Revista Art Notes 18

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ARTE Y CULTURA
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Yellice Virgez Mrquez
Despus de un semestre, bien cargado de eventos; Basel, Mnster, Kassel, Venecia, Estambul o Pars, se cierra el ao con Art Basel Miami Beach, feria especular de la suiza, que
ya se ha consolidado como referente dentro del mercado americano y mximo exponente
del arte latinoamericano. Es inevitable que ferias como la de Miami, ofrezcan tanto para
el profesional, como para el pblico interesado, una ocasin ms para analizar la capacidad
de reinvencin del propio arte. Son ms de 200 las galeras seleccionadas para esta feria,
un buen abanico para ver lo que nos ofrecen todos aquellos que tienen algo que decir dentro del mundo del arte. Un ao ms, ART NOTES, mantiene su presencia en esta feria en
el apartado de publicaciones especializadas, haciendo su particular aportacin a la presencia espaola en la feria.
Mientras, en nuestro pas, seguimos enredados, domsticamente, con cribas y repescas en
la seleccin de ARCO, en donde casi nadie est de acuerdo, excepto aquellos o aquellas
(galeras) que hayan tenido la suerte y fortuna de formar parte de la ltima seleccin. Seguimos, as mismo, con las cbalas sobre la direccin del Museo Reina Sofa, que apunta
a resolverse en breve; y eso esperamos, por el bien de que debera ser el referente estatal
de los museos-centros de arte en Espaa.
Por otra parte, desde Galicia, el MARCO (Museo de Arte Contemporneo de Vigo) cumple
sus primeros cinco aos, conmemorados largamente, razn por la cual hemos aprovechado
para charlar con su director Iaki Martnez Antelo, y as valorar el papel que cumple este
museo en el contexto gallego y espaol. Igual que el DA2 (Salamanca) o el MEIAC (Badajoz), el MARCO ocupa un espacio, antao penitenciario, que hoy se redime en espacio cultural, cuestin sta convertida en un estigma dentro del arte, ya que otras intenciones
semejantes, parecen aflorar en el panorama artstico nacional. De algn modo, parece, que
cuando no se sabe que hacer con un viejo y peculiar o particular edificio, dedicado a los
ms tristes menesteres, lo ms sencillo y ocurrente, es transformarlo en centro de arte;
luego ya se ver como se cumple con la demanda. As, esta penitencia nos hace pensar,
sobre cmo podrn redimirse aquellos faranicos edificios, creados bajo intereses polticos
y tendenciosos como espacios para el arte y la cultura, y que hoy caminan despojando a
su paso diferentes presupuestos pblicos y sin rumbo ntido. ART NOTES, en este nmero
inicia una colaboracin con la Fundacin Caixa Galicia en la difusin y promocin de arte
y artistas, con el patrocinio de la seccin, Proyecto que ya hace aos venia ejerciendo
nuestra publicacin; bienvenida sea esta nueva etapa.
After the last semester, full of events; Basel, Mnster, Kassel, Venice, Istanbul or Paris, the year
ends with Art Basel Miami Beach, a specular fair of the Swiss one acting as a referent within
the American market, and an all-time exponent of Latin American art.
It is inevitable that some fairs, for instance Miami, give the professionals and the public the
opportunity to analyse the reinvention capacity of art. There are more then 200 galleries selected for this fair, a wide range to see what all those that have something to say within the
art world can show us. Once more, ART NOTES is present again at this fair in the section of
specialized publications, with a particular contribution to the Spanish presence at the fair.
Meanwhile, in our country, we are getting domestically involved, with the sifting and repetitions, in the selection of ARCO with which almost nobody agrees, except those that luckily have
been part of the last selection. We also go on speculating about the direction of the Museum
Reina Sofa and everything points to be solved briefly; we hope so, since it should act as the
state referent of the art centres-museums in Spain.
On the other hand, in Galicia, it is the fifth anniversary of the MARCO (Museo de Arte Contemporneo from Vigo), commemorated for a long time, and for that reason we have made
good use of this occasion to talk to the director Iaki Martnez Antelo, and thus value the role
of this museum. Just as DA2 (Salamanca) or the MEIAC (Badajoz), the MARCO occupies an
old penitentiary space, and nowadays redeems as a cultural one; a question transformed into
a stigma within art, since any similar intentions seem to be appearing in the national artistic
field. Somehow, it seems that when an old and peculiar building dedicated to the saddest
business is useless, the simplest and most intelligent thing to do is to become it an art centre;
then lets see how they comply with the demand. So this penitence makes us think about how
those Pharaonic buildings, created for political and tendentious reasons as spaces for art and
culture, can redeem; those which nowadays walk stripping different public budgets aimlessly.
ART NOTES in this issue starts to collaborate with the Foundation Caixa Galicia in the diffusion
and promotion of art and artists, with the sponsorship of the section Proyecto our publication
had taken over for years; welcome this new period.
Traduccin
Olga M Moreiro
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Culturales de Espaa (ARCE)
Esta revista ha recibido una ayuda de la Direccin

del libro, archivos y Bibliotecas, para su difusin
en bibliotecas, centros culturales y Universidades de Espaa
ENTREVISTA_ IAKI MARTNEZ ANTELO [7-10]

PROYECTO [11-13]
MIRADAS [14-15] [24-25] [44-45] [62-63]
EXPOSICIONES NACIONALES [19-61]
NEW YORK [64-66]
INTERNACIONAL [67-77]
CULTURA [81-86]
CONVOCATORIAS [88-91]
AGENDA [92-95]
Portada: Doris Salcedo. Shibboleth.Tate Modern (Londres) Foto: Tate
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Una grieta recorre los 167 metros de longitud de la
Turbine Hall, la monumental sala que da entrada a la
Tate Modern. La grieta (la obra) comienza con la finura de un cabello para poco a poco ensancharse, ramificarse, hacerse ms profunda. Esta fractura, esta
herida abierta, obliga al espectador a centrar su mirada en el suelo, olvidndose por unos instantes de la
grandiosidad del lugar quebrado. Al limitar su intervencin al suelo, Doris Salcedo subvierte sutilmente el
protagonismo mayesttico de la Turbine Hall. La Tate
Modern, institucin clave de la contemporaneidad
europea mainstream, aparece como vctima de un
terremoto, de una violenta sacudida que amenaza sus
cimientos.
A esta potica obra, de mltiples posibles interpretaciones, la artista no ha dudado en dar un significado
preciso: representa las fronteras, la experiencia de
los immigrantes, de la segregacin, del odio racial.
El ttulo, Shibboleth, es una expresin bblica que se
refiere una palabra que slo los miembros de un
determinado grupo pueden pronunciar. Es decir que
shibboleth es una palabra que define quin pertenece a un grupo y quin est excluido, es una frontera
lingstica. La obra busca retratar el legado de racismo y colonialismo que sustenta la modernidad europea, aqu representada por la Tate Modern.
Con esta grieta la artista busca despojar al edificio de
su impasible seguridad, marcar los conflictos que forman parte de la institucin-museo. Que la Tate Modern
haya comisionado, albergue y celebre Shibboleth nos
lleva a formular preguntas sobre las capacidades reales de las instituciones artsticas para reflexionar
sobre s mismas sin engullir ni rebajar el tono de las
propuestas ms crticas.
El arte activista de los aos sesenta y setenta ya seal las exiguas posibilidades de una obra para resistir la
asimilacin sin consecuencias por parte del monstruomuseo. Shibboleth no parece que pueda ser una
excepcin.
Shibboleth opera como metfora de la situacin poltica contempornea. Al mirar dentro de la grieta, que
llega a alcanzar o simular gran profundidad, se percibe una red de vallas metlicas revueltas.
La valla metlica es, segn Salcedo, el medio ms
comn hoy para definer fronteras y divisiones. Este
amasijo de vallas aparece como una arqueologa de
las zonas de exclusin que se multiplican por nuestro
mundo: las imponentes vallas de Ceuta y Melilla, de la
frontera entre Estados Unidos y Mxico, de la crcel
fuera de toda jurisdiccin de Guantanamo Bay, etc. La
presencia de este smbolo de las segregaciones contemporneas funciona como una referencia sutil y
evocadora. Shibboleth se une as al coro de obras de
Doris Salcedo que buscan ejercer una funcin de
memoria activa de nuestro presente.
En sus trabajos sobre la violencia en Colombia, su pas
natal, Salcedo trabaja a partir de entrevistas con
supervivientes, vctimas y familiares. Crea esculturas
con objetos cotidianos (mesas, sillas, ropa) que buscan ser memoriales que respiren el silencio de recuerdos personales frente a la frialdad de monumentos oficiales. En Shibboleth es la experiencia de los immigrantes que aparece como origen de la obra.
Salcedo pregunta: la cultura europea est supuestamente amenazada por immigrantes ilegales, pero fue
construida con el trabajo, de quin?
Manuel Ramos
Shibboleth ocupar la Turbine Hall de la Tate Modern de

Londres hasta abril de 2008.
A fissure covers the 167 metres length of the Turbine

Hall, the monumental room of the Tate Modern. The fissure (the piece) starts with the fineness of a hair and it
gets wider, branches out, makes deeper bit by bit.
This fissure, this open wound, makes the spectator focus
their eyes in the floor, forgetting the greatness of the
broken place for some moments. When limiting her
intervention in the floor, Doris Salcedo subtly subverts
the majestic leading role of the Turbine hall. The Tate
Modern, a key institution of the European
Contemporaneity mainstream, appears as the victim of
an earthquake, of a violent shake threatening the foundations.
This poetic piece, with multiple possible interpretations,
has been given a meaning by the artist: it represents
the frontiers, the experience of the immigrants, the segregation, the race hatred. The title, Shibboleth is a Bible
expression referring to a word that only the members of
a particular group can pronounce.
That is, Shibboleth is a word that defines those belonging to the group and those that are excluded, it is a linguistic frontier. The piece tries to portray the legacy of
racism and colonialism sustaining European modernity,
here represented by the Tate Modern. With this fissure
the artist tries to strip the building of its impassive safeness, accentuating the conflicts that are part on the
museum-institution.
The fact that the Tate Modern has commissioned, hosts
and celebrates Shibboleth leads us to asks questions
about the real capacities of artistic institutions to reflect
on themselves without gobbling or reducing the tone of
the most critical proposals.
The activist art of the sixties and seventies had already
pointed out the tiny possibilities of a piece to resist the
assimilation without any consequences on the part of
the museum-monster. Shibboleth does not seem to be
an exception.
Shibboleth acts as a metaphor of the contemporary
political situation. When looking inside the fissure, which
is very deep or at least it simulates that, you can see a
network of metal fences mixed up. The metal fence is,
according to Salcedo, the most common medium to
define frontiers and divisions nowadays. This mixture of
fences appears as the archaeological representation of
the exclusion areas that multiply in our world: the great
fences in Ceuta and Melilla, the frontier between the
USA and Mexico, the prison out of the administrative
area of Guantanamo Bay, etc.
The presence of this symbol of contemporary segregations acts as a subtle and evocating reference.
Shibboleth joins the other pieces of Doris Salcedo trying
to act as an active memory of our present.
In her pieces about violence in Colombia, her native
country, Salcedo works from the interviews with survivors, victims and relatives. She creates sculptures with
quotidian objects (tables, chairs, clothes) trying to be
the memorials breathing the silence of personal memories against the coldness of the official monuments. In
Shibboleth the experience of the immigrants appears as
the origin of the piece. Salcedo asks: Is European culture supposedly threatened by illegal immigrants? But
whose work was it built with?
Shibboleth will occupy the Turbine Hall at the Tate

Modern in London until April 2008.
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ROBERT WILSON. ABSOLUTE WILSON

Absolute Wilson (2006)
Absolute Wilson (2006) es pelcula documental que desvela la sorprendente experiencia vital y profesional de Robert
Wilson, excelente director, escengrafo y dramaturgo. De
este modo, se desvelan conexiones entre vida y obra de
este autor, las experiencias vitales de Wilson, y sobre el
poder transformador de la creatividad. Su fascinante universo teatral sorprende por sus innovadoras puestas en
escena, el uso de la iluminacin, o el trabajo actoral. Robert
Wilson es conocido por forzar los lmites del teatro. Sus trabajos destacan por su esttica austera, movimientos parsimoniosos y frecuentemente enormes en cuanto al espacio y tiempo. En este documental se muestran sus fuentes
de inspiracin, sus primeros xitos, la creacin de la Byrd
Hoffman School of Byrds, una comunidad teatral utpica o
el viaje a Irn para montar KA MOUNTain and GUARDenia
Terrace una obra que duraba 7 das ininterrumpidos.
Absolute Wilson tambin presta atencin a obras como The
CIVIL WarS que visibiliza su compromiso con los derechos
civiles (fue nominado al Pulitzer de teatro) o Deafman
Glance que le sirvi para demostrar el poder integrador y
terapeutico del teatro para los nios con deficiencias fsicas
y mentales. Se han presentado amplias retrospectivas en
el Centro Georges Pompidou, en Pars, y en el Museo de
Bellas Artes de Boston. Ha montado instalaciones en el
Museo Stedelijk, en Amsterdam; en las Clink Street Vaults
de Londres, y en los Museos Guggenheim de Nueva York y
Bilbao. Su extraordinario tributo a Isamu Noguchi ha sido
expuesto en el Museo de Arte de Seattle y su instalacin
para el Guggenheim de la retrospectiva sobre Giorgio
Armani se ha visto en Londres, Roma y Tokio.
Absolute Wilson est dirigida por Katharina Otto-Bernstein,
de coproduccin estadounidense-alemana, con guin de la
propria directora. En ella participan adems de Robert
Wilson, algunos de los compositores y cantantes que colaboraron con l, como Tom Waits, que ha colaborado en el
mtico The Black Rider y Woyzeck, el compositor minimalista Philip Glass, en Einstein on the Beach, the CIVIL WarS y
otros muchos trabajos o David Byrne (Talking Heads) que
particip en The Knee Plays y The Forest. Del mismo modo,
tambin participa el escritor WILLIAM BURROUGHS que particip en The Black Rider y Susan Sontag amiga y colaboradora de Robert Wilson, recientemente fallecida a quin se le
dedica Absolute Wilson.
La poltica y la religin pueden dividir a los hombres, pero el arte
nos acerca. Por eso creo en el arte apasionadamente.
Robert Wilson
Absolute Wilson (2006)
Absolute Wilson (2006) is a documental film revealing the

surprising life and professional experience of Robert
Wilson, an excellent director, stage designer and dramatist. This way, the connections between the life and work
of this author, life experiences of Wilson and about the
transforming power of creativity are revealed. His fascinating theatre universe surprises us because of the innovating stagings, the use if lighting or the work as an actor. His
works are famous for their austere aesthetic, unhurried
movements and often huge regarding space and time.
This documental shows his inspiration sources, his first
successes, the creation of the Byrd Hoffman School of
Byrds, a utopian theatre community or the trip to Iran to
stage KA MOUNTain and GUARDenia Terrace, a play lasting seven days continuously.
Absolute Wilson also pays attention to some pieces such
as The CIVIL WarS, which shows his commitment with the
civil rights (he was nominated for the Pulitzer in theatre)
or Deafman Glance, which served him to show the integrating and therapeutic power of theatre for physically and
mentally handicapped children. There have been many
retrospectives at the Centre Georges Pompidou in Paris
and at the Museum of Fine Arts in Boston. He has made
installations at the Mueum Stedelijk in Amsterdam, at the
Clink Street Vaults in London and at the Museums
Guggenheim in New York and Bilbao. His wonderful tribute
to Isamu Noguchi has been exhibited at the Art Museum
in Seattle and his installation of the retrospective on
Giorgio Armani for the Guggenheim has been seen in
London, Rome and Tokyo.
Absolute Wilson was directed by Katharina Otto-Bernstein,
with a American-German co-production, and the script by
the director herself. In this work as well as Robert Wilson,
some of the composers and singers that have collaborated with him such as Tom Waits, who has collaborated with
him in the mythic The Black Rider and Woyzeck; the minimalist composer Philip Glass, in Einstein on the Beach, the
CIVIL WarS and many other works; or David Byrne
(Talking Heads) who took part in The Knee Plays y The
Forest, also took part in the film. Furthermore, the writer
William Burroughs, who participated in The Black Rider,
and Susan Sontag, a friend and collaborator who recently
died and the person to whom Absolute Wilson is dedicated, are also present.
Politics and religion can separate men, but art approaches us. For
that reason I believe in art passionately. Robert Wilson
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IAKI
MARTNEZ ANTELO
El Museo de Arte Contemporneo de Vigo
(MARCO) cumple cinco aos. Hemos charlado con
su actual director Iaki Martnez Antelo sobre esta
institucin; un profesional con experiencia en
comisariado y coordinacin de exposiciones y
publicaciones, primero en el Centro Galego de Arte
Contempornea (CGAC), el Auditorio de Galicia
(Santiago de Compostela) o la Casa Asia
(Barcelona). Poco despus de la inauguracin del
MARCO forma parte de su equipo, y desde hace
dos aos est al frente de su direccin. Junto a un
mnimo, pero efectivo, equipo de trabajo han
conseguido situar este museo, gracias a su
programacin, en uno de los centros de
programacin de inters para el mbito nacional.
Entrevista realizada por Natalia Poncela
Previamente a estos dos aos como director del
MARCO habas trabajado en esta misma institucin como responsable de exposiciones. De qu
modo ha cambiado tu idea de los parmetros gestores de este museo?
Lgicamente mi perspectiva ha cambiado; no es lo mismo
ser responsable de exposiciones que director del museo. El
MARCO se inaugur en noviembre de 2002, y yo me incorporo en abril de 2003, pocos meses despus. Cuando
asum la direccin del MARCO, en noviembre de 2005, ste
todava era un museo joven, y haba determinados proyectos que todava estamos probando para ver como funcionaban en la ciudad. El cambio de direccin fue muy respetuoso con la direccin anterior, ya que al estar trabajando
dentro, participaba activamente en las proyectos, adems
de que habra sido un error tirar por tierra lo que ya se
haba construido. Dentro de esta lnea, he intentado reforzar la presencia de artistas gallegos, no slo en las exposiciones, sino en otro tipo de proyectos y acciones de formacin como talleres, cursos, que ayuden a generar debates e intercambios. He mantenido la lnea de realizar exposiciones colectivas porque creo que es una de las seas de
identidad del MARCO; son exposiciones que se adaptan
muy bien a la particular arquitectura y estructura del edificio, nos permiten investigar sobre un determinado perodo, sobre un tema, o contar una historia a partir de una
seleccin de obras.
Un cambio ms visible este ao. Quizs haba compromisos de programacin anteriores

Tuve la gran suerte de que la primera exposicin que
inaugur como director fue Urbanitas, una muestra que
estaba programada por la direccin anterior, pero que
supuso toda una declaracin de intenciones de lo que
crea que deba ser el museo, prestando ms atencin al
contexto ms prximo, con produccin de obra, incluyendo artistas que provenan de otras disciplinas y no slo de
las artes plsticas. A partir de ah, no haba ms programacin aprobada para los meses siguientes, ya que la
directora anterior no haba querido dejar ms proyectos
en marcha para no condicionar el trabajo de quien tomase el relevo. El proceso de seleccin para el puesto de
direccin fue ms largo de lo que nos hubiese gustado, se
demor casi seis meses, el tiempo que estuvimos sin
director. Inmediatamente tuvimos que empezar a generar exposiciones, ya que no quera traer muestras prefabricadas de otro sitio. De ah salieron proyectos tan
novedosos como Switch on the power! Ruido y polticas

musicales, Del revs: Artistas contemporneos de
Israel, La muestra invisible y Pintura Mutante. Creo que
stas marcaban la lnea que bamos a seguir: comisarios
conocedores del tema a desarrollar en cada proyecto,
relacin de las artes plsticas con otras disciplinas,
coproduccin con otros centros, apertura a nuevos
pblicos...
Algo que de alguna manera tambin potenciis

con actividades paralelas a las exposiciones.
El tipo de actividades que se organizan paralelamente a
las exposiciones estn pensadas como un conjunto,
como un todo. Siempre intentamos que sea as, aunque
desarrollemos otro tipo de proyectos que no son necesariamente complementarios de la programacin.
Intentamos desarrollar un programa de actividades
paralelas que se relacionen con las exposiciones, con sus
ejes temticos, con los artistas presentes en cada muestra: ciclos de cine, conciertos, cursos especficos, talleres de artistas, muestras bibliogrficas en la biblioteca,
y naturalmente el programa educativo para escolares y
actividades para familias. Con esto intentamos dar una
unidad a la programacin, que no se presente como una
serie de actividades aisladas sino que funcione como un
conjunto. Creemos que esto ayuda a ofrecer otras lecturas, a profundizar en los contenidos expositivos, sacando partido de la presencia de las obras en salas durante
un perodo determinado.
De qu modo se producen las colaboraciones del
MARCO con otros centros, ya estos gallegos,
nacionales o internacionales?
Se producen de muy distinta forma. En nuestro caso la
coproduccin es en gran medida una necesidad, para
poder llevar a cabo las exposiciones y proyectos que nos
interesa hacer. Tenemos un proyecto y buscamos al
comisario ms adecuado, o recibimos una propuesta que
nos interesa y para poder llevarla adelante tenemos que
buscar otros centros para coproducirla. En otros casos,
nos llega un proyecto de otra institucin que quiere trabajar con nosotros.
El MARCO fue pionero desde su apertura al crear la REM
(Red Espaola de Museos), junto con el Artium de Vitoria
y el Centro Jos Guerrero de Granada, dos museos con los
que tenemos una relacin estable de produccin e inter-
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Dentro de la programacin expositiva el espacio

ANEXO, qu papel tiene?
El ANEXO es un espacio que dedicamos a artistas gallegos jvenes. Es un espacio de apoyo y promocin, un
lugar que funciona como sala de proyectos, que da cabida a un tipo de propuestas que difcilmente se pueden llevar a cabo en galeras u otros espacios institucionales. Es
un espacio que no planificamos con los plazos que manejamos para otras exposiciones que ya tenemos programadas hasta finales del 2009. El ANEXO responde a unos
estmulos ms inmediatos, su programacin ha de ser
ms gil y dar cabida a proyectos ms experimentales.
La vocacin local de ANEXO responde al contexto

emergente y creativo contextual; en este sentido,
crees necesaria una respuesta institucional?
Tenemos que prestar atencin al contexto en el que
estamos situados. Un ejemplo es el ciclo MARCO sonoro
que organizamos durante cuatro viernes consecutivos;
hay que ofrecer una oportunidad a la gente de aqu que
por el tipo de propuestas que hacen no tiene fcil su visibilidad; no encajan dentro de una sala de conciertos o
en un lugar ms convencional.
MARCO. Vista de uno de los patios de la planta baja

[obras de Jorge Perianes, nano4814, Pancho Lapea, Pablo Prez]
Exposicin Urbanitas, 2006. Foto: cortesa MARCO/Enrique Tourio
cambio. En el futuro ms inmediato, estamos preparando

proyectos conjuntos con el CAAAC de Sevilla, el Koldo
Mitxelena (con una muestra comisariada por Pedro de
Llano Neira y Pablo Fanego), La Panera de Lleida, o el
Frankfurter Kunstverein. El proxecto-edicin consigui
ponernos de acuerdo a tres centros gallegos para trabajar
en red, algo indito hasta el momento fuera de iniciativas
aisladas. Adems haremos una muestra en 2009 en coproduccin con el Museo de BB AA de A Corua, entre otros
proyectos que tenemos entre manos.
Alguno de estos proyectos expositivos conjuntos se

han producido junto instituciones portuguesas o
brasileas, como 20 Desarreglos. Panorama del
arte brasileo, se mantendr este inters luso de
coproduccin?
En principio no tenemos prevista ninguna coproduccin
inmediata con instituciones de Portugal o Brasil. Lo que s
existe es una presencia constante de artistas portugueses
en nuestras exposiciones y una productiva relacin con
profesionales portugueses, como en esta muestra Tiempo
al tiempo, que comisaro junto a una comisaria de Portugal,
Isabel Carlos. La muestra invisible fue tambin un proyecto reciente que el comisario, Delfim Sardo, iba a llevar al
centro que diriga, el Centro Cultural de Belm, antes de
dejar la direccin.
Continuar siendo una de las lneas expositivas
los proyectos de acercamientos geogrficos?
En principio no tenemos ms aproximaciones geogrficas en los prximos dos aos; sern exposiciones ms
temticas o de tesis.
La exposicin Urbanitas fue una respuesta ante el

vaco existente desde el mbito institucional a la
nueva creacin visual y sonora en Galicia, ofreciendo un espacio de visibilidad a los jvenes
artistas. Prximamente por parte del MARCO, se
realizar algn tipo de fijacin hacia un mbito
determinado de la creacin gallega, tanto de revisin como de creacin actual?
En el MARCO siempre hablamos de cundo y cmo
podramos organizar otro Urbanitas Curiosamente, de
nuestro catlogo de publicaciones ste es el que ms se
vende fuera; es significativo. Incluso he recibido noticias
de otras instituciones y comunidades autnomas que
quieren hacer algo parecido, que les gustara conocer el
proceso de organizacin del proyecto. Creo que
Urbanitas fue una exposicin muy necesaria y con el
tiempo se comprobar. Pero no podemos hacer un
Urbanitas cada dos aos; para conseguir esa calidad de
artistas y obras consideramos que tenemos que esperar
un poco ms. Del mbito gallego, estamos preparando
una exposicin para principios del 2009, en colaboracin
con el Museo de BB AA de A Corua, comisariada por
Horacio Fernndez, que ser una historia visual de
Galicia a travs de la fotografa. Habr tanto fotgrafos
de aqu como profesionales de fuera, desde el siglo XIX
hasta hoy; haremos encargos a fotgrafos para que
puedan hacer trabajos nuevos.
Qu nos puedes contar sobre la exposicin
Tiempo al tiempo que conmemora el quinto aniversario del MARCO?
Queramos hacer algo especial para el quinto aniversario y creo que es un buen momento. Desde hace ms de
un ao venamos dando muchas vueltas al tema que
podra centrar una exposicin-aniversario. Nos pareci
muy oportuno dedicar la exposicin al paso del tiempo,
un tema muy interesante y abierto que permite incluir
referencias desde diferentes perspectivas y aproximaciones, sobre el arte y la memoria. Adems era una
excelente oportunidad para hacer balance de los aos
anteriores y para reflexionar sobre el papel de un centro
como el MARCO. Respecto a la presentacin de las obras
en salas, no me queda ms que invitar al pblico a que
venga a visitarnos. Por primera vez ocupa todos los
espacios del edificio, y creemos que el esfuerzo ha
merecido la pena.
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The Museum of Contemporary Art in Vigo (MARCO) is

celebrating its fifth anniversary. We have talked to th
e current director Iaki Martnez Antelo about this ins
titution; he is an experienced curator and coordinator
of exhibitions and publications, first of all at the
Centro Galego de Arte Contempornea (CGAC), the
Auditorio de Galicia (Santiago de Compostela) or the
Casa Asia (Barcelona). Since the inauguration of the
MARCO he has been part of their staff, at the head of
the direction. Together with a minimun but effective
work team, they have made this museum become,
thanks to the programme planning, one of the most
interesting institutions on a nationwide scale.
Interview made by Natalia Poncela
You had worked as the exhibitions manager before

these two years as the director of the MARCO, hadnt you? So, how has your view of the managing
parameters of this museum changed?
Logically my view has changed; it is not the same to be
the exhibitions manager and to be the director of the
museum. The MARCO was opened in November 2002, and
I joined in April 2003, just a few months later. When I took
up the direction of the MARCO, in November 2005, it was
still a young museum, and there were some projects, we
are still trying to see how they worked in the city. The
change in the direction was very respectful with the previous one, because, as I have been working inside, I have
taken part in the different projects actively, and it would
have been a mistake to destroy what had already been
built. Following this line, I have tried to promote the presence of Galician artists, not only in the exhibitions but also
in other kind of training projects and activities such as
workshops, courses, aimed at generating debates and
exchanges. I have kept the line of organizing collective
exhibitions because I think it is one of the identifying
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marks of the MARCO; exhibitions that fit the particular

architecture and structure of the building very well, and let
us investigate on a certain period, on a topic, or telling a
story from a certain selection of pieces.
There has been a more visible change this year.

