The History of

Classical Music

Part 4

F r o m T c h a i ko v s ky t o R a c h m a n i n o v

The History of
Classical Music

Part 4

From Tchaikovsky to Rachmaninov

A BRIEF HISTORY OF MUSIC

Music as an art form has been a pleasurable
means of human expression since before we
emerged from the caves. Wall paintings from
40,000 years ago show images of men dancing, probably using the oldest instrument of
all the human voice in some sort of singing or chanting. The first man-made instrument discovered so far is a flute believed to
be at least 35,000 years old. Although great
buildings, sculptures, paintings, dances and
works of literature produced many thousands
of years ago have survived intact to be
admired and studied down the centuries, the
same is not true for music. Before the invention of notation in the early 11th century, all
music was passed down orally and through
shared performance. Even after that, most
music was still not written down, so we have
no means of knowing what ancient music
sounded like. In other words, despite the

ten down. And this same tiny proportion is

itself a distillation of just one branch of
music, the tradition we label Western classical. That said, what you will hear are examples of the finest products of that tradition,
representing some of the greatest creations
of our civilization, the aural equivalent of the
Pyramids, the drawings of Leonardo da Vinci,
the plays of Shakespeare and the sculptures
of Bernini.
What follows, therefore, is not a Complete
History of Music but a brief survey of Western
classical music since 1000 AD. It is an
attempt to put the composers and compositions into a historical context, for, like its
companion art forms, music reflects the era
and events in which it was written. Music can
speak to us with even greater power and
resonance if we hear it as part of a continually evolving, never-ending story.
NB: The labels given below to musical periods are only convenient approximations and,
inevitably, overlap. The debate continues, for
example, over just when the Baroque and
Classical and the Classical and Romantic eras
began and ended.

sophisticated ancient cultures of the Babylonians, Greeks, Romans, Egyptians and Chinese, it took roughly 41,000 years from
40,000 BC to 1000 AD before anyone
devised a lasting formula for preserving
music in the same way that had benefitted
the other art forms for millennia. It then took
a further 600 years to arrive at a standardized universal system of notation.
Having had such a relatively slow start,
however, music has more than made up for
lost time, as demonstrated by this impressive
collection. Presented chronologically, it
enables you to hear how rapidly music has
developed. Sometimes, in a single volume,
you can detect a huge leap within the space
of 25 years.
Yet of course the works in this collection
represent only a miniscule number of all
those composed since music was first writ-

Medieval & Renaissance Vol. 14

Vol. 1 The earliest form of music that has
been preserved in manuscripts is plainsong or
plainchant (a translation of cantus planus)
sometimes called Gregorian chant after Pope
Gregory I, during whose reign (590604) the
codification of the Churchs music was
thought to have taken place. This is the traditional ritual melody of the Western Christian
Church derived from ancient Greek songs and
Hebrew chants. Its rhythm is based on that of
free speech. For the first millennium of the
Christian era, Western liturgical music consisted of these single-line Latin chants, performed in unison (many voices singing the
same melody) without any instrumental
accompaniment.
From a single line (monophony) grew the
concepts of diaphony or organum (two-voice
compositions) and polyphony (two or more
voice parts combined harmoniously without
losing their individuality and independence). A
basic system of musical notation, indicating
pitch with lines and spaces, was invented by

Guido dArezzo in the 11th century. It was used

in monasteries throughout the Middle Ages.
Secular vocal music in the vernacular during
this period took the form of the songs of troubadours and trouvres, who flourished in the
12th and 13th centuries, but it was sacred
music that dominated. Writers like Petrarch,
Boccaccio and Chaucer were complemented
by composers like the Frenchman Guillaume
de Machaut, writing both secular and sacred
music for three and four voices in combination
(Machaut also composed the first known complete Mass setting, in the 1360s). In England,
John Dunstable utilized rhythmic phrases and
traditional plainchant and added other free
parts, combining them to create a sweet
new, flowing style. His music in turn influenced
the Burgundian composers Guillaume Dufay
and Gilles Binchois, and the Flemish Josquin
des Prez Vol. 2, the stylistic bridge-makers to
the fully developed polyphony of the 15th century during which private patronage royal or
aristocratic largely supplanted the Churchs
influence on the course of music.
Vol. 4 The 16th century saw the polyphonic school of vocal writing reach its zenith with

composers such as Tallis and Byrd in England, Victoria in Spain, Palestrina in Italy,
and Lassus in the Netherlands producing complex and richly expressive music to fill the
naves of great European cathedrals, churches
and chapels. Vol. 3 The tradition of instrumental music was established, with Italy leading the way in its development during the latter half of the century.
Most importantly, music began to be printed. Limited and expensive though they were,
scores reproduced in a book were now available, enabling musicians to stand around
them to sing or play their parts. No wonder
the new medium spread throughout Europe
so rapidly.

B a r o q ue

word, opera, described a new art form in

which drama and music were combined.
Opera was a completely new way of using
music. Solo singers were given a dramatic
character to portray and florid songs to sing;
there were choruses, dances, orchestral interludes, scenery. To this new form came one of
the supreme musicians of history, Claudio
Monteverdi Vol. 5. With a single work, his
first opera Orfeo (1607), Monteverdi drew up
the future possibilities of the medium.
An important by-product of Italian opera
was the introduction of the sonata. The term
originally simply meant a piece to be sounded
(suonata) as opposed to sung (cantata).
Although it quickly took on a variety of forms,
the sonata began with Italian violinists imitating the display elements of vocal music a
single melody that was, basically, accompanied by chords. Chordal patterns naturally fall
in sequences, in regular measures or bars.
Phrases lead the ear to the next sequence like
a dialogue between two people exchanging
thoughts. This represented a huge difference
from the choral works of a century before,
driven by polyphonic interweaving.

Vol. 520

For a century and a half from 1600, the musical world would be dominated by Italy, to such
a degree that it henceforth adopted Italian as
its lingua franca. Composers since then
almost universally have written their performance directions in Italian. One particular

German vocal and instrumental music

emerged from the ravages of the Thirty Years
War to enter a new age of greatness, flourishing after the mid-17th century in courts large
and small and in the free mercantile cities. The
leading figure was Heinrich Schtz Vol. 6,
often called the father of German music,
although his style was strongly affected by
studies in Italy with Gabrieli and Monteverdi.
Schtzs magnificent, timelessly beautiful
sacred works have had a profound influence
on many later German composers.
One composer who assimilated all the latest developments from Italy and France, as
well as his own heritage of English church
music and songs, was Henry Purcell Vol. 7.
His diversity and technical accomplishments
in every area of music would have had him
labelled genius in any age. Ceremonial,
sacred and secular music flowed from his pen,
but he was at his best in his music for the
theatre, whether in masques and plays or in
his one opera, the masterpiece that is Dido
and Aeneas (1689).
Towards the beginning of the 18th century,
composers began to write overtures open-

ings in three short sections (fast-slow-fast)

to precede an opera, oratorio or play, thus providing a prototype for the classical sonata form
used in instrumental pieces, concertos and
symphonies for the next 200 years and more.
Another new musical form was the concerto,
originally a composition that contrasted two
groups of instrumentalists with each other.
From here it was only a step to the solo concerto, in which a single player is contrasted with
(later pitted against) the orchestra. No other
concertos of this period have achieved the
popularity of those by Antonio Vivaldi Vol. 10,
whose 500 essays in the genre (mainly for
strings but sometimes for wind instruments) are
the product of one of the most remarkable
musical minds of the early 18th century.
Virtuosic organ and harpsichord music
flourished in the early 17th century, above all
in the hands of the Italian Girolamo Frescobaldi and the Dutchman Jan Sweelinck. Their
music paved the way for Johann Pachelbel
and the North German school of Dietrich
Buxtehude Vol. 6, a line that culminated in
Johann Sebastian Bach, the most stupendous miracle in all music (Richard Wagner).

Vol. 1115 In his own day, Bach was considered old-fashioned, a mere provincial composer from central Germany, but his music
contains some of the noblest and most sublime expressions of the human spirit. With him
the art of contrapuntal writing reached its
apogee, yet the technical brilliance of his
music is subsumed in its expressive power,
especially in his keyboard music, church cantatas and other great choral masterpieces like
the St. Matthew Passion and Mass in B minor.
His instrumental music is evidence that he
was by no means always the stern God-fearing
Lutheran. The Goldberg Variations, the Italian
Concerto and the six exuberant Brandenburg
Concertos, for example, show that he was well
acquainted with the sunny Italian way of doing
things. Many of his most beautiful and deepest
thoughts are reserved for the concertos and
orchestral suites. His influence on composers
and musicians down the years has been
immeasurable. For many he remains the foundation stone of their art.
Bachs great German contemporary was
George Frideric Handel Vol. 1618, born
just four weeks earlier and 100 miles away (the

two never met). By contrast to Bach, Handel

was a widely travelled man of the world who
settled in England and became a shrewd musical entrepreneur. Equally at home writing in the
Italian homophonic or German polyphonic
style, he developed the typical 17th-century
dance suite into such (still immensely) popular
occasional works as the Water Music and
Music for the Royal Fireworks. Opera was a
field into which Bach never ventured but
between 1711 and 1729 Handel produced
nearly 30 in the Italian style until the London
public tired of the genre. Then, ever the pragmatist, he turned to English oratorio, in which
a succession of glorious melodies and uplifting
choruses contributed to works of an unprecedented dramatic and emotional range.
Vol. 8 French music in the Baroque era was
mainly concentrated in the capital, where
Louis XIV reigned in splendour from 1643 to
1715. Although Marc-Antoine Charpentier
never achieved a position at the royal court, he
did hold several in Paris, including master of
music at the Sainte-Chapelle on the le de la
Cit. One of the major cultural achievements
of the Sun King was founding the Paris

Opra. The greatest French composer of the

period, indeed one of the most important figures in music history, was Jean-Philippe
Rameau, who devoted himself to opera and
ballet from the age of 50 but also contributed
significantly to every other important vocal
and instrumental genre of the time.
Some of the most invigorating keyboard
works of the Baroque era were composed by
Domenico Scarlatti Vol. 19, whose over 500
short sonatas for harpsichord were mostly
written after he became master of the royal
chapel in Lisbon in 1719. His near-contemporary Georg Philipp Telemann Vol. 9 brought
the rococo style to Germany. Even more fecund
than Bach, Telemann was held in far higher
esteem in his lifetime than his great contemporary. The two admired each other to the extent
that Bach named his son Philipp after Telemann
and chose him as godfather. Carl Philipp
Emanuel Bach Vol. 20 eventually eschewed
the contrapuntal writing of his fathers era. His
development of sonata form, unexpected shifts
of harmony and a more personal, subjective
approach made him the most adventurous
composer of the mid-18th century.

C l a s s ic a l

Vol. 2133

C.P.E. Bachs music, which formed a bridge

between the Franco-Italian rococo and his
fathers exuberant Baroque style, would have
a profound influence on the two composers
who represent all the virtues of what we call
the Classical style, an aesthetic that prizes
balance and equilibrium of form and content:
Joseph Haydn and Wolfgang Amadeus
Mozart. At the same time, Italy, for so long the
prevailing force in the musical world, now
gave way to Vienna, which would retain its
pre-eminence until the Habsburg empire
crumbled in the early 20th century.
Vol. 2123 Haydns contribution to music
history is immense. Nicknamed the father of
the symphony, he developed the genre in
more than 100 astonishingly varied and original works, created over nearly four decades,
investing it with a wide range of (often unpredictable) expression and harmonic ingenuity.
He could no less aptly be called the father of
the string quartet, a form he stabilized and
provided with the basis of its repertoire, works

that exhibit a perfect balance of string sound

(two violins, viola and cello), economy of scoring, precision, elegance and wit the quintessence of musical Classicism.
Vol. 2428 Mozart, arguably the most
naturally gifted musician in history, composed
41 symphonies and in the later ones enters a
realm beyond Haydns searching, moving
and far from impersonal. This is even truer of
his great series of piano concertos, among
musics most sublime creations, where the
writing becomes marvellously elaborate, and
the expression almost operatic in its treatment
of individual instruments as interacting characters.
It was Mozart, too, who raised opera itself
to new heights. Christoph Willibald Gluck had
demonstrated in works such as Orfeo ed
Euridice (1762) and Iphignie en Tauride
(1779) that music must correspond to the
mood and style of the drama, colouring and
complementing the stage action. Mozart went
still further and in his greatest masterpieces
Idomeneo, The Marriage of Figaro, Cos fan
tutte, Don Giovanni and The Magic Flute
revealed more realistic characters, truer emo-

tions (and, of course, incomparably greater

music) than anything that had been created
before him. For the first time, opera unflinchingly reflected the foibles and aspirations of
mankind, themes on which the Romantic composers were to dwell at length.
Ludwig van Beethoven Vol. 2933 was
a man of deep political convictions and an
almost religious certainty about his artistic
mission. Few composers have changed the
course of music so dramatically. His early
works, following along the Classical paths of
Haydn and Mozart, demonstrate his individuality in taking established musical structures
and re-shaping them to his own ends. Unusual keys, harmonic relationships and expanded
formal dimensions are explored as early as his
third symphony (Eroica). Six more symphonies, all different in character, culminate in the
Ninth Symphony, with its ecstatic choral
finale extolling the humanist ideals expressed
earlier in his only opera Fidelio. Works like his
16 string quartets and the cycle of 32 piano
sonatas reflect Beethovens arduous spiritual,
physical and artistic journey his greatest
achievements were realized while he strug-

gled with profound deafness. Beethovens

unquenchable spirit and his ability to use
music to express himself place him in the forefront of mankinds creative geniuses.

early ROmantic

Vol. 3449

For the first half of the 19th century, the period of cultural history commonly identified as
Romanticism, Europe was gripped by general
political unrest, culminating in the 1848 uprisings. Nationalism, self-expression and the
struggle for individual freedom were reflected
in all the arts. It is important, however, to
understand that Romanticism in music does
not represent the antithesis of the Classical
style but rather its prolongation and transformation. That is why Beethoven, generally held
up as the culminating figure of Viennese Classicism, is no less fairly classified as a paradigm of Romantic subjectivity. Nor was there
any break in this stylistic evolution at midcentury: musical Romanticism, along with
distinctive national variants, continued into the
20th century.

The next great Viennese master after

Beethoven, Franz Schubert Vol. 3639, was
27 years younger than his idol but survived
him by a mere 18 months. He was probably the
greatest tunesmith the world has ever known,
as we can hear in his symphonies, chamber
music, piano sonatas and in more than 600
songs. With these, he effectively established
the German art-song (or lieder) tradition,
unerringly capturing the heart of a poems
meaning and reflecting it in a setting where,
for the first time, the piano assumed equal
importance with the vocal part.
Two of the outstanding early Romantics
were Mendelssohn and Schumann. The preternaturally gifted Felix Mendelssohn Vol. 46
relied on the elegant, traditional structures of
Classicism in which to wrap his refined poetic
and melodic gifts. An accomplished conductor, his command of the orchestra is evident in
his Midsummer Nights Dream music and the
works inspired by his European travels.
Robert Schumann Vol. 4749 favoured
short, evocative musical essays (character
pieces) for his piano works, often binding
them together in collections like Carnaval and

Kinderszenen, while his song-cycles such as

Dichterliebe and Frauenliebe und Leben, are
among the glories of lieder. His richly lyrical
symphonies combine Romantic expression
with Classical structure.
The rapid development of the piano helped
make it the favoured instrument of the Romantic era. An extraordinary number of composerpianists were born just after the turn of the
19th century, most prominently Liszt and
Chopin. The undisputed master of the Romantic keyboard style was Frdric Chopin
Vol. 4244. Every piece he composed
involves the piano. His highly individual and
expressive works, raising the technical and
lyrical possibilities of the instrument to new
heights, were composed in the space of a
mere 20 years. Half a century after his early
death, composers were still writing pieces
heavily influenced by his.
The same could be said for Nicol Paganini Vol. 40, one of the greatest violinists in
history. His magnetic presence and dazzling
bravura in his own groundbreaking compositions enraptured audiences, and provided a
model of the virtuoso-as-hero soloist for future

generations. Among those who fell under his

spell was Liszt who, with Berlioz and Wagner,
dominated the musical world for the second
and third quarters of the 19th century and
pushed music onward to the dawn of the next.
Franz Liszt Vol. 45, the supreme pianist
of the day, introduced the solo recital, the
symphonic poem an extended orchestral
work often inspired by literature, mythology or
recent history and a bewildering amount of
other music in all shapes and forms. Liszts
Piano Sonata in B minor, in which all the elements of traditional sonata forms are organically fused into a single entity, is one of the
cornerstones of the repertory; his final piano
works anticipate the harmonies of Debussy,
Bartk and beyond. Alongside a great deal of
gloss and glitter in his personal and musical
life, his adventurous scores and his patronage
and encouragement of any young composer
who came to him made him the most influential musician of the century.
Hector Berlioz Vol. 41 based his music on
the direct reaction of feeling and, in works
like his Symphonie fantastique, he could conjure up with extraordinary vividness the super-

natural, the bucolic or romantic ardour. He

wrote on an epic scale, employing huge forces
to convey his vision while taking full advantage
of the technical improvements in the manufacture of orchestral instruments (brass and
woodwind especially).

