Arte Al Día 150 Baja4 PDF

Blanton Museum of Art / The University of Texas at Austin / MLK at Congress / 512.471.7324 / www.blantonmuseum.
org
Parc 2016
BIENAL INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORNEO

DE AMRICA DEL SUR 2017
3 Jornada internacional de intercambio

entre artistas, curadores, crticos,
coleccionistas y pblicos
Buenos Aires 5, 6 y 7 de abril de 2016
Anibal Jozami
Director General de la Bienal
BIENAL INTERNACIONAL
DE ARTE CONTEMPORANEO
DE AMERICA DEL SUR.
Argentina Bolivia Brasil Chile Colombia Ecuador Guyana Paraguay Per Surinam Uruguay Venezuela
Museo Gurvich
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AT ITS SOLE DISCRETION WITHOUT NOTICE. THE RENDERINGS ILLUSTRATE AND DEPICT A LIFESTYLE, HOWEVER, AMENTIES, FEATURES AND SPEFICIATIONS ARE SUBJECT TO CHANGE WITHOUT NOTICE. ALL INFORMATION IS DEEMED RELIABLE BUT IS NOT GUARANTEED AND SHOULD BE INDEPENDENTLY
VERIFIED. ALL REAL ESTATE ADVERTISED HEREIN IS SUBJECT TO THE US FEDERAL FAIR HOUSING ACT OF 1968 WHICH MAKES IT ILLEGAL TO MAKE OR PUBLISH ANY ADVERTISEMENT THAT INDICATES ANY PREFERENCE, LIMITATION, OR DISCRIMINATION BASED ON RACE, COLOR, RELIGION, SEX, HANDICAP,
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AGUSTINA WOODGATE
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ARTE CONTEMPORANEO
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#150
Vilos, 1981/2015
Foto / Photo: Rodolfo Martnez
P E R F I L D E A R T I S TA S
INSTITUCIONES
REVIEWS
90-111
22
50
Gustavo Perez Monzn
MOMA
28
54
By/Por Jos Antonio Navarrete, Miami
Nicanor Aroz
By/Por JSantiago Rueda, Bogot
By/Por Claire Breukel, New York
Exposition dArt AmricainLatin
By/Por Jos Antonio Navarrete, Miami
38
John Castles
By/Por Osbel Surez, Madrid
68
Centro Universidad de Mxico
By/Por Sonia Becce, Buenos Aires
E N T R E V I S TA
74
Museo Gurvich
By/Por Cristina Rossi, Buenos Aires
78
60
Anbal Jozami
By/Por Diego Costa Peuser, Buenos Aires
1 2 /. C O N T E N I D O S
Nuevas cartografas
By/Por Laura Casanovas, Buenos Aires
Fernell Franco. Cali Clair Obscur. Fondation

Cartier. Paris. Por Patricia Avena Navarro /
Josefina Guilisasti. A Matter of Perception.
Cecilia Brunson Projects, London. Por Helena
Brum / Wifredo Lam. Or transcontinental
modernity. Centre Georges Pompidou
Muse National dArt Moderne. Paris. Por
Claire Luna / Hernn Bas. Fruits and
Flowers. Galerie Perrotin, Paris. Por Claire
Luna / Carlos Motta. Deseos. Galerie
Mor Charpentier, Paris. Por Claire Luna
/ Luis Romero. Borderline. Alejandra Von
Hartz Gallery, Miami. Por Jos Antonio
Navarrete / Muu Blanco. NCTx13 Sample,
Photographs & Music. ArtMedia Gallery,
Miami. Por Dennys Matos / Jess Soto.
Esttico/Dinmico. Galera Ascaso. Caracas.
Por Beatriz Sogbe / Jorge Macchi In Nc-Arte.
Lampo. NC arte. Colombia. Por Santiago
Rueda / Guadalupe Valds. Vencer el olvido.
Galera Isabel Aninat, Chile. Por Ernesto
Muoz / Goldwasser - Uribe. El sistema de
los otros. Galera del Paseo. Punta del Este.
Por Victoria Verlichak / Ken Matsubara.
Repeticiones. Galera del Paseo. Punta
del Este. Por Victoria Verlichak / Leandro
Erlich. La democracia del smbolo. MALBA.
Buenos Aires. Por Juan Cruz Pedroni /
Prez Celis. Testimonio americano. Museo
Nacional de Bellas Artes. Buenos Aires. Por
Laura Casanovas / Federico Colletta. El
desmoronamiento de la corteza terrestre.
Centro Cultural Recoleta. Buenos Aires.
Por Ana Mara Battistozzi / Juan Andrs
Videla. Nada est quieto. Centro cultural
Recoleta. Buenos Aires. Por Laura Casanovas
/ Coleccin Tedesco. Diagonal Sur - Arte
argentino hoy. Centro Cultural Borges.
Buenos Aires. Por Ana Martnez Quijano
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Experience a
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modern artist in this
major retrospective
Joaqun Torres-Garca:
The Arcadian Modern
Now on View
The Museum of
Modern Art
11 West 53 Street
Manhattan
moma.org
Major support for the exhibition is

provided by Patricia Phelps de
Cisneros and Gustavo Cisneros,
the Gradowczyk Family, and
Estrellita and Daniel Brodsky.
Generous funding is provided by
Presidencia de la Repblica
Oriental del Uruguay; Eduardo F.
Costantini; Richard Roth;
the Institut Ramon Llull; The
Arango Collection; The Consulate

General of Spain in New York;
and The Uruguayan Friends of
Joaqun Torres-Garca: The
Arcadian Modern including Diana
and Rafael Violy, Fundacin
Pablo Atchugarry, Fundacin
Francisco Matto, Fundacin Julio
Alpuy, Beatrix and Gregor
Medinger, and Martn Cerruti.
Additional support is provided by

the MoMA Annual Exhibition Fund.
Support for the publication
is provided by The International
Council of The Museum of
Modern Art.
MoMA Audio+ is supported by
Bloomberg Philanthropies.
Joaqun Torres-Garca. Energa

atmica (Atomic energy). 1946.
Oil on cardboard. Coleccin
Guillermo Caballero de Lujn,
Valencia. Sucesin Joaqun
Torres-Garca, Montevideo 2015.
Photo credit: Juan Garca Rossell
ear readers,
We are pleased to present the latest issue of Arte al Da
Internacional. Our aim is, once again, to show and
to tell you about the most important events in the art world in
different points around the globe. Specifically, in this 150th issue,
we provide a register of Tramas, the major exhibition of enigmatic
and passionate Cuban artist Gustavo Prez Monzn at the Cisneros
Fontanals Art Foundation. We have also included material on
bold experimental artist Nicanor Aroz, who deploys enormous
creativity to explore an array of materials and techniques in a
recent exhibition at Barro gallery in Buenos Aires. The work of John
Castles, a geometric artist with a delicate sensibility, is the subject of
a fine exhibition curated by Osbel Suarez for Nueveochenta gallery
in Bogot.
The article New Cartographies in Contemporary Art is an
overview of exhibition venues in Buenos Aires, where new forms of
exhibiting art in different locations and new uses of the exhibition
space itself are in keeping with recent trends in contemporary art.
In Montevideo, meanwhile, the re-opening of the Museo Gurvich
is cause for great joy on the Uruguayan art scene; the museums
audacious and innovative approach is the topic of an article in this
issue.
Indeed, the mentor of Jos Gurvich, for whom that museum
in Montevideo is named, is the subject of a major exhibition of
contemporary art, specifically a retrospective at the Museum of
Modern Art in New York. It is with pleasure that we review that
well-deserved tribute to Joaquin Torres Garca, an artist who
revolutionalized visual language in South America.
With an article on the first group show of Latin American Artist
ever held in Paris, we hope to formulate a historical reflection on
issues that continue to be relevant to artists today as they choose
themes and to curators as they devise strategies. The CENTRO
project in Mexico, meanwhile, is an institutional strategy that
promises future exhibition and reflection on the arts in the
Americas. In that same spirit, it is our privilege to present an
interview with Anbal Jozami in which he discusses the challenges
of globalizing from the south.
As always, at the end of this issue we include reviews of the most
important shows currently on exhibit around the world.
Finally, we would like to inform you that we have revamped our
website. Please visit our new website, www.artealdia.com, for daily
updates to keep abreast of whats going on in the art world between
issues.
Diego Costa Peuser
Publisher
1 6 /. E D I T O R I A L
stimados lectores,
Nos complace presentarles sta nueva edicin de Arte al Da
Internacional que llega a su nmero 150. En esta oportunidad
hemos apostado una vez ms a mostrarles y contarles los ms
destacados acontecimientos artsticos en distintos puntos geogrficos. En
primer lugar, quisimos dejar registro de Tramas, la significativa muestra
de Gustavo Prez Monzn en la Cisneros Fontanals Art Foundation,
que rescata la obra de este enigmtico y apasionado artista cubano.
Tambin quisimos desplegar material sobre el experimental y osado
Nicanor Aroz, quien demuestra una enorme creatividad para explorar
materiales y tcnicas en su exposicin en la galera Barro de Buenos
Aires. La obra de John Castles, artista de una geometra sensible y
delicada, es objeto de una valiosa exhibicin en la galera Nueveochenta
de Bogot, curada por Osbel Suarez.
En el artculo Nuevas cartografas en el arte contemporneo, hemos
desplegado la actualidad de los espacios de exhibicin en Buenos Aires.
El surgimiento de nuevas formas de mostrar y aprovechar el espacio y la
preferencia por nuevas ubicaciones marca una tendencia que va a la par
de los cambios en el arte contemporneo. Por otra parte, la noticia de la
reapertura del Museo Gurvich en Montevideo es motivo de gran alegra
en la escena artstica uruguaya, y por eso destinamos un artculo a
cubrir esta audaz propuesta musestica.
Es al maestro de Jos Gurvich quien da nombre a la institucin
oriental- a quien est dedicada una de las grandes muestras actuales
sobre arte contemporneo. Se trata nada menos, que del gran artista
Joaquin Torres Garca, del que se realiz una retrospectiva en el MoMA
de New York. Nos complace ofrecer una mirada a este justo tributo a
quien revolucion el lenguaje plstico en el sur del continente.
Con una nota sobre la primera exposicin colectiva de arte
latinoamericano en Pars, queremos acercar una reflexin histrica
sobre problemticas que hoy gozan de una enorme vigencia, tanto en los
temas elegidos por los artistas, como en las estrategias de los curadores.
El proyecto CENTRO inaugurado en Mxico es una de estas estrategias
institucionales que prometen un futuro para mostrar y reflexionar sobre
las artes en Amrica. Con el mismo espritu presentamos la entrevista
que gentilmente nos concedi Anbal Jozami, en la que expone los
desafos de globalizar desde el sur.
Como es habitual, incluimos al final de esta edicin, reseas sobre las
ms importantes exhibiciones que estn teniendo lugar en el mundo. Por
ltimo, queremos contarles que hemos actualizado nuestro sitio web, en la
que el lector encontrar informacin diariamente renovada sobre lo que
est ocurriendo en el mundo del arte entre la publicacin de cada nmero.
Diego Costa Peuser
Editor
Diseos artsticos proporcionada por ARK SOLUTIONS
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Instalacin / Installation - Vilos, 1981/2015

Hilo elstico, piedras y alambre / Elastic thread, stones and wire
Dimensiones variables / Variable dimensions
Vista de la instalacin. Gustavo Prez Monzn: Tramas en el Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, 2015 /
Installation view. Gustavo Prez Monzn: Tramas, National Museum of Fine Arts, Havana, 2015
Cortesa / Courtesy CIFO | Cisneros Fontanals Art Foundation
/ ARTISTS PROFILES
Gustavo Prez
Monzn
THE SECRETS OF THE UNIVERSE
LOS SECRETOS DEL UNIVERSO
On the occasion of the exhibition Tramas, Gustavo Prez

Monzn at CIFO Art Space, Miami, from December
2, 2015 through May 1, 2016, after its presentation
at the National Museum of Fine Art, Havana
Con motivo de la exhibicin de Tramas, Gustavo Prez

Monzn en CIFO Art Space, Miami, del 2 de diciembre
de 2015 al 1 de Mayo de 2016, luego de su presentacin
en el Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana
POR / BY
Jos Antonio Navarrete

Miami
P E R F I L D E A R T I S TA S / . 2 3
The artist installing his work Hilos (Threads) / El artista instalando su obra Hilos, 1984/2015
Site specific installation. Thread and tape on wall / Instalacin site-specific. Hilos y cinta adhesiva sobre pared
Variable dimensions / Dimensiones variables
Foto / Photo: Yoandry Hernndez
he presentation of Tramas in Havana and Miami during

the course of 2015, an exhibition that gathers together the
works of Gustavo Prez Monzn (b. 1956) dated between
1977 and 1988, as well as current reconstructions of proposals
of his corresponding to those years, rescues for its international
circulation one of the most complex, personal and enigmatic
bodies of work ever produced in Cuban art. Prez Monzn was
part of the generation of artists included in the group termed
Volumen Uno, whose action in the divide of the 1970s and 1980s
of the past century is extensively considered a watershed in
the history of Cuban art, of similar signification to the leading
role played by the local avant-garde of the 1920s-1930s.
Prez Monzns oeuvre constitutes a good example of the
characteristics that, from a very early stage, the critique
distinguished in the practice of the artists of this group, whose
renovating drive was based on exploration in art as an open,
plural language without borders, either geographic or involving
material and constructive resources, as well as in its distancing
from the overwhelming ideologization of art promoted by
Cuban political power instances. In addition, it was related
with that of some other components of the group interested
in associating artistic research with strategies and knowledge
contents situate in the margins of academic disciplines.
Tramas is an unusual exhibition for many reasons. Among
them, we might point out, first, its condition of anthology of the
a presentacin de Tramas en La Habana y Miami durante

el curso de 2015, exposicin que rene obras de Gustavo
Prez Monzn (n. 1956) fechadas entre 1977 y 1988,
as como reconstrucciones actuales de propuestas suyas
correspondientes a esos aos, rescata para su circulacin
internacional uno de los cuerpos de trabajo ms complejos,
personales y enigmticos que se hayan producido en el arte
cubano. Prez Monzn fue parte de la generacin de artistas
reunidos en el grupo denominado Volumen Uno, cuya ejecutoria
en la divisoria de los aos setenta-ochenta del pasado siglo
es extendidamente considerada como un parteaguas en la
historia del arte cubano, de semejante significacin a la que
protagonizara la vanguardia local de los aos veinte-treinta.
La obra de Prez Monzn resulta un buen ejemplo de las
caractersticas que, muy tempranamente, la crtica destac
en la prctica de los artistas de ese grupo, cuyo impulso
renovador tuvo su base en la exploracin en el arte como
un lenguaje abierto, plural y sin fronteras tanto geogrficas
como de materiales y recursos constructivos, as como en
su distanciamiento respecto a la avasalladora ideologizacin
del arte promovida por las instancias del poder poltico de
Cuba. Adems, estuvo relacionada con la de algunos otros
componentes del grupo que se interesaron en asociar
la investigacin artstica con estrategias y contenidos de
saberes situados al margen de las disciplinas acadmicas.
work of an artist who, already in the late 1980s, soon before

he left Cuba to settle in Mexico, decided not to produce any
more personal oeuvre, devoting himself to date to teaching
and other actions involving the dissemination of art with the
same exemplary commitment with which he carried out his
artistic work. That attitude transformed Prez Monzn into
an artist more alive in the memory and the narratives on the
Cuban art scene, including a bibliography published about
it, than known for his works, few of which have been publicly
available in Cuba for them to be seen. Second, because
the exhibition cannot be based on the perverse excuse of
contrasting the same artist in his mature stage and his youth.
The entire work on display accounts for the intensity of the
creative dynamics of an extremely young Prez Monzn,
independently of the fact that todays in situ installations
constitute representations of the original ones modified
according to the available space, the possibility to use new
materials, etc. Third, because the exhibition is, somehow, a
sort of archeological project of artistic contemporaneousness
rendered from one of the practices that have internationally
garnered greater strength in the current art scene: private
art collecting, in this case Ella Fontanals Cisneross, who
acquired all the works on display and impelled this exhibition
project. But more importantly than all of this, Tramas forces
us to turn our eyes to the history of Cuban art of the past
decades and the discourses elaborated about it, a matter
that inserts itself in the problematic of international relations
built around / and from the practices of contemporary art.
Independently of the affinities that, in particular since
his earliest manifestations, may be found between
Gustavo Prez Monzns oeuvre and those of some of his
Tramas es una exposicin poco usual por muchas razones.

Entre ellas podra sealar, primero, su condicin de antologa
de la obra de un artista que ya a finales de los aos ochenta,
poco antes de salir de Cuba y establecerse en Mxico, decidi
no producir ms obra personal, dedicndose hasta el presente a
la enseanza y otras acciones de difusin del arte con el mismo
La obra de Prez Monzn tuvo su

base en la exploracin en el arte como
un lenguaje abierto, plural y sin
fronteras tanto geogrficas como de
materiales y recursos constructivos.
Sin ttulo / Untitled, 1987
Tcnica mixta sobre cartulina / mixed media on board, 76 x 101.5 cm
Prez Monzns oeuvre based on

exploration in art as an open, plural
language without borders, either
geographic or involving material
and constructive resources.
contemporaries and artist friends in more concrete aspects
than the above-mentioned ones, there is no doubt that
this work developed a particular Itinerary. It was Gerardo
Mosquera who, at the moment of the emergence of the
artist in the public light, outlines the particular position of
the work he was anticipating, highlighting his investigative
concern in the borderline areas of the rational and he
emotional tendencies in abstraction, including the spatial
practice of kinetic art. Besides the names of Rothko
and other artists from the international mainstream
proposed by Mosquera, the artist himself would take care
15.625 cm3. de relaciones / 15,623 cm3 of relations, 1981/2015
Tcnica mixta, relieve sobre cartulina / Mixed media, relief on card
(Volumen 25 x 25 x 25 cm / Volume 9.84 x 9.84 x 9.84 in.)
Foto / Photo: Oriol Tarridas
of elaborating his own list of authors, who nourished his

work, mentioning in particular the avant-garde Cuban
painter Ral Milin (1914-1984) as a direct reference. In
any case, the work of Gustavo Prez Monzn posed some
meaning problems that were little focused on in the critical
discussion of the stage, much more concerned with the
first five years of the1980s and those that followed in
matters such as identity and other like ones that imposed
themselves in the framework of that periods international
Tramas forces us to turn our eyes to

the history of Cuban art of the past
decades and the discourses elaborated
about it, a matter that inserts itself
in the problematic of international
relations built around / and from the
practices of contemporary art.
Cartel realizado por Gustavo Prez Monzn para la exposicin Volumen Uno, La
Habana, 1981 (pieza nica)/ Poster of the exhibition Volumen Uno (Volume One),
made by Gustavo Prez Monzn, Havana, 1981 (unique piece)
compromiso ejemplar con que realiz su trabajo artstico. Esa

actitud convirti a Prez Monzn en un artista ms vivo en la
memoria y las narraciones sobre la escena artstica cubana,
incluyendo la bibliografa divulgada sobre ella, que conocido por
sus obras, de las cuales pocas han estado en Cuba disponibles
pblicamente para ser vistas Segundo, porque la exposicin
no puede sostenerse sobre la perversa excusa de contrastar
al mismo artista en su madurez y juventud. Toda la obra en
exhibicin da cuenta de la intensidad de las dinmicas creativas
de un jovencsimo Prez Monzn, independientemente de que
las instalaciones in situ de hoy constituyan representaciones de
las originales modificadas por el espacio disponible, posibilidad
de uso de nuevos materiales, etc. Tercero, porque la exposicin
es, de alguna manera, una suerte de proyecto arqueolgico de
la contemporaneidad artstica hecha desde una de las prcticas
que ha cobrado internacionalmente mayor fuerza en el escenario
Tramas obliga a volver la mirada

sobre la historia del arte cubano de las
ltimas dcadas y los discursos que se
han elaborado sobre ella, asunto que se
inserta en la problemtica de las relaciones
internacionales construidas en torno a / y
desde las prcticas del arte contemporneo.
del arte actual: el coleccionismo privado, en este caso el de Ella
Fontanals Cisneros, quien adquiri todas las obras exhibidas
e impuls este proyecto expositivo. Pero, ms importante que
todo eso, porque Tramas obliga a volver la mirada sobre la
historia del arte cubano de las ltimas dcadas y los discursos
que se han elaborado sobre ella, asunto que se inserta en la
problemtica de las relaciones internacionales construidas
en torno a / y desde las prcticas del arte contemporneo.
Independientemente de las afinidades que, en particular en
sus ms tempranas manifestaciones, puede encontrarse
entre la obra de Gustavo Prez Monzn y algunos de sus
contemporneos y amigos artistas en aspectos ms concretos
que los sealados arriba, no cabe duda de que sta desarroll
un recorrido particular. Fue Gerardo Mosquera quien, en el
momento de emergencia del artista a la luz pblica, esboz
la ubicacin particular de la obra que ste adelantaba,
destacando su inters investigativo en las zonas limtrofes de
las tendencias racional y emotiva de la abstraccin, incluyendo
la prctica espacial del cinetismo. Aparte de los nombres
de Rothko y otros artistas de la mainstream internacional
aportados por Mosquera, el propio artista se encargara de
elaborar su propia lista de los autores que alimentaron su
trabajo, mencionando en particular al pintor de la vanguardia
cubana Ral Milin (1914-1984) como una referencia directa.
De todos modos, la obra de Gustavo Prez Monzn
planteaba unos problemas de significado que fueron
poco abordados en la discusin crtica de la etapa, mucho
ms interesada en el primer lustro de los aos ochenta y
Sin ttulo / Untitled, ca. 1979

Tcnica mixta sobre cartulina / mixed media on board
72 x 57 cm / 28.34 x 22.44 in.
debate on multiculturalism. Also, the very dynamics of

contemporary Cuban art, in the second five-year period
of the 1980s, with its growing inclination towards directly
political themes, added one more reason to neglect the
discussion about an oeuvre that of Prez Monzns
related to numerology, occultism, divination, and the
philosophical problems of the being and its relations with
the universe. In the Cuban context of the moment, it was
difficult to notice and defend that political dimension of his
rebellious and indocile artistic position in the face of the
reductionist understanding of the political that ran through
the discussion on the bonds between art and politics.
The high number of works produced by Gustavo Prez Monzn
during that decade and a little more time alerts us on the
need to carry out a specific and careful analysis of each one
of the pieces and installations he created. That, independently
of the possibilities of finding some discursive threads that
cross the ensemble of his oeuvre. Perhaps the drawings of
the series of numbers from 1980 mirror the configurations in
Braille relief produced in 1982? , or which artistic problems
and problems of contents draw Vilos (1981/2015) close
to Hilos (1984/2015) or distance them? The spatial display
that this exhibition shows of the way in which Prez Monzn
understood, from the resources of art, the exploration of
the secrets of the universe and of man, constitutes an
exceptional opportunity to initiate the configuration of a
solid body of critical work on the artists oeuvre.
Proyecto Dimensional / Dimensional Project, 1980

Tcnica mixta sobre cartulina / Mixed media on board
73 x 57 cm / 28.74 x 22.44 in.
siguientes en asuntos tales como la identidad y otros afines

que se imponan en el marco del debate internacional de
entonces sobre el multiculturalismo. Tambin, la propia
dinmica del arte cubano contemporneo, en el segundo
lustro de los aos ochenta, con su creciente inclinacin por
los temas directamente polticos, aadi una razn ms
para arrumbar la discusin sobre una obra la de Prez
Monzn relacionada con la numerologa, el ocultismo,
la adivinacin y los problemas filosficos del ser y sus
relaciones con el universo. En el contexto cubano del
momento, resultaba difcil advertir y defender la dimensin
poltica de su lugar artstico contestatario e indcil frente
a la reductora comprensin de lo poltico que atravesaba
la discusin sobre los nexos entre arte y poltica.
La prolijidad artstica de Prez Monzn durante esa dcada y
algo ms de tiempo por el que se extendi su trabajo alerta sobre
la necesidad de ejercitar un anlisis especfico y demorado de
cada una de las series de piezas e instalaciones que creara. Eso,
con independencia de las posibilidades de encontrar algunos
hilos discursivos que recorren el conjunto de su obra. Acaso
los dibujos de la serie de nmeros de 1980 es especular de
las configuraciones en relieve de grafa Braille realizadas en
1982?, o cules problemas artsticos y de contenido acercan y
distancian a Vilos (1981/2015) de Hilos (1984/2015)? El despliegue
espacial que esta muestra realiza del modo en que Prez Monzn
comprendiera, desde los recursos del arte, la exploracin en
los secretos del universo y del hombre, se constituye en una
oportunidad excepcional para iniciar la configuracin de un
slido cuerpo de trabajo crtico sobre la obra del artista.
2 8 Issue
/ . A R149
TISTS
28
PROFILE
Nicanor Aroz, Gltica, 2015.

View of the exhibition / Vista de exhibicin
Photo / Foto: Bruno Dubner
/ ARTISTS PROFILES
Nicanor Araoz
FROM SPOILED BRAT TO GLTICA:
FOUR ENCOUNTERS WITH NICANOR ARAOZS WORK
DE MOCOSO INSOLENTE A GLTICA:
CUATRO ENCUENTROS CON LA OBRA DE NICANOR AROZ
BIO
Nicanor Aroz (Buenos Aires, 1981) produces objects, installations
and sculptures using as his references the comic, imagery from
Internet and romantic mythologies taken from gothic art. In
his works, procedures involving the surrealistic object, such
as the montage of dissimilar elements and the dreamlike, take
on frantic forms similar to nightmares in which the drives of
pleasure and pain appear to merge. Aroz uses materials as if
they were atoning for sadistic sensations and takes them to the
utmost limits of expressivity and torsion. In narrative scenes he
mixes plaster monsters, amorphous masses of resin, trainers,
neon lights and biscuits with embalmed cats, mice and birds, thus
shaping a world of emotional psychedelics with visual references
to the domestic environment of a child and an adolescent.
Nicanor Aroz (Buenos Aires, 1981) produce objetos, instalaciones

y esculturas tomando referentes del comic, la imaginera
de Internet y mitologas romnticas del arte gtico. En sus
obras, procedimientos del objeto surrealista como el montaje
de elementos dismiles y lo onrico, cobran formas frenticas
similares a pesadillas donde parecen unirse las pulsiones de
goce y dolor. Aroz trabaja los materiales como si estuviesen
expiando sensaciones sdicas, los lleva a puntos mximos de
expresividad y torsin. En escenas narrativas mezcla monstruos
de yeso, masas amorfas de resina, zapatillas, luces de nen y
galletitas con gatos, ratones y pjaros embalsamados, dando
cuerpo a un mundo de psicodelia emocional con referencias
visuales al mbito domstico de un nio y un adolescente.
POR / BY
Santiago Rueda
Bogot
Nicanor Aroz, Gltica, (2015).