Perhaps there were previous scheduling agreements.
Luckily the first exhibition I inaugurated as the director was
Urbanitas, an exhibition programmed by the former direction, but it was a declaration of intent of what I thought the
museum should be, paying more attention to the closest
context, with work production, including artists from other
disciplines, not only from plastic arts. From that moment,
there were no more exhibitions programmed for the following months, since the former director had tried not to have
more projects in progress so as not to condition the work
of the person taking over. The selection process for the
direction position was longer than we expected, it lasted
almost six months, a period of time we were without a
director. Immediately afterwards, we had to start organizing exhibitions as I did not want to bring prefabricated exhibitions from other places. From there some new projects
such as Switch on the power! Ruido y politicas musicales;
Del revs: Artistas contemporneos de Israel; La muestra
invisible y Pintura Mutante emerged. I think these ones
marked the line we were going to follow: curators who
know the topic of every Project, the relation between plastic arts and other disciplines, joint production with other
centres, the opening to new public
Something, somehow, you also promote by means
different activities in parallel with the exhibitions.
The activities organized in parallel to the exhibitions are
intended to be considered as a whole. We have always
tried to be like this, although we develop another kind of
MARCO. Exposicin CHIKAKU. Tiempo y memoria en Japn. Performance La Charme, de Emiko Kasahara
Foto: Cortesa MARCO/Andrs Fraga
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projects that do not have to be complementary to the

scheduling. We are trying to develop a scheduling of parallel activities related to the exhibitions, with their topics, with
the artists present in every exhibition: film seasons, concerts, specific courses, artist workshops, bibliographical
exhibitions at the library, and of course the educative programme for schoolchildren and activities for the families.
With this we are trying to unify the scheduling so as not to
be presented as a series of isolated activities but as a whole.
We think this would help to show other readings, to go deep
into the expositive contents, making the most of the presence of these pieces in the rooms for a certain period.
How would you describe the collaborations of the
MARCO with other Galician, national or international centres?
They are very different. In our case, the joint production is
necessary so as to carry out the exhibitions and projects
we are interested in. We suggest a project and look for the
most suitable curator, or we are suggested a proposal we
are interested in and we have to look for other centres to
co-produce it so as to carry it out.
In other cases, we are suggested a project by an institution that would like to work with us. The MARCO was the
pioneer since it opened when creating the REM (Spanish
network of museums), together with the ARTIUM in Vitoria
and the Centre Jos Guerrero in Granada, two museums
with which we have a stable relation of production and
exchange. We are preparing some joint projects with the
CAAC in Seville, the Koldo Mitxelena (with an exhibition
curated by Pedro Llano de Neira and Pablo Fanego), La
Panera in Lleida or the Frankfurter Kunstverein. The proxecto-edicin made three Galician centres come to an agreement to network, something new so far, except for some
isolated initiatives. Furthermore, we will also organize an
exhibition in joint production with the Museum of Fine Arts
in A Corua, among other projects we are dealing with.
Some of these expositive projects have been organized in collaboration with Brazilian or Portuguese
institutions, for instance 20 Desarreglos. Panorama
del arte brasileo. Will this Portuguese joint production interest be supported?
In principle we have no arranged joint production with
Portuguese of Brazilian institutions. But there is a constant
presence of Portuguese artists in our exhibitions and a productive relation with Portuguese professionals, like in this
show Tiempo al tiempo, which I curate together with a
Portuguese curator, Isable Carlos. La muestra invisiblewas
also a recent Project the curator, Delfim Sardo, was going
to take to the centre he manager, the Cutural Centre of
Belem, before leaving the direction.
Will these projects of geographical approaches go
on being one of the expositive lines?
We do not have more planned geographical approaches in
the following two years; there will be more thematic or
theoretical exhibitions.
What is the role of the space ANEXO within the
expositive scheduling?
The ANEXO is a space we devoted to young Galician
artists. It is a space for support and promotion, a place
that acts as a project room, which accommodates some
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sort of proposals that ca not be carried out at galleries or

any other institutional spaces. We do not plan this space
with the same periods as other exhibitions planned for the
end of 2009. The ANEXO responds to the most immediate
stimulus, the scheduling must be more flexible and accommodate more experimental projects.
The local vocation of the ANEXO comes up to the

contextual emergent and creative context; in this
sense, do you think it is necessary to have an institutional response?
We must pay attention to the context we are in. A good
example is the season MARCO Sonoro we organize during
four consecutive Fridays; we must give an opportunity to
the people here that do not find easy to show their work
because of their proposals; that is, they do not fit at a concert room or at a more conventional place.
The exhibition Urbanitas was an answer in view of

the void from an institutional point of view for the
new visual and sound Galician creation, showing a
visual space for young artists. Will there be any kind
of fixation towards a certain field of the Galician creation, both of review or present creation?
We are always thinking about when and how we could
organize another Urbanitas It is significant that this is the
catalogue we best sell abroad among all our catalogues. I
have even been said that they would like to do something
similar, that they would like to know the organization
process of the project by many other institutions. I think
Urbanitas was a necessary exhibition and this will be confirmed with the passing of time. But we cannot organize an
Urbanitas every two years; I think we should wait for some
time if we want to reach these quality artists and pieces.
Regarding the Galician field, we are organizing an exhibition for early 2009, in collaboration with the Museum of
Fine Arts in A Corua, and curated by Horacio Fernndez,
showing a visual history of Galicia by means of photography. There will be Galician photographers and foreign professionals, from the 19th century until present time; we
will order some pieces to photographers so that there are
some new works.
What can you tell us about the exhibition Tiempo al

tiempo that commemorates the fifth anniversary of
the MARCO?
We would like to organize something special for the fifth
anniversary and I thing it is a good moment. We have
been thinking the topic that might be focusing an anniversary-exhibition over. We think that devoting the exhibition
to the passing of time would be very suitable, a very interesting and open topic allowing include references from different perspectives and approaches on art and memory.
Furthermore, it was an excellent opportunity to evaluate
the previous years and meditate on the role of the MARCO.
Regarding the presentation of pieces at the rooms, I would
like to encourage the public to visit us. It is the first time
all the spaces in the building have been occupied and I
think it has been worth it.
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#-.,2'%0,
t x t .
x o s
m a n u e l
l e n s
Flix Fernndez: dos partes y un penltimo relato
Flix Fernndez: Two parts and a penultimate story
Penltima
Este nuevo ensayo persigue una doctrina primigenia, seminal, quizs en un instante previo a la obra, quizs capturando, tambin,
este nuevo medio impreso, atento al lector, al ritmo de sus ojos al
pasar las pginas. Dos partes narradas, escritas e instaladas, argumentadas desde lo incierto, la bsqueda tangencial de la vida, la
experiencia. De nuevo la ceremonia, la presencia del propio autor,
como mensaje y dispositivo de accin comunicativa, inmediata;
una accin de fragmentos que demanda una revelacin, casi susurrando, detrs de una realidad experimentada. Detrs siempre
queda la lectura, nuestra ficcin, obsesiva, personal, destructiva.
Nada se mantiene, resgurdate. Intuimos un dptico como el lugar
del dilogo sin cerrar, de relato con eplogo. Una y dos; penltimas
partes cclicas de una misma intencin: instalar dudas en la piel de
nuestra historia. Siempre desde un enunciado: de nuevo, tu vida,
tu lugar; aparente.
Penultimate
This new essay pursues a primitive, seminal doctrine; maybe in a
moment before the piece, maybe capturing, also, this new printing
medium, attentive to the reader, to the rhythm of his eyes when
turning the pages. Two parts narrated, written and installed,
argued from the uncertain, the tangential search for life, for the
experience. Again the ceremony, the presence of the author himself, as a message device of a communicative, immediate action;
an action of fragments demanding a revelation, almost whispering,
behind an experimented reality. The interpretation, our obsessive,
personal and destructive fiction is always left behind. Nothing
remains, protect yourself. We understand a diptych as the place for
dialogue without a limit, of a relate with an epilogue. One and two;
cyclic penultimate parts with the same intention: installing the
doubts in the skin of our history. Always from a principle: again,
your life, your place; apparent.
Primera y segunda
Posiblemente la estructura de una novela es la que mejor se adapta a una revisin de la obra de Flix Fernndez; una revisin, siempre, desde la inesperada retrospectiva al encuentro de un nuevo trabajo. Posiblemente. Pensamos en partes que se incorporan desde el
teatro, desde una danza expresiva, todo observado desde una
cmara como instrumento de captacin, de registro, pero tambin
de especulacin y prolongacin. Pensamos en un guin diseado,
donde aparece una figura sobre un escenario concreto, habitual, y
mientras se desarrolla una accin, cada personaje interpretando un
rol pautado. Una nica figura, vestida del cuerpo del propio artista,
solitaria en una escena. Las escalas creativas de Flix Fernndez
insisten en una superficie de contactos, de acciones que asoman la
comunicacin en fotografas y vdeos, tambin en instalaciones,
pero que reposan antes en el movimiento, al nivel del visitante, en
el acontecimiento controlado de una performance, de una determinada accin. Preparar el escenario, los actores, sus adjetivos, los
atributos y los diversos dispositivos de tensin dramtica, de aparente control, responde siempre a un deseo de ficcionar, de ofertar
un mensaje desde el interrogante, de perfilar (casi erosionar) un
camino de incertidumbres, de concrecin de falsedades y narraciones en bsqueda, en sospecha. Sus incorrectas 1000 maneras de
dormir tranquilo, el obsesivo Ensayo sobre la perfeccin o el diccionario Eclosin expresan ese perturbador relato de realidades
que germinan desde la autobiografa, formulan un yo-nico, para
cerrar una duda, quizs colectiva.
Dnde est la verdad? Qu podemos resguardar? La fragilidad,
la atmsfera caduca, casi senil, son medidas que constantemente
seguimos en sus trabajos. Una debilidad de sospechosa incapacidad, casi supuesta, ficticia, que arrastra sus obras; una resistencia
desde la imposibilidad de movimientos, de rupturas delante del
teln, de un biombo donde el cuerpo del propio guionista se dispone compuesto de actor, de experto profesional, de personaje nunca
aleatorio, siempre ansiando, invitando; esa opcin del intento, de
una primera pregunta, que proyecta descubrir gritos, profundizando en un paisaje cultural, en una emocin de trnsito, de hbito; aparente.
Proyecto en colaboracin con:
First and second

Possibly the structure of a novel is the one that best fits a
review of Flix Fernndezs work; a review, always, from the
unexpected retrospective to the search for a new work.
Possibly. We are thinking about some parts added from the
theatre, from an expressive dance, everything watched from
a camera as a tool for capturing, registering, but also of speculation and extension. We are thinking about a designed
script, where there is a figure on a concrete, usual scene and
while the action is taking place, every character plays the
ruled paper. Only a figure, dressed with the body of the artist,
alone in the scene. The creative scales of Flix Fernndez
insist on a surface of contacts, of actions showing the communication in photographs and videos, also in installations,
but resting before the movement, at the visitors level, in the
controlled event of a performance, of a certain action.
Preparing the scene, the actors, their adjectives, their attributes and the devices of dramatic tension, of apparent control,
always responds to a desire of fictionalizing, of offering a
message from the question, of shaping (almost eroding) a path
of uncertainty, of precision of falseness and narrations in search,
under suspect. His incorrect 1000 maneras de dormir tranquilo,
the obsessive Ensayo sobre la perfeccin or the dictionary
Eclosin Express this disturbing store of realities that germinate
from the autobiography, formulate a unique-ego, so as to leave
no room for a, maybe collective, doubt.
Where is the truth? What can we protect? The fragility, the
outdated atmosphere, almost senile, are some measures we
constantly follow in his pieces. Weakness of suspicious incapacity, almost assumed, fictitious that attracts his pieces; a
resistance from the impossibility of movements, of ruptures in
front of the curtain, of a folding screen in which the body of
the scrip writer prepares as an actor, a professional, a neveraccidental character, always yearning, inviting; this option of
the attempt, of a first question, projecting descubrir gritos,
going deep into a cultural landscape, into an emotion of transit, of habit; an apparent one.
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BAISER VOL
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Hace das que ando revolviendo en las estanteras de

arriba (las que necesitan una escalera de verdad)
para desempolvar catlogos antiguos - aunque no
tanto - y textos bizarros (a la francesa), y fotos de
cuadros y de artistas, y una caja con la que an no
me he atrevido y que guarda (supongo que guarda
aunque no custodia) alguna carta, alguna foto ms y
algn papel perdido. Ahora tengo una pila de papeles considerable encima de mi cmoda mallorquina,
una cmoda que necesita algo ms que una restauracin, esperando cumplir su cometido. Satisfacer
mi lado cotilla, vamos. Y de ese lado el sector nostalgia.
Del primero de los catlogos que me he enamorado,
y al que ya le he sacado algn jugo, es uno seguramente olvidado (todo el mundo lo habr olvidado
excepto Juan Manuel Bonet) que fue un emblema,
necesario, de los aos 80 y que se aguanta, como se
suele decir, por los cuatro costados. No exactamente las obras y los artistas pero s el concepto, y
sobre todo los textos. Se trata del catlogo, al que
en otro sitio hemos llamado emrito (y lo es) de la
exposicin La Imatge de lAnimal, comisariada por
Juan Muoz y que se pudo ver en las salas de Caixa
de Barcelona de la plaza de Catalua en 1984.
La exposicin no digo que nos sorprendiera sino que
nos entusiasm. Juan Muoz ayudado (suponemos
que ayudado) por el entonces Director General
dArts Plstiques de la Consellera de Cultura, Josep
Miquel Garca, montaron una exposicin no demasiado difcil pero la recordamos excelente. Cuidada, con
piezas escogidas un poco al azar (nos parece ahora)
pero muy en la poca, muy del momento. Tanto las
piezas arqueolgicas como las contemporneas, porque se trataba de una exposicin donde convivan,
un poco a las bravas, piezas antiguas, sobre todo
prerromanas, y obras contemporneas. La tesis, en
principio y desde ahora, nos podra parecer un poco
forzada. Pero los textos demuestran lo contrario.
Haba buena fe, algo que ya no se usa, y ganas de
gustar, algo que ahora se usa demasiado.
Demasiado mal. Ahora basta con que le guste al
comisario, o que justifique al comisario, y los artistas y sus obras suelen ser los pies de foto (las ilustraciones) para esos textos farragosos que no
aguantan ni media temporada.
Juan Muoz era un hombre listo, muy listo, y su
texto, Els primers/Els darrers, es casi-casi una
declaracin de principios. Seguramente en el
momento, en 1984, la exposicin se vio como una
maniobra de ciertas galeras y de un puado de
artistas espaoles que queran, conviviendo con los
extranjeros, medrar. O ser medrados. Pero no. Salvo
alguna deshonrosa excepcin, que desde luego no
vamos a citar, el elenco (se puede decir as?) de
artistas tiene sentido. No colectivo, claro, sino individual. Uno a uno.
Posiblemente habr quien se pregunte qu tenan
que ver esos animaluchos vctimas de la ola salvaje
(o casi) que invada Europa con la realidad postminimal, post-conceptual e incluso post-pintura que
se estaba viviendo. En Barcelona se estaba sufriendo una resaca de minimal y de conceptual apenas
apagada por los bloody-mary de algn support-surface (varios, tres por lo menos) y por el chute definitivo de los presuntos salvajes. A lo que vamos: la
lista de artistas queda ah pero el texto de Muoz,
con algn requiebro un tanto endeble (negar la pers-
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pectiva, elevar a la categora de maestro al pintor

primitivo), nos transporta a un afn pocas veces
repetido de artista metido a comisario porque tiene
algo que contar. Por eso pone un hermoso cuadro de
Mario Merz en la portada (el mejor de toda la exposicin), por eso le hace caso a Fernando Vijande, su
galerista de entonces, me parece recordar, y por eso
le pide un texto a Julio Caro Baroja que adems de
profesoral es esplndido y otro, que seguramente
pas desapercibido, de Joan Perucho, el Breu fabulari danimals marins (Breve fabulario de animales
marinos), que es un pieza esplendorosa, un relato
del enorme escritor cataln que he vuelto a leer (no
miento) ocho veces. En tres das. No es que me lo
quiera aprender de memoria, es que me gusta repetirlo, como una oracin (y, adems, aprendrmelo de
memoria).
De entonces ac han pasado muchas cosas. En los
alrededores de la plaza de Catalua y en los alrededores de los alrededores. El mundo se ha empequeecido, gracias a Dios, y hay la misma distancia
desde el MACBA hasta el MUSAC que desde la galera de Joan Gaspar hasta la Fundacin Maeght, la de
Saint Paul. Es decir, ninguna. Y pongo los ejemplos
por poner. A mediados de octubre de este ao ha
sido juzgada la seorita Rindy Sam, joven francesa
de origen camboyano, por haber dejado la huella de
sus labios impresa, tras un beso apasionado, sobre
una tela del artista Cy Twombly en la exposicin de
la coleccin del galerista Yvon Lambert que tuvo
lugar en el mes de agosto en Avignon.
La tela fue retirada, el artista (reza un comunicado)
qued desolado y la seorita Sam ha sido acusada
de vandalismo. En el IVAM hace unos das no me
dejaron entrar en las salas con un paraguas (llova
escandalosamente en Valencia) y me pareci bien
pero no haba parageros y la seora de recepcin
me mir mal cuando protest. Estuve a punto de
decirle que me daba igual, que en la mochila llevaba un machete y una botella de cido sulfrico y que
era enemigo del arte contemporneo. En el MACBA
puedes entrar lo que quieras, y encima te sonren.
En el pasado de Juan Muoz y de Fernando Vijande
se seguan quemando libreras y a los jvenes asilvestrados se les consideraba poco ms o menos que
unos bobos algo degenerados. El beso robado a Cy
Twombly no es que lo justifique, que tampoco, pero
me parece una buena forma de opinar. Lo hubiera
sentido mucho si el cuadro hubiera sido mo pero a
lo mejor no tanto. Si la seorita Sam hubiera besado una arpillera de Millares o una tela de Tpies ni
se hubiera notado. Y seguramente las habra abrazado en vez de besarlas. Los jvenes salvajes de 1984
pensaban muy bien las cosas e incluso se divertan
con la pintura. Ahora parece que no queda ms
remedio que estar tristes. A pesar de la pasin de
algn espectador.
Manuel Allu
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SYLVIA PLACHY. DE REOJO
Fundacin Caixa Galicia. Lugo. Hasta el 6 de enero

Enmarcada en la primera edicin de PHotoGalicia (festival
impulsado por PHotoEspaa y Fundacin Caixa Galicia), la
sede de la Fundacin en Lugo ofrece una retrospectiva de
ms de 100 obras en blanco y negro y en color realizadas
por una de las fotgrafas ms representativas del panorama norteamericano actual, que ya haba estado en
PhotoEspaa 2007 en la Sala Goya del Crculo de BB AA.
Hasta ahora, las fotografas de Plachy se haban mostrado
en Francia, Inglaterra, Alemania, Hungra, Canad, Japn
y EE UU, pero el pblico espaol no haba tenido la oportunidad de disfrutar de una exhibicin tan amplia como la
que se presenta en PHotoGalicia.
La muestra acoge varias series: una seleccin de imgenes del libro Unguided tour en el que se recogen las fotografas que encabezaron el ndice del semanario neoyorquino The Village Voice entre 1982 y 1993, la serie Red
light (1996), en la que reflexiona sobre la industria del
sexo, y Self portrait with cows going home (2004), sobre
Europa Central y especialmente Hungra, su tierral natal,
que tuvo que abandonar durante la revolucin hngara.
Las fotografas de Plachy prestan especial atencin al
movimiento, captando el dinamismo de la accin y creando un ambiente intrigante y misterioso.
Sylvia Plachy (Budapest, 1943) fue galardonada en 2004
con el premio Lucie Award. Ha colaborado con publicaciones como The New Yorker, Newsweek, Wired, Life o The
New York Times, adems del ya citado The Village Voice.
Su obra forma parte de las colecciones de museos tan
importantes como el MoMa, el Metropolitan Museum y el
Brooklyn Museum de Nueva York, el SFMOMA de San
Francisco o el Museum of Fine Arts Houston.
A Puta Vida (unha obra de teatro) 1987 Sylvia Plachy
Taking part in the first edition of PHotoGalicia (a festival

promoted by PHotoEspaa and the Foundation Caixa
Galicia), the headquarters of the Foundation in Lugo shows
a retrospective of more than a hundred black and white pieces produced by one of the most representative photographers in the North American scene nowadays, who had already taken part in PhotoEspaa in the Sala Goya of the
Crculo de BB AA in 2007. Plachys photographs had been
shown in France, England, Germany, Hungary, Canada,
Japan and the USA so far, but Spanish public had not had
the opportunity to enjoy such an extensive exhibition as
this one shown in PHotoGalicia.
The exhibition includes several series: a selection of images
of the book Unguided tour, in which we can see the photographs heading the index of the New York weekly The Village
Voice, between 1982 and 1993, the series Red Light (1996),
in which he meditates on the sex industry, and Self portrait
with cows going home (2004), about Central Europe and
specially Hungary, her home land, which she had to leave
during Hungary revolution. Plachys photographs pay special
attention to movement, capturing the dynamism of the
action and creating a mysterious and intriguing atmosphere.
Sylvia Plachy (Budapest, 1943) was awarded with the prize
Lucie Award in 2004. She has also collaborated with some
publications such as The New Yorker, Newsweek, Wired, Life
or The New York Times, as well as the above mentioned The
Village Voice. Her work is part of the collections of so important museums as the MoMa, The Metropolitan Museum and
the Brooklyn Museum in New York, the SFMOMA in San
Francisco or the Museum of Fine Arts Houston.
Veo Rosa 1979 Sylvia Plachy
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NONO BANDERA / MANOLO DIMAS. SESIN CONTINUA

C5 Coleccin. Santiago de Compostela. Hasta el 30 de noviembre
Entre Nono Bandera (Mlaga) y Manolo Dimas