Late Romantic

Vol. 5072

Another titan of the Romantics has become

the most written- and talked-about composer
of all time: Richard Wagner Vol. 6264, as
intelligent and industrious as he was ruthless
and egocentric. Many of his ideas had been
anticipated decades years earlier by Carl
Maria von Weber Vol. 34 who, as early as
1817, wrote of his desire to amalgamate all the
arts into one great new form. His opera Der
Freischtz, the first German Romantic opera,
was a milestone in the development of these
ideas. Wagners greatest achievement was
The Nibelungs Ring, a cycle of four music
dramas that transformed the operatic genre
from a sophisticated form of entertainment
into a quasi-religious experience. Wagner,

much influenced by Liszt, also opened up a

new harmonic language which had a profound
influence on succeeding generations of composers and led logically to the atonal music of
the 20th century.
Not all composers fell under Wagners spell.
Johannes Brahms Vol. 5153, the epitome of
traditional musical thought, was committed to
the Classical forms yet was by nature a Romantic. He wrote no operas and in fact distinguished
himself in the very genres that Wagner chose to
ignore. The first of his four symphonies was
completed in 1875 when Wagner had all but
completed The Ring yet was nearer in style to
Beethoven. All four of his concertos are indispensable masterpieces, while his considerable
body of chamber, piano, choral and vocal music
(nearly 200 songs) comprises superbly crafted
works of lyrical warmth and compositional ingenuity. Brahmss friend and near-contemporary
Johann Strauss II Vol. 55 produced music of
a lighter kind waltzes, polkas and operettas
which define as vividly as any other music the
era in which they were written.
If Wagners operas are the descendants of
Beethovens and Webers, those of Giuseppe

Verdi Vol. 6567 evolved from those of

Gioachino Rossini Vol. 35 and the Romantic
tales of Bellini and Donizetti. With the famous
trilogy of Rigoletto (1851), Il trovatore (1853)
and La traviata (1853), Verdi united a mastery
of drama and characterization with a flow of
unforgettable melodies. Don Carlos (1867),
Aida (1871), Otello (1887) and Falstaff (1893)
show his remarkable ability to experiment and
develop well into old age. The product of a
tirelessly searching mind, they remain among
the great miracles of music for the stage.
Vol. 68 French music during the last
decades of the 19th century was polarized
between a growing enthusiasm for Wagner
and following Frances defeat by Prussia in
1870 a new national awareness, which was
manifested in the formation of a national society of music by composers including Camille
Saint-Sans. Csar Franck sought to breach
the gap, between these two forces, combining
Classical discipline with Romantic emotion.
Vol. 6970 Russia was at the forefront of
the new musical nationalism that marked the
late-Romantic era. Mikhail Glinka, though
influenced by the Italian tradition, was the first

important Russian composer to make use of

indigenous subjects, harmony and folk tunes.
He had a profound effect on successors such
as Alexander Borodin, Mily Balakirev,
Csar Cui, Modest Mussorgsky and Nikolai
Rimsky-Korsakov the so-called Five,
who aimed to free Russian art music from
Western European influence.
Peter Ilyich Tchaikovsky Vol. 5961, the
most accomplished of all his Russian contemporaries, paid lip-service to the nationalists,
composing largely in the Austro-German tradition. Elsewhere in Europe, nationalist schools
of music arose in Bohemia (Bedr ich Smetana
and Antonn Dvor k Vol. 5657), Moravia
(Leo Janc ek Vol. 83), Norway (Edvard
Grieg Vol. 58), Denmark (Carl Nielsen),
Finland (Jean Sibelius Vol. 81, whose seven
symphonies, like Nielsens six, developed the
medium in a highly arresting and individual
way) and Spain (Manuel de Falla, Isaac Albniz, Enrique Granados and Joaqun Rodrigo
Vol. 94).
In tandem with the growth of nationalism
came the school of realistic opera commonly
labelled verismo. Carmen (1875) by the French

composer Georges Bizet Vol. 50 could be

viewed as a forerunner of this Italian style.
Epitomized by Giacomo Puccini Vol. 7778,
Ruggero Leoncavallo and Pietro Mascagni, its
subjects were drawn from contemporary life,
presented with heightened violence and emotions. During the closing decades of the socalled late- or neo-Romantic period, emerging
under the influence of Wagner, came the composers whose use of massive symphonic
structures and elaborate orchestration is
exemplified by the Austrians Anton Bruckner
Vol. 54 and Gustav Mahler Vol. 7172, the
Russian Alexander Scriabin Vol. 80 and the
early works of the German Richard Strauss
Vol. 7576.

Mode r n

Vol. 73100

By the turn of the 20th century, it was no longer

possible to define a dominant general musical
trend. From its many fragmented divisions we
can do little more than identify the successor
to Classicism-Romanticism as modern
music. It was a time that tended towards bold

experimentation in new styles and techniques,

a reaction in part against the perceived emotional excesses of the Romantics.
Impressionism, its name borrowed loosely
from the French movement in painting and
poetry, has been a convenient label for the
novel harmonies and sonorities of Claude
Debussy Vol. 7374, who maintained that
music could fluidly portray the play of light.
Much influenced by Liszt initially, Debussy
conjured up a sensuous, atmospheric spell in
his piano and orchestral writing. His slightly
younger French compatriot, the fastidious
Maurice Ravel Vol. 84, also vividly evoked
light and colour in his consummately orchestrated works, often on exotic subjects and
later tinged with jazz references.
Igor Stravinsky Vol. 8788 studied in
St. Petersburg with another of musics great
orchestrators, Rimsky-Korsakov, and in less
than a decade was writing scores that rocked
the musical world: The Firebird (1909),
Petrushka (1911) and The Rite of Spring (1913),
his three early ballet masterpieces, were progressively more adventurous. Petrushka
boasts bitonal passages (i.e. music written in

two keys simultaneously), dissonant chords, a

new rhythmic freedom and a percussive
orchestral quality; in The Rite of Spring, which
provoked a riot at its premiere, Stravinsky
reduced all the elements of music to reinforce
rhythm. In his long and prolific subsequent
career he went on to explore virtually every
genre and new idiom of the day. Arguably,
none of the early 20th centurys other supreme
masters exercised a greater influence than he
did: Debussy, Ravel, Sibelius and Hungarys
Bla Bartk Vol. 90 were less wide-ranging,
while the Viennese Arnold Schoenberg,
Anton Webern Vol. 85 and Alban Berg
Vol. 86 proved less accessible.
Schoenberg was Stravinskys only rival as
the musical colossus of the age. To some he
opened the door on a whole exciting new world
of musical thought; to others he is the bogey
man of music, who sent it spiralling out of the
reach of the ordinary man in the street. Since
the Renaissance, all music had had a tonal
centre. No matter how far away from the
tonic the basic or home key the music
wandered, the listener was always conscious
of the inevitability of a final return to that cen-

tre. During the late 1800s, music had gradually begun to incorporate intervals outside the
prevailing diatonic i.e. major and minor
scales, with the result that a work would feature an extraordinary amount of modulation
from one key to another. (This is known as
chromatic writing, since intervals from the
12-note chromatic scale as opposed to the
seven-note diatonic scales are used to harmonize a piece.) Thus the tonal centre of a
piece of music became less obvious. Schoenberg went further and asked If I can introduce
these chromatic notes into my music, can a
particular key be said to exist at all? Why
should any note be foreign to any given key?
Why shouldnt the twelve semitones of the
chromatic scale be accorded equal significance?
Thus was born twelve-tone technique
(serial or dodecaphonic are other names for
this compositional approach) and the music of
the so-called Second Viennese School of
Schoenberg and his disciples Berg and
Webern (in succession to the First Viennese
School of Haydn, Mozart and Beethoven). Not
all composers were attracted to the new tech-

nique, but dissonance, atonality and the abandonment of singable melody were strong
features of many composers work in the last
century, a period in which the avant-garde
took far longer to become assimilated by the
non-specialist music lover than the avantgarde of previous centuries. The polyrhythmic,
polytonal music of the pioneering American
Charles Ives Vol. 82, for example, once
seemed far too complex and radical ever to
achieve popularity. The very different voices
of acknowledged modern masters such as
John Cage, Elliott Carter, Luciano Berio and
Luigi Nono (the list is endless) remain a closed
book for many listeners, while inspiring a
fanatical following among others.
Other paths taken by music in the 20th
century retained the link with tonality and
(increasingly) with accessible melody. Harsh
and acid though some of the music composed
by Sergei Prokofiev Vol. 89 may be, his style
is a tangible descendant of the Romantics. His
Soviet compatriot Dmitri Shostakovich
Vol. 92, who shared Prokofievs penchant for
the spiky, humorous and satirical, followed on
from the same tradition, but the introspection,

irony and violence of his greatest works reflect

the tragic struggle of an artist under a totalitarian regime. The great piano virtuoso Sergei
Rachmaninov Vol. 80, who emigrated to
America, wrote in a far more unabashedly
late-Romantic vein than Prokofiev, producing
some of the most popular works of the entire
repertoire.
Vol. 91 No longer does one school of musical thought prevail. There seems little to link
the socio-political operas of Kurt Weill and
their brittle, haunting melodies, with his contemporary Paul Hindemith and his dense,
contrapuntal neo-Classical idiom. Even less
does Aaron Copland have any connection with
either. The first conspicuously great American-born composer after Ives, Copland
absorbed folk material, the flattened notes of
the blues, echoes of cowboy songs, jazz and
Jewish traditional music.
Coplands American near contemporary,
Samuel Barber Vol. 82, wrote in a more conservative European tradition, while the most
popular American-born composer of the 20th
century, George Gershwin Vol. 95 who
fused European, Russian, jazz and Tin Pan

Alley influences wrote hit musicals filled

with unforgettable songs as well as concert
works and a famous opera. The more technically sophisticated Leonard Bernstein followed suit in embracing Broadway and the
concert hall. Vol. 100 The best-known (and
highest earning) American composers of the
following generation are Steve Reich, Philip
Glass and John Adams, three so-called
Minimalists who write music that weaves a
tapestry of repeated patterns and additional
short phrases to hypnotic effect.
Britain was slow in developing a nationalist
school. Edward Elgar Vol. 79, beloved by his
countrymen for his quintessential English
music, in fact wrote firmly in the German manner, and it was not until the arrival of Ralph
Vaughan Williams Vol. 93 and Gustav Holst
Vol. 79 that a British (or at any rate English) sound began to emerge. RVW was
attracted by Tudor music, medieval tonalities
and folksong, composing in what might loosely be called a Romantic neo-Classical style.
His friend Holst shared these enthusiasms but
also drew inspiration from the East his most
famous piece, The Planets, is based on the

ideas of Chaldean astrology. Of the succeeding generation, arguably the most important
figure has been Benjamin Britten Vol. 93,
whose many impressive stage works firmly
established English music on the international
stage.
In France, the most important composers
in the decades following Debussy and Ravel
were Arthur Honegger, Darius Milhaud and
Francis Poulenc, three disparate figures of a
sextet loosely grouped together as Les Six
(the other three made comparatively negligible
contributions), influenced by the whimsical
and eccentric composer Eric Satie and promoted by the writer-designer-filmmaker Jean
Cocteau. The most significant French composer of the second half of the 20th century
was the eccentric Catholic visionary Olivier
Messiaen Vol. 96, also an outstanding
organist and teacher, who introduced elements of non-European music and birdsong
into the language of Western music. Vol. 97
Pierre Boulez, whose complex works are
often based on mathematical relationships,
and Karlheinz Stockhausen, whose scores
for his innovative electronic music are repre-

10

sented by charts and diagrams, were both

pupils of Messiaen.
Vol. 98 As for todays high-profile (or
recently departed) composers, it quickly
becomes clear what a futile task it is to try and
categorize the diffuse and richly varied voices
of such luminaries as the Polish Witold
Lutos awski, the Hungarian-born Gyrgy
Ligeti, the German Hans Werner Henze and
the Russian Alfred Schnittke or, for that
matter, such admired contemporary British
composers as Peter Maxwell Davies, Harrison
Birtwistle, Thomas Ads or George Benjamin.
They would seem to have little in common with
Berio and Nono, with Boulez and Stockhausen,
with Reich, Glass and Adams or with spiritual
Minimalists such as the Polish Henryk
Grecki Vol. 99 and the Estonian Arvo Prt,
who also command a loyal following.
Thus contemporary serious music is as
impossible to classify into a single school as
the myriad strands of popular music with its
equivalent sub-genres of hip-hop, metal,
garage, R&B, soul, dance, reggae, blues, folk
and so forth. What its future is, how it will
develop over the next half century, and what

forms it will take are some of the most intriguing questions of our time. Music will always
have daring, fantastical innovators examining
new possibilities, expressing themselves in

new and original ways. How many will ever

find a broad, responsive and appreciative
audience, only time will tell.
Jeremy Nicholas

11

12

Eine Kurze geschichte der MusiK

Musik als Kunstform diente schon den Hhlenmenschen als Zeitvertreib und Ausdrucksmittel. ber 40 000 Jahre alte Wandmalereien
zeigen Menschen, die tanzen und vermutlich
das lteste Musikinstrument, die menschliche
Stimme, zu einer Art von Gesang oder rhythmischem Rufen benutzen. Das frheste von
Menschenhand gemachte Musikinstrument,
das man bislang gefunden hat, ist eine vermutlich mindestens 35 000 Jahre alte Flte.
Groartige Bauwerke, Skulpturen, Gemlde,
Tnze und literarische Werke, die vor vielen
tausend Jahren entstanden, sind erhalten
geblieben und knnen auch noch nach Jahrhunderten bewundert und studiert werden.
Fr Musik gilt das nicht. Vor der Erfindung der
Notenschrift zu Beginn des 11. Jahrhunderts
wurde Musik nur mndlich und durch gemeinsames Musizieren weitergegeben. Und selbst
danach wurde Musik nur selten aufgeschrie-

einem einzelnen Band ein riesiger Entwicklungssprung innerhalb von nur 25 Jahren festzustellen.
Natrlich reprsentieren die hier versammelten Werke nur einen winzigen Bruchteil der
Musik, die seit der ersten schriftlichen Fixierung komponiert wurde. Und dieser kleine Teil
wiederum ist die Quintessenz nur einer einzigen Musiksparte, nmlich der sogenannten
klassischen Musik des Abendlandes. Dazu
gehren einige der grten Leistungen unserer Zivilisation: klingende Gegenstcke zu den
Pyramiden, den Zeichnungen und Gemlden
Leonardo da Vincis, Shakespeares Dramen
und den Skulpturen von Bernini.
Somit ist das Folgende auch keine vollstndige Geschichte der Musik, sondern ein kurzer
Abriss der klassischen westlichen Musik seit
1000 n. Chr. ein Versuch, Komponisten und
Kompositionen in einen historischen Kontext
einzuordnen, denn genau wie die anderen
Kunstdisziplinen spiegelt auch Musik die Zeit
und Umstnde ihrer Entstehung. Sie spricht
uns strker und tiefer an, wenn wir sie als Teil
einer stndig weitererzhlten unendlichen
Geschichte verstehen.

ben, so dass wir nie erfahren werden, wie die

Musik der Alten wirklich geklungen hat. Oder
anders gesagt: Obwohl die frhen Hochkulturen der Babylonier, Griechen, Rmer, gypter
und Chinesen sehr weit entwickelt waren,
dauerte es ungefhr 41 000 Jahre von
40 000 v. Chr. bis 1000 n. Chr. , bis der
Mensch eine praktikable Mglichkeit fand,
Musik hnlich dauerhaft festzuhalten, wie er
es bei anderen Kunstformen bereits seit Jahrtausenden tat. Und dann vergingen noch einmal 600 Jahre bis zur Herausbildung eines
standardisierten, allgemeingltigen Notationssystems.
Seit diesem verhltnismig spten Start
hat die Musik die verlorene Zeit mehr als aufgeholt, wie diese eindrucksvolle Musiksammlung belegt. Sie ist chronologisch geordnet
und zeigt auf diese Weise, wie schnell die
Musik sich entwickelt hat. Manchmal ist in

13

Anm. des Autors: Die folgende Einteilung der

Epocheneinteilung folgt bewhrten Nherungswerten, aber an den Schnittstellen berlappen
sich die Epochen zwangslufig. Beispielsweise
hlt die Diskussion darber, wann das Barock
von der Klassik abgelst wurde und die Klassik
von der Romantik, immer noch an.

