extrañas (1987)
 Carrousel (1988)
 Había una vez... (1989)
 Igual que ayer (1992)
 Big Bang (1995)
 Guerra gaucha (1996)
 Planetario (1997)
 Tracción acústica (1998)
 Néctar (1999)
 Amores lejanos (2002)
 En vivo (2004)
 Pescado original (2006)
 Inéditos (2010)
 Live At House of Blues, Sunset Strip (2011)
 Tic Tac (2013)

14 LOS PRISIONEROS
Discografía

 La voz de los '80 (1984)

 Pateando piedras (1986)
 La cultura de la basura (1987)
 Corazones (1990)
 Los Prisioneros (2003)
 Manzana (2004)

15. HOMBRES G
Discografía

 Hombres G (1985)
 La cagaste... Burt Lancaster (1986)
 Estamos locos... ¿o qué? (1987)
 Agitar antes de usar (1988)
 Voy a pasármelo bien (1989)
 Ésta es tu vida (1990)
 Historia del bikini (1992)
 Peligrosamente juntos (2002)
  Todo esto es muy extraño (2004)
 10 (2007)
 Desayuno continental (2010)
 En la playa (2011)
 30 años y un dia (2015)

16.- LOS RANCHEROS

Discografía

 Los Rancheros (1991)

 Tierra Bendita (1993)
 Ni por todo el oro del mundo (1994)
 Supernova (1996)
 Ángeles tatuados (1997)
 Vinilo (1998)
 20 grandes éxitos (1998)
 Adiós (1999)
 Simple (2001)
 Sin pedir nada (2004)
 Canción sin tiempo (2007)
 Estimulante (2010)
 Tras tus pasos (2013)

17. FITO PAEZ

Discografía

 Del 63 (1984)
 Giros (1985)
 Corazón clandestino (maxi sencillo) (1986)
 La la lá (con Luis Alberto Spinetta) (1986)
 Ciudad de pobres corazones (1987)
 Ey! (1988)
 Tercer mundo (1990)
 El amor después del amor (1992)
 Circo beat (1994)
 Enemigos íntimos (con Joaquín Sabina) (1998)
 Abre (1999)
 Rey Sol (2000)
 Naturaleza sangre (2003)
 Moda y pueblo (2005)
 El mundo cabe en una canción (2006)
 Rodolfo (2007)
 Confiá (2010)
 Canciones para aliens (2011)
 El sacrificio (2013)
 Dreaming Rosario (2013)
 Yo te amo (2013)
 Rock and Roll Revolution (2014)
 Locura total (con Paulinho Moska) (2015)
18. CHARLY GARCIA
Discografía

 Pubis angelical / Yendo de la cama al living (1982)

 Clics modernos (1983)
 Piano bar (1984)
 Tango (1986)
 Parte de la religión (1987)
 Cómo conseguir chicas (1989)
 Filosofía barata y zapatos de goma (1990)
 Radio Pinti (1991)
 Tango 4 (1991)
 La hija de la lágrima (1994)
 Say no more (1996)
 Alta fidelidad (con Mercedes Sosa) (1997)
 El aguante (1998)
 Influencia (2002)
 Rock and roll yo (2003)
 Kill Gil (2010)

19.- SODA STEREO

Discografía

 Soda Stereo (1984)

 Nada personal (1985)
 Signos (1986)
 Doble vida (1988)
 Canción animal (1990)
 Dynamo (1992)
 Sueño Stereo (1995)
 Comfort y música para volar (1996)

20.- LOS MOJARRAS

Discografía

 Sarita colonia (1992)

 Ruidos en la ciudad (1994)
 Todos contra la pared en vivo (1988)
 Tour perrada (1998)

21.- ANDRES CALAMARO

Discografía

 Hotel Calamaro (1984)

 Vida cruel (1985)
 Por mirarte (1988)
 Nadie sale vivo de aquí (1989)
  Alta suciedad (1997)
 Honestidad brutal (1999)
 El salmón (2000)
 El cantante (2004)
 Tinta roja (2006)
 El palacio de las flores (2006)
 La lengua popular (2007)
 On the rock (2010)
 Bohemio (2013)

6. ANÁLISIS GENERAL DE LA COMPETENCIA

COMPETENCIA DIRECTA

 DOBLE NUEVE
Radio Doble Nueve, 99.1 FM, es una radio peruana fundada por
Manuel Sanguinetti (integrante de la banda Traffic Sound),
transmite desde el 15 de abril de 1979 EL MEJOR ROCK DEL
MUNDO; conocida también como "La Radio Rock en Lima".