View of the exhibition / Vista de exhibicin.
Photo / Foto: Bruno Dubner.
first met Nicanor Araoz in spring of 2011, in his studio

at the Universidad Torcuato Di Tella, when he was
participating in the Artists Program. I was struck
by the ease and spontaneity of his work, its disarming
eccentricity and references toamong other things
Casper the Friendly Ghost. I was taken with the energetic
atmosphere of improvisation and creativity palpable
in the small space assigned to him as a student.
the genesis of the artists works

lies in the choppy and quick
drawings he makes on pages torn
from notebooks. Using ballpoint
pens, color pencils and markers,
he describes, stages, and recreates
delirious and horrific nightmares,
My next encounter with his work took place at the Centro
Cultural Parque Espaa in Rosario, where his work
Mocoso insolente [Spoiled Brat] was featured in a group
show. The piece was a sculpture of a violent, headless,
pistachio-green horseman wielding a chain while, like a
medieval knight, riding a table turned over on one side.
This horseman, rendered in raw plaster by means of a
series of casts and wearing, amusingly, a white sweat
sock, brought together a startling array of references,
onoc a Nicanor Aroz en la primavera del ao 2011,

en su taller en la Universidad Torcuato Di Tella,
como alumno de la Beca Kuitca. Me sorprendi la
soltura y espontaneidad de su trabajo. La desprevenida
excentricidad de sus obras, sus referencias entre las
que se contaba, sorpresivamente la insistente figura
de Casper el fantasma y en general, el energtico
clima de improvisacin y creatividad que se senta en el
reducido espacio que tena asignado como estudiante.
Mi siguiente encuentro con su obra, sucede en el Centro
Cultural Parque Espaa en Rosario, en una muestra colectiva
donde Aroz enseaba Mocoso insolente, un violento
jinete sin cabeza de color verde pistacho, que blanda una
cadena, como un caballero medieval cabalgando una mesa
volcada de medio lado. Este jinete, en realidad una suma
de moldes logrados mediante el vaciado escultrico crudo,
y que divertidamente vesta una media blanca deportiva,
sorprenda por la unin de referencias presentes, desde la
esttica de lo cotidiano tan propia de los artistas argentinos
de su generacin, a las ms directas de la escultura pblica,
y principalmente al cine de terror. La obra no poda ser ms
sombra, pues el cuerpo partido y resquebrajado pareca
haberse mutilado y flagelado con la sierra sin fin que
cortaba la mesa. Esta pesadilla acrobtica ya anunciaba
los temas que seguirn interesando a Aroz a lo largo
de estos aos: la relacin con los sueos, las fantasas
erticas, el miedo y la presencia obsesiva de la violencia.
Aroz, quien estudi arte en La Plata, empez a trabajar
inicialmente en taxidermia, siguiendo su deseo de hacer
escultura hper realista sin tener casi ningn conocimiento
from the aesthetics of daily life so typical of Argentine

artists of Arozs generation to the more direct references
to public sculpture and, mainly, to horror films. The work
could not be gloomier. The split, cracked body seemed to
have been mutilated and scourged with the same band
saw that had been unleashed on the table. This acrobatic
nightmare foretold the themes that would continue
to interest Aroz in the coming years: dreams, erotic
fantasies, fear, and the obsessive presence of violence.
Aroz, who first studied art in La Plata, initially worked
in taxidermy. Undeterred by minimal knowledge of
sculptural techniques, he pursued his wish to make
hyper-realistic sculpture. But the genesis of the artists
works lies in the choppy and quick drawings he makes
on pages torn from notebooks. Using ballpoint pens,
color pencils and markers, he describes, stages, and
recreates delirious and horrific nightmares, gruesome
scenes in which artichokes, hearts pierced by arrows,
characters from cartoons, all species of cats, men
in disguise, and teenagers of both sexes engage in
terrifying battles where love is confused with sex, sex with
mutilation, mutilation with redemption, and redemption
with death. Arozs apocryphal and savage stroke
attests to this exaggeratedindeed almost unbearable
violence. Along with the quick yet thorough coloring,
the stoke evidences an excessivebarely tolerable
emotional bleeding. When he renders the scenes of his
psyche in three dimensions, though, Arozs creative
process and staging is sophisticated and complex.
de las tcnicas escultricas. Pero la gnesis de su trabajo se

encuentra en los dibujos quebrados y rpidos que el artista
realiza en hojas arrancadas de cuadernos de papel, y en las
que con esferos, lpices de colores y marcadores, descubre,
la gnesis de su trabajo se
encuentra en los dibujos quebrados
y rpidos que el artista realiza en
hojas arrancadas de cuadernos
de papel, y en las que con esferos,
lpices de colores y marcadores,
descubre, escenifica y recrea
delirantes y espantosas pesadillas
escenifica y recrea delirantes y espantosas pesadillas,
escenas truculentas donde alcachofas, corazones flechados,
personajes de dibujos animados, felinos, hombres disfrazados
y adolescentes de ambos sexos se enfrascan en aterradoras
batallas donde el amor se confunde con sexo, el sexo con
Untitled / Sin ttulo, (2014)
Paper, wicker basket, glazed ceramic, rope, amethyst and neon. 190 x 190 x 140 cm /
Papel, cesta de mimbre, cermica esmaltada, soga, amatista y nen. 190 x 190 x 140 cm
My third encounter with his work took place in Buenos

Aires in 2014 at the Alberto Sendrs Gallery, where
Arozs solo show, Librada, was underway. This show
took to new heights the sophistication and codification
of his earlier works. The figure of a samurai/ninja
wearing an origami suit and a very particular cape
adorned with photographic collages of hundreds of
faces of black-and-white kittens, clashed with the
arms, partially buried in the gallerys turmeric floor, of
two other warriors; all we can see of these latter two
figures are their gold and black glazed ceramic hands.
A chain of blue, pink, and white neon triangles among
the figures, along with wallpaper in a bold op-art
design, charged the scene with a sense of dynamism
and electricity. The surprising array of medianeon,
origami, collage, ceramics, basketworkand the
strangely psychedelic atmosphere of the installation
showed that Aroz with in full command of his art.
Looking back, Arozs quick development has been
startling: his first exhibition was held in 2006 at the
much rememberedindeed almost mythicalAppetitte
Gallery. That show, Cepillarse bien los dientes, featured
works with animalslike cats and mice engaged in
deadly battlesstuffed by means of taxidermy.
My most recent encounter with Araozs work took place
this year, at Barro Gallery, also in Buenos Aires. The
mutilacin, la mutilacin con la redencin y la redencin

con la muerte. Esta exagerada y casi insoportable carga
de violencia es testificada por el trazo apcrifo y salvaje
de Aroz, el que junto al coloreado rpido y sistmico,
evidencia un sangrado emocional desmesurado, apenas
tolerado. Sin embargo, al llevar a las tres dimensiones
las escenas de su psique, Aroz emprende un sofisticado
y elaborado proceso creativo y de puesta en escena.
Mi tercer encuentro con su obra, sucede en Buenos
Aires en 2014 en la galera Alberto Sendrs donde
Aroz presentaba su muestra individual, Librada.
Era sta, precisamente, un soberbio ejemplo de
sofisticacin y codificacin de sus obras anteriores.
La figura de un samurai/ninja vistiendo un traje de
origami y una capa muy singular, adornada con collages
fotogrficos de caritas de cientos de gatitos blancos
y negros, se enfrenta a los brazos semihundidos
en el suelo de crcuma de otros dos guerreros de
los cuales solo podemos ver sus manos bellamente
pintadas en dorado y negro en cermica esmaltada.
Entre las figuras, una cadena de tringulos de
nen azul, rosa y blanco. En el fondo, un papel de
colgadura con un atrevido diseo OP, terminaba de
cargar de dinamismo y electricidad la escena. La
sorprendente acumulacin de medios utilizados: nen,
origami, collage, cermica, cestera, y el clima tan
extraamente sicodlico de la instalacin, permitan
encontrar a Aroz en dominio pleno de su arte.
Untitled from the series Mocoso Insolente (Insolent brat). /

Sin ttulo de la serie Mocoso Insolente (2010)
Resin, glow in the dark, stuffed bird, sneakers, walkman and sweater. /
Resina, glow in the dark, pjaro embalsamado, zapatillas, walkman y suter.
sophisticated show Gltica was not only a continuation

of Librada, but also a chance for Aroz to revisit themes
of classic sculpture and of the baroque in an exemplary
the scenes of his psyche in three

dimensions, though, Arozs
creative process and staging is
sophisticated and complex.
return to and reflection onto say nothing of carving
up ofreligious sculpture. Laid out like the Stations of
the Crossin a number of which cast sculptures were
presented facing photographsAroz treated the gallerys
al llevar a las tres dimensiones las

escenas de su psique, Aroz emprende
un sofisticado y elaborado proceso
creativo y de puesta en escena.
Mirando hacia atrs no dejaba de sorprender el rpido
desarrollo de Aroz, quien haba expuesto por primera vez
en el ao 2006 en el recordado y ya casi mtico espacio
bonaerense Appetitte, con su muestra Cepillarse bien los
dientes, donde expuso trabajos con animales que haban
sido disecados mediante el proceso de la taxidermia, gatos
y ratones enfrentados en violentas pugnas asesinas.
Mi ltimo encuentro con la obra de Aroz, sucede en este
ao, en la galera Barro, tambin en Buenos Aires, en su
reciente muestra Gltica, una muestra que ms all de
ser una continuacin de Librada, me sorprendi como
una sofisticada exhibicin en la que Aroz, re visitaba
temas de la escultura clsica y del barroco, una ejemplar
recuperacin, reflexin y descuartizamiento de la escultura
religiosa. Planteada a la manera de un va crucis, con
varias estaciones donde aparecan esculturas de molde
enfrentadas a fotografas, y utilizando la enorme nave de
la galera como un templo, Aroz aprovechaba el fondo
de la sala, el altar mayor podramos decir, para colgar
enormous open space like a house of worship. In the back

of the room, which might be considered the main altar, he
installed a gigantic neon sculpture in which a kitten (one
of his obsessively recurring figures) chases, but never
reaches, an enormous phallus (a symbol of fertility, for
the artist). Instead of religious music, the shows playlist
consisted of hip-hop, dance, trip hop, and pure pop.
In each Station of the Cross, the artist presented
a figure cast in alginate and rendered in plaster
and resin and then painted in cheerful advertisinglike colors. The bodies of all of these figures,
which were pierced and nailed by neon wires of
various colors, had undergone some kind of ritual
mutilation: dismemberment, beheading, crucifixion
or, lastly, castration, in an elaborate network of
glazed ceramic penises, a series of erect penises
joined together by golden chains like piercings.
Facing these figures, Aroz placed low-resolution,
large-scale photographs of murder victims taken
by their killers. Along with the music and the effect
of the neon lights, the bright and flat colors of the
structures holding up these photographs heightened
the sense that one was in a sporting goods store.
una gigantesca escultura de nen, en la que un gatito,

una de sus imgenes obsesivas, persigue un enorme falo
que se le escapa. Este ltimo, un smbolo de fertilidad
para el artista. Y en vez de escucharse msica religiosa,
se oa un play list de hip hop, dance, trip hop y pop puro.
Cada estacin de este va crucis, presentaba una figura
Aroz re visitaba temas de la

escultura clsica y del barroco,
una ejemplar recuperacin,
reflexin y descuartizamiento
de la escultura religiosa.
vaciada en alginato y fabricada en yeso y resinas,
pintadas de alegres colores publicitarios. Todas ellas,
cruzadas y clavadas por alambres de nen de diversos
colores, presentaban alguna clase de mutilacin
ritual del cuerpo: desmembramientos, decapitacin,
crucifixin y por ltimo castracin, en una elaborada
red de penes en cermica esmaltada y pintada, una
Nicanor Aroz, Gltica, 2015.

View of the exhibition / Vista de exhibicin
Photo / Foto: Bruno Dubner
Untitled / Sin ttulo (2011)

Cold porcelain, plaster, straw broom. 155 x 186 x 120 cm /
Porcelana fra, yeso, escoba de paja. 155 x 186 x 120 cm
In short, the show was a very contemporary reflection

on vital tensions, violence, irrationality, imagination, and
Aroz to revisit themes of classic

sculpture and of the baroque in an
exemplary return to and reflection
onto say nothing of carving
up ofreligious sculpture.
mostlyand this is what really interested the artist
the limits between victim and victimizer, the dance
between life and death. The reflexive development of
his themes and the honesty with which he addresses
them, the elegant pertinence of his practice, has never
ceased to surprise me. Though little known outside
Argentina, Aroz is, in my view, one of the most powerful
interpreters of the dark side of our subjectivity.
Untitled / Sin ttulo (2011)

Polyurethane foam, neon. 200 x 110 x 115 cm /
Goma espuma, nen. 200 x 110 x 115 cm
red de penes erectos unidos entre s por cadenas

doradas que los jalonaban a manera de piercings.
Aroz enfrentaba a estas figuras a fotografas en baja
resolucin y gran escala obtenidas por asesinos que
haban registrado a sus propias vctimas. Los colores
de los mdulos que sostenan estas fotografas, en
verdes y rojos planos y brillantes, contribuan junto
a la msica y la reverberacin lumnica del nen, a
la idea de encontrarse en una tienda deportiva.
En resumen, una muy contempornea reflexin sobre las
tensiones vitales, la violencia, lo irracional, la imaginacin
y esencialmente, que es lo que interesaba al artista,
la exploracin de los limites existentes entre vctima y
victimario, y la danza entre la vida y la muerte. La evolucin
reflexiva de sus temas, la honestidad con que los enfrenta,
la elegante actualidad de su quehacer, no dejaron de
sorprenderme, y encuentro que, Aroz, un artista poco
conocido fuera de Argentina, es uno de los intrpretes
ms potentes del lado oscuro de nuestra subjetividad.
26-29 MAIO 2016
Fbrica Nacional da Cordoaria
MADRID
23-26 FEBRERO 2017
ORGANIZA
Feria de Madrid
Pas invitado: Argentina

Lmite de presentacin
de solicitudes 4 de julio
GERMAN
BOTERO
GEOMETER & ARCHEOLOGIST
Curated by Adriana Herrera
Guerreros y Tumba
Wood Carreto-Nazareno-Guayacan.
143.5 x 168.9 x 91 in. (56.5 x 66.5 x 36 cm)
2012
APRIL - JUNE 2016
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Miami, Fl. 33146
(305) 774 - 7740
gallery@durbansegnini.com
durbansegnini.com
Esquina 3 [Corner 3], 1982.

Steel and vinyl on wall, 160x113x113 cm, E. Monsalve. /
Acero y vinilo sobre pared, 160x113x113 cm, E. Monsalve
/ ARTISTS PROFILES
John Castles
IMAGINARY VOLUMES
LOS VOLMENES IMAGINARIOS
BIO
John Castles was born in Barranquilla in 1946. He studied
Architecture at the Universidad Javeriana, Bogot between 1966
and 1969, and at the Universidad Nacional en Medelln between
1969 and 1972. His work finds its roots in Colombian abstract
geometric tradition. His sculptures made in rusted iron sheets
communicate expressive qualities inherent to the materials
themselves and to the veracity of his structures, highlighting
natural forces such as gravity and weight, which allowed him
to discard stands, conveying an earthly quality to his works.
John Castles naci en Barranquilla en 1946. Estudi Arquitectura

en la Universidad Javeriana de Bogot entre 1966 y 1969, y en la
Universidad Nacional en Medelln, entre 1969 y 1972. Su trabajo
nace de la tradicin geomtrica abstracta en Colombia. Sus
esculturas construidas en lminas de hierro oxidado comunican
cualidades expresivas inherentes a los materiales mismos y a
la veracidad de sus estructuras, enfatizando fuerzas naturales
como la gravedad y el peso, que le permitieron desechar los
pedestales, otorgando a sus obras un carcter terrenal.
POR / BY
Osbel Surez
Madrid
he dawn of a new decade seemed to offer more

auspicious horizons for the Colombian art milieu. The
first Salon of the seventies made its debut with more
experimental proposals. New galleries were opening and the
Museo de Arte Moderno de Bogot adopted a new exhibition
policy whereby shows by internationally recognized artists
were held along with shows by Colombian artist, giving rise
to a more fluid exchange of information and greater cultural
dialogue. John Castles is a child of the seventies. It was
during that decade that he emerged on the Colombian art
scene and that his work found a place for itself. His art initially
bore the influence of Edgar Negret, one of the great masters
who came before him, perhaps the artist who had gained the
most prestige abroad and delivered the most savage blow
to the commemorative sculpture tradition in Colombia.
na nueva dcada pareca abrirse con perspectivas ms

esperanzadoras para el medio artstico colombiano
y el primer Saln de los setentas debutaba con
propuestas de carcter ms experimental. Se abren nuevas
galeras mientras que el Museo de Arte Moderno de Bogot
inici una nueva poltica de exposiciones que permita
alternar la presencia de artistas nacionales con otros de
peso internacional, lo que proporcion el principio de un
flujo sostenido de informacin y dilogo cultural. John
Castles es hijo de los setentas, ah comienza su presencia
en el mundo artstico colombiano y es en este contexto
donde su obra se inserta, deudora en un primer momento
de uno de los grandes maestros que le precedieron,
quizs el que ms prestigio haba alcanzado en el exterior
y el que asesta el golpe ms brutal a las intenciones
conmemorativas de la escultura colombiana: Edgar Negret.
My first works in aluminum were produced between

1972 and 1975. The exercises and workshops given in
the Basic Design class at the Universidad Javeriana
School of Architecture in Bogot awakened my interest
in the rational and geometric sides of art. But it was
through Edgar Negrets work that I truly grasped the
relationship between form, structure, and system as
mode of thought. I finally met him in Cali in 1973 []. 1
Inici las obras en aluminio en 1972 hasta 1975. Los ejercicios

y prcticas en los cursos de Diseo Bsico en la Facultad de
Arquitectura de la Universidad Javeriana en Bogot, despertaron
mi inters por los aspectos racionales y geomtricos del arte.
Pero fue a travs de la obra de Edgar Negret que comprend la
relacin entre forma, estructura y sistema como pensamiento.
Posteriormente lo conoc en Cali, hacia 1973 ().1
1 All the words in quotation marks in this text are taken from John
Castless replies to a questionnaire on Colombian art in general and his
work in particular sent to him by the author via e-mail on May 19, 2015; his
replies were received between May 25 and May 30 of the same year.
1 Este entrecomillado y los siguientes que as se destaquen forman parte de las

respuestas de John Castles a un cuestionario remitido por el autor de estas lneas
sobre el arte colombiano y, en particular, sobre su obra. Las preguntas fueron
enviadas por email el 19 de mayo y respondidas entre el 25 y el 30 de mayo de 2015.
Exhibition by John Castles at Nueveochenta gallery. General view. /

Exhibicin John Castles en galera Nueveochenta. Vista general
Castles recibe en 1974 el primer premio del XXV Saln de

Artes Visuales por una de sus modulaciones verticales y un
ao ms tarde presenta una muestra individual en Bogot, en
la galera Escala, con ms obra la ltima- hecha en aluminio
pintado an con la herencia visible de Negret, pero que en
su rigidez apuntaban ya a cuestiones de orden ms formal,
tambin anticipadas de alguna manera en sus articulaciones
y progresiones laminares. Es como un fenmeno de atraccinrepulsin: hay una carga que lo acerca ostensiblemente a
la escultura de Negret y otra que lo aparta porque sus fines
ltimos no coinciden. El alejamiento paulatino del cuerpo
Los artistas de mi generacin,

activa a partir de los aos setentas,
han estado ms interesados en la
materialidad de la escultura, en las
propiedades de los materiales a la
vista y en mi caso en la relacin con
el suelo como soporte material.
In 1974, Castles was awarded first prize at the 25th
Saln Nacional de Artes Visuales for one of his
modulaciones verticales and, one year later, a solo
exhibition of his work was held at Escala gallery in
Bogot. That show featured moreand more recent
works made in painted aluminum. While those works still
evidenced Negrets influence, their rigidity suggested
an emerging interest in more formal questions, as did
his articulaciones and progresiones laminares. A back
The artists of my generation, who

were active starting in the seventies,
have been more interested in the
materiality of sculpture, in the
properties of exposed materials, and
in my casein the relationship with
the ground as material support.
and forth between attraction and repulsion seems
to be at play: there is a force that patently draws
him to Negrets sculpture and another that turns
him away from it because their ultimate aims are
escultrico reconocible de Negret conduce a Castles a

nuevos ejercicios ajenos a la repeticin, de recogimiento
calculado, de un orden ms interior y sosegado.
Los artistas de mi generacin, activa a partir de los aos
setentas, han estado ms interesados en la materialidad
de la escultura, en las propiedades de los materiales a la
vista y en mi caso en la relacin con el suelo como soporte
material. En 1969 fui a vivir nuevamente a Medelln y estando
en la universidad integramos un grupo de estudiantes
ms interesados en el arte que en la arquitectura,
seguramente debido al impacto que tuvo en Medelln las
bienales de Coltejer. Esto dio origen al llamado Grupo
de Medelln, nos bautiz Eduardo Serrano, que estaba
atento a la produccin artstica fuera de Bogot.
En la segunda mitad de los setentas Castles sorprende
con exposiciones individuales definitivas, as fueron las
celebradas en 1977 en la galera La Oficina, en Medelln
y la que tuvo lugar en la galera bogotana Garcs
Velzquez en 1979. Esta ltima es considerada por el
escultor como la ms decisiva de todas porque fue una
exposicin consistente, las obras supeditadas a los ejes
geomtricos del cubo, aunque este no aparece. Por su
relacin material con el piso que recibe el peso de manera
equilibrada y en ocasione sugiere tensiones debido a los
planos inclinados, sin la mediacin de pedestales.

not the same. The gradual departure from Negrets

sculpture led Castles to new exercises that were not
related to repetition, exercises that entailed calculated
withdrawal and a more internal and placid order.
He began working with unpainted

iron, enhancing its spatial
potential in balanced proposals
where the metal itself, its specific
quality, became his focus.
The artists of my generation, who were active starting
in the seventies, have been more interested in the
materiality of sculpture, in the properties of exposed
materials, andin my casein the relationship with the
ground as material support. In 1969, I moved back to
Medelln and, while I was studying architecture there,
I formed part of a group of students more interested in
art than in architecture, undoubtedly due to the impact
that the Coltejer biennials had on that city. This gave
rise to what was called the Grupo de Medellna
name we were given by Serrano, who was interested in
Colombian art produced beyond the confines of Bogot.
In the second half of the seventies, a number of
startling solo exhibitions of Castless work were held,
En las postrimeras de los aos setentas John Castles

tena saldada y superada su deuda inicial con Negret y
se centraba en explorar los lmites que su propia obra le
ofreca, lo que lo convierte, de alguna manera, en un autor
posmoderno. Ahora trabaja el hierro sin pintar y potencia
sus posibilidades espaciales en propuestas de equilibrio
donde la cualidad misma del metal se convierte en fin.
Ahora trabaja el hierro sin pintar

y potencia sus posibilidades
espaciales en propuestas de
equilibrio donde la cualidad misma
del metal se convierte en fin.
Ahora la obra no est sola, para sus nuevos poliedros
convexos importa el espacio circundante porque sta
respira en relacin directa con aquello que la rodea.
Entre octubre y diciembre de 1981 se celebr la XVI Bienal
de Sao Paulo bajo la curadura general del crtico y curador
brasileo Walter Zanini. La propuesta colombiana para
el evento fue seleccionada por Eduardo Serrano, que
nuevamente decidi contar con obra de Castles2 para la
2 La curadura de Eduardo Serrano tambin inclua obras de
Sara Modiano, Alberto Uribe y Miguel ngel Rojas.
one at La Oficina gallery in Medelln in 1977 and one

at Garcs Velzquez gallery in Bogot in 1979. Castles
considers that second exhibition the most decisive of
all because it was coherent [and featured] works that
reflected the geometric axes of the cube, even though
the cube did not appear as such. [It is insinuated by]
the material relationship with the floor that receives
the weight [of the sculptures] in a balanced fashion
and, occasionally, suggests tensions due to the
slanted planes without the mediation of pedestals.
By the late seventies, John Castles was no longer
indebted to Negret. He focused instead on exploring
the limits of his own work, which somehow turned
him into a postmodern creator. He began working
with unpainted iron, enhancing its spatial potential
in balanced proposals where the metal itself, its
specific quality, became his focus. The work no longer
stood alone; the surrounding space mattered in these
new convex polyhedrons because the work breathed
in direct relation to that which surrounded it.
The 16 th edition of the So Paulo Biennial was held from
October to December, 1981 under the curatorship of
Brazilian critic and curator Walter Zanini. Colombias
participation was selected by Eduardo Serrano, who
once again chose to include works by Castles 2. But
two solo exhibitions held during the eighties may well
have been more remarkable than his passing, almost
installation-like presence at the So Paulo Biennial.
The first, Obra en proceso 3, was held at the Museo de
Arte Moderno de Medelln in 1983 and the second was
held at Sala Mendoza in Caracas. Obra en proceso was,
unwittingly, a retrospective of his work from 1970 to
1983 insofar as it was the first exhibition to provide an
overview of how his sculpture had evolved. The exhibition
at Sala Mendoza featured only works produced in 1985,
specifically some esquinas [corners] that formed part
of the space thanks to a fictitious shadow, a pictorial
projection of the work on the wall on which it was hung.
ocasin. Pero hay dos muestras individuales en esta dcada

acaso ms sealadas que su presencia colectiva de perfil
transitorio, casi a la manera de una instalacin, en la bienal
de Sao Paulo. La primera de ellas tuvo lugar en el Museo de
Arte Moderno de Medelln, en 1983, bajo el ttulo de Obra en
proceso3 ; la segunda en Caracas, en la Sala Mendoza. Obra
en proceso es una muestra retrospectiva (1970-1983) que
en su tesis no tiene intencin de serlo, pero es la primera
que permite observar la evolucin de su cuerpo escultrico.
La muestra en la Sala Mendoza rene slo obra fechada en
1985, especialmente unas esquinas que se integran en el
espacio ayudadas por una sombra ficticia, una proyeccin
pictrica de la obra en la pared sobre la que descansa.
En estos aos parte de la crtica bogotana se
empeaba en colocar a Castles bajo la rbita de los
escultores minimalistas, pero hay que insistir aqu
en la escasa pertinencia de esta filiacin porque en
ltima instancia su obra est ms prxima al proceso
de corta y dobla de Amilcar de Castro y de otros
escultores neoconcretos que a la austeridad extrema
y la serialidad del minimal norteamericano.
John Castles no es un escultor minimal como lo fueron
Donald Judd, Robert Morris, Dan Flavin, Tony Smith o Carl
Andre. Los minimal operaban con una austeridad y economa
de recursos inspirada en la paradoja de Mies van der Rohe
de menos es ms. El less is more del arquitecto alemn
serva como credo a los escultores norteamericanos y de
paso los obligaba a un reducido inventario de materiales
entre los que se inclua el ladrillo refractario, los tubos
3 Obra en proceso pudo verse en el Museo de Arte de Medelln del
5 al 31 de julio de 1983 bajo la curadura de Alberto Sierra.
Primera estrella [First Star], 1982.

Paper soaked in iron oxide, 9-10, 56x56 cm. A. Castles. /
Papel impregnado con xido de hierro, 9-10, 56x56 cm. ACastles.
During those years, some Bogot critics insisted on

calling Castles a Minimalist sculptor. That is hardly
the case, however, since his work was more akin to
the cut and fold process used by Amilcar de Castro
and other Neo-Concrete sculptors than to the extreme
austerity and seriality of North American Minimalism.
John Castles is not a Minimalist sculptor in the way
that Donald Judd, Robert Morris, Dan Flavin, Tony
Smith, and Carl Andre are. Those artists employed an
austerity and economy of resources that partook of
German architect Mies van der Rohes dictum less is
morethe credo of those North American creators.
At the same time, van der Rohes notion meant that
2 Curator Eduardo Serrano also included works by Sara
Modiano, Alberto Uribe, and Miguel ngel Rojas.
3 Curated by Alberto Sierra, Obra en proceso was held at the
Museo de Arte de Medelln from July 5 to July 31, 1983.
those sculptors had to make use of a limited inventory

of materials, among them firebricks, fluorescent tubes,
and plywoodnone of which was particularly close
to the Colombian sculptors world. The Minimalists
considered earlier sculpture too manufactured; it
was the heir to so many illusionist conventions that
ended up removing any semantic content. Minimalists
did not care if they made excessive use of seriality or
mathematical progressions; they left no room at all for
subjective feelings to be projected on the object because
the object is simply the literal expression of its physical
reality. Carl Andres tiles carefully laid on the floor, their
edges perfectly aligned, should not make us think of a
rug but only of the material with which rugs are made.
Untitled / Sin titulo, 1979-2014.

Iron sheet, 92x160x140 cm, A. Castles. /
Lamina de hierro, 92x160x140 cm, A Castles.
fluorescentes o la madera contrachapada, todo un arsenal

bastante ajeno al universo del escultor colombiano. Un
minimal considera a la escultura anterior demasiado
fabricada, heredera en exceso de las convenciones
ilusionistas y la despoja radicalmente de cualquier
contenido de orden semntico. El minimal no le importa
abusar de la serialidad ni de las progresiones aritmticas
y no deja posibilidad alguna, por escasa que sea, a la
proyeccin de sentimientos subjetivos sobre el objeto
porque el objeto ES una expresin literal de su realidad
fsica. Las losas de Carl Andre colocadas cuidadosamente
sobre el suelo, perfectamente ajustadas en sus bordes,
no deben llevarnos a pensar en una alfombra y s
en el material con la que stas son construidas.
En este sentido, Castles consigue crear y estar a
Castles consigue crear y estar a gusto en

un mundo culturalmente esquizofrnico
donde los procesos culturales
amenazan con una homogeneizacin
que desvirta su propia naturaleza.
gusto en un mundo culturalmente esquizofrnico
donde los procesos culturales amenazan con una
homogeneizacin que desvirta su propia naturaleza,
donde analizar y discriminar el exceso de informacin
se convierte en un ejercicio obligatorio para preservar
la libertad de criterio. Quizs aqu estn ocultas las

Castles, though, creates and feels comfortable

in a culturally schizophrenic world where the
homogenization of cultural processes threatens to
distort their nature, where analyzing and sorting an
excess of information becomes mandatory if one wants
to preserve freedom of judgment. Herein may lie the
keys to understanding and valorizing the work of an
artist who, despite an erratic relationship to the art
market, has remained active for over forty years.
Castles, though, creates and

feels comfortable in a culturally
schizophrenic world where the
homogenization of cultural processes
threatens to distort their nature.
claves para entender y valorar la obra de un artista que

se ha mantenido en activo durante ms de cuarenta
aos con una relacin intermitente con el mercado.
Para clasificar, para entender la geometra sensible y
sometida de la obra escultrica de Castles, debemos
hacer uso de distensin en los trminos y de una cierta
flexibilidad taxonmica. Castles rompe la supuesta
integridad de la escultura moderna forzando el trmino
hasta donde el lmite del canon deja, hasta aquello que
en 1978 Rosalind Krauss defini como la escultura en
el campo expandido. Y esta voluntad renovada hace
posible que su obra plural se extienda tanto como las
posibilidades fsicas del material que la hace posible.
To classify, to understand the sensitive and pliant

geometry of Castless sculptural work, we must relax
terms and make use of a certain taxonomic flexibility.
Castles ruptures the supposed integrity of modern
sculpture, straining the limits of the canonical use
of the term to what Rosalind Krauss called, in 1978,
sculpture in the expanded field. And that invigorated
determination enables Castless plural work to expand as
far as the physical possibilities of the material allow.
Untitled / Sin titulo, 1977.