Mittelalter
und Renaissance

Vol. 14

Vol. 1 Die frheste Form handschriftlich berlieferter Musik ist die Gregorianik bzw. der
Gregorianische Choral (lateinisch cantus
planus), benannt nach Papst Gregor I., in dessen Amtszeit (590604) mutmalich die Kodifizierung der Kirchenmusik fiel. Es handelt sich
bei dieser Musik um die traditionellen liturgischen Melodien der westlichen christlichen
Kirche, die sich von altgriechischen Liedern
und hebrischen Gesngen ableiteten. Whrend des ersten Jahrtausends unserer Zeitrechnung bestand die westliche liturgische
Musik ausschlielich aus diesen einstimmigen
lateinischen Gesngen, die unisono (d.h. von

mehreren Personen, die alle die gleiche Stimme singen) ohne Instrumentalbegleitung vorgetragen wurden.
Aus der Einstimmigkeit entwickelten sich
verschiedene Formen der Diaphonie und des
Organum (schlichtere zweistimmige Stcke)
und der Mehrstimmigkeit (zwei oder mehr
Stimmen werden, unter Bercksichtigung harmonischer Zusammenklnge, eigenstndig
und unabhngig voneinander gefhrt). Im 11.
Jahrhundert erfand Guido von Arezzo ein einfaches Notationssystem, bei dem Tonhhen
mit Hilfe von Linien und Zwischenrumen festgehalten wurden. Whrend dieser Zeit entstand auch die weltliche, volkssprachliche
Liedkunst der Troubadours und Trouvres, die
im 12. und 13. Jahrhundert wirkten, aber die
geistliche Musik berwog bei weitem. Schriftstellern wie Petrarca, Boccaccio und Chaucer
standen Komponisten wie der Franzose
Guillaume de Machaut gegenber, der weltliche und geistliche Musik zu drei und vier
Stimmen komponierte (er schrieb in den
1360er-Jahren auch die erste bekannte vollstndige Messvertinung). In England kombinierte John Dunstable feste rhythmische

Modelle mit traditionellen Gregorianischen

Melodien, zu denen er mehrere freie Stimmen
hinzufgte und auf diese Weise einen sogenannten lieblichen, blhenden Stil schuf.
Seine Musik wiederum wirkte auf die burgundischen Komponisten Guillaume Dufay und
Gilles Binchois sowie den Franko-Flamen
Josquin des Prez Vol. 2, die Anfang und Ende
der voll entwickelten Polyphonie des 15. Jahrhunderts reprsentieren. In dieser Zeit verdrngte privates Mzenatentum (durch den
Knig und den Adel) nach und nach den Einfluss der Kirche auf die Entwicklung der Musik.
Vol. 4 Im 16. Jahrhundert erreichte die
Vokalpolyphonie mit Komponisten wie Tallis
und Byrd in England, Victoria in Spanien,
Palestrina in Italien und Lasso in den Niederlanden ihren Hhepunkt. Sie alle schrieben
eine komplexe, hochexpressive Musik, die in
den Kathedralen, Kirchen und Kapellen Europas widerhallte. Vol. 3 Auch begann die Tradition der Instrumentalmusik, wobei Italien in
der Entwicklung whrend der zweiten Jahrhunderthlfte fhrend war.
Den grten Durchbruch aber bedeutete es,
dass man begann, Musik zu drucken. Wenn-

gleich die Auswahl begrenzt und die Preise

hoch waren, gab es nun Musikstcke in
Bchern zu kaufen, um die sich die Musizierenden herum platzieren und ihren Part singen
oder spielen konnten. Kein Wunder, dass das
neue Medium sich rasend schnell ber ganz
Europa verbreitete.

Barock

Vol. 520

In den anderthalb Jahrhunderten nach 1600

wurde die musikalische Welt so sehr von Italien beherrscht, dass die Musiker fortan das
Italienische als lingua franca benutzten; fast
alle Komponisten haben seitdem ihre Vortragsanweisungen auf Italienisch in den Noten
vermerkt und das Wort opera bezeichnete
fortan eine neue Kunstform, in der Schauspiel
und Musik verschmolzen.
Die Oper bedeutete eine vllig neue Art des
Umgangs mit Musik. Solosnger stellten Figuren dar wie im Schauspiel und sangen kunstvoll ausgezierte Lieder; hinzu kamen Chre,
Tnze, Orchesterzwischenspiele und Bhnendekorationen. Claudio Monteverdi Vol. 5,

14

einer der groartigsten Musiker aller Zeiten,

fhrte gleich mit seiner ersten Oper, LOrfeo
(1607), die vielfltigen Mglichkeiten der neuen Gattung vor.
Ein wichtiges Nebenprodukt der italienischen Oper war die Entstehung der Sonate.
Der Begriff bezeichnete ursprnglich ein
Stck, das auf Instrumenten gespielt (suonata) und eben nicht gesungen (cantata)
werden sollte. Sonaten wiesen bald eine groe Formenvielfalt auf; anfangs jedoch bernahmen die italienischen Violinisten die typische Struktur der Vokalmusik: Eine einzelne
Melodielinie wird im Wesentlichen akkordisch
begleitet. Akkordverbindungen ergeben normalerweise Sequenzen gleicher Taktanzahl,
und die Melodiephrasen fhren das Ohr von
einer Sequenz zur nchsten, hnlich wie beim
Gedankenaustausch zweier Personen. Dies
bedeutet einen grundstzlichen Unterschied
zu den ein Jahrhundert zuvor komponierten
Chorwerken, die ja auf polyphon ineinander
verwobenen Einzelstimmen basierten.
Die deutsche Vokal- und Instrumentalmusik
musste sich erst von den Zerstrungen des
Dreiigjhrigen Krieges erholen und ging dann

einem Zeitalter neuer Gre entgegen. Nach

der Jahrhundertmitte erlebte sie eine Hochblte an groen wie an kleinen Hfen und in
den freien Handelsstdten. Der fhrende Komponist war Heinrich Schtz Vol. 6, der oft als
Vater der deutschen Musik bezeichnet wird,
obwohl sein Stil vor allem von seinen Studien
bei Gabrieli und Monteverdi in Italien geprgt
war. Schtz herrliche geistliche Werke sind
von zeitloser Schnheit und beeinflussten viele deutsche Komponisten nach ihm.
Henry Purcell Vol. 7 verband in seinem Stil
die neuesten Entwicklungen aus Italien und
Frankreich mit seinem angestammten Erbe
englischer Kirchenmusik und Lieder. Seine
Vielseitigkeit und satztechnische Vollendung
auf allen Gebieten der Musik htten ihm zu
jeder Zeit das Prdikat Genie eingebracht. Er
produzierte mit leichter Hand zeremonielle,
geistliche und weltliche Musik, aber absolut
berragend war er in seinen Bhnenwerken: in
seinen masques und Schauspielmusiken ebenso wie in seiner (wahrlich meisterhaften) einzigen Oper Dido and Aeneas (1689).
Um die Wende zum 18. Jahrhundert begannen die Komponisten, ihren Opern, Oratorien

und Schauspielmusiken sogenannte Ouvertren (Erffnungen) in drei kurzen Teilen

(schnelllangsamschnell) voranzustellen. So
lieferten sie ein Modell fr den klassischen
Sonatenzyklus, der in den folgenden gut 200
Jahren die Form von Instrumentalstcken,
Konzerten und Symphonien bestimmte.
Eine weitere neue Gattung der Musik war
das Konzert, ursprnglich eine Komposition,
die zwei Instrumentengruppen einander
gegenberstellt. Von hier war es nur ein kleiner Schritt zum Solokonzert, wo dem Orchester ein einzelnes Instrument gegenbertritt
(spter durchaus im Sinne eines Wettstreits).
Unter den Konzerten dieser Zeit erlangten diejenigen von Antonio Vivaldi Vol. 10 die grte Popularitt. In seinen rund 500 Beitrgen
zur Gattung (die meisten mit einem solistischen Streichinstrument, einige aber auch fr
Blasinstrumente) erweist er sich als einer der
bemerkenswerten musikalischen Kpfe des
frhen 18. Jahrhunderts.
Die Blte der virtuosen Orgel- und Cembalomusik im frhen 17. Jahrhundert verdankte
sich vor allem dem Italiener Girolamo Frescobaldi und dem Niederlnder Jan Sweelinck.

Sie bereiteten Komponisten wie Johann

Pachelbel und den Vertretern der norddeutschen Orgelschule wie Dietrich Buxtehude
Vol. 6 den Weg; die Entwicklungslinie fand
ihren Hhepunkt bei Johann Sebastian
Bach, dem erstaunlichsten musikalischen
Wunder, wie Richard Wagner meinte.
Vol. 1115 Zu seiner Zeit galt Bach als altmodischer Tonsetzer aus der mitteldeutschen
Provinz, aber viele seiner Werke gehren zu
den erhabensten Leistungen des menschlichen Geistes. Bei ihm erreichte die Kunst des
kontrapunktischen Komponierens ihren Hhepunkt, aber die satztechnische Genialitt verschwindet oft hinter der Ausdruckskraft seiner
Musik, besonders in den Klavierstcken, in
den Kirchenkantaten und in anderen grandiosen Chorwerken wie der Matthus-Passion
und der h-moll-Messe. In seiner Instrumentalmusik beweist er, dass er nicht nur ein ernster,
gottesfrchtiger Lutheraner war. Die GoldbergVariationen, das Italienische Konzert oder die
sechs herrlichen Brandenburgischen Konzerte
wirken durchaus, als seien sie mit leichter italienischer Hand geschrieben, und viele seiner
schnsten und gelungensten Ideen hob er sich

15

fr seine Konzerte und Orchestersuiten auf.

Sein Einfluss auf Komponisten und Musiker im
Verlauf der Geschichte ist kaum zu ermessen.
Vielen galt und gilt er als Basis ihrer Kunst.
Bachs groer Landsmann und Zeitgenosse
Georg Friedrich Hndel Vol. 1618 wurde
nur vier Wochen vor ihm und 160 Kilometer
entfernt geboren (die beiden sind sich allerdings nie begegnet). Im Gegensatz zu Bach
war Hndel ein weitgereister Mann von Welt;
irgendwann lie er sich in England nieder und
betrieb mit groem Geschick seine musikalischen Unternehmungen. Er fhlte sich im
homophonen italienischen und im polyphonen
deutschen Stil gleichermaen zu Hause und
verwandelte die typische Tanzsuite des
17. Jahrhunderts in (heute wie damals) ungeheuer populre Werke wie die Wassermusik
und die Feuerwerksmusik. Bach bettigte sich
niemals auf dem Gebiet der Oper; Hndel hingegen schrieb zwischen 1711 und 1729 fast
30 Opern im italienischen Stil, bis das Londoner Publikum der Gattung berdrssig wurde.
Dann sattelte er als hchst pragmatischer
Mensch auf Oratorien in englischer Sprache
um und schuf im Wechsel wunderschner

Melodien und erhabener Chre Werke von bis

dato noch nie dagewesener Dramatik und
Ausdruckskraft.
Vol. 8 In Frankreich konzentrierte sich die
Barockmusik vor allem auf die Hauptstadt
Paris, wo Ludwig XIV. von 1643 bis 1715 in
aller Pracht regierte. Marc-Antoine Charpentier brachte es nie zu einer Anstellung bei
Hofe, bekleidete in Paris aber eine Reihe von
mtern, unter anderem das des matre de
musique an der Sainte-Chapelle auf der le de
la Cit. Zu den grten kulturellen Verdiensten
des Sonnenknigs gehrte die Grndung der
Pariser Opra. Der herausragende franzsische Komponist des Barock (genaugenommen
eine der wichtigsten Gestalten der Musikgeschichte) war Jean-Philippe Rameau. Er
widmete sich von seinem 50. Lebensjahr an
vor allem der Oper und dem Ballett, trug aber
auch zu allen anderen wichtigen Gattungen
der Vokal- und Instrumentalmusik seiner Zeit
Bedeutendes bei.
Einige der anregendsten Klavierstcke der
Barockzeit stammen von Domenico Scarlatti
Vol. 19: ber 500 kurze Cembalosonaten, die
zum grten Teil entstanden, nachdem er

1719 Kapellmeister am kniglichen Hof in Lissabon geworden war. Sein etwas jngerer
Zeitgenosse Georg Philipp Telemann Vol. 9
machte den Rokoko-Stil in Deutschland populr. Er war noch produktiver als Bach und
stand zu Lebzeiten in weit hherem Ansehen
als sein groer Zeitgenosse. Die beiden freilich
schtzten einander: Bach bat Telemann, Pate
fr seinen zweiten Sohn zu werden, der nach
ihm Philipp genannt wurde. Carl Philipp
Emanuel Bach Vol. 20 schlielich kehrte
dem vom Vater gepflegten kontrapunktischen
Stil den Rcken. Seine Verdienste um die Entwicklung der Sonatenhauptsatzform, seine
khne Harmonik und sein subjektiverer Ansatz
weisen ihn als einen der experimentierfreudigsten Komponisten um die Mitte des 18.
Jahrhunderts aus.

K l a s s ik

sam die musikalische Hochklassik und deren

auf Ausgewogenheit und eine vollkommene
Balance von Form und Inhalt abzielende
sthetik reprsentieren: Joseph Haydn und
Wolfgang Amadeus Mozart. Zugleich wurde
Italien, das in der musikalischen Welt lange
den Ton angegeben hatte, durch Wien abgelst, und diese Vormachtstellung Wien blieb
bestehen, bis Anfang des 20. Jahrhunderts
das Habsburgerreich zerfiel.
Vol. 2123 Haydns Bedeutung fr die
Musikgeschichte ist enorm. Er wird oft der
Vater der Symphonie genannt, denn er legte
innerhalb von knapp 40 Jahren ber 100
erstaunlich vielfltige, originelle Werke vor, in
denen er die Gattung mittels gesteigerter (und
oft unvorhersehbarer) Ausdrucksmglichkeiten und harmonischer Einfallsflle weiterentwickelte. Ebenso zutreffend knnte man ihn
als Vater des Streichquartetts bezeichnen,
denn er konsolidierte die Gattung und schuf
einen Grundstock an Werken, die eine vollkommene Verschmelzung von homogenem
Streicherklang (zwei Geigen, Bratsche und
Cello), satztechnischer Transparenz und
Durchkonstruktion, Eleganz und Witz aufwei-

Vol. 2133

C.P.E. Bachs Musik schlgt eine Brcke vom

ppigen Barockstil seines Vaters zum franzsisch-italienischen Rokoko. Sie hatte enormen
Einfluss auf zwei Komponisten, die gemein-

16

sen genau, worauf es im klassischen Stil

ankommt.
Vol. 2428 Mozart, vermutlich das grte
musikalische Naturtalent der Geschichte,
schrieb 41 Symphonien, von denen die spteren sich ber Haydn hinauswagen forschend, bewegend und zutiefst persnlich.
Dies gilt noch mehr fr seine Klavierkonzerte,
erlesene Kleinodien der Musik, in denen sein
Stil an Raffinement gewinnt und der Ausdruck
da einzelne Instrumente wie verschiedene
Personen miteinander zu agieren scheinen
sich der Oper annhert.
Auch die Oper selbst erreicht bei Mozart ein
neues, hheres Stadium. Christoph Willibald
Gluck hatte in Werken wie Orfeo ed Euridice
(1762) und Iphignie en Tauride (1779) seine
eigene Forderung eingelst, die Musik msse
in Ausdruck und Stil mit der Handlung korrespondieren, indem sie die Bhnenaktion unterschiedlich frbt und ergnzt. Mozart geht in
seinen grten Meisterwerken Idomeneo, Die
Hochzeit des Figaro, Cos fan tutte, Don Giovanni und Die Zauberflte sogar noch weiter.
Hier zeichnet er die Charaktere noch realistischer, die Gefhle noch wahrhaftiger als

jemals zuvor (und dies mit einer noch wundervolleren Musik). Oper bildet bei ihm erstmals
konsequent die Schwchen und die Sehnschte der Menschheit ab, Themen also, die
die Komponisten der Romantik ausfhrlich
beschftigen sollten.
Ludwig van Beethoven Vol. 2933 vertrat eindeutige politische Standpunkte und
verfolgte seine knstlerische Mission mit fast
religisem Eifer. Wenige Komponisten haben
den Verlauf der Musikgeschichte so nachhaltig
geprgt wie er. Sein Frhwerk folgt dem klassischen, von Haydn und Mozart aufgezeigten
Weg und trgt doch sehr individuelle Zge,
denn er griff etablierte Formen auf und passte
sie seinen Vorstellungen an. Ungewhnliche
Tonarten, ausgefallene Harmoniefortschreitungen und ein grerer Umfang prgen
bereits seine Dritte Symphonie (Eroica).
Seine sechs folgenden Symphonien sind von
hchst unterschiedlichem Charakter und gipfeln in der Neunten mit ihrem ekstatischen
Chorfinale, das den gleichen Idealen huldigt
wie zuvor Beethovens einzige Oper Fidelio.
Werke wie die 16 Streichquartette oder der
Zyklus der 32 Klaviersonaten spiegeln Beet-

hovens geistig, krperlich und knstlerisch

beschwerlichen Weg seine grten Werke
komponierte er, als er bereits vllig ertaubt
war. Beethovens nie ermattender Geist und
der Bekenntnischarakter seiner Werke sichern
ihm einen Platz unter den grten knstlerischen Genies der Menschheit.

Frhromantik

romantischen Individualismus gelten kann.

