capitulo 14

Camerata Florentina
Mei comunico sus ideas a sus colegas de Florencia, en particular al conde B'"ardi y a
Vincenzo Galilei (ca. 1520-1591), teorico, compositor y padre del astronomo Galileo.
Desde el inicio de la decada de 1570, la casa de Bardi fue sede de una academia
en la que los eruditos discutian sabre literatura, ciencia y artes, y un lugar donde los
musicos ejecutaban la nueva musica. Galilei y Giulio Caccini (y quiza tambien Jacopo
Peri) formaban parte de este grupo, Hamada mas tarde par Caccini la Camerata
(circulo o asociacion). Las cartas de Mei sabre la musica griega aparecieron a menudo
en el arden del dia de la Camerata.
En su Dialogo della musica antic a et della moderna ( 15 81), Galilei esgrimio las doctrinas
de Mei para atacar al contrapunto vocal. Argumento que solamente una unica
linea melodica, con tonos y ritmos apropiados al texto, podia expresar un verso poetico.
Cuando varias voces cantaban simultaneamente melodias y palabras diferentes, en
ritmos y registros distintos, algunos graves y otros agudos, algunos ascendentes y
otros descendentes, algunos con notas lentas y otros con rapidas, el caos resultante de
impresiones contradictorias no podia en ningun momenta transmitir el mensaje
emocional del texto. La representacion plastica de las palabras, la imitacion de suspiros
y procedimientos similares, tan comunes en los madrigales, los desecho como infantiles.
Unicamente una melodia cantada par un solista, pensaba, podia intensificar
las inflexiones naturales del discurso de un buen orador o de un buen actor.
Jacopo Peri. Dafne y Luridice.
Dafne
Ottavio Rinuccini y el
compositor y cantante Jacopo Peri. Convencidos de que las tragedias griegas se
cantaban
en su totalidad, se propusieron recrear el antiguo genero de forma moderna.
La composicion de Peri sobre el poema pastoral de Rinuccini, Dafoe, se
represento
en octubre de 1598 en el palacio de Corsi. Aunque de la musica solo han
sobrevivido
algunos fragmentos, fue la primera opera que tomo como modelo las tragedias
griegas: un drama escenificado, enteramente cantado, con una musica concebida
para transmitir las emociones de los personajes.
Luridice.
L'Euridice
En 1600, Peri puso musica al drama pastoral de Rinuccini L'Euridice. El tema se
propone demostrar el poder de la musica para mover las emociones: a traves de su
canto, Orfeo (Orpheus) consigue que incluso los moradores del averno Horen y los
persuade para que devuelvan a la vida a su esposa Euridice.
En el prefacio a su opera L'Euridice, Jacopo Peri describio su busqueda de un tipo
nuevo de composicion musical, a media camino entre el discurso y la cancion, que
pudiese transmitir las emociones de los personajes con tanta fuerza como lo hada la
musica de los anriguos dramas griegos. Este nuevo estilo, conocido como recitativo,
se convirtio en parte esencial del nuevo genera de la opera.
Claudio monteverdi
El compositor mas innovador e imaginativo de su epoca fue Monteverdi; escribio
unicamente obras vocales y dramaticas, incluidas piezas sacras, madrigales y operas; su
musica es siempre perfectamente adecuada al texto. Posda una inventiva muy particular
a la hora de crear tecnicas expresivas y de combinar estilos y generos capaces de
reproducir sentimientos y caracteres en la musica.

Fecha de nacimiento y muerte 1567-1643

puesto mas importante en italia que desempeo hasta su muerte
en 1613 se convirtio
en maestro de capilla de San Marcos de Venecia, el puesto musical de mayor
prestigio en ltalia y en el que permanecio hasta su muerte en 1643.