Welded iron, 54x76x76 cm, A. Castles. /
Hierro soldado, 54x76x76 cm, A. Castles.
veronica
riedel
MOMA - MUSEUM OF MODERN ART
Joaqun
Torres-Garcia:
Form, Abstraction and Concrete
Forma, Abstraccin y Concreto
Installation view of Joaqun Torres-Garca: The Arcadian Modern at The Museum

of Modern Art, New York (October 25, 2015February 15, 2016). / Vista de la
instalacin de Joaqun Torres-Garca: The Arcadian Modern en el Museo de Arte
Moderno de Nueva York (octubre 25 de 2015febrero 15 de 2016).
Photo / Foto: Jonathan Muzikar.
2015 The Museum of Modern Art, New York
5 0 /. I N S T I T U T I O N S
POR / BY
Claire Breukel
New York
The exhibition follows Torres-Garcias

transition from creating representational
workswhich he termed concreteto
gridded and more abstract works that
reflect his living environments as well as
the creative contemporaries with whom
he circulated.
La exposicin sigue la transicin de

Torres-Garca de crear obras figurativas
que l denominaba concretas a
obras reticuladas y ms abstractas
que reflejan los ambientes en los que
ha vivido as como los contemporneos
creativos con los que ha circulado.
The exhibition greets viewers with a towering fresco

commissioned for the Renaissance Chapel in in the Palau de la
Generalitat. Titled after a quote in the play Faust, The Temporal
Is No More Than Symbol, 1916, depicts a mythological faun
La exposicin da la bienvenida a los espectadores con un fresco

altsimo comisionado para la Capilla Renacentista en el Palau de
la Generalitat. Titulada as por una cita incluida en la obra Faust
(Fausto), The Temporal Is No More Than Symbol, 1916, (Lo
he retrospective of Uruguayan artist Joaqun TorresGarca (1874-1949) at the Museum of Modern Art in
New York is a journey of creative and social discovery
through the artists transitory life. Organized by Estrellita
Brodsky Curator of Latin American Art, Luis Prez-Oramas,
and Curatorial Assistant of MoMAs Drawings and Prints
department, Karen Grimson, the chronology of paintings,
drawings, books and sculptures illustrate three major time
periods in the artists career, and bring together multiple
stylistic and philosophical influences. This reveals not only
the artists eclectic practice, but also the social and political
climate in which he made work while living in Barcelona,
New York and Montevideo. Titled The Arcadian Modern, the
exhibition follows Torres-Garcias transition from creating
representational workswhich he termed concreteto
gridded and more abstract works that reflect his living
environments as well as the creative contemporaries with
whom he circulated, including the likes of Pablo Picasso,
Joan Mir, Joseph Stella, and more. This evolving creative
timeline is encapsulated in Monument, a freestanding
sculpture emblazoned with the words Form, Abstraction
and Concrete, which stand beneath Torres-Garcas final
series as if commemorating him.
a retrospectiva del artista uruguayo Joaqun TorresGarca (1874-1949) en el Museo de Arte Moderno de Nueva
York es un viaje de descubrimiento creativo y social a travs
de la vida transitoria del artista. Organizada por el Curador de Arte
Latinoamericano Estrellita Brodsky, Luis Prez-Oramas, y por la
Curadora Asistente del Departamento de Dibujos y Grabados del
MoMA, Karen Grimson, la cronologa de pinturas, dibujos, libros
y esculturas ilustra tres perodos de tiempo fundamentales en
la carrera del artista, y rene mltiples influencias estilsticas y
filosficas. Esto revela no solo la prctica eclctica del artista,
sino tambin el clima social y poltico en el que produjo su obra
mientras viva en Barcelona, Nueva York y Montevideo. Titulada
The Arcadian Modern (El Idlico Pastoral Moderno), la exposicin
sigue la transicin de Torres-Garca de crear obras figurativas
que l denominaba concretas a obras reticuladas y ms
abstractas que reflejan los ambientes en los que ha vivido as
como los contemporneos creativos con los que ha circulado,
incluyendo a Pablo Picasso, Joan Mir, Joseph Stella y otros.
Esta lnea de tiempo en evolucin se encuentra encapsulada
en Monument, (Monumento), una escultura sin apoyos
ornamentada con las palabras Form (Forma), Abstraction
(Abstraccin) y Concrete (Concreto), incluidas bajo la serie final
de Torres-Garca, como conmemorndolo.
INSTITUCIONES
/. 5 1
temporal no es ms que un smbolo, 1916), la muestra representa

a un fauno flautista mitolgico en un estilo claramente moderno
que favorece la afinidad de Torres-Garca con el movimiento
del Noucentisme cataln y que criticaba el idealismo del Art
Nouveau. Otros bocetos para frescos entonces controversiales,
tales como Design for the Fresco Catalunya Industrial, 1917
(Diseo para el fresco Catalunya Industrial, 1917), representan a
la clase trabajadora industrial contra el teln de fondo de escenas
pastorales idlicas, ofreciendo una crtica social que limit muchos
de los planes de Torres-Garca para la produccin de frescos.
Una serie de libros dibujados a mano alzada y de impresin
tipogrfica incluye
Art Education Materials, 1909 (Materiales para la educacin
artstica, 1909), una rplica exacta de un libro de texto escrito
La dedicacin de Torres Garca a la

artesana contina en obras escultricas
como Assemblage, 1927 (Ensamblaje,
1927), una mscara de madera en relieve
que ahora revela influencias tanto del
cubismo como del primitivismo .
Joaqun Torres-Garca (Uruguayan. 18741949). Lo temporal no s ms que smbol

(The temporal is no more than symbol). / Joaqun Torres-Garca (Uruguayo.
18741949). Lo temporal no s ms que smbol (1916).
Fresco transferred to canvas mounted on strainer, 226 3/8 130 5/16. Generalitat de
Catalunya Fons dArt. / Fresco transferido a tela montado sobre bastidor (575 331 cm).
Generalitat de Catalunya Fons dArt.
Sucesin Joaqun Torres-Garca, Montevideo 2015. Photo credit: Ramn Maroto.
Centre de Restauraci de Bns Mobles de Catalunya, CRBMC. Generalitat de Catalunya.
flautist in a distinctly modern style that favors Torres-Garcias

affinity to the Catalan Noucentisme movement and which
critiqued Art Nouveaus idealism. Other then-controversial
fresco sketches, such as Design for the Fresco Catalunya
Industrial, 1917, depict the industrial working class against the
backdrop of idyllic pastoral scenes, offering a social critique that
saw many of Torres-Garca s fresco plans curtailed.
Torres-Garcas dedication to handcraft

continues in sculptural works such as
Assemblage, 1927, a wood relief mask
that now reveals influences of both
Cubism and Primitivism.
A series of hand-drawn and letterpress books include Art
Education Materials, 1909, an exact replica of a textbook written
por el instructor del Instituto Pratt, Hugo B. Froehlich. Esto

parece anticipar el traslado de Torres-Garca a Nueva York
escapando de la Espaa posterior a la Primera Guerra
Mundial, se sumergi en la creacin de collages del paisaje
urbano. A su pronto regreso a Europa, la dedicacin de
Torres Garca a la artesana contina en obras escultricas
como Assemblage, 1927 (Ensamblaje, 1927), una mscara
de madera en relieve que ahora revela influencias tanto del
cubismo como del primitivismo. Una serie de collages contina
ilustrando influencias estilsticas del futurismo y el surrealismo,
culminando en cuatro pinturas en un papel protagnico en el
segundo espacio de la exposicin. Estas composiciones son
ensamblajes abstractos de ventanas, peces, relojes, cartas y
texto iconografa universal utilizada a travs de las obras del
artista hasta la fecha colocadas en lo que se convertira en su
sistema distintivo de cuadrculas y bloques.
Lo que es llamativo hasta ahora es la dedicacin de Torres-Garca
a los tonos monocromticos, amarillos y marrones. Como si
fuera una evidencia de este fenmeno, una serie de abstracciones
monocromas exploran la forma en su mxima esencia, ofreciendo
una pausa que marca el regreso del artista a Montevideo en
medio de la Gran Depresin de 1930. Sin embargo, del mismo
modo en que el monocromo parece ser una constante, TorresGarca introduce el color entre las influencias estilsticas de su
vida agregando otro elemento a su serie final de pinturas, dibujos
y esculturas. Como destilando su prctica creativa
en una cohesin narrativa nica, Torres-Garca escribe un
manifiesto que resume su enfoque como Universalismo
Constructivo. Las tres palabras descriptivas en la escultura
Monument, rinden tributo a su vocabulario creativo
construido a lo largo de toda una vida y al legado del artista.
Installation view of Joaqun Torres-Garca: The Arcadian Modern at The Museum of Modern Art, New York (October 25, 2015February 15, 2016). /
Vista de la instalacin de Joaqun Torres-Garca: The Arcadian Modern en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (octubre 25 de 2015febrero 15 de 2016).
Photo: Jonathan Muzikar. 2015 The Museum of Modern Art, New York
Joaqun-Torres Garca (Uruguayan, 18741949). Composition. / Joaqun TorresGarca (Uruguayo, 18741949). Composicin. (1931).
Oil on canvas. 36 1/8 x 24 (91.7 x 61 cm). The Museum of Modern Art, New York.
Gift of Larry Aldrich, 1956. / leo sobre tela. (91.7 x 61 cm). El Museo de Arte
Moderno, Nueva York. Donacin de Larry Aldrich, 1956.
Sucesin Joaqun Torres-Garca, Montevideo 2015. Photo Thomas Griesel.
by Pratt instructor Hugo B. Froehlich. This seems to preempt

Torres-Garcas move to New Yorkescaping post-World War
I Spain, he immersed himself in creating collages of the urban
landscape. Soon returning to Europe, Torres-Garcas dedication
to handcraft continues in sculptural works such as Assemblage,
1927, a wood relief mask that now reveals influences of both
Cubism and Primitivism. A series of collages continue to illustrate
stylistic influences of Futurism and Surrealism, culminating in
four paintings hung center stage in the exhibitions second space.
These compositions are abstracted assemblages of windows, fish,
clocks, letters and textuniversal iconography used throughout
the artists works to dateplaced in what is to become his
signature grid and block system.
What is striking up until now is Torres-Garcas dedication to
monochromatic, yellow and brown hues. As if speaking to this
phenomenon a series of monochrome abstractions explore form
at its most essential, providing a pause that marks the artists
return to Montevideo amid the 1930s Great Depression. However,
just as monochrome appears to be a constant, Torres-Garcia
introduces color to his lifetime of stylistic influences adding
another element to his final series of paintings, drawings and
sculptures. As if distilling his creative practice into a singular
cohesive narrative, Torres-Garcia writes a manifesto that sums
up his approach as Constructive Universalism. The three
descriptors on the sculpture Monument pay tribute to a creative
vocabulary built over a lifetime, and the artists legacy.
INSTITUCIONES
/. 5 3
PRIMERA EXPOSICIN COLECTIVA

DE ARTE LATINOAMERICANO
Exposition dArt
Amricain-Latin,
Paris, 1924
FIRST GROUP EXHIBITION
OF LATIN AMERICAN ART
Anita Malfatti. A Ventania. 1915-17.

Oil con canvas, 20 x 24 in. Collection of the Palacio dos Bandeirantes, Sao Paulo
(work included in the exhibition).
/ leo s/ tela, 51 x 61 cm. Col. Palacio dos Bandeirantes, Sao Paulo
(obra incluida en la exposicin)
POR / BY

Miami
he first important group exhibitions of Latin American

art were presented in Paris during the 1920s. They
contributed to legitimize and give a tangible form
to the emerging notion of a Latin American art through
concrete repertories of works. During that decade, Paris,
transformed into a privileged place for receiving training in
modern art, was a dynamic extra-territorial center for the
production and dissemination of Latin American artistic
and literary culture. There, the Latin Americans also
created mechanisms and organizations for the promotion
of the new expressions of the art and culture of their
countries.
Three initiatives fostered by intellectuals and artists
from Latin America and aimed at strengthening the
presence of the culture of the subcontinent in Paris
were articulated between 1922 and 1923. January, 1922
marked the launching of the first issue of the Revue
de lAmrique Latine (Latin American Magazine) which
reformulated its predecessor, the Bulletin dAmrique
Latine (Latin American Bulletin) defining itself as a general
information magazine targeting a multiple audience and
providing extensive coverage of the activities of Latin
American artists in the city. A monthly publication, it ran
until 1932. On the other hand, between the end of 1922
and the beginning of 1923, progress was made on the
project to create the Acadmie International de Beaux
Arts (International Academy of Fine Arts), whose aim
was to make it easier for Latin American students and
artists to study in Paris and organize cultural exchanges
between France and Latin America. It was to be housed in
the Maison de lAmrique Latine (Latin American House),
which was inaugurated on May 29, 1923 with a program
of concerts and a group exhibition that gathered works by
artists who were in Paris at that time, like Anita Malfatti,
Tarsila do Amaral, Vicente do Rego Monteiro and Victor
Brecheret, from Brazil, as well as Juan Manuel Gavazzo
and Jos Merediz, from Argentina, Carlos Otero, from
Venezuela, and Pierre de Matheu, from El Salvador, among
others. But the most important project that the Acadmie
as primeras exhibiciones colectivas de importancia de

arte latinoamericano se presentaron en Pars durante
los aos veinte del pasado siglo. Ellas contribuyeron
a corporeizar y legitimar la emergente nocin de arte
latinoamericano a travs de repertorios concretos
de obras. En esa dcada Pars, convertida en el sitio
privilegiado para el entrenamiento en el arte moderno,
fue un dinmico centro extra-territorial de produccin y
difusin de la cultura artstica y literaria latinoamericana.
All tambin los latinoamericanos construyeron
mecanismos y entidades para la promocin de las nuevas
manifestaciones del arte y la cultura de sus pases.
La exposicin reivindicaba, bajo

la denominacin de arte, las ms
variadas manifestaciones de la
produccin cultural material y la
artstica propiamente dicha, en
correspondencia con el modelo de
museo enciclopdico de arte que
intent usufructuar.
Entre 1922-1923 se articulan tres iniciativas promovidas
por intelectuales y artistas de Amrica Latina dirigidas
a fortalecer la presencia en Pars de la cultura del
subcontinente. En enero de 1922 sale el primer nmero
de la Revue de lAmrique Latine, que reformulaba a
su predecesor Bulletin dAmrique Latine definindose
como una revista de informacin general y dirigida a un
pblico mltiple, con una amplia cobertura de la accin
artstica de los latinoamericanos en la ciudad. De tiraje
mensual, la publicacin se extendi hasta 1932. Por otra
INSTITUCIONES
/. 5 5
Pablo Curatella Manes. La femme au gros manteau (La mujer del tapado grueso), 1921-1923.
Plaster of Paris, 15.7 x 10.6 x 6.7 in. Collection of the National Museum of Fine Arts,
Buenos Aires (an edition cast in bronze was showcased at the exhibition). /
Yeso, 40 x 27 x 17 cm. Col. Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires
(en la exposicin se exhibi una edicin fundida en bronce)
International de Beaux Arts and the Maison de lAmrique

Latine decided to implement right away was a major group
show of Latin American art. Presented at the Gallira,
Museum, which hosted exhibitions organized by the city at
that time, the Exposition dArt Amricain-Latin (Exhibition
of Latin American Art) ran between March 15 and April 15,
1924, accompanied by a program of lectures and concerts.
Organized in record time, the show assembled varied
artistic productions, including the exhibition of works by
a long list of Latin American artists residing or working
temporarily in Paris.
Argentineans, Brazilians, Uruguayans and Cubans
comprised the most numerous groups of artists
represented in the exhibition, accompanied by others
from Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El
Salvador, Honduras, Mexico and Venezuela. Some of the
artists included in the exhibition were the Argentineans
Horacio Butler, Pablo Curatella Manes, Emilio Pettoruti
and Xul Solar; the Brazilians Victor Brecheret and
Anita Malfatti; the Cubans Antonio Gattorno, Armando
Maribona and Juan Jos Sicre; the Ecuadorians Camilo
Egas and Manuel Rendn; the Uruguayans Carlos Alberto
Castellanos and Pedro Figari, the Colombian Marco Tobn
Meja, the Costa Rican Max Jimnez, the Salvadorian
Pierre de Matheu and the Venezuelan Manuel Cabr.
While this list includes mostly artists who were inquiring
into the possibilities of modern art, they were joined by
others linked to a strictly academic practice. They were all
mixed together and the latter were more numerous than
the former, which was ultimately a faithful reflection of
the real state of art in the region.
parte, entre finales de 1922 y comienzos de 1923 avanza

el proyecto de creacin de la Acadmie International de
Beaux Arts, cuya finalidad era facilitar el estudio en Pars
de los estudiantes y artistas latinoamericanos y organizar
intercambios culturales entre Francia y Amrica Latina.
Su sede deba ser la Maison de lAmrique Latine,
inaugurada el 29 de mayo de 1923 con un programa de
conciertos y una exposicin colectiva que reuni obras
de artistas que, para el momento, se encontraban en la
ciudad, como Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Vicente
do Rego Monteiro y Victor Brecheret, todos de Brasil, as
como Juan Manuel Gavazzo y Jos Merediz, de Argentina,
ms Carlos Otero, de Venezuela, y Pierre de Matheu, de El
Salvador, entre otros.
Pero el proyecto ms importante que la Acadmie
International de Beaux Arts y la Maison de lAmrique
Latine se propusieron realizar en lo inmediato fue una
Exposition dArt Americain-Latin, organized by the Maison de lAmrique Latine

and the International Academy of Fine Arts, Paris, March 15 April 15, 1924.
Catalogue cover. /Organizada por la Maison de lAmrique Latine y la
Acadmie Internationale des Beaux Arts, Pars, 15 Marzo - 15 Abril, 1924.
Portada de catalogo.
The exhibition vindicated, under the

name of art, the most varied expressions
of the material cultural production and
the strictly artistic one, in keeping with
the model of encyclopedic art museum
that it attempted to apply.
The exhibition also hosted specific private collections,
among them one of academic Cuban painting, and
another one of paintings by Emilio Boggio and pieces by
the Uruguayan artist Pedro Blanes Viale from several
collections. It also incorporated pieces representing the
so-called Pre-Columbian and colonial art, as well as
tapestries produced by Ecuadorian natives, ornamental
pieces created by High Amazon natives and music
instruments by Indians from Colombia and Ecuador, in a
non-exhausted relation.
Understood as the joint presentation of art from Latin
America to the French cultural milieu, the exhibition
vindicated, under the name of art, the most varied
expressions of the material cultural production and
the strictly artistic one, in keeping with the model of
INSTITUCIONES
/. 5 7
gran exposicin colectiva de arte latinoamericano. Con

sede en el Museo Gallira, que por entonces acoga
exposiciones organizadas por la ciudad, la Exposition
dArt Amricain-Latin se present entre el 15 de marzo
y el 15 de abril de 1924, acompaada de un programa
de conferencias y conciertos. Organizada en un tiempo
record, la muestra recopil producciones artsticas
variadas, incluyendo la exhibicin de la obra de una
extensa nmina de artistas latinoamericanos residentes
por entonces en Pars o que tenan trabajos que se podan
localizar all.
Esto era una forma de posicionamiento

poltico en una poca en que se discuta
fervorosamente la relacin entre
tradicin y contemporaneidad y se
extenda la idea de que las prcticas
artsticas y literarias de cada nacin.
Manuel Cabre. Self-portrait / Autorretrato, 1923.

Oil on canvas, 10.62 x 10.66 in. Collection of the National Museums Foundation,
Caracas (work included in the exhibition).
/ leo sobre tela, 27 x 27,1 cm. Col. Fundacion Museos Nacionales, Caracas
(obra incluida en la exposicin)
This was a form of political stance

at a time when the relation between
tradition and contemporaneousness
was fervently discussed and the notion
that the artistic and literary practices of
each nation.
encyclopedic art museum that it attempted to apply.
However, since it lacked a plan, it was finally a summation
of collections and works at hand. It squandered the
possibilities of the model that had inspired it through
its incapacity to build a discourse on the cultural and
artistic history of the subcontinent. As corroborated by the
exhibition catalogue and the scarce critical repercussion
the show generated, the generous expansion of the notion
of art that the Exposition dArt Amricain-Latin attempted
to carry out could not go beyond the cultural dimension of
the bazaar.
Argentinos, brasileos, uruguayos y cubanos formaron

los ncleos ms numerosos de artistas en activo
representados en la exhibicin, acompaados de otros
de Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Ecuador, El
Salvador, Honduras, Mxico y Venezuela. Entre los
artistas exhibidos estuvieron los argentinos Horacio
Butler, Pablo Curatella Manes, Emilio Pettoruti y Xul
Solar; los brasileos Victor Brecheret y Anita Malfatti;
los cubanos Antonio Gattorno, Armando Maribona y
Juan Jos Sicre; los ecuatorianos Camilo Egas y Manuel
Rendn; los uruguayos Carlos Alberto Castellanos y
Pedro Figari, as como el colombiano Marco Tobn Meja,
el costarricense Max Jimnez, el salvadoreo Pierre de
Matheu y el venezolano Manuel Cabr. Si bien esta lista
incluye en su mayora a artistas que estaban investigando
las posibilidades del arte moderno, a ellos se sumaron
otros vinculados al quehacer estrictamente acadmico.
Todos mezclados y ms abundantes los segundos que los
primeros, lo que en definitiva era un fiel reflejo del estado
real del arte en la regin.
Tambin la exposicin acogi colecciones privadas
especficas, entre ellas una de pintura acadmica cubana,
otra de pinturas de Emilio Boggio y piezas del artista
uruguayo Pedro Blanes Viale procedentes de varias
colecciones. Asimismo, incorpor muestras del llamado
arte precolombino y del colonial, as como tapices
indgenas ecuatorianos, piezas ornamentales de indgenas
del Alto Amazonas e instrumentos musicales de indgenas
de Colombia y Ecuador, en una relacin no agotada.
Entendida como la presentacin conjunta del arte de
Amrica Latina hecha al medio cultural francs, la
exposicin reivindicaba, bajo la denominacin de arte,
las ms variadas manifestaciones de la produccin
cultural material y la artstica propiamente dicha, en
correspondencia con el modelo de museo enciclopdico
.Anyway, in the particular context of the time, the

exhibition met the countries of Latin Americas demands
of political and cultural independence from Europe,
as well as the hunger for cultural consumption of the
Other, which became a salient trait of the cosmopolitan
Parisian culture during that decade. The exhibition
attempted to create an extensive and inclusive Latin
American art history which, starting from the PreColumbian archaeological pieces, explored the material
evidences of the living indigenous cultures and reached
the most recent artistic production. For this reason, it
functioned as a proposal for the relative differentiation
or particularization of Latin America within the cultural
sphere of the West, summoning to this from its own title,
where the use of the adjective Latin American with its
resonances as a nationality adjective was attempted for
the first time.
This was a form of political stance at a time when the
relation between tradition and contemporaneousness
was fervently discussed and the notion that the artistic
and literary practices of each nation, region, etc., must
necessarily reveal cultural particularities became
widespread. Never as in those years, and above all
in the sphere of the avant-garde movements, could
the expectations about art of the Latin American and
European or more precisely French intellectual and
artistic communities, all of them avid for what marked the
difference, coincide so well.
de arte que intent usufructuar. No obstante, carente de

un plan, fue finalmente una sumatoria de colecciones
y obras a la mano. Desperdiciaba las posibilidades del
modelo en que se inspir con su incapacidad para
construir discurso acerca de la historia cultural y artstica
del subcontinente. Como permite corroborar el catlogo
de la muestra y la escasa repercusin crtica que sta
tuvo, la generosa expansin de la nocin de arte que
ensay lExposition dArt Amricain-Latin no pudo rebasar
el orden cultural del bazar.
De todas maneras, en el particular contexto de la poca la
exposicin satisfizo demandas de independencia poltica
y cultural de los pases de Amrica Latina respecto a
Europa, adems de las apetencias de consumo cultural
del Otro que, durante la dcada, se convirti enun
rasgo sobresalientede la cosmopolita cultura parisina.
La exposicin intentaba crearunahistoria artstica
latinoamericana prolongada e inclusiva que, partiendo
de las piezas arqueolgicas precolombinas, pasaba por
las evidencias materiales de las culturas indgenas vivas
y llegaba hasta la produccin artstica ms reciente. Por
eso funcion como una propuesta de diferenciacin o
particularizacin relativa de Amrica Latina dentro del
mbito cultural de Occidente, a lo que convocaba desde su
propio ttulo, donde se ensayaba por primera vez para una
exhibicin artstica el uso del adjetivo latinoamericano con
sus resonancias de gentilicio.
Esto era una forma de posicionamiento poltico en una
poca en que se discuta fervorosamente la relacin entre
tradicin y contemporaneidad y se extenda la idea de
que las practicas artsticas y literarias de cada nacin,
regin, etc., estaban obligadas a revelar particularidades
culturales. Nunca como en esos aos, y sobre todo en
el mbito de las vanguardias, pudieron coincidir tan
bien las expectativas sobre el arte de las comunidades
intelectuales y artsticas latinoamericanas y europeas
mejor, de la francesa , vidas unas y otra por las marcas
de la diferencia.
Raymond Cogniat. Exposition dArt Americain-Latin au Musee Galliera,

Revue de lAmerique Latine, Paris, May/ Mayo, 1924,
p. 434, first page of critical review / primera pagina de resena critica
INSTITUCIONES
/. 5 9

CONSIDER GLOBALITY
FROM THE SOUTH
PLANTEARNOS LA
GLOBALIDAD DESDE EL SUR
6 0 /. I N T E R V I E W
Portrait of Anibal Jozami. Photo credit: Universidad Nacional de Tres de Febrero

/ Retrato de Anibal Jozami. Credito fotogrfico: Universidad Nacional de Tres de Febrero
I
E
ENTREVISTA
/ INTERVIEW
The Dean of the National University of Tres

de Febrero and brand new Director General
of America del Sur Biennal, spoke with Arte
al Da about this new project of regional
integration that will take place in Buenos
Aires in 2017.
Anbal
Jozami
El Rector de la Universidad Nacional de Tres
de Febrero y flamante Director General de la
Bienal de arte de Amrica del Sur, convers
con Arte al Da sobre este nuevo proyecto de
integracin regional que se llevar a cabo en
Buenos Aires en 2017.
POR / BY
Diego Costa Peuser

Buenos Aires
E N T R E V I S TA / . 6 1
Why another biennial and

why the America del Sur
Biennal?
This must be analyzed from
the point of view of politics
and then from that of art.
The integration of the Latin
American countries is a longdating aspiration that can be
observed both in the solution
of the great majority of border
conflicts when the will is a
coming closer expressed by
the blocks of the Mercosur
and the action of the Pacific
Alliance. This integrating
vocation can also be noticed in
the creation of the UNASUR.
All these elements show that
we are embarked along this
path and that everything that
may be done to consolidate
cultural bonds between our
countries is correct and will
contribute to this approach,
since there is nothing better
to internalize these processes
than to undertake actions to
make individuals feel these
identities as their own.
If we analyze it from the
perspective of art, we see
that the different biennials
are correlative: the Sao

Paulo Biennial makes its
appearance as a result of the
industrial emergence of that
city in the mid-20th century,
and the Venice Biennial
because of the enthusiasm
of the Venetian bourgeoisie
with regard to the Italian
reunification, originating
the First International Art
Biennial. We may enumerate
others and we will see that
similar phenomena occur.
This case is different, since
it is an international event
undertaken by a group
of nations integrated in
a region, which aspire to
show their cultures on a par
with those of the Northern
countries in such a way as
to cease being participants
of a quota within diversity.
What does this mean,

having so many artists from
South and Latin America
who are successful at the
international level?
We believe that the success
of many South American
Por qu otra bienal y por

qu de Amrica del Sur?
Esto hay que analizarlo
desde la poltica y luego
desde el arte. La integracin
de los pases sudamericanos
es un antiguo anhelo
observable tanto en la
solucin de la gran mayora
de los diferendos fronterizos
cuanto en la voluntad de
acercamiento expresada por
los bloques del Mercosur
y la accin de la Alianza
del Pacfico. Tambin se
advierte esta vocacin
integradora en la creacin
de la UNASUR. Todos estos
elementos demuestran
que se est en ese camino
y que todo lo que se haga
para afianzar vnculos
culturales entre nuestros
pases es acertado y
contribuir al acercamiento,
ya que nada mejor para
internalizar estos procesos
que emprender acciones
que colaboren a que los
sujetos sientan estas
identidades como propias.
Si lo analizamos desde
la perspectiva del arte
vemos que las distintas

bienales son correlativas:
la de San Pablo surge por
la emergencia industrial
de esta ciudad a mediados
del siglo pasado y la de
Venecia, por el entusiasmo
de la burguesa vneta por
la reunificacin italiana,
SE ADVIERTE
ESTA VOCACIN
INTEGRADORA EN
LA CREACIN DE LA
UNASUR. TODO LO
QUE SE HAGA PARA
AFIANZAR VNCULOS
CULTURALES ENTRE
NUESTROS PASES
ES ACERTADO Y
CONTRIBUIR AL
ACERCAMIENTO.
originando la primera
Bienal Internacional de
Arte. Podemos enumerar
otras y veremos que se
dan fenmenos similares.
Charly Nijensohn. El xodo de los olvidados 13th day #26. Photo 30 x 12.8 cm /
Charly Nijensohn. El xodo de los olvidados - 13vo da #26. Fotografa 30 x 12.8 cm
6 2 /. I N T E R V I E W
artists is being the exception

that confirms the rule
of ignorance about the
region, and also the lack of
appreciation at the level that
would correspond to diverse
movements and currents
originating in our countries.
(And this is valid for
Uruguayan constructivism,
the movements of Argentine
social art, a large part of the
kinetic artists, Ecuadoran
muralism, among other
historical artistic processes).
It would seem normal or
even worse, that almost
nobody questions the fact
that the work of Portinari,
Revern or Berni, are not
included in major museums.
THIS INTEGRATING
VOCATION CAN
ALSO BE NOTICED
IN THE CREATION
OF THE UNASUR.
EVERYTHING THAT
MAY BE DONE TO
CONSOLIDATE
CULTURAL BONDS
BETWEEN OUR
COUNTRIES IS
CORRECT AND WILL
CONTRIBUTE TO
THIS APPROACH.
This is the reason why we
consider an ambit where
it is possible to establish a
dialogue on a par between
our artists and those who
appear today as the most
respected at world level.
This not only has to do with
artists, in the strict sense,
but also with the production
of theory, our theoreticians,
who in many cases surpass
the production of Europeans
and Americans, and do
not reach the equivalent
levels of circulation that
they would deserve.