Ferner gab es keinen stilistischen Bruch um
die Jahrhundertmitte: Die musikalische
Romantik (inklusive ihrer unterschiedlichen
nationalen Ausprgungen) setzt sich bis ins
20. Jahrhundert fort.
Der groe Wiener Meister nach Beethoven,
Franz Schubert Vol. 3639, war 27 Jahre
jnger als sein Vorbild, berlebte Beethoven
aber nur um 18 Monate. Er war vielleicht der
groartigste Melodiker, der jemals gelebt hat,
was seine Symphonien, Kammermusikwerke,
Klaviersonaten und ber 600 Lieder belegen.
Mit letzteren begrndete er praktisch die Tradition des deutschen Kunstliedes. Er drang
zielsicher zum Kern eines Gedichts vor und
machte die Aussage in Vertonungen hrbar,
die zum ersten Mal dem Klavier die gleiche
Bedeutung einrumten wie der Singstimme.
Zwei herausragende Figuren der Frhromantik waren Mendelssohn und Schumann.
Der hochtalentierte Felix Mendelssohn
Vol. 46 gab seiner verfeinerten musikalischen
Poetik den strukturellen Schliff des traditionellen klassischen Stils. Zudem war er ein versierter Dirigent, und sein geschickter Umgang

Vol. 3449

In der ersten Hlfte des 19. Jahrhunderts, in

der Kulturgeschichte gemeinhin als Romantik bezeichnet, wurde Europa an vielen Orten
von politischen Unruhen erschttert, die
schlielich in den Revolutionen von 1848 gipfelten. Nationalismus, individueller Ausdruck
und der Kampf um die Freiheit des Einzelnen
spiegeln sich in allen Knsten wider. Dabei ist
es wichtig zu wissen, dass die musikalische
Romantik nicht das Gegenteil des klassischen
Stils darstellt, sondern seine Erweiterung und
berformung. So erklrt sich auch, dass Beethoven, dessen Werk im Allgemeinen als Krnung der Wiener Klassik angesehen wird,
ebenso zutreffend als typischer Vertreter des

17

mit dem Orchester prgt die Musik zum Sommernachtstraum und seine von Reisen durch
Europa inspirierten Werke. Robert Schumann
Vol. 4749 bevorzugte in seinen Klavierwerken die bedeutungsvolle Kleinform (Charakterstck) und fasste solche Miniaturen gern
zu Zyklen wie Carnaval und Kinderszenen
zusammen. Seine Liederzyklen, etwa Dichterliebe und Frauenliebe und Leben, gehren zu
den Spitzenleistungen auf dem Gebiet des
Liedes. In seinen lyrisch-innigen Symphonien
verbindet er romantischen Ausdruck mit klassischer Struktur.
Der rasche Fortschritt des Klavierbaus trug
dazu bei, dass das Klavier zum beliebtesten
Instrument der Romantik avancierte. Kurz
nach der Wende zum 19. Jahrhundert wurden
erstaunlich viele komponierende Pianisten
geboren; die bedeutendsten waren Liszt und
Chopin. Frdric Chopin Vol. 4244 war
zweifellos der Meister des romantischen Klavierstils. Er schrieb ausschlielich Musik fr
oder mit Klavier, sehr individuelle, expressive
Stcke, die im Zeitraum von etwa 20 Jahren
entstanden und die technischen wie expressiven Mglichkeiten des Instrumentes auf eine

neue Ebene hoben. Ein halbes Jahrhundert

nach seinem frhen Tod war sein kompositorischer Einfluss noch immer sprbar.
Entsprechendes liee sich ber Nicol
Paganini Vol. 40 sagen, den vielleicht spektakulrsten Geiger aller Zeiten. Mit seiner
elektrisierenden Ausstrahlung und der funkensprhenden Bravour seiner wegweisenden
Stcke fesselte er das Publikum und diente
zugleich allen Virtuosen nach ihm als Vorbild.
Auch Liszt, der ungefhr von 1825 bis 1875
zusammen mit Berlioz und Wagner die musikalische Welt beherrschte, erlag seiner Faszination; gleichzeitig kndigt sich in seiner
Musik bereits das folgende Jahrhundert an.
Franz Liszt Vol. 45, der berragende Pianist seiner Zeit, fhrte den Klavierabend als
Instanz ein, erfand die Symphonische Dichtung (ein normalerweise von Literatur, Mythologie oder jngerer Geschichte inspiriertes,
lngeres Orchesterstck) und schrieb viele
andere Werke in verblffender Menge und
Vielfalt. Seine Klaviersonate in h-moll fgt alle
Teile der traditionellen Sonate organisch zu

einem groen Ganzen zusammen und gehrt

zu den Meilensteinen des Repertoires. Seine
letzten Klavierstcke nehmen die harmonische Welt von Debussy, Bartk und anderen
Komponisten vorweg. Als privat und musikalisch durchaus schillernde Persnlichkeit, aber
auch, indem er viele gewagte Werke vorlegte
und junge Komponisten finanziell und ideell
untersttzte, wurde er zum einflussreichsten
Musiker des Jahrhunderts.
Hector Berlioz Vol. 41 zielte mit seiner
Musik auf die direkte Reaktion des Gefhls,
und es gelang ihm, etwa in seiner Symphonie
fantastique, mit uerster Lebendigkeit das
bernatrliche, das Bukolische oder das glhend Romantische nachzubilden. Viele seiner
Werke sind von epischer Breite und bedienen
sich eines riesigen Orchesterapparats, um
seine Visionen auszudrcken; gleichzeitig
schpfen sie die technischen Fortschritte der
Orchesterinstrumente (besonders der Blechund Holzblasinstrumente) voll aus.

Sptromantik

Vol. 5072

Richard Wagner Vol. 6264, ein weiterer

Titan unter den Romantikern, ist wohl der
Komponist, ber den am meisten geschrieben
und geredet wurde. Er war ebenso genial und
arbeitsam wie skrupellos und egozentrisch.
Viele seiner Gedanken hatte Jahrzehnte zuvor
bereits Carl Maria von Weber Vol. 34 vorweggenommen, als er 1817 ber sein Bestreben schrieb, alle Knste zu einer groen neuartigen Form zu verschmelzen. Seine Oper Der
Freischtz, die erste deutsche romantische
Oper, war ein Meilenstein auf dem Weg zur
Realisierung dieses Gedankens. Wagners
grtes Projekt war Der Ring des Nibelungen,
ein Zyklus von vier Musikdramen, der die Gattung Oper, bis dahin eine gehobene Form der
Unterhaltung, zum quasi religisen Erlebnis
erhob. Wagner war stark von Liszt beeinflusst
und bediente sich wie dieser einer neuartigen
Harmonik, die eine nachhaltige Wirkung auf
die folgenden Komponistengenerationen ausbte und in letzter Konsequenz zur Atonalitt
des 20. Jahrhunderts fhrte.

18

Es erlagen jedoch nicht alle Komponisten

Wagners Faszination. Johannes Brahms
Vol. 5153 etwa, Inbegriff des musikalischen
Traditionalismus, war seinem Wesen nach
Romantiker, blieb aber weiterhin klassischen
Formen verpflichtet. Er schrieb keine Opern,
ressierte dafr aber in all jenen Gattungen,
die Wagner nicht beachtete. Die erste seiner
vier Symphonien 1875 vollendet, als Wagner
letzte Hand an den Ring legte orientiert sich
stilistisch eher an Beethoven. Brahms vier
Instrumentalkonzerte sind smtlich unsbetrittene Meisterwerke; sein umfangreiches Kammermusik-, Klavier-, Chor- und Liedschaffen
(fast 200 Klavierlieder) umfasst solide gearbeitete Werke von lyrischer Innigkeit und kompositorischer Genialitt. Brahms Freund und
lterer Zeitgenosse Johann Strauss (Sohn)
Vol. 55 schrieb mit seinen Walzern, Polkas
und Operetten leichtere Musik, die den Geist
ihrer Zeit jedoch ebenso treffend widerspiegelt
wie die ernstere Musik.
Wenn Wagners Opern von denen Beethovens und Webers abstammen, dann sind die
Opern von Giuseppe Verdi Vol. 6567 denjenigen von Gioachino Rossini Vol. 35 und

den romantischen Geschichten von Bellini und

Donizetti verpflichtet. In seiner berhmten
Trilogie Rigoletto (1851), Il trovatore (1853)
und La traviata (1853) koppelte Verdi meisterhafte Dramatik und sensible Charakterzeichnung an eine Flle unvergesslicher Melodien.
Don Carlos (1867), Aida (1871), Otello (1887)
und Falstaff (1893) zeigen, wie experimentierfreudig und entwicklungsfhig er bis ins hohe
Alter blieb. Als Leistungen eines unermdlich
forschenden Geistes gehren sie zu den groen Wundern des Musiktheaters.
Vol. 68 Die franzsische Musik stand Ende
des 19. Jahrhunderts im Spannungsfeld zwischen einer wachsenden Wagner-Begeisterung und als Folge der Niederlage Frankreichs gegen Preuen 1870 eines neuen
Nationalbewusstseins, das zur Grndung einer
nationalen Musikgesellschaft durch einige
Komponisten fhrte, zu denen auch Camille
Saint-Sans gehrte. Csar Franck versuchte, die Kluft zwischen beiden Strmungen zu
berbrcken, indem er klassische Strenge mit
romantischem Gefhl verband.
Vol. 6970 Russland gehrte zu den Vorreitern des neuen Nationalismus gegen Ende

der Romantik. Michail Glinka, obwohl von der

italienischen Tradition beeinflusst, war der
erste russische Komponist von Rang, der sich
einheimischer Sujets, Harmonien und Volkslieder bediente. Er wirkte stark auf jngere
Komponisten wie Alexander Borodin, Mili
Balakirew, Csar Cui, Modest Mussorgsky
und Nikolai Rimsky-Korsakow, das sogenannte Mchtige Huflein, das sich zum Ziel
gesetzt hatte, die russische Kunstmusik von
westeuropischen Einflssen zu befreien.
Peter Tschaikowsky Vol. 5961, der versierteste russische Komponist seiner Zeit,
bekannte sich zwar ffentlich zu den Zielen
der Nationalisten, blieb in seinem Schaffen
aber weitgehend der sterreichisch-deutschen Tradition verpflichtet. berall in Europa
entstanden sogenannte nationale Schulen:
in Bhmen (Bedr ich Smetana und Antonn
Dvor k Vol. 5657), Mhren (Leo Janc ek
Vol. 83), Norwegen (Edvard Grieg Vol. 58),
in Dnemark (Carl Nielsen), Finnland (Jean
Sibelius Vol. 81, dessen sieben Symphonien,
wie die sechs von Nielsen, die Gattung in
packender, individueller Art und Weise weiterentwickelten) und Spanien (Manuel de Falla,

Isaac Albniz, Enrique Granados und Joaqun

Rodrigo Vol. 94).
Mit dem sich ausweitenden Nationalismus
ging die Entstehung einer auf Realismus abzielenden, Verismo genannten Opernrichtung
einher. Carmen (1875) des franzsischen Komponisten Georges Bizet Vol. 50 knnte als
franzsischer Vorlufer dieses italienischen
Stils gelten. Seine Reprsentanten sind vor
allem Giacomo Puccini Vol. 7778, Ruggero
Leoncavallo und Pietro Mascagni; ihre
Geschichten knnten im damaligen Alltagsleben spielen und kennzeichnen sich durch
gesteigerte Emotion und Gewaltttigkeit. Whrend der letzten Jahrzehnte der sogenannten
Spt- oder Neo-Romantik wirkten im Nachgang Wagners einige Komponisten, deren Vorliebe fr massive symphonische Satzstrukturen und ppige Orchestrierung von den
sterreichern Anton Bruckner Vol. 54 und
Gustav Mahler Vol. 7172, dem Russen Alexander Skrjabin Vol. 80 und dem Frhwerk
des Deutschen Richard Strauss Vol. 7576
beispielhaft vorgefhrt wird.

19

Mode r ne

Vol. 73100

Nach der Wende zum 20. Jahrhundert war es

kaum noch mglich, eine generell vorherrschende musikalische Tendenz zu benennen.
Die auf Klassik und Romantik folgende Musik
lsst sich angesichts der Vielzahl kompositorischer Strmungen eigentlich nur allgemein
als Moderne bezeichnen. Diese Zeit ist
gekennzeichnet durch khne Experimente mit
neuen Stilen und Techniken als Reaktion auf
die als bertrieben empfundene Emotionalitt
der Romantiker.
Impressionismus, ein nicht ganz passender,
aus der franzsischen Malerei und Lyrik entlehnter Begriff, ist ein bequemes Etikett fr die
neuartige Harmonik und Klanglichkeit von
Claude Debussy Vol. 7374, der behauptete,
Musik knne auf flieende Art und Weise das
Spiel des Lichts wiedergeben. Debussy war
anfangs von Liszt beeinflusst und erzeugt in
seinen Klavier- und Orchesterwerken eine
magisch-klangsinnliche Atmosphre. Auch
sein etwas jngerer franzsischer Zeitgenosse, der akribische Maurice Ravel Vol. 84,

bildet in seinen superb orchestrierten Werken

hchst lebendig Licht und Farben nach; oft
werden exotische Sujets behandelt, spter
zeigt sich vielfach der Einfluss des Jazz.
Igor Strawinsky Vol. 8788 studierte in
St. Petersburg bei einem anderen groartigen
Orchestrator, nmlich Rimsky-Korsakow, und
wenige Jahre spter schrieb er seine drei frhen Meisterballette, die die musikalische Welt
aus den Angeln hoben und von einem zum
nchsten immer khner wurden: Der Feuervogel (1909), Petruschka (1911) und Le Sacre
du printemps (Die Frhlingsweihe, 1913). In
Petruschka finden sich Bitonalitt (d. h. Musik,
die gleichzeitig in zwei Tonarten steht), dissonante Akkorde, freie Rhythmik und perkussiver Einsatz des Orchesters; im Sacre (das
Stck lste bei seiner Urauffhrung wahre
Tumulte im Publikum aus) reduziert Strawinsky alle Parameter der Musik zugunsten des
Rhythmus. In der langen, produktiven Laufbahn, die dann folgte, erkundete Strawinsky
fast jede Gattung und jeden Stil seiner Zeit.
Kein anderer unter den groen Komponisten
des frhen 20. Jahrhunderts drfte einflussreicher gewesen sein als er. Debussy, Ravel,

Sibelius und der Ungar Bla Bartk Vol. 90

waren nicht so wandlungsfhig, whrend die
Musik der Wiener Arnold Schnberg, Anton
Webern Vol. 85 und Alban Berg Vol. 86 sich
als weniger zugnglich erwies.
Einzig Schnberg konnte es damals als
musikalischer Vordenker mit Strawinsky aufnehmen. Vielen gilt er als derjenige, der die Tr
zu einer aufregenden neuen Welt des musikalischen Denkens aufstie; andere sehen in ihm
den Buhmann, der die Musik dem Verstndnis
des Normalbrgers entzog. Seit der Renaissance hatte Musik stets ein tonales Zentrum
gehabt. Wie weit sich die Harmonik auch von
der Tonika, d. h. der Haupttonart, entfernte
der Hrer konnte immer selbstverstndlich mit
einer Rckkehr zur Tonika am Schluss rechnen. Im spten 19. Jahrhundert hatten die
Komponisten allmhlich begonnen, Intervalle
auerhalb der vorherrschenden diatonischen
(also der Dur- und Moll-)Tonleitern zu benutzen, so dass innerhalb eines Werkes die Tonart
viel hufiger wechselte. (Man nennt dies Chromatik, da die Tne der zwlfstufigen chromatischen Skala, im Gegensatz zu den siebenstufigen diatonischen Skalen, zur Harmonisierung

eines Stckes herangezogen werden.) Auf

diese Weise verschleierte man das tonale Zentrum von Musikstcken immer mehr. Schnberg ging noch weiter, als er sich fragte: Wenn
ich all diese chromatischen Tne in meiner
Musik benutzen kann gibt es dann berhaupt
eine klare Tonart? Warum muss ein bestimmter Ton in einer bestimmten Tonart als fremd
gelten? Warum sollten nicht alle zwlf Halbtne der chromatischen Skala die gleiche Bedeutung haben?
So entstand die Zwlftontechnik (auch als
Reihentechnik und Dodekaphonie bekannt)
und die auf ihr basierende Musik der sogenannten Zweiten Wiener Schule (so nannte
man Schnberg und seine Schler Berg und
Webern in Anlehnung an die Erste Wiener
Schule mit Haydn, Mozart und Beethoven).
Nicht alle Komponisten waren von dieser
Technik berzeugt, aber Dissonanz, Atonalitt
und der Verzicht auf sangbare Melodien prgen die Musik vieler Komponisten des 20.
Jahrhunderts. Bis die Avantgarde sich auch
bei musikalischen Amateuren und Nicht-Spezialisten durchsetzen konnte, dauerte es nun
sehr viel lnger als in den Jahrhunderten

20

davor. Die polyrhythmische, polytonale Musik

des amerikanischen Pioniers Charles Ives
Vol. 82 etwa galt einmal als viel zu komplex
und radikal, um jemals populr werden zu
knnen. Die verschiedenen Idiome anerkannter Meister der Moderne wie John Cage, Elliott
Carter, Luciano Berio und Luigi Nono (die Liste liee sich beliebig fortsetzen) sind vielen
Hrern nach wie vor ein Rtsel, whrend sie
bei anderen eine geradezu fanatische Begeisterung auslsen.
Andere Anstze in der Musik des 20. Jahrhunderts erhielten die Verbindung zu Tonalitt
und (immer hufiger) verstndlicher Melodik
aufrecht. Vieles von Sergej Prokofjew
Vol. 89 mag harsch und sprde klingen, aber
man merkt seinem Stil doch die Herkunft aus
der Romantik an. Prokofjews sowjetischer
Landsmann Dmitri Schostakowitsch
Vol. 92 entstammte der gleichen Tradition
und teilte Prokofjews Hang zum Widerborstigen, Humorvollen und Satirischen, aber in der
Introvertiertheit, Ironie und Gewaltttigkeit
seiner besten Werke spiegelt sich der tragische Kampf eines Knstlers in einem totalitren Regime. Der groe Klaviervirtuose Sergej