(Caracas), se dan numerosas casualidades; nacidos a
finales de los aos 50, desde muy jvenes decidieron
dedicarse al mundo de la pintura convenciendo a su
maestro y padre Juan Bandera en el caso de Nono y a
Alfonso del Moral en el caso de Manolo Dimas; as aprendieron en el taller el antiguo oficio de pintor. En el efervescente panorama artstico del Madrid de los aos 80,
formaban parte de la generacin de los jvenes pintores
que hacan sus primeras exposiciones lo que les llev a
coincidir en diferentes actividades artsticas pero quiz,
su cercana se remonta a los Premios de Iberoamrica
en Tren, all por el ao 1987 cuando ambos se encontraban pintando un vagn de ferrocarril en la estacin de
Chamartn. En la dcada de los aos noventa, tiempos
difciles para la pintura, la siguieron defendiendo como
lenguaje renovador de las artes visuales, igual que la
gran mayora de los pintores internacionales que en los
aos ochenta calentaron el fro y austero panorama del
arte, como por ejemplo Kiefer, Fischl o Neo Rauch, afirmndola como imprescindible en un mundo esttico que
ha acabado con la idea de gnero y ha fundido en la
palabra arte todos los lenguajes posibles. La pintura
figurativa de Nono Bandera (presente en esta muestra
en colaboracin con la galera madrilea Espacio
Mnimo) y de Manolo Dimas destilan irona, ambos se
apropian de las imgenes que otros han creado, las alteran y reinterpretan para sorprendernos al destapar las
infinitas posibilidades de manipulaciones y motivaciones
veladas debajo de cada imagen. Nono Bandera juega al
travieso deporte de ponerle bigotes a la Gioconda,
partiendo de los cuadros pintura al peso o de los cuadros que en algunas ocasiones encarga a otros pintores.
Como si de un clsico taller de pintura se tratase, el cuadro se pinta a varias manos, unas manos pintan el fondo
y otras manos, las de Nono Bandera, reinterpretan
mimticamente la imagen divirtindose con los valores
intocables que se nos han transmitido durante los aos
interminables de nuestra educacin: la cultura y las buenas maneras. Lo que podra haber sido un paseo melanclico por la historia y la historia del arte, la geografa y
las ciencias de la naturaleza, la religin y los deberes
escolares se convierte en la cida excursin por el tiempo en el que seguimos aprendiendo cmo debajo de
cada realidad viven muchas surrealidades. Manolo
Dimas vido consumidor de iconografa de cualquier
procedencia, parte en esta ocasin de imgenes nudistas que l ha manipulado, siguiendo el hilo de sus trabajos anteriores, en los que a menudo trabajaba con la tradicin del desnudo en el arte, las escenas del taller de
dibujo y pintura, el pintor y su modelo, la Arcadia
En esta exposicin el tema es absolutamente contemporneo, pues toma imgenes annimas de tiempos vacacionales nudistas en donde la apariencia de libertad
esconde la perversa realidad de los lugares acotados a
los que pertenen. En su ejercicio del oficio de pintor
emplea diversas tcnicas y trabaja con la idea de la prdida del significado de las imgenes debido a la invasin
iconogrfica a la que somos sometidos por cualquier
medio de comunicacin de masas, de tal manera que la
ms figurativa de las imgenes acaba por fragmentacin, superposicin u otra circunstancia, en abstraccin.
Susana Fernndez Riera
Nera Fiore (2007)

Nono Bandera
Between Nono Bandera (Mlaga) and Manolo Dimas (Caracas)

there are a lot of coincidences; both of them were born at the
end of the fifties, they decided to become painters when they
were very young by persuading their teacher and father Juan
Bandera in the case of Nono and Alfonso del Moral in the case
of Manolo Dimas; and that way they learned the painter trade
at the workshop. In the high-spirited artistic panorama of
Madrid in the eighties, they were part of the generation of
young painters that organized their first exhibitions. In the
nineties, a difficult decade for painting, they defended painting
as the reformist language of visual art, the same as most
painters had done in the eighties when they fired up the cold
and austere art field, as for example Kiefer, Fischl or Neo
Rauch, strengthening it as something essential in an aesthetic
world that has put an end to the idea of genre and has merged
all the possible languages in the word art. The figurative painting of Nono Bandera (present at their exhibition in collaboration
with the gallery Espacio Mnimo in Madrid) and Manolo Dimas
exudes irony, both borrow the images others have created,
alter and reinterpret them so as to surprise us when revealing
the possibilities of the manipulations and motivations under the
images. Nono Bandera plays the naughty game of putting a
moustache to the Gioconda, starting from the paintings sold
by weight or the paintings he sometimes he orders from other
painters. As if it was a classical painting workshop, the picture
is painted by several hands, two hands paint the background,
and other hands, Nono Banderas hands, reinterpret mimetically the image enjoying the untouchable values we have been
taught during the endless years of our education: culture and
good manners. What could have been a melancholic walk along
history and art history, geography, natural sciences, religion
and the school duties, becomes an acid excursion through the
time we are still learning how there are many surrealities
under each reality. Manolo Dimas, an avid consumer of iconography from elsewhere, starts in this occasion from nude images
he has manipulated, following the line of his previous pieces, in
which he often worked with the tradition of the nudes in art,
the scenes of the drawing and painting workshop, the painter
and the model, the Arcady In this exhibition the topic is
absolutely contemporary, since he takes anonym images from
nudist holidays in which the appearance of freedom hides the
perverse reality of the enclosed places they belong to. In his
exercise as a painter he uses several techniques and works
with the idea of lack of meaning owing to the iconographic invasion we are submitted to by any mass media, so that the most
figurative of the images ends in abstraction because of the
fragmentation, superposition or any other circumstance.
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APARTHEID. EL ESPEJO SUDAFRICANO

CCCB. Barcelona. Hasta el 13 de enero
Tinta Stephens (1994) BHP Billiton Collection. William Kentridge
La can del pic (1946-47) BHP Billiton Collection Gerard Sekoto
Esta exposicin comisariada por el escritor Pep Subirs

es una memoria histrica del apartheid a travs de las
obras de creadores pertenecientes a los dos colectivos
en el conflicto sudafricano: colonos y nativos. Dividida
en seis secciones, el recorrido retrata cronolgicamente las diferentes formas de racismo y discriminacin
desde los comienzos del apartheid hasta la actualidad,
as como el impacto, responsabilidad y conciencia
social que la creacin artstica ofreci a la lucha contra
los prejuicios discriminatorios hacia otras razas.
La primera seccin, titulada Racismo y modernidad,
presenta como material de inters una seleccin de
obras inditas ilustrativas de exposiciones que tuvieron
lugar en Espaa entre 1897 y 1929 y que reflejan la
perspectiva eurocentrista y la filosofa colonial dominante, en la cual se proclamaban los derechos civiles
de los humanos al tiempo que se extendan teoras de
superioridad de raza y pureza de sangre, la raza
blanca como cspide.
La siguiente seccin, Las races del apartheid, cuenta,
con material documental cmo tras la creacin de la
Unin Sudafricana por parte de un consenso entre britnicos y bers, comenz a establecerse una poltica
que asentara las bases del apartheid, entre otras prcticas, privando el voto a nativos y mujeres blancas.
Este episodio queda adems representado por obras
tanto de artistas blancos como de color: Gerard
Sekoto, George Pemba y Ephrain Ngatane son algunos
nombres.
Y de la formacin de la Unin Sudafricana en 1910
hasta la mxima expresin de racismo; Apartheid total
es la tercera seccin, y corresponde a la poca en que
el National Party, el partido liderado por los bers, se
hizo con el poder en 1948, y realiz una lectura racista de la Biblia de modo que, bajo la bandera de la
sociedad democrtica, se justificase el trato marginal y
vejatorio que sufri el colectivo autctono. Se incluyen
obras de autores sudafricanos como Peter Clarke,
David Goldblatt, Gavin Jantjes o Durant Sihlali.
Estados de emergencia es la cuarta seccin de la
exposicin. Con la consolidacin del apartheid, nacie-
ron entre los grupos oprimidos movimientos de resistencia, en un comienzo pacfico, emulando a Gandhi,
y ms tarde y tras la sangrienta represin del poder
europeo, con grupos de resitencia ms radicales. Tras
los numerosos altercados (el asesinato de Steve Biko
o la revuelta estudiantil de Soweto) la creacin artstica sudafricana experiment un gran auge procedente de artistas de todos los colores como Jane
Alexander, William Kendritge, Sfiso Ka Mkame o Paul
Stopforth.
En la quinta seccin, La difcil salida del infierno racista, se exhiben las obras muchos de los mejores artistas activos y otros nuevos creadores a propsito de la
situacin creada por el postapartheid. A pesar de la
finalizacin del conflicto, las desigualdades y heridas
creadas por el racismo han dejado huella en la sociedad sudafricana, preocupacin que tratan con reflexin artistas como Conrad Botes, Churchill Madikida,
Johannes Phokela, Nandipha Mntambo, Lolo Veleko y
Donovan Ward.
La exposicin se cierra con Apartheid global: la vieja
Sudfrica como paradigma, planteando las nuevas formas de segregacin racial producto de una sociedad
globalizada en la que el crecimiento econmico conlleva inevitablemente a que siempre quede alguien en la
cara oscura. Adems de este material documental, el
ltimo apartado incluye obras de Peter McKenzie,
Johannes Phokela, Bernie Searle, Donovan Ward y
Zapiro.
Paralelamente a la exposicin, el CCCB ha organizado
unas jornadas de reflexin y debate acerca de los
temas planteados en la exposicin en las que participarn algunos de los artistas y otros especialistas en
el tema.
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This exhibition curated by the writer Pep Subirs is a historical report on the apartheid through the creators
belonging to the two groups of the South African conflict:
colonials and natives. Divided into six sections, the visit
shows the different kinds of racism and discrimination
chronologically since the apartheid until nowadays, as well
as the social impact, responsibility and conscience the
artistic creation offered to the fight against discriminatory prejudices against other races. The first section,
titled Racismo y modernidad, shows a selection of illustrative new pieces of certain exhibitions held in Spain
between 1897 and 1929 reflecting the eurocentrist point of
view and the prevailing colonial philosophy, in which
human beings civil rights were proclaimed and at the same
time some theories on the race superiority and the blood
purity spread, the white race as the pinnacle. The next
section Las races del apartheid tells, with documental
material, how, after the creation of the South African Union
by means of a consent between the British and the Boer, a
policy laying down the foundations for the apartheid,
among other practices, started to be established depriving
white women and natives of the right to vote. This fact is
also represented by the pieces of both black and white
artists: Gerard Sekoto, George Pemba and Ephrain
Ngatane are some of them. And from the formation of the
South African Union in 1910 to the maximum expression of
racism; Apartheid total is the third section, and it matches
up with the moment in which the National Party, the party
headed by the Boer, came to power in 1948 and carried out
a racist reading of the Bible so that, under the democratic
society flag, the marginal and annoying treatment of the
native collective was justified. The pieces of some South
African artists such as Peter Clarke, David Goldblatt, Gavin

Jantjes or Durant Sihlali are included. Estados de emergencia is the fourth section of the exhibition. With the consolidation of the apartheid some resistance movements
appeared among the oppressed groups, with a pacific
beginning, emulating Gandhi, and later and after the
bloody suppression of the European power, with more radical resistance groups. After the numerous altercations
(Steve Bikos murder or Sowetos student disturbances),
South African artistic creation went through a great peak
coming from the artists regardless of colour such as Jane
Alexander, William Kendritge, Sfiso Ka Mkame or Paul
Stopforth. In the fifth section, La difcil salida del infierno
racista, many of the best active artists and other new creators exhibit their pieces about the situation caused by the
postapartheid. Despite apartheids ending, inequalities and
wounds caused by racism have left an indelible mark on
South African society, a concern dealt thoughtfully by artists
such as Conrad Botes, Churchill Madikida, Johannes
Phokela, Nandipha Mntambo, Lolo Veleko and Donovan
Ward. The exhibition closes with Apartheid global: la vieja
sudfrica como paradigma, suggesting the new ways of
racial segregation result of a globalized society in which the
economic development inevitably implies that there is
always somebody in the darkness. As well as this documental material the last section includes the pieces of
Peter McKenzie, Johannes Phokela, Bernie Searle,
Donovan Ward and Zapiro.
In parallel with this exhibition, the CCCB has organized
some days of reflection and debate on the subjects of the
exhibition with the participation of some of the artists and
specialists in the subject.
Butcher Boys (1985) Iziko South African National Gallery. Jane Alexander
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MARIO GARCA TORRES. OBJETOS PARA UN RATO DE OCIO

Galera Elba Bentez. Madrid. Hasta el 17 de noviembre
A Brief History of Jimmie Johnsons Legacy (2006) y

Abandoned and Forgotten Land Works That Are Not
Necessarily Meant To Be Seen As Art (2004) son los dos
vdeos que junto a la intervencin Ttulo Prestado realiza Mario Garca Torres en colaboracin con el Museo
Thyssen-Bornemisza en la primera muestra individual
de este artista mexicano en Espaa. Sus trabajos aparecen marcados por la utilizacin de determinadas tcnicas poco utilizadas (diapositivas, pelcula 16mm) y la
insercin de tipografas y voz en off. Mario Garca Torres
(Monterrey, 1975) en A Brief History of Jimmie
Johnsons Legacy trabaja a partir de acciones de Jean
Luc Godard (Bande Part, 1964), Bernardo Bertolucci
(The Dreamers, 2003) o Juan Jos Gurrola (Tajimara,
1964) cuestionando aquello que distingue y personaliza
las acciones artsticas y analizando determinados convencionalismos museogrficos. La sucesin de imgenes tomadas en el desierto de Mohave (California) de
Necessarily Meant To Be Seen As Art, conforman un
catlogo de fotografas de pistas de aterrizaje activas
durante la segunda guerra mundial, hoy en desuso.
Mario Garca Torres forma parte de una generacin de
jvenes artistas como Robert Barry y Lawrence Weiner
prximos al arte conceptual como medio de aproximacin a temas de contenido poltico y social. Durante este
ao ha realizado exposiciones individuales en el
Stedelijk Museum (msterdam), The Museum of
Modern Art (Syros, Grecia) y colectivas como Learn to
Read; Saturday Live Actions & Interruptions en la Tate
Modern de Londres, Elephant Cementery en el Artists
Space de Nueva York, Una noche en el museo (o lo que
vio Betty Boop) en el MNCARS donde se present A
Brief History of Jimmie Johnsons Legacy y en How
soon is now comisariada por Pablo Fanego para la
Fundacin Seoane (A Corua).
A Brief History of Jimmie Johnsons Legacy (2006) and

Necessarily Meant To Be Seen As Art (2004) are the
two videos that together with the action Ttulo
Prestado, made in collaboration with the Museum
Thyssen-Bornemisza, make up the first individual
exhibition of this Mexican artist in Spain. His pieces
are marked by the use of certain techniques not very
used (slides, 16mm films) and the insertion of
typographies and voice-over. Mario Garca Torres
(Monterrey, 1975) in A Brief History of Jimmie
Johnsons Legacy, works from Jean Luc Godards
actions (Bande Part, 1964) questioning the things
that distinguish and personalize the artistic actions
and analysing certain museum conventionalisms. The
series of images taken in Mohave desert (California) of
Necessarily Meant To Be Seen As Art, make up a catalogue of photographs of runways that were active
during World War II, and nowadays are disused. Mario
Garca Torres is part of a generation of young artists
such as Robert Barry and Lawrence Weiner, very close
to conceptual art as the way of approaching some topics with political and social content. He has made
some individual exhibitions at the Stedelijk Museum
(Amsterdam), The Museum of Modern Art (Syros,
Greece), and some collective ones such as Learn to
Read; Saturday Live Actions & Interruptions at the
Tate Modern in London, Elephant Cementery at the
Artists Space in New York, Una noche en el museo (o
lo que vio Betty Boop) at the MNCARS where he also
showed A Brief History of Jimmie Johnsons Legacy
and How soon is now, curated by Pablo Fanego at the
Foundation Seoane (A Corua).
A Brief History of Jimmie Johnsons Legacy (2007) Mario Garca Torres
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ERLEA MANEROS. GABINETE ABSTRACTO
IZABELLA JAGIELLO. PFEILSTORCH
Comisariada por Leire Vergara esta muestra de Erlea

Maneros (Bilbao, 1977) presenta la nueva serie de trabajos de Erlea Maneros titulada Gabinete Abstracto. Dicha
serie toma como punto de partida el cuadro homnimo del
pintor estadounidense Charles Willson Peale, retratista
contemporneo a la guerra de la independencia norteamericana. En la obra mencionada el propio artista se
retrata mostrando su coleccin de obras y curiosidades,
las mismas sobre las que fund el primer museo de titularidad privada de EE UU. Dibujos, fotografas y cianografas conforman este imaginario conceptual en el que se
cuestionan conceptos tales como lo sublime, lo monumental, la belleza y lo artificial dentro del contexto actual.Por
una parte, Erlea Maneros analiza los mecanismos de
representacin de la imagen; y por otra analiza el procedimiento pictrico que se utilice en cada caso. Utiliza tcnicas pictricas clsicas vinculadas a la reproduccin de la
imagen, como la trama numrica que sirve para copiar
fielmente una imagen, o incluso el empleo de tecnologas
obsoletas como la cianogrfica. Actualmente, Erlea
Maneros vive y trabaja en Los ngeles (EE UU); estudi
dibujo y pintura en Glasgow School of Art, Escocia. Su trabajo ha sido objeto de una reciente exposicin individual
en Queens Nails Annex, San Francisco (2007).
Pfeilstorch se exhibe en la Sala Guest Room de este espacio expositivo, y se encuentra dividido en tres series. La
primera, Pfeilstorch, cuenta con un conjunto de dibujos
como elemento principal de una instalacin lumnica. En
la segunda, titulada Ajedrez, se pueden observar esculturas realizadas en bronce que conforman un ajedrez
acompaado por dibujos de tinta china en que representa bidimensionalmente la obra volumtrica que se lleva a
cabo con posterioridad. La tercera serie, Grandes Viajes,
consta de dibujos, tambin en tinta china, que juegan con
la luz de modo que se puede obtener un doble significado visual de las figuras representadas mediante la superposicin visual entre anverso y reverso.
Izabella Jagiello (Varsovia, 1973) es licenciada en BB AA
por la facultad de escultura de la Academia de BB AA de
Varsovia, y obtuvo becas de estudios para la Sheffield
Hallam University, en Gran Bretaa, y para la Universidad
Veracruzana, en Mxico. Ha expuesto individual y colectivamente en ciudades como Mxico DF, Roma, Faenza,
Cagliari, Jalapa o Varsovia. Actualmente vive entre
Alicante y Varsovia.
Untitled #24 (2007). Cortesa de la artista y de Redling Fine Art,

Los ngeles. Erlea Maneros
Pen (2007) Izabella Jagiello
Sala Rekalde. Bilbao. Hasta el 2 de diciembre
Curated by Leire Vergara, this exhibition of Erlea Maneros

(Bilbao, 1977) shows the new series of her pieces titled
Gabinete Abstracto. Such a series takes the homonym
picture of the American painter Charles Willson Peale, a
portrait painter contemporary to North American
Independence War, as the starting point. The artist paints
his own portrait showing his collection of pieces and
curiosities, those on which he founded the first private
museum in the USA. Drawings, photographs and cyanotypes make up this conceptual imagery in which some
concepts such as the sublime, the monumental, beauty
and the artificial are questioned. On the one hand, Erlea
Maneros analyses the mechanisms of the image representation; and on the other hand, she analyses the pictorial
process used in each case. She uses classical pictorial
techniques linked to the reproduction of the image, for
instance the numerical correlation used to make an accurate copy of an image, or even the use of obsolete technologies such as the cyanotype. Nowadays, Erlea Maneros
lives and works in Los Angeles (USA), studied drawing and
painting at the Glasgow School of Art in Scotland. Her
work has been exhibited individually at Queens Nails
Annex, San Francisco (2007) recently.
Galera pazYcomedias. Valencia

Hasta el 17 de noviembre
Pfeilstorch is exhibited at the Guest Room of this expositive space, and it is divided into three series. The first
one, Pfeilstorch, includes a group of drawings as the main
element of a light installation. In the second one, titled
Ajedrez, some sculptures making up a chess set can be
seen together with some Indian ink drawings in which we
can see the volumetric piece carried out later. The third
series, Grandes Viajes, also includes Indian ink drawings
that play with light so that we can get a double visual
meaning of the represented figures by means of the visual superposition between obverse and reverse.
Izabella Jagiello (Warsaw, 1973) is graduated in Fine Arts
at the Faculty of Sculpture in Warsaws Fine Arts
Academy, and she was awarded with some grants for the
Sheffield Hallam University, in Great Britain, and for the
Universidad Veracruzana in Mexico. She has exhibited
individually and collectively in some cities such as Mexico
DF, Rome, Faenza, Cagliari, Jalapa, some places in Poland
and in Alicante, the city where she lives nowadays alternately with Warsaw.
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BIENAL DE VENECIA
Pabelln del Instituto Italo - Latino Americano. Hasta el 21 de noviembre
Auras de guerra (2007) Ernesto Salmern
El arte internacional tiene cada dos aos una cita

ineludible en Venecia, donde se une una tradicin histrica de indudable belleza: la de la propia ciudad, y la
de las distintas propuestas que los diferentes comisarios y comisarias hacen en sus respectivos pabellones,
junto a la, digamos, propuesta oficial de la Bienal.
Adems, a esto se suman otra gran cantidad de exposiciones, presentaciones, fiestas y actos que hacen
que la ciudad cobre un inusitado trasiego de gente
durante los meses de la Bienal; aunque en un espacio
tan saturado habitualmente de pblico apenas se
noten unos cuantos de miles ms, eso es cierto.
Las propuestas son de lo ms variado, pasando de lo
espectacular casi demasiado espectacular de algunos- hasta lo ms normalito, que a veces es lo ms
interesante. En el Arte (y lo escribo con maysculas)
no es absolutamente necesario que la puesta en escena sea forzosamente espectacular. Para provocar una
reflexin, un encuentro, un momento de relax que nos
conduzca a la maduracin de una idea y que esta nos
lleve hacia algo, no es completamente necesario que
el autor se someta a un permanente ejercicio de trapecio sin red.
De esto ltimo que hablo tambin hay en la Bienal, por
supuesto. La vieja Europa aporta su poso cultural e
histrico cada vez ms preado de sinergias que nos
vienen de otros continentes, gracias al multiculturalismo en que nos encontramos -algo bueno habra de
tener la globalizacin- y al esfuerzo de algunos autores que han comprendido que en la contaminacin
tambin hay cosas buenas. Me refiero a la contaminacin cultural, claro.
Pero de otros continentes nos llega tambin una mirada nueva, ms fresca y desenfadada, como la propuesta que podemos ver en el pabelln de Amrica
Latina, comisariada acertadamente por Irma
Arestizbal, con la ayuda de Alexandra Bonanni y una
buena propuesta de montaje de Paola Pisanelli.
La institucin que impulsa la propuesta es El Instituto
Italo-Latino Americano, un organismo internacional e
intergubernamental del que forman parte Italia y las
veinte Repblicas de Amrica Latina. Este Instituto
gestiona la presencia de estos pases en la Bienal
desde 1972 y resulta de gran eficacia para la difusin
del arte actual latinoamericano y lo aglutina en un
mismo espacio. No sera posible que cada pas tuviera

un pabelln propio.
El Palazzo Ca Zenobio, construido entre el siglo XVII
y el siglo XVIII, es el espacio elegido en esta edicin
para presentar las obras seleccionadas por la comisaria, que ha elegido la idea y el concepto de territorios
como hilo conductor de su propuesta. Adems, del
sentido geogrfico, se explorar la palabra territorio
en todos sus matices: el concepto de nacin, de historia, de naturaleza, de poltica, del espacio domstico y
de la infancia.
Los autores y autoras seleccionados trabajan sobre
este concepto y aportan interesantsimas ideas sobre
l. Algunos de ellos ya los conocemos ampliamente en
Espaa, como el dominicano Jorge Pineda, que trabaja con la galera madrilea Raquel Ponce. Destacamos
a los creadores: Narda Alvarado (Bolivia); Mnica
Bengoa (Chile); Cinthya Soto (Costa Rica); Ren
Francisco (Cuba); Wilfredo Prieto (Cuba); Pablo
Cardoso (Ecuador); Manuela Ribadeneira (Ecuador);
Mara Vernica Len (Ecuador); Ronald Morn (El
Salvador); Mariadolores Castellanos (Guatemala);
Andre Juste y Vladimr Cybil (Hait); Xenia Meja
(Honduras); Ernesto Salmern (Nicaragua); Jonathan
Harper (Panam); William Paats (Paraguay); Paola
Parcerisa (Paraguay); Moico Yaker (Per); Patricia
Bueno (Per).
Juan-Ramn Barbancho
Taller de Escultura Hidalgo (2006) Cinthya Soto
Bienal de Venecia. Arsenale
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Jorge Pineda. Cortesa del artista
International art has an unavoidable meeting in Venice

every two years, where an unquestionably beautiful historical tradition merges: the city beauty and the beauty of the
different proposals the different curators suggest in their
pavilions, together with, lets say, the Biennials official
proposal. In addition there are numerous exhibitions, presentations, parties and activities that make the city have
an unusual coming and going of people during the
Biennial; although some thousands of people more are
hardly noticeable in such a crowded place, that s for sure.
The proposals go from very varied as well as spectacular
too spectacular in some cases to the run-of-the-mill,
which are sometimes the most interesting pieces. In Art
(and I write it with capital letters) it is not necessary to
have a spectacular staging. That is, it is not necessary that
the author is subjected to a permanent trapeze exercise
without a net in order to cause a reflection, a meeting, a
relax moment leading us to the maturing of the idea and
this idea leads us towards something.
Of course we can find these things in the Biennial. Old
Europe contributes its cultural and historical traces more
and more full of synergies coming from other continents,
thanks to the multiculturalism we face the globalization
had to have something good and the effort of some
authors that have understood that contamination is also a
good thing. I mean cultural pollution, of course.
But there is also a new, fresh and casual view from other
continents, such us the proposal we can visit in the Latin
Americas pavilion, rightly curated by Irma Arestizbal,
with the help of Alexandra Bonnani and a good seting up
proposal by Paola Pisanelli.
The institution encouraging the proposal is the Instituto

