Historia de la Trompeta

Los primeros instrumentos denominados trompetas no tenían columna de aire

vibrante, ni boquilla, ni extremo acampanado; eran megáfonos cortados en una rama
hueca o en una caña ancha,
cuernos o caracoles, colmillos de
elefantes, en los cuales el
ejecutante hablaba, cantaba o
bramaba (hacía chillar a la
trompeta). La evolución desde el
simple megáfono hasta la
trompeta actual fue lenta, incluso
no es fácil decir cuándo se
originaron las primeras trompetas
verdaderas que daban una o dos notas. El sonido aterrador de las trompetas
primitivas se asocia con muchos ritos mágicos, ceremonias de tipo militar y religioso
(ritos de cosecha, matrimonios, conjuros de lluvias, presentación de ofrendas a los
dioses, la salida del rey, inicio de guerra, comunicación entre
comunidades, etc.).

Del año 1400 a.C., en Egipto se encuentra una lista

detallada de cuarenta cuernos, todos enchapados en oro y
algunos decorados con piedras preciosas; posteriormente en
el proceso de evolución aparecen cuernos y trompetas
rectas construidas en oro totalmente.

En Egipto las trompetas estaban hechas de un metal

amarillo y tenían forma cónica, embocadura precisa
y pabellón más bien ancho; medían sólo 60
centímetros, el tono fundamental debe haber sido
aproximadamente un Do y no es probable que
pudieran producir más que esa nota, su octava y su
décimo segunda. Según Plutarco el sonido de la
trompeta egipcia era como el rebuzno de un asno.

Más adelante cuando aparece el bronce, el tubo se encorva hacia arriba o en forma
de letra G. En Roma se asignan soldados a la
ejecución de estas trompetas (trompeteros),
quienes requieren de gran potencia y soplo
produciendo un sonido áspero, penetrante y de
largo alcance. El cuerno corto de animal con
unos pocos orificios apareció en la Persia
medieval alrededor del año 700. En el barroco la bomba de la embocadura se alarga
aproximadamente a 25 cms, probablemente para ajustar el tono del instrumento
posibilitando complementar la escala natural de los armónicos y dando origen al
sacabuches.
El último y más efectivo sistema para completar las
escalas deficientes de las trompetas estaba basado en el
principio que combina varias escalas armónicas en un solo
instrumento. Las partituras de fines del siglo XVIII y
de principios del siglo XIX, muestran abundantes
pruebas de un paso preliminar que consistió en usar dos
o cuatro cornos en diferente tonalidad para poder
proporcionar las notas requeridas. Luego se utilizaron
secciones con roscas para los instrumentos, pero esto no
era funcional.

La invención necesaria de las válvulas fue hecha

alrededor de 1815 por dos músicos: Bluhmel de
Silesia, y Heinrich Stôlzel de Berlín. Conectaron
válvulas rotatorias de resorte que soltaban
rápidamente como cualquier instrumento de teclado.

En 1843 Adolph Sax desarrolló una serie de

instrumentos llamados saxhorns, ampliando la
gama de registro al incluir cornetas, flugelhorns,
tenorhorns, saxón y tubas, enriqueciéndolas con
el sistema de válvulas rotatorias.

En la segunda mitad del Siglo XIX

Perinet diseñó los tres pistones que
actualmente facilitan y concretan la escala cromática y la serie
armónica, a través de las siete posiciones brindando grandes
posibilidades para la ejecución de la trompeta.

Partes de la Trompeta

La trompeta es un instrumento de metal de construcción cónica. En el instrumento

vemos tres grandes partes que son: la boquilla, el cuerpo y la campana. En ellas
distinguimos los siguientes componentes:
¿Qué trompeta debería comprar?

Comúnmente cuando empezamos a estudiar trompeta y obviamente si no poseemos,

llegará el momento en que nos surgirá la imperiosa necesidad de comprar una. Y es
aquí donde surgirá la duda de qué comprar, que marca, etc. Realmente esta es una
decisión algo difícil, más aun si no tenemos mucha idea de marcas y fabricantes de
instrumentos musicales.

Creo lo primero que tenemos que pensar, es en lo que realmente queremos hacer de
la música en nuestra vida. Me refiero a si deseamos aprender trompeta por hobby,
dedicarnos de lleno a la música, aspirar a ser un respetado músico, etc. Estos
razonamientos nos darán la pauta y ayuda de donde apuntar cuando estemos en ese
momento de incertidumbre.

En un principio, a veces nos acercamos a la ejecución de algún instrumento en forma

experimental, es decir probamos si tal instrumento va con nosotros. En estos casos,
el razonamiento nos dirá que comencemos con alguna trompeta de estudio que posea
una buena calificación dentro de sus características de sonido. Dentro de estos
parámetros, algunas marcas chinas poseen un aceptable sonido. Y vienen a ser una
buena alternativa en instrumentos económicos. El tiempo nos dirá y exigirá en algún
momento la compra de una trompeta de mejor calidad.

Pero, si nuestra idea es hacer de la música algo importante en nuestra vida,

debemos aspirar a una trompeta de gama intermedia hacia arriba. Ya que este tipo
de instrumento tendrá más calidad de sonido y lo más probable es que también sea
más duradero. Siendo esta la gran diferencia, aparte del sonido, entre instrumentos
de estudio y profesionales. Los de la gama intermedio y profesional son fabricados
cuidando el más mínimo detalle. Y además utilizando materiales que en conjunto
hacen que el instrumento a través de los años, no sufra un marcado deterioro
comparado a los de estudio o de menor calidad.
Las mejores marcas para trompetas son: Bach,
Selmer, Conn, Yamaha, Calicchio, Benge, King, pero
lamentablemente son algo costosas.

Básicamente, la compra de una trompeta debe

basarse en 2 puntos:

1.- Proyecto hacia la música: aspiraciones

personales como músico.

2.- Presupuesto con el cual contamos.

Cuidados

Las siguientes son las recomendaciones más

importantes en cuanto al cuidado que se debe
tener con la trompeta. Estas son válidas tanto
para aquellos que poseen un instrumento propio
como para quienes deben compartir su
instrumento en algunas de las bandas del país.

Del cuidado que usted tenga de su instrumento,

sea propio o compartido, podrá sacar de él el
máximo provecho. Un instrumento mal cuidado no
será útil para quien lo ejecute, pues su deterioro hará que con el tiempo la
ejecución sea difícil y en ocasiones penosa.

Tenga en cuenta las siguientes indicaciones:

- Cuando se comparte el instrumento limpiar la boquilla con alcohol.

- No colocar la boquilla presionándola ni golpeándola con la palma de

la mano.

- Mantener la trompeta en el estuche o en las manos del

ejecutante.

- Lubricar todos los días los pistones. Tenga en cuenta su aseo

personal, tanto de sus manos como de su boca.

- No ingerir alimentos durante el tiempo de estudio,

especialmente aquellos que contengan azúcar (dulces, golosinas,
chicles, etc.)

- Cepillarse los dientes antes de tocar si se ha terminado de comer.

Para después del uso:

- Quitar la boquilla y limpiarla soplando en ella para eliminar
el exceso de condensación (agua).

- Cada cierto tiempo realizarle mantenimiento a la trompeta

limpiando las bombas, pistones y demás partes.

Contacto con la Trompeta

Actitud general del cuerpo

No hay limitantes físicas particulares para la práctica de la trompeta. Una buena

postura permite librarnos de tensiones, facilita la respiración y el aprovechamiento
máximo de los recursos y aptitudes de cada persona.

Cabeza

Mantenga la cabeza recta y la cara directamente

frente al cuerpo del instrumento, tanto de pie como
sentado. Esto permite mantener la garganta abierta
para tener una mejor circulación del aire y que el
aparato superior de la respiración esté libre de
obstrucciones.

Columna y Espalda

Es importante mantener la columna derecha, más no tensionada.

Buscar que no esté rígida pero tampoco curva. Cualquier posición
exagerada evitará el buen desempeño del ejecutante y llegará al
cansancio más rápidamente, además
de afectar el sistema respiratorio y
el sonido.

Cuello

En la estructura del cuello están la

tráquea, la laringe, y la epiglotis. Si estas partes están
tensionadas o cerradas será imposible tener una buena
respiración. Por esto siempre debemos mantener la
garganta relajada y nunca
tensionar el cuello.

Tórax

Debe estar en posición relajada, con toda la musculatura

distensionada para no bloquear el proceso natural de
respiración. En pocas palabras en estado natural de reposo.

Pelvis
La pelvis debe estar alineada con el eje longitudinal del cuerpo
al ser visto de perfil. Evite empujarla hacia adelante, pues
esto no permite realizar una respiración correcta, y produce
una mala postura corporal

Piernas

Deben estar separadas a una distancia similar a la anchura de

los hombros, sin flexionar las rodillas y sin ponerlas rígidas.