Doble Nueve es la radio "encargada" de dar a conocer

novedades en cuanto a bandas rock de todo el mundo,
normalmente transmite las canciones con mucha anticipación,
antes que otras radios peruanas.
Su ranking semanal consta de 40 canciones más conocidas
como "Las Most Played" sábado a sábado de 10 am a 13:00 pm
bajo la conducción del DJ Renzo Estrada.

El Ranking Anual las 99 del año, conocidas como "Las 99 de doble 9". Este programa especial es transmitido
todos los años el 31 de diciembre y puede durar más de 10 horas, donde se suele regalar 9 discos ("los 9 de
Doble Nueve" considerados los 9 mejores del año) a las personas que participaron votando por sus canciones
favoritas.
Existen radios On line que podrían ser nuestra competencia directa como las siguientes:

 ALQUIMISTA
‘’La dosis exacta en tu vida’’
Una radio on line lanzada en octubre del 2012 que brinda a la
ciudadanía música rock, contenidos radiofónicos que les formen,
informen y entretengan sanamente, fomentando y fortaleciendo los
valores familiares, sociales, culturales y la participación ciudadana.
Aspirando ser un medio de comunicación público eficiente, competitivo
y moderno, que sea un espacio plural e influyente de la ciudadanía.
 LA OCHENTERA.COM
‘’Rock de los 80’s y más’’
La ochentera.com es la primera radio Online peruana fundada el 11
de enero del 2011 que transmite lo mejor del rock de los 80’s y más.

 RADIO INSOMNIO
Radio insomnio. "Lo que tú quieres escuchar" Radios insomnio es
una radio emisora peruana dedicada a la emisión de música del
género rock, especialmente el rock peruano. su señal llega a todo
el mundo vía Internet. Radio Insomnio de lima, Perú cuenta con
una programación dedicada a la difundir el rock el rock peruano.

COMPETENCIA INDIRECTA

 OASIS 100.1 FM ‘’Rock & Pop’’

Estación de Perú fundada el 01 de enero de 2010 con
transmisión de 24
horas, brindando lo mejor en música de géneros rock & pop de
los 80’s, 90’s y de actualidad, novedades del espectáculo e
información.
  OXIGENO 102.1 FM
Se inició el 3 de marzo de 2001, pasando toda la buena
música de los 80's, 90's y se disfruta en 16 ciudades del país:

1. Lima
2. Andahuaylas
3. Arequipa
4. Asia
5. Cajamarca
6. Chiclayo
7. Chimbote
8. Cusco
9. Huancavelica
10. Huancayo
11. Huánuco
12. Ica
13. Juliaca
14. Piura
15. Trujillo
16. Urubamba

7. AUSPICIADORES POTENCIALES:

Hard rock café

En 1997 se inauguró el Hard Rock Café en Larcomar, teniendo una
gran acogida por el público, en el 2001 fue cerrado porque dejó de ser
frecuentado por el público. Actualmente se ha vuelto a ser inaugurado
el Hard Rock Café Lima, en el centro comercial Jockey Plaza.

Lucky Strike
En el Perú presente desde 1995 para comercializar la marca de cigarrillo
Lucky Strike. Distribuye cigarrillos a nivel nacional. Perú cuenta con 2
centros de curado de tabaco ubicados en Oyotún y Chongoyape. Perú
tiene el record mundial de rendimiento de tabaco por hectárea. El
promedio mundial es de 2,9 toneladas por hectáreas y Perú alcanza las
3,3.