Italo-Latino Americano, an international and intergovernmental institution made up of Italy and twenty Latin
America Republics. This institute arranges the presence of
these countries in the Biennial since 1972 and it is very
useful for the diffusion of current Latin American art and it
draws the pieces together in the same space. It would be
impossible for every country to have their own pavilion.
The Palazzo CaZenobio, built between 17th and 18th century, is the place selected in this edition to show the pieces
chosen by the curator, who has selected the concept of
territories as the leitmotiv of her proposal. As well as the
geographical point of view the word territory will be
explored in all its meanings: the concept of nation, history, nature, politic, home space and childhood.
The selected authors work on this concept and contribute
with some interesting ideas on it. Some of them are widely known in Spain, such as the Dominican Jorge Pineda,
who works with the gallery Raquel Ponce in Madrid. We
could also highlight the following creators: Narda Alvarado
(Bolivia); Mnica Bengoa (Chile); Cinthya Soto; (Costa
Rica); Ren Francisco (Cuba); Wilfredo Prieto (Cuba);
Pablo Cardoso (Ecuador); Manuela Ribadeneira (Ecuador);
Mara Vernica Len (Ecuador); Ronald Morn (El
Salvador); Mariadolores Castellanos (Guatemala); Andre
Juste y Vladimr Cybil (Haiti); Xenia Meja (Honduras);
Ernesto Salmern (Nicaragua); Jonathan Harper
(Panama); William Paats (Paraguay); Paola Parcerisa
(Paraguay); Moico Yaker (Peru); Patricia Bueno (Peru).
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OCULTOS
SIMON EDMONDSON
Fundacin Canal. Madrid. Hasta el 6 de enero
Galera Mara Prego. Vigo. Hasta el 30 de noviembre
El montaje expositivo que realiza la Fundacin Canal

para esta muestra pretende recrear los gabinetes privados en los que se ocultaban desnudos y obras erticas
que eran objeto de escndalo. El motivo no es otro que
la temtica: el culo, una parte del cuerpo humano que
ha sido tab durante siglos pero que no por ello se ha
librado de ser retratado en multitud de ocasiones. Culos
desde muy diversas perspectivas, tratamientos y enfoques presentados en obras de grandes artistas, comprendidas entre comienzos del siglo XX hasta nuestros
das. Capa, Cartier-Bresson, Mapplethorpe, Man Ray,
Lucien Clergue o espaoles como Joan Colom, Rafael
Navarro, Ramn Masats, Isabel Muoz, Cristina Garca
Rodero y Carlos Prez Siquier son algunos ejemplos. La
exposicin est comisariada por Jos Mara Daz-Maroto,
que explica que se trata de un trabajo serio que supone un paseo por un amplio abanico de formas de trabajar en el que se reflejan la mayora de las tendencias
fotogrficas. Para l, la finalidad de Ocultos es un
cmulo de razonadas intenciones donde cabe, con
maysculas, la belleza, la provocacin, el humor, la irona, la dulzura, la historia, la esttica, el erotismo y
hasta la investigacin creativa.
El pintor britnico Simon Edmondson (Londres, 1955) presenta en este espacio vigus una seleccin de obras en las
que se aleja sus inicios desgarrados y camina hacia una
mayor quietud. Francisco Calvo Serraller describe su pintura
como el radiante y sensual vestido de seda con el que tambin se recubre, y no encubre, el horror. Convierte la pintura de la piel de lo real en un formidable y librrimo accidente gestual, como si las pinceladas hubieran sido dadas al desaire, pero sin jams perder el misterio de la atmsfera y sensacin que penetra hasta el corazn y los nervios, hasta lo
ms recndito e inexplorado de nuestro cerebro. Al final,
Edmondson nos ensea el milagro de la luz, que es, a la vez
el lujoso manto brocado de nuestra catstrofe, y el resplandor de la esperanza. Simon Edmondson estudi en Londres
y Nueva York y desde 1991 vive y trabaja en Madrid. Su obra
est en galeras como Franoise Ditesheim (Suza), Michael
Haas Gallery (Berln), David Beitzel Gallery (Nueva York),
lvaro Alczar (Madrid), Alejandro Sales (Barcelona), Juan
Manuel Lumbreras (Bilbao), Nicola Jacobs Gallery (Londres)
o Kohji Ogura Gallery (Japn).
San Juan. Alicante (1981). Julio lvarez Yage
Cabezas (2007) Simon Edmonson
The expositive setting of the Foundation Canal for this

exhibition tries to recreate the private cabinets where
scandalous erotic pieces and nudes were hidden. The
reason was not other but the topic: the arsehole, the
taboo part of the human body for many centuries, but
despite this, it has been depicted in many occasions.
Arseholes from many different perspectives, treatments
and focuses presented in the pieces of great artists
between the beginning of the 20th century to present
time. Capa, Cartier-Bresson, Mapplethorpe, Man Ray,
Lucien Clergue or some Spanish artists such as Joan
Colom, Rafael Navarro, Ramn Masats, Isabel Muoz,
Cristina Garca Rodero and Carlos Prez Siquier are
some examples. The exhibition is curated by Jos Mara
Daz-Maroto, who explains that it is a serious work acting as a walk all along the wide range of work styles in
which most of the photographical trends are reflected.
According to him, the purpose of Ocultos is a heap of
reasoned intentions where there is place, with capital
letters, for beauty, provocation, humour, irony, sweetness, history, aesthetics, eroticism, and even creative
investigation.
The British painter Simon Edmondson (London, 1955) shows

a selection pieces in this space in Vigo in which he moves
away from his heartbreaking start and moves towards calmness. Francisco Calvo Serraller describes his painting as the
radiant and sensual silk dress with which horror is also covered but not hidden. He turns the painting of the skin of the
real into a fantastic and absolutely free gestural accident, as
if the brushstrokes had been painted reluctantly, but without
losing the mystery of the atmosphere and the sensation that
goes deep into the heart and the nerves, into the depths and
unexplored of our brain. Finally, Edmondson shows us the
miracle of light, that is at the same time the luxurious brocade cover of our disaster, and the brightness of our hope.
Simon Edmondson studied in London and New York, and
since 1991 he has lived and worked there. His work is represented in the galleries Franoise Ditesheim (Switzerland),
Michael Haas Gallery (Berlin), David Beitzel Gallery (New
York), lvaro Alcazar (Madrid), Alejandro Sales (Barcelona),
Juan Manuel Lumbreras (Bilbao), Nicola Jacobs Gallery
(London) or Kohji Ogura Gallery (Japan).
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AYA KATANO. TRADICIN Y MODERNIDAD
Fundaci Joan Mir. Espai 13. Barcelona. Hasta el 11 de noviembre
La obra de la japonesa Aya Takano se enmarca en Kawaii!,

un ciclo de exposiciones que rene a cinco artistas de Japn
de entre 23 y 33 aos. Sus obras muestran las prcticas de
una nueva generacin de creadores surgido recientemente
en el pas nipn. Adems de Aya Takano, el ciclo acoger
hasta julio de 2008 las obras de Erina Matsui, Chiho Aoshima,
Tomoko Sawada y Kowei Nawa. Dibujos, esculturas, pelculas
de animacin, fotografas e instalaciones reflejan la idiosincrasia de una sociedad japonesa en que convergen la tradicin oriental ancestral y la huella de la modernidad originada
por el extraordinario crecimiento econmico y tecnolgico del
dragn asitico. Un ejemplo del social cambio son las shjo
(que significa medio mujer en japons), adolescentes que
matan el tiempo en fotomatones (purikura) vestidas con provocadoras minifaldas plisadas estilo escolar y calcetines muy
largos, tal y como se muestran en el manga. Takano representa a las shjo con un toque pueril y al mismo tiempo
libertino, mezclando elementos tradicionales que les otorgan
un parecido a las cortesanas de las casas de t y otras figuras femeninas de la cultura oriental japonesa. Otro elemento recurrente de la artista es el puente, smbolo de transicin
y cambio y de unin entre dos puntos. Aya Takano (Saitama,
1976) ha trabajado desde los veinte aos en Kaikai Kiki
Corporation, un despacho creado por Takashi Murakami para
promover a los jvenes artistas con los que trabaja. Ha
expuesto en Japn y Estados Unidos, y adems de pintora,
es dibujante de mangas y escritora de ciencia ficcin, y ha
trabajado en la concepcin visual de videojuegos, as como
en la realizacin de pelculas de animacin. En 2004, Naoki
Takizawa la invit a crear una coleccin de ropa ilustrada
con sus pinturas y dibujos para Issey Miyake. Esta es la
primera vez que expone en Espaa.
Di yue Quan Xi 2004 Aya Takano / Kaika Kiki Co. Ltd.
The work of the Japanese artist Aya Takano is included in

Kawaii!, a series of exhibitions bringing together five
Japanese artists between 23 and 33 years old. Their pieces
show the practices of a new generation of creators that have
appeared in Japan recently. As well as Aya Takano, the
series will include the pieces of Erina Matsui, Chiho Aoshima,
Tomoko Sawada and Kowei Nawa. Drawings, sculptures,
animation films, photographs and installations reflect the
idiosyncrasy of a Japanese society in which ancient east
tradition and the traces of modernity caused by the outstanding economical and technological growing of the Asian
dragon converge. An example of the social change is the
shjo (that means half-woman in Japanese), teenagers
that spend their time at the photo booths (purikura) wearing school provocative pleated miniskirts and high socks,
just as it is shown in the manga. Takano represents the
shjo with a childish and at the same time loose-living style,
mixing traditional elements that make them look like courtesans of tea houses and other feminine figures of East
Japanese culture. Other repeated element of this artist is
the bridge, a symbol of transition and change and the link
between two points.
Aya Takano (Saitama, 1976) has been working in Kaikai Kiki
Corporation for twenty years, an office created by Takashi
Murakami to promote the young artists she works with. She
has exhibited in Japan and the USA, and as well as a painter,
she is also a manga drawer and a science fiction writer, and
she has worked in the visual creation of videogames, as well
as the production of animation films. In 2004, Naoki
Takizawa invited her to create a clothes collection illustrated
with her paintings and drawings for Issey Miyake. This is the
first time she has exhibited in Spain.
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HUMBERTO RIVAS. FOTOGRAFAS
LA ABSTRACCIN DEL PAISAJE
Michel Soskine Inc. Madrid. Hasta el 17 de noviembre
Fundacin Juan March. Madrid. Hasta el 13 de enero
Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937), Premio Nacional

de Fotografa en 1997, aporta en su fotografa un inters por la austeridad y artesana formal de la fotografa. Fiel a la fotografa en blanco y negro, instrumentaliza los grises o la potencia de la negritud a favor de la
expresin.
Existen en la obra de Humberto Rivas el protagonismo
de dos gneros: el paisaje y el retrato.
En esta muestra se han incluido piezas sobre arquitecturas relacionadas con la Guerra Civil espaola, ruinas
y rastros blicos, lugares abandonados y desiertos que
caracterizan su produccin. Imgenes que evidencian
una austeridad que se mantiene en sus retratos, de
intensa sencillez.
La Fundacin Juan March inicia su temporada de exposiciones con la muestra titulada La abstraccin del paisaje. Del romanticismo nrdico al expresionismo abstracto, una seleccin de ms de cien obras sobre papel de
artistas desde Caspar David Friedrich hasta Mark Rothko
o Jackson Pollock. La muestra est organizada con la
colaboracin de diferentes museos europeos y norteamericanos, entre ellos el Kupferstichkabinett de Berln,
que presta 35 obras. El ensayo La pintura moderna y la
tradicin del romanticismo nrdico. De Friedrich a
Rothko (1975) del ensayista Robert Rosenblum, que
entiende el paisaje romntico como origen de la abstraccin moderna, es el punto de partida de la exposicin.
Este nexo, esta conexin esttica e histrico-cultural
existente entre la tradicin del norte de Europa, esa
conexin entre el paisajismo del primer romanticismo y
la abstraccin europea y norteamericana, muestra el
sugerente nacimiento de la abstraccin desde el espritu del paisajismo romntico. El recorrido por la muestra lo marcan tres paisajes de Caspar David Friedrich de
1802, y finaliza con obras del expresionismo abstracto
norteamericano y europero, de Mark Rothko, Adolph
Gottlieb, Barnett Newman, Jackson Pollock, Anselm
Kiefer y Gerhard Richter.
Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937), National Prize of

Photography in 1997, shows an interest in austerity and
formal craft of photography in his work. Faithful to black
and white photography, he uses greys or the power of
black as a tool in favour of the expression.
There are two important genres in the work of this
artist: landscape and portrait.
In this exhibition we can see some pieces about architectures related to the Spanish Civil War, ruins, and
warlike traces, abandoned places and deserts that characterize his production. Images that make the austerity of his portraits evident, with an intense simplicity.
Luci (1990) Humberto Rivas
The Foundation Juan March starts the season with the

exhibition titled La abstraccion del paisaje. Del romanticismo nrdico al expresioniamo abstracto, a selection of
more than one hundred pieces on paper of some artists
such as David Friedrich, Mark Rothko or Jackson Pollock.
The exhibition has been organized in collaboration with
different European and North American museums,
among them the Kupferstichkabinett in Berlin, which has
sent 35 pieces.The essay La pintura moderna y la tradicin del romanticismo nrdico. De Friedrich a Rothko
(1975) of the essayist Robert Rosenblum, who understands the romantic landscape as the origin of modern
abstraction, is the starting point of the exhibition. This
link, this aesthetic and historical-cultural connection
among North European tradition, this connection
between the landscape of the first romanticism and
European and North American abstraction, shows the
suggestive beginning of abstraction from the romantic
landscape. The beginning of the exhibition is marked by
three landscapes of Caspar David Friedrich from 1802,
and it ends with some pieces of North American and
European abstract expressionism of Mark Rothko, Adolf
Gottlieb, Barnett Newman, Jackson Pollock, Anselm
Kiefer and Gerhard Richter.
John Constable. Vista de un campo accidentado con un cielo

tormentoso
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LUIS GORDILLO
Galera Gacma. Mlaga. Hasta el 14 de noviembre

Finalizada la retrospectiva comisariada por el propio Luis
Gordillo para el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa
(Madrid), este artista presenta en GACMA alrededor de
ochenta obras realizadas a lo largo de toda su trayectoria
pero agrupadas buscando cierta tensin narrativa. leos,
acrlicos sobre lienzo, lpices y tcnicas mixtas sobre papel
todo tipo de tcnicas aparecen empleadas en las obras entre
2000 y 2007, donde aparece la gran influencia del pop inicitico, el informalismo o las geometras. Enmarcado dentro
de la figuracin madrilea, surgida en los aos setenta,
Gordillo (Sevilla, 1934) estudi en la Escuela de Bellas Artes
de su ciudad natal. A finales de la dcada de los aos cincuenta viaja a Pars donde descubre el informalismo y se
interesa tanto por la obra de Jean Fautrier como de Jean
Dubuffet. Durante esos aos su obra estaba cercana al Art
Autre o Dau al Set. Comienza a interesarse por la obra de
Francis Bacon y por el Pop Art estadounidense, un hecho
constatado en los primeros aos de la dcada de 60, en
series como Cabezas y Automovilistas. En 1963 inicia un psicoanlisis que, como el propio Gordillo ha insistido en afirmar, fue muy importante en la construccin esttica de su
obra. Durante la dcada de 1970 realiza dibujos automticos
de trazo, trasladados a lienzo y con campos de color, destaca su participacin en la Bienal de Venecia de 1976. En las
ltimas dcadas su pintura se sita a medio camino entre la
figuracin anterior y las nuevas frmulas de la abstraccin
postmoderna.
s/t (2006) Luis Gordillo
Once the retrospective curated by Luis Gordillo for the

MNCARS (Madrid) ended, this artist shows about eighty
pieces made all along his trajectory but grouped looking for certain narrative tension. Oils, acrylics on canvas, pencils and mixed media on paper all kind of
media are used in the pieces between 2000 and 2007
in which there is a great influence of the initiation pop,
the informalism or geometries. Part of the Madrilenian
figuration emerged in the seventies, Gordillo (Seville,
1934) studied at the Fine Arts School in his home city.
At the end of the fifties he travels to Paris where he
discovers the informalism and is interested both in
Jean Fautriers and Jean Dubuffets work. His work was
very close to the Art Autre or Dau al Set. He started to
be interested in Francis Bacons work and the American
Pop Art, a fact confirmed at the beginning of the sixties
in some series such as Cabezas and Automovilistas. In
1963 he starts a psychoanalysis that, as Gordillo himself has emphasized, was very important in the aesthetic creation of his work. In the seventies he makes
automatic stroke drawings, moved to the canvas and
with colour backgrounds, and his participation in the
Biennial of Venice in 1976 was very important. In the
last decades his painting can be set half way between
the previous figuration and the new formulas of the
post-modern abstraction.
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LOS COLORES DE LA CARNE
Centro Jos Guerrero. Granada. Hasta el 6 de enero
Noches de San Valentn en El Edn (2007) Alicia Lamarca
La manzana de Adn Paz Errzuriz
Producida por este espacio granadino Los colores de la

carne rene obra de Merry Alpern, Jane Evelyn Atwood,
Elisabeth B, Paz Errazuriz, Maya Poded, Alicia Lamarca,
Erika Langley y Susan Meiselas.
Desde los aos 70 emerge el trabajo de mujeres fotgrafas que trabajan sobre el tema de la prostitucin y que
aportan otro tipo de cuestiones que la mirada masculina
y patriarcal rara vez aportaba. Para el comisario de la
exposicin, Joan Fontcuberta, Los colores de la carne
aspira a dar voz (y ojos) a las mujeres, para que puedan ofrecer su versin de una problemtica que les
incumbe, pero tambin para que todos, sin distincin de
gnero, comprobemos cmo la gestin de la mirada
implica poder. Porque, como sostena Susan Sontag, toda
mirada seala una perspectiva tica. Esta muestra se
centra en aquellos trabajos que ofrecen una panormica
completa sobre el comercio sexual en sus mltiples mbitos y desde estilos y estrategias muy diversas.
Carnival Strippers de Susan Meselas (Baltimore,
Maryland, 1948), una serie documentalista que sigue la
tradicin de Mgnum, muestra los veranos (entre 1972 y
1975) que la fotografa pas fotografiando y entrevistando a bailarinas de estriptis que actuaban en ferias ambulantes. Jane Evelyn Atwood (New York, 1947) estuvo
durante un ao fotografiando a prostitutas de un burdel
parisiense especializado en clientes masoquistas.
Erika Langley (Washington, 1967) convivi durante aos
con bailarinas de un club nocturno de Seattle, The Lusty
Lady, compaginando dos actividades: actuaciones frente
al pblico y empuando la cmara. Para realizar Dirty
Windows Merry Alpern (Nueva York, 1955) pas el invierno de 1993-1994 en un tico en Wall Street desde el que
enfoca con un teleobjetivo un nightclub y un burdel ilegal
obteniendo imgenes fragmentarias y annimas.
Elisabeth B. estuvo contratada en un sex shop como bailarina de striptease, y con una mnima cmara se dedicaba a fotografiar ocultamente a los clientes que pagaban
por verla desnudarse. Noches de San Valentn en El Edn,
es trabajo indito de Alicia Lamarca (Benidorm, Alicante,
1975) en el que aparecen registradas las camas vacas
despus de la transaccin sexual en el homnimo club de
Benidorn.
En La Manzana de Adn, de Paz Errzuriz (Santiago de
Chile, 1944) relata la prostitucin de los travests en el
contexto de la dictadura chilena. En la serie se interesa
por la vida de dos prostitutos, los hermanos Evelyn y Pilar
Paredes Sierra, su madre, y su crculo ms cercano. Maya
Goded (Mxico DF, 1967) realiza en el barrio de la Merced
(Mxico DF) el proyecto Sexo Servidoras. En relacin con
esta obra, Joan Fontcuberta escribe el catlogo de la
muestra La fotgrafa explica que empez este proyecto
al quedar embarazada y necesitar clarificar dudas y miedos, entender en definitiva los secretos y los sentidos que
las mujeres encierran en sus cuerpos. No haba por tanto
una voluntad de testimoniar una situacin desde parmetros sociolgicos o morales, sino de buscar respuestas
personales sobre su propia condicin de mujer.
Las polticas de representacin del cuerpo y la objetualizacin del cuerpo, principalmente el femenino, ha centrado la atencin de numerosos proyectos expositivos de las
ltimas dcadas. En asuntos tales como la prostitucin y
el comercio sexual, la fotografa, bajo su formato documental y/o artstico, se ha propuesto como uno de los
medios ms utilizados.
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Dialogues de nuit Jean Evelyn Atwood
Produced by this space in Granada Los colores de la

carne assembles the work of Merry Alpern, Jane
Evelyn Atwood, Elisabeth B, Paz Errazuriz, Maya
Poded, Alicia Lamarca, Erika Langley and Susan
Meiselas.
The work of women photographers, working on the
topic of prostitution and providing other kind of questions masculine and patriarchal view rarely provides,
appeared in the seventies.
According to the curator of the exhibition, Joan
Fontcuberta, Los colores de la carne aspires to given
women voice (H a whole vision of sexual intercourse
in different ways and from different styles and
strategies.
Carnival Strippers by Susan Meselas (Baltimore,
Maryland, 1948), a documentalist series following
Mgnums tradition, shows the summers (between
1972 and 1975) the photographer spent capturing
and interviewing striptease dancers who worked in
itinerant fairs.
Jane Evelyn Atwood (New York, 1747) took photographs of prostitutes of a Paris brothel specialized in
masochistic clients for a year.
Erika Langley (Washington, 1967) lived together with
the dancers of a night club in Seatle, The Lusty Lady,
combining two activities: performances in public and
taking up the camera.
In order to produce Dirty Windows Merry Alpern
(New York, 1955) spent the 1993-1994 winter in a
penthouse in Wall Street from which she focused a
nightclub and an illegal brothel with a telephoto lens
getting some fragmentary and anonym images.
Elisabeth B. worked at a sex shop as a striptease
dancer, and with a tiny camera she stealthily captured
the clients who paid for seeing her doing a strip.
Noches de San Valentn en el Edn is a new piece of

Alicia Lamarca (Benidorm, Alicante, 1975) in which
we can see the empty beds after the sexual deal at
the homonym club in Benidorm.
In La Manzana de Adn Paz Errzuriz (Santiago de
Chile, 1944) relates transvestites prostitution in the
context of the Chilean dictatorship.
In the series she is interested in the lives of two male
prostitutes, the Evelyn brothers, and Pilar Paredes
Sierra, their mother, and their closest sources.
Maya Goded (Mxico DF, 1967) produces the project
Sexo Sevidoras in the Merced neighbourhood.
Regarding this piece, Joan Fontcuberta writes in the
catalogue of the exhibition the photographer
explains that she started this project when she got
pregnant as she needed to clarify some doubts and
fears, to understand the secrets and the senses
women have inside their bodies.
There was not a wish to show a situation from a sociological or moral point of view, but to look for personal answers about her own woman condition.
The body representation and objectualization policy,
mainly the feminine one, has paid special attention
to the numerous expositive projects of the last
decades.
Photography, under a documental and/or artistic format, has been one of the most used media in some
subjects such as prostitution and sexual intercourse.
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QUINTANA MARTELO
Auditorio de Galicia. Santiago de Compostela. Hasta el 9 de diciembre
Paisaxe interior (2006) Quintana Martelo
Quintana Martelo. El espritu de la pintura

Es Quintana Martelo un artista que se siente cmodo
pintando. A pesar de su larga trayectoria artstica,
ms de treinta aos, contina hacindolo, avanzando
y desarrollando su trabajo valindose de la tcnica
pictrica. Sus creaciones son fruto de un largo proceso de observacin y conocimiento de los materiales
empleados para tal fin.
Manuel Quintana Martelo (Roxos, Santiago de
Compostela, 1949), se form en la Escuela Superior
de Bellas Artes de Sant Jordi, Barcelona. Ya en 1969
muestra su obra en una colectiva en dicha ciudad y
tres aos despus expone de forma individual en
Vigo. Ha realizado numerosas exposiciones en
Galicia, Catalua, Madrid, Ginebra, Nueva York o
Caracas, entre otros. Est presente con sus obras en
multitud de instituciones pblicas y privadas.
Santiago de Compostela, su ciudad, es el lugar elegido para albergar una amplia retrospectiva de su
obra; la exposicin se divide en dos escenarios, el
Auditorio de Galicia, que acoge la mayor parte de las
obras y la Iglesia de la Universidad, ubicada en el
casco histrico, que funciona como tarjeta de visita,
el espectador, tras observar la intervencin all realizada, siente la necesidad de seguir indagando y
conociendo la obra del artista compostelano.
Quintana quiso ya en los setenta homenajear a artistas consagrados, a grandes maestros de la historia
del arte, as Bacon, o Rembrandt aparecen como
invitados en obras como El Cardenal (1976), o
Crnica desde Rembrandt (1979). En los ochenta
incorpora a Goya, Del perro de Goya (1984), alusin
al famoso El perro (1820-23) del pintor aragons,
donde se representa magistralmente el vaco, la soledad, de un modo excepcional; Goya rompe con las
convenciones al utilizar slo un uno por ciento del
lienzo para representar la cabeza del perro, el resto
es slo color, abre una puerta a la contemporaneidad. Binomio entre figuracin y abstraccin, tambin
marca de calidad de Quintana Martelo.