It is a question of
reconsidering the circulation
channels or of remaking
passports or redesigning
the world atlas, as two
renowned South American
thinkers say. In other words,
of considering globality
from the south, as TorresGarca had imagined.
When one analyzes that
today the exhibition held
in Paris with the greatest
affluence of public is the
one of Congolese artists,
one may perceive that it
is the moment to do so.
Who will curate the

biennial?
We are not considering an
authors biennial based on an
individual thinking, but rather
the criteria will emerge
from an encompassing
curatorial committee
composed of those who
emerge from the open call
we will issue and others will
be invited by the Biennial
Direction. Diana Wechsler,
renowned professional from
Argentina, with whom I have
shared work experience
in the framework of the
MUNTREF (Museum of
the National University of
Tres de Febrero) which I
direct, will be responsible
for the coordination of this
ensemble. We also consider
assessing the opinion of
some historical collectors
from our countries who
have actively collaborated
through their international
actions in the preservations
and appreciation of the
work of many artists.
Where will the biennial take

place?
The main venue will be the
Centro Cultural Kirchner,
which will function as a place
Charly Nijensohn. Carachi Pampa 3rd day #23. Photo 20 x 30 cm.

/ Charly Nijensohn. Carachi Pampa - 3er da #23. Fotografa. 20 x 30 cm.
En este caso es diferente,

ya que se trata de un evento
internacional encarado por
un conjunto de naciones
integradas en una regin,
que aspiran a mostrar sus
culturas en pie de igualdad
con las de los pases del
norte de manera de dejar
de ser partcipes de un cupo
dentro de la diversidad.
Qu significa esto, habiendo

tantos artistas sud y
latinoamericanos que tienen
xito a nivel internacional?
Creemos que el xito
de muchos artistas
sudamericanos est
siendo la excepcin que
confirma la regla del
desconocimiento sobre la
regin y tambin la falta
de valoracin al nivel que
correspondera de diversos
movimientos y corrientes
originados en nuestros
pases. (Y esto es vlido
para el constructivismo
uruguayo, los movimientos
de arte social de Argentina,
buena parte de los artistas
cinticos, el muralismo
ecuatoriano, entre otros
procesos histrico artsticos).
Pareciera normal, o peor,
casi nadie se cuestiona el
hecho de que en los grandes
museos est ausente la obra
de Portinari, Revern o de
Berni, por ejemplo. Por eso
nos planteamos un mbito
donde se pueda establecer
un dilogo en condicin
de paridad entre nuestros
artistas y aquellos que
aparecen hoy como los ms
respetados a nivel mundial.
Esto no slo tiene que ver
con los artistas propiamente
dichos sino tambin con
la produccin de teora,
nuestros tericos, que en
muchos casos superan en
produccin a los europeos y
norteamericanos, no alcanzan
el nivel equivalente de
circulacin que ameritaran.
E N T R E V I S TA / . 6 3
Se trata de replantearnos
los canales de circulacin o
de rehacer los pasaportes
o rediagramar el atlas
mundial, como dicen dos
pensadores renombrados
de Sudamrica. En otras
palabras, de plantearnos la
globalidad desde el sur como
haba imaginado TorresGarca. Cuando se analiza
que hoy la exposicin con
mayor pblico en Paris es
la de artistas congoleses
se puede vislumbrar que es
el momento para hacerlo.
POR ESO NOS

PLANTEAMOS UN
MBITO DONDE SE
PUEDA ESTABLECER
UN DILOGO EN
Charly Nijensohn. Carachi Pampa - 4th day #40. Photo 30 x 20 cm. /
Charly Nijensohn. Carachi Pampa - 4to da #40. Fotografa 30 x 20 cm.
of emission and reception,

since via Internet, in different
places of the region there
will be simultaneous parallel
activities. Likewise, before
its inauguration it will be
open to the public and to
students from different
countries, who will be invited
to participate in the process
of construction of the works.
What relationship do you

plan to establish with
similar events in the region?
With the closest one in terms
of time and geography, which
is the Mercosur Biennial
in Porto Alegre that once
again will take place at the
same date in 2017. We have
already initiated a dialogue
to establish agreements
and coordination. We will
do the same with the other
biennials in the region. We
will also utilize the context
of some of the fairs held in
our countries to disseminate
and make this project
known. Of course, we aspire
6 4 /. I N T E R V I E W
to include arts schools,

universities, cultural centers,
museums, etc., in our project
from their specificities.
WE CONSIDER AN
AMBIT WHERE
IT IS POSSIBLE
TO ESTABLISH
A DIALOGUE ON
A PAR BETWEEN
OUR ARTISTS AND
THOSE WHO APPEAR
TODAY AS THE
MOST RESPECTED
AT WORLD LEVEL.
The idea is to gradually
integrate, through a virtuous
collaboration process, art
schools, universities, etc.,
for an integral and articulate
development of this biennial
format that we are imagining,
greater integration and
wider social scope.
CONDICIN DE
PARIDAD ENTRE
NUESTROS ARTISTAS
Y AQUELLOS QUE
APARECEN HOY COMO
LOS MS RESPETADOS
A NIVEL MUNDIAL.
Quin va a curar la bienal ?
No nos planteamos una
bienal de autor con un
pensamiento individual
sino que los criterios
surgirn de un amplio
comit curatorial integrado
por quienes surjan del
concurso que llamaremos
y otros que sern invitados
por la Direccin de la
Bienal. La coordinacin
de este conjunto estar a
cargo de Diana Wechsler,
reconocida profesional de
la Argentina con la que ya
tengo experiencia de trabajo
conjunto en el marco del
MUNTREF (Museo de la
Universidad Nacional de Tres
de Febrero), que yo dirijo.
Nos planteamos tambin
valorar la opinin de algunos
coleccionistas de raza, que

los hay en el mbito de
nuestros pases y que con su
accionar internacional han
colaborado activamente en
el resguardo y valoracin de
la obra de muchos artistas.
Dnde se realizar la bienal?

El mbito principal ser el
Centro Cultural Kirchner, que
funcionar como lugar de
emisin y recepcin, ya que
por va electrnica existirn
actividades paralelas, en
simultneo, en diferentes
lugares de la regin. Asimismo,
antes de su inauguracin
estar abierta al pblico y
a estudiantes de distintos
pases que sern invitados a
participar en el proceso de
construccin de las obras
Cul es la relacin que

piensan establecer con otros
eventos similares en la regin?
Con la ms cercana en
tiempo y geografa, que es
la Bienal del Mercosur en
Porto Alegre, que nuevamente
se realizar para la misma
fecha de 2017. Ya iniciamos
un dilogo para establecer
acuerdos y coordinacin. Esto
mismo lo haremos con las
otras bienales de la regin.
Asimismo, utilizaremos el
mbito de algunas de las ferias
que se realizan en nuestros
pases para divulgar y difundir
este proyecto. Por supuesto,
aspiramos a que las escuelas
de arte, las universidades,
los centros culturales,
museos, etc., formen parte
desde sus especificidades, de
nuestro proyecto. La idea es
ir integrando en un proceso
virtuoso de colaboracin,
escuelas de arte universidades,
etc., para un desarrollo
integral y articulado de este
formato de bienal que estamos
imaginando, ms integrador y
de mayor alcance social.
New York
Panorama of the City of New York, Queens Museum. Photography: Spencer Lowell
Randalls Island Park

May 58, 2016
Preview May 4
Tickets at frieze.com
ART
DESIGN
ARCHITECTURE
@Cultured_Mag
A detail from Cultureds Fall Artist
Edition cover by Mary Weatherford.
La creatividad como leitmotiv

Creativity as a leitmotiv
CENTRO UNIVERSIDAD DE MXICO. DF.
Aerial view of CENTROs New Campus. / Vista area de CENTRO.

Photo courtesy of / Fto cortesa de Centro.
POR / BY
Sonia Becce*
Buenos Aires
fundamental instrument of social change, education

as practice should, ideally, reflect specific and
changing realities. The design of educational strategies
necessarily entails a certain idea of the individual and of
society, the role of the public and of the private, coordinated
efforts to meet the demands of a given society.
Out of the conviction that education enables a society to
progress, Gina Diez Barroso, a visionary and influential
businesswoman, and Abraham Franklin, a renowned
health care professional, launched a one-of-a-kind
educational project in Mexico in 2001. Since the beginning,
the challenge has been to re-think existing educational
models, outdated due not only to the failure to innovate
programs but also to obsolete machinery, equipment,
and technology. Diez Barrosos experience in the field
of creativity proved decisive to spearheading the various
stages of what would later be known as CENTRO.
Since the beginning, the challenge has

been to re-think existing educational
models, outdated due not only to the failure
to innovate programs but also to obsolete
machinery, equipment, and technology.
For three years, Kirsten Scheuch, an experienced
professional who has been the General Director of CENTRO
since its inception, supervised a committee of specialists
engaged in structuring the new proposal. The committee
addressed the general needs of these times and the
specific needs of Mexico in developing programs and
contents for the different courses. By the time CENTROs
first headquarters opened, in 2004, the institution offered
degree programs in the fields of communication, film and
television, digital media, and various branches of design.
In the ten years since, CENTROs prestige has expanded and
many former students have enjoyed considerable professional
growth. On September 29th 2015, a new CENTRO campus
a educacin como prctica responde -en el mejor de los

casos- a realidades concretas y cambiantes, y su poder
como instrumento fundamental de cambio social es
insoslayable. El diseo de estrategias educativas supone una
idea de individuo y de sociedad, y del rol de lo pblico y lo privado
en la articulacin de las demandas de una poblacin dada.
Con el convencimiento que la educacin lleva a hacer progresar
a una sociedad, Gina Diez Barroso, una mujer de negocios
visionaria e influyente, concibi en el 2001, junto a Abraham
Franklin, un prestigioso profesional en el rea de la salud, el
comienzo de un proyecto educativo dedicado a la creatividad,
nico en Mxico. Desde el comienzo el desafo fue repensar
los modelos pedaggicos existentes, que se haban vuelto
anacrnicos no solo por la desactualizacin de sus programas
sino tambin por la obsolescencia de mquinas, equipos y
tecnologa. La experiencia en el campo de la creatividad de Diez
Barroso fue decisiva al momento de liderar las distintas etapas
en la evolucin de lo que ms tarde se conocera como CENTRO.
Desde el comienzo el desafo fue repensar

los modelos pedaggicos existentes, que
se haban vuelto anacrnicos no solo por
la desactualizacin de sus programas
sino tambin por la obsolescencia de
mquinas, equipos y tecnologa
Durante tres aos, la experimentada profesional Kirsten
Scheuch, Directora General de la institucin desde ese
momento hasta la actualidad, dirigi un comit de especialistas
que se dedic a estructurar la nueva propuesta educativa
-atendiendo a las necesidades de nuestro tiempo y a las del
propio Mxico- para el armado de los programas y contenidos
de las distintas carreras que se dictaran all. Fue en 2004
cuando se abri la primera sede, ofreciendo las licenciaturas
en comunicacin, cine y televisin, medios digitales y diseo en
sus mltiples especialidades.
INSTITUCIONES
/. 6 9
General view of Centro. / Vista general de Centro.

Photo / Foto: Luis Gordoa.
Courtesy of / Cortesa de TEN Arquitectos and Centro.

Han transcurrido diez aos de un proyecto que ha cimentado

su prestigio y muchos profesionales formados en esa casa de
estudios han accedido a nuevas oportunidades de crecimiento
laboral. El 29 de setiembre de 2015, sobre la avenida
Constituyentes en el Distrito Federal, se inaugur el nuevo
campus de CENTRO, un proyecto del arquitecto mexicano
Enrique Norten, que obliga a retener la respiracin cuando
se lo ve por primera vez. Se trata de un complejo de tres
edificios interconectados, distribuidos entre grandes espacios
verdes destinados a oxigenar la vida universitaria de los ms
de 2500 estudiantes que cursan actualmente sus carreras.
La proyeccin es que la matrcula llegue a 6000 en un futuro
prximo. No es casual que la comisin de la obra haya recado
en el estudio TEN Arquitectos, ya que Norten haba sido parte
de la evolucin de CENTRO desde su inicio y haba participado
activamente de las discusiones de los directores, que se
dedicaron durante mucho tiempo a identificar las necesidades
de los espacios destinados a cada una de las disciplinas.
El complejo incluye un auditorio con capacidad para 450
asistentes, un foro de produccin de cine de ltima generacin
y talleres de diseo textil, industrial, joyera y cermica,
cada uno equipado con maquinaria y tecnologa de ltima
generacin. El enfoque disciplinario est dirigido a proveer a
los futuros profesionales no solo de una slida preparacin
intelectual, sino tambin de una formacin con una fuerte
inmersin y dedicacin en la prctica de sus reas especficas.
Es por dems auspicioso el nfasis puesto en zanjar el
divorcio entre teora y praxis, existente en la mayora de las
instituciones en las que se dictan estas carreras. En CENTRO

was opened on Constituyentes Avenue in Mexico City. The

breathtaking complex designed by Mexican architect Enrique
Norten consists of three interconnected buildings on vast
green spaces intended to keep the minds of the 2,500
The complex includes an auditorium

that can hold up to 450 people, a cuttingedge forum for film production, and
workshops in textile and industrial
design and jewelry making and ceramics,
each with state-of-the-art machinery
and technology. The approach aims to
provide the future professionals not only
with solid intellectual training, but also
with deep knowledge of and commitment
to their specific areas.
students that attend CENTRO alert (enrollment is expected
to reach 6,000 in the near future). It should come as no
surprise that TEN Arquitectos was commissioned to design
se potencia una vuelta a los oficios, rescatando y jerarquizando

la habilidad artesanal, impulsando la vivencia fsica de lo que
significa estar capacitado para disear una prenda, una joya o
un artculo de decoracin, hacer un molde, usar una mquina
de coser o manipular una prensa hidrulica.
El complejo incluye un auditorio con

capacidad para 450 asistentes, un
foro de produccin de cine de ltima
generacin y talleres de diseo textil,
industrial, joyera y cermica, cada uno
equipado con maquinaria y tecnologa
de ltima generacin.
Durante el recorrido por las instalaciones, sorprende el
equipamiento de las aulas y talleres, tanto por la diversidad
de herramientas y maquinarias como por la sofisticacin
tecnolgica. Pero lo que es an ms estimulante es que los
estudiantes tienen acceso a las aulas durante las veinticuatro
horas del da y son alentados a poner a prueba sus proyectos en
el Centro de Investigacin de la institucin. La preocupacin por
el contacto con el mundo real y la insercin en el campo laboral
desde que comienzan a cursar las carreras ha estado siempre
INSTITUCIONES
/. 7 1
The founders Gina Diez Barroso and Abraham Franklin in the opening day. Photo courtesy of Centro. /
Los fundadores Gina Diez Barroso y Abraham Franklin en el da de la inauguracin.
Photo courtesy of Centro. / Fotografa cortesa de Centro.
the project: Norten has been part of the CENTRO project

since its early days and an active participant in discussions
with the directors, who spent a great deal of time identifying
the needs of the spaces assigned to each discipline.
Crucial as well is the fact that

CENTRO has faculty members and
lecturers from nineteen different
countries. Thanks to their coordination,
they encourage students to form their
own networks and connections
The complex includes an auditorium that can hold up to
450 people, a cutting-edge forum for film production, and
workshops in textile and industrial design and jewelry
making and ceramics, each with state-of-the-art machinery
and technology. The approach aims to provide the future
professionals not only with solid intellectual training, but
also with deep knowledge of and commitment to their
specific areas. The emphasis on bridging the gap between
presente y se ha podido materializar a partir de alianzas con

otras instituciones universitarias internacionales y con empresas
innovadoras de primera lnea. Es crucial, adems, haber
dotado a CENTRO de un cuerpo de profesores y conferencistas
provenientes de diecinueve pases, que, a la manera de un
sistema de nodos y redes, incitan a los estudiantes a armar
Es crucial, adems, haber dotado a

CENTRO de un cuerpo de profesores
y conferencistas provenientes de
diecinueve pases, que, a la manera de
un sistema de nodos y redes, incitan a
los estudiantes a armar su propia red
de conexiones
su propia red de conexiones mientras se forman y desarrollan
su trabajo. Entre los planes a futuro, est el desafo de crear
la carrera de Artes Visuales, pero los fundadores prefirieron,
durante estos primeros aos, dedicar el esfuerzo a las
theory and praxis that characterizes most institutions

offering degree programs in these areas is highly
auspicious. CENTRO endorses a return to craft, salvaging
and prioritizing artisanal skills, encouraging the physical
experience of being trained to design a garment, a piece of
jewelry, or a decorative item and knowing how to make a
mold, use a sewing machine, or work a hydraulic press.
In touring the premises, one is surprised by the range of tools
and machinery found in classrooms and workshops and by their
level of technological sophistication. But even more important
is the fact that students have access to the classrooms twentyfour hours a day; they are encouraged to test their projects
out at the Research Center. From the very beginning of the
various programs, emphasis is placed on contact with the real
world and with finding a place in the labor market. This means
alliances with other international universities and with forwardlooking companies. Crucial as well is the fact that CENTRO
has faculty members and lecturers from nineteen different
countries. Thanks to their coordination, they encourage
students to form their own networks and connections while
they get training and develop their own work. Though there
are plans to eventually tackle the challenging task of creating
a degree program in the visual arts, the foundersaware
of the resources and dedication such an undertaking would
entailhave decided, at least for now, to concentrate on the
bachelor and masters programs in the areas mentioned above.
Projects like CENTRO are much needed in Mexico and in
Latin America in general, and their advent auspicious. On
the basis of the conviction that education is liberating and
leads to better and wider life choices in the future, it would be
desirable, to say the least, if similar endeavors, which include
private resources, were to prosper in other countries.
*Independent curator Sonia Becce lives and works in Buenos Aires
licenciaturas y maestras mencionadas, conscientes de que

emprender ese camino supone atender requisitos especficos y
exigir una importante dedicacin humana y de recursos.
Proyectos como CENTRO son muy necesarios y auspiciosos
en Mxico y en Latinoamrica. Sera ms que deseable que
emprendimientos similares -en los que el esfuerzo privado
se hace presente- prosperaran en otros pases, con el
convencimiento de que la educacin es liberadora y conduce a
mejores y ms amplias elecciones de vida y de futuro.
*Sonia Becce es curadora independiente. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Visual communication area. / Area de comunicacin visual.

Photo / Foto: Mara Snchez Renero
Courtesy of / Cortesa de Centro y And Diarq, Diseo Y Arquitectura
INSTITUCIONES
/. 7 3
New Proposal
Propuesta Renovada
MUSEO GURVICH (Montevideo)
Museo Gurvich facade, 524 Sarand Street, Montevideo.

/ Fachada del Museo Gurvich, en Sarand 524, Montevideo.
POR / BY
Cristina Rossi
Buenos Aires
ontevideos Old City has a new cultural attraction. Last

November 24, the Museo Gurvich re-opened its doors on
Sarand Street, a walking street just a few paces from
Plaza Constitucin. The museum dedicated to Jos Gurvich
Joaqun Torres Garcas outstanding disciplenot only shows
the artists constructivist production, but also the changes that
took place in his work after he visited European museums and
lived on Kibbutz Ramot Menasch. That was when Gurvichs
painting left the constructivist grid behind and the artist
discovered a new iconography.
The renovation of the 19th-century building was designed by
the Giordano-Lorente architectural firm. The project attempts
to offset the narrowness of the lot by creating a wide range of
views. Hollows and gaps join the different levels together to
render the spaces more flexible without compromising views of
the entire museum. Thanks to this approach, from each gallery
it is possible to imagine the course of the visit and to expand
the breadth of vision.
The project attempts to offset the

narrowness of the lot by creating a
wide range of views. Hollows and
gaps join the different levels together
to render the spaces more flexible
without compromising views of the
entire museum.
When the Gurviches were expecting their son, Martn, Rafael
Lorente renovated their home on the basis of guidelines
developed in conjunction with the artist. That same architect
was the one who undertook the restorations for the museum.
His project not only preserves the historical building, but also
attempts to salvage some of the details that the previous
renovation had hidden. He explains, In a way, this project meant
the end of a cycle. In restoring the building, I re-encountered
the basics of the original constructionbrick, wood and stone
beamsthat is, the same materials I had used to build Gurvichs
house in the sixties. In this project, I tried to make the most of
those materials and of the light, heeding the intimacy that this
almost archeological endeavor entailed.
The ground floor is used to exhibit Gurvichs murals which,
because of their size, must be viewed from a certain
a Ciudad Vieja de Montevideo tiene un nuevo atractivo

cultural. El pasado 24 de noviembre el Museo Gurvich
reabri sus puertas en la peatonal Sarand, a pasos de
la Plaza Constitucin. Se trata del Museo dedicado a Jos
Gurvich destacado discpulo de Joaqun Torres Garca que,
adems de mostrar su obra constructiva, presenta los cambios
que se sucedieron despus de recorrer los museos europeos
y de haber habitado en el kibutz Ramot Menasch, cuando su
pintura se liber de la grilla constructiva y renov su repertorio
iconogrfico.
El diseo ha buscado compensar la

estrechez del terreno generando vistas
muy diversas, con huecos y vacos que
conectan las plantas para flexibilizar
los espacios y mantener la percepcin
del conjunto.
El nuevo edificio fue adaptado por el estudio Giordano-Lorente
sobre una construccin del siglo XIX. El diseo ha buscado
compensar la estrechez del terreno generando vistas muy
diversas, con huecos y vacos que conectan las plantas para
flexibilizar los espacios y mantener la percepcin del conjunto,
de modo que las salas permiten prever los recorridos y
expandir las visiones.
Cuando el matrimonio Gurvich esperaba el nacimiento de su
hijo Martn, Rafael Lorente reform una casa a partir de las
pautas que intercambi con el artista. Al encarar los trabajos
de restauracin del museo, este mismo arquitecto no slo
respet el edificio histrico sino que trat de recuperar algunos
detalles constructivos que el reciclaje anterior haba ocultado.
Al respecto expres: con esta obra se puede decir que he
cerrado un ciclo, porque al restaurar el edificio me volv a
encontrar con la naturaleza constructiva, el ladrillo, las vigas
de madera y la piedra, los mismos materiales con los que
haba construido la casa de Gurvich en los aos 60; entonces,
trat de potenciar esa materialidad, la luz y el carcter
intimista que iba surgiendo en ese trabajo casi arqueolgico en
el lugar.
El espacio de la planta baja est destinado a exhibir los
murales, que por sus dimensiones requieren una buena
perspectiva de visin: desde Movimientos Geomtricos
INSTITUCIONES
/. 7 5
(originalmente realizado para la casa Reims), El mundo del

Kibutz, pintado en el comedor pblico del kibutz (extrado de
su emplazamiento en Israel y hoy perteneciente al Museo) y el
gran Mural constructivo pintado para la Caja de Pensiones del
Frigorfico del Cerro, actualmente prestado por el Banco de
Previsin Social.
Por otro lado, el proyecto arquitectnico logr sacar muy buen
partido de la superficie disponible, ya que se agregaron un
entrepiso y dos plantas que permiten un recorrido continuo.
En este sentido, el guin de la coleccin de obras de Gurvich
pertenecientes al Museo est organizado en seis ncleos
cronolgicos desde el tercer nivel hacia abajo. En la primera
parte estn las obras tempranas en las que retrat a su
familia, muchas veces a partir de las fotografas tomadas
en Lituania y los trabajos realizados bajo la direccin de su
maestro Torres Garca.
Brick walls and views of the lower level.
/ Paredes de ladrillo y vistas al piso inferior.
distance. The murals on display are Movimientos Geomtricos

[Geometric Movements], originally produced for Casa Reims;
El mundo del Kibutz [The World of the Kibbutz], painted in
the kibbutzs dining hall and then removed from Israel to
form part of the museums collection; and the great Mural
constructivo [Constructive Mural], painted for the Caja de
Pensiones del Frigorfico del Cerro and currently on loan from
the Banco de Previsin Social.
The ground floor is used to exhibit

Gurvichs murals which, because of
their size, must be viewed from a
certain distance.
The renovation made excellent use of all the surface area
available by adding a loft and two additional levels that allow
the space to be explored without interruption. The museums
collection of Gurvichs work is organized into six chronological
clusters from the third level downwards. The first section
contains his early worksportraits of family members
often based on photographs taken in Lithuaniaand works
produced under the supervision of his mentor, Torres Garca.
The works include a number of constructivist still lives and
landscapes, as well as some pieces structured on the basis of
the golden ratio. Others, like Barco constructivo [Constructivist
Boat] and Colores puros [Pure Colors], both produced in 1948,
are conceived in a synthetic language of symbols painted in
pure colors. The next section, which is entitled Discovering
his own voice and visual language, contains works like
Formas, smbolos e imgenes [Forms, Symbols, and Images,
1967] that evidence the moment in Gurvichs production when
forms were freed from an ordering structure.
During his first trip to Israel, Gurvich came into contact with
the religion of his ancestors and with the cultural habits of the
kibbutz, all of which makes itself felt in works like Anunciacin
El espacio de la planta baja est

destinado a exhibir los murales, que por
sus dimensiones requieren una buena
perspectiva de visin.
Entre las obras se encuentran varias naturalezas muertas
y paisajes pintados segn la regla constructiva. Tambin se
presentan algunas pinturas no slo tratadas a partir de la
seccin urea, sino tambin concebidas mediante el lenguaje
sinttico de smbolos pintados con colores puros, como Barco
constructivo o Colores puros (1948). Titulado Descubriendo su
propia voz y lenguaje plstico, el siguiente ncleo presenta
el momento en el cual las formas se liberan de la estructura
ordenadora, entre ellas: Formas, smbolos e imgenes (1967).
Tras su primera visita a Israel, Gurvich tom contacto con la
religin de sus antepasados y con los hbitos culturales del
kibutz, todo lo cual impact en las largas series dedicadas a
las fiestas judas y a los temas bblicos como la Anunciacin
de Sara, aspectos que continu trabajando cuando en 1970 se
radic en Nueva York. Pero, adems, en esa vertiginosa ciudad
sus pinturas expresaron la imponencia frente a los rascacielos
y la alienacin que observaba en las multitudes. Como parte de
esa muchedumbre, sus hombres comenzaron a fragmentarse:
piernas, brazos y manos asomaron de los tachos de basura,
aparecieron junto a la cartelera callejera o en los monumentos
que proyect, aunque no lleg a concretar.
El Museo tambin dedica un espacio para rendir homenaje
a Tot Aorga la viuda del artista y para la obra de otros
compaeros del Taller Torres Garca, como Gonzalo Fonseca,
Horacio Torres, Manuel Pails, Francisco Matto, Julio Alpuy,
Edgardo Ribeiro, Jos Montes, Antonio Pezzino y Manuel Aguiar.
El piso superior est reservado para programar exposiciones
temporarias que, segn ha manifestado Martn Gurvich,
Director del Museo, procurar incluir dos muestras de
investigacin por temporada, una sobre recortes especficos o
dilogos de la obra de Gurvich con otros artistas (presentada
en la segunda parte del ao que se mantendr en los veranos)
y hacia el mes abril proyecta realizar muestras sobre otros
de Sara [Saras Annunciation] and long series on the Jewish

holidays and biblical themes. Those interests would continue
to be central to Gurvichs art until 1970, when he moved to
New York. The works he made in that vertiginous city express
a sense of powerlessness before enormous skyscrapers and
the alienation of the crowd. As part of those multitudes, the
men in these paintings begin to come apart: legs, arms, and
hands inching out of trashcans appear alongside street signs
or in the monuments he planned but never produced.
The museum has a section that pays tribute to Tot Aorga
Gurvichs widowand another that displays work by fellow
students at the Taller Torres Garca (artists like Gonzalo
Fonseca, Horacio Torres, Manuel Pails, Francisco Matto,
Julio Alpuy, Edgardo Ribeiro, Jos Montes, Antonio Pezzino,
and Manuel Aguiar).
The upper level is reserved for planning temporary
exhibitions. According to the museums director, Martn
Gurvich, two investigative exhibitions will take place each
season: one focused on formulating dialogues between
Gurvichs work and the work of other artists or on addressing
a specific segment of the artists production (those shows will
be held late each year and encompass the South American
summer); and one that deals with other artists or periods
(those shows will open in April of each year). Xul Solar,
Fernando de Szyszlo, and Wifredo Lam are among the
artist we would like to exhibit. We would also like to develop
exchanges with other local and regional institutions, explains
the museums director.
This South American summer, the space for temporary
exhibitions will present Jos Gurvich y el Cerro, featuring
works on the mountain landscape Gurvich painted so often
as well as portraits of his neighbors. The museum is open
Monday to Friday from 10 a.m. to 6 p.m. and Saturdays from
11 a.m. to 3 p.m. At its new location, the Museo Gurvich forms
part of the Old Citys cultural circuit, which is enjoyed not only
by locals, but also by the many tourists that visit Montevideo
all year round.
artistas o perodos: entre los que nos gustara exhibir a Xul

Solar, Fernando de Szyszlo o Wifredo Lam, as como gestionar
algunos intercambios con otras instituciones locales o
regionales, complet el Director.
Para este verano, en el espacio para muestras temporarias
se presenta Jos Gurvich y el Cerro, temtica frecuente en su
pintura ya que se trata del paisaje y los vecinos de su casataller. Abierto de lunes a viernes de 10 a 18 y los sbados de
11 a 15 horas, en su nuevo emplazamiento el Museo Gurvich
completa el circuito cultural que ofrece la Ciudad Vieja no slo
para el pblico local, sino tambin para el fluido turismo que
recibe permanentemente la capital uruguaya.
Jos Gurvich, Proyecto para Monumento IV con puente,

Tempera on paper, 34.5 x 42 cm. [Project for Monument IV with Bridge], 1972.
View of the ground floor with the large murals.