Nombre de sus tres operas (conservadas)
3 operas conservadas, L'Orfeo, Il ritorno d'Ulisse y L'incoronazione
di Poppea;
captulo 15
Cantata (mediados del siglo XVII)
En el siglo XVII surgi6 en Italia un genera nuevo de musica de camara vocal: la cantata
es decir, una pieza para ser cantada. El termino se aplic6 antes de 1620 a una
colecci6n publicada de arias en forma de variaci6n estr6fica. A mediados de siglo,
cantata significaba una composici6n profana con continuo, generalmente para voz
solista, sobre un texto lirico o casi dramatico, consistente en varias secciones que
contenian tanto recitativos como arias. Entre los mas destacados compositores de
cantatas de mediados del siglo XVII se cuentan Luigi Rossi y Antonio Cesti
Air de cour en francia.
los compositores de fuera de Italia compusieron tambien canciones de carcicter
espedficamente nacional. En Francia, el genero mas importante de musica vocal
profana fue el air de cour (aire de corte), canci6n homof6nica y estr6fica a cuatro o
cinco voces, o para voz solista con acompafiamiento de laud, cantada como musica
vocal independiente o como parte de un ballet de corte. Los airs de cour eran casi siempre silabicos, con
melodlas simples, diatonicas y en elegante forma de arco; Numerosos
airs de cour muestran una alternancia irregular de notas largas y cortas o de
grupos en compas binario y ternario
Oratorio dsdddddddddddddddddddddddddddddddd c
Italia tenia una larga tradicion de musica religiosa ajena a los oficios eclesiales
como ellauda. En la Roma del siglo XVII surgio un nuevo genero de musica religiosa
dramatica mediante la combinacion de narracion, dialogos y comentarios. A
mediados de siglo, estas obras se conocian como oratorios, termino derivado de la
palabra italiana oratorio, o sala de oraciones, en la que ciertas sociedades se reun{an
para la contemplacion, escuchar sermones o cantar laudas y otras canciones devocionales.
Como las operas, los oratorios utilizaban recitativos, arias, duos, as{ como preludios
y ritornellos instrumentales. Pero los oratorios diferian de las operas en diversos
aspectos: su tematica era religiosa, rara vez o nunca se escenificaban, la accion se describia
o sugeria y no se interpretaba, a menudo contenian un narrador y el coro
--por lo general, un conjunto de varias voces con una sola persona cada voz-- podia
asumir distintos papeles, desde la participacion en el drama a la narracion o meditacion
sobre los acontecimientos. Los libretos de los oratorios estaban en lat!n o en
italiano.
El compositor mas destacado de oratorios latinos fue Giacomo Carissimi (1605-
1674).
obras para instrumento de teclado o laud en estilo improvisado
Tocata: Las toccatas y otras piezas de caracter improvisado se tocaban en el clave (como musica
de camara) o en el 6rgano (como musica de los oficios). Aunque pueden observarse
algunas diferencias entre las toccatas pensadas para el 6rgano y el clave, en particular
una mayor insistencia en los tonos prolongados y en armonfas inusuales en
las compuestas para 6rgano, la mayoria de las toccatas podian interpretarse con ambos
instrumentos.
Fantasia:
Preludio:
piezas fugadas en contrapunto imitativo permanente
Ricercare,
El ricercare del siglo XVII consistia por lo general en una composicion seria para organo
o clave en la que un sujeto o tema se desarrollaba continuamente en imitaci6n.
El ricercare segun el Credo de la misa de Frescobaldi, para la Madonna de Fiori musicali,
es notable por el habil tratamiento de las Hneas cromaticas y por el uso sutil de
armon!as cambiantes y disonancias
Fuga: A principios del siglo XVII, algunos compositores, especialmente en Alemania,
empezaron a aplicar el termino fuga anteriormente usado para la tecnica de la imitaci6n como tal,
como nombre de un genera de piezas serias
que trataban un tema en continua imitaci6n.
Fantasia, La fantasia para teclado, una obra imitativa de mayor envergadura que el ricercare,
tenia una organizaci6n formal mas compleja.
fancy, capriccio ;
obras con secciones contrastantes, a menudo en contrapunto imitativo
Canzona la canzona era una pieza imitativa para teclado o conjunto, en
varias secciones contrastantes e interpretada como musica de camara o de iglesia. Las
canzonas exponian temas marcadamente ritmicos y tenian un caracter mas animado
que los ricercares.