Los ochenta continan con incursiones expresionistas, alusiones a amigos, retratos, guios cmplices
del artista, Eidos de Rosala (1985), representa la
idea del cuadro dentro del cuadro, una espectadora
contempla de espaldas un retrato de la escritora
gallega Rosala de Castro.
Los noventa abren un nuevo camino, avanza, introduce nuevos elementos en sus obras, la palabra
cobra importancia, una palabra en muchos casos traducida, Nueva York ha dejado huella, los telfonos,
Rose St (1993-98), alternan con las representaciones
de los elementos utilizados por el pintor, pinceles,
brochas, platos manchados de pintura a modo de
paletas... y el esparadrapo, barrera fsica entre la
representacin y el espectador que casi logra colarse
en su estudio, Catro pinceis (1993); Material (1995).
Y rosas, smbolo de finalidad, de logro absoluto y de
perfeccin, 7 Outubro: Rosas (1995), rosas y ms
rosas, enmarcadas, formando parte del taller, sobre
los platos-paletas, o solas, Ramio de rosas (1996).
Y calas, y limones, y cebollas, sandas, zapatillas,
pantalones y peridicos y el artista, representado en
su estudio, Autorretrato no Obradoiro (1997), mostrndonos su espacio, su ropa de trabajo, a l
mismo.
El nuevo siglo contina mostrando sus bodegones
contemporneos, As zapatillas de pintar (2000),
Bodegn con pltanos (2000), Food Print (2005), o
Paisaxe interior (2006), un modo de autorretratarse
a travs de los pinceles o de las zapatillas cubiertas
de pintura, juegos de presencia-ausencia, de abstraccin y figuracin, de contar algo, tambin de
callar, sonido y silencio, ahora y despus.
En los estudios de artistas vuelven a proliferar los
botes de pintura y hoy por hoy nada resulta tan raro
como un caballete vaco en una escuela de arte. En
Europa y Amrica abundan los artistas que han
redescubierto el placer de la pintura. En los estudios,
en los cafs y en los bares, all donde se renen
artistas y estudiantes, asistimos a apasionados debates y tertulias sobre pintura. En pocas palabras, los
artistas estn pintando de nuevo, la pintura se ha
convertido para ellos en algo vital y esta nueva conciencia del significado contemporneo de la ms antigua forma de su arte puede palparse en todos los
ambientes en los que se hace arte. 1
Son palabras que no han perdido vigencia para describir la forma de expresarse de un pintor que a
veces amenaza con salir de la bidimensionalidad,
cuando sus obras contienen pedazos de esparadrapo,
cuando casi quieren ser esculturas...
El artista nos muestra su estilo propio, personal,
hacindose amigo de la mancha, del borrn, para
representar y casi a continuacin tapar, para contarnos una historia de su trabajo, de su estudio, de sus
amigos, de su vida, una historia... incompleta.
Emma Gonzlez Rey
1 Christos M. Joachimides. Un nuevo espritu en la pintura. Royal
Academy of Art, London, 1981.
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Quintana Martelo. The spirit of painting
Memoria (10-1-2006) (2007) Quintana Martelo
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AFORISMOS
BEST REGARDS FROM THE BLIND SPOT
Georg Christoph Lichtenberg (17421799), fue un cientfico y escritor alemn, librepensador, escptico, satrico,
anglfilo y dotado de una afilada irona; y slo despus de
su fallecimiento fueron publicados sus Sudelbcher I und II
donde el autor fue compilando durante 35 aos observaciones, reflexiones y lcidas boutades sobre las ms diversas
materias. A principios del siglo XX fueron reeditados con el
ttulo Aphorismen, el cual adems de apcrifo es desorientador: nada ms lejos de los cuadernos de notas (sudelbcher) lichtenbergianos que un libro de aforismos, sentencias o mximas de la tradicin clsico-renacentista. El aforismo segn Lichtenberg deviene as en una forma literaria
de la reflexin, en que el autor se esmera en no escribir su
obra, sino en mostrarnos palpitantes pedazos de su yo
interior, ese maldito yo, que dira Cioran (otro exquisito
admirador del autor alemn, junto con artistas de la talla
de Saura, Alechinsky, Bacon, Braque...).
Con los
Sudelbcher como pretexto, en esta muestra Aforismos
(de Lichtenberg) 13 autores de grfica contempornea
arrojan una cierta mirada sobre otros tantos aforismos
lichtenbergianos: reflexiones inclasificables sobre lo humano y lo divino, breves catarsis de imposturas desveladas y
convicciones derrumbadas. Discurso silencioso, irreverente, de la duda.
Best Regards from the Blind Spot. Representaciones femeninas en vdeo desde Serbia y Montenegro (1976, 2007)
forma parte del ciclo CONTRASEAS. Nuevas representaciones sobre la femineidad organizado desde el Centro
Cultural Montehermoso, un proyecto compuesto por 12
ciclos cuatrimestrales comisariados por 12 profesionales
del panorama nacional e internacional y extendido durante 4 aos con la intencin de mostrar la pluralidad de propuestas videogrficas desde la dcada de los sesenta del
siglo XX. Comisariada por Jovana Stokic esta exposicin se
centra en las representaciones de la subjetividad femenina. Son ocho las artistas seleccionadas, pertenecientes a
una misma regin. Para la comisaria Best Regards from the
Blind Spot debera entenderse como un canto irnico de
una postal enviada desde el lugar en el que viven estas
artistas. Serbia y Montenegro representa una especie de
ngulo muerto en el mundo artstico ya que estas jvenes artistas (con la excepcin de Marina Abramovic y
Jelena Tomasevic) se encuentran ms o menos fuera de los
circuitos internacionales del mundo del arte () Estos trabajos no ofrecen imgenes positivas de la mujer que cambien los estereotipos masculinos, ni ofrecen una crtica
especfica del patriarcado o de la mirada masculina.
Antonio Saura
Little Red Riding Hood: The False Choice (2007) Jelena Radic
Galera ARTRA. Betanzos. A Corua

Desde el 1 hasta el 29 de diciembre
George Christoph Lichtenberg (1742-1799), was a German

scientist and writer, freethinker, sceptical, satiric, anglophile
and endowed with a sharp irony; and only after his death,
his piece Sudelbcher I und II was published, a piece in
which the author had been compiling remarks, reflections
and lucid boutades on a wide variety of topics for 35 years.
At the beginning of the 20th century they were reedited
with the title Aphorismen, which is apocryphal as well as
confusing: nothing could be further from Lichtenbergs
notes (sudelbcher) than a book of aphorisms, sentences
or maxims of the classical-Renaissance tradition. The aphorism, according to Lichtenberg, turns into a literary kind of
reflection in which the author takes great pains over not
writing his work, but showing us palpitating pieces of his
ego, ese maldito yo, as Cioran (another admirer of the
German author, together with some important artists such
as Saura, Alechinsky, Bacon, Braque) would have said.
With the sudelbcher as a pretext, in this exhibition
Aforismos (of Lichtenberg) 13 authors of contemporary
graphic work have a look at other Lichtenbergs aphorisms:
unclassifiable reflections on the human and the divine, brief
catharsis of watchful impostures and collapsed convictions.
Silent and irreverent discourse of the doubt.
Centro cultural Montehermoso. Vitoria - Gasteiz

Hasta el 24 de enero
Best Regards from the Blind Spot. Representaciones femeninas en vdeo desde Servia y Montenegro (1976, 2007) is
part of the series CONTRASEAS. Nuevas representaciones
sobre la femineidad, organized from the Centro Cultural
Montehermoso, a Project composed by 12 four-monthly
cycles curated by 12 national and international professionals and spread for four years with the intention to show the
plurality of video proposals since the sixties in the 20th century. Curated by Jovana Stokic, this exhibition focuses on
the representations of feminine subjectivity. The selected
artists are eight, belonging to the same region. According
to the curator, Best Regards from the Blind Spot should be
understood as the ironic song of a postcard sent from the
place where these artists live. Serbia and Montenegro represent a sort of dead angle in the artistic world since
these young artists (with the exception of Marina
Abramovic and Jelena Tomasevic) are more or less out of
the international circuits of the art world () These pieces
do not show positive images of the woman to change the
masculine stereotypes, or a specific critic of the patriarchy
or the masculine point of view.
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ISABEL MUOZ
Galera Ana Vilaseco. A Corua. Hasta el 5 de enero

En la fotografa de Isabel Moz el cuerpo es sinnimo
de territorio, de espacio posedo, de espacio identitario
y culturizado. Al igual que fotgrafos como Edward
Weston ou Robert Mappelthorpe, Isabel Muoz se interesa por lo corporal, por la intensidad de su fragmento:
unos labios que ocupan toda la superficie fotogrfica,
una espalda estampada o un torso tapizado; todos son
fragmentos corporales que construyen una orografa sgnica y delectante.
Sus imgenes indagan en la presencia de signos identitarios en el cuerpo, en la bsqueda de la afirmacin del
individuo dentro del corpus social. Por una parte el sujeto participa de determinados signos y marcas de componentes simblicos, de aceptacin social, y por otra intensifica su individualidad aceptando los cdigos consensuales y permitidos dentro del orden social. Elementos
presentes en las obras que se han seleccionado para
esta exposicin en la galera Ana Vilaseco, de series
como Danza Khmer, Camboya (1996), Burkina Fasso,
Burkina (1998), Capoeira, Salvador de Baha, Brasil
(2000), o Danza Cubana, La Habana Vieja, Cuba (1995).
Sus fotografas son contactos de gran formato en papel
baritado o platinotipias, un mtodo tradicional que
Isabel Muoz realiza empleando el antiguo proceso del
platino. En este proceso la artista prepara el papel aplicndole una solucin de platino. Ms tarde los negativos,
que deben tener el mismo tamao que la fotografa final,
se ponen en contacto directo con el papel preparado
para ser expuestos luz. Una vez terminado el proceso,
las imgenes son reveladas y lavadas a mano. Este proceso aporta a la imagen un tono y una textura caractersticas otorgando a las imgenes una fuerte potica.
Serie Tango, Buenos Aires, Argentina, 1989 Isabel Moz
In the photography of Isabel Muoz the body is synonym

of territory, of an owned space, of an identifying and
enlightened space. Just as some photographers such
as Edward Weston or Robert Mappelthorpe, Isabel
Muoz is interested in the corporal, in the intensity of
its fragment: lips occupying all the photographic surface, a printed back or a covered torso; all of them are
bodily fragments constructing a delectable orography
of signs.
Her images investigate the presence of identifying
signs of the body, looking for the individuals affirmation within the social corpus. On the one hand the subject shares certain signs and marks of symbolic components, social acceptance; and on the other hand he/she
intensifies his/her individuality by accepting the allowed
and consensual codes within the social order. All of them
are present in the pieces selected for this exhibition at
the Gallery Ana Vilaseco, series such as Danza Khmer,
Camboya (1996), Burkina Fasso, Burkina (1998),
Capoeira, Salvador de Baha, Brasil (2000), or Danza
Cubana, La Habana Vieja, Cuba (1995). Her photographs are big size contact prints on baritated paper or
platinotipias, a traditional method Isabel Muoz makes
by using an old platinum process. In this process the
artist prepares the paper applying a solution of platinum. Afterwards, the negatives that should have the
same size as the final photograph, are put into direct
contact with the prepared paper so as to be exposed to
light. Once the process is finished the images are developed and hand-washed. This process gives the image a
characteristic tone and texture conferring the images a
strong poetic.
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MAN RAY. DESPREOCUPADO PERO NO INDIFERENTE

Fundacin Caixa Galicia. A Corua. Hasta el 6 de enero
Man Ray. Despreocupado

pero no indiferente acerca al espectador al proceso creativo de este
artista a travs de una
seleccin de piezas pertenecientes a la fundacin que posee la familia de Man Ray, creador
de incuestionable referencia para el arte de
las primeras vanguardias histricas, y en
especial para la fotografa. El nombre de Man
Ray, se une al de Marcel
Duchamp
y
Francis
Picabia, como promotores de uno de los grandes movimientos de
comienzos de siglo el
Dadasmo
y
el
Surrealismo.
Esta muestra se organiz en estrecha colaboracin con la Man Ray
Trust de Long Island, y
form
parte
de
Photoespaa 2007. En
esta ocasin, se incluye
dentro de la programacin de la primera edicin
del
festival
Photogalicia, organizado desde la Fundacin
Caixa Galicia, permitiendo al pblico conocer una serie de piezas
inditas: desde objetos
personales de Man Ray
a
obras
conocidas,
desde
manuscritos a
colecciones de fotografa y cartas privadas
Todo ello conforma un
material que recorre
sus cuatro etapas creativas que estuvieron
determinadas por las
ciudades en las que
vivi Nueva York, Pars,
Los ngeles y de nuevo
Pars.
La
exposicin, cuyo
ttulo remite al epitafio
de Man Ray, presenta
una seleccin de 300
obras que le sirvieron
de referencia en su produccin; objetos que le
sirvieron de inspiracin
para concebir muchas
de sus piezas clave,
como su bombn y sus
Coal Stand Man Ray Trust
bastones, o su coleccin
de fotografas erticas y
el material que empleaba para crear sus conocidas Rayografas.
Destaca un conjunto de
80 placas fotogrficas
procedentes de la serie
Les Mains Libres (1936
- 37), 120 fotografas
documentales
de
Francia fechadas en la
dcada de 1920, un
documento de la pintura Grand Verre (Gran
Vidrio)
de
Marcel
Duchamp, una coleccin
de 20 transparencias
enmarcadas que Man
Ray cre cuando experimentaba con la fotografa en color y una pieza
realizada entre Max
Ernst y Man Ray que
consta de dos frottages.
Man Ray. Despreocupado

pero
no
indiferente
approaches the spectator to the creative
process of this artist by
means of a selection of
pieces belonging to the
foundation
of
Man
Rays family. Man Ray
was the referential creator of the first historical avant-gardes for art
and especially for photography.
The name of Man Ray,
together with Marcel
Duchamp and Francis
Picabia were the promoters of one of the
most important movements at the beginning
of the century: the
Dadaism
and
the
Surrealism.
This exhibition was
organized from the

Foundation
ICO,
in
close collaboration with
the Man Ray Trust from
Long Island, and took
part in Photoespaa
2007. In this occasion,
it is part of the programme of the first
edition of Photogalicia,
organized from the
Foundation
Caixa
Galicia, and shows the
public a series of new
pieces: from Man Rays
personal objects to
other famous pieces,
from manuscripts to
photography
collections and private letters All these things
make up a material
including his four creative periods marked
by the three cities
where he lived: New
York, Paris, Los Angeles
and Paris again.
This project, curated by
Noriko Fuku and John
Jacob,
whose
title
refers to Man Rays epitaph, showing a selection of 300 pieces that
acted as referents in
his production. The
exhibition shows certain objects that were
an inspiration to create
many of his most
famous pieces, such as
his bowler hat or his
walking sticks, or some
of the objects that
were in the shelves of
his studio in the Rue de
Frou in Paris, his collection of erotic photographs and the material he used to create his
known Rayographies.
Among the selection of
new pieces, we could
highlight a group of 80
plates coming from the
series Les Mains Libres
(1936-37); a document
of the painting Grand
Verre (Great glass) by
Marcel Duchamp, or a
piece
produced
between Max Ernst and
Man Ray composed by
two frottages.
31/10/2007
18:08
"
FERNANDO MAQUIEIRA
CAB Burgos. Hasta el 6 de enero

Fernando Maquieira (Puerto Llano, 1966) presenta en
esta muestra una seleccin de sus trabajos desde 2002
hasta la actualidad. Su mxima es la observacin; en
sus paseos y viajes observa cuanto sucede a su alrededor para intentar comprender el mundo.
En su trabajo nos encontramos con realidades; se trata
de imgenes que existen sin manipulacin. Se han
seleccionado para la exposicin del CAB Burgos obras de
series como Anima, Ruta 40, Regionales europeos,
Sobre la Alhambra, veintediasmexico y De Bruselas a
Rotterdan.
El primer contacto con la fotografa de Fernando
Maquieira lo tiene en su adolescencia cuando empieza a
trabajar como ayudante en el estudio de Fernando
Gordillo, fotgrafo que pertenece al movimiento de la
Escuela de Madrid. Tras su paso por este estudio,
Fernando trabaj como diseador grfico, y hoy dirige el
plat digital de Cromotex.
In this exhibition Fernando Maquieira (Puerto Llano,
1966) shows a selection of his pieces from 2002 to present time. His maxim is observation; in his walks and
travels he observes what is happening around him so as
to try to understand the world.
We can find different realities in his work, but we are
talking about images of places without any kind of
manipulation. For the exhibition at the CAB Burgos some
pieces of some series such as Anima, Ruta 40,
Regionales europeos, Sobre la Alhambra, veintediasmexico and De Bruselas a Rtterdam have been selected. His first contact with photography is in his adolescence when he started to work as a assistant in
Fernando Gordillos studio, a photographer belonging to
the movement of La Escuela de Madrid. After working
there Fernando worked as a graphic designer, and nowadays he is the director of the digital set Cromotex.
Salina grande. Ruta 40 Fernando Maquieira
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ALICIA MARTN
Gallery & Food. Gijn. Hasta diciembre
Monlogos (2007) Alicia Martn
Alicia Martn ha intervenido el espacio del comedor

Mardy Grass de la Gallery Art & Food con una escultura en la utiliza nuevamente los libros que habitualmente emplea en su produccin. Se trata de una
catarata de letra impresa que se desliza desde el
techo aplastando una de las mesas del comedor.
Adems de esta intervencin se incluyen diecinueve
fotografas de medio y gran formato que conforman
Monlogos de Alicia Martn (Madrid, 1964). En 2009
Linz (Austria) ser junto a Vilna (Lituania) capitales
europeas de la cultura, y Alicia Martn va a realizar
para esta ciudad la obra Biografas, una escultura de
12 metros a base de libros que se precipita desde un
balcn, anteriormente instalada en la madrilea
plaza de Cibeles, en la fachada de la Casa de
Amrica. Gallery Art & Food, GAF, abri sus puertas
en junio de 2005. Los 1.100 m 2 de sus instalaciones
combinan la exposicin de obras de arte (habitualmente concebidas y realizadas especficamente para
sus espacios) con un restaurante creativo que dirige
el chef Alejandro Urrutia.
Alicia Martn has made a performance at the space

of the restaurant Mardy Grass of the gallery
Art&Food with a sculpture in which she uses again
the books she often uses for her production. It is a
waterfall of printed letters that slides from the ceiling squashing one of the tables of the restaurant.
As well as this performance we can see nineteen
medium and big size photographs making up
Monlogos by Alicia Martn (Madrid, 1964). In 2009
Linz (Austria) and Vilna (Lithuania) the European
capitals of culture, and Alicia Martn is going to produce the work Biografas for this city, a 12 metre
sculpture made of books that falls from a balcony,
previously installed in the Madrilenian Plaza de la
Cibeles , in the faade of the Casa de Amrica. The
Gallery Art & Food, GAF, opened in June 2005. The
1,100 m of space combine the exhibition of art
pieces (usually thought and produced specifically for
this space) with a creative restaurant run by the
chef Alejandro Urrutia.
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JUAN USL. SWITCH ON / SWITCH OFF

CACMlaga. Hasta el 31 de diciembre
Bajo el ttulo Switch on /

Switch off, el artista
Juan Usl presenta 40
obras clasificadas en dos
tipologas:
pinturas
negras de gran formato,
So que revelabas, y
las de pequeo tamao,
de mayor colorido. Para
el artista la exposicin
se presenta como dos
pieles: una externa formada por cuadros de
gran
tamao
que
envuelve a la interna,
compuesta por las hileras de cuadros situadas
en el centro de la sala.
So que revelabas
engloba 10 obras verticales realizadas entre
2004 y 2007. Lo que
tienen en comn estos
cuadros, adems del
predominio del negro, es
la pincelada. Se trata de
una pincelada corta y
estriada, una especie de
punto luminoso, afirma
el crtico John Yau. Los
cuadros de So que
revelabas mayoritariamente estn compuestos por franjas horizontales oscuras entre las
cuales suele insertar una
lnea o franja clara. En
comparacin con esta
serie, las obras de
pequeo formato se
caracterizan
por
su
barroquismo, patente
tanto en la riqueza cromtica como en el trabajo gestual. Se reiteran
determinados
signos
recurrentes en su trayectoria como las rayas,
las ondas, los cubos, los
ajedrezados o los rizomas.
Juan
Usl
(Santander, 1954) estudi Bellas Artes en la
Escuela Superior de
Bellas Artes de San
Carlos de Valencia. En
1992 su obra fue seleccionada para la IX
Documenta de Kassel. A
lo largo de sus veinte
aos de trayectoria profesional ha realizado
numerosas exposiciones, entre ellas una
retrospectiva bajo el
ttulo genrico Back &
Forth (1996) en el
Instituto Valenciano de
Arte Moderno (IVAM), el
MACBA,
la
Saatchi
Gallery,
el
Museo
Serralves, el Museo
Ludwig de Viena, entre
otros. En 2002 le fue
concedido el Premio
Nacional
de
Artes
Plsticas del Ministerio
de Cultura, en reconocimiento a toda su trayectoria. En 2003 realiz
una antolgica de su
obra
titulada
Open
Rooms, que se present
en
el
Palacio
de
Velzquez, la Fundacin
Marcelino
Botn
en
Santander, el Museo
S.M.A.K en Gante y el
Irish Museum of Modern
Art
en
Dubln.
Actualmente vive y trabaja entre Nueva York y
Saro (Cantabria).
Under the title Switch on

/ Switch off, the artist
Juan Usl shows 40
pieces classified into two
typologies:
big-size
black paintings So que
revelabas,
and
the
small-size
colourful
ones. According to the
artist, the exhibition is
shown as two skins: the
external one made up by
great format pictures
wrapping the internal
one, composed by picture lines placed in the
centre of the room.
So que revelabas
includes
10
vertical
pieces
produced
between 2004 and 2007.
In comparison with this
series, small-size pieces
are characterized by
their baroque style,
present both in the chromatic richness and in the
gestural work. Some
recurrent signs of his
work are repeated such
as stripes, waves, cubes,
chequered
and
rhizomes.
Juan
Usl
(Santander, 1954) studied Fine Arts at the Fine
La escena perdida (2007) Juan Usl
Arts School San Carlos in

Valencia. In 1992 his
work was selected for
the 9th Documenta in
Kassel. All along twenty

years of professional
career, he has made
numerous exhibitions,
among them a retrospective
titled
Back&Forth (1996) at
the Institute of Modern
Art in Valencia (IVAM),
the MACBA, the Saatchi
Gallery, the Museum
Serralves, the Museum
Ludwig in Vienna, among
others. In 2002 he was
awarded
with
the
National Prize of Plastic
Arts of the Culture
Ministry for his career. In
2003 he made a retrospective of his work titled
Open Rooms exhibited at
the Palacio de Velzquez,
the Foundation Marcelino
Botn in Santander, the
Museum S.M.A.K. in
Gante, and the Irish
Museum of Modern Art in
Dublin. Nowadays he
lives and works in New
York
and
Saro
(Cantabria).
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MASBEDO
En este singular espacio expositivo de Sevilla, la sala