/ Vista de la planta baja con los grandes murales.
INSTITUCIONES
/. 7 7
NUEVAS CARTOGRAFAS
EN EL ARTE CONTEMPORNEO
Buenos
Aires
NEW CARTOGRAPHIES
IN CONTEMPORARY ART
The new Ruth Benzacar Gallerys space before the mounting of Liliana Porters exhibition.
/ El nuevo espacio de la galera Ruth Benzacar previo al montaje de la muestra de Liliana Porter.
POR / BY
Laura Casanovas
Buenos Aires
f one observes the map of Buenos Aires city, the

neighborhood of Villa Crespo appears almost at the center
of the image. And from it, drawing a straight line towards
the southern limit of the city, one arrives in the neighborhood
of La Boca. Contemporary art is expanding throughout the
geographies of both territories.
At the end of 2014, Ruth Benzacar, Gachi Prieto and
Nora Fisch galleries relocated to Villa Crespo, which still
maintains the spirit of single-story houses. SlyZmud had
settled there already in 2011. While Document Art and La
Ira de Dios (Gods Wrath) project had already been in the
area for some years, they relocated to spacious warehouses
in 2014. But the first to arrive in the neighborhood in 2002
was Arte x Arte, -currently Alfonso and Luz Castillo Arte
x Arte Foundation-, which was also a pioneer in offering
a large space in Lavalleja 1062. Since as new territories
for the visual arts are generated, the surface of the
exhibition spaces increases in consonance with the needs of
contemporary art.
The Villa Crespo circuit can be toured on foot. The historical
Ruth Benzacar gallery left behind its emblematic venue on
Florida Street, in a basement in the heart of Buenos Aires
downtown to relocate to a large storehouse in what used to
be an industrial building in Velasco 1287. Those responsible
for the gallery assert that the white warehouse beats the
white cube at every level: economic, symbolic, and in terms
of urban development. One of the reasons for moving was
to be able to offer artists a space with more freedom. There
was also the wish that the project might continue to grow
and that a circuit might be generated, Mora Bacal, director
of the gallery together with her mother, Orly Benzacar,
following in the tradition of her grandmother, Ruth
Benzacar, points out.
Spaciousness also characterizes La Ira de Dios project, in charge
by artists Pablo Caligaris and Carolina Magnin, in a warehouse in
Aguirre 1029, which features exhibitions in the ground floor and
houses seven artists workshops in the first floor. The space also
hosts seminars and international residencies, which gives rise
to a dynamic, non-for-profit proposal, similar to others already
existing in other parts of the world.
Nearness to these spaces is valued and sought after.
Gachi Prieto Gallery, of a more traditional size and
featuring a double-pane shop window that invites
visitors to walk in is located at Aguirre 1017, adjacent
to La Ira de Dios. This gallery also offers programs
in artistic and curatorial practice, characteristic in
present-day contemporary art spaces, which function as
environments for reflection and analysis. It is important
i se observa el mapa de la ciudad de Buenos Aires,

casi en el centro de la imagen se encuentra el barrio
de Villa Crespo. Y desde l, trazando una lnea recta
hacia el lmite sur, se llega al barrio de La Boca. Por ambas
geografas se est expandiendo el arte contemporneo.
A finales de 2014 se mudaron a las calles de Villa Crespo
-que an conserva el espritu de barrio de casas bajas- las
galeras Ruth Benzacar, Gachi Prieto y Nora Fisch. Desde
2011 estaba instalada SlyZmud. En tanto, Document Art y el
proyecto La Ira de Dios, si bien se encontraban tambin en
la zona desde hace algunos aos, se trasladaron en 2014
a amplios galpones. Pero la primera en llegar al barrio en
2002 fue Arte x Arte -hoy Fundacin Alfonso y Luz Castillo
Arte x Arte-, que fue, asimismo, pionera en ofrecer un
espacio de grandes dimensiones en Lavalleja 1062. Porque
mientras se generan nuevos territorios para las artes visuales
se incrementa la superficie de los lugares de exposicin de
acuerdo con las necesidades del arte contemporneo.
Es posible recorrer el circuito de Villa Crespo a pie. La
histrica galera Ruth Benzacar dej atrs su emblemtico
espacio de la calle Florida, en un subsuelo en pleno centro
porteo, para situarse en un galpn de grandes dimensiones
en lo que fue un depsito industrial en Velasco 1287. En
la galera sostienen que el galpn blanco le gana al cubo
blanco en todos los niveles: econmicos, urbansticos
y simblicos. Hubo una razn de poder brindar a los
artistas un espacio ms libre. Tambin el deseo de que siga
creciendo el proyecto y de que se generase un circuito,
seal Mora Bacal, quien dirige la galera junto a su madre,
Orly Benzacar, siguiendo la herencia de su abuela Ruth
Benzacar.
La amplitud espacial tambin caracteriza al proyecto La Ira
de Dios, a cargo de los artistas Pablo Caligaris y Carolina
Magnin, en un galpn en Aguirre 1029, con exposiciones en
la planta baja y siete talleres de artistas en la planta alta.
All realizan seminarios y residencias internacionales, lo
cual genera una propuesta dinmica, sin fines de lucro, con
antecedentes en otros lugares del mundo.
La cercana entre los espacios es valorada y buscada.
Exactamente al lado de La Ira de Dios est la galera Gachi
Prieto, en Aguirre 1017, de dimensiones ms tradicionales
y con una vidriera de doble altura que invita a ingresar.
Esta galera ofrece tambin programas de prcticas para
artistas y curadores, que constituye una caracterstica
actual de los espacios para el arte contemporneo, los
cuales funcionan como mbitos de reflexin y anlisis. Es
importante hacer redes de confianza y de conocimiento,
seal Gachi Prieto, su directora. En tanto, el movimiento
INSTITUCIONES
/. 7 9
de la galera Document Art Gallery, en Castillo 243, con la

direccin de Mauro lvarez y Ricardo Ocampo, se concentra
en un galpn con cinco talleres de artistas en la planta alta,
el espacio de exposicin en la planta baja, una editorial con
sello propio y prximamente una residencia para artistas
latinoamericanos.
Mientras se generan nuevos territorios

para las artes visuales se incrementa la
superficie de los lugares de exposicin
de acuerdo con las necesidades del arte
contemporneo.
Vista de Prisma-Kh y de la obra de Hernan Marina durante la exhibicin Territorio
develado, que tambin incluy trabajos de Pablo Rosales y Juan Stoppani. /
View of Prisma-KH and the work of Hernan Marina during the exhibition Territorio
Develado, which also included works by Pablo Rosales and Juan Stoppani
View of Slyzmud Gallery during the exhibition Composition # 20 Shapeshifters

by artists Camilla Emson, Maria Thurn Und Taxis and Jimena Croceri.
/ Vista de la galera Slyzmud durante la muestra Composition # 20 Shapeshifters
de las artistas Camilla Emson, Maria Thurn Und Taxis y Jimena Croceri.
to build networks of trust and knowledge, Gachi Prieto,

the gallery director pointed out. In turn, Document Art
Gallery, located at Castillo 243 and directed by Mauro
lvarez and Ricardo Ocampo, concentrates its activities
in a warehouse housing five artists workshops on the first
floor, the exhibition space on the ground floor, its own
publishing house, and in the near future, a residency for
Latin American artists.
In the words of Natalia Sly, the young director of Slyzmud
Gallery together with Larisa Zmud, who opened a second
venue a few meters away from the first, located at Bonpland
Es muy importante lo que est pasando en la zona y va a

ser muy positivo en cuanto a gestin y produccin de ideas
en conjunto, sostuvo Natalia Sly, directora de la joven
galera Slyzmud junto a Larisa Zmud, quienes inauguraron
en marzo su segunda sala a metros de la primera ubicada
en Bonpland 721.
En tanto, sobre la transitada Avenida Crdoba, a la altura
5222, se encuentra la galera Nora Fisch, en una sala
ms grande respecto de la de su sede anterior y con una
atractiva vidriera. Es un espacio muy porteo por ser una
casa chorizo de Buenos Aires, coment Nora Fisch, quien
destac que fue deliberada su mudanza al barrio de Villa
Crespo para generar un circuito.
Siguiendo hacia el sur de la ciudad, en el barrio porteo
de La Boca resulta evidente el dilogo entre su tradicional
arquitectura de chapa y colores y la de los nuevos espacios
para el arte contemporneo. Ejemplo de ello es Prisma-KH,
que Alberto Sendrs inaugur en Wenceslao Villafae 485,
alejndose del modelo de galera tradicional que tuvo en el
centro porteo, para adentrase en una propuesta sin fines
de lucro inspirada en el formato de la Kunsthalle europea.
Se trata de un galpn con una sala de exposicin para artes
visuales, donde tambin habr ciclos de cine y teatro. Y no
falta en el primer piso un taller para un artista residente.
A muy pocas cuadras de all se instal la galera Barro, en
Caboto 531, que forma parte del Distrito de las Artes como
la propuesta anterior. Un portn permite el ingreso en un
espacio expositivo de destacadas dimensiones con un techo
de chapa a dos aguas, que conserva la esttica de galpn
industrial. En los dos primeros pisos hay talleres de artistas.
El arte contemporneo requiere lugares significativos
para exhibir. Y La Boca sigue teniendo la vieja identidad del
barrio, coment Nahuel Ortiz Vidal, director de la galera,
quien busca, adems, que sea un mbito de pensamiento y
discusin.
Histrico refugio para los artistas, el barrio de La Boca
contina, de esta forma, incrementado su protagonismo al
cual vienen contribuyendo dinmicas instituciones como la
Fundacin Proa -desde hace dos dcadas- y la ms reciente
Usina del Arte, que se sumaron a otras preexistentes como
el Museo Benito Quinquela Martn.
721: What is happening in the area is very important and it

will be very positive in terms of general management and
generation of ideas.
Nora Fisch Gallery, at #5222 of the busy Crdoba Avenue,
occupies a larger space than its previous venue and boasts
an attractive shop window. It is a truly porteo space,
since it is a casa chorizo 1, a typical structure of Buenos
Aires city, Nora Fisch commented, and she pointed out that
she deliberately relocated to Villa Crespo neighborhood with
the aim of generating a circuit.
Continuing towards the south of the city, in La Boca
neighborhood the dialogue between its traditional multicolored, corrugated metal houses and the new spaces
showcasing contemporary art becomes evident. An example
of this is Prisma-KH, which Alberto Sendrs opened at 485
Wenceslao Villafae street, moving away from the model
of the traditional gallery he had previously owned in the
city center, to adopt a non-for-profit proposal inspired by
the format of the European Kunsthalle. The new space is
a warehouse with an exhibition hall for visual arts; it will
also showcase theatrical plays and films. It also includes a
workshop for an artist-in-residence on the first floor. Barro
Gallery, which is part of the Arts District like the previous
proposal, opened just a few blocks away, in Caboto 531. A
gate allows access to an exhibition space of an outstanding
size and with a pitched metal roof, which has retained the
aesthetics of the industrial warehouse. The two first floors
house workshops for artists. Contemporary art requires
significant places to be exhibited. And La Boca continues
to have the old neighborhood identity, Nahuel Ortiz Vidal,
director of the gallery, who also seeks to transform it into a
space for thought and discussion, commented.
As new territories for the visual arts are

generated, the surface of the exhibition
spaces increases in consonance with the
needs of contemporary art.
En otro barrio de la zona sur, Parque Patricios, la propuesta

de Mvil se instal en un galpn con techo a dos aguas, que
forma parte de un viejo edificio industrial, en Iguaz 451.
El galpn blanco le gana al cubo

blanco en todos los niveles: econmicos,
urbansticos y simblicos.
Mvil es una organizacin independiente, sin fines
comerciales, cuyo principal objetivo es que los artistas
jvenes puedan concebir y realizar un proyecto indito
que resulte clave en su produccin. Hay lugares en el
mundo con estas caractersticas. Tambin aspiramos a
que cada vez ms personas se familiaricen con el arte
contemporneo, explic Alejandra Aguado, fundadora y
directora del proyecto junto con Solana Molina Viamonte.
Nuevos y ampliados circuitos geogrficos, espacios
de exposicin de mayores dimensiones, generacin de
pensamiento, dilogo entre las instituciones, vnculo
con el contexto barrial, convivencia entre talleres de
artistas y mbitos de exhibicin son, por lo tanto, varias
de las caractersticas salientes que delinean hoy al arte
contemporneo en la ciudad de Buenos Aires.
Exhibition of works by artist-in-residence Kim Welling at La ira de Dios.

/ Exhibicin de trabajos del residente Kim Welling en La ira de Dios.
A historical refuge for artists, La Boca neighborhood

thus continues to strengthen its leading role through the
contribution of dynamic institutions such as Fundacin
Proa which has done so for decades and the more
recently created Usina del Arte, both joining other preexisting institutions like the Benito Quinquela Martn
Museum.
In another neighborhood in the southern area of the city,
Parque Patricios, a warehouse with pitched metal roof that
is part of an old industrial building located at 451 Iguaz
street is home to the proposal offered by Mvil. Mvil is
an independent, non-for-profit organization whose main
objective is that young artists be able to conceive and
1 T.N. Literally, a sausage house, consisting of a series of rooms

aligned along one of the side walls of the property, with a gallery and a
lateral patio on the opposite side.
INSTITUCIONES
/. 8 1
carry out an original project that is fundamental for their

production. There are places in the world with these
characteristics. We also aspire to make more and more
people become familiar with contemporary art, Alejandra
Aguado, founder and director of the project together with
Solana Molina Viamonte, explains.
New and expanded geographic circuits, larger exhibition
That the white warehouse beats the

white cube at every level: economic,
symbolic, and in terms of urban
development.
spaces, thought production, dialogue among institutions,
links with the neighborhood context, coexistence of artists
workshops and exhibition spaces are several of the salient
characteristics that currently outline contemporary art in
Buenos Aires city.
View of Joaqun Bozs exhibition Insolada at Movil. Photo: Santiago Porter.

/ Vista de la exposicin Insolada, de Joaqun Boz en Movil. Foto: Santiago Porter.
Opening of Maxi Rossinis exhibition Ejercicios at Gachi Prieto Gallerys new venue.
/ Inauguracin de la exhibicin Ejercicios, de Maxi Rossini, en el nuevo espacio de Gachi Prieto Gallery.
OBRAS DE LA COLECCIN MAXXI

MUSEO DE ARTE DEL SIGLO XXI
Ministero degli Affari Esteri
Embajada de Italia en Argentina
Instituto Italiano di Cultura
Organizacin Techint
VECINA, TURISTA; PROFESIONAL Y ERRANTE

Artistas: Gian Paolo Minelli / Alejandra Fenochio /
Elisa oFarrell-Eduardo Molinari
Curadura: Etctera / Federico Zukerfeld /
Loreto Garn Guzmn
Fundacin Proa
Av. Pedro De Mendoza 1929
Buenos Aires
T +5411 4104 1000
www.proa.org
150
J O S E F I N A G U IL ISAST I
A Matter of Perception
Cecilia Brunson Projects
>London / Londres
Artist Josefina Guilisasti (Santiago, Chile, 1963) is always
potentially silent. A solo show of her work is currently
underway at Cecilia Brunson Projects in London.
For over a decade, Guilisastis practice focused on the secular
still life genre and the tricks it plays on the eye. She was
interested not only in observing a largely obsolete tradition
within art history, but also in studying obsolete household
objects. Her work restores the anthropological, historic, and
cultural value of objects that no longer have a voice.
This exhibition features a new body of work originally produced
for the Museo de Artes Decorativas, Santiago, in 2014. For that
earlier show, Guilisasti intervened on the museum space with a
series of silicon renderings of porcelain birds, cups, and jugs from
the museums collection. Entitled Objetos Light, the 2014 show
consisted of fifty-five silicon pieces cast from existing porcelain
objects. The silicon objects in the intervention were placed in
glass display cases alongside the original porcelain pieces in a
visual trick that made it hard to distinguish the works in silicon
from the original pieces used to make the casts. It is thanks to
a video showing the objects falling to the ground that the trick is
uncovered and we understand the use of elastic silicon.
Silicon is used to make very simple objects like kitchen
utensils. In this sense, then, Giulisasti worked with both
classic and contemporary materials. Mass use of silicon to
manufacture objects as varied as breast implants and pastry
molds began after World War II. With the title of the exhibition
Objetos Light, or Light Objectsthe artist sought to emphasize
silicons lightness and elasticity, traits diametrical to porcelain,
the material used in the original objects.
The exhibition in London includes her most recent and
ambitious work, La balsa de la Medusa [The Raft of the
Medusa], a wool and silk tapestry measuring some 326 x
259 cm. In it, a band of laurels surrounds a color print of a
photograph showing the moment in 1939 when Thodore
Gricaults famous The Raft of the Medusa was removed from
the Louvre before the German troops arrived in Paris. The
work harmoniously weaves different time periods together: the
tapestry tradition of craftsmanship and master weavers, the
moment when Gricault painted the canvas, and the moment
when Hitlers invasion of France was perceived. In making this
work, Josefina Guilisasti was aware of the recent looting of
9 0 /. R E V I E W S
Josefina Guilisasti (Santiago de Chile, 1963) es una artista

siempre en potencia silenciosa. Vive y trabaja en Chile pero
actualmente tiene una exposicin individual en la galera
Cecilia Brunson Projects en Londres. Durante ms de una
dcada la prctica de Guilisasti se centr en el gnero de
la naturaleza muerta, el gnero secular de la pintura de
bodegones y su truco al ojo. Le interes mirar la tradicin
obsoleta dentro de la historia del arte, como tambin
investigar objetos domsticos obsoletos que pertenecieron
a la vida cotidiana. Su trabajo revaloriza la dimensin
antropolgica, histrica y cultural de aquellos objetos que han
dejado de tener voz.
Para esta exposicin, presenta un nuevo cuerpo de trabajo
producido originalmente para el Museo de Artes Decorativas de
Santiago en el ao 2014 en el que Guilisasti intervino el museo
con una serie de pjaros de porcelana, tazas y jarras, pero
fabricadas en silicona. La exposicin se llama Objetos Light y
consisti en 55 piezas de silicona moldeados precisamente
de artefactos de porcelana existentes. La intervencin fue
montada en vitrinas y en contraste con los objetos de porcelana
reales de la coleccin, creando ese truco al ojo donde fue muy
difcil de distinguir la obra presentada en silicona. Es a travs
de un video donde vemos los objetos cayendo al suelo que se
revela el truco de la elasticidad y la silicona.
El uso de la silicona forma parte de los objetos ms simples,
como artculos de cocina. En ese sentido, trabaj con algunos
materiales clsicos y otros contemporneos, como la silicona,
cuyo uso comenz a masificarse a nivel industrial tras la
Segunda Guerra Mundial aplicndose en la fabricacin de
diferentes elementos, desde prtesis mamarias hasta moldes
para pastelera, artefactos muy comunes en la actualidad.
En segundo lugar, y de all el nombre de la muestra (Objetos
Light), la artista busc enfatizar la liviandad, elasticidad y
capacidad de torsin que posee el material; propiedades
que contrastan radicalmente con las caractersticas de la
porcelana, materialidad original de los artculos a partir de los
cuales se obtuvieron los moldes.
Dentro de la exposicin se encuentra su trabajo ms reciente
y ambicioso, La balsa de la Medusa, un tapiz de lana tejida y
seda que mide 326 x 259 centmetros. En ella una frontera de
laureles rodea una reproduccin del color de una fotografa
Josefina Guilisasti, La Balsa de la Medusa [The Raft of the Medusa], 2015.

Wool and silk tapestry. Handwoven by three weavers in Tunis Carthage by
manufacture Robert Four. Design, cartoon for weaving and for dyeing the silk
and wool produced in Aubusson, France. 326 x 250 cm.
/ Tapiz de lana y seda. Tejido hecho a mano por tres tejedores en la tradicin
secular en Tnez. Cartago por la fabricacin Robert Cuatro. Diseo para el
tejido y teido de seda y lana realizo en Aubusson, Francia. 326 x 250 cm.
Photo / Foto: Patrick Dodds.
artworks and monuments in Syria. With it, she formulates a

complex network of historic contexts.
Guilisastis current research revolves around the robbery and
destruction of artworks as a consequence of the armed conflicts
that have ravaged the world for the last century (the Nazi regime
and the Islamic State are prime examples). She began studying
photographic materials related to plunder, which gave rise not
only to this tapestry but also to the four large-format oil paintings
to be featured in her forthcoming exhibition at the Museo de la
Memoria y los Derechos Humanos in Santiago, Chile.
tomada en 1939, muestra el momento en que la famosa pintura

de Theodore Gricault La balsa de la Medusa fue evacuada del
Louvre antes de que las tropas nazis llegaran a Pars . El tapiz
logra tejer diferentes temporalidades en sintona: la tradicin
histrica y tcnica de los tapices y maestros tejedores; el
momento en el que Gricault pint el lienzo ; y el momento de
percepcin de la invasin de Hitler de Francia. Inspirado por el
reciente saqueo de obras de arte y monumentos de Siria, con
esta obra Josefina Guilisasti establece una compleja red de
contextos histricos.
Actualmente Guilisasti se encuentra investigando la
problemtica del robo y destruccin de obras de arte como
contra cara de los conflictos blicos que han asolado al
mundo en el ltimo siglo, de lo que el Rgimen Nazi y el
Estado Islmico son casos paradigmticos. As inici la
revisin de material fotogrfico que da cuenta del fenmeno
del expolio, el cual no solo queda expresado en este tapiz,
sino que tambin en su prxima exhibicin en el Museo de la
Memoria y los Derechos Humanos en la ciudad de Santiago
de Chile, en la que presentar cuatro leos sobre tela de gran
formato.
Helena Brum
F E R NEL L F RAN CO
Cali Clair Obscur
Fondation Cartier
>Paris
On exhibition at the Fondation Cartier pour lArt
Contemporain is the first retrospective of Fernell
Franco (1942-2006), an important, though still little-known,
figure in Latin American photography.
Cali Clair Obscur includes a total of 140 mostly black-andwhite photographs from ten different series produced from
1970 to 1996, as well as a never-before-exhibited work by
artist Oscar Muoz in homage to Franco. The works attest
to Francos early efforts to help establish photography as
a key and independent form of artistic expression as well
as the distinctive portraits of residents of the city of Cali
and of the places they inhabit produced during the artists
mature years.
Fernell Franco began his career as a photojournalist and
later specialized in fashion and advertising photography.
Starting in 1970, he started producing as well intimate
photographs tied to issues of poverty, social inequality, and
the daily violence and contrasts that characterized life in
Cali, the city where he lived and worked most of his life.
Pacifico [Pacific], 1994.