Sonata: Las sonatas se compon{an con frecuencia para uno o dos instrumentos mel6dicos,
por lo general violines, con bajo continuo, Las sonatas
explotaban a menudo las posibilidades idiomaticas ofrecidas por un instrumento
particular e imitaban el estilo vocal expresivo moderno, mientras que la tipica canzona
pon{a de manifiesto la calidad formal y abstracta de la polifon{a renacentista.
obras que modifican una melodia dada o la melodia de un bajo
(variaciones, partita), un coral (variaciones
corales, partita coral) o la melodia de un bajo (partita, chaconne, pasacaglia)
danzas y otras piezas en estilizados ritmos de danza, ya fuesen independientes,
emparejadas o reunidas

en una suite.
Girolamo Frescobaldi
Girolamo Frescobaldi (1583-1643)
uno de los primeros compositores de talla internacional que se concentraron
primordialmente en la musica instrumental, Frescobaldi contribuyo a elevar su talla y
la equiparo a la musica vocal. Es conocido sobre todo por su musica para teclado,
aunque tambien escribio obras vocales y canzonas para conjunto.
Nacido en Ferrara, Frescobaldi se formo alli en el organo y en la composicion. En
1608, paso a ser organista de San Pedro de Roma
En 1628 se convirtio en organista
del gran duque de Toscana en Florencia; posteriormente, en 1634, regreso a
Roma y a San Pedro bajo el mecenazgo de la familia Barberini, sobrinos del Papa.
Para entonces, su musica era ya conocida en Francia, Flandes y Alemania.
Tras su muerte, Frescobaldi siguio siendo admirado en toda Europa. Su musica
para teclado fue el modelo de numerosos compositores, desde su propia epoca hasta
]. S. y C. P. E. Bach, en particular las toccatas por su libre fantasia, as{ como sus ricercares
y otras obras imitativas por su erudito contrapunto.
Obras principales: Para teclado: toccatas, fantasias, ricercares, canzonas y partitas;
Fiori musicali, con 3 misas para organo; canzonas para conjunto; madrigales, arias de
camara, motetes y 2 misas.
Capitulo 16
Jean-Baptiste Lully
Jean-Baptiste Lully (1632-1687)
Lully fue la personalidad mas poderosa en la musica francesa del siglo XVII, celebre
por haber creado un tipo frances de opera, por ser pionero de la obertura francesa y
por fomentar la orquesta moderna. Paradojicamente, el era de origen italiano, aunque
vivio en Francia durante toda su vida adulta.
Nacido en Florencia, Lully llego a Paris a la edad de catorce afios como tutor italiano
de un prima del rey Luis XIV. En Paris completo su formacion musical y estudio
danza. Su baile en el Ballet de Ia nuit (1653) impresiono tanto al rey Luis, que lo
nombro compositor de corte de musica instrumental y director de los Petits Violons.
En 1661, Lully paso a ser superintendente de la Musica de la Camara del rey, asumio
el control tanto de los Vingt-quatre Violons du Roi como de los Petits Violons y adopto
la nacionalidad francesa. De sus esponsales, al verano siguiente, con Madeleine Lambert,
fueron testigos el rey y la reina, lo que demuestra hasta que punta hab{a ascendido
Lully en el escalafon de la corte.
La disciplina que Lully impuso a su orquesta, reforzando un toque uniforme de
los areas y un uso coordinado de los ornamentos, suscito gran admiracion, fue ampliamente
imitado y llego a convertirse en el fundamento de la practica orquestal moderna.
Murio en 1687, tras golpearse el pie con el baston mientras dirig{a su
Tf Deum y la herida se gangreno.
Obras principales: Alceste, Armide y otras 13 operas; 14 comedies-ballets; 29 ballets
(la mayoria en colaboracion con otros compositores); numerosos motetes y otras
obras liturgicas.
tragidie lyrique
Junto a su libretista, el dramaturgo
Jean-Philippe Quinault (163 5-1688), Lully reconcilio las exigencias del drama,
de la musica y del ballet en una nueva forma francesa de opera, la tragedie en
musique (tragedia en musica), mas tarde Hamada tragidie lyrique.
obertura francesa.