Santa Ins, se ha abierto al pblico la exposicin 10
insects to feed/ mixed emotions, una muestra colectiva
de vdeo donde el aliciente principal es la obra del do italiano Masbedo (Iacopo Bedogni y Nicol Massazza), que
llevan trabajando juntos desde 1999, realizando un trabajo que bien podemos calificar de impecable. Impecable
por lo extraordinario de su ejecucin y presentacin, con
una esttica muy cuidada e impecable por el trasfondo de
sus obras, tanto en su belleza (en el sentido filosfico del
trmino) como en el plano conceptual. El trabajo de
Masbedo investiga habitualmente en la condicin humana, buscando respuestas a la angustia vital, a la desesperacin o a la incapacidad de amar, lugares comunes y
citas obligadas al hablar del ser humano, pero que tambin deberan serlo al hablar del arte y que por desgracia
no lo son, aunque disfrutar de la obra de este do nos
resarza a veces de tanto despropsito.
Ellos han realizado en mltiples ocasiones trabajos en
colaboracin con gente procedente de otros medios del
arte como La Fura dels Baus o Juliette Binoche, pero sin
duda su colaboracin ms fructfera es la llevada a cabo
con Michel Houellebecq. Estos trabajos de colaboracin se
pudieron ver en 2006 en la exposicin Seguir vivo, en el
CCCB. En Sevilla se pueden ver cuatro obras, reunidas
bajo el ttulo 10 insects to feed: Tossico della luce, 10
insects to feed, 11.22.03 y Non fidarti di uno che sanguina Da 4 giorni e non muore.
El resto de las obras, reunidas bajo el ttulo Mixed emotions, son de veintin artistas jvenes que participaron en
el taller que impartieron en Mlaga. De entre los trabajos
ms significativos de los alumnos merecen la pena destacarse Po po de Amparo Garrido, Cuando el instinto salvaje revive, el depredador afila el cuchillo, de Macu Morn
y Acantilados, de David Pareja. Para este taller, y para la
exposicin, han contado con la direccin de Javier Panera,
coordinador de la programacin del DA2 salmantino y
gran conocedor del trabajo de Masbedo.
Juan-Ramn Barbancho
Exposicin celebrada en la Sala Santa Ins (Sevilla) durantes los

pasados meses de septiembre y octubre.
11-22-03 (2003) Masbedo
In this singular expositive space in Seville, the Sala Santa

Ins, the exhibition 10 insects to feed / mixed emotions
has been opened. It is a collective video exhibition in
which the main attraction is the piece by the Italian duet
Masbedo (Iacopo Bedgni and Nicol Massazza), who have
been working together since 1999, carrying out an impeccable work, we should say. Impeccable because of the
treat of the execution and presentation, with a careful and
impeccable aesthetic owing to the pieces background,
both regarding beauty (in the philosophic sense of the
word) and the conceptual view. Masbedos work usually
investigates the human condition, looking for answers for
the state of anxiety, the desperation or the inability to
love, some common places and a must when talking
about the human being, and although unfortunately they
are not like this, they should also be when talking about
art, although enjoying the work of this duet sometimes
compensate us for such an inappropriate remark.
They have worked in collaboration with people coming
from other art media in numerous occasions such as La
Fura dels Baus or Juliette Binoche, but, without any
doubt, the most productive collaboration was with Michel
Houellebecq. These collaboration works could be seen in
the exhibition Seguir vivo at the CCCB in 2006.In Seville
we can see four pieces under the title 10 insects to feed:
Tossico della luce, 10 insects to feed, 11.22.03 and Non
fidarti di uno che sanguina Da 4 giorni e non muore.
The rest of the pieces, assembled under the title Mixed
emotions belong to 21 young artists who took part in a
workshop in Mlaga. Among the most outstanding pieces
we could highlight Po po by Amparo Garrido, Cuando el
instinto salvaje revive, el depredador afila el cuchillo by
Macu Morn and Acantilados by David Pareja.
For this workshop, and for the exhibition they have counted in with the direction of Javier Panera, the coordinator
of the programme planning of the DA2 in Salamanca and
a great expert in Mabedos work.
Exhibition held at the Sala Santa Ins (Seville) last September

and October.
ARTNOTES18okok:Maquetacin 1
02/11/2007
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TIEMPO AL TIEMPO
CUESTIN XERACIONAL
MARCO. Vigo. Hasta el 17 de febrero
CGAC. Santiago de Compostela

Tiempo al tiempo conmemora los cinco aos de vida del

MARCO. Los comisarios Isabel Carlos e Iaki Martnez Antelo,
director del MARCO, parten de la necesidad de analizar la
importancia del tiempo. Una seleccin de artistas y una
treintena de obras trabajan, desde una perspectiva crtica, el
peso y el sentido del eje temporal y la memoria. De este
modo, desde el registro del japons On Kawara (Kariya,
1933) a los calendarios de Ignasi Aball (Barcelona, 1958), de
la medida temporal digital del italiano Gianni Motti (Sondrio,
1958) a la suspensin del reloj de arena de Jorge Barbi (A
Guarda, 1950), o la investigacin del marco temporal Rubn
Ramos Balsa (Santiago de Compostela, 1978) y la
reinterpretacin de la Historia del Arte y sus smbolos de Sam
Taylor-Wood (Londres, 1967). El tiempo muerto que retrata
el rumano Mircea Cantor (Oradea, 1977) o el movimiento en
imgenes estticas en la obra de Rosngela Renn (Belo
Horizonte, 1962). La interesante relacin entre la imagen y
el tiempo centra la obra de los britnicos Tacita Dean
(Canterbury, 1965) y Victor Burgin (Sheffield, 1941). Las
referencias literarias y el humor en Joo Maria Gusmo y
Pedro Paiva (Lisboa, 1979 & 1977) y la sntesis del tiempo
detenido y la decadencia en la obra del estadounidense
William Eggleston (Memphis, 1939). La performance Time de
David Lamelas abri la muestra el pasado 19 de octubre.
Maria Jos Iriarte y Carlos Vallejo, dueos de la coleccin

Pecar, exponen una seleccin de la misma. El comisario de
la muestra, Carlos Urroz, ha seleccionado una serie de obras
que organiza bajo cuatro ejes: la representacin de lo real
(Candice Breitz, Leandro Erlich y Angel Mateo Charris), la
vida y el paisaje urbano (Frank Thiel, Ester Partegs, Pierre
Huyghe y Muntean&Rosenblum, entre otros), la ficcin del
futuro (Tacita Dean o Mariko Mori) y el individuo y la importancia de lo corporal (Jon Mikel Euba, Pierre Gonnord, Sam
Taylor Wood, Santiago Sierra o Eullia Valldosera). El punto
de partida de la muestra es la existencia de unas estrategias
propias y unos intereses comunes a una misma generacin
de artistas. De este modo el vdeo de Sergio Prego, Testuo,
Bound to fail (1998) reflexiona sobre la construccin de imagen-movimiento repitiendo el experimento de Muybridge
colocando cmaras fotogrficas en batera, o el vdeo de la
performance de Regina Jos Galindo realizado en una plaza
pblica en Venezuela donde un mdico le marca en el cuerpo
lneas de corte previas a intervenciones de ciruga plstica.
Tiempo al tiempo commemorates the MARCO's five years of

existence. The curators Isabel Carlos and Iaki Martnez
Antelo, the director of the MARCO, start from the need to
analyse the importance of time. A selection of artists and
about thirty pieces analyse the importance and sense of time
and memory from a critical point of view. This way we can
see from the register of the Japanese On Kawara (Kariya,
1933), to the calendars of Ignasi Aball (Barcelona, 1958),
the temporary digital measurement of the Italian Gianni Motti
(Sondrio, 1958) to the hanging up of the hourglass of Jorge
Barbi (A Guarda, 1950), or the investigations of the temporary framework of Rubn Ramos Balsa (Santiago de
Compostela, 1978) and the reinterpretation of Art History
and its symbols by Sam Taylor-Wood (London, 1967). The
time off the Romanian Mircea Cantor (Oradea, 1977)
depicts; or the movement in static images in the work of
Rosngela Renn (Belo Horizonte, 1962). The interesting
relation between image and time focuses the work of the
British Tacita Dean (Canterbury, 1965) and Victor Burgin
(Sheffield, 1941). The literary references and humour of Joao
Maria Gusmao and Pedro Paiva (Lisbon, 1979 & 1977) and
the synthesis of the stopped time and the decadence in the
work of the North American William Eggleston (Memphis,
1939). The performance Time by David Lamelas opened the
exhibition last October 19.
Sam Taylor-Wood. Still Life (2001). Astrup

Fearnley Collection, Oslo, Noruega. Foto:
cortesa White Cube, Londres, Reino Unido
Mara Jos Iriarte and Carlos Vallejo, the owners of the

collection Peccar, have exhibited a selection of them. The
curator of the exhibition, Carlos Urroz, has selected a series
of pieces he organizes around four central points: the representation of the real (Candice Breitz, Leandro Erlich and ngel
Mateo Charris), urban life and landscape (Frank Thiel, Ester
Partegs, Pierre Huyghe and Muntean&Rosenblum, among
others), the fiction of future (Tacita Dean or Mariko Mori), and
the individual and the importance of the body (Jon Mikel
Euba, Pierre Gonnord, Sam Taylor Wood, Santiago Sierra or
Eullia Valldosera). The starting point of the exhibition is the
existence of self-strategies and interests common of a generation. This way we can see the video by Sergio Prego, Testuo,
Bound to fail (1998), which meditates on the construction of
the image-movement repeating the experiment of Muybridge
putting cameras at an angle to the kerb, or the video of the
performance by the Regina Jos Galindo produced in a public square in Venezuela, in which a doctor marks the cutting
lines in a body before a plastic surgery operation.
Nakayama (2002) Pierre Gonnord
02/11/2007
13:25
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OBJETO DE RPLICA
ARTIUM. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporneo. Vitoria - Gasteiz. Hasta agosto

La Coleccin Permamente de esta institucin vasca revisa su coleccin mostrando en esta ocasin una amplia
seleccin de obras de setenta artistas. La exposicin pretende visibilizar la capacidad creativa del medio fotogrfico, y evidenciar el debate sobre conceptos como original y rplica, que el empleo de los medios tecnolgicos
(fotografa, vdeo o Net-Art) cuestiona. Objeto de rplica
est integrada principalmente por obras de la Coleccin
ARTIUM, como por una decena de obras prestadas por
otros museos, galeras y coleccionistas particulares,
obras originales en s mismas pero que, a los ojos del
espectador, son iguales a otras pertenecientes a la
Coleccin ya que forman parte de una misma edicin. El
espectador descubre entre las obras expuestas, piezas
repetidas en distintas estancias, pertenecientes a distintas instituciones. Es el caso de trabajos de Victoria Diehl,
Rafael Agredano, Juan Hidalgo, Miguel ngel Gaeca,
Joel Peter Wilkin o Pierre Gonnord. De ste ltimo se
exponen juntas tres fotografas pertenecientes a tres
entidades diferentes (ARTIUM, el Gobierno de Murcia y la
Coleccin Juana de Aizpuru), tres imgenes aparentemente iguales pero con sutiles diferencias que permiten
al visitante entablar un juego de bsqueda. La exposicin
introduce una pintura entre tantas fotografas. Se trata
de una obra de Jos Ramn Amondarain, una reproduccin de una conocida fotografa de Nan Goldin, Cookie at
Tin Pan Alley. Objeto de rplica, comisariada por Daniel
Castillejo, se centra en las posibilidades creativas de la
fotografa y del empleo que hacen de ella destacados
artistas del panorama nacional e internacional. Desde los
primersimos y expresivos planos de Pierre Gonnord,
Cline Van Balen o Peter Granser y las microscpicas
imgenes de Concha Prada, a los retratos-documento de
Del Lagrace Volcano o de Alberto Garca Alix o a los autorretratos como el de Miguel ngel Gaeca. De las obras
de Miguel Ro Branco y las metforas de Carlos Aires,
Humberto Rivas, Juan Hidalgo, Rafael Agredano, Victoria
Diehl o Mabi Revuelta a las imgenes sobre la propia
condicin del ser de Spencer Tunick, Txomin Badiola o
Juan Pablo Ballester. De los fragmentos de reales de
Hannah Collins o Ian Wallace a los abstractos de Juan
Usl.
Rafael Navarro. Doble accin (2002) Coleccin ARTIUM de

lava, Vitoria - Gasteiz
VictoriaDiehl. Serie Vida y muerte de las estatuas (2003)

Coleccin ARTIUM de lava, Vitoria - Gasteiz
The Permanent Collection of this Vasque institution reviews the

collection showing in this occasion a wide selection of the pieces
of seventy artists. The exhibition tries to view the creative
capacity of the photographic medium, and it makes evident the
debate on some concepts such as the original and the replica
the use of the technological media (photography, video or NetArt) questions. Objeto de rplica is mainly composed by the
pieces of the ARTIUM Collection, as well as a dozen pieces lent
by other museums, galleries and private collectors; original
pieces that, from the spectators view, are the same as others
belonging to the Collection, since they are part of the same edition. The spectator finds out, among the exhibited works, some
pieces repeated in the different rooms belonging to different
institutions. It is the case of the pieces by Victoria Diehl, Rafael
Agredano, Juan Hidalgo, Miguel ngel Gaeca, Joel Peter Wilkin
or Pierre Gonnord. The last one exhibits three photographs
belonging to three different institutions (ARTIUM, Murcias government, and the Collection Juana de Aizpuru), three images
that are apparently the same but they have subtle differences
allowing the visitor to file a search game. The exhibition introduces a painting among all those photographs.It is a piece of
Jos Ramn Amondarain, a reproduction of a famous Nan
Goldins photograph Cookie at Tin Pan Alley. Objeto de rplica,
curated by Daniel Castillejo, focuses on the creative possibilities
of photography and the way the different national and international artists make use of it. From the very first and expressive
shots of Pierre Gonnord, Cline Van Balen or Peter Granser and
the tiny images of Concha Prada to the document-portraits of
Del Lagrace Volcano or Alberto Garca Alix or to the self-portraits such as the one by Miguel ngel Gaeca. From Miguel Ro
Brancos pieces and the metaphors of Carlos Aires, Humberto
Rivas, Juan Hidalgo, Rafael Agredano, Victoria Diehl or Mabi
Revuelta to the images on the condition of the being of Spencer
Tunick, Txomin Badiola or Juan Pablo Ballester. From the real
fragments of Hannah Collins or Ian Wallace to the abstract
pieces of Juan Usl.
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MIROSLAW BALKA. REFLEJOS CONDICIONADOS

Fundacin Marcelino Botn. Santander. Hasta enero
B (2006) Miroslaw Balka
La obra del artista polaco Miroslaw Balka (Varsovia,

1958) centra la atencin de esta muestra; una exposicin
comisariada por Juan Vicente Aliaga y titulada Reflejos
condicionados. El ttulo est vinculado a las teoras de
Ivan Pavlov y a la creacin de estmulos artificiales.
Para el comisario la obra de Balka supone una tentativa
de reflexin sobre la necesidad de recuperar algunos
valores que la sociedad actual deja de lado. Es decir, la
importancia de la memoria histrica, la crtica a la intolerancia, la conciencia de la mortalidad, el aprecio por
las emociones y los afectos.
En ella se presentan una serie de obras que recogen
tanto las preocupaciones vitales como las artsticas de
Miroslaw Balka. Entre las piezas presentadas se muestra
el vdeo titulado B (2006) como una reflexin sobre el
significado cambiante de la memoria en relacin al
exterminio. Sus trabajos rememorando las tragedias de
la historia de la Europa Occidental conmemoran los
acontecimientos de forma simblica.
Existe en estas obras una constante alusin a la muerte
y la condicin humana; un hecho remarcado por el uso
reiterado de materiales frgiles. Ese insistente nombrar
a la muerte, conforma una de las piezas centrales de esta
exposicin. Se trata de una obra en colaboracin con un
grupo de voluntarios en Santander que se enfrentarn a
una reflexin sobre el significado de la muerte.
Sus obras surgen como artefactos de memoria y olvido,
de presencia y ausencia, reflexionando sobre todo aquello que la historia deja atrs y relacionndolos con el
cuerpo y la memoria de los que viven en el presente. La
obra Soap corridor instalada en la Bienal de Venecia de
1993, reflexiona sobre la ausencia, con la accin de lavar
evoca las huellas de una existencia fsica y humana.
La produccin de Miroslaw Balka ha sido objeto de
numerosas exposiciones individuales, entre otros lugares podramos citar: el Kroller-Muller Museum (Otterlo),
el Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Ghent), el
National Museum of Art (Osaka), el Museet for
Samtidskunst (Oslo), el IVAM (Valencia), la Tate Gallery
(Londres) o el Van Abbemuseum (Eindhoven).
The work of the Polish artist Miroslaw Balka (Warshaw,

1958) captures the attention of this exhibition; an exhibition curated by Juan Vicente Aliaga and titled Reflejos
condicionados. The title is related to Ivan Pavlovs theories and the creation of artificial stimulus.
According to the curator, Balkas work is an attempted
reflection on the need to recover some of the values
present society sets aside. That is, the importance of the
historical memory, the criticism against intolerance, the
mortality consciousness, the emotions and feelings
appreciation.
Some pieces including both Miroslaw Balkas life and
artistic concerns are shown in it. Among the exhibited
pieces, the video titled B (2006) is shown as a reflection
on the changing meaning of memory regarding extermination. His pieces recalling the historical tragedies of
Western Europe commemorate the events symbolically.
There is a constant reference to death and human condition in these pieces; a fact emphasized by the repeated use of fragile materials. This persistent mention of
death makes up one of the main pieces of the exhibition.
It is a piece made in collaboration with a group of volunteers in Santander who will have to face a reflection on
the meaning of death.
His pieces appear as memory and forgetfulness artfacts,
of presence and absence, meditating on what history
leaves behind and ties it to the body and the memory of
those living in the present. The piece Soap corridor
installed in the Venice Biennial in 1993, meditates on the
absence, with the ritual of washing evokes the traces of
a human and physical existence.
Miroslaw Balkas production has been the object of
numerous individual exhibitions, and we could mention
among others: the Kroller-Muller Museum (Otterlo), the
Stedelijk Museum voor Actuele Kunst (Ghent), the
National Museum of Art (Osaka), the Museet for
Samtidskunst (Oslo), the IVAM (Valencia), the Tate
Gallery (London) or the Van Abbemuseum (Eindhoven).
196 x 230 x 141 (2007) Miroslaw Balka
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AQUELLO QUE ES, ES. DISTORSIONES E IDENTIDAD

Galera ngeles Baos. Badajoz. Hasta el 15 de noviembre
Son cuatro representantes de la ms reciente generacin de artistas portugueses. En comn tienen la diversidad de tcnicas artsticas utilizadas (escultura, pintura, dibujo, fotografa y vdeo). En comn comparten
tambin, una cierta inquietud ante el contexto, una pregunta por la identidad como principio ontolgico.
Locke enuncia el principio del siguiente modo: Todo
aquello que es, es. Es imposible que algo sea y no sea
al mismo tiempo. Wolf contina: Si niegas que A es,
as como es, debers entonces estar de acuerdo que A
es y no es al mismo tiempo: lo que se opone al principio de contradiccin y por eso no puede ser admitido
debido a ese principio. He aqu como se pasa de un
principio ontolgico a un principio lgico. Y es precisamente esta base discursiva la que forma todo el pensamiento occidental desde sus races. Es esta estructura,
que ya no es monoltica y abierta a otras instancias,
cuyos matices van a descifrar estos artistas. Jorge
Abade cuestiona lo que puede ser y no ser simultneamente; Vera Mota, un cuerpo movido por fuerzas ocultas y traumticas; Cristina Regadas, la multiplicacin
de algo que slo puede ser nico idealmente y que slo
se realiza en sus representaciones fragmentadas;
Carlos Lobo, lo anodino, el simulacro, a los cuales les
falta un referente.
Veamos, de este modo, como Jorge Abade utiliza materiales orgnicos (pintura al leo, resinas) para dar
forma a entidades que son y no son simultneamente.
Tienen caractersticas antropomrficas, sin embargo se
encuentran en un estado transitorio. Por sus atributos
no es discutible a qu especie pertenecen o incluso si
pertenecen al reino animal o vegetal. Y son retratados
como formas a las que les falta un suplemento. Lo que
sea que active ese mecanismo es endgeno, el concepto, aqu subyacente, es el de metamorfosis. Ya los trabajos de Vera Mota interrogan la estructura del cuerpo
femenino. En ese proceso de bsqueda la artista
impregna ese cuerpo femenino con objetos culturales,
con sus propios fluidos, y con otras sustancias que le son
insignificantes. El resultado es un cuerpo fosilizado, ocupado por elementos externos que al mismo tiempo que
le permiten aproximarse a su estructura lo cristalizan en
imgenes, que sern siempre fragmentadas. Cristina
Regadas recorre, de igual modo, el cuerpo femenino, y
de la misma manera que Vera Mota, es ella misma la
presencia nuclear de su obra. Pero en este caso la artista se transforma en una polifona de personajes que
reconstruyen su propia identidad o bien una identidad
femenina. Las fotografas y los dibujos, en este contexto, son mecanismos de la memoria que permiten estabilizar esos diferentes estados.
Las Unknown Landscapes de Carlos Lobo, son fotografas de lugares anodinos. El artista transforma espacios
en escenarios. Carlos Lobo expone, de esta forma, la
doble naturaleza de simulacro de la fotografa. Ante
estos fenmenos, cuya estructura prima por su ausencia, las imgenes solo pueden funcionar, por lo tanto,
como anotaciones de esos lugares, dotndolos de permanencia y tornndolos pblicos.
They are four representatives of the most recent generation