Pies

Las plantas deben estar en total contacto con el suelo. Los

pies estarán ligeramente orientados hacia afuera, o si se está
sentado siguiendo la prolongación del ángulo de las piernas

Hombros

Los hombros permanecen en igual posición como

cuando se camina, se lee, o se escribe. Nunca
deben levantarse porque tensionan la garganta y
no dejan que el aire fluya libremente.

Brazos

Mantenga los brazos con los codos ligeramente

separados del cuerpo, sosteniendo el
instrumento en una posición balanceada, de tal
manera que la campana siempre esté dirigida
hacia el frente y no hacia el suelo.

Manos

Use una posición cómoda de las manos para que pueda manipular los pistones y
bombas sin dificultad. La mano izquierda sostiene el instrumento. Debe estar firme
más no rígida. Los dedos índice, medio, anular
y meñique pueden manipular la bomba n°3 y
generalmente el anular va dentro del gancho
situado sobre esta bomba. El pulgar va sobre
la bomba n°1. La mano derecha es la que
manipula los pistones. Para esto los dedos
índices, medio y anular van sobre los pistones
1, 2, y 3 respectivamente. Las yemas de los
dedos van situadas sobre los pistones, la
palma de la mano no debe tocar el tudel y ésta
debe estar ligeramente redondeada. El meñique va dentro del gancho del tudel, lo
más relajado posible y el pulgar en la parte del tudel frente al primer pistón.
Postura de pie

Está comprobado que el uso del aire es más eficaz cuando

estamos de pie. En esta postura podemos mover una mayor
cantidad de aire tanto al inhalar como al exhalar. La mejor
postura se obtiene cuando pensamos en el balance del cuerpo y
esto se logra manteniendo las piernas y los pies separados a una
distancia equivalente a la anchura de los hombros. Si se debe
tocar caminando es necesario buscar la mejor manera para que el
instrumento no se mueva demasiado.

Postura sentado

Lo primero que se debe tener en cuenta es el uso de una silla cuya

altura sea similar a la distancia entre los pies y las rodillas, la silla
no debe tener brazos. El trompetista debe sentarse de la mitad hacia adelante,
procurando formar un ángulo de 90° entre los muslos y la pantorrilla. Las piernas
estarán separadas a una distancia equivalente a la anchura
de los hombros. El cuerpo debe tener la sensación de estar
apoyado en un trípode constituido por los pies y los
glúteos. Es recomendable proyectar la pelvis hacia
adelante para enderezar la columna y permitirle al sonido
una proyección más amplia.

Efecto de la postura sobre la respiración

La buena utilización del sistema respiratorio depende

de una buena postura. Si nos acostamos en el suelo nos
damos cuenta que la respiración se
realiza desde la parte inferior del
tronco ya que los músculos
abdominales se encuentran liberados de tensión y el
diafragma trabaja muy relajadamente. Lo cual significa que
si presionamos el diafragma y los músculos que lo recubren
por una mala postura, no podemos trabajar eficientemente.
Por esto siempre debemos pensar en cómo nos sentamos, además de la naturalidad
del cuerpo para mover el aire más fácilmente y no producir un sonido pequeño y
apretado.

Problemas más comunes con relación a la postura

• El peso del instrumento puede en los niños ocasionarles problemas de postura si no

se tiene cuidado en recordarles que deben acostumbrarse a
mantener la trompeta en la posición correcta.

• Por tensión del cuerpo se produce cansancio y el sonido se

empobrece.

• Dolores del cuello, espalda y hombros por postura

inadecuada.
• El torso se comprime y el aire no pasa adecuadamente, la garganta se cierra.

Iniciación a la trompeta

Colocación de la embocadura

Colocar la boquilla sobre los labios en una

actitud relajada, como si se pronunciara la
sílaba “bus”, y permitiendo que el aire circule lo
más naturalmente posible. Evite el escape por
los costados. Los labios deben ser colocados de
tal manera que el aire no se disperse por fuera
de la boquilla. De igual forma usted no debe
tensionarlos demasiado pues estaría realizando
un esfuerzo inútil que podría cansarlo y no darle
flexibilidad a la técnica de embocadura.

Músculos faciales

La máscara fisiológica o facial es el conjunto de músculos que rodea la boca

partiendo de la base de la nariz, la cual debemos saber usar sin producir fuerzas
excesivas.

La lengua actúa como un articulador del

movimiento del aire. Su función es ayudar al
aire y a la embocadura para obtener una
articulación clara y controlada. Debe tener un
movimiento libre y sin ninguna tensión.
Igualmente debe interaccionar sobre la
columna del aire, sin interrumpir su
movimiento y preferiblemente empleando la
sílaba “da”.

Para una mayor facilidad en la colocación de la boquilla y una mejor emisión de

sonido se recomienda que los dientes tengan una buena conformación. Cualquier
deformación causará problemas en el desarrollo de la sonoridad y en el trabajo de
articulación. Los dientes superiores e inferiores deben estar ligeramente separados
permitiendo que el aire pase a través de ellos.

Tipos de mordida

Es importante que los dientes estén bien

formados, en buena salud y completos. Es
preferible que los incisivos superiores e
inferiores estén alineados los unos frente a
los otros para tener una embocadura más
nivelada. En tal caso dependiendo del tipo de
mordida que la persona tenga se harán las
correcciones que sean necesarias.
Los labios

Cualquier tipo de labio es apto para tocar la trompeta, siempre y cuando esté en
perfectas condiciones de salud. Los labios deben
estar ligeramente separados en su sección
central y ayudando a la producción del sonido,
como consecuencia del choque del aire, al pasar
por el medio de ellos haciéndolos vibrar. Es esta
vibración la que transmitida por la boquilla a la
trompeta hace vibrar el aire contenido en ésta
con el resultado directo de la producción del
sonido.

Problemas más comunes relacionados con la embocadura

• Labios deformados.

• Falta de la dentadura anterior.

• Movimiento excesivo de la mandíbula.

• Demasiada presión de los labios sobre la boquilla.

• Apertura exagerada de los labios.

• El uso exagerado de los músculos faciales, que generan

problemas de flexibilidad en la embocadura.

• Inflar excesivamente los músculos bucinadores

(cachetes).

• Demasiada presión de los labios del uno contra el otro.

• Tensión de la lengua.

• Dientes muy apretados.

• Mala formación de la dentadura.

Producción del sonido

Principios básicos

El factor determinante en el sonido y su emisión es el aire. El soplo debe ser amplio,

sostenido, sin uso de la lengua para no producir interferencias negativas. Se puede
iniciar el proceso directamente con el instrumento, si se quiere. Si no se posee un
instrumento propio se puede ejercitar con una manguera del diámetro del tudel en
el cual se coloca la boquilla. Esto con el fin de practicar la sensación de vibración de
los labios al paso del aire. Recuerde la sílaba “bus” al colocar la boquilla sobre los
labios, para permitir que el aire pase por el medio de ellos, hasta que éstos entren
en vibración. No pierda la velocidad del aire una vez el sonido empiece a vibrar en el
instrumento.
Registro

Se recomienda iniciar en los primeros cinco tonos del registro medio del Do (1) al
Sol (1). Con ejercicios cromáticos se puede ir trabajando esta parte, bajando por
grados conjuntos, utilizando las siete posiciones. Se recomienda iniciar en una
dinámica forte natural sin forzar la sonoridad.

Problemas más comunes con relación al sonido

• No mantener la columna de aire constante.

• No identificar los sonidos usando posiciones de pistón que no corresponden.

• No controlar el soplo por la expectativa y la emoción del sonido que se va

formando.

• Excesiva tensión corporal y de los labios.

Principios acústicos de la producción del sonido

El sonido se produce por vibración de los cuerpos sonoros, esta

vibración forma ondas sonoras que son percibidas por nuestros
oídos al ser transmitidas por el aire. Para obtener sonido en la
trompeta se precisa de:

Un medio transmisor que es el aire. Una fuente vibratoria que

son los labios. Un aparato amplificador que es el tubo del
instrumento y la caja torácica del instrumentista. Un sujeto
receptor que es el auditor o el público y el tacto mismo del
trompetista que percibe de esta manera las vibraciones en sus
manos.

Factores de la emisión

Los principales factores que intervienen en la emisión del sonido son los siguientes:

- Movimiento y recorrido del aire.

- Vibración de los labios.

- Vibración ondulatoria dentro del instrumento la cual produce el sonido.

Velocidad del aire

El tema del aire es imprescindible cuando de instrumentos de viento se trata.

Generalmente este tema se aborda con diferentes puntos de vista, pero en general
hay acuerdo en que sin una buena técnica sobre el uso correcto del aire no se puede
tocar eficientemente un instrumento de viento. La velocidad del aire se relaciona
con los registros. A mayor velocidad se pueden obtener las notas agudas, también
se puede tocar más fuerte, y viceversa, a menor velocidad se tocan las notas graves
y se obtienen sonidos más suaves.