Rachmaninow Vol. 80 emigrierte nach Amerika und schrieb in einem Stil, der seine sptromantischen Wurzeln noch viel weniger verleugnet als derjenige Prokofjews, einige der
beliebtesten Werke des gesamten Repertoires.
Vol. 91 Das 20. Jahrhundert kennt keine
vorherrschenden musikalischen Schulen
mehr.Beispielsweise gibt es anscheinend
kaum Verbindendes zwischen den gesellschaftspolitischen Opern eines Kurt Weill mit
ihren herben und trotzdem unvergesslichen
Melodien und seinem Zeitgenossen Paul Hindemith, der in einem kontrapunktisch dichten,
neo-klassizistischen Stil schrieb. Und ein
Komponist wie Aaron Copland hat mit beiden
fast gar keine Gemeinsamkeiten. Copland war
der erste amerikanische Komponist von Format nach Ives und verarbeitete Volksmusik,
blue notes, Anklnge an Cowboysongs, Jazz
und traditionelle jdische Musik.
Coplands etwa gleichaltriger Kollege
Samuel Barber Vol. 82 komponierte in einem
konservativeren, europisch geprgten Stil.
Der populrste amerikanische Komponist des
20. Jahrhunderts, George Gershwin Vol. 95,
kombinierte Einflsse aus europischer und

russischer Musik, Jazz und amerikanischer

Popularmusik und schrieb auf dieser Grundlage Erfolgs-Musicals voller unvergesslicher
Hits sowie Konzertstcke und seine berhmte
Oper Porgy and Bess. Der kompositionstechnisch geschultere Leonard Bernstein folgte
seinem Beispiel und komponierte fr Broadway und Konzertsaal gleichermaen. Vol. 100
Die bekanntesten (und auch konomisch
erfolgreichsten) amerikanischen Komponisten
der folgenden Generation sind Steve Reich,
Philip Glass und John Adams, drei sogenannte Minimalisten; ihre Musik produziert mit
hypnotischem Effekt ein Gewebe aus stndig
wiederholten Patterns und kurzen Einwrfen.
In Grobritannien dauerte es lange, bis sich
eine nationale Schule herausbildete. Edward
Elgar Vol. 79, von seinen Landsleuten fr
seine dem Wesen nach englisch anmutende
Musik geschtzt, war in Wahrheit zutiefst der
deutschen Tradition verpflichtet, und erst mit
Ralph Vaughan Williams Vol. 93 und Gustav Holst Vol. 79 entwickelte sich allmhlich
eine britische (oder zumindest englische)
Musik. RVW interessierte sich fr Musik der
Tudor-Zeit, mittelalterliche Harmonik und

Volkslieder und komponierte in einem quasi

romantisch-neoklassizistischen Stil. Sein
Freund Holst hatte hnliche Interessen, lie
sich aber auch vom Nahen Osten inspirieren
sein berhmtestes Stck, Die Planeten,
basiert auf dem Gedankengut der chaldischen Astrologie. Die wichtigste Persnlichkeit der folgenden Generation drfte Benjamin Britten Vol. 93 gewesen sein. Seine
zahlreichen beeindruckenden Opern sicherten
der englischen Musik einen festen Platz auf
den Bhnen der Welt.
In Frankreich waren die wichtigsten Komponisten in den Jahrzehnten nach Debussy
und Ravel Arthur Honegger, Darius Milhaud
und Francis Poulenc, drei grundverschiedene
Mitglieder einer lose zusammenhngenden
Sechsergruppe, die als Les Six in die
Geschichte einging (die drei brigen Mitglieder
waren musikhistorisch weit weniger bedeutend). Sie waren vom schrulligen, exzentrischen Eric Satie beeinflusst und wurden vom
Autor, Designer und Filmemacher Jean Cocteau gefrdert. Der bedeutendste franzsische
Komponist nach 1950, der eigenwillige Katholik und Visionr Olivier Messiaen Vol. 96,

21

war auch ein berragender Organist und Kompositionslehrer und machte neben Elementen
auereuropischer Musik auch Vogelrufe in
der westlichen Tonsprache heimisch. Vol. 97
Sowohl Pierre Boulez, dessen komplexe Werke zu einem groen Teil auf mathematischen
Beziehungen basieren, als auch Karlheinz
Stockhausen, der fr seine innovative elektronische Musik Partituren aus Tabellen und
Diagrammen erstellte, waren Schler von
Messiaen.
Vol. 98 Was die Komponisten neuerer Zeit
angeht, mgen sie heute in der ffentlichkeit
stehen oder in jngerer Vergangenheit verstorben sein, so erweisen sich alle Versuche einer
Kategorisierung und Einordnung schnell als
mig man denke etwa an die offene, in sich
sehr disparate Stilistik solcher Koryphen wie
des Polen Witold Lutos awski, des aus
Ungarn stammenden Gyrgy Ligeti, des
Deutschen Hans Werner Henze und des Russen Alfred Schnittke oder auch so erfolgreicher britischer Zeitgenossen wie Peter Maxwell Davies, Harrison Birtwistle, Thomas Ads
oder George Benjamin. Bei ihnen allen wrde
man wahrscheinlich auch kaum Gemeinsam-

keiten mit Berio und Nono, mit Boulez und

Stockhausen, mit Reich, Glass und Adams
oder mit spirituellen Minimalisten wie dem
Polen Henryk Grecki Vol. 99 und dem Esten
Arvo Prt entdecken, die ebenfalls eine treue
Anhngerschaft gefunden haben.
Die zeitgenssische ernste Musik ist
ebenso unmglich zu klassifizieren und auf
eine einzige Schule zu reduzieren wie die
ungezhlten Richtungen der Popularmusik
mit ihren entsprechenden Untergattungen
Hip-Hop, Metal, Garage, R&B, Soul, Dance,
Reggae, Blues, Folk und so fort. Was die

Zukunft bringen wird, wie sich die Musik in

den nchsten 50 Jahren entwickeln und welche Formen sie annehmen wird, gehrt zu den
spannendsten Fragen unserer Zeit. Auf dem
Gebiet der Musik wird es immer wieder khne
Fantasten und Innovatoren geben, die nach
neuen Wegen suchen und sich auf neue, individuelle Arten ausdrcken. Wer von ihnen
zuknftig ein breites, empfngliches und
dankbares Publikum finden wird, kann nur die
Zeit zeigen.
Jeremy Nicholas
bersetzung: Stefan Lerche

22

23

Late Romantic | PArt 2

24

Vol.
CD 161

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY

TCHAIKOVSKY: PIANO CONCERTO NO. 1

VIOLIN CONCERTO

Piano Concerto No. 1

in B flat minor op. 23

The two concertos performed here were initially reviled by the critics but are now among
the most popular works in the repertoire. The
first movement of the Violin Concerto (1878)
is fundamentally warmer and more lyrical than
its monumental counterpart in the Piano Concerto (187475), although it, too, has its share
of fireworks for the soloist. Both works slow
movements are soulfully lyrical; both finales,
dazzlingly virtuosic.

(18401893)

A 1. Allegro non troppo e molto maestoso 21:08

Allegro con spirito
7:28
B 2. Andantino semplice
C 3. Allegro con fuoco
6:50

ber die beiden hier aufgenommenen Konzerte wetterten anfangs die Kritiker, aber mittlerweile gehren sie zu den beliebtesten Werken
des Repertoires. Der erste Satz des Violinkonzerts (1878) ist wesentlich inniger und lyrischer
als sein monumentales Pendant im Klavierkonzert (187475), obwohl auch hier das Soloinstrument ein virtuoses Feuerwerk entfesseln
soll. Die langsamen Stze beider Werke sind
von lyrischer Beseeltheit, die Finali atemberaubend virtuos.

Martha Argerich piano

Royal Philharmonic Orchestra
CHARLES DUTOIT

Violin Concerto in D major op. 35

D 1. Allegro moderato
E 2. Canzonetta. Andante
F 3. Finale. Allegro vivacissimo

17:11
6:15
8:57

Nathan Milstein violin

Wiener Philharmoniker
CLAUDIO ABBADO

1971 ( A C ) / 1973 ( D F ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 67:49

25

Vol. 62

RICHARD WAGNER

WAGNER: OVERTURES & PRELUDES

A Der fliegende Hollnder: Overture

One of the most controversial figures of 19thcentury music and among the most influential
composers of all time, Wagner led a turbulent
life, often fleeing from one city or country to
another and appropriating friends money and
wives as the tribute due a man of genius. He
was an anti-Semitic, xenophobic bigot, yet
managed to endow the world with ten prodigious operatic masterpieces, for which he
wrote the texts as well as the music. Their
overtures and preludes heard here can also be
enjoyed in their own right as concentrated
musical dramas without words, and are as
popular among concert audiences as among
opera lovers.

(18131883)
10:28

The Flying Dutchman

Orchester der Bayreuther Festspiele
KARL BHM

Wagner war eine der umstrittensten Figuren in

der Musik des 19. Jahrhunderts und gleichzeitig einer der einflussreichsten Komponisten
aller Zeiten. Er fhrte ein aufreibendes Leben,
musste oft aus einer Stadt oder einem Land
fliehen und bemchtigte sich des Geldes oder
der Ehefrauen seiner Freunde wie eines Tributes, der ihm als Genie zustand. Er war ein
Antisemit und ein fremdenfeindlicher Eiferer,
und doch schenkte er der Welt zehn wundervolle, meisterhafte Opern, zu denen er neben
der Musik auch die Textbcher verfasste. Ihre
Ouvertren und Vorspiele sind hier separat als
konzentrierte Musikdramen ohne Worte zu
erleben; sie sind beim Konzertpublikum ebenso beliebt wie bei Opernfreunden.

B Lohengrin: Prelude to Act I

9:49

C Die Meistersinger von Nrnberg: Prelude to Act I

9:54

The Mastersingers of Nuremberg

Berliner Philharmoniker
RAFAEL KUBELIK

Parsifal
D Prelude to Act I
E Karfreitagszauber | Good Friday Music

13:54
12:09

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

EUGEN JOCHUM
F Tannhuser: Overture

12:21

Orchester der Deutschen Oper Berlin

OTTO GERDES

1958 ( D E ) / 1963 ( B C )/1969 ( F )/1972 ( A ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 68:55

26

Vol.
CD 163

WAGNER: DER RING DES NIBELUNGEN

Wagner transformed opera into music-drama an idealized mixture of music, poetry,
dance and the visual arts. In reconceiving the
relationship between music and drama he
made systematic use, especially in his vast
four-part cycle Der Ring des Nibelungen (The
Nibelungs Ring), of the so-called Leitmotiv
an identifying musical figure or theme for each
character, important object or concept. He
extended the boundaries of the harmonic universe and created music of unprecedented
richness and complexity, preparing the way for
future composers. He also built an extraordinary theatre at Bayreuth (Bavaria), in which to
have his own works performed under ideal
conditions. The Ring cycle (written between
1853 and 1875) is one of the most ambitious
works of art ever conceived. Its story is drawn
mainly from medieval epics, but Wagner used
it to illustrate the poisonous influence of mon-

schuf, bereitete er der nachfolgenden Komponistengeneration den Weg. Ferner lie er ein
Festspielhaus in Bayreuth bauen, in dem unter

ey and power, the conflict between knowledge

and spiritual serenity, the need for a hero who
cannot be constrained by common morality,
and, overriding everything else, the futility of
the will against the inevitability of fate.

Wagner entwickelte die Oper weiter zum

Musikdrama, einer idealisierten Verbindung
von Musik, Lyrik, Tanz und Bildender Kunst.
Indem er die Beziehung zwischen Musik und
Handlung neu definierte, bediente er sich planvoll vor allem in seinem umfangreichen vierteiligen Zyklus Der Ring des Nibelungen der
sogenannten Leitmotive, kurzer musikalischer
Erkennungsmelodien oder -themen fr smtliche Personen und alle wichtigen Gegenstnde oder Begriffe. Indem er die Grenzen der
Harmonik erweiterte und eine Musik von noch
nicht dagewesener Flle und Komplexitt

idealen Bedingungen ausschlielich seine

Werke aufgefhrt werden soll(t)en. Der RingZyklus (entstanden zwischen 1853 und 1875)
gehrt zu den ehrgeizigsten Kunstwerken, die
jemals erdacht
erdac wurden. Die Handlung speist
sich grtent
grtenteils aus mittelalterlichen Epen,
aber Wagner wollte damit auf den vergiftenden
Einfluss von Geld und Macht hinweisen, auf
den Konflikt zzwischen Erkenntnis und Seelenruhe, auf das Fehlen eines Helden, der von den
Zwngen der herrschenden Moral frei ist, und,
wichtiger als alles andere, auf die Eitelkeit
allen Trachtens
Trachte angesichts der Unausweichlichkeit des Schicksals.
S

RICHARD WAGNER

27

RICHARD WAGNER

Vol. 64

(18131883)

Der Ring des Nibelungen (highlights)

Das Rheingold

Wotan (Rheingold )
Wotan (Walkre)
Sieglinde
Brnnhilde
Siegfried
Wood Bird
Fricka
Alberich
Loge
Hagen
Froh
Rhinedaughters

A Lugt, Schwestern! Die Weckerin lacht 6:18

in den Grund (Rhinedaughters, Alberich)
B Zur Burg fhrt die Brcke
9:02

Valkyries

Dietrich Fischer-Dieskau
Thomas Stewart
Gundula Janowitz
Helga Dernesch
Jess Thomas
Catherine Gayer
Josephine Veasey
Zoltn Kelemen
Gerhard Stolze
Karl Ridderbusch
Donald Grobe
Helen Donath
Edda Moser
Anna Reynolds
Lieselotte Rebmann
Daniza Mastilovic | Ingrid Steger
Lilo Brockhaus | Carlotta Ordassy
Barbro Ericson | Cvetka Ahlin
Helga Jenckel

Berliner Philharmoniker
HERBERT VON KARAJAN

WAGNER: TRISTAN UND ISOLDE

As I have never known the true joy of love,
wrote Wagner to Liszt, I will raise a monument to that most beautiful of dreams in which
this love is entirely fulfilled. I have in mind the
simplest but most intense musical conception. Wagners Tristan and Isolde are pawns
of superhuman forces. For them true erotic
gratification can be achieved only by denying
the will to live only at the point of death. The
two lovers are united through self-annihilation.
In expressing this, Wagner altered, suddenly
and decisively, the very course of Western
music and drama. History has ranked his creation (185759) among the masterpieces of
our civilization.

(Froh, Wotan, Fricka, Loge, Rhinedaughters)

Die Walkre
C Der Mnner Sippe sa hier im Saal

4:43

(Sieglinde)

D The Ride of the Valkyries: Hojotoho!

6:17

(Valkyries)

E Der Augen leuchtendes Paar (Wotan)

13:38

Siegfried
F Aber, wie sah meine Mutter wohl aus? 7:28
(Siegfried)

G Nun sing! Ich lausche dem Gesang

4:10

(Siegfried, Wood Bird)

H Heil, dir Sonne! Heil, dir Licht!

7:39

(Brnnhilde, Siegfried)

Gtterdmmerung
I Funeral March
J Fliegt heim, ihr Raben!

8:50
8:41

(Brnnhilde, Hagen)

1967 ( C E ) / 1968 ( A B ) / 1969 ( F H ) / 1970 ( I J ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin

Total time: 76:46

28

Da ich im Leben nie das eigentliche Glck der

Liebe genossen habe, schrieb Wagner an
Liszt, so will ich diesem schnsten aller Trume noch ein Denkmal setzen, in dem von
Anfang bis zum Ende diese Liebe sich einmal
so recht sttigen soll; ich habe im Kopfe die
einfachste, aber vollblutigste musikalische
Konzeption. Wagners Tristan und Isolde sind
Spielfiguren des Schicksals. Ihnen wird erotische Erfllung nur durch Leugnung des
Lebenswillens zuteil im Augenblick des
Todes: Die Vereinigung der beiden Liebenden
geschieht durch ihre Selbstauslschung.
Durch diese Botschaft nderte Wagner mit
einem Schlag den weiteren Verlauf der westlichen Musik- und Theatergeschichte. Insofern
darf seine Oper (185759) als eine der grten
kreativen Leistungen aller Zeiten gelten.

CD 1 WAGNER
RICHARD

Vol. 65

(18131883)

Tristan und Isolde (highlights)

ACT I

Tristan
Isolde
Kurwenal
Brangne
A young sailor

A Introduction
B Frisch weht der Wind der Heimat zu

Wolfgang Windgassen
Birgit Nilsson
Eberhard Wchter
Christa Ludwig
Peter Schreier

Chor und Orchester

der Bayreuther Festspiele
KARL BHM

VERDI: AIDA

10:42
9:20

(A young sailor, Isolde, Brangne,

Kurwenal, Tristan, chorus)

C Weh, ach wehe! Dies zu dulden!

Verdis genius for melody and for characterization were unsurpassed by any other opera
composer except Mozart. Success came in
1842 with Nabucco, credited by an early biographer with setting off the first political demonstrations that led to Italian reunification.
His extraordinarily long career ended in glory
with two unparalleled masterpieces based on
Shakespeare Otello (1887) and Falstaff
(1893). Aida, set in ancient Egypt, is a drama
of love and hate, loyalty and betrayal. The
pomp and splendour of its great massed
scenes are set against intimate scenes of
searing emotion. Since its premiere in 1871
at the new Cairo Opera House, many of the
worlds greatest singers and conductors have
lavished their attention on Aida. In our own
day its exotic and spectacular features have
led to performances in such vast spaces as
the Verona Arena, the Baths of Caracalla in

15:26

(Brangne, Isolde)

ACT II
D O sink hernieder, Nacht der Liebe

4:56

(Tristan, Isolde)

E Einsam wachend in der Nacht

2:32

(Brangne)

F Lausch, Geliebter! Lass mich sterben 4:09

(Isolde, Tristan)

G Doch unsre Liebe, heit sie nicht

Tristan und Isolde? (Isolde, Tristan)
H So starben wir, um ungetrennt

2:12
8:31

(Isolde, Tristan, Brangne, Kurwenal)

ACT III
I Introduction
J O Wonne! Nein! Er regt sich, er lebt!