La musica de Lully proyectaba el esplendor formal de la corte de Luis XIV Cada
opera comenzaba con una ouverture (en frances, inicio), u obertura, que sefialaba
la entrada del rey (cuando estaba presente) y daba la bienvenida ala presentacion, a
ely al auditorio. Las oberturas de Lully eran convenientemente grandes y seguian el
formato que ya habia empleado en sus ballets, conocido hoy como obertura
francesa. Existen dos secciones y cada una se toea dos veces. La primera es homofonica
y majestuosa, marcada con ritmos con puntillo y figuras que se apresuran hacia
las partes acentuadas del compas. La segunda seccion es mas rapida y comienza con
una aparente imitacion fugada, que al final regresa ocasionalmente al tempo y a la figuracion
de la primera seccion. La obertura de la opera de Lully Armide es un buen
ejemplo del genera.
La masque
A pesar de los intentos de introducir la opera, la monarqu!a, la aristocracia y el publico
ingles prefedan los generos autoctonos de musica dramatica.
Un entretenimiento predilecto de la corte desde Enrique VIII era la masque (o
mascarada). Las mascaradas compart1an con la opera muchos aspectos, como la milsica
instrumental, la danza, las canciones, los coros, el vestuario, la escenografla y la
tramoya del escenario, pero se trataba mas de espectaculos colectivos semejantes a
los ballets de corte franceses que de dramas unificados con musica de un unico compositor.
Una mascarada muy elaborada, The Triumph of Peace (El triunfo de la paz,
1634), conten1a musica de William Lawes (1602-1645), entre otros compositores.
Mascaradas mas breves se representaban en los salones de los aristocratas y en teatros
o escuelas privadas.
capitulo 17
Aria da capo
La forma toma su nombre de las palabras Da capo (desde la cabeza), colocadas
al final de la segunda seccion y que indican al interprete que regrese al comienzo
del aria y repita la primera seccion, dando lugar a una forma ABA. Por lo general, la
seccion A es ella misma una pequeiia forma en dos partes, condos maneras diferentes
de musicalizar el mismo texto, cada una introducida por un breve ritornello instrumental

El texto de un aria da capo consta de dos estrofas poeticas que expresan pensamientos
complementarios o conflictivos. La forma global es un sencillo ABA, pero esta es solo una
parte de Ia historia.
La seccion A expone dos declaraciones vocales, cada una de elias una composicion de
Ia primera estrofa del poema y precedida y seguida de un breve ritornello instrumental. La
primera declaracion vocal modula desde Ia tonica hasta otra tonalidad y Ia segunda declaracion
vocal modula de regreso a Ia tonica. En cada caso, el ritornello siguiente confirma
Ia nueva tonalidad.
La seccion B pone musica a Ia segunda estrofa una o dos veces, pero suele carecer de
los ritornellos orquestales que puntuan Ia seccion A. Para dar enfasis a las ideas contrastantes
entre las dos estrofas, Ia seccion B esta en una o mas tonalidades contrastantes e introduce
un material musical nuevo y variado. Despues se repite Ia seccion A.

sonata da camera
Alrededor de 1660 surgieron dos tipos principales de sonata. La sonata da camera,
o sonata de cdmara, comprendia una serie de danzas estilizadas que comenzaban
a menudo con un preludio

Sonata da chiesa
. La sonata da chiesa, o sonata de iglesia, contenia casi
siempre movimientos abstractos e incluian a menudo uno o mas movimientos que
utilizaban ritmos de danza o formas binarias, aunque par lo general no llevaban titulo
de danza. Las sonatas de iglesia podian emplearse en las ceremonias religiosas,
para sustituir ciertas partes del Propio de la misa o las antifonas del Magnificat durante
las visperas; ambas se interpretaban como entretenimiento en conciertos privados.

Sonata en tro (tro sonata)

La instrumentacion mas comun a partir de 1670 en ambas sonatas, de cimara y
de iglesia, consistia en dos instrumentos tiples, por lo general violines, con bajo continuo.
A una obra semejante se la denomina sonata en trio a causa de su textura a
tres voces, si bien en una interpretacion pueden emplearse cuatro o mas interpretes
si se desea mas de uno para el bajo continuo, como un violonchelo tocando la linea
del bajo, y un clave, un organa o un laud doblando al bajo y rellenando los acordes.
La textura que encontramos en la sonata en trio, condos lineas melodicas agudas sabre
el bajo continuo, fue util en muchos otros tipos de musica a solo, tanto vocal
como instrumental.
Las sonatas a solo, es decir, para violin u otros instrumentos con continuo, fueron
en un principia menos numerosas que las sonatas en trio, aunque adquirieron
mayor popularidad despues de 1700.