Apoyo

Durante la inhalación el diafragma se mueve hacia abajo y se expande, al igual que

la cintura y la caja torácica que se abren para dar espacio a los pulmones
permitiendo que se llenen a su máxima capacidad. El aire entra rápidamente.
Durante la exhalación se proyecta el aire al
exterior de los pulmones y simultáneamente se
crea una presión por acción de los músculos
intercostales y los abdominales, que no permiten
que el proceso de salida sea instantáneo. Este
fenómeno es lo que se llama apoyo, el cual debe ser
controlado para así obtener una presión justa que
de cuerpo a la sonoridad. Esto permite trabajar
sobre todos los registros, variar las dinámicas,
tener buena afinación y variedad de timbres, en
una palabra, es la clave de una técnica segura y
confiable puesta al servicio de la música.

Boquillas

La boquilla se puede denominar como la parte más importante del instrumento;

podemos decir que es el alma del mismo, proporciona dirección y concentración a la
columna del aire, mediante su copa, así mismo capta las vibraciones de los labios y
las transmite a la trompeta. Se recomienda el uso de las siguientes boquillas para
los principiantes:

BACH 7 ó 7C • 11C4-7C YAMAHA • GIARDINELLI 7C • SHILKE 15B • BACH 3C •

GIARDINELLI 5C
Articulación

Es la acción de la lengua sobre el movimiento del aire. El movimiento de la lengua

para articular debe ir precedido del máximo de aire. Se recomienda la articulación
de la sílaba “Da” para comenzar. El ataque con lengua, consiste en dar un impulso
adicional a la columna del aire en el instante en que ésta entra a la boquilla, para así
poner en vibración la columna del aire dentro del instrumento. La pronunciación de
la sílaba “da” o “du” facilita la claridad de la articulación.

En caso de que sean varias articulaciones continuas, entonces se mantiene el aire y

el sonido, y se separa ligeramente con la lengua. La lengua debe estar muy flexible y
relajada, pero al mismo tiempo debe ser muy precisa al hacer la articulación.

Separada

Usando el “da” de manera más incisiva se

obtiene el stacatto.

Ligada

Emisión del sonido en forma continua atacando con la lengua solo la primera nota de
la frase. En el ligado, una sucesión de notas realizadas con un solo golpe de lengua
en la primera nota de la serie, permite realizar fraseos más flexibles y expresivos.
En las ligaduras se debe mantener la lengua abajo mientras se realiza la frase.

Portatto

Articulación intermedia entre stacatto y ligado. Articulación muy suave de la lengua

para separar. Se indica por puntos sobre cada nota y sobre ellos una ligadura.

En el portatto la lengua va con la sílaba “da” y se mantiene la columna de aire en

movimiento, sintiendo que las notas se separan ligeramente.
Dinámicas

Consiste en regular la cantidad de aire, en relación con la intensidad del sonido.

Lo que se recomienda al comenzar el estudio del instrumento, es procurar producir

un sonido pleno, sin preocupación excesiva por la dinámica. La idea es que el sonido
logre una dinámica entre o y que se trabaje con ésta por un buen tiempo hasta
que se consiga afianzar su sonido.

Lo que si se debe controlar desde el comienzo es que el sonido no sea demasiado

débil o excesivamente fuerte, sino que logre un equilibrio y sobre todo que busque
la mejor entonación posible.

Lo que permite el cambio del matiz es la variación del apoyo y la velocidad del aire,
los cuales aumentan en el piano con el fin de sostener la vibración de las notas y su
afinación.

La intensidad f o p dependen de la amplitud del sonido la cual corresponde a la

velocidad del aire. A más velocidad, más fuerte será el sonido y a menos velocidad
más suave será el sonido. A medida que la velocidad aumenta o disminuye, se
presentan las siguientes secuencias:

Aumenta (Crescendo) pp, p, P, F, f, ff

Disminuye (Decrescendo) ff, f, F, P, p, pp

Reguladores

Son las graduaciones propias de la intensidad del sonido. A

través de ellas son conducidas de manera musical las diferentes
intensidades del sonido. El instrumentista debe pasar por las
distintas dinámicas sin que la afinación cambie y sin alterar la
calidad del sonido. Para obtener un buen crescendo deberá
aumentar gradualmente la velocidad del aire y al contrario, un
decrescendo, disminuir la velocidad y subir la presión del apoyo
para mantener la afinación y la altura del sonido.

Acentos

Son exageraciones o marcaciones súbitas en la articulación de ciertas notas dentro

del discurso. Pueden ser de carácter rítmico o expresivo para dar así relieve a una
idea musical. El resultado de una interpretación es responsabilidad del ejecutante.
Para obtener la mayor claridad en la realización musical el intérprete debe tener
claro el uso de las variedades de acentos y efectos similares. Esto da más interés a
la pieza y permite al auditor tomar consciencia del discurso musical. Algunas de las
indicaciones más usadas son:

Además existen las notaciones de los compositores

contemporáneos las cuales normalmente son incluidas en
las partituras y son explicadas por los autores mismos.

Vibrato

Es una fluctuación de la frecuencia del sonido utilizada para dar mayor expresividad
a ciertos pasajes musicales y variar así el interés musical de una frase. Requerido o
no por los compositores, debe ser utilizado con moderación y buen gusto de
acuerdo a los requerimientos de la obra musical.

Afinación

En su totalidad depende del manejo del aire, del control de la

embocadura, de una manera sensible de escuchar y de la
construcción del instrumento. Aunque se considera como la
discusión entre la afinación temperada (afinación de hoy día), la
afinación pura (sistema de escalas mayores y menores) y la
serie armónica (usualmente se refiere a un acorde con su estructura tonal natural).

Todos los instrumentistas de metales tienen que relacionarse con los problemas de
afinación derivados de la serie armónica y los tonos abiertos “overtones”, la cual es
diferente a la afinación de los pianos, que tienen escalas temperadas.

Contando desde la nota fundamental que es la número 1, la 5ta es baja, la 6ta es

alta, la 7ma es extremadamente baja, la 11va es aproximada en afinación, la 12ava
es alta, la 13ava y la 14ava son aproximadas en afinación.

La construcción de los instrumentos juega un papel importante

en la afinación. Por ejemplo, la primera y segunda válvula son
generalmente altas en afinación y la tercera válvula está
construida baja, además del tamaño de las bombas de afinar.

Algunas combinaciones en el instrumento tienen las siguientes

tendencias:

1 y 2 válvulas en combinación - levemente alta

2 y 3 válvulas en combinación - moderadamente baja

1 y 3 válvulas en combinación - muy alta

1, 2, 3 válvulas en combinación - extremadamente alta

Este problema de afinación con el instrumento se
puede manejar manualmente, halando las bombas de
afinar de la primera y tercer válvula.

Cada ejecutante deberá encontrar la forma más

adecuada para ajustar y acomodarse a su instrumento.

Se recomienda estudio del solfeo, por ser un gran

ejercicio mental y un medio para mantener la relación
de los intervalos y las tonalidades.

Afinación en el grupo

Labor esencial de un instrumentista es tocar en un grupo lo más afinado posible. Los

músicos deben estar afinados con ellos mismos y con otros músicos. Muchas
agrupaciones usan diferente afinación, desde el La de 440 hasta el La de 442. Por
esto el ejecutante debe tener una afinación flexible en situaciones de ensambles.

No se debe insistir en que “yo” tengo la afinación más acertada.

La afinación en grupos tiene cambios constantes, por esto hay que estar siempre
alerta auditivamente y disponible para ajustar con un compañero músico.

Hay muchos factores que pueden ayudar a que la afinación sea variada. Factores
como la temperatura y la altura tendrán un papel importante.

Es aconsejable hacer ejercicios de notas largas y unísono para que el estudiante

tenga la oportunidad de calentar bien el instrumento y escuchar a sus compañeros

Siempre antes de comenzar a tocar recordarles sobre los conceptos de sonido,

ataques, ritmo y manejo de aire, creando buenos hábitos.

El trabajo de equipo es mutuo y debe corresponder a un parámetro de generalidad.

Se requiere que por lo menos todos los instrumentos empleen las mismas posiciones
para asegurar mejor afinación.

Debe procurarse crear conciencia de oír a los demás músicos y comprender el

sitio armónico de su línea.

El balance se consigue analizando el trabajo en sección para entender la

funcionalidad de las voces y poder ajustar balance con afinación, teniendo en cuenta
la idea de apoyarnos mediante la interacción.