Pacifico series, 120x104 cm. Vintage print.
Photograph: Daniel Avena..
La Fundacin Cartier de Arte Contemporneo presenta la primera

retrospectiva dedicada a Fernell
Franco-1942-2006-, figura significativa, pero an no reconocida,
de la fotografa latinoamericana.
Cali Clair Obscur rene un total de 140 fotografas, la mayor
parte, en blanco y negro, procedentes de 10 series diferentes,
producidas entre 1970 y 1996 y se completa con una obra indita
realizada por el artista Oscar Muoz en homenaje a Franco. Las
R E V I E W S /. 9 1
These series include Demoliciones, images of old houses

in a state of ruin (1980-1990); Billares, which shows
pool and billiard halls (1985); and the much-celebrated
Prostitutas series (1970-1972), where the artist captures
the nightlife of Buenaventuras working class through daily
life at one of that citys last brothels. This group of works
evidences the main characteristics of Francos production:
powerful social and political commitment reflected in
steadfast determination to depict human conflictone
of the tasks he deemed part of his responsibility as a
photographer. Melancholy and crepuscular, his images
partake of Italian Neo-Realism and North American film
noire, as well as the Cali art scene and its many talents
(Andrs Caicedo, Luis Ospina, Carlos Mayolo, Ever
Astudillo, Oscar Munoz, among others).
A pioneering experimental artist, Fernell Franco would
often intervene on his prints, going beyond the limits
of documentary photography to create metaphorical
and almost pictorial works. The reflection of the act of
wandering through contrasting corners of the city confronts
us with spaces riddled with bodies, the past, and the
individuals who appropriate those spacesa face-to-face
encounter with the city and with the shadows and tensions
between the visible and the invisible.
Franco is, thanks to a singular and sensitive body of work, a
groundbreaking figure in the history of photography around
the world. He was able to portray a faithful image of the
human trace in the urban scene as he captured the instant
and, hence, preserved a vision of the memory of daily life
in Cali. In this living archive, time leaves its mark with each
step and, behind it, Franco builds his inventory.
obras narran desde sus esfuerzos iniciales por establecer la

fotografa como forma clave de expresin artstica independiente
hasta la madurez de sus distintivos retratos de personas y lugares
de los habitantes de la ciudad de Cali.
Fernell Franco comenz su carrera como reportero grfico y se
especializ en la fotografa de moda y publicidad. Paralelamente, a
partir de 1970 realiza un trabajo ntimo de fotografas dedicadas a
la precariedad, a las desigualdades sociales, la violencia cotidiana
y los contrastes urbanos de Cali, ciudad donde vivi y trabaj la
mayor parte de su vida. Estas series incluyen casas antiguas
en ruinas Demoliciones, 1980-1990, salas de billar Billares,
1985 y prostitutas Prostitutas, 1970-1972, sin duda una de sus
series ms celebres, donde el artista capta la vida cotidiana de
uno de los ltimos burdeles de la ciudad de Buenaventura, que
reproducen fielmente la noche popular de Cali. En este grupo
de obras se pueden apreciar las caractersticas fundamentales
de Franco: su marcada motivacin social y el compromiso
poltico, que se reflejan en su voluntad constante por retratar el
conflicto humano, faceta que asumi como parte esencial de su
responsabilidad. Melanclicas y crepusculares, las imgenes se
nutren del neorrealismo italiano y el cine negro americano, como
as tambin, de la escena artstica de la ciudad de Cali, morada
de muchos otros talentos -Andrs Caicedo, Luis Ospina, Carlos
Mayolo, Ever Astudillo,
Oscar Munoz-.
Artista pionero y experimental, Fernell Franco interviene a
menudo sus pruebas, superando los lmites de la fotografa
documental para crear obras metafricas y casi pictricas. Ofrece
el reflejo de un deambular lleno de contrastes por rincones que
desde su transitoriedad nos enfrentan a espacios atravesados por
cuerpos, por historias pasadas, por individuos que se apropian
del espacio. Un cara a cara con la ciudad, con las sombras y la
tensin entre lo visible e invisible.
Sin duda, su obra, singular y sensible, lo inscribe como un gran
innovador de la historia universal de la fotografa. El artista supo
retratar una fiel imagen del rastro humano en lo urbano, para
apresar el instante y ofrecer a la mirada la memoria cotidiana
de la ciudad de Cali en un archivo vivo, donde el tiempo deja una
marca a cada paso y detrs de l Franco construye su inventario.
Patricia Avena Navarro
WIF REDO L AM
Or transcontinental modernity
Centre Georges Pompidou Muse National dArt Moderne.
>Paris
The exhibition Modernits plurielles, which closed at
the beginning of the year, set out to reformulate the
Pompidous collection of modern art through a geographic
lens that went beyond the classic Euro-centrist vision.
As a logical extension of that effort, the museum opened
the first retrospective of the work of artist Wifredo Lam
(Cuba, 1902-1982) last month. As Bernard Blistne, the
director of the museum, explains [with this exhibition] we
9 2 /. R E V I E W S
En la continuacin lgica de la nueva presentacin de su coleccin

de arte moderno que termin a principios del ao, Modernits
plurielles (Modernidades plurales), muestra que se propona mirar
la modernidad artstica a travs de un prisma geogrfico que
fuera ms all de la clsica visin euro-centrista, el Pompidou
inaugur el mes pasado la primera retrospectiva de la obra del
artista Wilfredo Lam (Cuba, 1902 -1982). Con esta exposicin,
intentamos pensar de otra manera las cuestiones estticas y
Wifredo Lam, La Jungla [The Jungle], 1943.

The Museum of Modern Art, New York.
attempt to think the aesthetic and ethical question posed

by modernity differently.
Divided into five chronological sections, the exhibition
displays the different stages of the long journey that
was Lams life as well as the varying courses of his
production. The show features about three hundred works
(prints, paintings, drawings, ceramics, etc.), along with
photographs and other archival material that illustrate
his life, his important encounters, and his artistic
research. After studying art in his native Cuba, the young
Lam traveled to Madrid thanks to a fellowship granted
by the Cuban government (the fellowship was soon
withdrawn since Lam quickly began investigating new
visual languages). In Madrid, he studied at the Academia
de Bellas Artes. The works from his early stage in Spain
(1923-1938) bear the influence of the classical master
artists whose works he saw at the Museo del Prado. After
completing his studies, he delved into the avant-garde
movements, soaking up works by Gauguin, Gris, Mir,
Picasso, Matisse, and others. Curator Catherine David
summarizes his period in the Spanish capital as follows:
If he had been killed in the Civil War, in which he fought
for the Republicans, he would no doubt be remembered as
an uneven but promising young painter who died too soon
to make his mark.
He fled Francos Spain for Paris, where contact with
Surrealism and Cubism shaped his artistic intentions.
He discovered African statuary, which had inspired the
European avant-gardes, in the Muse de lHomme and
in Picassos atelier. His characters faces turned into
geometric masks that expressed the intensity of his
personal tragedies (exile and the death of his wife and of
his son).
In 1940, he was once again forced into exile, this time
to Marseilles, where he met Andr Breton and the
Surrealists. With them, he made collective works and
engaged in automatic practices. The second section of
the exhibition shows a series of very beautiful exquisite
corpses on paper and other ink drawings of hybrid
figurines. Eroticism and monstrosity evidence the mental
and formal freedom to which Lam aspired.
After eighteen years in Europe and two periods of
exiles, he returned to Cuba, where he stayed until 1952.
This decision proved very significant as, while in Cuba,
Lam was close to, and even embodied, a vital strain of
syncretism. His sources of inspiration were many and
in no particular order: American gestural abstraction,
folk art, his own reading of the European avant-gardes,
his Godmothers sorcery practices, the rites of santera,
Lucumi or Haitian Vodou, Yoruba and Catholic influences,
and more.
The greatest expression of that hybrid quality, or
syncretism, typical of Lams art is La Jungla [The Jungle,
1943]. Indeed, it seems to govern the very essence of the
work. No hierarchy structures the different elements that
make up the painting: the human, the animal, the vegetal,
and the divine coexist in harmony. In a liberating gesture,
ticas de la modernidad, seala Bernard Blistne, el director de

la institucin.
Dividida en cinco secciones cronolgicas, la escenografa de la
exposicin marca las diferentes etapas del largo viaje que fue
su vida y revela a la par los mltiples rumbos de su obra. Unas
300 obras (grabados, pinturas, dibujos, cermica, etc.), muchas
fotografas as como otros documentos de archivo documentan
sus caminos de vida, sus encuentros y sus investigaciones
plsticas. Luego de una formacin acadmica en su isla natal
y gracias a una beca del estado cubano que pronto le seria
retirada, ya que rpidamente el joven Lam se orienta hacia nuevas
investigaciones , se va a Madrid para estudiar en la Academia de
Bellas Artes. Sus inicios espaoles (1923-1938) estn marcados
por la pintura de maestros clsicos cuyas obras pudo observar en
el Museo del Prado. Luego, al completar su aprendizaje, se nutre
de las vanguardias con las obras de Gauguin, Gris, Miro, Picasso
o Matisse, entre otros. La curadora Catherine David resume el
periodo en la metrpoli espaola: si hubiera muerto en la guerra
civil a la que particip en los rangos republicanos, hoy quedaran
sin duda el nombre y la memoria de un joven pintor desigual pero
prometedor.
Huye de la Espaa franquista para refugiarse en Paris. Alli,
las relaciones que entretuvo con el surrealismo y el cubismo
moldearon sus intenciones artsticas. Descubre la estatuaria
africana, recuperada por las vanguardias europeas, en el Muse
de lHomme y en el taller de Picasso. Las caras de sus personajes
se vuelven mascaras geomtricas para expresar con intensidad
sus dramas personales (el exilio asi como la muerte de su esposa
y de su hijo).
En 1940, se ve en la obligacin de exiliarse otra vez en Marsella
donde se rene con Andr Breton y los surrealistas. Con ellos
participa en la realizacin de obras colectivas y a ciertas prcticas
automticas: la segunda seccin de la exposicin presenta unos
cadveres exquisitos sobre papel muy bellos y otros dibujos a
la tinta con figuritas hibridas. El erotismo y la monstruosidad
manifiestan una liberacin mental y formal a la que aspira Lam.
Tras 18 aos en Europa y dos exilios, vuelve a Cuba donde se queda
hasta el 1952. Esa decisin lo afecta profundamente. Lam encarna
R E V I E W S /. 9 3
the artist ruptured the world order, going beyond a classic

or dualist interpretation of the world (life/death, natural/
artificial, and so on). Here, metamorphosis is a primary
principle. Like an all-over painting, La Jungla has no point
of convergence and, thus, expresses the crucial question
of decentering.
From 1962 until the time of his death, the artist split
his time between Paris and Albissola, a major center of
ceramics, a technique he practiced with pleasure because
he found working with the earth liberating. It was also in
Albissola that Lam discovered the unique quality of Italian
light.
The exhibition returns to the genesis and reviews the
different stages and reception of a body of work that
was slow to develop and produced between Spain, Paris,
Marseilles, and Cuba. It resoundingly demonstrates that
Lams work cannot be reduced to any geographic and/
or cultural origin. Indeed, one of the aims pursued by
Catherine David and her team was to formulate a new
critical reading of Lams oeuvre.
Lam is a diaspora artist, the son of a Cantonese man
and a biracial descendant of slaves and Spaniards. Like
Joaqun Torres Garca (see the retrospective of his work
on exhibit at MoMA), Lam is a link, a transatlantic bridge
who formulates a singular vision of the post-colonial
world: My painting is an act of decolonization.
[] painting [will] never be the equivalent of that pseudoCuban music for nightclubs. I refused to paint cha-chacha! the artist declared upon returning to the country he
had left as a very young man and that he found stuck in a
state of folkloric and primitivist stagnation. In opposition
to that state of affairs, he articulated his project as
follows: [] I could act as a Trojan horse that would spew
forth hallucinating figures with the power to surprise, to
disturb the dreams of the exploiters, adding I knew I
was running the risk of not being understood either by the
man in the street or by the others.
y va fortaleciendo un vitalismo sincrtico. Sus fuentes de inspiracin

son plurales, sin orden ninguno : la abstraccin gestual americana,
el arte popular, su propia lectura de las vanguardias europeas, las
practicas de hechicera de su madrina, los ritos de santera, lucumi
o vaudou, elementos yoruba y catlicos, y ms.
Esta hibridez, o sincretismo, caracterstica de la obra de Lam,
encuentra una representacin mxima en La Jungla (1943) ya que
ese principio parece regir la esencia misma de esta obra. El cuadro
no presenta ninguna jerarqua entre los diferentes elementos que
la componen: lo humano, lo animal, lo vegetal y lo divino conviven
harmnicamente. El artista oper una ruptura liberatoria del orden
del mundo superando una lectura clsica o dualista del mundo
(vida/muerte, natural/artificial, etc.) donde la metamorfosis es un
principio primero. A modo de all over, La Jungla no presenta un
punto de convergencia, y de esa manera expresa la crucial cuestin
del descentramiento.
Del 1962 hasta su muerte el artista pasa mucho tiempo entre Paris
y Albissola, donde descubre la luz italiana y un centro importante de
produccin de cermica, tcnica que goz hasta su muerte por la
liberacin que procura el trabajo con la tierra.
Volviendo a la gnesis de su trabajo, a las diversas etapas y a las
condiciones de la recepcin de una obra lentamente madurada
y elaborada entre Espaa, Paris, Marsella y Cuba, la exposicin
permite una toma de conciencia de cmo la obra de Lam es
irreductible a cualquier origen geogrfico y/o cultural. Y ese,
precisamente, es uno de los objetivos que persigui Catherine David
y su equipo con esta exposicin: proponer una nueva lectura crtica
de la obra de Lam.
Es un artista de la dispora, hijo de un chino de Cantn y de una
mulata descendiente de esclavos y espaoles. Es un verdadero
enlace, un puente transatlntico a semejanza de Joaqun Torres
Garca (ver la retrospectiva que le dedica en el mismo tiempo el
MoMA), que propone una mirada singular sobre el mundo postcolonial: Mi pintura es un gesto de descolonizacin.
No, mi pintura no ser el equivalente de una msica seudo-cubana
para dancings, jams. No quiero nada de chachach! declara el
artista al llegar al pas que dej muy joven y que encuentra ahora en
un estancamiento folklrico y primitivista. Frente a esta situacin
opone su proyecto: ser como un caballo de Troya del que saldran
figuras alucinantes, capaces de sorprender, de perturbar los
sueos de los explotadores, y aade correr el riesgo de no ser
comprendido ni por los hombres de la calle ni por los otros.
Claire Luna
HERN N BAS
Fruits and Flowers
Galerie Perrotin
>Paris
When you walk into the exhibition of work by Hernn Bas (Miami,
1978), you see a nude woman lying languidly on Ensemble
Dune (Dune Assemblage), a piece of furniture by Pierre Paulin
(Paris, 1927Montpellier, 2009), one of the most famous French
designers ever. Its actually a plastic dummy (!) whose image is
reflected and dismantled in the mirror hanging on the adjacent
9 4 /. R E V I E W S
Al entrar a la exhibicin de Hernn Bas (Miami, 1978), una

mujer yace en el suelo lnguidamente , desnuda, sobre
el mueble Ensemble Dune (Conjunto Duna) de uno de los
diseadores ms famosos de Francia, Pierre Paulin (1927,
Paris 2009, Montpellier). Es un maniqu de plstico! cuya
imagen aparece reflejada, desgajada, en el espejo que cuelga
Hernan Bas, The Unlikely Winner, 2015.

Acrylic on linen. 182.9 x 152.4 cm. /
Acrlico sobre lienzo. 182,9 x 152,4 cm / 72 x 60 pulgadas
sobre la pared vecina. Camino ertico (o quizs pornogrfico),

sobre el cual resbala la mirada hacia otro cuerpo desnudo:
un hombre, joven, sentado en el silln F444 de cuero y acero.
Respira lentamente: es de carne y hueso. Est concentrado en
muchas cosas, ciertamente, salvo en el pblico que pasea a su
alrededor y que no se atreve a mirarlo con la ansia quiz de
sentirse voyeur.
A modo de prembulo a la exposicin Fruits and flowers
de Hernn Bas (1978) no carece de sentido. Os dejo
divagar, pero no muy lejos porque obstruyen el paso las
instalaciones Draft de Gianni Motti, y son impenetrables,
elaboradas con alambre de pas con navajas.
wall. The gaze slides down that erotic (or, perhaps, pornographic)
path toward another naked body: a young man sitting in a leather
and steel F444 armchair. This flesh-and-blood man breathes
slowly, concentrating on anything but the viewers walking by who
do not dare to look at him with the hungry eyes of a voyeur.
That scene is a logical preamble to Hernn Bass exhibition
Fruits and flowers. I will let you wander, but not too far: the path is
blocked by Draft, impenetrable installations by Gianni Motti made
of barbed wire and knives.
This was the first, and unexpected, stop before entering into Bass
most recent work on linen and paper located on the gallerys
second floor. The full meaning of the unforgettable welcome
depends on the euphoric and overwhelming context of FIAC, the
contemporary art fair underway in Paris. What we have in this
exhibition is painting inspired by the story of an aesthete, one also
confined. An antihero who trembles when he hears Flauberts
prose: I seek fresh perfumes, larger flowers, pleasures hitherto
unknown. A presentation in both the literal and figurative sense
that befits Hernn Bass third solo exhibition.
Bass iconography has been inspired by late 19th-century decadent
and symbolist aesthetics in both literature and the visual arts. With
this project, he turns to another classic painting genre for the first
time: the still-life. Most of the scenes depicted are bucolic, showing
harvest seasons and the recreation they bring. Almost all the works
titles have double meaning, many in reference to homosexuality.
The Unlikely Winner shows a young boy in a pie eating contest.
The work makes reference to a fair game typical of rural
America. But there are no people around the alleged protagonist.
The atmosphere is not as light as might be expected. Time
seems suspended. The setting is an abstract composition.
The boy stares out into the distance. Our minds smothered by
the image of how much food the boy has gulped down, we are
immersed in the table covered with pies in the foreground.
The work undeniably partakes of allegorygluttony so similar
to sexual appetite. Private Bouquets is a series of flower
arrangements, all of them partly hidden behind Venetian blinds.
What is evoked here is the vanitas genre, a metaphor for the
voyeurism operative in the exhibitions very sensual portraits.
Este fue el primer, e inesperado, paso antes de penetrar la

obra ms reciente de Bas sobre lino y papel en el segundo
piso de la galera. La recepcin es inolvidable y adquiere todo
su sentido en el contexto eufrico y agobiante de la FIAC.
Aqu se trata de pintura. Y sta se inspira de la historia de
un esteta, recluido tambin. Un antihroe que se estremece
al escuchar la prosa de Flaubert: Busco perfumes
nuevos, flores ms amplias, placeres desconocidos. Una
presentacin en el sentido literal y figurado adecuada a la
tercera exposicin individual de Hernn Bas.
La iconografa se inspira fuertemente en la esttica
decadente y simbolista, tan literaria como artstica, de
fin del siglo XIX. Con este proyecto, el artista visita por
primera vez otro gnero de la pintura clsica: el bodegn.
Les escenas representadas son, en su mayora, buclicas
y se enfocan en las pocas de cosecha y las actividades
recreativas que las acompaan. Casi sistemticamente el
artista elige ttulos con doble sentido aludiendo muchas
veces a la homosexualidad.
The Unlikely winner representa a un chico joven que
participa en un concurso de devoradores de tartaletas de
frutas. Se refiere concretamente al tpico juego americano
rural. Pero lo que rodea el supuesto protagonista,
aparece de repente vaciado de gente. El ambiente no
es tan ligero como lo podra evocar el tema elegido. El
tiempo parece suspendido. El decorado, termina por ser
lo que es: una composicin pictrica abstracta. El chico
con la mirada en el vaco; nosotros inmersos en la mesa
recubierta de tartaletas en el primer plano y la mente
ahogada al representarse la cantidad de comida que
debi engullir. Tiene todo de una alegora: la glotonera,
que tanta semejanza puede tener con el apetito sexual.
Private bouquets es una serie de arreglos florales, todos
disimulados en parte detrs de lminas de persianas
venecianas convocan aqu el gnero de la vanidad y parecen
revelar, de manera metafrica, el voyerismo que se opera
en los retratos muy sensuales de la exposicin.
Claire Luna
R E V I E W S /. 9 5
C A R LO S M OT TA
Deseos
Galerie Mor Charpentier.
>Paris
There is nothing to see in here! proclaims, with a dose of
enthusiastic humor, gallerist Alex Mor upon walking into the
exhibition of work by Carlos Motta (Bogot, 1978). Indeed,
the room does seem empty, except for the miniature circular
objects embedded in the walls. To see them, the viewer has to
come close, lean over slightly, and look through a magnifying
glass. It is then that historical images of homosexual scenes
male and female, some of them beastly, others taken from
the Bibleor images of characters from Roman mythology
engaged in sex acts appear.
The installation of twenty miniature drawings eloquently
entitled Puissance et jouissance [Power and Pleasure] shows
viewers how certain desires were constructed as unnatural
and, consequently, considered marginal or rendered invisible.
The title makes reference to the cartoon made for the Rapport
contre la normalit [Report against Normalcy] published by
the Front Homosexuel dAction Rvolutionnaire (FHAR), a
nonpartisan Parisian movement founded in 1971 credited with
making the gay and lesbian movement of the time visible.
A multimedia artist, Carlos Motta is a true researcher. He
studies and documents the social conditions and political
struggles of sexual and gender minority communities in order
to question dominant discourses and norms. He could be
considered an archivist of repressed histories and forgotten
narratives.
Further in the exhibition, the viewer hears voices coming
from the basement: Deseos [Desires] is a video that narrates
the parallel stories of two womenMartina from Bogot
and Nour born in Beirutin the 19th century. The imaginary
correspondence between two women who had lesbian
relationships reveals the barriers they had to overcometrial
in a court of law and the reaction of their respective families
simply for expressing the love they felt for a person of the
same sex.
This first solo exhibition of the Colombian artist explores
the historical representations of what is considered
unconventional sexual desire, which most deem indecent,
as well as the institutional mechanisms that produced them.
Although located in a fairly precise historical moment, the
debate this exhibition formulates continuesunfortunately
to be cause for heated dispute.
Carlos Motta, La puissance et la jouissance, 2015.

Installation of twenty letterpress printed drawings (2.5 x 3.8 cm. each) with
magnifying glasses and fluorescent light bulbs. Edition of 5 + 2 AP /
Instalacin compuesta por 20 dibujos impresos de 2,5 x 3,8 cm con lentes de
aumento y bombillas fluorescentes. Edicin de 5 + 2 AP
No hay nada que ver aqu!, declama, con exaltado humor, el

galerista Alex Mor al llegar a la exhibicin de Carlos Motta (Bogot,
1978). Por cierto, la habitacin pareciera vaca, salvo los objetos
circulares, miniaturas incrustadas en las paredes. Toca acercarse,
inclinarse un peln y mirar por la va indicada: una lupa a travs de
la cual aparecen imgenes histricas que representan escenas de
prcticas homosexuales, femeninas y masculinas, unas bestiales,
otras tomadas de la Biblia o figuras de la mitologa romana
practicando sexo.
La instalacin de 20 dibujos miniaturas, con el muy elocuente
ttulo Puissance et jouissance (Potencia y goce), invita al pblico a
comprender cmo ciertos deseos fueron construidos en contra de la
naturaleza y fueron, en consecuencia, catalogados como marginales
o permanecieron invisibles. El ttulo alude al tebeo que se concibi
para el Rapport contre la normalit (Informe contra la normalidad) del
Front Homosexuel dAction Rvolutionnaire (FHAR), un movimiento
parisino y autnomo fundado en 1971 conocido por haber dado una
visibilidad radical al combate gay y lsbico en esta poca.
Artista multimedia, Carlos Motta es un verdadero investigador.
Estudia y documenta las condiciones sociales y luchas polticas de
las comunidades minoritarias sexuales y de gnero con el objetivo
de cuestionar los discursos dominantes y normativos al respecto.
Se lo podra considerar como un archivista de historias reprimidas y
de relatos olvidados.
Al seguir la visita, se oye voces que vienen del subsuelo: se trata
de Deseos (Dsirs), un video que narra las historias paralelas de
dos mujeres Martina de Bogot y Nour originaria de Beirut en
el siglo XIX. Ambas experimentaron relaciones homosexuales y su
correspondencia ficticia revela las barreras a las que tuvieron que
enfrentarse se sometieron a juicios de tribunales sin hablar de la
reaccin de sus familias respectivas por haber intentado vivir el
amor que tenan por una persona del mismo sexo.
La primera exposicin individual del artista colombiano explora la
representacin histrica del deseo sexual no convencional, entendido
por la mayora como indecente, y pone de relieve los dispositivos
institucionales que han producido estas representaciones. Aunque
situado histricamente con bastante precisin, el debate sigue
desafortunadamente vigente y candente hasta hoy.
Claire Luna
9 6 /. R E V I E W S
Luis Romero. Tu y Yo [You and I], 2015.

Prints on paper and glass, Alejandra Von Hartz Gallery / Impresin en papel y vidrio, Galera Alejandra Von Hartz.
Photo/ Foto: O. Torridas
LU IS R O M ER O
Borderline
Alejandra Von Hartz Gallery
>Miami
Luis Romero (Caracas, 1967) is a member of the generation
of Venezuelan artists who began their careers in the
nineties, an exciting period on the local art scene. In
addition to making art, Romero has worked, from early
on, as an art editor and curator. In the 2000s, he founded
Oficina #1, an exhibition space for contemporary art he
has directed ever since. His current work, on exhibit from
September 10 to November 15 in Borderline, his first solo
exhibition in Miami, forms part of his recent research in
the field of abstraction. He proposes an alternative means
of reflection and discursive construction of both nostalgic
visions of Venezuelan modernism and the criticism of those
visions short and polemic scope.
The extensive body of work in the show is made up of
D.R.O., a collection of seven rubber sheets with circular
holes of different sizes; Independent/Dependent, a series of
monotypes composed by the relationship between either
trapeziums or trapezoids. The work No todo lo que brilla
es oro [All that Glitters Is Not Gold], a volume made up of
three rectangular pieces, each with four laminated steel
triangles in relief and two of them coated in gold leaf;
Lego-Ego, a sort of cardboard spiral printed in lithographic
ink; Ejes [Axes], a grid structure with twelve empty squares
made of painted aluminum shafts; Parcial [Partial], a
collection of seven paper collages in which geometric
shapes in relief relate to a stain painted on the surface-
Luis Romero (Caracas, 1967) forma parte de la generacin

de artistas venezolanos que construy la primera etapa de su
carrera durante los aos noventa del pasado siglo, un perodo
de efervescencia creativa de la escena artstica local. Desde
esos mismos aos, Romero aadi a su quehacer dentro del
campo del arte otros roles como los de editor, curador y, ya
en los 2000, el de fundador y director de Oficina #1, un espacio
de exhibicin de arte contemporneo de largo y sostenido
aliento. Su obra actual, reunida del 10 de septiembre al 15 de
noviembre en Borderline, primera exposicin individual suya en
Miami, se inscribe en el cauce de sus indagaciones recientes.
En ellas, Romero se enfrasca en una investigacin dentro de la
abstraccin que se propone como va alternativa de reflexin y
construccin de discurso tanto respecto a las visiones nostlgicas
de la modernidad venezolana como a las crticas a su corto y
controversial alcance.
El extenso cuerpo de trabajo que agrupa la muestra est
conformado por D.R.O., un conjunto de siete lminas de
caucho con perforaciones en crculos de desiguales tamaos
y distribucin en cada una de ellas; la serie de monotipos
Independientes/Dependientes, cada uno compuesto por la relacin
de dos figuras seleccionadas entre trapecios y trapezoides; No
todo lo que brilla es oro, un volumen conformado por tres piezas
rectangulares, todas de cuatro tringulos en relieve de acero
laminado, con dos de esos tringulos cubiertos por pelcula
autoadhesiva dorada; una suerte de espiral de ensamblaje
R E V I E W S /. 9 7
base from which they rise; T&Yo [You and I], two piles of
printed pages, some with a red line and others with a blue
one, of different heights and structure; 1967-2014, a rubber
cutout where the first date is superimposed on the second;
and a long series of woodcuts entitled Suite Sustancial, in
which different shapes decompose and re-combine against
a color paper background.
An overview of this varied exhibition might make us
think that Luis Romero is primarily interested in putting
together a sort of inventory of the constructive resources of
geometric abstraction in order to discover new discursive
possibilities. Some of the works, though, reveal an
interest in the personal and the autobiographical. From
this perspective, Romeros work constitutes a place
where a personal narrative and the social and cultural
history of Venezuelaa country in which geometric
abstraction played an important role in the discourse of
modernizationbecome connected and, on occasion, even
converge in the search for meaning.
de cartn impreso con tinta litogrfica titulado Lego-Ego; una

estructura reticular de listones de aluminio pintado, de doce
cuadrados vacos, identificada como Ejes; una coleccin de siete
collages de papel, Parcial, en los cuales figuras geomtricas en
relieve se relacionan con una mancha pintada sobre la superficiebase desde la que se levantan; T&Yo, un grupo de hojas impresas
con una raya roja y otro con una raya azul combinados en dos
pilas de diferente altura y estructura; 1967-2014, una propuesta
con esos nmeros en caucho recortado y superpuesta la
primera fecha sobre la segunda, y, finalmente, una larga serie de
xilografas, denominada como Suite Sustancial, en las que varias
figuras geomtricas se descomponen y re-combinan sobre cada
hoja, delineadas sobre un fondo de color.
Un vistazo general a esta heterognea muestra puede hacernos
creer que Luis Romero realiza en ella, principalmente, una suerte
de inventario de los recursos constructivos de la abstraccin
geomtrica con el inters de investigar en ellos nuevas
posibilidades discursivas. No obstante, algunas obras delatan
un inters por lo personal y autobiogrfico que exige precisar
la generalizacin precedente. Desde esta ltima perspectiva, el
trabajo de Romero se proyecta como la indagacin de un lugar
artstico en el que la historia personal y la historia social y cultural
de Venezuela que tuvo a la abstraccin geomtrica en el arte
como un importante eje discursivo de su modernizacin se
conectan y, en ocasiones, hasta confluyen en un mismo plano de
bsqueda de significados.
MU U B L AN CO
NCTx13 Sample, Photographs & Music
ArtMedia Gallery
>Miami
Critique of representation as poetic strategy has always
been a pillar of postmodern aesthetics. The satirical
appropriation of fragments of works from the history
of art past and present in an attempt to re-formulate
their meaning, then, is the most common Trojan
horse deployed to blow up the aesthetic categories
of modernism. The contents and conceptual limits of
categories like the author, the original, and the work of
art have been eroded to make way for a slippery relativism
in artistic discourses.
The exhibition NCTx13 Sample of work by Muu Blanco
(Caracas, 1966) is a clear example of the activation of
those mechanisms of postmodern poetics. In putting
together this exhibition, Blanco looked to the book
Retromundo [Retroworld] published in Caracas in 1986a
kind of photographic essay on contemporary society and
culture by Paolo Gasparini. The socio-cultural comments
Gasparini articulates in his photographs help Blanco
to reflect on the status of the image and its symbolic
complexity as support of communication in contemporary
culture.
9 8 /. R E V I E W S
Muu Blanco. NCT-M, from the series NCT x 13 Samples, 2015. Intervention on
Paolo Gasparinis book Retromundo [Retroworld], 1986 /
Muu Blanco. NCT-M, de la serie NCT x 13 muestras, 2015. Intervencin en el
libro de Paolo Gasparini Retromundo, 1986
La crtica a la representacin como estrategia potica ha