Arcangelo Corelli
Arcangelo Corelli (1653-1713)
Corelli no dejo musica vocal alguna; de su mano se conservan solamente menos de
noventa obras, casi todas pertenecientes a tres generos: sonatas en trio, sonatas para
violin solo y concerti grossi. No obstante, contribuyo a establecer criterios nuevos de
forma, estilo y tecnica interpretativa que influyeron en varias generaciones.
Nacido en el seno de una familia pudiente de Fusignano, pequefia ciudad al norte
de ltalia, estudio violin y composicion en Bolonia a partir de 1666, y asimilo por
completo el buen oficio de los maestros bolofieses. En 1675, Corelli vivia ya en
Roma, donde pronto se convirtio en el violinista y compositor mas eminence y disfruto
del apoyo de la reina Cristina de Suecia y de otros mecenas acaudalados. Como
violinista, profesor y director de conjunto, contribuyo a elevar el nivel de la interpretacion.
Su ensefianza puso el fundamento de la mayor parte de escuelas de interpretacion
de violin del siglo XVIII. Otros compositores pudieron sobrepasarle en bravura,
pero el tuvo el buen gusto de evitar la exhibicion de un virtuosismo hueco y nadie entendio
mejor que ellas cualidades cantables del violin.
A partir de 1681, Corelli publico una serie de colecciones de sonatas en trio, sonatas
para violin y concerti grossi que se divulgaron por toda Europa y le otorgaron
fama a escala internacional.
Obras principales: 6 colecciones publicadas y conocidas por su numero de opus
(obras); op. 1 (1681), 12 sonatas en trio (sonate da chiesa); op. 2 (1685), 12 sonate
da camera (una es una chaconne); op. 3 (1689), 12 sonate da chiesa en trio; op. 4
(1695), 12 sonate da camera; op. 5 (1 700), 12 sonatas para violin solo; op. 6 (1714),
12 concerti grossi; otras 6 sonatas en trio y 3 cuartetos para tres instrumentos y bajo
continuo.
Concerto
En las decadas de 1680 y 1690, los compositores crearon una nueva clase de
composicion orquestal que pronto se convirtio en el tipo mas importante de musica
instrumental barroca y contribuyo a establecer la orquesta como conjunto instrumental
mas relevante. En una tradicion que venia de largo de adaptar terminos viejos
a usos nuevos, el genero nuevo fue denominado concerto (o concierto). Como el
concierto vocal, reunia dos fuerzas contrastantes en un todo armonico, a modo de
version instrumental del procedimiento del concertato. Combinaba esta textura con
otros rasgos apreciados en la epoca: una melodia florida sobre un bajo firme, una organizacion
musical basada en la tonalidad y multiples movimientos con tempos, estados
de animo y figuraciones contrastantes. Los conciertos estaban estrechamente
relacionados con las sonatas y desempefiaban funciones parecidas: se interpretaban
en ceremonias publicas, entretenimientos y reuniones musicales privadas, y podian
sustituir tambien elementos de la misa.
Concerto grosso
El concerto grosso utilizaba un
conjunto pequefio (concertino) de instrumentos solistas frente a un conjunto grande
(concerto grosso). El concertina constaba por lo general de dos violines, acompafiados
por el violonchelo y el continuo, los mismos integrantes necesarios para interpretar
una sonata en trio, aunque podian agregarse o sustituirse otros instrumentos de
cuerda o de viento. En su esencia, un concerto grosso se parece a una sonata para conjunto
en la cual algunos pasajes se han potenciado con multiples interpretes en cada
voz. El grupo mas grande era casi siempre una orquesta de cuerda, usualmente dividida
en violines primeros y segundos, violas y violonchelos, con bajo continuo y
bajo de viola, que doblaba a los violonchelos o tocaba por separado. Tanto en el concierto
para instrumento solista como en el concerto grosso, la orquesta al completo
se denominaba tutti (odos) o ripieno (lleno).
Concerto a solo
Es un concierto donde hay un solista con una orquesta a su servicio para
acompaarlo en este concierto el solista demuestra su virtuosismo al competir
contra la orquesta
captulo 18
Antonio Vivaldi
Vivaldi fue uno de los compositores mas prolificos y originales de su epoca y su influencia
fue profunda en los compositores posteriores.