Si no puede conseguir, ya elaborado, material didáctico hacia la afinación en el

grupo, es preciso usar la iniciativa del director para diseñarlo.
Diferenciación en los sonidos y papel que juegan los metales dentro
de un grupo

Para poder obtener una mejor mezcla y afinación en un grupo de cobres, banda y
orquesta, el instrumentista deberá saber cuál es su papel, melodía,
acompañamiento, armonía, etc.

Por lo general dentro de las bandas y orquestas los metales tienen la función de
acompañamiento. En esta instancia si tocamos fuera de contexto habrá pérdida de
afinación y ensamble.

Los metales son usados de la siguiente forma:

- Como una unidad homofónica, donde van en unísonos y en octavas dando un color
de profundidad y obteniendo un sonido poderoso.

- En una forma melódica ya sea solos, en combinación con otros instrumentos o solos
con toda una sección. En este caso, mientras más personas intenten tocar en
unísono fuerte un pasaje agudo, más difícil será lograr una buena afinación.

El uso de los metales de una manera climática es uno de los elementos más usados
por los compositores, dándole a una obra un sonido peculiar, lleno de claridad, color
y añadiendo un ambiente de grandeza a la música.

Con una escritura contrapuntística, los instrumentos de metal se pueden destacar

tanto individual como seccionalmente, ya sea en un efecto de fuga con un
instrumento solo o añadiendo instrumentación hasta usar grandes secciones de
metales.

Otra utilización de los metales es en el Jazz y en nuevas técnicas de composición,

creando efectos con sordinas, acentos y todos los recursos disponibles para el
compositor.

Teniendo un amplio conocimiento de los usos y posibilidades que tienen los

instrumentos de metal dentro de una agrupación, se hace más fácil entender su
papel dentro de una composición y se constituye en una ejecución más clara y
precisa.
Bueno, con eso concluyo mi trabajo, espero que haya sido de su agrado. Me tomó
mucho tiempo investigar todo esto, pero fue beneficioso porque aprendí bastante
acerca de la Trompeta.

Paz y bien.

Oscar Iriarte Palacios 4to “A” Secundaria.

Puede ser necesario el uso de un apoyo para tener las manos libres para tocar.

Postura del arco

Desplazamiento del arco:
El arco debe deslizarse en forma paralela al
puente, entre éste y el mástil. Es recomendable
desplazar el arco un poco inclinado hacia el mástil
como muestra la figura.

Movimiento del arco:

Para el movimiento del arco debemos imaginar que nuestro codo es un eje estático,
sólo moveremos el antebrazo, muñeca y la mano mientras
lo deslizamos, recordar el codo y el brazo permanecen
estáticos.

Movimiento del brazo:

El brazo se mueve muy poco, la mayor parte lo hace el
antebrazo y la muñeca para formar una especie de
extensión del arco. No levantes mucho el brazo, a lo
mucho unos pequeños grados necesarios (imagina que
no te has echado desodorante).
Registro del Violín

El registro del violín va desde SOL2 hasta donde la cuarta cuerda pueda tocar,
depende de la calidad del instrumento y de la habilidad del ejecutante. La mayoría
de violines llegan hasta LA6 sin problemas, sin embargo hay otros que incluso llegan
hasta RE7, en realidad depende de la longitud y posición del mástil, así que en
promedio, se diría que llega hasta DO7, igual que la nota más alta del piano.

Notas en el violín

Las cuerdas del violín se afinan en SOL2, RE3, LA3, MI4. Los violines comunes no
tienen trastes como las guitarras, y creo
que la razón es porque los espacios para
las notas están muy cercanos, aún así los
espacios se agrandan estando más arriba
del mástil, quizás ahí si se podrían poner
unos cuantos trastes, pero no sería
práctico si queremos aprender a tocar
bien en todas las posiciones.

Como se observa, cada cuerda tiene su

propio registro, así que tenemos muchas
posibilidades para posicionarnos en las
notas. La imagen muestra las cuatro
cuerdas y el lugar donde sintoniza cada
nota, están en ese orden, no se tienen
distancias específicas, así que lo mejor es
usar el oído para determinar la posición
exacta de las notas, recordar que el violín
no es un instrumento en el cual las notas
son fijas, como en un teclado, sino que
nosotros somos los que afinamos y
producimos las notas todo el tiempo.
Para empezar, tocaremos las primeras notas, en la primera posición, reemplazaremos
el nombre de los dedos con números, por ejemplo, la escala de Do mayor, es decir,
solo las notas naturales. Como verás la posición de los dedos cambia en cada cuerda,
hay que tener en cuenta donde están las notas naturales y los sostenidos.

Solo queda empezar a ensayar, tocando las notas en escalas y

practicar temas, no hay más teoría en esto, solo práctica.

Práctica
Para practicar con buenos resultados no se recomienda hacerlo durante más de 45
minutos seguidos; por lo que conviene tomar un descanso unos 10 minutos, y después
continuar durante otros 45 minutos.. Tocar el violín seguido es bastante cansado, en
especial cuando se empieza a aprender. Por eso, se debe parar en el momento mismo
en que se nota cansancio ya que la posición adecuada para tocar bien no es natural
para el cuerpo, además, hay que permanecer en esa posición si se quiere obtener
resultados.
Si se puede dedicar una hora y media al día, dividida en dos sesiones, se sorprenderá
del progreso seguido: encontrará completamente natural él tomar el violín con una
mano y el arco con la otra, colocar el instrumento bajo la barbilla en su posición
correcta y empezar a tocar.
Una vez preparado para practicar, tiene que saber que es lo que va a practicar. Lo
mejor (aburrido como pueda ser para usted y fastidioso para su familia y, quizá,
vecinos) es tocar escalas. Debe hacerlo para aprender dónde están las notas y cómo
tocar afinadamente: hoy en día esto es mucho más fácil que antes. Lo más
conveniente es preparar una pequeña grabadora junto a usted, ponerla en marcha y
tocar una escala. Entonces, escúchese y juzgue lo bien (o mal) que lo ha hecho. A
partir de aquí, puede corregir sus defectos y empezar afinadamente
Con este método, su oído se pule y aprende a escuchar.
Su oído le ayudará a buscar el sonido exacto de la nota según su dedo la pisa en la
cuerda sobre el mástil.
Muy pronto descubrirá que una nota no suena necesariamente afinada por el hecho
de pisar la cuerda con un dedo después de otro. Tendrá que aprender a ajustar la
afinación y a asegurarse de que separa las notas con el intervalo correcto.
Todo esto puede sonar complicado, pero no lo es en realidad, porque lo único que
necesita es usar su «oído» cuando toca las notas de forma que reconozca
rápidamente cuándo no toca la nota correcta para poder corregirla.
Bueno, después de haber efectuado estas ligeramente complicadas maniobras sobre
el violín, podemos asumir que ha aprendido la diferencia entre tocar con los dedos
tonos o semitonos ayudado por su oído, las fotos y los diagramas. Así que
¡enhorabuena!: ha completado su primera escala sin haberla tocado en realidad.

El violín es uno de los instrumentos más difíciles de tocar, porque hay que tener
muchas cosas en consideración: colocar los dedos en el lugar exacto sin ninguna
ayuda en absoluto por parte del instrumento entre ellas. Para ejercer la presión
adecuada con el arco, se puede presionar un poco con el dedo índice de la mano
derecha, aunque diferentes violinistas usan diferentes dedos para conseguirlo.
Si se toca con el arco en otra posición que la correcta, se puede producir una
especie de silbido, en particular en las cuerdas al aire, porque hay un armónico
natural que puede sonar si el arco no frota la cuerda en la posición correcta
exactamente, o con la presión adecuada.
Para finalizar, recordar que la perseverancia es la clave del éxito, mientras más
practiques el violín mejor lo tocarás, se empieza de poco en poco como ya lo
mencioné, primero escalas y reconocimiento de notas para luego entrar a cosas más
complejas y al final terminar tocando como los violinistas de las sinfónicas. Lo que he
explicado está de mejor forma en videos a través de youtube, hacer este trabajo
fue realmente interesante, aprendí mucho.
Una canción en la que se aprecia la belleza del sonido del violín es “Love’s Theme” de
Barry White, la súper recomiendo, es simplemente magnífica.

Gracias y bendiciones.

Oscar Iriarte Palacios 4to “A” de Secundaria

www .
cticas

Para practicar con buenos resultados no se recomienda hacerlo durante más de

45 minutos seguidos; entonces conviene descansar unos 10 minutos, y después
continuar durante otros 45 minutos.. Tocar el violín seguido es bastante
cansado, en especial cuando se empieza a aprender. Por eso, se debe parar en
el momento mismo en que se nota.cansancio. ya que la posición adecuada
para tocar bien no es natural para el cuerpo, . además, hay que permanecer
en esa posición si se quiere obtener resulta:: (vuelva a mirar la foto de la
página 14).