6:52
5:57

(Kurwenal, Tristan)

K Mild und leise wie er lchelt (Isolde)

6:16

1966 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin

Total time: 76:53

29

Rome, and even in front of the Pyramids of

Gizeh.

An Verdis genialen Sinn fr Melodik und Charakterzeichnung reicht kein anderer Komponist
heran, sieht man einmal von Mozart ab. Seine
Erfolgsgeschichte begann 1842 mit Nabucco;
ein frher Biograph Verdis sprach dem Stck
das Verdienst zu, die ersten politischen Kundgebungen initiiert zu haben, die schlielich
zur nationalen Einigung Italiens fhrten. Verdis
auergewhnlich lange knstlerische Laufbahn ging fulminant mit zwei Ausnahmewerken nach Shakespeare zu Ende: Otello (1887)
und Falstaff (1893). Seine Oper Aida, ein Drama um Liebe und Hass, Treue und Verrat, spielt
im alten gypten. Dem Prunk und der Pracht
groer Massenszenen stehen intime Szenen
von glhender Intensitt des Gefhls gegen-

CD 1

GIUSEPPE VERDI

ber. Seit der Urauffhrung im neuen Opernhaus von Kairo 1871 haben sich viele bedeutende Snger und Dirigentenn dieser Oper
angenommen. Heutzutage gibt man dem
exotisch-spektakulren Flair der Oper gerne
einen grandiosen Rahmen, etwaa die Arena von
Verona, die Caracalla-Thermen
en in Rom und
sogar die Pyramiden von Gizeh..

Aida (highlights)
Aida
Radams
The King of Egypt
Amneris
Amonasro
Ramfis
A messenger

(18131901)
E Nume, custode e vindice
Katia Ricciarelli
Plcido Domingo
Ruggero Raimondi
Elena Obraztsova
Leo Nucci
Nicolai Ghiaurov
Piero de Palma

Coro e Orchestra del Teatro alla Scala

CLAUDIO ABBADO

4:26

(Ramfis, Radams, chorus)

ACT II
F
G
H
I

Gloria allEgitto, ad Iside (chorus, Ramfis)

Triumphal March
Ballet
Questassisa chio vesto vi dica
Ma tu, re, tu, signore possente

3:32
1:35
4:24
4:51

(Amonasro, Aida, chorus, Ramfis, Amneris,

King of Egypt, Radams)

ACT III
A Prelude

3:38

ACT I
B Se quel guerrier io fossi!
Celeste Aida (Radams)
C Alta cagion vaduna
Su, del Nilo al sacro lido

GIUSEPPE VERDI

4:36
6:08

(King of Egypt, messenger, Radams,

Ramfis, chorus, Aida, Amneris)

D Ritorna vincitor! Numi, piet (Aida) 5:31

J Qui Radams verr!

O patria mia (Aida)
K Ciel, mio padre!
Rivedrai le foreste imbalsamate

7:44

(Aida, Amonasro)

ACT IV
L La fatal pietra sovra me si chiuse

5:26

(Radams, Aida)

M Immenso Fth O terra, addio

(chorus, Aida, Radams, Amneris)

1982 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 63:52

30

6:40

5:21

Vol. 66

GIUSEPPE VERDI

VERDI: RIGOLETTO

Rigoletto (highlights)

Verdis first mature masterpiece, Rigoletto,

was premiered at Venices Teatro La Fenice in
1851. Based on a controversial play by Victor
Hugo, Le roi samuse, about a licentious monarch, his deformed court jester and the jesters
loving daughter, the opera very nearly fell victim to the censors. It was rescued at the last
minute by changing the setting and demoting
the character of Hugos king to Duke of Mantua. Act III, set in a run-down, disreputable
tavern, brings the operas most famous number, La donna mobile, the Dukes cynical
song in praise of womens fickleness.

The Duke of Mantua

Rigoletto
Gilda
Sparafucile
Maddalena
Giovanna
Count Monterone
Marullo
Borsa
Count Ceprano
Usher
Page

Verdis erstes reifes Meisterwerk, Rigoletto,

wurde 1851 im Teatro La Fenice in Venedig
uraufgefhrt. Die Oper basiert auf dem umstrittenen Schauspiel Le roi samuse von Victor
Hugo ber einen ausschweifenden Monarchen,
seinen verkrppelten Hofnarren und dessen
liebevolle Tochter. Das Stck wre fast der
Zensur zum Opfer gefallen, konnte aber im
letzten Augenblick gerettet werden, indem man
den Schauplatz der Handlung verlegte und aus
Hugos Knig einen Herzog von Mantua machte.
Im dritten Akt, der in einer schbigen Taverne
von blem Ruf spielt, erklingt die berhmteste
Nummer der Oper, La donna mobile, das
zynische Loblied des Herzogs auf die Flatterhaftigkeit der Frauen.

(18131901)
D Figlia! Mio padre!
Plcido Domingo
Piero Cappuccilli
Ileana Cotrubas
Nicolai Ghiaurov
Elena Obraztsova
Hanna Schwarz
Kurt Moll
Luigi De Corato
Walter Gullino
Dirk Sagemller
Anton Scharinger
Audrey Michael

Wiener Staatsopernchor
Wiener Philharmoniker
CARLO MARIA GIULINI
A Prelude

E Gualtier Mald Caro nome

ACT II
F Ella mi fu rapita (Duke)
G Parmi veder le lagrime (Duke)
H Povero Rigoletto (Marullo, Rigoletto,

2:16
2:46
3:24

Borsa, Ceprano, page, chorus)

I Cortigiani, vil razza dannata (Rigoletto) 4:34

J Tutte le feste al tempio
7:51
(Gilda, Rigoletto, usher, Monterone)

K S, vendetta, tremenda vendetta

2:20

(Rigoletto, Gilda)

L La donna mobile

3:11

(Duke, Sparafucile, Rigoletto)

2:08

M Un d, se ben rammentomi

1:43

(Duke, Gilda, Maddalena, Rigoletto)

N Bella figlia dellamore

4:23

(Duke, Gilda, Maddalena, Rigoletto)

1:58

O Vho ingannato, colpevole fui

3:39

1980 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 62:21

31

6:25

(Gilda, Borsa, Ceprano, Marullo, chorus)

ACT III

ACT I
B Questa o quella (Duke)
C Pari siamo! Io la lingua (Rigoletto)

10:38

(Rigoletto, Gilda, Giovanna, Duke)

(Gilda, Rigoletto)

4:18

Vol.
CD 167

GIUSEPPE VERDI

VERDI: LA TRAVIATA

La traviata (highlights)

ACT II

Violetta Valry
Flora Bervoix
Annina
Alfredo Germont
Giorgio Germont
Gastone
Baron Douphol
Marquis dObigny
Doctor Grenvil
Giuseppe
A messenger

F
G
H
I
J
K

La traviata (1853), based on a French novel

that also inspired the Garbo film Camille, was
the only opera on a contemporary subject that
Verdi ever wrote. It tells the tragic story of a
beautiful, young Parisian courtesan, Violetta
Valry, who gives up her luxurious existence
as a barons mistress to live with a young
man, Alfredo Germont, whom she loves and
who loves her. Alfredos father persuades the
good-hearted Violetta, who is already ill with
tuberculosis, to break with his son so that his
familys reputation can recover from the
scandal.

La traviata (1853) basiert auf einem franzsischen Roman, der auch dem Film Camille mit
Greta Garbo als Vorlage diente. Es ist die einzige Oper, die Verdi ber einen zeitgenssischen Stoff schrieb. Erzhlt wird die Geschichte einer schnen, jungen Pariser Kurtisane,
Violetta Valry, die ihr luxurises Leben als
Geliebte eines Barons aufgibt, um mit Alfredo
Germont zu leben, einem jungen Mann, den sie
liebt und der auch sie liebt. Alfredos Vater
berredet die gutherzige Violetta, die bereits
an Tuberkulose erkrankt ist, sich von seinem
Sohn zu trennen, so dass der gute Ruf der
Familie nach dem Skandal wiederhergestellt
werden kann.

(18131901)

Ileana Cotrubas
Stefania Malag
Helena Jungwirth
Plcido Domingo
Sherrill Milnes
Walter Gullino
Bruno Grella
Alfredo Giacomotti
Giovanni Foiani
Walter Gullino
Paul Winter

Bayerischer Staatsopernchor
Bayerisches Staatsopernorchester
CARLOS KLEIBER
A Prelude

3:39
4:35

(all, Violetta, Alfredo)

C Libiamo ne lieti calici (Brindisi)

2:56

(Alfredo, all, Violetta)

D strano! Ah, fors lui (Violetta) 3:37

E Follie! Follie! Sempre libera (Violetta) 4:27

(Alfredo, Giuseppe, messenger, Germont)

L Di Provenza il mar, il suol (Germont)

M Avrem lieta di maschere la notte

4:05
1:02

(Flora, Marquis, Doctor)

N Noi siamo zingarelle (chorus)

O Di Madride noi siam mattadori (chorus)
P Prelude
Q Annina? Comandate? (Violetta, Annina, Doctor)
R Teneste la promessa
Addio del passato (Violetta)
S Signora (Annina, Violetta, Alfredo)
T Parigi, o cara, noi lasceremo (Violetta, Alfredo)
U Ah, non pi! Gran Dio! Morir s giovine

2:46
2:36

3:37
3:54
3:59
1:36
3:13
3:00

(Violetta, Alfredo)

V Ah, Violetta! (Germont, Violetta, Alfredo)

W Prendi, quest limmagine
(Violetta, Alfredo, Germont, Annina, Doctor)

1977 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 70:57

32

3:39
1:41
2:00
2:35
4:10
2:13

ACT III

ACT I
B Dellinvito trascorsa gi lora

Lunge da lei De miei bollenti (Alfredo)

Pura siccome un angelo (Germont, Violetta)
Non sapete quale affetto (Violetta, Germont)
Un d, quando le veneri (Germont, Violetta)
Ah! Dite alla giovine (Violetta, Germont)
Ah, vive sol quel core

1:43
3:54

Vol. 68

SAINT-SANS: ORGAN SYMPHONY

FRANCK: SYMPHONY IN D MINOR
Csar Franck occupied a key position in
French music during the last three decades of
the 19th century. This was a period of tension
created by a growing enthusiasm for Wagner
and the sense of national disgrace following
defeat in the Franco-Prussian War (1870/71),
which prompted the founding of a French
national music society by Camille Saint-Sans
and others. Franck sought to breach the gap
between these two forces, combining classical discipline with romantic emotion. He found
entirely personal solutions to symphonic form
and harmony in his great D minor Symphony
(188688). The success of the Organ Symphony (1886) by Saint-Sans, a restless universal spirit called the French Beethoven,
irritated Francks followers. Saint-Sans (most
famous today for his Carnival of the Animals)

durch Camille Saint-Sans und einige andere

fhrte. Franck versuchte, die Kluft zwischen
den beiden Strmungen zu berbrcken,
indem er klassische Strenge mit romantischem
Gefhl verband. In seiner groen d-moll-Symphonie (188688) fand er zu ganz eigenen
Lsungen im Hinblick auf Form und Harmonik.
ber den Erfolg der Orgel-Symphonie des
rastlosen Universalgenies Saint-Sans, dem
man den Beinamen franzsischer Beethoven

was still denying their claims in 1918: Anyone

who says that Franck renewed symphonic
form is pulling the wool over the publics eyes
If any symphony can claim that honour,
then it would be my C minor Symphony, on the
basis of its remarkable form and its use of the
organ.

Csar Franck war eine Schlsselfigur fr die

franzsische Musik im letzten Drittel des
19. Jahrhunderts. Einer wachsenden WagnerBegeisterung stand seinerzeit das Gefhl nationaler Schande nach der Niederlage im
Deutsch-Franzsischen Krieg von 1870/71
gegenber, was schlielich zur Grndung einer
nationalen franzsischen Musikgesellschaft

33

gab, rgerten sich Francks Anhnger. SaintSans (heute vor allem bekannt durch seinen
Karneval der Tiere) wetterte noch 1918 gegen
deren Behauptungen: Wer behauptet, Franck
habe die Form der Symphonie reformiert,
streut der ffentlichkeit Sand in die Augen
Wenn eine Symphonie dieses Verdienst fr
sich Anspruch nehmen kann, dann meine
c-moll-Symphonie aufgrund ihrer bemerkenswerten Form und des Gebrauchs der Orgel.

CD 1
CAMILLE SAINTSANS

(18351921)

Symphony No. 3 in C minor Organ Symphony op. 78

A 1. Adagio Allegro moderato Poco adagio
B 2. Allegro moderato Presto
C
Maestoso Allegro

19:26
7:28
7:24

Gaston Litaize organ

Chicago Symphony Orchestra
DANIEL BARENBOIM

CSAR FRANCK

(18221890)

Symphony in D minor
D 1. Lento Allegro non troppo
E 2. Allegretto Poco pi lento Tempo I
F 3. Allegro non troppo

18:44
10:06
11:22

CAMILLE SAINT-SANS

Orchestre de Paris
DANIEL BARENBOIM

CSAR FRANCK

1976 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 74:37

34

Vol. 69

GLINKA: RUSLAN AND LYUDMILA OVERTURE

BALAKIREV: ISLAMEY
BORODIN: POLOVTSIAN DANCES
MUSSORGSKY: PICTURES AT AN EXHIBITION
Glinka, who laid the cornerstone of a genuine,
independent Russian musical tradition with his
operas, most notably the orientally coloured
Ruslan and Lyudmila, had numerous successors: in the 1860s the most influential were the
group surrounding Mily Balakirev it also
included Cui, Borodin, Mussorgsky and Rimsky-Korsakov which would become known
in music history as the Five, or Mighty Little
Heap. Together they sought to free Russian
art music from western-European influence
and breathe new life into it with the spirit of
folklore. They transformed peasant songs and

Glinka legte mit seinen Opern, vor allem mit

dem orientalischen Kolorit von Ruslan und
Ljudmila, den Grundstein zu einer eigenstndigen russischen Musiktradition. Er hatte zahlreiche Nachfolger. Am einflussreichsten whrend der 1860er-Jahre war die Gruppe um Mili
Balakirew, zu der auch Cui, Borodin, Mussorgsky und Rimsky-Korsakow gehrten und
die als Das mchtige Huflein in die Musikgeschichte einging. Gemeinsam versuchten
die Mitglieder, die russische Kunstmusik von
westeuropischen Einflssen zu befreien und

dances and established a truly Russian music.

Balakirevs oriental fantasy Islamey is one of
the most notoriously difficult pieces in the
piano repertoire. Mussorgsky composed his
hardly less demanding Pictures at an Exhibition
for piano in 1874 after attending the memorial
exhibition of an architect friend. Some 50
years later Ravel produced the brilliant, popular orchestration of Mussorgskys suite heard
in this recording.

35

sie aus dem Geist der Volksmusik neu zu beleben. Sie bearbeiteten Bauernlieder und -tnze
und schufen eine genuin russische Musik.
Balakirews orientalische Fantasie Islamey
gehrt wegen ihrer technischen Schwierigkeiten zu den gefrchtetsten Stcken des Klavierrepertoires. Mussorgsky schrieb seine kaum
weniger heiklen Bilder einer Ausstellung 1874
nach dem Besuch einer Gedenkausstellung fr
einen mit ihm befreundeten Architekten. Rund
50 Jahre spter entstand Ravels hier zu hrende kongeniale Orchestrierung.

MIKHAIL GLINKA

(18041857)

(18391881)

Ruslan and Lyudmilla

A Overture

4:45

(18371910)

B Islamey

8:01

Mikhail Pletnev piano

ALEXANDER BORODIN
(18331887)
Prince Igor
C Dance of the Polovtsian Maidens
D Polovtsian Dances

Torgny Sporsn bass

Gothenburg Symphony Chorus
Gothenburg Symphony Orchestra
NEEME JRVI

Pictures at an Exhibition
(orch.: Maurice Ravel)

Russian National Orchestra

MIKHAIL PLETNEV

MILY BALAKIREV

MODEST MUSSORGSKY

2:33
11:23

E
F 1.
G
H 2.
I
J 3.
K 4.
L
M 5.
N 6.
O 7.
P 8.
Q
R 9.
S 10.

Promenade
The Gnome
Promenade
The Old Castle
Promenade
Tuileries Gardens
Byd o
Promenade
Ballet of the Unhatched Chicks
Samuel Goldenberg and Schmule
Limoges. The Market
Catacombs: The Roman Tomb
With the Dead in a Dead Language
The Hut on Chickens Legs
The Great Gate of Kiev

MIKHAIL GLINKA
1:49
2:40
1:07
4:31
0:37
1:16
2:40
0:48
1:21
2:24
1:30
2:06
2:09
3:54
5:45

Chicago Symphony Orchestra

CARLO MARIA GIULINI

ALEXANDER BORODIN

1977 (ES)/1990 (D)/1992 (C)/1994 (A)/2001 (B) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin
Total time: 61:30

MODEST MUSSORGSKY

36

Vol. 70

RIMSKY-KORSAKOV: SCHEHERAZADE
CAPRICCIO ESPAGNOL
Nikolai Rimsky-Korsakov was born into an
aristocratic family and opted at first for a naval
career. Although he began his musical career
as an amateur composer with little formal
training, he became a key figure in the movement to foster Russian nationalist music. As
professor at the St. Petersburg Conservatory
he influenced two generations of Russian
musicians, including Stravinsky. Heard here
are Rimskys two most popular works. The
brilliant orchestration of the Capriccio espagnol (1887) is, in his own words, the very
essence of the composition, not its mere
dressing-up. Scheherazade (1888) is a classic example of the Russian predilection in
Rimskys time for exotic orchestral colours
and all things Oriental. This symphonic suite
was inspired by tales from the 1001 Nights,

Komposition, nicht nur bloe Verkleidung.