Nacido en Venecia, el mayor de nueve hijos de un violinista de san Marcos, Vivaldi
se formo para la musica y para el sacerdocio, una combinacion nada inusual en la epoca.
Debido al hecho de ser pelirrojo, fue conocido como il prete rosso (el sacerdote rojo).
En 1703, afi.o en que fue ordenado, paso a ser maestro de violin del Pio Ospedale
della Pieta, un hogar de nifios pobres y huerfanos. Mas tarde fue contratado como
concertino, una posicion de mayor responsabilidad, permaneciendo en la Piedt hasta
1740, con algunas interrupciones en sus servicios.
Como la mayor{a de sus contemporaneos, Vivaldi compuso cada obra para una
ocasion definida y para unos interpretes particulates. Para la Pieta compuso oratorios,
musica sacra y especialmente conciertos. Tambien cumplio con cuarenta y nueve encargos
de operas, la mayor parte para Venecia y algunas para Florencia, Ferrara, Verona,
Roma, Viena y otros lugares. Entre 1713 y 1719, los teatros de Venecia llevaron a
escena mas obras suyas que de ningun otro compositor. Por regla general, supervisaba
en persona la puesta en escena de sus operas, por lo que con frecuencia se encontraba
ausente de la Pieta durante largos periodos. Durante una estancia de dos afios en
Roma (1723-1724), los gobernantes de la Pi edt le solicitaron que compusiera dos
conciertos nuevos al mes por cierta suma, encargo que correspondio durante los seis
afi.os siguientes; este acuerdo es uno de los signos mas claros de la estima suscitada por
Vivaldi como compositor, diferente de su papel como profesor y como interprete.
Tambien escribio sonatas y conciertos por encargo y para ser publicados.
En la decada de 1720, Vivaldi tomo a la contralto Ana Giro como alumna de canto
(y, segun se rumoreo, como amante, aunque ello nego). En 1737 fue censurado
por llevar una conducta impropia de un sacerdote. Para entonces su popularidad con
respecto al publico veneciano habfa decrecido, por lo que busco cada vez mas encargos
en otros lugares, viajando a Amsterdam en 1738 y a Viena en 1740. Gracias a su
musica, gano enormes sumas de dinero, pero casi todo lo gasto en vida pues, cuando
muri6 en Viena en 17 41, recibi6 un funeral de indigentes

Fecha de nacimiento y muerte

(1678-1741)
Numero de conciertos
Alrededor de 500
El principal cargo ocupado por Vivaldi, entre 1703 y 17 40,
El principal cargo ocupado por Vivaldi, entre 1703 y 17 40, fue el de profesor,
compositor, director de orquesta y superintendente de instrumentos musicales del
Pio Ospedalle della Piedt. La Pieta era uno de los cuatro hospitales de Venecia,
hogares de nifios y nifias huerfanos,
Jean-Philippe Rameau
Practicamente desconocido hasta los cuarenta afios de edad, Rameau emergio en edad
tardla como el teorico de la musica mas significativo de su epoca y como el compositor
frances mas destacado. A la edad de cincuenta y sesenta afios escribio las operas y
ballets que le hicieron famoso.
Rameau nacio en Dijon, en Borgofia (Francia central y del este), el septimo de
once hijos. De su padre, organista, recibio Rameau su primera y, por lo que sabemos,
unica instruccion musical. Asistio a la escuela jesuitica y mas tarde visito ltalia como
adolescente por un tiempo breve.
Tras dos decadas de ocupar puestos como organista en Clermont, Paris, Dijon y
Lyon, se establecio de manera permanente en Paris en 1722, a la busca de mejores
oportunidades. Su obra pionera, el Traite de l'harmonie (Tratado de armonia), publicado
ese afio, le otorgo pronto un gran renombre como teorico. Se gano la vida ensefiando
armonla y tocando el bajo continuo, aunque no pudo encontrar una plaza
como organista hasta 1732. En 1726, a la edad de cuarenta y dos afios, se caso con
una cantante y clavecinista de diecinueve afios, Marie-Louise Mangot, con la que
tuvo cuatro hijos en las dos decadas siguientes.