Halls Perú
En el año 2008 la división peruana de la internacional Halls
buscaba masificar entre su gran público sus nuevos productos
(cereza, piña colada, fresa, etcétera), en un afán por diversificar
su portafolio de sabores dominado por el clásico mentol. Es así
que en el verano del 2008 deciden lanzar la campaña Momento
Halls junto con la agencia JWT Perú, donde muestran diversas
situaciones vividas por los jóvenes en el verano. La calidez de los
mensajes, las situaciones cotidianas y publicitar una marca ya
conocida, permitieron que los nuevos sabores y novedades de
Halls se posicionaran en el mercado sin problemas. La clásica
barra de Halls ha continuado una ascendiente en todos estos
años, producto de su gran creatividad.

Red Bull
Dietrich Mateschitz fundó Red Bull en los años 80. Creó la
fórmula de Red Bull Energy Drink y desarrolló el concepto de
marketing único de Red Bull. El 1 de abril de 1987, Red Bull
Energy Drink se vendió por primera vez en Austria, su país de
origen. Hoy en día, Red Bull se encuentra en más de 167 países
y se han consumido hasta ahora, más de 50.000 millones de
latas de Red Bull.

Pilsen Callao
La interminable guerra de la cerveza entre marcas tuvo un aire
fresco con esta gran campaña del 2006 que se decantó por un
mensaje más profundo que chicas esculturales, la playa y los
jingles. Esta vez Sab Miller y la agencia Publicis buscaron un
mayor posicionamiento contando con el regreso de la botella
verde. Recurriendo a la emoción de la amistad y un personaje
central: El Capitán Sánchez. Los buenos resultados no se
hicieron esperar. Inmediatamente después de la campaña, Pilsen
subió 6% en participación de mercado y redujo su nivel de
rechazo de 10.3% a 4.6%.
Johnny Walker

Esta marca de whisky escocés se puede encontrar en más de

200 países, siendo por ese motivo la más distribuida del mundo.
Las ventas anuales superan los 120 000 000 (ciento veinte
millones) de botellas

Coca-Cola
Llegó al Perú en 1876, con don Rodolfo Barton Wilde, un
emprendedor farmacéutico inglés que funda "La Pureza", fábrica
de jarabes y aguas gaseosas, cuyas primeras instalaciones
estuvieron en los Barrios Altos. "La Pureza" destacaría
rápidamente por la calidad de sus productos, convirtiéndose en
líder de la producción de aguas gaseosas en Lima.

DirecTV
A comienzos del año 2005 decidió ingresar al mercado la
multinacional DirecTV, que lanzó una campaña millonaria con
el asesoramiento de la firma publicitaria Lowe Perú y el
slogan “Otra forma de sentir la televisión”, el interés creció
con el inicio del mundial de fútbol de Alemania 2006. Ver
cientos de canales, en un nuevo concepto de televisión
satelital, convenció a muchos. Hoy, la influencia de la firma
es sólida en el mercado, pese al anuncio de su próxima venta
a AT&T.

Café Altomayo
Altomayo Perú es una empresa perteneciente al Grupo
Perhusa, con más de 40 años en el negocio cafetalero, en el
2006 se impuso con una publicidad que fue “El sabor natural
del Café” que hizo que su empresa crezca más de lo
inesperado en el Perú y se convierta en un alto grado de
exportación hoy en día.
Converse

8. REDES SOCIALES
Nuestras redes sociales más frecuentes son:

 Facebook
 Twitter
 Instagram

Facebook
Porque nuestro público podría interactuar más con nuestra radio
comentando sobre los temas del día, opiniones acerca de la radio, que les
gustaría que haya en la radio o algunas recomendaciones para la radio. Así
nuestra radio de rock será exitoso y a la vez reconocida, porque se tomará
en cuenta sus comentarios, gustos, algunas solicitudes.

Twitter
Porque nuestro público oyente tiene más interacción con los #Hashtag en
twitter y podremos llegar hacer a nuestra radio. Asu vez, podrían pedirnos
la música que más les guste, así como también podrían concursar y ganar
premios, entradas para conciertos de rock, conocer a su artistas favoritos.

Instagram
Porque en esta red social más que todo interactuamos colgando fotografías
o videos ya sea con los artistas invitados, con los conductores o las personas
que nos estén acompañando en la radio.