sido siempre uno de los pilares de la esttica post-moderna.
La apropiacin pardica de fragmentos de obras pasadas o
contemporneas de la historia del arte, buscando resemantizar
el significado de las mismas, se presenta entonces como el
caballo de Troya ms empleado para explosionar las categoras
estticas de la modernidad. Categoras como autor, original,
obra de arte, fueron erosionadas en sus contenidos y lmites
Muu Blancos strategy consists of selecting images

by Gasparini and placing on them elements that make
reference to Blancos daily life. The pills of different
colors that Blanco takes every day are placed on
Gasparinis black-and-white images, which are then rephotographed. In the resulting image, the black and white
of Gasparinis original photographs contrasts with the
colors of the pills Blanco has put in the new photograph.
A timeless image where contrasting visual elements
reformulate the discourse of the original.
Poverty as an asset of violence in children and youth,
the totalitarian aspects of the capitalist state, and mass
consumerism are some of the topics of Gasparinis
photographs that are shaken up by Blancos interventions to
form a sort of puzzle, a map of intersecting narratives that
act like motley metaphors of todays culture and society.
conceptuales abriendo paso a un escurridizo relativismo en los

discursos artsticos.
La exposicin NCTx13 Sample de Muu Blanco (Caracas, 1966) es
un claro ejemplo de la activacin de estos resortes de la potica
post-moderna. En la elaboracin de esta muestra, Blanco tom
como referencia el libro Retromundo, publicado en Caracas en
1986. Este libro con fotografas de Paolo Gasparini, es una especie
de ensayo fotogrfico sobre la sociedad y cultura contemporneas.
Estos comentarios socioculturales articulados por las fotografas
de Gasparini, sirven tambin a Blanco para reflexionar sobre el
estatus de la imagen y su complejidad simblica como soporte de
comunicacin dentro de la cultura contempornea.
La estrategia de Muu Blanco consiste en seleccionar imgenes de
Gasparini y sobreponer en ellas elementos que hacen referencias
a la vida cotidiana de Blanco. Elementos como las pastillas de
diferentes colores que el mismo consume en su tratamiento
mdico, son dispuestos sobre las imgenes en blanco y negro
de Gasparini, que son re-fotografiadas con estos elementos. El
resultado es una imagen que contrasta el blanco y negro de las
fotos originales de Gasparini con los colores de estas pastillas
incluidas por Blanco en la nueva foto. Una imagen atemporal
cuyos contrastes entre la disparidad de sus elementos visuales,
replantea el discurso de la imagen original.
La pobreza como activo de la violencia en los nios y jvenes,
las aptitudes totalitarias presentes en el estado capitalista, o el
consumo masivo de mercancas, son algunos de los comentarios
de las fotos de Gasparini que son sacudidos por las intervenciones
de Blanco. Se conforma as una especie de puzle, un mapa de
narraciones cruzadas que actan como metforas abigarradas de
la cultura y sociedad de nuestro tiempo.
Dennys Matos
JES S SOTO
Esttico/Dinmico
Galera Ascaso
>Caracas
On the occasion of the tenth anniversary of the passing of master
artist Jesus Soto (1923-2005), the Fundacin Soto, under the
curatorship of Isabelle Soto, the artists daughter and the director of
Taller Soto, and Toms Mussett, organized the exhibition Estticodinmico at Galera Ascaso in Caracas. It is truly remarkable that an
artist without a high school education was able to produce such a
deep body of work, one steeped in the concerns of art, mathematics,
and musical harmony.
Soto had little time to develop his art. Though for almost a decade
he struggled to get by, playing guitar in public places, he never gave
up. He understood that developing a body of work required study and
experimentation, which he first undertook in serial works. One must
truly grasp this basic process to fully understand his work as a whole.
Soto began making connections between art and mathematics,
which led him to undertake studies on arithmetic progressions
closely tied to music since many composers adopt them to
generate rhythm. Soto noticed that the intersection of the vertical
and horizontal lines in Mondrian produced a vibration that makes
Con ese motivo de los diez aos del fallecimiento del maestro
Jesus Soto (1923-2005) la Fundacin Soto, con la curadura de
la hija del artista y el Jefe del Taller Soto, Isabelle Soto y Toms
Mussett, respectivamente, organizaron la exposicin Estticodinmico, en los espacios de la Galera Ascaso, en Caracas. Es
realmente impresionante como un artista que no pas de los
estudios primarios pudo lograr una obra de tanta profundidad y
con tantos elementos ligados a la plstica, las matemticas y la
armona musical.
Soto tena poco tiempo para desarrollar su obra plstica. Tuvo
que sobrevivir durante casi una dcada, tocando guitarra en
sitios pblicos. Pero eso nunca lo hizo desfallecer. Entenda que
para desarrollar un trabajo tena que estudiar y hacer muchas
pruebas. Y las inicia haciendo unas piezas seriadas. Entender, a
cabalidad este proceso primario, es fundamental para captar todo
el desarrollo de la obra.
Soto empieza a hacer relaciones entre el arte y las matemticas
y se decanta por empezar su estudio, con las progresiones
R E V I E W S /. 9 9
Jess Soto, Kinetic structure of geometric elements. 1956.

One of the first pieces made in Plexiglas. /
De las primeras piezas desarrolladas en plexigls
the work more dynamic. He started generating two-dimensional

pieces with angles. He went on to produce works with repetitive
elements as if in an arithmetic progression. This is how he came to
his rotations. He worked out the mystery of movement when he
realized that it was a question of arithmetic repetition and rhythm.
Later, Soto began to analyze the square and the cubea theme,
because infinite, that never ended.
If we take a closer look at his work, we see that the lower planes are
squares or multiples of squares. This establishes a rhythm. When
small lines are placed on them, a powerful vibration is perceived
by the viewer. At that time, he used only shades of black and white,
though he later introduced flat, rather than diluted, color to bring
out the volume. The sense of three-dimensionality was heightened
with motion. Color became musicality. And when he placed several
squares on the work, the music became serial.
In 1954, he discovered that placing small circles on planes produced
new vibrations. This gave rise to La Cajita de Villanueva [The Little
Villanueva Box], where optical ambiguities appear, causing the
two-dimensional sensation of the paintings to disappear. This would
mark the beginning of a long process in which he would move lines
and colors.
At almost the same time, Soto wanted to leave geometric rigidity
behind. To that end, he made Los Leos [The Logs]the result of
accompanying Jean Tinguely to junkyards to look for trash. He
started to draw on one of the sides of these objects. He in no
way modified the original piece and intervened on only one of its
surfaces. But there is more. Thanks to conversations with Yves
Klein, he came to understand and to master the void, a theme he
would develop in depth, later, with his Penetrables. The musicality
in each of these piecesin terms of sound as well as rhythmis
overwhelming, as is the immaterial light, the use of the line in each
element, and the transparency. This is where physics interacts with
the work, dematerializing the light in ethereal elements.
In 1966, Soto produced the Penetrables, the culmination of earlier
experiences. The viewer now formed part of the work, entering that
place where sensations are bound not only to the space, but also
to sound and touch. For the first time, the viewer is part of the work
and can interact with it at will.
Perhaps the brevity of these lines does not do justice to something it
took the master decades to achieve, but their task was to show how
this man became a towering figure in 20th-century art.
aritmticas, que adems tiene estrecha relacin con la msica, ya

que muchos compositores se avienen a este tipo de progresiones,
para generar un ritmo musical. Soto observa que en Mondrian,
en el cruce de las verticales y horizontales se produce una
vibracin y la obra se hace ms dinmica. Y empieza a generar
piezas bidimensionales, con ngulos. Cuando resuelve ese
tema pasa a realizar obras con elementos repetitivos, como una
progresin aritmtica. Llega as a las rotaciones. A partir de ese
momento haba dilucidado la incgnita del movimiento, al darse
cuenta de que era un asunto de repeticin aritmtica y de ritmo.
Posteriormente, Soto comienza a analizar el cuadrado y el cubo,
en un tema que nunca termina, porque es infinito.
Si analizamos su trabajo observamos que los planos inferiores
corresponden a cuadrados o mltiplos de este. Con eso
permanece el ritmo, pero al colocar, pequeas lneas, la
vibracin es percibida muy fuerte por el espectador. En ese
momento solo usa blancos y negros, para resolver el problema.
Posteriormente, introduce el color, pero no colores diluidos,
sino planos. De esa manera saca el volumen hacia afuera.
La sensacin de tridimensionalidad se potencia, pero con
movimiento. El color en ese momento es musicalidad. Y cuando
coloca varios cuadrados la msica es serial.
Para 1954 analiza que superponiendo pequeos crculos,
sobre planos, obtiene nuevas vibraciones. De ah nace La cajita
de Villanueva, donde aparecen las ambigedades pticas, que
hacan que se perdieran la sensacin bidimensional de los
cuadrados. Este ser el inicio de un largo proceso en donde
mover lneas y colores.
Casi paralelamente, quiso Soto salir de la rigidez de lo geomtrico
con Los leos, que fueron el resultado de acompaar a Jean
Tinguely, a buscar desechos en chiveras. Comienza as a dibujar
sobre una de las caras de esos elementos, sin modificar la pieza
original y nicamente interviniendo uno de los planos. Pero
hay algo ms. Sus conversaciones con Yves Klein le llevan a
comprender y manejar el tema del vaco. Y con ello profundizar
un motivo que ser desarrollado, en profundidad, con Los
Penetrables, ms adelante. Es impresionante la musicalidad
entendida en cada pieza, no solo en el ritmo sino en el sonido.
Igualmente la inmaterialidad de la luz, el uso de la lnea en cada
elemento-, y la transparencia. Es all donde la fsica interactuar
con la obra, desmaterializando la luz, en elementos etreos.
Para 1966, Soto materializa de manera contundente Los
Penetrables. Se trata de un sumun de experiencias. El espectador
formaba parte de la obra. Ingresaba a ese recinto donde las
sensaciones son espaciales, sonoras y tctiles. Por primera vez
el espectador forma parte de la obra y puede interactuar con
ella, a su antojo.
Quizs la brevedad de las lneas no le haga justicia a lo
que el maestro le tom dcadas solucionar, pero era su
tarea hacerlo para que sepamos la importancia para el arte
contemporneo de cmo este hombre se convirti en un
monstruo de las artes del siglo XX.
Beatriz Sogbe
1 0 0 /. R E V I E W S
JO R G E M ACCH I EN N C- ART E
Lampo
NC arte
>Colombia
Since it opened five years ago, the Bogot-based gallery
NC-arte has developed a much needed and pertinent
program of exhibitions by artists from Colombian and abroad.
Rafael Lozano-Hemmer, Carlos Garaicoa, Juan Fernando
Herrn, Troika are among the artists and collectives that
have undertaken powerful appropriations of a space whose
dimensions make it possible to produce works uncommon
on the local scene. Indeed, since its launching, NC-arte
has invited artists to challenge its generous space in the La
Macarena section of the city. In October, Argentine artist
Jorge Macchi (Buenos Aires, 1963) produced a study of
shadow for a show curated by Mara Lovinothe greatest
connoisseur of Macchis work in Colombiathat he called,
simply, Lampo.
Lets start with that title: Lampo. The word names the
particular interpretation of light, space, and materiality that
Macchi put to the test in the venue in downtown Bogot. A
little-used word that refers to a very intense and fleeting light.
Over the course of a yearand not living in ColombiaMachi
worked on a show that consisted of a central piece, Gloria: an
ambitious wooden construction that occupied the gallerys
main hall and stairway at the entrance. The work attempted
to simulate or to delimit the course nonexistent projections
of lights might take. Using wooden slates to mark the path of
the imaginary light, those hypothetical vectors grew denser
with an also imaginary increase in the lighting in hard-tosee sectors of the gallery: it took some effort to discern the
artists intentions.
Macchi was interested in, among other things, distancing
himself from viewers memories of sensations they might
have experienced at earlier exhibitions: at the beginning of the
year, a sophisticated show of work by Rafael Lozano Hemmer
largely based on digital supports; later, a powerful installation
by the Troika collective that consisted of flooding the large
gallery space. Evidently, this context contributed to the
decision to make Lampo a show inclined to the minimal.
Lampo was a pause and change in pace in the programming
of NC-arte, as well as the first major show by Macchi in
Bogot, after the brilliant exhibitions of fellow Argentine
artists Victor Grippo and Graciela Sacco held at the Museo de
Arte del Banco de la Repblica in 2015.
En sus cinco aos de existencia y con sede en Bogot, NCarte ha desarrollado un necesario y relevante programa de
exposiciones con artistas nacionales e internacionales. Rafael
Lozano-Hemmer, Carlos Garaicoa, Juan Fernando Herrn,
Troika entre otros, han realizado poderosas apropiaciones de
un ambicioso espacio que permite gracias a sus dimensiones,
la realizacin de obras poco comunes en esta ciudad. Y es que
precisamente, desde sus inicios NC-arte ha invitado a los
artistas a desafiar el espacio de su amplia sede, situada en el
barrio La Macarena. En octubre pasado, el artista argentino
Jorge Macchi (Buenos Aires, 1963) realiz all un particular
estudio de la sombra en una muestra que titul llanamente
Lampo, curada por Mara Lovino, la mayor conocedora de la obra
de ste artista en Colombia.
Iniciemos por el ttulo: Lampo. Esta palabra designar, la
particular interpretacin de la luz, el espacio y la materialidad
que Macchi puso a prueba en la cntrica sala bogotana. Es una
palabra, que valga la pena decirlo, es poco usada y designa
una luz muy fuerte y fugaz. Durante un ao, y no viviendo en
Colombia, Macchi prepar una muestra donde enseaba una
pieza central, Gloria. Una ambiciosa construccin de estructuras
de madera, que se tomaba la nave central y la escalera de
ascenso intentando simular o demarcar, los posibles recorridos
de proyeccin de focos de luz inexistentes. Utilizando los
listones de madera para marcar los trayectos de luz imaginaria,
la accin de estos supuestos vectores, se densificaban segn
un tambin imaginario aumento lumnico por sectores, no
fcilmente perceptible, y se necesitaba algo de esfuerzo para
entender las intenciones del artista.
A Macchi tambin le interesaba distanciarse con los recuerdos
y sensaciones del espectador frente a exposiciones anteriores
a inicios de ao se haba presentado una sofisticada muestra
fuertemente basada en soportes digitales de Rafael Lozano
Hemmer y posteriormente se llev a cabo una poderosa
instalacin del colectivo Troika inundando con agua el amplio
espacio- lo que tambin evidentemente contribua a que Lampo,
fuera una muestra que tendiera a lo mnimo.
Lampo en conjunto, constitua un momento de pausa y cambio
de ritmo en la programacin de NC-arte a la vez, que marcaba la
primera gran aparicin de Macchi en Bogot, complementando
las brillantes muestras de otros artistas argentinos, Victor
Grippo y Graciela Sacco que tuvieron lugar en el 2015 en el
Museo de Arte del Banco de la Repblica en la ciudad.
Santiago Rueda
Jorge Macchi. Lampo.

View of the exhibition. / Vista de exhibicin. Photo / Foto: Oscar Monsalve
R E V I E W S /. 1 0 1
G UA DALU P E VAL DS
Vencer el olvido
Galera Isabel Aninat
>Chile
Galera Isabel Aninat was the site of the return of
Guadalupe Valds (Santiago, 1979) to the local scene,
leaving no doubt about the creative vitality she has
developed in recent years.
For the last ten years, Valds lived in Germany and the
United States, where she established the parameters of
the current artistic research evident in this show.
The exhibitions twenty-five canvases in various formats
formulate an original revision of the history of painting.
Guadalupe Valds explored flea markets in several cities
and salvaged paintings rejected by connoisseurs, mostly
works by weekend painters that depict hackneyed themes
like sea scenes and landscapes.
On this work, Chilean critic Carlos Navarrete writes:
Found canvases that, partly recycled, turn into a
summation of times, stories, and broken memories tied
together only by the gesture of the brush depositing on
the pictorial surface an impasto in furious tones like a
suture designed to reconcile times and memories that
eagerly try to recover the vestiges of personal memory.
The artists reminiscences are alliances she puts together
on the basis of other artists signatures that, when joined,
turn into a vision of art that surprises and captivates us,
engaging collage in a creative game with reality.
Past and present come together in the cutting and pasting
of these works, giving rise to a new reality. As the artist
explains, these works explore memories and fragments
of my own canvases and canvases by others brought
together in order to reconcile different timesa present
that, when united to the past, blossoms and opens up to
the future.
With this work, Guadalupe Valds hopes to once again find
a place for herself in her countrys history. And she does
so by looking toand making her ownthe creation of
others without hiding their origin, meddling in Chilean and
Latin American art from a fresh and original perspective.
Guadalupe Valds, Habitar lo nuestro [Inhabiting Whats Ours], 2015.

Mixed media on canvas, 55 x 69 cm. / Tcnica mixta sobre tela, 55 x 69cm.
La reinsercin en la escena local santiaguina de Guadalupe

Valds (Santiago, 1979) se realiz en la galera Isabel Aninat
donde se comprob su vitalidad creativa desarrollada estos
ltimos aos.
La artista vivi en la ltima dcada en Alemania y Estados
Unidos. Es all donde estableci los parmetros de su
actual investigacin plstica que pudimos observar en la
mencionada galera.
La exposicin, compuesta de 25 telas de diversos formatos,
nos llev a una original revisin de la historia de la pintura.
Guadalupe Valds recorri los mercados de pulgas de
diversas ciudades y rescat pinturas desechadas por los
entendidos. Son mayoritariamente obras de pintores de
domingo con temas recurrentes de la pintura fcil: marinas y
paisajes.
El crtico chileno Carlos Navarrete nos dice: Telas
encontradas, las que al ser recicladas fragmentariamente,
se convierten en una suma de tiempos, historias y recuerdos
entrecortados. Solo anudados por el gesto del pincel
cuando deposita en la superficie pictrica algn empaste
en furiosas tonalidades, a la manera de una sutura a fin de
conciliar tiempos y memorias, las que afanosamente intentan
recuperar los vestigios de su memoria personal.
Las reminiscencias de la artista son complicidades que
ella elabora a partir de la firma de otros artistas, las que
al sumarse se trasforman en una visin del arte que nos
sorprende y cautiva, colocando al collage en juego creativo
con la realidad.
En estas obras al cortar y unir se complementan pasado y
presente, dando origen a una realidad nueva. Como resume
la artista este recorrido son Memorias y fragmentos de telas
propias y ajenas reunidas con el fin de conciliar tiempos.
Como un presente que unido al pasado, brota y abre al
futuro.
Guadalupe Valds desea con esta obra volver a pertenecer
a la historia de su pas y lo logra retomando la creacin
de otros para hacer la propia, -sin ocultar el origen- e
introducindose con una mirada fresca y original en el arte
nacional y latinoamericano.
Ernesto Muoz
1 0 2 /. R E V I E W S
L E A NDRO ERL ICH

La democracia del smbolo
MALBA
>Buenos Aires
La democracia del smbolo [The Democracy of the Symbol],
a site-specific action and installation by Leandro Erlich
(Buenos Aires, 1973), is a work in two parts and with two
durations. For a few days, the artist intervened on the
top of the Buenos Aires obelisk, producing the illusion
that it had been cut off. In conjunction with that action,
a full-scale reproduction of the presumably removed
top was placed on the esplanade of the Museo de Arte
Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA). The replica
is designed so that visitors can go inside, thus providing
a view of the city that the original obelisk does not. The
removal of a section of the monument, as well as the
fiction of transporting it and the choice of the new setting,
not only formulates the artists political and conceptual
agenda but also activates the senses.
Without contradiction, Erlichs action can form part of
the cultural history of the obelisk as a symbolic form.
While as artifacts obelisks aspire to immobility, transport
and dislocation have beenperhaps due to that very
insistence on permanencerecurring practices in the
history of their appropriations and ways of making sense.
The obelisk enters the repertoire of Western forms as
a passage celebrated by culture: recorded in prints,
changes of location present engineering challenges and
require technological ingenuity. From the trips from
Egypt to Rome to the sea voyages on the Mediterranean
and Napoleonic plundering, the history of obelisks is
a history of transport and of new locations. Beyond its
local effects and aesthetic-political meanings, Erlichs
intervention does not escape the cultural constants of this
longstanding history.
The Buenos Aires obelisk in particular has been food for
social discourse since its construction. It was widely and
acutely criticized at the time it was erected in the Plaza
de la Repblica, before being reabsorbed by the local
visual culture by virtue of its permanence. Erlichs action
restores this monuments power to incite speech. During
the days the tip was removed from sight, the obelisk was
once again at the center of everyday conversations; it
sparked expressions of surprise and was an excuse for
criticism and speculation about what had happened.
The apexs placement on the esplanade was organic
and the piece blended into the museums architecture.
It reproduces the originals imitation stone, which was
coated with cement when parts of the covering slab
began coming off soon after its inauguration in 1938.
This imitation of the imitation stone closely resembles
its backgroundthe limestone of the museums facade.
Similarly, the emphasis on the diagonal lines playfully
engages the superimposed volumes of Malbas building.
La democracia del smbolo.

View of the installation. Photo: Javier Agustn Rojas. MALBA diptych
Vista de la instalacin. Foto: Javier Agustn Rojas. Dptico MALBA
La democracia del smbolo, accin e instalacin site specific de

Leandro Erlich (Buenos Aires, 1973), se presenta como una obra
en dos partes y dos duraciones. A lo largo de unos das, el artista
intervino la punta del obelisco porteo, produciendo la ilusin de
que sta haba sido extrada. En convergencia con esta accin, una
reproduccin a escala natural del extremo presuntamente quitado
fue colocada en la explanada del MALBA. La rplica est diseada
para permitir el acceso del pblico a su interior, habilitando
tambin una mirada a la ciudad que el original no concede. Tanto la
operacin de escatimar a la vista una seccin del monumento como
la ficcin del traslado y la eleccin del nuevo escenario, activan
remisiones de sentido ms all del programa poltico y conceptual
del artista.
La accin de Erlich puede inscribirse sin contradicciones en la
historia cultural del obelisco como forma simblica. Si bien se
trata de un artefacto que aspira a ser inamovible, el traslado y la
dislocacin, se comprueban, quizs por esta misma vocacin de
permanencia, como prcticas insistentes en el decurso histrico
de sus apropiaciones y sus modos de dotarlo de sentido. En efecto,
el obelisco ingresa al repertorio de formas de Occidente como un
trfico celebrado por la cultura: registrado en grabados, su cambio
de lugar presenta desafos a la ingeniera y motiva la inventiva
tecnolgica. Desde los pasajes de Egipto a Roma, los viajes en
barco por el mediterrneo y los saqueos napolenicos, la historia de
los obeliscos es la historia de traslados y de asignaciones de nuevos
emplazamientos. Ms all de sus efectos locales y sus derivas
esttico-polticas, la intervencin de Erlich no escapa a estas
constantes culturales de la larga duracin histrica.
Particularmente, el obelisco porteo fue un insumo para los
discursos sociales desde su ereccin. Extensa y agudamente
criticado en el momento de su construccin en la Plaza de la
Repblica, antes de que fuera reabsorbido por la cultura visual
a fuerza de su permanencia, la accin de Erlich reanuda este
poder del monumento de suscitar la palabra. En los das en que la
punta fue quitada de la vista, el obelisco reingres al centro de las
conversaciones consuetudinarias, motivo de manifestaciones de
sorpresa, pretexto para la crtica y para la formulacin de hiptesis
sobre el pice suprimido.
La rplica del pice se emplaza en la explanada de un modo
orgnico que contina la arquitectura del museo. La pieza
R E V I E W S /. 1 0 3
The fragment of this modern milestone is thus in tune

with the museums deconstructive architecture. The effect
produced is, initially, very different from both the light
piece by Sergio Avello that was previously at the site and,
undoubtedly, from the work by Jeff Koons that will replace
it next April.
reproduce la imitacin piedra del original revestido con

cemento desde el desprendimiento de las lajas que tuvo lugar,
al poco tiempo de ser inaugurado, en 1938- . Esta imitacin de
la imitacin piedra tiene un teln de fondo de escaso contraste
en la piedra caliza que cubre la fachada del museo. En el
mismo sentido el nfasis en las lneas diagonales entra en el
juego visual de los volmenes yuxtapuestos que componen el
edificio del Malba. El fragmento de este hito moderno entra as
en sintona con la arquitectura descontructivista del museo.
El efecto que produce la insercin, es al primer golpe de vista,
muy diferente del artefacto lumnico de Sergio Avello a la que
sucede en ese sitio y diferente, seguramente, de la obra de Jeff
Koons por la que ser relevado en el prximo abril.
Juan Cruz Pedroni
P REZ CEL IS
Testimonio americano
Museo Nacional de Bellas Artes
>Buenos Aires
As Cristina Rossi, curator of the exhibition Prez Celis,
testimonio americano on exhibit at the Museo Nacional de
Bellas Artes points out at the beginning of her text, Prez
Celis (Buenos Aires 1939-2008) was a tireless traveler.
And, judging from the intersections of form, theme,
and color in his works, he appears to have been equally
tireless in his artistic journeys.
The design of this exhibition prioritizes his almost fiftyyear search for the specificity of the Americas, a journey
that took him to Montevideo, Lima, Caracas, Paris, New
York, Miami, and different regions of Argentina. As Rossi
points out, [] thanks to his sensitivity, he was able to
interpret each one of these settings and from all of them
he took away an emblematic sign. The gesture, material,
and color he used at each stage expressed his tie to the
concept of the Americas and his commitment to debates
on this topic.
Thus, he supported the idea of the New Mana movement
started in the sixties by critic Rafael Squirruthat
proposed innovation and rejected tradition in order to
pursue a new man rooted in the Americas.
The exhibition is structured around six moments, each
with works produced during different periods, places and
different techniques, though painting predominates. While
the exhibition prioritizes the artists abstract work, the
curator states, significantly, that a simple circle could
symbolize a sun god in the Inca pantheon, represent the
Sun in the skies of the Pampas, or turn into a perfect
sphere to settle the gaze of Americas eye.
The exhibition begins with paintings from the sixties tied
to Victor Vasarely and the geometric tradition, which
1 0 4 /. R E V I E W S
Rey Amrica [King America]. , 1991.