Su exito como compositor llego de manera tardia y gradual. Publico algunas cantatas
y dos libros de piezas para clave en la decada de 1720. Conocio a mecenas que
lo apoyaron, como por ejemplo el prlncipe de Carignan. Su primera opera, Hippolyte
et Aricie (1733), empezo a edificar su reputacion como compositor; a esta le siguieron
otras cuatro operas y opera-ballets en los seis afios siguientes. A mediados de la decada
de 1730 consiguio el mecenazgo del acaudalado recaudador de impuestos Alexandre-
Jean-Joseph Le Riche de la Poupliniere, cuyas reuniones atralan a aristocratas, artistas,
personalidades literarias (Voltaire y Jean-Jacques Rousseau), aventureros
(Casanova) y musicos. Rameau estuvo al servicio de su mecenas como organista y con
diversas funciones hasta 1753; ciertos miembros del drculo de La Poupliniere se convirtieron
en entusiastas partidarios de Rameau. En 1745, el rey de Francia le otorgo
una pension anual. Los pocos afios posteriores fueron los mas productivos y exitosos;
llego a componer once obras dramaticas en 17 49. Dado su tardio comienzo, a la edad
de cincuenta afios, resulta notorio que se representasen mas de veinticinco de sus ballets
y operas, superando a todo compositor frances del siglo XVIII.
Los escritos polemicos y ensayos teoricos ocuparon los ultimos afios de Rameau.
Murio en Paris en 1764, ala edad de ochenta y un afios. Batallador hasta el final, incluso
en su lecho de muerte tuvo la fuerza para reprocharle al sacerdote que le administraba
los Santos oleos SU canto deficiente.
Obras principales: 4 tragedies en musique (Hippolyte et Aricie, Castor et Pollux,
Dardanus y Zoroastre), otras seis operas, Les lndes galantes y otras seis opera-ballets,
7 ballets, piezas para clave, sonatas en trio, cantatas y motetes.
captulo 19
Bach
Johann Sebastian Bach (1685-1759)
Considerado hoy uno de los mas grandes compositores de todos los tiempos, Bach se
vda a si mismo de manera mas modesta, como un artesano a conciencia que realizaba
su trabajo lo mejor que podia. Fue un virtuoso organista e interprete de teclado, un
habil violinista y un prolifico compositor en casi todos los generos de su tiempo, con
excepci6n de la opera.
Bach procedia de una gran familia de musicos de la region de Turingia, en la Alemania
central. Durante seis generaciones, de finales del siglo XVI al siglo XJX, la familia
Bach engendr6 un numero extraordinario de buenos musicos y algunos excepcionales.
Johann Sebastian naci6 en Eisenach, asisti6 a la escuela latina de la ciudad y
recibi6 una salida formaci6n en teologia y estudios humanisticos. Hubo de aprender
el violin con su padre, musico de la corte y del municipio, que muri6 cuando Bach
iba a cumplir los diez afios. Desde entonces vivi6 y estudi6 musica con su hermano
mayor Johann Christoph Bach, organista en Ohrdruf. Bach paso los afios 1700-1702
en la escuela de Liineburg, donde conoci6 al organista Georg Bohm, el repertorio
frances y el estilo de la orquesta local.
Los primeros puestos ocupados por Bach fueron el de organista de iglesia, primero
en Arnstadt en 1703, a los dieciocho afios de edad, y despues en Miihlhausen en
1707. Ese afio se cas6 con Maria Barbara Bach, su prima segunda, con la que tuvo
siete hijos antes de su fallecimiento en 1720. Su segunda esposa, Ana Magdalena
Wilcke, cantante de la corte y procedente de una familia de musicos, con la que se
cas6 un afio mas tarde, le dio trece hijos, siete de los cuales murieron en la infancia.
Fecha de nacimiento y muerte
obras principales
Obras principales: Pasion segun san Mateo, Pasion segun san juan, Misa en Si
menor, alrededor de 200 cantatas de iglesia y 30 cantatas profanas, unos 200 corales
para organa y otras 70 obras para organa, los Conciertos de Brandemburgo, el
Clave bien temperado, los Ejercicios para tee/ado, la Ofrenda musical, el Arte de Ia
fuga y numerosas obras mas para teclado, conjunto, orquesta y composiciones saeras.