of Portuguese artists. It is common for all of them the diversity of artistic techniques used (sculpture, painting, drawing,
photography and video). They also share some interest in
the context, asking for identity as an ontological principle.
Locke states the principle like this: Whatsoever is, is. It is
impossible for the same thing to be and not to be,. Wolf
continues: If you deny that A is like it is, then you should
admit that A is and is not at the same time: what it is
opposed to the contradiction principle and so it can not be
admitted owing to this principle. Here you are how an ontological principle becomes a logical principle. And it is this discursive principle the base of the western thought from the
beginning. It is this structure, already not monolithic and
open to other instance, whose interpretations are going to
be decoded by these artists. Jorge Abade questions what
can and cannot be at the same time; Vera Mota, a body
motivated by occult and traumatic powers; Cristina
Regadas, the multiplication of something that can only be
unique ideally and it is also made in its fragmented representations; Carlos Lobo, the anodyne, the mock, which
lacks a referent. Lets see, this way, how Jorge Abade uses
organic materials (oil painting, resins) to shape some entities that are and are not at the same time. They have
anthropomorphic characteristics, although they are in a
temporary state. It is clear the species they belong to
because of their attributes, or even if they are animal or
vegetal. And they are depicted like shapes lacking a supplement. Whatever it is what activates this mechanism is
endogenous, the underlying concept here is the metamorphosis one. Vera Motas pieces question the structure of the
feminine body. In this searching process the artist impregnates that feminine body with cultural objects, with her own
fluids and with other insignificant substances for her. The
result is a fossilized body, occupied by external elements
that allow her to approach their structure and crystallize
them in fragmented images at the same time. Cristina
Regadas also covers the feminine body, in the same way as
Vera Mota does, that is, she is the leading presence in her
work. But in this case the artist turns into several characters
reconstructing her own identity or at least a feminine identity. Photographs and drawings, in this context, are memory mechanisms that let her balance those different states.
Carlos Lobos Unknown Landscapes are photographs of anodyne places. The artist turns spaces into settings. This way
Carlos Lobo shows the double mock nature of photography.
With these phenomena, whose structure predominates for
their absence, images can only work as notes of these
places, providing them with permanency and becoming
them public ones.
Alexandra B. Moreira
Late morning in the kitchen Cristina Regadas
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LA PARODIA DE S...
Qu duda cabe respecto al estrepitoso triunfo de la banalidad y la pose frente a la seriedad y el rigor autnticos.
Slo los ingenuos apuestan an por el valor redentor de la
utopa: tardarn poco, eso s, en abrazar el escepticismo
como doctrina. Un dolor de cabeza, y no precisamente por
el calor del verano, se hace irresistible despus de visitar
la exposicin Arte, stira, subversin... Con la pereza y el
desgano acumulado que produce lo ya visto, uno termina
por extraviar esa torpe fe ciega en la idea utpica y hasta
ridcula de que, en el terreno del arte contemporneo y de
su gestin curatorial, las cosas vayan mejor. Conforme
ocurre en otras parcelas de la cultura, incluyendo el mbito de lo poltico: los disparates, la mediocridad y el intrusismo se institucionalizan con una celeridad tal, que an
hoy sorprende y desconcierta al pensamiento crtico, sobre
todo a ese que busca advertir ansioso e ingenuo- un poco
de sentido comn y de inteligencia en el paisaje decadente de los proyectos expositivos ubicados en los territorios
de la Institucin Arte. Esta exposicin, por ms que quisiera disfrazarlo (lo confieso) es, sin titubeo alguno, una
muestra totalmente desafortunada y atravesada de un
modo horizontal por la torpeza fra del disparate. Es quizs,
de ah su relevancia, la puesta en escena de una parodia
de s. Una muestra que activa el retoricismo pardico y la
stira sobre s misma, asumiendo el comisariado como una
mueca (quizs estratgica) de lo que un da se crey fuera
un ejercicio intelectual serio. En ese accidente irnico, vaya
paradoja, radica su virtud.
Sin dudas, Arte, stira, subversin, obliga a replantearse
algunas ideas sobre las funciones y responsabilidades del
comisario de arte en circunstancias culturales donde la frivolidad y el oportunismo del diletante se instauran con
absoluta desfachatez. En particular, habra que cuestionarse su altsima cuota de compromiso con la recepcin eficaz
de las propuestas y con la configuracin de los sentidos primeros y ltimos de las poticas artsticas, orquestadas en
un universo conceptual de fondo que las explique y las
dimensione, en lugar de acumular objetos en virtud de
ciertos relatos carentes de todo tipo de inters, poniendo
as en peligro la vala de obras y artistas a merced de un
antojo casi hormonal y de un ataque fronterizo de ego. Las
razones intestinales estn a punto de desterrar a las intelectuales justo ahora que muchos celebran en falso la
absurda epifana del todo vale.
Arte, stira... desvela varios problemas fcilmente discernibles de los que participan muchas de las exposiciones
enmarcadas en este tipo de formato, los que de algn modo
ya se vieron en el proyecto anterior del comisario: Berln
Tendenzen, (una muestra que nunca dej claro su enunciado rector, patinando sobre afirmaciones grandilocuentes que
a nada conducan, y con sospechosa proximidad conceptual
a ejemplos anteriores). El primero de estos problemas se
refiere a su propia pertinencia, es decir, a su determinacin
temtica engaosamente disfrazada de novedad y donde no
se hace otra cosa que redundar en plataformas ideo-conceptuales y en figuras retricas harto ya recurrentes, apelando
a un conjunto de obras demasiado vistas, y en algunos
casos, como el del cubano Elio Rodrguez, a versiones de
obras anteriores de mediados de los aos noventa, bajo el
pretexto de una relectura contextual cuando en verdad este
artista cuenta con obras soberbias en un lnea pardica dura
que, desde la misma realidad espaola y con la gracia del
azcar, desarticula enunciados culturales y axiomas del discurso dominante de un modo mucho ms elocuente y eficaz.
El segundo desliz se ubica en la seleccin un tanto azarosa y desproporciona de artistas, en cuanto a su grado de
seriedad y elocuencia discursiva, haciendo coincidir en un
dilogo desfavorable para algunos de ellos, obras que disfrutan de la solvencia intelectual ms convincente como
la del argentino Marcos Lpez y el colombiano Santiago
Echeverri (aunque plagadas de guios efectistas), con
otras propuestas menos sofisticadas en el armazn conceptual que las anima. Resultado museogrfico que,
como mnimo, estimula la sospecha respecto al uso de
otros mecanismos extra-artsticos en la gestin del comisariado.
La tercera dificultad se haya en la propia ubicacin y
diseo museogrfico de las obras expuestas. En este sentido y coincidiendo con la torpe seleccin de piezas de los
registros y archivos de los artistas invitados, el do de los
canarios Martn y Sicilia resultan ser de los ms afectados
en este itinerario por la parodia y sus embestidas. No es
justo en la instalacin presentada, a la que como complemento equvoco se le coloca una pintura que no guarda
relacin alguna con la puesta en escena y s con otras lecturas ms agudas y de claro trasfondo cultural, donde se
localiza el mejor uso de los recursos de la parodia en la
obra de estos. Ellos mismos son conscientes de que es en
su pintura, en ese mecanismo compulsivo de la autoreferencia y del cuestionamiento inteligente hacia el
medio mismo y los conflictos que entraa toda representacin, donde habita con mayor gracia y soltura la filosa
lubricidad de la parodia. De hecho, la oposicin de ambas
piezas en una diagonal poco amistosa con la mesa del
cctel en la otra esquina de la sala, estableciendo as una
burda asociacin con la pieza en la que los militares brindan con champagne, no hizo sino abaratar cualquier lectura medianamente seria. Pero como se ha dicho muchas
veces la seriedad es aburrida cuando se est en tiempo
de carnaval y de pose. Hgase entonces la diversin, si a
fin de cuentas, y como afirma el comisario de esta muestra en un gesto pardico de s, no somos ms que animales humanos. Perdn por la risa Claro.
Andrs Isaac Santana
Exposicin titulada Arte, stira, subversin. 5 visiones iberoamericanas. Celebrada en Casa Amrica el pasado mes de septiembre
Elio Rodrguez
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Martn y Sicilia
There can be no doubt about the spectacular success of

banality and pose against authentic seriousness and
rigour. Only the ingenious people still bet on the redeeming value of utopia: yes, of course they will take little time
to espouse the scepticism as a doctrine. A headache, not
exactly because of summer heat, becomes unbearable
after visiting the exhibition Arte, parodia, subversin
With the laziness and the unwillingness felt with those
things already seen, one ends up losing this stupid
absolute faith in the utopian and even ridiculous idea that
things should be better in the field of contemporary art
and the curatorial management. As it happens in other
culture areas, including the politic field: absurdity, mediocrity, and infiltration are institutionalized so quickly that disconcerts and surprises the critics, above all those who try
anxious and ingenious to look for some common sense
and intelligence in the decadent landscape of the expositive projects in the territories of the Art Institution. This
exhibition, much as I should disguise (I confess) it, is,
without hesitation, an unfortunate exhibition crossed horizontally by the cold clumsiness of the absurdity. Perhaps
it is the staging of a yes parody and thats why it is important. An active exhibition of the parodic rhetoricism and
the satire on itself, assuming the curatorship as a face
(maybe a strategic one) of what it was assumed as a serious intellectual exercise. Its efficacy lies in this ironical
accident, what a paradox!
Without any doubt, Arte, parodia y subversion makes you
reconsider some ideas on the functions and responsabilities
of the art curator in some cultural circumstances in which
the dilettantes frivolity and opportunism are established
cheekily. In particular, we should question its commitment
share with the efficient reception of the proposals and with
the configuration of the first and the last senses of the artistic poetics, orchestrated in a conceptual basic universe that
explains and measure them, in spite of accumulating
objects by reason of certain stories lacking in all kind of
interest, putting at risk the value of the pieces and artists
to the mercy of an almost hormonal whim and a frontier
attack of ego. The intestinal reasons are about to exile the
intellectual ones just in a moment in which many falsely
celebrate the absurd epiphany of everything is allowed.
Arte y parodia reveals several problems easily distinguished from the ones many of the exhibitions that are
part of this kind of format have, which had already seen in
the curators previous project: Berln Tendenzen (an exhibition that never made its main principle clear, making a
blunder on grandiloquent affirmations leading to nowhere,
with a suspicious conceptual closeness to previous examples). The first of these problems refers to its own relevance, that is, its thematic determination deceitfully disguised as a novelty, which constantly redound to ideal-
conceptual platforms and very recurrent figures of speech,

appealing to a group of pieces everybody has already
seen, and in some cases, such as the Cuban Elio
Rodrguez, to the versions of previous pieces before middle nineties on the pretext of a contextual rereading when
these artists really have got great pieces in a parodic line
that, from the Spanish reality and with the sugar charm,
breaks up cultural principles and axioms of the leading discourse in a much more eloquent and efficient way.
The second slip deals with the unlucky and disproportionate selection of artists, as regards their reliability and discursive eloquence, matching up in an unfavourable dialogue for some of them, some pieces with a very solid
intellectual reputation such as the ones by the Argentinian
Marcos Lpez and the Colombian Santiago Echeverri
(although full of sensationalist references), with other less
sophisticated suggestions in the conceptual frame inspiring them. It is a museological result that stimulates the
suspect regarding the use of other extra-artistic devices in
the management of the curatorship.
The third difficulty can be found in the placement and
design of the exhibited pieces in the museum. In this
sense and coinciding with the unlucky selection of pieces
of the invited artists archives and registers, the Canary
Islanders Martn and Sicilia is one of the most affected in
this route by the parody attacks. It is not fair in the exhibited installation that, by mistake, is complemented with a
painting that has nothing to do with the staging but with
other lively readings with a clear cultural background,
where we can find a better use of the parody resources.
They are aware that it is their painting, that compulsive
device of self-reference and intelligent questioning
towards the same medium and the conflict each performance involves, where the sharp slipperiness of the parody
lies in. In fact, the opposition of both pieces in an unfriendly diagonal with the cocktail table in the other corner of the
room, getting a clumsy association with the piece in which
the soldiers toasting with champagne, simply lowered any
serious interpretation. But as it has been said many times,
seriousness is boring when its carnival or pose time. Let
fun be done, if, as the curator of this exhibition said in a
parodic gesture of yes, we are nothing but human animals. Sorry for the laugh Sure.
Exhibition titled Arte, stira, subversin. 5 visiones iberoamericanas.,
held last September
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ARTE LATINOAMERICANO EN LA COLECCIN BBVA

Palacio Marqus de Salamanca. Madrid. Hasta el 9 de diciembre
Diego Rivera. Retrato de mujer (1944) Cortesa Coleccin BBVA
Ochenta piezas conforman un completo recorrido por el

arte latinoamericano, desde las primeras piezas precolombinas hasta los movimientos vanguardistas surgidos
en el siglo XX. Como expresin artstica de los primeros
asentamientos de la cordillera andina, la coleccin cuenta con varias piezas de cermica representantes del paso
de culturas como la Inca o la Moche. De la etapa colonial
en que Amrica Latina se divida en virreinos se presentan obras de temtica marcadamente religiosa, tanto
objetuales como pictricas. Ya del siglo XIX la coleccin
permite ver el influyente papel que jugaron las tendencias europeas sobre las imgenes costumbristas y paisajistas del momento.
El trnsito de la Ilustracin al Romanticismo y otros movimientos como el Impresionismo francs, el manchismo
italiano o el Naturalismo cambiaron las tradicionales formas de arte latinoamericano; e igualmente sucedi en el
siglo XX con la llegada de las vanguardias europeas, aunque el arte autctono aport nuevos elementos, estela
del mundo indgena prehispnico o mestizo, como se
observa en la obra de Diego Rivera Retrato de mujer.
La coleccin BBVA expuesta refleja las diferentes formas
artsticas a las que dieron lugar las vanguardias del siglo
XX en Amrica Latina: de Chile destacan la Generacin
del 13, el Surrealismo, el Geometrismo y el Informalismo
de los aos cincuenta; el arte colombiano est representado por Fernando Botero y Enrique Grau y el uruguayo
por Rafael Barradas, Torres-Garca o Manuel Pails;
Mxico por muralistas como Diego Rivera y por el
Surrealismo de Leonora Carrington; Per por su fuerte
tradicin precolombina plasmada en movimientos como
el indigenismo y tendencias geomtricas; y Venezuela
cuenta con varias obras paisajsticas y vanguardistas,
estas ltimas de la mano de Carlos Cruz-Dez. De
Argentina se presentan obras con influencias inglesas,
francesas e italianas, como las de Lino Enea Spilimbergo,
que a partir de los 50 comenz a tender hacia la abstraccin junto con los artistas geomtricos Arte concreto e
Innovacin.
Eighty pieces make up a complete itinerary all around the

Latin American art from the first pre-Columbus pieces to the
revolutionary movements that appeared in the 20th century.
As the artistic expression of the first settlements in the
Andian mountainchain, the collection includes some ceramic
pieces representing the visit of some cultures such as the
Inca or the Moche. From the colonial period in which Latin
America was divided into viceroyalties there are some pieces
with religious theme, both figures and pictorial representations. Yet in the 19th century the collection let us see the
influential role of European trends on custom and landscapes
at that moment. The passage from Enlightenment to
Romanticism and other movements such as the French
Impressionism, the Italian Manchism or the Naturalism
changed the traditional Latin American art styles; and the
same happened in the 20th century with the arrival of the
European avant-gardes, although native art provided new
elements, a trail of the indigenous pre-Hispanic or mestizo
world, as it can be seen in the work of Diego Rivera Retrato
de mujer. The exhibited Collection BBVA reflects the different
artistic styles the avant-gardes of the 20th century gave rise
to in Latin America: from Chile we could highlight the
Generacin del 13, the Surrealism, the Geometrism, and the
Informalism of the fifties; the Colombian art is represented
by Fran Botero and Enrique Grau, and Uruguayan art is represented by Rafael Barradas, Torres Garca or Manuel Pails;
Mexico by some muralists such as Diego Rivera and by the
Surrealism of Leonora Carrington; Peru by the powerful preColumbus tradition reflected in some movements such as the
indigenism and the geometrical tendencies; and Venezuela
includes several landscape and revolutionary pieces, these
last ones by Carlos Cruz-Dez. From Argentina there are
some pieces with English, French and Italian influence such
as the ones by Lino Enea Spilimbergo, who moved towards
abstraction together with the geometrical artists Arte
Concreto e Innovacin since the fifties.
Manuel Pails. Constructivo con barcos (1983) Cortesa Coleccin BBVA
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CONCHA PREZ
ADN Galera. Barcelona. Hasta el 3 de noviembre
Memoria (2007) Concha Prez
Habitaciones exteriores en color

Concha Prez relata cuentos. Ms que historias,
sumerge al espectador en un mundo cmodamente
desolador, de abandono, donde la ausencia queda
saciada por la compaa de lo que fue.
Pequeas ventanas urbanas desde donde se pueden
descifrar incontables historias vividas, encontradas
por azar, documentadas, intervenidas por el imaginario narrativo de la artista, quien de forma esttica
nos desvela la experiencia ordinaria que el visitante
no quiere ver.
La obra Reunin (2007) genera diferentes miradas y
reflexiones al espectador, sin dejar indiferente. Un
interior-exterior repleto de desechos industriales, de
pasado lujoso. A pesar de la evidente ausencia humana, cinco sillones desvelan de forma conmovedora, el
dilogo de los que estuvieron.
Bsqueda? Encuentro? Inquietud. Una mirada de
memoria urbana, capaz de hacer conversar el espacio.
Marina Ramoneda
Colourful external rooms

Concha Prez relates tales. More than stories, she
immerses the spectator into a comfortably devastating world of abandonment where the absence is satisfied with the company of what it used to be.
Small urban windows from which one can make out
innumerable living stories found by chance, documented, modified by the narrative imagery of the
artist who reveals us aesthetically the ordinary experience the visitor does not want to see.
The piece Reunin (2007) generates different views
and reflections for the spectator, without failing to
move them. An inside-outside full of industrial waste,
with a luxurious past. Despite the evident human
absence, five armchairs reveal touchingly the dialogue among the ones who used to be.
Search? Meeting? Concern. A view of urban memory
able to make the space converse.
NADA QUE VER
Casa da Parra. Santiago de Compostela

Hasta el 10 de diciembre
Nada que ver es el sugerente ttulo bajo el que el comisario
de esta muestra, el fotgrafo Vari Carams, ha reunido obra
de Tim Behrens, Jose Caruncho, Enrique Lista y Mar Vicente,
cuatro autores de diferentes generaciones, unidos bajo la
diferencia de sus modos de ver. Tim Behrens, trabaja desde
lo cotidiano y Jos Caruncho, en sus retratos, con la presencia del paisaje humano. Enrique Lista se interesa por la
memoria y por aquellos signos de lo temporal. La obra de
Mar Vicente explora las caractersticas especficas del propio
soporte pictrico. Tim Behrens (Londres, 1937) artista britnico afincado en A Corua, estudi pintura a mediados da
dcada de 1950 en la Slade School of Fine Arts de Londres
donde tuvo a Lucian Freud como profesor y amigo. A
principios de los aos 90 se instala en A Corua, donde
evoluciona hacia una pintura ms fluida caracterizada por el
uso emocional del color. Jos V. Caruncho (A Corua, 1953)
trabaja en una fotografa en blanco y negro con un estilo
directo y sobrio, y con unas formas esteticistas. Ha realizado
diferentes trabajos sobre cierta carga ecolgica, sobre los
parques del Pirineo cataln-aragons o sobre la Serra do
Caurel, donde grmin Olladas do silencio. Mar Vicente
(Valadouro, Lugo; 1979) licenciada en la facultad de BB AA
Pontevedra particip en el certamen Novos Valores 04 y
obtuvo una beca en Residentes 05 San Martn Pinario y la
bolsa FEIMA-Fundacin Laxeiro (2006). Enrique Lista
(Malpica de Bergantios, A Corua; 1977) estudi en la
Facultad de BB AA de Pontevedra y Grfica Publicitaria en la
Escola de Artes e Oficios Pablo Picasso de A Corua. Particip
en la VII Fotobienal de Vigo (1998) y fue seleccionado en el
IX Certame de Artes Plsticas Isaac Daz Pardo (2005)
adems de compartir la bolsa de creacin artstica
Residentes 05 San Martn Pinario junto a Mar Vicente.
Nada que ver is the evocative title under which the curator of
the exhibition, the photographer Vari Carams, has included
the work of Tim Behrens, Jos Caruncho, Enrique Lista and
Mar Vicente, four artists of different generations, put together under the difference in their point of view. Tom Behrens
works from the quotidian, and Jos Caruncho, in his portraits, with the presence of the human landscape. Enrique
Lista is interested in memory and the signs of the temporary.
Mar Vicentes pieces explore the specific characteristics of the
pictorial medium. Tim Behrens (London, 1937), a British
artist living in A Corua, studied painting at the Slade School
of Fine Arts in London in mid-fifties, where Lucien Freud was
his teacher and frien. Ar the beginning of the nineties he
moved to A Corua where he developed towards a more fluis
painting characterized by the emotional use of colour. Jos V.
Caruncho (A Corua, 1953) works black and white photography with a guiding and sober style, and aesthetic shapes. He
has made different pieces with a certain ecological content, on
the parks of the Catalan-Aragonese Pyreness, or about the
Serra do Caurel, where he produced Ollada do silencio. Mar
Vicente (Valadouro, Lugo, 1979), graduated at the Faculty of
Fine Arts in Pontevedra, took part in the competition Novos
Valores 04 and she was given a grant in Residentes 05 San
Martn Pinario and the grant FEIMA-Fundacin Laxeiro
(2006). Enrique Lista (Malpica de Bergantios, A Corua;
1977) studied Fine Arts at the Faculty of Pontevedra and
Advertising Graphics at the Escola de Artes e Oficions Pablo
Picasso in A Corua. He took part in the 7th Fotobienal in Vigo
(1998) and was selected in the 9th Certame de Artes Plsticas
Isaac Daz Pardo (2005) as well as sharing the grant of artistic creation Residentes 05 San Martn Pinario with Mar
Vicente.
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PAULA REGO
El cuarto de juegos de Paula Rego

Debajo de la cama existe un territorio habitado por
seres fantsticos que poseen la llave de nuestro imaginario. Cuidar de ellos es querer el mundo de nuestros
sueos y de nuestras pesadillas. El Museo Reina Sofa,
expone la mayor retrospectiva dedicada a la obra de
Paula Rego (Lisboa, 1935). Inscrita dentro de la tradicin de la pintura figurativa, la artista presenta narraciones de mundos personales, tanto cotidianos como
inventados, protagonizados por mujeres que concentran
el paso de muchas vidas, portadoras de historias mordaces, sarcsticas con los sentimientos y honestas con el
dolor. Representadas dentro de escenas perturbadoras,
entre lo cmico y lo trgico, el sueo y la vigilia, sus tramas obligan a enfrentarse con algo ilcito que linda con lo
espeluznante y repulsivo. Siempre en un lugar fronterizo.
Paula Rego es cmplice de un universo femenino a travs de un arte soldado a la vida y sujeto a la propia
experiencia. La artista penetra en las verdades incmodas, desenmascarando los mecanismos de poder y destapando los elementos de la tragedia. Siguiendo la estela de pintores satricos como Daumier, James Ensor y
Goya, o la corriente caricaturesca alemana, la constante que ha mantenido unidas sus variaciones tcnicas y
estilsticas, ha sido la fidelidad al drama humano. Su
dibujo explora las ramificaciones psicolgicas de los
rituales de paso, desde el nacimiento hasta la muerte.
La infancia aparece como escenario de juegos perversos, donde las formas sugieren la voluptuosidad de un
gran mueco. En la serie, El hombre almohada (2004),
la almohada como soporte del sueo se ha convertido en
un ser monstruoso, vulnerable y hurfano de afecto. La
personificacin de la pesadilla se comporta como un
sujeto ms, formando parte de la realidad.
Rego concibe su taller como un cuarto de juegos donde
cobran vida las perversiones y fantasas. Un laboratorio
donde poder desnudar y examinar las diferentes caras
del ser humano. En su serie Aborto (1997) una mujer se
hace ovillo, se retuerce buscando el calor despus de la
agresin. El tratamiento del cuerpo remite a la obra de
pintores como Lucian Freud, Balthus o Bacon.
Metamorfosendose segn Kafka (2002), evoca la agona de la carne, del cuerpo enfermo y solitario a travs
de un trazo trmulo y decisivo al mismo tiempo.
Detrs de las referencias literarias que inspiran su obra,
hay una lectura crtica sobre el papel que ha ocupado la
mujer dentro de los grandes relatos, suprimida de las
hazaas, y reflexiona sobre la identidad femenina nutrida a partir de fbulas. En su serie de Las Criadas de
Genet (1987) y Jane Eyre de Charlotte Bront (2000),
ilustra el mundo interior de sus heronas y se adentra en
sus sueos buceando en la memoria colectiva.
Paula Rego indaga en el subconsciente, juega con las
pesadillas y se atreve con la vida. Sincera y audaz, desobedece a una esttica amable imponindose como una
de las grandes pintoras modernas de nuestro tiempo.
Mireia A. Puigvents
Paula Rego. Avestruces bailarinas de la Fantasa de Disney

(trptico) (1995). Cortesa The Saatchi Gallery, Londres
MNCARS. Madrid. Hasta el 30 de diciembre
Paula Regos playroom

Under the bed there is a territory inhabited by fantastic beings
that have the key of our imagery. Taking care of them means
loving the world of our dreams and our nightmares. The Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofa exhibits the most important
retrospective of the artist Paula Rego (Lisbon, 1935). Included
within the tradition of the figurative painting, the artist shows
narrations of personal worlds, both quotidian and invented, of
women that concentrate many lives, with a lot of scathing, sarcastic stories with the feelings and honest with the pain.
Represented within disturbing scenes, between the comical and
the tragic, sleep and wakefulness. The plot make us face something illicit related to something hair-raising and disgusting.
Always in a bordering place. Paula Rego is accomplice of a feminine universe through an art joined to life and subject to the
own experience. The artist penetrates into the uncomfortable
truths, unmasking the power mechanisms and revealing the
elements of tragedy. Following the line of the satiric painters
such as Daumier, James Ensor and Goya, or the German caricaturist movement, the constant that has kept close her stylistic
and technically heterogeneous variations, is her faithfulness to
human drama. Her drawing explores the psychological ramifications of the usual rituals all of us are submitted to, from birth to
death. Childhood appears as a scene of perverse games, where
the shapes suggest the voluptuousness of a great toy. In the
series El hombre almohada (2004), the pillow as the support for
the sleep, has become a monstrous being, vulnerable and
devoid of affection. The personification of the nightmare
behaves as another subject in the scene being part of reality.
Rego imagines her studio as a playroom where perversions and
fantasies come alive. A laboratory in which one can reveal and
discover the different sides of the human being. In her series
Aborto (1997) a woman becomes a ball, writhes looking for the
heat after the aggression. The treatment of the body refers back
to the pieces of some painters such as Lucian Freud, Balthus or
Bacon. Metamorfosendose segn Kafka (2002) evokes the
agony of the flesh, the lonely and ill body by means of a trembling and decisive stroke. Behind the literary references inspiring many of Paulas pieces, there is a critical reading on the role
of the woman within the great narrations, eliminated from the
great deeds. She meditates on the feminine identity strengthened by fables. In her series Las Criadas by Genet (1987) and
Jane Eyre by Charlotte Bront (2000), illustrates the interior
world of her heroines and goes deep into their dreams exploring the collective memory. Paula Rego investigates the subconscious, playing with the nightmares and tackling with life.
Sincere and audacious, she disobeys a nice aesthetic prevailing
as one of the great modern painters of our time.
02/11/2007
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BAHMAN JALALI
Fundacin Antoni Tpies. Barcelona. Hasta el 9 de diciembre