Si se puede dedicar una hora y media al día, dividida en dos sesiones, se

: prenderá del progreso seguido: encontrará completamente natural el
tome- - violín con una mano, el arco con la otra, colocar el instrumento
bajo la ba:-: - en su posición correcta y empezar a tocar.

Una vez preparado para practicar, tiene que saber qué va a practicar. Lo rr =
(aburrido como pueda ser para usted y fastidioso para su familia y, quizá, vec·-
:.: es tocar escalas. Debe hacerlo para aprender dónde están las notas y cómo

www .
 :=
afinadamente: hoy en día esto es mucho más fácilque cuando yo empecé a :::e:.
Lo más conveniente es preparar una pequeña grabadora junto a usted, po-:
en marcha y tocar una escala. Entonces,escúchese y juzgue lo bien (o ma
lo ha hecho. A partir de aquí, puede corregir sus defectos y empezar a
afinadamente. Con este método, su oído se pule y aprende a escucha·r.

26

www .
 Su oído le ayudará a buscar el sonido exacto de la nota según su dedo la pisa
en la cuerda sobre el mástil.

Muy pronto descubrirá que una nota no suena necesariamente afinada por el
hecho de pisar la cuerda con un dedo después de otro. Tendrá que aprender a
ajustar la afinación y a asegurarse de que separa las notas con el intervalo
correcto.

Todo esto puede sonar complicado, pero no lo es en realidad, porque lo único

que necesita es usar su «oído» cuando toca las notas de forma que
reconozca rápidamente cuándo no toca la nota correcta para poder corregirla.

Bueno, después de haber efectuado estas ligeramente complicadas mªniobras

sobre el violín, podemos asumir que ha aprendido la diferencia entre tocar con
los dedos tonos o semitonos ayudado por su oído, las fotos y los diagramas. Así
que, nuestra enhorabuena: ha completado su primera escala sin haberla tocado
en realidad.

Empezando a tocar

El violín es uno de los instrumentos más difíciles de tocar, porque hay que tener
muchas cosas en consideración: colocar los dedos en el lugar exacto sin
ninguna
. ayuda en absoluto por parte del instrumento entre ellas. Para ejercer la
presión adecuada con el arco,se puede presionar un poco con el dedo índice
de la mano derecha, aunque diferentes violinistas usan diferentes dedos para
conseguirlo.

Si se toca con el arco en otra posición que la correcta, se puede producir una
especie de silbido, en particular en las cuerdas al aire, porque hay un armónico
natural que puede sonar si el arco no frota la cuerda en la posición correcta
exactamente, o con la presión adecuada.

La escala de G (Primera posición)

Bueno, vamos a empezar a tocar en una cuerda. Digamos que se inicia en la

cuerda G y que comienza a tocar la escala de G mayor. Primero se toca la cuerda
G al aire, el primer dedo que la pisa da A, el segundo B, y el tercero C. Ahora
bien, para la siguiente nota, que es D, se puede hacer una de dos cosas: puede
pisar con el cuarto dedo en esta misma cuerda en G, o puede tocar la siguiente
al aire,que es la cuerda en D. Yo diría que lo mejor es usar el cuarto dedo, porque
es el más débil, y cuanto más lo use más se fortalecerá; por otro lado, la cuerda
D al aire puede no estar afinada con precisión. Y otra cosa que es necesario
recordar es que las distancias entre un dedo y otro cambian: entre la cuerda G
al aire y el primer dedo, no hay problema, porque lo aprende y ya está, y la
siguiente nota va separada un tono completo,pero la siguiente de la B o sea, la
27
.....J
C, va separada un semitono, así que entre el tercer dedo y el segundo la
distancia es más pequeña que entre el segundo dedo y el primero. Después de
tocar C con el tercer dedo, usted quiere usar el cuarto dedo para tocar D en la
misma cuerda en
G. Esto supone un tono completo (equivalente a dos semitonos), así que la
distancia entre estas dos notas es mayor que la distancia entre las dos notas
anteriores. (Estudie de nuevo las fotos de las páginas 22 a 26).

1 -AI aire- -1- -2- -3- --4-

Toque cada nota como una nota larga y separada. Toque usando el arco en toda
su longitud, manteniéndolo centrado y con la misma presión mientras- dura la
nota.
De la misma forma que ha tocado en la cuerda G, toque ahora la cuerda D.

,. g o u

!-Al aire- ! -1- -2- -3- --4-

Ahora, la cuerda en A.
u
o

1 -A I aire-I -1- -2- -3- --4-

Finalmente, la cuerda en E.
o

1 -AI aire- I 1 -1- -2-

Los movimientos del arco

Vamos a usar las iniciales d.a. para indicar cuándo el arco toca hacia arriba, o
sea, en dirección ascendente, y d.d. cuando toca en dirección contraria, o sea,
en dirección descendente, como muestran las fotografías de la siguiente
página. Naturalmente, cuando es necesario, no se recorre las cuerdas con toda
la longitud de arco,desde el talón hasta la punta y viceversa, sino que se toca
en recorridos más cortos o más largos según lo exija el «tiempo» de la pieza que
se esté tocando.
En las partituras de música, esto se indica por medio de ligaduras cubriendo
el número de notas que se han de tocar con un movimiento de arco, sea en
dirección ascendente (d.a.) o descendente (d.d.).

28
'f2ff f
Estas direcciones se indican en la música escrita para violín con estos dos signos:

V
Dirección ascendente Dirección descendente

...., '"\

•
"

'9t """
\ y
\
\
\ "" ... -1..

'
'

Si no se indica otra cosa, toque alternativamente en d.a. y d.d.,después de

seguir la indicación expresada para la primera nota.

Según se va familiarizando más y más, el violinista puede decidir que una

pieza en particular podría sonar mejor adaptando los signos indicadores del
arco a su propio sentido de fraseo.

Ahora intente tocar la escala de G completa.

La escala es ascendente, cada nota una longitud de arco, empezando en d.d.

,
d.d. d.a. d.d. d.d. etc.
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Ahora la escala es descendente.

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1 4
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29 .

www. FreeLibros.me
www. FreeLibros.me
 ::>espués de practicar las escalas, puede progresar tocando arpegios, en la
misma posición (primera). Para hacerlo, tendrá que aprender gradualmente a
cruzar las cuerdas en una longitud de arco bien sea en d.a. o en d.d.,sin que se
detecte una diferencia de tono. Los dedos cambian, y para practicar los
arpegios puede em pezar con una longitud de arco completa por nota, hasta que
pueda ligar las notas
·y tocar tres o cuatro por pasada de arco. Primero es mejor aprender la escala de
G muy bien, y entonces intentar el arpegio. Toque las cuatro primeras notas y
pase a la siguiente octava, todavía tocando en primera posición. Para tocar los
arpegios,es más fácily más segura una nueva entonación si se tocan al aire, las
cuerdas que correspondan a menos que esté tocando una pieza muy lenta en
cuyo caso el sonido es mejor no usando las cuerdas al aire para garantizar la
entonación.
Así es como se escribe musicalmente.
Cuerda G

f
Al aire Cuerda D Cuerda A ---,
Cuerda Cuerda G al aire Cuerda D Cuerda E
o
e
Arriba M 6 6

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Digitación o 2 o 3 1 3 2

f#
Cuerda Cuerda E Cuerda A --, Cuerda Al aire Al aire
Cuerda Cuerda G Cuerda
o D G
D Abajo o e
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Digitación 2 3 1 3 o 2 o

El arpegio en G.

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G Al aire G Ab A A# Bb B e C# /Db D
Comienzo 0----------- 2 _t

30

www.
 Ahora es un buen momento para tocar la escala y el -arpegio, en lugar de
intentar una melodía simple después de la escala solamente. Al practicar escalas
y arpe gios en G en diferentes recorridos de arco, se empieza a saber lo que es
tocar el violín.

Después de aprender a tocar la escala y el arpegio de G, en primera posición,

pase a tocar la siguiente escala, la de A. Ahora va a tocar la escala de A, otra
vez en dos octavas, en la primera posición.

La escala de A

o
La escala ascendente
#ulo V

# n o ()

o o
o # º
e
1 e u 1 1 1 3
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La escala descendente o o # n o
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G Al aire G . Ab A A# Bb B e C# /Db D
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 Este es el arpegio de A, ascendente y descendente
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Cuerda A
Cuerda A Al Aire
Cuerda E
Cuerda E
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Arriba
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Abajo Cuerda E Al aire Cuerda A Al Aire Cuerda D Cuerda G
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G Al aire G# A b A A # Bb B e e# 1ob o
o Comienzo 1-------------- 3 _j
Puede hacer una escala más en la primera posición. Es un sí mayor más
difícil, tiene cinco sostenidos y lo incluímos aquí para completar la primera
posición. Esta clave es muy del gusto de los instrumentistas consumados.