Georg Friedrich Handel
Georg Friedrich Handel {1685-1759)
Handel, reconocido desde su tiempo como uno de los mas grandes compositores de
su epoca, domino todos los tipos de musica vocal e instrumental. Es celebre sobre
todo por sus oratorios ingleses, genero inventado por el, y por sus operas italianas.
Handel nacio en Halle, Alemania, hijo de un cirujano-barbero de la corte local.
Su padre quer!a que estudiase !eyes, pero el practicaba la musica en secreto. Su interpretacion
al organo a la edad de nueve afios impresiono al duque, quien persuadio al
padre de Handel para que le permitiese estudiar con Friedrich Wilhelm Zachow,
compositor, organista y director de la musica sacra en Halle. Con Zachow, Handel se
convirtio en organista y clavecinista consumado, estudio violin y oboe, adquirio el
dominio del contrapunto y aprendio la musica de los compositores alemanes e italianos
copiando sus partituras. Entro en la Universidad de Halle en 1702 y fue contratado
como organista de la catedral. Al afio siguiente, abandono la carrera de cantor para
la que Zachow lo habia preparado y, en su lugar, se traslado a Hamburgo, centro de la
opera alemana. Alii toco el violin en la orquesta del teatro de la opera y escribio su
primera opera, Almira, interpretada con gran exito en 1705, cuando Handel apenas
tenia veinte afios.
Al afio siguiente, Handel viajo a ltalia por invitacion del principe Fernando de
Medicis. Cada vez mas reconocido como compositor joven y prometedor, se vinculo
a los mecenas y musicos mas relevantes de Florencia, Roma, Napoles y Venecia. Durante
su estancia en ltalia, Handel escribio un gran numero de cantatas italianas, dos
oratorios, diversos motetes latinos y las operas Rodrigo (1707) para Florencia y Agrippina
(1709) para Venecia.
Despues de un breve periodo en la corte de Hannover, Alemania, Handel paso el
resto de su vida en Londres, donde estuvo al servicio de numerosos mecenas aristocraa
ticos y disfruto del apoyo de por vida de la familia real inglesa. En la decada de 1730,
tras tres decadas de escribir operas italianas para los teatros londinenses, Handel dirigio
su interes a los oratorios en ingles, la mayoria sobre temas religiosos. Tambien publico
una considerable cantidad de musica instrumental, de sonatas a solo y en trio a conciertos
y suites orquestales, incluidas la MU.sica acudtica y los Reales fuegos de artificio.
Handel nunca se caso. En ltalia y en Londres vivio con distintos mecenas hasta
1723, cuando alquilo una casa en un barrio de clase alta en el que permanecio hasta
el final de sus dias. Hubo rumores acerca de breves aventuras con sopranos, aunque
ninguno se ha demostrado. Recientemente, los estudiosos han advertido que algunos
de sus mecenas se mov{an en drculos sociales de tendencia homosexual y que los textos
de las cantatas que Handel escribio para estos mecenas aluden con frecuencia en
terminos codificados al amor entre hombres. Si el propio Handel tuvo o no relaciones
intimas con personas de ambos sexos es un asunto aun abierto a interrogantes.
La naturaleza impetuosa e independiente de Handel lo convirtieron en una presencia
imponente, aunque los aspectos rudos de su personalidad estaban equilibrados
por su sentido del humor y paliados por una actitud generosa y honorable ante la
vida. Despues de experimentar tanto exitos como fracasos, criticas y elogios, Handel
padecio dolencias flsicas al envejecer, en particular un ataque de paralisis en 1737 (del
que se recupero) y cataratas en sus ultimos afios. Hacia el final de su vida, era una de
las figuras mas veneradas en Londres; unas tres mil personas asistieron a su funeral en
la abadia de Westminster.
Fecha de nacimiento y muerte
obras principales
Obras principales: El Mesias, Saul, Samson, Israel en Egipto y otros 20 oratorios;
Giulio Cesare y otras 40 operas italianas; numerosas odas, anthems y otras composiciones
vocales sacras; cerca de 100 cantatas italianas; alrededor de 45 conciertos, 20
sonatas en trio, 20 sonatas a solo y numerosas piezas para clave, as{ como las celebres
Musica acudtica y Musica para los reales fuegos de artificio.