Scheherazade (1888) ist ein typisches Beispiel
fr die Vorliebe der Russen zu Rimsky-Korsakows Zeit fr exotische Orchesterfarben
sterfarben und
alles Orientalische. Diese symphonische
honische Suite
ist von Mrchen aus Tausendundeiner
ndeiner Nacht
inspiriert, deren Erzhlerin, musikalisch
usikalisch verkrpert durch eine Solovioline, dem Werk seinen Namen gab.

whose narrating character, represented musically by a solo violin, lends the work its title.

Nikolai Rimsky-Korsakow wurde in eine Adelsfamilie hineingeboren und schlug zunchst

eine Marinelaufbahn ein. Seinen musikalischen Werdegang begann er als AmateurKomponist ohne eigentliche Ausbildung, und
doch wurde er eine Schlsselfigur innerhalb
der Bewegung, die die russische Nationalmusik frderte. Als Professor am Konservatorium
von St. Petersburg beeinflusste er zwei Generationen russischer Musiker, darunter auch
Strawinsky. Hier sind die beiden bekanntesten
Werke von Rimsky-Korsakow zu hren. Die
brillante Orchestrierung des Capriccio espagnol (1887) ist, wie er sagte, das Wesen der

NIKOLAI RIMSKY-KORSAKOV

37

Vol. 71

MAHLER: SYMPHONY NO. 1

LIEDER EINES FAHRENDEN GESELLEN

Scheherazade op. 35
A 1. The Sea and Sindbads Ship
B 2. The Story of the Kalender Prince
C 3. The Young Prince and
the Young Princess
D 4. Festival at Baghdad The Sea
The Shipwreck

10:20
12:12
10:02
12:18

A Jewish merchants son who studied and

settled in Vienna, Mahler like Schubert
won full recognition as a composer only posthumously. Unlike Schubert, he was a celebrity
in his lifetime but as a conductor. Despite his
hectic performing schedule, he completed
nine intensely expressive symphonies, conceived on a vast scale. The composition of his
First and the cycle of songs Lieder eines
fahrenden Gesellen (Songs of a Wayfarer)
overlapped in the mid-1880s. The two works
are intimately related in another, more important way, typical of Mahler: large portions of
the cycle inspired, like Schuberts Winterreise and so many other Romantic songs, by
unhappy love are incorporated into the symphony.

Joseph Silverstein solo violin

Boston Symphony Orchestra
SEIJI OZAWA

Capriccio espagnol op. 34

E
F
G
H
I

1.
2.
3.
4.
5.

Alborada
Variazioni
Alborada
Scena e canto gitano
Fandango asturiano

1:18
5:06
1:10
5:16
3:04

Gothenburg Symphony Orchestra

NEEME JRVI

1978 ( A D ) / 1988 ( E I ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 60:46

38

Mahler, Sohn eines jdischen Kaufmanns, studierte in Wien und lie sich dort spter auch
dauerhaft nieder. Wie Schubert wurde auch
ihm erst posthum die volle Anerkennung zuteil;
anders als Schubert war er aber bereits zu
Lebzeiten eine Berhmtheit freilich als Dirigent. Trotz eines bervollen Terminkalenders
als Interpret vollendete er neun gro angelegte Symphonien von intensivem Ausdruck.
Seine Erste und der Zyklus der Lieder eines
fahrenden Gesellen entstanden Mitte der
1880er-Jahre etwa zur selben Zeit, aber die
beiden Werke sind noch auf eine andere,
bedeutsamere und fr Mahler typische Weise
eng miteinander verknpft: Die Symphonie
zitiert Teile des Liederzyklus, der, wie Schuberts Winterreise und viele andere romantische Lieder, von unglcklicher Liebe erzhlt.

CD 1

GUSTAV MAHLER

(18601911)

Symphony No. 1 Titan

A 1. Langsam. Schleppend. Wie ein
14:33
Naturlaut Im Anfang sehr gemchlich
B 2. Krftig bewegt, doch nicht zu schnell 7:03
Trio. Recht gemchlich
C 3. Feierlich und gemessen,
10:45
ohne zu schleppen
D 4. Strmisch bewegt
17:41

Lieder eines fahrenden Gesellen

Songs of a Wayfarer
E
F
G
H

GUSTAV MAHLER

1.
2.
3.
4.

Wenn mein Schatz Hochzeit macht

Ging heut morgen bers Feld
Ich hab ein glhend Messer
Die zwei blauen Augen

3:58
4:02
3:14
5:14

Dietrich Fischer-Dieskau baritone

Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks
RAFAEL KUBELIK

1968 ( A D ) / 1970 ( E H ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 66:56

39

Vol. 72

GUSTAV MAHLER

MAHLER: SYMPHONY NO. 5

Symphony No. 5

Mahler was one of the great transitional figures in music history: his symphonies and
songs belong to the Classical-Romantic tradition that stretched from Haydn, Mozart,
Beethoven and Schubert through Berlioz,
Liszt, Wagner, Brahms and Bruckner; but the
innovations he made in orchestration and harmony, especially in his late works, had a powerful influence on the younger Viennese composers Schoenberg, Berg and Webern. Mahler
did most of the work on his five-movement
Fifth Symphony a massive work in both
length and instrumentation during the last
summer of his bachelorhood (1901) and the
first summer following his marriage to Alma
Schindler (1902). My time will come, said
Mahler of his music, which probably because
of its existential ambiguity only now, in the
nuclear age, has become an indispensable
part of the repertoire.

A 1. Trauermarsch. In gemessenem Schritt. 13:04

Streng. Wie ein Kondukt
B 2. Strmisch bewegt.
15:09
Mit grter Vehemenz

(18601911)

PART I

Mahler zhlt in der Musikgeschichte zu den

groen Komponisten des bergangs: Seine
Symphonien und Lieder gehren der klassischromantischen Tradition an, die von Haydn,
Mozart, Beethoven und Schubert bis zu Berlioz,
Liszt, Wagner, Brahms und Bruckner reicht,
aber seine Neuerungen auf dem Gebiet der
Orchestrierung und der Harmonik, besonders
in seinen Sptwerken, hatten groen Einfluss
auf die folgenden Wiener Komponisten Schnberg, Berg und Webern. Seine in Umfang und
Besetzung gewaltige fnfstzige Fnfte Symphonie entstand zum grten Teil whrend
seines letzten Sommers als Junggeselle (1901)
und des ersten Sommers nach seiner Heirat mit
Alma Schindler (1902). Meine Zeit wird kommen, sagte Mahler ber seine Musik. Vielleicht liegt es an ihrer existenziellen Mehrdeutigkeit, dass sie erst jetzt, im Atomzeitalter, aus
dem Repertoire nicht mehr wegzudenken ist.

PART II
C 3. Scherzo. Krftig, nicht zu schnell

18:05

PART III
D 4. Adagietto. Sehr langsam
E 5. Rondo-Finale. Allegro
Allegro giocoso. Frisch

11:52
15:19

Berliner Philharmoniker
HERBERT VON KARAJAN

1973 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 73:29

40

Modern | PArt 1

41

Vol. 73

DEBUSSY: LA MER | NOCTURNES

PRLUDE LAPRS-MIDI DUN FAUNE
Since his own day, Debussys musical style
has commonly been given the label Impressionism, a term borrowed rather loosely from
painting. Although its suitability for describing
music has often been disputed, it was given
credence by Debussy himself, who said that
music could render the play of light fluidly,
whereas painting could only present it statically and therefore unnaturally. The dreamlike
Prelude to the Afternoon of a Faun (1894)
made him famous in France, and its novel and
miraculously refined sonorities helped to
usher in the music of the 20th century.
Dreams are also central to the three Nocturnes
(1899), whose title is said to have been suggested by impressionist paintings by Whistler. A further breakthrough came with La Mer
(1905), three brilliantly constructed and

ten die Musik des 20. Jahrhunderts an. Trume

stehen auch im Mittelpunkt der drei Nocturnes
(1899), deren Titel angeblich von Whistlers
impressionistischen Gemlden angeregt
wurden. Ein weiterer Durchbruch gelang mit La

evocative seascapes. Only Stravinsky did as

much as Debussy to end the Austro-German
domination of European music.

Schon zu Debussys eigener Zeit beschrieb man

seinen Stil gerne mit dem Begriff Impressionismus, einem nicht ganz korrekt aus der
Malerei entlehnten Terminus. ber seine
Anwendbarkeit auf die Musik ist viel diskutiert
worden, aber Debussy selbst hat ihn quasi
autorisiert, indem er meinte, die Musik knne
das Spiel des Lichts in Bewegung wiedergeben, die Malerei dagegen nur statisch und
daher unnatrlich. Das traumartige Prlude
laprs-midi dun faune (1894) machte ihn in
Frankreich berhmt, und die neuartigen, wunderbar feinsinnigen Klnge des Stcks kndig-

42

Mer (1905), drei meisterhaft aufgebauten, suggestiven Seebildern. Nach Debussy leistete
erst wieder Strawinsky Vergleichbares, um die
sterreichisch-deutsche Dominanz in der europischen Musik zu beenden.

CLAUDE DEBUSSY

Vol. 74

(18621918)

DEBUSSY: SUITE BERGAMASQUE | PRLUDES

Nocturnes
A 1. Nuages
B 2. Ftes
C 3 . Sirnes

8:36
7:01

His teacher at the Paris Conservatoire was

quoted as saying: Debussy doesnt like the
piano much, yet few if any other keyboard
works of the 20th century have made as great
an impact as Debussys two sets of Images
(completed in 1905 and 1907) and two books
of Prludes (1910 and 1913). Whereas previous composers had used the piano to convey
solid musical ideas solidly and brilliant effects
brilliantly, Debussy used it for the vast range
of little explored sonorities that it could command, for its ability to suggest rather than
declare. Before him, only Liszt had pointed
towards the existence of such a path, but
Debussy was the first and most successful of
its explorers. The evocative Clair de lune
(Moonlight) from his Suite bergamasque, written when Debussy was only 28, has become
a popular classic.

10:01

Chur de lOrchestre de Paris

D Prlude laprs-midi dun faune

10:24

Michel Debost flute

La Mer
E 1. De laube midi sur la mer
F 2. Jeux de vagues
G 3. Dialogue du vent et de la mer

9:09
6:33
8:16

Orchestre de Paris
DANIEL BARENBOIM

1978 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 60:31

43

Debussys Lehrer am Pariser Conservatoire

wird gern mit der uerung zitiert: Debussy
liebt das Klavier nicht so sehr. Trotzdem gibt
es wenn berhaupt wenig andere Klavierstcke des 20. Jahrhunderts, die eine so
nachhaltige Wirkung hatten, wie Debussys
Images (zwei Bnde, vollendet 1905 und
1907) und Prludes (ebenfalls zwei Bnde,
1910 und 1913). Die Komponisten vor ihm
hatten das Klavier benutzt, um ihre konkreten
musikalischen Einflle konkret und die brillanten Effekte brillant klingen zu lassen; demgegenber entfaltet das Instrument bei Debussy
die ganze Bandbreite unerhrter Klnge, die
es hervorzubringen vermag, denn Debussy
schtzte besonders die Fhigkeit des Klaviers,
nur anzudeuten, statt zu erklren. Vor ihm
hatte es einzig bei Liszt Anstze hierzu gegeben, und Debussy war der erste und erfolgreichste all derer, die diese Richtung einschlu-

CD 1

CLAUDE DEBUSSY

gen. Das stimmungsvolle Clair de lune

(Mondschein) aus seiner Suite bergamasque,
ein Werk des erst 28-jhrigen Debussy, ist ein
beliebter Klassiker.

Prludes

Suite bergamasque

Book 1

M
N
O
P

(18621918)

A 3. Le vent dans la plaine

B 4. Les sons et les parfums tournent
dans lair du soir
C 5. Les collines dAnacapri
D 7. Ce qua vu le vent douest
E 8. La fille aux cheveux de lin
F 10. La cathdrale engloutie
G 12. Minstrels

2:23
4:36
3:00

1.
2.
3.
4.

Prlude
Menuet
Clair de lune
Passepied

Tams Vsry piano

3:31
3:07
7:00
2:13

Book 2
Feuilles mortes
La puerta del vino
General Lavine eccentric
La terrasse des audiences
du clair de lune
L 12. Feux dartifice
H
I
J
K

CLAUDE DEBUSSY

2.
3.
6.
7.

4:59
3:42
2:24
5:49
4:18

Dino Ciani piano

1970 ( M P ) / 1973 ( A L ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 63:22

44

4:02
3:30
5:16
3:32

Vol. 75

RICHARD STRAUSS

RICHARD STRAUSS: ALSO SPRACH ZARATHUSTRA

DON JUAN | TILL EULENSPIEGEL

Thus Spake Zarathustra

For 60 years Strauss was a dominant figure on

the European musical scene. By the age of 35,
he had become one of the most sought-after
conductors of his day and had composed such
celebrated symphonic poems as these three,
which graphically depict in ingenious, brilliantly orchestrated musical terms the exploits
of Don Juan and Till Eulenspiegel, and something of the poetry of Nietzsches Also sprach
Zarathustra (the stunning opening was featured in the film 2001, A Space Odyssey).
Later, he concentrated on opera, creating such
masterpieces as the controversial Salome,
based on Oscar Wildes play, Elektra and Der
Rosenkavalier.

(18641949)

Also sprach Zarathustra op. 30

Strauss war 60 Jahre lang eine bestimmende

Figur im europischen Musikleben. Mit 35
gehrte er zu den gesuchtesten Dirigenten
seiner Zeit und hatte bereits etliche berhmte
Symphonische Dichtungen geschrieben, darunter auch die vorliegenden drei. In ihnen
umreit er in genialer, brillant orchestrierter
Tonsprache die Grotaten des Don Juan und
des Till Eulenspiegel sowie Teile aus Nietzsches Also sprach Zarathustra (der atemberaubende Anfang erklang auch in dem Film
2001: Odyssee im Weltraum). Spter konzentrierte er sich auf Opern und schrieb Meisterwerke wie die umstrittene Salome (nach Oscar
Wildes gleichnamigem Schauspiel), Elektra
und Der Rosenkavalier.

A Introduction

1:45

B Von den Hinterweltlern | Of the backworldsmen

3:39

C Von der groen Sehnsucht | Of the great longing

2:01

D Von den Freuden und Leidenschaften | Of joys and passions

1:50

E Das Grablied | The song of the grave

2:16

F Von der Wissenschaft | Of science and learning

4:58

G Der Genesende | The convalescent

5:18

H Das Tanzlied | The dance song

8:04

I Nachtwandlerlied | Song of the night wanderer

5:01

Michael Schwalb solo violin

J Don Juan op. 20

17:37

Thomas Brandis solo violin

K Till Eulenspiegels lustige Streiche op. 28

15:10

Till Eulenspiegels Merry Pranks

Berliner Philharmoniker
KARL BHM

1958 ( A I ) / 1963 ( J K ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 67:50

45

Vol. 76

RICHARD STRAUSS

RICHARD STRAUSS: DEATH AND TRANSFIGURATION

FOUR LAST SONGS | CAPRICCIO

A Tod und Verklrung op. 24

Strauss was just 26 when he conducted the

first performance of Death and Transfiguration, which uses a huge orchestra to depict
the dying hours of an artist in the most
vivid musical terms imaginable. Near the end
of his long life, he recalled this tone poem in
one of his sublime Four Last Songs. And on his
deathbed he observed: Dying is just as I composed it in Death and Transfiguration. A few
years earlier, at the height of World War II,
Strauss had taken leave of his beloved lyric
theatre with Capriccio, an opera about opera
itself. After the premiere, he remarked with
tear-filled eyes, Its the best I can do.

(18641949)
22:13

Death and Transfiguration

Four Last Songs

G
H
I
J

Staatskapelle Dresden
KARL BHM

Capriccio op. 85 (final scene)

Strauss war erst 26, als er die Urauffhrung

von Tod und Verklrung dirigierte. Das Stck
erfordert ein riesiges Orchester, um die
Todesstunde eines Knstlers zu schildern.
Gegen Ende seines langen Lebens zitierte er
diese Tondichtung in einem der erlesenen Vier
letzten Lieder. Und auf dem Sterbebett stellte
er fest: Sterben ist genauso, wie ich es in Tod
und Verklrung geschrieben habe. Einige
Jahre zuvor, mitten im Zweiten Weltkrieg, hatte Strauss sich mit Capriccio, einer Oper ber
die Oper, von seinem geliebten Musiktheater
verabschiedet. Fr ihn war es sein Testament
nach wie vor der beste und wrdigste
Abschluss [des Opernschaffens].