32
 La Escala de B

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Plano de la escala de B
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G Al aire A A# Bb
Comienzo 2
B J C C# /Db D

Practicar con escalas y arpegios es la mejor forma de aprender las posiciones y

la notación musical. En la página 65 encontrará una lista de las escalas y
arpegios más frecuentes. Verá también que hay escalas menores. Debido a su
construcción diferente, algunas veces hay que añadir sostenidos, bemoles y
becuadros. Aquí hemos usado la escala menor conocida por el nombre de
«melódica menor».

Escalas mayores y menores

Compare las diferentes estructuras de las escalas siguientes: una es en C

Mayor, y la otra su relativa A Menor:
C MAYOR Semitono u
'e Tono Tono Semitono Tono Tono U
8
Tono

0 6
0 6

4
A MENOR Tono Semitono Tono
Tono Semitono Tono o
()
Tono o
&
34 Las escalas menores aparecen en la Sección de Escalas que empieza en
la página 65. _,/
Plano de la escala de A Menor (Todas las notas en primera posición}
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1 2 - 3 Final

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G Al aire G# Ab A C# /Db D
Comienzo ---.. 2- -3 4-
El valor de l as notas
La duración de las notas se expresa por medio de su apariencia.
J
JJ1
La nota más común es la NEGRA Esta nota se puede dividir en dos
se llaman
iguales que se llaman CORCHEAS} }(o o en cuatro notas iguales que

BLAN CA J, J))) ( Jj jjo jffl ).

SEMICORCHEAS
y dos BLANCAS
compás de cuatro negras.
forman una
Dos NEGRAS forman una
REDONDA
El siguiente diagrama muestra las correspondenci aso.
entre ellas, a partir de uñ

SEMICORCHEA:
J=j=J JjJ JjJ J J jJj
=j
J J J J J
n
CORCHEA : 1

r-l
or
' 1 2 3 4 1

NEGRA:

BLANCA: J Dura dos negras (tiempos)! d Dura dos ngras (tiempos}

1
Dura cuatro negras (tiempos):
REDONDA: o '
Las corcheas y las semicorcheas se pueden agrupar en diferentes combinaciones,
en las que cada grupo vale una negra, por ejemplo,

n J J j j m !J. j
35
 A veces el tiempo que dura una negra se divide en tres notas que se llaman
tresillos; pueden ser tres corcheas que duran una negra, o tres negras que duran
una blanca, o tres blancas que duran una redonda. O sea:

3 CORCHEAS unidas con el número 3 sobre ellas: m

r--3 ----, va en igual que una
l

NEGRA 1

" .--J-.
3 NEGRAS con un tres sobre ellas: J J J valen igual que una BLANCA J
¡-3-....,
!L NCAS con un tres sobre ellas: d d d valen lo mismo que una REDON-

El siguiente esquema muestra los valores de los tresillos correspondientes a un

compás de cuatro NEGRAS:

NEGRAS:

TRESILLOS DE CORCHEA:

TRESILLOS DE NEGRA:

TRESILLOS DE BLANCA:

Una nota seguida de un punto indica que su duración aumenta en la mitad:

). Jugada a) J. J
Ligada ª•
'----'
....
1 J... .
L igada
.a.,) 0 •
...L. igada
a c
0
..,
Las líneas curvas que se ven en los ejemplos anteriores se llaman
ligaduras indican que las dos notas que unen suman sus valores respectivos.
'36

www. Freelibros. me
 Al comienzo de toda música escrita, aparece un signo llamado CLAVE. En las

partituras para violín sólo se usa esta clave ( ).Inmediatamente después de la

clave, hay dos números,uno encima del otro, por ejemplo, i·. El número de arriba

,
indica el valor de cada tiempo. El cuatro indica una NEGRA, así que cuatro
NEGRAS se expresan así y 3 NEGRAS así .
El dos indica una BLANCA, así que 2 BLANCAS por compás se indican así: .

El ocho indica una CORCHEA, así que 6 CORCHEAS se expresan así: .

En el siguiente cuadro verá algunas de las formas en que pueden agruparse las
notas en los diferentes compases.

4 NEGRAS 3 NEGRAS 6
POR POR CORCHEAS
COMPAS COMPAS POR
COMPAS

J J J J J J J § ITi m
iJ J J J J J.
§ J.
iJ J J J nJ )J )
J
4 J d J. ) J
4 6J )JJJ
8
iJ n J n §J JJJ )
n n § j J9J j JJ
Los SILENCIOS se escriben así:

iJ. ) ff.J J ) )
J - - '1 -
1

4 se escribe algunas veces

J = -- o - .....
4 37

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La tercera posición

Después de la primera posición, viene la segunda, pero es la más difícil. En

realidad, se usa rara vez: en ocasiones puede ser necesaria para tocar unas
pocas notas con las que se cruce en una pieza musical de vez en cuando. Si
es posible, se evita oor completo, porque la afinación en esta segunda posición
es muy difícil Y comprobará que incluso violinistas con experfenc1·a pfóéüfáñ
é\í({áfa.

í que pasaremos a la tercera posición, que empieza en la nota C, en la cuerda

Todas las notas en la tercera posición. Cuarto dedo

extendido
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38
 Practique tocando las escalas y los arpegios en sus varias posiciones, hasta
el momento en que, a fuerza de practicar, aprenda dónde está exactamente
cada nota en el violín, de forma que podrá colocar los dedos sobre una nota
determi nada automáticamente, porque ya sabe dónde está dicha nota.

Algunas veces una pieza musical puede empezar con una nota alta y, quizá, en
una de las posiciones menos practicadas. En esas ocasiones, usted tiene que
saber dónde poner el dedo en su posición correcta, sin tener que recurrir a
pulsar suavemente la cuerda para averiguarlo. Y esto sólo se consigue con
práctica.

esta es la escala de C

i:I e Q .o. e

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D e
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La escala de D

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40
Plano de la escala de D.Todas las notas en tercera posición.

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Comienzo 2 4 -

Más sobre el uso del

arco

Después de haber practicado todo esto, ya puede aprender a tocar dos notas
seguidas con una sola pasada de arco. En otras palabras, a unir las notas de la
escala de dos en dos. O sea, empiece tocando la cuerda G al aire con media
pasada de arco y, entonces,ponga el dedo primero sobre la cuerda para tocar
A con la segunda mitad del arco. De este modo se toca lo que llamamos
un legato, sucesivas notas ligadas. Practique esta forma tocando las escalas
ascendentes y descendentes.

Después de ligar dos notas,la idea es ligar tres notas. Pero lo más importante
es ser muy diligente y hacer prácticas tan frecuentemente que, el tomar el
violín, ponerlo en posición correcta, tomar el arco y empezar a tocar, se
convierta en algo perfectamente natural para usted. Es como cuando un niño
pequeño aprende a escribir: nunca ha escrito hasta ahora, nunca ha sostenido
un lápiz, nunca se ha sentado delante de un papel en blanco -igual que usted
antes no había tocado un violín o había leído música. Entonces,el maestro
escribe una A en el tablero, y el niño intenta copiarla en su papel,de la misma
manera que usted lee la nota

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 en la pieza musical o intenta tocarla en el violín. Al principio el niño no hará
una A muy bien hecha, ni usted producirá un sonido perfecto. Pero pronto
mejorará, y el niño pasará, a la siguiente letra, y usted a la siguiente nota.
Gradualmente usted tocará notas separadas con mayor soltura, y el niño
escribirá letras aisladas muy bien. Y entonces llega el momento de gozo: para
él, escribir «de verdad» . De hecho, es un proceso muy similar.

* Toque de nuevo la escala de G, esta vez tocando dos o tres notas en una
sola pasada de arco.
Practique primero tocando dos notas por arco descendente (d.d.) y ascendente (d.a.).
d.d. d.a. etc. o

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Ahora toque tres notas por arco ascendente (d.a.) y descendente (d.d.).
d.d. d.a. etc.

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d.a. d.d. etc.

º ,
s :>' s

* Practique de esta forma todas las escalas y todos los arpegios.

Encontrará que en las secciones Melodías para tocar (pág. 53) y El primer
reper torio (pág. 77), los movimientos del arco están indicados.
Veamos ahora el método para tocar con el arco, notas repetidas. Para tocar estas
notas rápidas hay que hacer «rebotar» el arco ligeramente en cada una de ellas.
Este tipo de notas se conocen por Spiccato y se indican en la música escrita para
violín con la abreviatura Spicc. Kreisler lo conseguía teniendo las crines de su
arco muy tensas, pero la mayoría de los violinistas prefieren no tener las crines
tan estiradas. Pero, una vez más, depende del estudiante: si él o ella producen
mejores resultados alterando la tensión de sus arcos, eso es lo que deben hacer.
spicc.
f 1J j j J° J j J j t t t r e e e r 1
43
dirección descendente \ d.d. 1 o ascendente·a.a.
cosa. Pero, para el estudiante que ya domina e
formas presentará problemas.
d.d. d.a. d.a. d.d. d.a.