Oil on canvas, 146x89 cm. / leo sobre tela, 146x89 cm, 1991.
Museo Nacional de Bellas Artes (MNBA) Collection.
Prez Celis (Buenos Aires 1939 - 2008) fue un viajero

incansable, seala en el inicio de su texto Cristina Rossi,
curadora de la exposicin Prez Celis, Testimonio americano,
en el Museo Nacional de Bellas Artes. Y podra decirse que fue
tambin un viajero incansable por el mundo de las bsquedas
plsticas como ponen de manifiesto sus obras en permanente
encuentro con formas, temas y colores.
El recorrido de la muestra sigue algunos de los caminos en los que
el pintor prioriz la huella americana a lo largo de casi 50 aos:
Montevideo, Lima, Caracas, Pars, Nueva York, Miami y distintas
geografas de la Argentina. Como destaca Rossi () su sensibilidad
is followed by an informalist stage of works laden with

materials produced during his stay in Lima. Next come
works centered on the richness of the horizon line in
the Argentine Pampas, followed by works with spaces
featuring rising forms produced during his stay in
Caracas. The paintings he made in Paris, on the other
hand, are rich in stepped forms and shades of gold
and silver. Finally, while in the United States, he began
working with new materials and bursts of color.
The curatorial proposal heeds as well Prez Celiss works
in illustration, product design, advertising, mural making,
and works for the urban space.
The museum is planning to publish a catalogue for
the exhibition with texts by specialists Cristina Rossi,
Jos Emilio Buruca, and Sandra M. Szir that provide
gateways into the work of this passionate travelling
artist. Freedom, Prez Celis wrote in 1988, takes us
into the unknown, where there is no place for even the
best schemes and creation explodes and expands, where
nothing keeps us going but the force of passion.
interpret cada uno de estos escenarios, y de todos supo llevarse

algn signo emblemtico. El gesto, la materia y el color en cada
etapa expresaron el vnculo del artista con el concepto de lo
americano y los debates al respecto que lo convocaron.
En este sentido, se destaca su adhesin a las ideas del
Hombre Nuevo movimiento creado en la dcada de 1960 por
el crtico Rafael Squirru- que planteaba renovarse y dejar atrs
la tradicin para ir en la bsqueda de un hombre nuevo de
raigambre americana.
La exposicin se estructura en seis momentos, cada uno de
los cuales exhibe trabajos realizados en diferentes perodos,
geografas y materialidades con preeminencia de la pintura-.
Si bien la muestra prioriza la obra abstracta del artista hay que
subrayar, como lo hace la curadora, que la mera forma de un
crculo pudo simbolizar a la deidad solar del panten incaico,
representar al Sol de los cielos pampeanos o transformarse en
una esfera perfecta para centrar la mirada del ojo de Amrica.
El recorrido se inicia con las pinturas de los aos 60 relacionadas
con la tradicin geomtrica de Vctor Vasarely y contina con un
momento informal y matrico vinculado con su estada en Lima.
Luego estn los trabajos en donde se destaca la pregnancia de la
lnea del horizonte de la pampa argentina, a los cuales les siguen
las obras de espacios con formas ascendentes que caracterizan
su estada en Caracas. En tanto, en las pinturas realizadas en
Pars se observan formas escalonadas, dorados y plateados. Por
ltimo, durante su permanencia en los Estados Unidos, introduce
nuevos materiales y estalla el color.
El guin curatorial pone de manifiesto tambin la importancia
de los trabajos de Prez Celis ligados a la ilustracin, el diseo
de productos, la publicidad, la realizacin de murales y las obras
emplazadas en el espacio urbano.
El museo ha previsto un catlogo de la exposicin con textos de
los especialistas Cristina Rossi, Jos Emilio Buruca y Sandra
M. Szir, los cuales plantean muy interesantes puertas de ingreso
a la obra de este artista viajero y apasionado. La libertad
escribi Prez Celis en 1988- nos lleva a lo desconocido, donde
los mejores esquemas no tienen cabida, la creacin estalla y se
expande, donde nada nos sostiene, sino la fuerza de la pasin.
Laura Casanovas
F E D E RICO CO L L ET TA
El desmoronamiento de la corteza terrestre
Centro Cultural Recoleta
>Buenos Aires
EI cannot imagine any approach to Federico Collettas
current work that is not tied to the landscape or natural
surroundings of Los Cardales, the town on the outskirts of
Buenos Aires where he lives and works: that specific setting
is, arguably, what has given meaning to the body of work he
began producing in late 2010 and 2011. These new works
question his previous pictorial practice as they delve into the
metaphorical implications of a type of production linked to
process, on the one hand, and to the logic of nature, on the
other. This was how the artist began burying his canvases
No imagino una aproximacin a la actual obra de Federico

Colletta desvinculada del paisaje o las condiciones naturales
que lo rodean en el lugar que habita y trabaja en Los
Cardales, en los alrededores de Buenos Aires. Podra decirse
que es ese particular entorno el que le confiere sentido a la
orientacin que asumi su obra hacia fines de 2010 y 2011.
Me refiero a un rumbo nuevo que empez por problematizar
su prctica pictrica tal como la vena llevando a cabo hasta
entonces y concentrarse en las implicancias metafricas de
un tipo de produccin ligada a lo procesual y a la lgica de
R E V I E W S /. 1 0 5
Federico Colleta. El desmoronamiento de la corteza terrestre.

View of the exhibition. / Vista de exhibicin. Centro Cultural Recoleta
in holes dug to size (they measure 1.80 x 0.90 cm. each) or

leaving them outside so that the weather (wind, rain, etc.)
and the workings of the environment would create an image
closer to the action of nature than to its representation.
The common denominator of all these works is a particular
monochrome resulting from the color of the earth and
ash, and the effect of humidity on the canvas. The apparent
working of natures chance in Federico Collettas process is
actually a strategy, a partial loosening. Why? Because once
the canvases are salvaged after periods of up to fifteen days
of hibernation, the artist scrubs them and then hangs them
out to dry. In so doing, he reverses the act of painting, which
entails adding substance, by performing an act that entails
removing matter from the canvas, he explains. Finally, he
performs a formal action, placing the canvases in stretches
that he himself makes. The serial display of the works brings
to mind minimalist strategies of order and repetition.
Throughout the process, he takes notes that evidence
his daily activity. Papers that have performed different
functions (tablecloths, napkins, handkerchiefs, wrapping
paper, purchase receipts and receipts from toll booths)
and bear traces of the body. Regardless of their specifics,
all the pieces of paper make reference to the hustle and
bustle of the artists life, while his canvas lie in a hole in the
ground, becoming infected with the components of the soil
and participating in an organic logic. These two instances
formulate a confrontation between two dimensions of
time, one that acts on the artist and one that acts on the
canvases in their organic rest. And this is the point where
the coordinates of space and time that somehow strain
those variables in art and its forms of representation or
presentation intersect.
1 0 6 /. R E V I E W S
la naturaleza. As fue que el artista empez a enterrar sus

telas de algodn en pozos hechos a su propia medida (que
se empea en precisar: 1,80 x 0,90). O a abandonarlas a la
intemperie para que el viento, la lluvia, el clima o el propio
devenir ambiental se encargaran de configurar una imagen
identificada ms con la accin de la naturaleza que con su
representacin.
Todo esto bajo el denominador comn de una particular
monocroma derivada de la coloracin de la tierra, la
ceniza o la accin de la humedad sobre la tela. Hay en
estas estrategias de Federico Colletta un aparente dejar
librado al azar del acontecer natural que en verdad es
una liberalizacin a medias. Por qu? Porque una vez
rescatadas del largo perodo de hibernacin a que las somete
por perodos de hasta quince das, Federico Colletta lava
sus telas a mano, las friega y luego las cuelga. Invirtiendo la
naturaleza del acto de pintar que adiciona sustancia por otro
que sustrae la materia de la tela, explica. Luego las somete
a una accin formal: las tensa en bastidores que l mismo
fabrica y las presenta en series que evocan las estrategias
minimalistas de orden y repeticin.
A su vez acompaa este proceso con un registro de notas
en las que consigna todo tipo de referencias que dan cuenta
de su actividad cotidiana. Papeles marcados por distintos
usos en los que ha quedado la huella del cuerpo: manteles,
servilletas, pauelos, papeles de regalos, tickets de compras
o de peajes. Todas referencias que aluden al continuo ajetreo
en su vida mientras las telas reposan al interior de un pozo
en la tierra contaminndose con los componentes del suelo
y participando de una lgica orgnica que las afecta. Hay
en estas dos instancias una confrontacin de dimensiones
temporales: la que modifica al artista y la que modifica a
las telas en su devenir de reposo orgnico. Es all donde se
It was on this premise that Federico Colletta brought together

last August two major installations for exhibit in two galleries
of the Centro Cultural Recoleta, a former convent whose
monastic past is still evident in the architecture. In one
gallery, he showed the works in canvas stretches under the
frames of the buildings arches and resting on wooden pillars
in a sequential rhythm. In the other, he placed a set of upright
pieces of wood like a dry forest. This second space placed
emphasis on the definition of a work of art on the basis of
what the artist has at hand, on the basis of what grows and
dies around him.
cruzan las coordenadas de espacio y tiempo que de algn

modo ponen en tensin esas variables en el arte y sus formas
de representacin o presentacin.
Sobre este principio Federico Colletta articul las dos grandes
instalaciones que present en agosto pasado en el Centro
Cultural Recoleta de Buenos Aires y ocuparon dos salas
del otrora convento de monjes recoletos que an conserva
la impronta de la arquitectura monacal. En una ubic las
telas tensadas en bastidor, enmarcadas por los arcos de la
arquitectura y apoyadas sobre pilares de madera delineando
un ritmo secuencial. Y en la otra sala simplemente un
conjunto de maderas erguidas como un bosque seco llamado
a poner el acento en la definicin de una obra a partir de lo
que el artista tiene a mano, crece y muere a su alrededor.
Ana Mara Battistozzi
JUA N A N DRS VIDEL A

Nada est quieto
Centro cultural Recoleta
>Buenos Aires
Making peace with leaving the question open allows you
to flow, says Argentine artist Juan Andrs Videla (Buenos
Aires, 1958), thus providing us with a way to understand
his appealing work. The over seventy paintings and
drawings in the anthological exhibition Nada est quieto
at the Centro Cultural Recoleta offer us a remarkable
opportunity to interrogate the artistic universe he has
developed over the last twelve years. The themes they
address are simple and familiar: the interior of a room,
a thicket, a street corner, a still life, an urban landscape,
an animal, and others. They sometimes take shape in
unambiguous and thick brushstrokes and sometimes
on the polished yet blurry photograph-like surfaces
characteristic of his style (in these cases, it is as if we
were looking at the image through a wet pane of glass or
a mist). They may be in black and white with remarkable
use of the light or create an outburst of color. They
may show different perspectives and vacillate between
surrealist and realist forms of figuration on formats large
and small. While his work attests to constant reflection
on the many possibilities of painting and drawing, it goes
beyond that. Painting becomes an experiment to show
how you perceive, states the artist, thus accentuating
a central theme in his work. At stake is expressing the
experience of that constantly changing thing that is
before him. [] Videla lets himself be taken over by the
endless tremors that vibrate behind the solid exterior of
things, writes artist Eduardo Stupa in the exhibitions
text. That is what the viewer perceives before his works:
the ceaseless tremor of whats perceived that can disturb,
seduce, interrogate, move, and startleor do all of that
at once in a time that is both this time and another time.
His singular work is thus tied to the discourse of poetry,
where each word and concept opens up a new possibility
Juan Andrs Videla. Matorral [Thicket].

Oil on canvas, 140x180 cm. / leo sobre tela 140x180cm
Amigarse con dejar la pregunta abierta te permite fluir,

dice el artista argentino Juan Andrs Videla (Buenos
Aires, 1958) como clave de su atrayente obra. Los ms
de 70 pinturas y dibujos que conforman la exposicin
antolgica Nada est quieto en el Centro Cultural Recoleta
constituyen una notable oportunidad para indagar en su
universo artstico de los ltimos doce aos. Los asuntos
de sus trabajos son simples y familiares: el interior de
un cuarto, un matorral, la esquina de una calle, una
naturaleza muerta, un paisaje de ciudad, un animal, entre
otros. Pueden surgir de pinceladas evidentes y pastosas
o de superficies pulidas de aspecto fotogrfico y borroso
caractersticas de su estilo como si viramos la imagen
a travs de un vidrio mojado o atravesada por la bruma- y
tanto en blanco y negro con un destacado trabajo con la
luz como por medio de un estallido cromtico. Pueden
presentar distintas perspectivas y oscilar entre una
figuracin de atmsfera surrealista o realista y en formatos
pequeos o de grandes dimensiones. Si bien evidencia
una constante reflexin sobre las mltiples posibilidades
de la pintura y el dibujo, su propuesta va ms all: La
R E V I E W S /. 1 0 7
that changes with the next in an endless series of options

that takes shape in a space of openness and freedom. The
open question that allows one to flow. A single imagethe
image of a rooms interioris found in five paintings of
different size, color, sharpness, and type of brushstroke.
Is it the same room? Videla writes: [] I no longer stifle
the experience of the world by seeking explanations. So
the world sometimes speaks to me from silence, without
betraying its mystery.
pintura pasa a ser un experimento para dar cuenta de

cmo percibs, dice el artista, poniendo el acento en un
tema central. Se trata entonces de expresar la vivencia
de aquello que tiene frente a l y que est en constante
cambio. () Videla se deja invadir por los temblores
incesantes que vibran detrs de la exterior solidez de las
cosas, seala el artista Eduardo Stupa en el texto de la
muestra. Y eso es lo que se capta frente a sus trabajos, un
incesante movimiento de lo percibido que puede inquietar,
seducir, interrogar, conmover, extraar o todo a la vez en
un tiempo que es ste y, a su vez, otro. Su singular obra
se emparenta, as, con el discurso potico, el cual con
cada palabra y concepto abre una nueva posibilidad, que
se modifica con la siguiente en una sucesin de infinitas
opciones conformando un espacio de apertura y libertad.
La pregunta abierta que permite fluir. Encontramos, por
ejemplo, una misma imagen -la del interior de un cuarto- en
cinco pinturas con diferentes tamaos, colores, nitideces,
trazos. Es el mismo cuarto? Escribe Videla: () no sofoco
ya la vivencia del mundo pidiendo explicaciones. Entonces
a veces ste, me habla desde el silencio, sin traicionar su
misterio.
Laura Casanovas
CO L ECCI N T EDESCO
Diagonal Sur - Arte argentino hoy
Centro Cultural Borges
>Buenos Aires
With almost four hundred works from the Esteban
Tedesco collection, Diagonal Sur - Arte Argentino Hoy
occupies all the galleries of the Centro Cultural Borges.
A milestone in the history of contemporary art collecting,
the show makes visible art produced over the course of
the last thirty years.
Tedesco has come to fill a void. To put it simply, no
Argentine institution has exhibited work from the
entire period encompassed by his collection. Though
contemporary artists draw thousands of visitors to art
fairs and galleries and are the choice of buyers, no
institution in Argentina has provided them with the space
they deserve. The first museum of contemporary art in
Argentina was founded in the city of Rosario in 2004;
while it owns some 783 work, its entire collection is not
on exhibit. The Tedesco collection, meanwhile, consists of
over 1,200 works, or twice as many as Malba (though, of
course, the time period encompassed and net worth of the
Malba collection are greater).
A visit to the show quickly evidences the museum quality
of the selection, as well as the appeal of works that few
have seen. In that sense, the curatorial intervention of
French art theorist Philippe Cyroulnik, director of the
Centre rgional dart contemporain in Montbliard,
France, was crucial. Since 1989, when he visited Argentina
1 0 8 /. R E V I E W S
Graciela Hasper, Sin ttulo (Untitled), 2004.

Acrylic on canvas / Acrlico sobre tela. 110x200.
at the invitation of Centro de Arte y Comunicacin (CAyC)

his institution has housed work by Argentine artists whom
Cyroulnik has supported ever since. He acknowledges
that Argentina is his favorite country. I forged ties based
on reflection, on affinity in terms of philosophy and
painting. It is said that this country is the heir to Europe,
but thats not entirely true. There are things there that
dont exist here, like Minimalism. Notwithstanding, he
clarified that the first painting he hung on one wall of the
show was a blue monochrome by Juan Jos Cambre.
With sensibility and a good eye, Tedesco has purchased
work in an accessible segment of the art market (with
the exception, that is, of a few artists like Macchi, Siquier
and Erlich who, for a decade now, have been highly valued
on the international market). On a limited budget mostly
obtained through his professional labor, Tedesco has
formed a collection like none other in the country.
The Argentine art collecting tradition is long and noble;
it dates back to the Viceroyalty of the Ro de la Plata,
when the country began to be peopled with art, and
continues into the present, when the number of art buyers
is increasing. Museums like Malba and the Fundacin
Fortabat are clear examples of the enduring interest in
and generosity towards art on the part of criolla society.
Eager to educate and to share their artistic treasures,
early Argentine art collectors opened the doors to their
homes and later, through donations, were an active force
in founding the Museo Nacional de Bellas Artes and the
Museo de Arte Moderno, both located in Buenos Aires.
Art collectors todayvenerable individuals who often
keep art solely for their own personal enjoymenthave
renewed their tastes and strategies. Glamorous collectors
that spend millions matter less and less as interest
has shifted towards sharing art with a broader public.
But what matters most of all is that art be enjoyed and
understood.
La muestra Diagonal Sur - Arte Argentino Hoy, ocupa el

Centro Cultural Borges con casi 400 obras pertenecientes
a la coleccin de Esteban Tedesco. La exhibicin, crucial
para la historia del coleccionismo de arte contemporneo,
brinda visibilidad a la produccin de los ltimos 30 aos.
Tedesco viene a llenar un vaco. Sencillamente, ninguna
institucin argentina exhibe el perodo que comprende su
coleccin. Y qu duda cabe? Los artistas contemporneos
atraen miles de visitantes a las ferias y galeras y son los
favoritos de los compradores, pero ninguna institucin
argentina les dedica un espacio digno. En la ciudad de
Rosario se fund en el ao 2004 el primer Museo de
Arte Contemporneo del pas, posee 783 obras, pero esa
coleccin no se exhibe. La coleccin Tedesco asciende
a 1.200 obras y -salvando las distancias de pocas y
cotizaciones- duplica la del Malba.
Al recorrer la muestra se advierte la cualidad museo de
la seleccin, el atractivo de las obras que pocos conocen.
En este contexto, el trabajo curatorial del terico francs
Philippe Cyroulnik resulta crucial. Desde el ao 1989,
cuando viaj a la Argentina invitado al Centro de Arte y
Comunicacin (CAyC), comenz a albergar en el Centro
Regional de Arte Contemporneo de Montbliard, Francia,
artistas argentinos que nunca dej de apoyar. En ese
sentido, reconoce a la Argentina como su pas favorito.
Establec relaciones a travs de la reflexin, de la afinidad
con la filosofa y la pintura. Segn la tradicin este pas
es heredero de Europa y no es totalmente la verdad. Hay
cosas all que aqu no existen, como el minimalismo.
Aunque aclara que como primer punto en una pared, colg
una pintura monocromtica azul de Juan Jos Cambre.
Por otra parte, cabe aclarar que Tedesco compr con
sensibilidad y buen ojo una franja del mercado accesible,
salvo artistas como Macchi, Siquier o Erlich, que, desde
hace una dcada cotizan en el mercado internacional.
Con un presupuesto acotado y mayormente forjado con el
ejercicio de su profesin, Tedesco reuni una coleccin
nica en el pas.
El coleccionismo argentino tiene una larga y noble
tradicin desde los tiempos del Virreinato del Ro de la
Plata, cuando el pas comenz a poblarse de arte, hasta
la actualidad, cuando los compradores se multiplican.
Museos como el Malba o la Fundacin Fortabat son claros
ejemplos de que todava perdura el inters y la generosidad
de la sociedad criolla por el arte. Con afn educativo y
el deseo de compartir los tesoros artsticos, nuestros
primeros coleccionistas abran sus casas. Esos mismos
coleccionistas impulsaron con sus donaciones la fundacin
del Museo Nacional de Bellas Artes o el de Arte Moderno
porteo.
Hoy, los coleccionistas tradicionales -esa gente venerable
que en ocasiones guarda el arte slo para su disfrute
personal- renovaron su gusto y sus estrategias. Cada vez
importa menos el glamour de los compradores que gastan
cifras millonarias, interesa mucho ms compartir el arte
con la gente. Lo que importa es el disfrute del arte y su
comprensin.
Ana Martnez Quijano
R E V I E W S /. 1 0 9
K E N M ATSU BAR A
Repeticiones
Galera del Paseo
>Punta del Este
Defying expectation, Galera del Paseo brought to the regionin
the midst of the South American summer seasonthe provocative
work of Japanese artist Ken Matsubara (Tokyo, 1949), as well as
the artist himself, who attended the opening. The exhibition venue
is located on one of the magnificent beaches of the Manantiales
section of Punta del Este and, as soon as the artist arrived, he
showed his hosts a video of the crowded place where he lives in
Tokyo, a noisy district full of billboards and cars. Unaccustomed
to so much silence, he told his hosts he was not sure he would be
able to sleep (in the end, though, he managed to get some rest).
Contra todo pronstico, en pleno verano del hemisferio sur,

Galera del Paseo introdujo a la regin la provocadora obra
del japons Ken Matsubara (Tokio, 1949), que asisti a la
inauguracin. El espacio de exhibicin est situado frente
a una de las magnficas playas de Manantiales y lo primero
que hizo el artista fue mostrar a sus anfitriones un video
del lugar donde vive en Tokyo, repleto de gente, carteles
luminosos, autos y ruido. Sorprendido por tanto silencio les
dijo que no saba si iba a poder dormir, pero s, descans
muy bien.
Refined yet patently perceptible, the show consisted of works

(installations and videos) that give new life to unfamiliar visions
and personal references, placing emphasis on loss and on
time as potential source of restoration. In most of the works in
Repeticiones, the title of the show, the artist engages experiences
of strangers. Matsubara, who lives and works in Japan, has
exhibited since 1987. This show brought together three videos and
an installationa series of open books, as tenuous as memories,
displayed on music stands. On the left page of each open book
is an old photograph found at a flea market or a bookstore.
After visiting each of the places in the photographs, the artist
reconstructed them in videos shown on a computer tablet on the
page to the right; each tablet is covered with an opaque piece of
paper that makes the images blurry.
Tan refinada como perceptible, la muestra despleg trabajos

-instalaciones y videos- que le dan nueva vida a miradas
ajenas y a evocaciones personales, subrayando prdidas
y utilizando al tiempo como posibilidad de restauracin.
Las obras de Repeticiones se vinculan, mayormente, con
experiencias del artista a partir de las vivencias de otras
personas, desconocidas. Matsubara, que exhibe desde 1987
y vive y trabaja en Japn, rene tres videos y una instalacin,
que se presenta como una sucesin de volmenes abiertos
sobre atriles, tan tenues como los recuerdos. Cada libro
est compuesto por fotografas de cierta antigedad
-encontradas en mercados y libreras-, plasmadas en la
pgina de la izquierda. Tras visitar cada uno de los lugares
de las citadas fotos, el artista las reconstruye en video y las
muestra en la hoja de la derecha en una tableta, cubierta
por un papel opaco que torna difusas a las nuevas imgenes.
Matsubara pleads memory to move into eternity. Recollection

that fugitive human resourcewanders about like a bragging
ghost in the corner of perception, exhausting in the object its
metaphysical distance, concludes the shows curator, Renato
Rita. The gallery, which is visited by art viewers from around the
world, participated in Punta del Estes Gallery Nights this summer.
Matsubara implora a la memoria un movimiento hacia

la eternidad. El recuerdo, ese fugitivo recurso humano,
deambula como un fantasma empavonado en la comisura
de la percepcin, agotando en el objeto su distancia
metafsica, concluye el curador Renato Rita. Concurrida
por un pblico multinacional, la galera integr el recorrido
estival de los Gallery Nights de Punta del Este.
Victoria Verlichak
Ken Matsubara, Potsdamer.

Tecnica mixta / Mixed media. 24 x 30 cm
1 1 0 /. R E V I E W S
G O L DWASSER - U R IB E
El sistema de los otros
Galera del Paseo
>Punta del Este
The exhibitions by experienced artists Gerardo Goldwasser
and Pablo Uribe held at Galera del Paseo evidence a shared
sensibility and a similar placid atmosphere. By different
means, the two shows by artists of the same generation
look to ancestral traces and give rise to a multiplicity of
meanings.
Early on, Gerardo Goldwasser (Montevideo, 1961) began
making use of attributes associated with a tailors trade
in his emotional and sparse works. His pieces are a silent
recollection of his grandfather and what he went through at
a Nazi concentration camp during World War II (he managed
to survive thanks to his trade). The artists father and uncle
were tailors as well, and the artist transformed the forms
and materials typical of that trade into poetic works of
art. The ink lines, marks on paper mosaics, and folded
fabrics are reminiscent of basic patterns and the artisanal
production of garments; like the digital prints, the incisions
and lines on patterns and objects give shape to a map of
a collective family story perhaps too dramatic to ever be
sutured.
In Croma, Pablo Uribe (Montevideo, 1962) makes reference
to the memory of Uruguayan painting. This project, like the
artists earlier work Luna con dormilones [Moon with Sleepy
Heads], appropriates the work of Uruguayan artists Jos
Pedro Costigliolo, Torres-Garca, Jos Cneo, Miguel ngel
Pareja, and Petrona Vierain, but now Uribe also disintegrates
those artists paintings . He eliminates the figurative
images and removes the colors, bringing to light abstract
compositions, generating unforeseen scales and intimate
geometries. With a degree of irony, the artist points out that
replacing landscapes and characters with color palettes is
ultimately a useless attempt to systematize, inventory, and
catalogue color in Uruguayan painting. His unique prints
and delicate books suggest a system of thought, distinguish
rhythms, and highlight tones.
Gerardo Goldwasser, Medidas rgidas [Rigid Measures], 2015.

Wood and varnish, 100 cm. long / Madera y barniz, 100 cm, largo.
Artistas de fecunda trayectoria, Gerardo Goldwasser y Pablo

Uribe exhibieron su trabajo en Galera del Paseo. Paralelas
en el tiempo y convergentes en su sensibilidad y sosegada
atmsfera, las muestras acuden por distintos caminos a
huellas ancestrales y promueven multiplicidad de sentidos.
Gerardo Goldwasser (Montevideo, 1961) incorpor
tempranamente atributos de la sastrera a sus emotivas y
despojadas piezas. Son una silenciosa reminiscencia de su
abuelo, a propsito de su padecimiento durante la Segunda
Guerra Mundial; su oficio de sastre le vali sobrevivir en un
campo de concentracin nazi. El artista, que luego vio a su
padre y to compartiendo igual profesin, tom para s la
presencia de las formas y materiales de sus mayores para
transmutarlos en poticas obras. An cuando los trazos en
tinta, marcas sobre mosaicos de papeles, telas plegadas,
remiten a moldes bsicos y a la produccin artesanal de
prendas, las incisiones y lneas en estampas y objetos, las
imgenes de las impresiones digitales, aparecen como un
mapa de un dramtica historia, familiar y colectiva, que quiz
nunca puede terminar de ser cosida.
Pablo Uribe (Montevideo, 1962) alude a la memoria de
la pintura uruguaya en Croma. Como lo hizo en piezas
anteriores -Luna con dormilones-, en esta investigacin se
apropia y, ahora tambin, desintegra obras de los artistas
uruguayos Jos Pedro Costigliolo, Torres-Garca, Jos Cneo,
Miguel ngel Pareja, Petrona Viera. Suprime las imgenes
figurativas y extrae los colores de esas pinturas dando luz a
composiciones abstractas, generando escalas impensadas,
ntimas geometras. El artista seala, con cierta irona, que la
sustitucin de paisajes y personajes por paletas de color se
convierte en un intento intil de sistematizar, inventariar y
catalogar el color en la pintura uruguaya. Sus significativos
trabajos dejan ver un sistema de pensamiento, distinguen
ritmos y destacan tonos en nicos grabados y libros de
extrema delicadeza.
Victoria Verlichak
R E V I E W S /. 1 1 1

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Blanton Museum of Art / The University of Texas at Austin / MLK at Congress / 512.471.7324 / www.blantonmuseum.

BIENAL INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORNEO

3 Jornada internacional de intercambio

Buenos Aires 5, 6 y 7 de abril de 2016

Director General de la Bienal

3 - 4 Bedroom and Collection Residences

Gustavo Perez Monzn

By/Por Jos Antonio Navarrete, Miami

By/Por JSantiago Rueda, Bogot

By/Por Claire Breukel, New York

Exposition dArt AmricainLatin

By/Por Jos Antonio Navarrete, Miami

By/Por Osbel Surez, Madrid

By/Por Cristina Rossi, Buenos Aires

By/Por Diego Costa Peuser, Buenos Aires

By/Por Laura Casanovas, Buenos Aires

Fernell Franco. Cali Clair Obscur. Fondation

Wynwood Arts District. 2617 N Miami Ave. Miami,FL 33127

Major support for the exhibition is

Arango Collection; The Consulate

Additional support is provided by

Joaqun Torres-Garca. Energa

Diseos artsticos proporcionada por ARK SOLUTIONS

Instalacin / Installation - Vilos, 1981/2015

On the occasion of the exhibition Tramas, Gustavo Prez

Con motivo de la exhibicin de Tramas, Gustavo Prez

Jos Antonio Navarrete

he presentation of Tramas in Havana and Miami during

a presentacin de Tramas en La Habana y Miami durante

work of an artist who, already in the late 1980s, soon before

Tramas es una exposicin poco usual por muchas razones.

La obra de Prez Monzn tuvo su

Prez Monzns oeuvre based on

of elaborating his own list of authors, who nourished his

Tramas forces us to turn our eyes to

compromiso ejemplar con que realiz su trabajo artstico. Esa

Tramas obliga a volver la mirada

Sin ttulo / Untitled, ca. 1979

debate on multiculturalism. Also, the very dynamics of

Proyecto Dimensional / Dimensional Project, 1980

siguientes en asuntos tales como la identidad y otros afines

Nicanor Aroz, Gltica, 2015.

Nicanor Aroz (Buenos Aires, 1981) produce objetos, instalaciones

Nicanor Aroz, Gltica, (2015).

first met Nicanor Araoz in spring of 2011, in his studio

the genesis of the artists works

onoc a Nicanor Aroz en la primavera del ao 2011,

from the aesthetics of daily life so typical of Argentine

de las tcnicas escultricas. Pero la gnesis de su trabajo se

My third encounter with his work took place in Buenos

mutilacin, la mutilacin con la redencin y la redencin

Untitled from the series Mocoso Insolente (Insolent brat). /

sophisticated show Gltica was not only a continuation

the scenes of his psyche in three

al llevar a las tres dimensiones las

enormous open space like a house of worship. In the back

una gigantesca escultura de nen, en la que un gatito,

Aroz re visitaba temas de la

Nicanor Aroz, Gltica, 2015.

Untitled / Sin ttulo (2011)

In short, the show was a very contemporary reflection

Aroz to revisit themes of classic