Vier letzte Lieder

B Mondschein-Musik | Moonlight music 3:09

C Wo ist mein Bruder?
3:07
(Countess, Majordomo)

D Kein andres, das mir so im Herzen loht 4:29

Frhling
September
Beim Schlafengehen
Im Abendrot

Gundula Janowitz soprano

Berliner Philharmoniker

HERBERT VON KARAJAN

(Countess)

E Ihre Liebe schlgt mir entgegen

4:01

(Countess)

F Du Spiegelbild
der verliebten Madeleine

5:57

(Countess, Majordomo)

Gundula Janowitz soprano

Karl Christian Kohn bass
Symphonieorchester
des Bayerischen Rundfunks
KARL BHM

1972 ( B F ) / 1974 ( G J )/1988 ( A ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 65:23

46

4:04
4:54
6:17
7:04

Vol. 77

PUCCINI: LA BOHME
Puccini belonged to the last of five generations
in a family of musicians. He was also the last
Italian composer to conquer the stages of the
world. Yet his best-loved work, La bohme,
based on episodes from Henri Murgers novel
Scenes of Bohemian Life, flopped at its premiere in Turin in 1896; It wont make the
rounds, wrote a prominent critic. Not until a
few months later in Palermo did the opera triumph even though the superstitious conductor was nervous about the premiere taking
place on Friday the 13th. From that moment
La bohmes fame spread like wildfire. Now
that the world has had a century in which to
get to know it, there can be no doubt that the
opera has hardly any unhummable tunes or
that it is as solidly crafted as a battleship. Puccini gave each character a strong musical
individuality (Rodolfos lan, Mims sweetness
and fragility, Marcellos hot-headedness,

RICHARD STRAUSS

47

Musettas coquettishness, Collines pessimism) and created a series of atmospheric

scenes with the unerring instinct of the consummate man of the theatre.

Puccini gehrte der letzten von fnf Musikergenerationen in seiner Familie an. Ferner
eroberte er als erster italienischer Komponist
auch die Opernbhnen auerhalb seiner Heimat. Und doch fiel sein beliebtestes Werk, La
bohme nach Henri Murgers Novelle Bohme.
Szenen aus dem Pariser Leben bei der Urauffhrung in Turin im Jahre 1896 durch: Das
Stck wird es nicht weit bringen, schrieb ein
prominenter Kritiker. Erst einige Monate spter
in Palermo erlebte die Oper einen Triumph
auch wenn der aberglubische Dirigent nervs
war, weil die Auffhrung an einem Freitag den
13. stattfand. Fortan verbreitete sich der Ruhm

GIACOMO PUCCINI
von La bohme wie ein Lauffeuer. Mittlerweile
hat die Welt ein Jahrhundert lang Gelegenheit
gehabt, das Stck kennenzulernen, und es
kann keinen Zweifel mehr daran geben, dass
man jede Melodie mitsummen knnte und dass
ass
die Musik nicht kaputt zu kriegen ist. Puccini
cini
arbeitete jede Figur musikalisch deutlich hereraus (Rodolfo voller Elan, Mim lieb und zererbrechlich, Marcello hitzkpfig, Musetta kokett,
ett,

Colline pessimistisch) und schuf mit dem

sicheren Instinkt des versierten Theatermannes eine atmosphrisch dichte Szenenfolge.

(18581924)

La bohme (highlights)

ACT II

Mim Angelina Raux

Musetta
Rodolfo
Marcello
Schaunard
Colline Paul Plishka
Alcindoro

I Aranci, datteri! Caldi i marroni!

Barbara Daniels
Jerry Hadley
Thomas Hampson
James Busterud

1:20
(Schaunard, Musetta, Alcindoro, Colline, Rodolfo, Mim)

K Quando men vo (Musetta, Marcello,

Questo Mar Rosso (Marcello, Rodolfo, Colline)

Io resto (Rodolfo, Marcello, Colline, Schaunard)
Non sono in vena (Rodolfo, Mim)
Si sente meglio? (Rodolfo, Mim)
Che gelida manina (Rodolfo)
S. Mi chiamano Mim (Mim, Rodolfo)
Ehi! Rodolfo!

ACT III
M Mim una civetta (Rodolfo, Marcello)
N Mim tanto malata!

1:24
1:54

(Rodolfo, Marcello, Mim)

O Mim di serra fiore

5:54

P Donde lieta usc (Mim)

Q Dunque proprio finita!

1:38

2:49
5:14
5:23

3:14
6:03

(Rodolfo, Mim, Marcello, Musetta)

0:57
1:43

ACT IV
R Sono andati? Fingevo di dormire

6:22

(Mim, Rodolfo)

S Oh Dio! Mim!

0:46

2:57

(Rodolfo, Schaunard, Mim, Musetta, Marcello)

T Che ha detto il medico?

4:27

1988 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 65:50

48

2:35

chorus, Marcello, Musetta, Mim)

(Rodolfo, Mim, Marcello)

(Schaunard, Colline, Marcello, Rodolfo, Mim)

H O soave fanciulla (Rodolfo, Marcello, Mim)

5:40

Alcindoro, Mim, Rodolfo, Schaunard, Colline)

Gimi Beni

ACT I

GIACOMO PUCCINI

J La commedia stupenda!

L Il conto?! (Rodolfo, Schaunard, Colline,

Coro e Orchestra
dellAccademia Nazionale di Santa Cecilia
Coro di voci bianche dellARCUM
LEONARD BERNSTEIN

A
B
C
D
E
F
G

2:28
(chorus, Schaunard, Colline, Rodolfo, Mim, Marcello)

3:02
(Rodolfo, Marcello, Musetta, Schaunard, Colline)

Vol. 78

GIACOMO PUCCINI

PUCCINI: TOSCA | NESSUN DORMA

Tosca (highlights)

Tosca (1900), based on a wildly successful

French play starring the great Sarah Bernhardt, is full of soaring melodies and stunning
orchestral effects. It is also shot through with
elemental passions, graphic violence and
sexual innuendo. An influential critic once dismissed it as that shabby little shocker, but
hardly an opera house in the world can do
without Tosca. Puccinis taste for the exotic
culminated in the Chinese fantasy Turandot,
left incomplete at his death in 1924. In Nessun dorma, the operas most famous
moment, Prince Calaf exults in his confidence
of winning the icy princess Turandot.

Floria Tosca
Mario Cavaradossi
Baron Scarpia
Cesare Angelotti
Spoletta
The sacristan
Sciarrone / A jailer

Tosca (1900) basiert auf einem in Frankreich

ungeheuer erfolgreichen Schauspiel, in dem
die groe Sarah Bernhardt die Hauptrolle spielte. Die Oper ist voller weitgespannter Melodien
und verblffender Orchestereffekte. Darber
hinaus ist das Stck geprgt von elementaren
Leidenschaften, drastischer Gewalt und sexuellen Anspielungen. Ein einflussreicher Kritiker
tat es als diesen schbigen kleinen Schocker
ab, aber kaum ein Opernhaus in der ganzen
Welt kommt ohne Tosca aus. Die chinesische
Fantasie Turandot, die Puccini bei seinem Tod
1924 unvollendet hinterlie, zeigt ihn auf dem
Hhepunkt seiner Vorliebe frs Exotische. In
Nessun dorma, der berhmtesten Arie der
Oper, zeigt sich Prinz Kalaf zuversichtlich, die
eiskalte Prinzessin Turandot fr sich gewinnen
zu knnen.

(18581924)
ACT II

Katia Ricciarelli
Jos Carreras
Ruggero Raimondi
Gottfried Hornik
Heinz Zednik
Fernando Corena
Victor von Halem

Chor der Deutschen Oper Berlin

Schneberger Sngerknaben
Berliner Philharmoniker
HERBERT VON KARAJAN

5:26

(Angelotti, sacristan, Cavaradossi)

B Recondita armonia

7:44

(Tosca, Cavaradossi)

D Ah, quegli occhi!

5:56
Qualocchio al mondo (Tosca, Cavaradossi)
E Tre sbirri, una carozza
4:46
(Scarpia, Spoletta, chorus)

G Ors, Tosca, parlate Non so nulla!

H Nel pozzo, nel giardino

0:37

(Tosca, Scarpia, Sciarrone)

I Vissi darte (Tosca, Scarpia)

J E qual via scegliete? (Scarpia, Tosca)

K
L
M
N
O
P

Mario Cavaradossi? (jailer, Cavaradossi)

E lucevan le stelle (Cavaradossi)
O dolci mani (Cavaradossi, Tosca)
E non giungono (Tosca, Cavaradossi, jailer)
Come lunga lattesa! (Tosca)
Presto, su Mario! (Tosca, chorus)

3:55
6:39

6:49
3:24
6:06
2:54
2:41
1:27

Turandot
Q Nessun dorma (Calaf, chorus)

Plcido Domingo tenor

Wiener Staatsopernchor
Wiener Philharmoniker
HERBERT VON KARAJAN

1980 ( A P ) / 1982 ( Q ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 73:24

49

3:18

(Scarpia, Tosca, Cavaradossi, Spoletta)

3:55

(Cavaradossi, sacristan)

C Mario! Mario! Son qui!

4:14

(Scarpia, Tosca)

ACT III

ACT I
A Ah! Finalmente!

F Ed or fra noi parliam da buoni amici

3:25

Vol. 79

ELGAR: ENIGMA VARIATIONS

HOLST: THE PLANETS
Elgar was the pre-eminent English Romantic
composer, whose undying achievements
range from the universally famous first Pomp
and Circumstance March (Land of Hope and
Glory) to outstanding concertos for violin and
cello and the magnificent oratorio The Dream
of Gerontius, arguably his masterpiece. The
Enigma concealed in the superb orchestral
variations that brought him international fame
in 1899, when he was already in his 40s, has
puzzled listeners for generations. Holst,
another outstanding British composer of the
early 20th century, also waited for recognition
until he was past 40. But the phenomenal success in 1918 of his brilliant suite The Planets,
born of his interest in astrology and written for
a mammoth orchestra, dismayed the modest
schoolmaster, who now had to contend with

bedeutender britischer Komponist des frhen

20. Jahrhunderts, musste sich bis in seine
Vierziger hinein gedulden, bis er den Durchbruch schaffte. Dann aber litt der bescheidene
Schullehrer Holst beinahe unter dem spektakulren Erfolg seiner brillanten Suite The Pla-

tumultuous applause, gushing admirers and

reporters hungry for gossip.

Elgar war der herausragende englische Komponist der Romantik. Seine unsterblichen Werke reichen vom bekannten Marsch Nr. 1 aus
Pomp and Circumstance (Land of Hope and
Glory) ber die herrlichen Solokonzerte fr
Violine und Cello bis hin zu seinem groartigen
Oratorium The Dream of Gerontius, das zweifellos sein Meisterwerk darstellt. Das Rtsel
hinter den sublimen Enigma-Variationen fr
Orchester, die 1899 (Elgar war bereits in seinen Vierzigern) seinen internationalen Ruhm
begrndeten, hat mehrere Generationen von
Hrern beschftigt. Auch Holst, ebenfalls ein

50

nets von 1918, die seinem Interesse fr Astrologie entsprang und fr ein gigantisches
Orchester geschrieben ist, denn fortan musste
er mit tosendem Beifall, berschwnglichen
Bewunderern und klatschhungrigen Reportern
fertig werden.

EDWARD ELGAR

GUSTAV HOLST

(18571934)

Variations on an Original Theme

Enigma op. 36
A
B
C
D
E
F
G
H
I
J
K
L
M
N
O

Enigma. Andante
1. (C.A.E.). Listesso tempo
2. (H.D.S.-P.). Allegro
3. (R.B.T.). Allegretto
4. (W.M.B.). Allegro di molto
5. (R.P.A.). Moderato
6. (Ysobel). Andantino
7. (Troyte). Presto
8. (W.N.). Allegretto
9. (Nimrod). Adagio
10. Intermezzo (Dorabella). Allegretto
11. (G.R.S.). Allegro di molto
12. (B.G.N.). Andante
13. Romanza (***). Moderato
14. Finale (E.D.U.). Allegro Presto

(18741934)

The Planets op. 32

1:32
1:43
0:49
1:26
0:31
1:54
1:21
0:59
1:59

P
Q
R
S
T
U
V

Mars, the Bringer of War

Venus, the Bringer of Peace
Mercury, the Winged Messenger
Jupiter, the Bringer of Jollity
Saturn, the Bringer of Old Age
Uranus, the Magician
Neptune, the Mystic

6:37
7:28
4:00
8:03
7:49
5:28
6:46

New England Conservatory Chorus

Boston Symphony Orchestra
WILLIAM STEINBERG

5:05
2:44
1:00
2:37
2:58

EDWARD ELGAR

5:23

London Symphony Orchestra

EUGEN JOCHUM

GUSTAV HOLST

1971 ( P V ) / 1975 ( A O ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 78:12

51

Vol.
CD 180

RACHMANINOV: PIANO CONCERTO NO. 3

SCRIABIN: LE POME DE LEXTASE
Under the domination of his Moscow teachers,
Rachmaninov developed into a virtuoso pianist
and composer. The failure of his First Symphony plunged him into deep depression, and
he finally turned to a hypnotist for help. Years
of touring followed, and with the 1917 Revolution he left Russia for good, finally settling in
the USA, where he enjoyed a brilliant concert
career. With the first performance of his Third
Piano Concerto in 1909, Rachmaninov presented his listeners in New York with a bravura work, surpassing in pianistic splendour
and range of expression everything that had
come before it. Scriabin, a fellow pupil of
Rachmaninov, was pampered, frail and elitist,
and held himself to be a godlike creator. The
idea of reincarnation in a mystical act, amalgamated with Nietzsches doctrine of God-

Publikum in New York ein Bravourstck, das

an pianistischer Brillanz und Ausdrucksreichtum alles Frhere in den Schatten stellte.
Skrjabin, ein Mitschler Rachmaninows, war
verzrtelt, gebrechlich und elitr und hielt sich
fr einen gottgleichen Schpfer. Der Gedanke
der Reinkarnation in einem mystischen Akt,

man, came to dominate Scriabins thinking

and influenced the spirit of compositions such
as the Poem of Ecstasy (1908).

Unter der strengen Aufsicht seiner Moskauer

Lehrer entwickelte sich Rachmaninow zum
Klaviervirtuosen und Komponisten. Der Misserfolg seiner Ersten Symphonie strzte ihn in
eine so tiefe Depression, dass er schlielich
einen Hypnotiseur konsultierte. Die darauf folgenden Jahre standen im Zeichen von Konzertreisen; nach der Revolution von 1917 kehrte er
Russland endgltig den Rcken und lie sich
schlielich in den USA nieder, wo er eine steile Karriere als Konzertpianist machte. Mit der
Urauffhrung seines Dritten Klavierkonzerts im
Jahre 1909 prsentierte Rachmaninow seinem

verquickt mit Nietzsches Lehre vom bermenschen, beherrschte schlielich Skrjabins Denken und beeinflusste die Konzeption von Werken wie des Pome de lextase (1908).

SERGEI RACHMANINOV
ALEXANDER SCRIABIN

52

With special thanks to Mark Lewis and Tina Poyser at Sinfini Music
This Edition 2013 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin
Project Manager: David Butchart

SERGEI RACHMANINOV

(18731943)

Booklet Editor: Eva Reisinger

Texts for each volume: Richard Evidon
German translations: Stefan Lerche

Piano Concerto No. 3 in D minor op. 30

A 1. Allegro ma non tanto
B 2. Intermezzo. Adagio
C 3. Finale. Alla breve

17:47
12:09

Cover photos & illustrations

Initial P from a Gothic antiphonary, second half of 14th century akg-images / Erich Lessing
Portrait of Johann Sebastian Bach akg / De Agostini Pict. Lib.
Harpsichord Kennedy Harpsichords
Violin akg-images / Rabatti Domingi
Stereo unit shutterstock / Ensuper
Bacchant with tambourine, Roman mosaic, early 3rd century akg-images / Gilles Mermet
Ballerina shutterstock / Igor Bulgarin
Chorus shutterstock / Ferenc Szelepcsenyi
Gramophone shutterstock / velora
Sheet music shutterstock / Steve Smith
Portrait of Igor Stravinsky: all rights reserved

14:20

Tams Vsry piano

London Symphony Orchestra
YURI AHRONOVITCH

ALEXANDER SCRIABIN

(18721915)

D La Pome de lextase op. 54

20:25

New York Philharmonic

GIUSEPPE SINOPOLI

Booklet photos & illustrations

p. 11: Dirck van Baburen, Musician with lute, 1622 akg-images
p. 12 shutterstock/Martin Good
p. 22: Bacchant with tambourine, Roman mosaic, early 3rd century akg-images / Gilles Mermet
p. 23 shutterstock / Ferenc Szelepcsenyi
Composer sketches SinfiniMusic.com
Art Direction: Merle Kersten
Design: Fred Mnzmaier
www.deutschegrammophon.com/history100

1977 ( A C ) / 1989 ( D ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 64:49

53

54

Deutsche Grammophon & Touch Press

Release Beethovens 9th Symphony
Reinvented for iPad and iPhone
four legendary performances:
Fricsay, Karajan,
Bernstein, Gardiner

51 CDs 00289 479 1042

50 CDs 00289 479 1049

55 CDs 00289 479 1045

82 CDs 00289 479 1577

switch seamlessly
between recordings at any
point in the music
synchronized scores and
expert commentaries
interviews with
eminent personalities

Join our activities

and download
free material

Visit: www.deutschegrammophon.com/beethoven9-app

my. deutschegrammophon. com

55

myDG