'F
Cada nota en una
pasada de arco d.d.

V F
Tres notas en una
pasada de arco =: ir
-
•
.

= -- - 1

Cambios de posición

Se toca cambiando de la primera posición a la tercera en una cuerda, y entonces

se pasa a cambiar de la primera posición a la tercera en dos cuerdas.

Por ejemplo: toque B con el segundo dedo en la cuerda G; entonces cruce a

G (tercera posición) en la cuerda D usando el primer dedo. Mueva la mano
evitando deslizar el dedo.

Tiene que poner extremo cuidado en que este cambio de una posición a otra sea
inaudible.

Para obtener notas más altas, debe cambiar de posición en la cuerda E.

Mientras está aprendiendo, no necesita tocar notas mucho más altas en las
cuerdas D, A, y E. Después, cuando ya toca piezas, puede encontrar que las
notas altas suenan mejor tocando en la cuerda D o en la A, en vez de en la E. Es
posible que sean más adecuadas a la música que toca, y que le den la
oportunidad de producir un timbre diferente.

Para terminar esta sección, recordemos otra vez que la mejor manera de aprender
a tocar el violín es tocándolo con regularidad: con ello se familiariza con el
instrumento y, al mismo tiempo, fortalecerá sus dedos y sus brazos.

Intente tocar las melodías que empiezan en las páginas 53 y 77.

El vibrato

Hay dos métodos para tocar el vibrato sobre una nota que,por lo general,suele
ser larga. (En realidad,hay tres métodos, pero el tercero no se debe usar
jamás, y consiste en mover la muñeca hacia arriba y hacia abajo con gran
rapidez.) Así que, eliminada esta técnica, volvamos a los dos métodos
correctos. El primero

44
co-s ste e"' rrover so amente el dedo que toca la nota, pero cuidando que no
ca:nbie de posición en absoluto, pues,de hacerlo, produciría una nota
diferente. E. segundo es cuando todo el antebrazo, la mano y el dedo se
mueven como si eran uno. Lo más importante respecto al vibrato, es que hay
que mantener el dedo sobre la cuerda vibrada durante toda su duración,
moviendo bien el dedo o elantebrazo, mano y dedo (pero no muñeca). Esta
vibración se aprende a hacer
con la práctica.

El trémolo

Por regla general, el trémolo sólo aparece cuando se toca en la orquesta, y

consiste en mover el arco con gran rapidez arriba y abajo, bien en una nota, bien
en una sucesión de notas.Se suele efectuar el trémolo sobre una nota y,después
de cierto tiempo, se puede cambiar a otra, pero continuando con el trémolo. El
arco se mueve en una distancia cortísima y con mucha' ligereza: toda una
sección tocada con esta técnica produce el sonido característico del trémolo. Se
escribe así:

11

Trinos

Los trinos se suelen tocar en dos notas contiguas. Supongamos que quiere tocar
un trino en E o en F, en cualquier posición. Esto se obtiene pisando una nota,
generalmente la más baja de las dos,y moviendo el dedo que pisa la
siguiente nota consecutiva con gran rapidez. Se escribe así:
Ú ..,,_,..,_,. --"""""'""""
__.r.'\

o
º
El fraseo
11 11

El fraseo es algo muy personal. Si uno toca una pieza bien conocida, es
evidente que la mejor manera de realizarlo es hacerlo como si se estuviera
cantando la melodía, pero con el violín en lugar de con la voz. También se
puede copiar el fraseo que se ha escuchado en una grabación, a alguien
cantando o tocando la música en el violín. Pero lo que debe conseguir es
hacer cantar al violín. Fritz Kreisler fue el maestro más excelso en hacer cantar
a su violín,y tenemos la gran suerte de que nos han quedado grabaciones que
podemos escuchar . En la pági na 94,damos una corta discografía.

45
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5· e e- -..'"'a C '"C ...eS:a e --
; :_..-..
......
de1 arco, y todos os v:o
director de orquesta dirá alconcert:r:o c...e s::- =--==
de que todos los violinistas sigan el rn:s,..... o s-=-c r-:- _:c
-=- :.:
esta forma, la sección de cuerda puede tocar ce....... - a - -
=.

Sin embargo, para el solista el fraseo es algo purarrerie :Je'"So ...a· _a regla
de oro es que debe sonar agradable al oído, y que no se debe apa rta: oe.
ritmo en que está escrita la pieza: es necesario moverse dentro de los límites
impuestos por el tempo de la música que está tocando . Los más hermosos
fraseos dependen de una serie de matices. Pero recuerde siempre que tiene
que cantar a través del violín, que es un instrumento cantante y melódico,
no percusivo. Por eso, el violinista debiera siempre hacer cantar a su violín.

Dos escalas y arpegios más: E y F.

Para tocar la escala de E,toque la nota E en la cuerda G, con el segundo dedo:

esto le pone en la cuarta posición (IV) VE LA TABLA DE POSICIONES pág.

La escala de E.

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1 1 1

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El arpe
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f) o o
o

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g io de E.

2 4 1 4 2 4 3

Para tocar la escala de F, empiece con el segundo dedo sobre la nota F en

la cuerda G. Esto le dará la quinta posición (V). VEA EL CUADRO DE
POSICIONES.
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La escala de 3.• 4.• pos.
F. pos.
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2 1 1 2 1 2 34
El arpegio de .Q los mismos dedos en la
e cuerda a 4.• posición
F.

2 4

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Las escalas cromáticas

Las escalas cromáticas son las que se tocan en semitonos. Hay varias formas
de usar los dedos (digitar) para tocarlas.

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1 4 3 2 1 2 1 3 2 1 2 1 4 3 2 1 2 1

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0
Se puede empezar a tocar una escala cromática en cualquier nota. - t -

El pizzicato

Si tiene delante de usted notas en pizzicato,

antes de tocarlas debe seleccionar la primera
nota con los dedos de la mano izquierda. Para
rasguear las cuerdas, se usa el primer dedo de
la mano dere cha, al tiempo que ésta sujeta el
arco, porque con mucha frecuencia apa.recen
unos cuantos compa ses en pizzicato, pero
enseguida hay que tocar con arco otra vez.
Entonces se pisa la nota en cuestión con los
dedos de la mano izquierda, y se rasgue la
cuerda con la derecha sobre el mástil, no en el
espacio entre el puente y el comienzo del mástil.

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www. FreeLibros. me
 Claro que también hay piezas musicales que
son completas en pizzicato, como la «Polka
Pizzicato» de Strauss, la «Plink, Plank, Plunk» de
Leroy An derson,y «Silvia». En las páginas 86 y
87 encon- trará algunas de estas piezas.
Realmente son di vertidas de tocar y, si lo hace
bien, suenan agra dablemente.

También se puede tocar el pizzicato al estilo de la

guitarra. Para tocar una pieza entera en pizzicato,
ponga el violín bajo su brazo derecho y rasguee
las cuerdas con el pulgar de la mano derecha.

Esto es mucho más fácil porque no tiene que tener el violín sujeto con la
barbilla todo el tiempo en posición de tocar, y es más rápido. Puede descansar
un rato de esa posidón y, también resulta interesante el ver a un violinista
tocando el violín como si fuera una guitarra o un banjo.
En el concierto para violín de Elgar, hay un fragmento con una cadencia para el
solo de violín que parcialmente se acompaña del resto de la cuerda tocando en
pizzic ato con el violín en posición de guitarra-banjo, con lo cual se obtiene un
efecto de trémolo.
Se debe practicar el pizzicato porque, para tocarlo correctamente, tiene que saber
con exactitud en qué momento ha de sonar la nota. En otras palabras: tiene que
preparar el dedo con el que va a rasguear la nota y tocarla en el mismo momento
en que debe sonar.

Algunas piezas musicales se escriben para tocar con sordina: esto se indica en la
partitura poniendo «con sordina». Hay tantos tipos de sordinas que es muy difícil
decidir cuál es la mejor en términos generales. Lo mejor es que vaya a una tienda
especializada en instrumentos musicales con su violín, donde le mostrarán una
selección de modelos que usted podrá probar allí mismo, y elegir el que produzca
mejor sonido. Su objetivo es, en realidad, amortiguar el sonido.

Algunas sordinas se pueden incorporar al violín de forma que, cuando se

necesite, no haya más que deslizarla del cordal del puente.

Si tiene que tocar un solo y hay una

bella melodía repetida, puede tocarla
sin sor dina la primera vez, y con
sordina la se gunda, obteniendo así
una expresividad diferente. En un caso
así,no necesita es perar a ver la
indicación «con sordina» en la pieza,
sino que usted mismo deci dirá cuándo
usarla.

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Acordes posibles en el violín

Es posible tocar hasta un acorde de tres notas con el arco, simultáneamente,

pero no es frecuente tener que hacerlo. Es más frecuente encontrar acordes
de dos notas,por regla general, uno de sexta o uno de tercera (muy rara vez de
quinta, por las dificultades de entonación). Es interesante observar que no se
suele pedir a los violinistas,cuando tocan en la orquesta que toquen acordes
(dos notas a la vez). Cuando este efecto es necesario,lo que se hace es que un
grupo de la cuerda toca una nota, y el otro grupo la otra. Sólo tocando como
solista podría encon trarse de vez en cuando en ciertas piezas, con algún
acorde de tercera, de sexta o incluso de cuarta. Naturalmente, en la música de
cámara y en los cuartetos de cuerda pueden darse este tipo de acordes. En la
página 65 encontrará algunas escalas con acordes de dos notas.

Armónicos

Hay armónicos naturales que se obtienen tocando en la cuerda al aire: cuando

pone el tercer dedo sobre la cuerda G, pero sin pisarla, sólo tocándol a
levemente con el dedo, y pasando el arco como de costumbre , obtiene el
armónico de G. Lo mismo pasa con la cuerda D. Estos son armónicos
naturales en primera posición. o o o o
1-,.....,.,.__-_-_-___-__3::: __3__ ...,...) :::<3.:::.-::.:=.=.:::

o
u
En tercera posición, puede producir armónicos extendiendo el cu.arto dedo
para posarlo sobre G en la cuerda G: éste sonará G.

Tocando en el extremo del violín, en la

parte superior del mástil,puede producir
los armónicos naturales E, A, D y G.

Para obtener un armónico artificial,

tiene que pisar la nota y, entonces,tocar
leve mente la cuerda que está tocando:
así se produce un armónico que es una
octava, o, en algunos casos, dos
octavas más altas que la nota que toca.

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 Cómo cambiar las cuerdas rotas

Hay diversos tipos de cuerdas. Las cuerdas G, D, A consisten en un hilo de

tripa cubierto por hilo metálico. Una marca muy conocida es la de Pirastro.

Uno de los dos extremos de la cuerda lleva un nudo para sujetar la cuerda
al cordal. El cordal tiene cuatro agujeros, uno para cada cuerda. Estos
agujeros tienen la fo' rma de «OJO de llave)), esto es, parte son redondos y
parte estrechos
y ;ectos. Se jnserta la cuerda por Ja parte redonda, y, entonces, se ajusta en la
estrechapara que Ja cuerda quedefíja. Hecho esto, sepasapor encimadelpuente
poniéJJdo/a eJJ su muesc¿¡ CO/'/'e o/Jd/8/J/6'y .d6'
o/// osuckY _,L?o/Pév-/ú/ //?L? se puede poner, por
ejemplo, fa cuerda O en fa cfavqa G/. los agujeros en el corda(
se corresponden geométricamente con los de las clavijas. Un par de pinzas (de
las que se usan para depilar las cejas), guardadas en la misma caja del violín, le
ayudarán a hacer esta operación rápidamente. El otro extremo de la cuerda es
muy fino y está muy bien rematado para poder insertarlo en el finísimo orificio
de las clavijas. Métalo por un lado y, cuando salga por el otro, estire y sujételo
con la cuerda misma, de forma que cuando gire la clavija pueda tensarla.

Acostúmbrese a inspeccionar su violín antes de tocar y después de hacerlo, antes

de meterlo en su caja para observar los posibles cambios en las cuerdas: si ve
que se afloja una y que el hilo metálico empieza a desenroscarse, hay que cam
biarla.

También se puede romper mientras toca,

o encontrársela rota al abrir la caja el día
siguiente, aunque no lo estuviera cuando
lo guardó. Tiene que aceptar que una
cuerda puede romperse, y se romperá,
mientras toca. La única recomendación
posible es la de llevar con usted, siem
pre,un par de repuestos. Según los usa,
compre otros dos, de la misma forma
que el ama de casa siempre se aprovisio
na cuando termina una lata o un frasco
de cualquier conserva.

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Reglas de oro

Límese las uñas de la mano izquierda de tal forma que las yemas puedan
tener un contacto redondo con la cuerda.

No se puede hacer buena música con manos sucias.

Después de tocar, verá que parte de la resina se ha depositado sobre la caja

del violín: límpielo siempre mientras está en forma de polvo con una bayeta
suave, antes de que se adhiera a la madera. Limpie también de igual forma la
varilla del arco, siempre que haya resina depositada, pues suele desprenderse
de las crines cuando se frotan.

Aunque algunas cosas no son de interés inmediato para usted si acaba de

co menzar a estudiar, siempre conviene saber que, a veces, el violín puede tener
un problema que no esté a la vista, como el de que se haya «abierto»
-desencola do-tal vez en la parte donde la mano lo roza con frecuencia al
tocar en tercera posición. Yo, siempre, antes de empezar una serie de
conciertos, llevo mi violín a un experto para que me lo ponga «a punto».

Una de las cosas que yo recomendaría a un principiante es que escuchara

con frecuencia discos o programas de radio de violín. Me refiero a escuchar
DE VERDAD,en especial si es una pieza por la que siente particular interés y
tiene la música en casa. Escuche a los grandes violinistas. Estoy en completo
desacuerdo con la gente que dice que copiar es malo. En mi opinión, depende
de a quién se intenta copiar. Se podría pensar que tratar de copiar a Jascha
Heihetz es una falta de modestia por su parte, pero no es esto lo que yo quiero
decir. Mi consejo es que, si copia ese estilo, esa bellísima expresividad, ese
fraseo, esa técnica impe cable, esto le ayudará a tener una meta que intentar
alcanzar. Si, por ejemplo, ejecutan un fragmento donde la digitación es en
extremo difícil, por lo menos sabrá que es posible realizarlo, y eso le dará
ánimos para seguir practicando.

51
Términos musicales prácticos

Para repetir una parte de una pieza musical,se usa este signo ll::ll, que
indica
que tiene que repetir los compases comprendidos entre las dos series de
puntos

Por ejemp1o : Ij :------1f----+-- +-----,4,... :l s---+--f6'l.---+--+7---t

,8..i-------:-
io2-.i 3..

Esto se tocaría así: 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8.

Además,se suele poner encima de los compases un 1, y un 2. Así:

11. 11 2.
11=
1 2 a 1
4
=11
5
11
En este caso, la secuencia a tocar sería: 1, 2, 3, 4, 1, 2, 3, 5.

Algunas veces se usa este signo , en cuyo caso se sigue tocando hasta
lleg2- al signo Dal Coda •, que quiere decir que se vuelve al siglo y se
sigue : música hasta encontrar •To Coda. De aquí se va al•Coda que
se encuer:"C después de D. ·al Coda.
To Coda -(!)-
1.e. 11 1 2 1 3 1 4 11 D. $S al Coda

CODA

1 5 1 6 11

En los dos ejemplos anteriores se tendría que tocar 1, 2, 3, 4, y 1, 2, 3, 5, 6.

Las letras D.C. quieren decir vuelta al principio. FINE significa «final». 8va.enc·
2
de una nota en el pentagrama quiere decir que se ha de tocar una octava ras
alta. De la misma forma, si 8va. está debajo del pentagrama, entonces signif;ca
que la nota en cuestión se ha de tocar una octava más baja.
Los grados de velocidad se expresan Los grados de volumen así:
así:
ANDANTE Bastante despacio pp suavísimo
ADAGIO Despacio p suave
LENTO Despacio mf medio fuerte
ALLEGRO Rápido f fuerte
PRESTO Rápido ff fortísimo
W\G't't\\ W\t)dl'ddt)
G
 J
Para acelerar o retardar la velocidad se usan estos términos:
RALLANTANDO ACCEL l
RALL R t d ACCELERANDO J
acelerar
RIT e ar ar
RITARD Calderón (pausa) /7'. Acento >- '

52
Melodías pa ra toca r

EN PRIMERA POSICION
54 Long Long Ago
Frere Jacques
Sur le Pont D'Avignon
Scarborough Fair
55 The Ash Grove
Drink To Me Only
56 Beautiful Dreamer
57 The Keel Row
The Oak And The Ash

EN TERCERA POSICION
58 Robín Adair
Golden
Slumbers
59 When Johnny Comes Marching Home
Amazing Grace
60 Abide With Me
The Last Rose Of Summer

PRIMERA V TERCERA POSICION

61 Morning Has
Broken
Shenandoah
62 My Grandfather's
Clock Silent Night
1 Dream Of Jeannie With The Light Brown Hair

ACORDES DE TERCERA V DE SEXTA

64 The Camptown
Races All Through
The Night
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