Producida desde la Fundaci Antoni Tpies y comisariada por Catherine David esta exposicin Bahman
Jalali (Teheran, 1944) ofrece una interesante muestra
de la produccin de uno de los referentes de la fotografa contempornea en Irn, revisando todos aquellos aspectos de su trabajo artstico e incluyendo una
amplia seleccin de sus fotografas documentales,
entre ellas las series Das de sangre, das de fuego
(1978-1979), con la revuelta popular contra el Shah y
el desarrollo de la revolucin, y Khorramshahr. La ciudad que fue destruida (1981), que documenta la historia de Khorramshahr, una ciudad al sur de Irn. El
22 de septiembre de 1980 el ejrcito iraqu atac el
principal aeropuerto de Irn y estall la guerra. Nadie
crey que el conflicto se prolongara durante ocho
aos. Durante la guerra miles de personas perdieron
la vida o resultaron heridas, miles de ciudadanos se
quedaron sin casa y se vieron obligados a desplazarse
a otras ciudades y pases. Durante ocho aos, el resto
del mundo observ impasible la situacin.
Esta historia trata de una ciudad llamada
Khorramshahr, al sur de Irn, que fue ocupada por el
ejrcito iraqu desde noviembre de 1980 hasta junio
de 1982. Khorramshahr era una ciudad devastada y
vaca, en ruinas. As, describe Bahman Jalali esta
situacin.
De alguna manera, son registrados aspectos de la
vida cotidiana como las rutinas laborales de los pescadores de una ciudad portuaria iran, as como la
conservacin, el anlisis y la transmisin del patrimonio fotogrfico de este pas. Sobre Pescadores (19741980) comenta el artista: En el sur de Irn, a lo
largo del Golfo Prsico, la vida de miles de personas
est ligada al agua. En 1972, visit la ciudad portuaria de Bushehr por primera vez y empec a tratar a la
gente que vive al lado del mar. Desde entonces, he
convivido con ellos en varias ocasiones. He viajado en
sus barcos de pesca y he sido testimonio de lo duro
que trabajan da y noche. La pesca es un trabajo difcil y peligroso. Cada da las condiciones de trabajo se
vuelven ms duras para los pescadores y, por otro
lado, la presencia de petroleros y barcos de la marina
contaminan el agua y merman sus capturas.
Sus obras conforman un documento visual de la
memoria reciente del pueblo iran desde principios de
los aos setenta, testimoniando la revolucin iran, la
guerra entre Irn e Irak y los aos de posguerra.
Exhibited at the Foundation Antoni Tpies and curated

by Catherine David, this exhibition of Bahman Jalali
(Teheran, 1944) shows an interesting exhibition of
one of the referents of contemporary photography in
Iran, reviewing all the aspects of his artistic work and
including a wide selection of his documental photographs, among them the series Das de sangre, das
de fuego (1978-1979), with the civil disturbances
against the Shah and the development of the revolution, and khorramshahr. La ciudad que fue destruida
(1981),
which
documents
the
history
of
Khorramshahr, a city in the south of Iran. In
September 22, 1980 the Iraqi army attacked the
main airport in Iran and the war broke out. Nobody
thought the conflict was going to go on for eight
years. During the war, thousands of people were
killed or injured, thousands of citizens lost their
houses and were forced to move to other cities and
countries. The rest of the world observed the conflict impassively for eight years. This story is about
a city called Khorramshahr, in the south of Iran,
occupied by the Iraqi army from November 1980 to
1982. Khorramshahr was a devastated and empty
ruined city. Bahman Jalali describes this situation
like that.
Somehow some aspects of quotidian life such as the
routines of the fishermen of an Iranian city, as well
as the conservation, analysis and transmission of
the photography heritage of this country are also
reflected. About Pescadores (1974-1980) the artist
says: In the south of Iran, all along the Persian
Gulf, the life of thousands of people is connected
with the sea. In 1972, I visited the seaside town of
Bushehr for the first time and I started to have
some contact with the people living in the seaside.
Since then, I have lived together with them in several occasions. I have travelled in their fishing boats
and I have witnessed how hard they have to work
day and night. Fishing is a very difficult and dangerous job. Everyday work conditions are harder and
harder for fishermen and, on the other hand, the
presence of oil tankers and navy ships pollute the
water and reduce their catch. His pieces made up a
visual document of the recent memory of the
Iranians since the beginning of the seventies,
including the Iranian revolution, the war between
Iran and Iraq and the postwar period.
Caf en Abadn, Irn, durante la guerra entre Irn e Irak

(1974) Bahman Jalali
Pescadores. 1974 - 1980 Bahman Jalali
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PATRICIA DAUDER
ProjecteSD. Barcelona. Hasta el 23 de noviembre

ProjecteSD abre las puertas al otoo con una muestra individual de la artista barcelonesa Patricia Dauder.
Sin perder el inters por el mundo fsico y su fragmentacin,
la artista presenta sus nuevos trabajos, dibujos y una filmacin, Les Maliens (A film). Dibujos compuestos de luz y transparencias deshabitadas. Frgiles estructuras y irreconocibles
mapas que la artista halla en los recuerdos ms lejanos, imgenes vistas infinidad de veces. Esta idea de la mirada y del
respiro sutil queda totalmente definido en el film Les Maliens,
una filmacin en 16mm rodada en Mali en 2007. Una ventana hipntica sin ninguna estructura ni hilo argumental, un
espacio infinito sin ninguna pretensin de convertirse en un
documental. Un espacio sin tiempo, una cronologa sinttica
y extremadamente horizontal como en las microcartografas
delineadas en los dibujos. El dibujo es el medio a travs del
cual, concibo formas o estructuras que no tienen necesariamente smil con la realidad, constituye el lenguaje de la
invencin. La fotografa y el cine, son medios que utilizo para
captar fragmentos del mundo exterior, herramientas para la
observacin y anlisis de la realidad, para completar una
imaginera personal. Patricia Dauder naci en Barcelona el
ao 1973. Actualmente vive y trabaja en Barcelona.
Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona y
realiz estudios en Ateliers Arnhem y en Hogeschool voor de
Kunst en Vormgeving. Shertogenbosch de Holanda.
Marina Ramoneda
kjkjkljhlkjhcxzlkjhxzhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhhh
ProjecteSD opens the doors to the autumn with an individual

exhibition of the artist from Barcelona Patricia Dauder.
Without lacking the interest in the physical world and its fragmentation, the artist shows her new pieces, some drawings
and a film Les Maliens (A Film). Drawings with light and
inhabited transparencies. Fragile structures and unrecognizable maps the artist finds out in her most distant memories,
images seen many times. This idea of the subtle sight and
breath is well defined in the film Les Maliens (A Film), a 16mm
film shot in Mali in 2007. A hypnotic window without structure
or story line, an infinite space without any aspiration to
become a documental. A space without time, a synthetic
chronology and extremely horizontal as in the micro-cartographies outlined in the drawings. Drawing is the medium
through which I understand the shapes or structures that are
not necessary comparable with reality, it is the language of
invention. Photography and cinema are the media I use to
capture fragments of the outside world, tools for the observation and the analysis of reality, to complete a personal
imagery. Patricia Dauder was born in Barcelona in 1973.
Nowadays she lives and works in Barcelona. She graduated in
Fine Arts at the University of Barcelona and studied at the
Ateliers Arnhem and the Hogeschool voor de Kunst in
Vormgeving.Shertogenbosch in Holland.
Les Maliens (A Film) (2007) Patricia Dauder
ALFRED PORRES PLA. TIMELESS
Galera Cnem. Castell de la Plana

Desde el 29 de noviembre hasta el 18 de diciembre
Alfred Porres Pla. Timeless (2007)

Cortesa del la galera y del artistaes
Timeless videocreacin de Alfred Porres Pla (Amposta,

1967), revisa de modo crtico la versin limpia y asptica
de la globalizacin que ofrecen los medios. Timeless se
presenta simultneamente dentro de la programacin del
BAC! Festival 07 (del 26 de noviembre al 20 de diciembre)
en el CCCB (Barcelona). En la pasada edicin de ARCO la
galera Cnem mostr la pieza titulada Bush de este artista tarraconense. La escena de esta obra reconstrua el
pasaje de Moiss en el Monte Sina y la Zarza Ardiente,
remitindonos a la situacin actual en Oriente Prximo. El
audio del vdeo reproduce un fragmento del discurso pronunciado por el actual presidente estadounidense un mes
despus del atentado del 11S, pero distorsionado; una
distorsin que remite a una voz omnipotente de la divinidad recuerda las voces enmascaradas de los comunicados
terroristas. ltimamente la produccin de Alfred Porres
Pla ha estado presente en FEM 7 con Poetic Terrorism
(Madrid, 2007), I Fiera del Video dArte (Venecia, 2006),
ARTE.06, II Forum Social Mundial de las Migraciones,
Rivas Vaciamadrid (2006), Es mou, et mou, en la galera
Cnem (Castell de la Plana, 2006), To have a voice,
Kaunas, M. Zilinsko Dailes Galerija (Lituania, 2006).
Timeless a videocreation of Alfred Porres Pla (Amposta,
1967), reviews the clean and aseptic version of the media
globalization critically. Timeless is shown in the programme of the BAC! Festival 07 (November 26 to
December 20) at the CCCB (Barcelona). In the last edition of ARCO the gallery Cnem exhibited the piece titled
Bush of this artist from Tarragona. The scene of this piece
reconstructed Moisss passage in the Mount Sinai and
the burning bush, referring us to the present situation of
the Near East. The audio of the video reproduces a fragment of the discourse of the USA president a month after
the 11S terrorist attack but it is distorted. A distortion that
refers us to the deafening voice of a deity, reminding us
of the distorted voices of the terrorist statements. Lately
Alfred Porres Plas production has been present in FEM 7
with Poetic Terrorism (Madrid, 2007), I Fiera del Video
dArte (Venice, 2006), ARTE.06, II Forum Social Mundial
de las Migraciones, Rivas Vaciamadrid (2006), Es mou, et
mou, at the gallery Cnem (Castell de la Plana, 2006),
To have a voice, Kaunas, M. Zilinsko Dailes Galerija
(Lithuania, 2006).
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XON GUERREIRO. MAR TENDIDO
Galera Fernando Magdalena. Vigo. Desde el 15 de noviembre hasta el 25 de enero

La pintura de Xon Guerreiro (Xove, Lugo, 1956) se
interesa por el paisaje a travs de una mirada cercana y atenta del entorno natural, consecuencia de
un sentimiento de interrelacin con el lugar.
Xon Guerreiro ofrece, en las obras presentes en
esta galera viguesa, diferentes panormicas, que
inciden en aspectos ya presentes en su obra anterior. Son obras que busca la esencializacin de lo
real. Su mirada hacia la naturaleza se vuelve hacia
el mar, un mar cantbrico que en sus obras aparece
con fuerte presencia, como un elemento primigenio,
perteneciente a un tiempo cclico.
Este pintor lucense trabaja fiel, tanto temtica como
representacionalmente, al espacio que habita, el
lugar al que pertenece. De ah, que el paisaje y el
contexto gallego estn siempre presentes en su
obra.
Ha trabajado en el mbito de la edicin, en la ilustracin de libros (A fonte da vida longa, Tralas portas do rostro y Ningun chorou por ns) y ha diseado portadas de CD Rosas de luz, del grupo
Xocaloma, y Agardando que pase algo, lbum de Fa
na roca. Fue finalista en el concurso de ilustracin
de cuentos Espasa-Calpe y primer premio del certamen de pintura Lugonova 90.
The painting of Xon Guerreiro (Xove , Lugo, 1956)

is interested in the landscape from a close and
watchful view of the natural environment, as a consequence of an interrelation feeling with the place.
Xon Guerreiro shows, in the pieces present at this
gallery in Vigo, different views that have a bearing
on some aspects present in his previous work. His
pieces look for the essentializaton of the real. His
glance at nature turns round to the sea, a
Cantabrian Sea that appears in his pieces constantly, as a primitive element belonging to a cyclic time.
This painter from Lugo works faithful to the place
where he lives, to the place he belongs to, both thematically and representationally. So the landscape
and the Galician context are always present in his
work.
He has worked in the field of edition, in the illustration of books (A fonte da vida longa, Tralas portas
do rostro, Ningun chorou por ns), and he has also
designed album covers: Rosas de luz by the band
Xocaloma, and Agardando que pase algo, an album
by Fa na Roca. He was the finalist in the contest of
tale illustration Espasa-Calpe and the first prize of
the painting competition Lugonova 90.
Xon Guerreiro. Cortesa del artista

Jeam Yu. Spring/Summer 2006
Foto: Kenny Jossick
Miguel Adrover. Autumn/Winter 20012
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EXISTENCIAS
MUSAC. Len. Hasta el 6 de enero

Una gran exposicin colectiva ocupa este otoo las salas del
MUSAC. Una abigarrada combinacin de autores y obras
llena el museo buscando evocar los antiguos gabinetes de
coleccionista. Es la tercera vez que este museo hace una
gran exposicin colectiva para mostrar una parte de sus fondos. La muestra inaugural del museo en 2005 se llam
Emergencias y agrupaba a un nutrido nmero de artistas y
obras bajo el leitmotiv de las convulsiones del mundo contemporneo. En otra ocasin bajo el ttulo Fusin, se mostraron los aspectos de la cultura asitica representados en la
coleccin. Ahora Existencias busca representar un microcosmos de la actualidad del arte contemporneo. Las salas del
museo aparecen atiborradas de cuadros, fotografas, vdeos,
instalaciones y alguna (pocas) esculturas dispuestas de
forma parecida a como los curiosos coleccionistas del siglo
XVIII solan llenar sus casas con una sensible mezcla de presente, pasado y futuro de las artes al colocar por ejemplo,
junto a un busto de Julio Csar, un paisaje de Guardi y an
junto a ellos un dibujo de un proyecto nunca realizado de un
arquitecto visionario como Boulle.
El caos de la forma de vida contempornea invita a mostrar
tambin las obras de arte en el Museo en cierto desorden
acumulativo, dejando de lado el sistema de muros blancos
ligeramente acentuados por pequeas obras aisladas. As
que la forma de la exposicin Existencias, responde tanto a
la tradicin ilustrada como a la realidad socio cultural del
siglo XXI brillantemente recogidas por Rafael Doctor, comisario de la muestra y director del museo. Hay inters en la
actualidad por exponer con la forma de cmara de las maravillas. En 2006 el Gemeentemuseum de La Haya en Holanda
present la exposicin Wunderkamera, que era una fascinante mezcla de arte de hoy y cacharros de todas las pocas. La artista Sandra Gamarra en la Galera Juana de
Aizpuru expuso su obra pictrica en forma de gabinete. Y en
el propio MUSAC, en la exposicin de los pintores
Muntean&Rosenblum comisariada por Agustn P. Rubio, se
dispusieron los cuadros y dibujos en pequeos salones
forrados de opulentas telas de colores.
As que en Existencias, la tradicin del gabinete de coleccionista sirve para exponer con decoro entre otras, las piezas
arquitectnicas de Tobas Rehberger y los dibujos en movimiento de William Kentridge. Cuadros insomnes de Enrique
Marty, abstracciones de Julie Mehretu, Ryan McGuinness,
realismos de Philipp Frhlich. Fotografas de Candida Hfer,
Zhang Huan y del sutilmente barroco Pierre Gonnord. Las
vdeo-instalaciones como Asylum de Julian Rosefeldt y Place
to passage de Hussein Chalayan, completan un cierto recorrido por este gabinete del futuro.
Romn Padn Otero
Douglas Gordon & Philippe Parreno. Zidane: A

21st Century Portrait (2006) Coleccin MUSAC
Atom Egoyan y
Juliao Sarmento
Close (20002001)
Coleccin
MUSAC
A great collective exhibition occupies the rooms of the

MUSAC this autumn. A motley combination of artists and
pieces fills the museum trying to evoke the old cabinets of
wonders. It is the third time this museum organizes a great
collective exhibition to show a part of their collection. The
opening exhibition of the museum in 2005 was called
Emergencias, and it gathered numerous artists and pieces
under the leitmotiv of contemporary world upheavals. In
other occasion they showed the aspects of Asian culture
represented in the collection under the title Fusin.
Nowadays Existencias tries to represent a microcosm of
present contemporary art. The rooms of the museum are
full of pictures, photographs, videos, installations and some
(just a few) sculptures arranged in a similar way as the
curious collectors of the 18th century used to fill their houses with a sensible combination of the present, past and
future of arts when they put, for example, a Guardis landscape together with a bust of Julius Caesar, and together
with them a drawing of a never-produced project of such a
visionary architect as Boulle.
The chaos of contemporary lifestyle invites to show the art
pieces at the Museum in a certain accumulative chaos,
leaving aside the system of white walls lightly emphasized
by some isolated small pieces. So the style of the exhibition Existencias both fit the enlightened tradition and the
socio-cultural reality of the 21st century brightly collected
by Rafael Doctor, the curator of the exhibition and director
of the museum. Nowadays there is some interest in exhibiting with the shape of a cabinet of wonders in 2006 the
Gemeentemuseum in The Hague in Holland, showed the
exhibition Wunderkamera, which was a fascinating mixture
between present art and all times objects. The artist
Sandra Gamarra exhibited her pictorial work in the shape
of a cabinet at the Gallery Juana de Aizpuru. And at the
MUSAC,
in
the
exhibition
of
the
painters
Musean&Rosenblum, curated by Agustn P. Rubio, the pictures and drawings were exhibited in small rooms lined
with abundant colourful fabrics. So, in Existencias, the tradition of the cabinet of wonders is used to exhibit decorously the architectural pieces of Tobas Rehberger and the
moving drawings of William Kentridge, among others. The
insomniac pictures of Enrique Marty, the abstractions of
Julie Mehretu, Ryan McGuinness, the realisms of Philipp
Frhlich. The photographs of Candida Hfer, Zhang Huan
and the baroque Pierre Gonnord. Some video-installations
such as Asylum by Julian Rosefeldt and Place to passage by
Hussein Chalayan complete a certain itinerary through this
cabinet of the future.
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RAFAEL G. BIANCHI. HAPPY FAMILY
Espai Montcada. CaixaForum. Barcelona. Hasta el 30 de diciembre

Sonrisas y muecas
La euforia como anttesis clnica de la depresin. David
Armengol, comisario del ciclo de exposiciones Euforia:
casos de optimismo extremo que se celebra durante
esta temporada en el Espai Montcada de CaixaForum
de Barcelona, presenta cuatro proyectos artsticos que
desafan el equilibrio. En stos los temas se tratan
desde un punto de vista cercano a la euforia, ese estado mental en el que el exceso de optimismo nos aleja de
la realidad sumindonos en un desenfado enfermizo, en
una sensacin de bienestar excesiva, en un optimismo
frgil. Como Armengol escribe se trata de disfrutar de
los actos ms all de las posibilidades de error, frustracin o fracaso, pero a travs de este estado tambin
pretende, las obras pretenden otras lecturas alteradas
cercanas al universo artstico que vayan ms all y cuestionen los discursos excesivamente rgidos o rigurosos.
Rafael G. Bianchi (Olot, 1967) se pone en la piel de un
artista-taxidermista, ya que como ste recrea la representacin manipulada de la realidad y su presentacin a
los otros como supuesta verdad. Bianchi parte del estudio del Museu Darder de Historia Natural de Banyoles,
actualmente modificado con el nombre de Museo Darder
Espacio de Interpretacin de lEstany, y de la mentalidad propia del siglo XIX del veterinario y taxidermista
que lo fund en 1916, Francesc Darder i Llimona (18511916). A travs de este acercamiento, el autor reflexiona sobre la condicin del artista en la actualidad, un
artista que se mueve entre las nociones de necesidad y
absurdidad de sus actos.
En la sala del Espai Montcada, una vitrina nos presenta
el extrao cuadro familiar compuesto por cuatro figuras
emblemticas del Museu Darder: un len en actitud
agresiva, la controvertida y polmica figura del bosquimano, la rata escritora y la propia figura del taxidermista y coleccionista fundador.
Bianchi se siente seducido y atrado por el desfase y
conflicto entre los valores sociales y culturales actuales
y el concepto museolgico originario del Museu Darder.
En la actualidad este museo se convierte en una huella
del pasado que nos permite entender una forma de pensar obsoleta: la de un pasado lleno de prejuicios y arrogancia etnocntricos fundamentados en una actitud de
euforia que se traduce en un sentimiento de superioridad en trminos de arrogancia o de pura inocencia. La
sonrisa ante los cuatro miembros de Happy Family se
convierte en mueca.
Este mismo ciclo del Espai Montcada contar con tres
exposiciones ms durante esta temporada: la pareja
Petra Mrzyk (Nuremberg, 1973) y Jean-Franois
Moriceau (Saint-Nazare, 1974), Jonathan Meese (Tokio,
1971) y Momu & No Es, grupo formado por Luca Moreno
(Basilea, 1982) y Eva Noguera (Torell, 1979).
Smiles and grimaces

The euphoria as the clinic antithesis of depression. David
Armengol, the curator of the cycle of exhibitions Euforia:
caos de optimismo extreme held at the Espai Montcada of
CaixaForum in Barcelona, shows four artistic projects challenging the balance. In them the topics are dealt from a
point of view close to euphoria, this mental state of mind in
which the excess of optimism moves away from reality
sinking us into a morbid freedom, an excessive feeling of
comfort, a fragile optimism. As Armengol writes it is about
enjoying the actions beyond the possibilities of a mistake,
frustration or failure, but by means of this state he also
wants, the pieces want other changed readings close to the
artistic universe that go beyond and question the excessively rigid or rigorous discourses.
Rafael G. Bianchi (Olot, 1967) puts himself in the shoes of
a taxidermist-artist, since as this one recreates the manipulated representation of reality and its presentation to the
others as a supposed truth. Bianchi starts from the study
of the Museum Darder of Natural History in Banyoles,
nowadays with the name of Museum Darder Space of
Interpretation in lEstany, and from the 20th century mentality of the vet and taxidermist who founded it in 1916,
Francesc Darder I Llimona (1851-1916). By means of this
approach, the author meditates on the condition of artists
nowadays, an artist moving between the notions of necessity and absurdity in his actions.
In a room of the Espai Montcada, a glass case shows us the
strange family picture composed by four emblematic figures of the Museum Darder: a lion with an aggressive attitude, the controversial and polemic figure of the African
bushman, the writer rat and the own image of the taxidermist and founder collector. Bianchi feels seduced and
attracted by the gap and the conflict between the social values and the museum concept from the Museum Darder.
Nowadays this museum becomes a trace of the past that lets
us understand an obsolete way of thinking: the one of a past
full of ethnocentric prejudices and arrogance based on an
attitude of euphoria understood as a feeling of superiority in
terms of arrogance or pure innocence. The smile before the
four members of Happy Family becomes a grimace.
This same cycle of the Espai Montcada will have other three
exhibitions in this season: the couple Petra Mrzyk
(Nuremberg, 1973) and Jean-Franois Moriceau (SaintNazare, 1974), Jonathen Meese (Tokyo, 1971) and Momu
& No Es, a group composed by Luca Moreno (Basel, 1982)
and Eva Noguera (Torell, 1979).
Slvia Muoz dImbert
Vista exposicin. Happy Family (2007)

de Rafael G. Bianchi
hh
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DAVID CASTRO
David Castro present en DF_Arte Contempornea el programa Los tems Crudos, una buena ocasin para revisitar
las constantes de su trabajo creativo, ntimamente relacionado con la interpretacin de la representacin en la concepcin de lo utilitario.
Desde sus inicios, el autor ha empleado objetos cotidianos
como cajas, mesas, tubos y bolsas que ha propuesto en
escultricos ensamblajes y vdeos, buscando que el destinatario contemporneo hiciese un esfuerzo por evitar la
rutina desde presupuestos, sobreentendidos y consensos,
que posibilitasen la aproximacin al objeto de forma bifocal: por un lado el significado categrico, asimilado, y por
otro la capacidad de ampliar su definicin como instrumento, como herramienta de nuevas posibilidades.
En esta ocasin, distribuye el espacio de la galera como
un simulacro de hbitat domstico poblado con diferentes
piezas estrechamente relacionables y correspondidas con
el uso diario: la silla, la mesa, la lmpara y la taza, que en
este contexto transmutan en conceptos materializados.
Los tems crudos representan el esfuerzo del artista por
desordenar los cdigos adquiridos por la experiencia del
visitante. La aproximacin que propone requiere ver el
mueble, el artefacto, como herramienta de proyeccin,
como mquina del estar, como accin del posicionarse. En
definitiva, una ambigua prolongacin fsica, material y
objetual del ser. En la seleccin de piezas de la muestra,
se presentan artefactos de diferente ndole, como tazas o
sillas que el propio artista manipula, siempre incrementando, siempre sumando significados, construyendo nuevas
realidades que se comprendan como nuevas utilidades, ya
que el arte es forma, y las formas tienen la capacidad de
intercambiarse entre ellas mismas, y por lo tanto su desplazamiento simblico es infinito. En el hecho de la construccin de un objeto, por ejemplo, con un de pie de acero,
una bombilla y metacrilatos de posibles colores, se suscita la anomala en lo habitual, la duda en una realidad asimilada. Es lo extraordinario de comenzar a crear en el
pensamiento del otro. Sus piezas son gestos con los que
dibujar nuevas y diferentes opciones, de desmontar conceptos que forman parte de nuestro bagaje historiogrfico
o de la propia rutina del autor, utilizando sus propios artilugios, que traslada nuevamente a un espacio expositivo
con el afn de activar esa dislocacin, de subrayar la fragilidad de lo aprehendido.
Chus Martnez
Exposicin celebrada en la galera DF de Santiago de Compostela

durante el mes de octubre.
David Castro.
Las tazas obedientes (2007).
Cortesa de la
galera y del
artista
David Castro showed the programme Los tems Crudos at

DF_Arte Contempornea, a good occasion to revisit the constant themes of his creative work, closely related to the interpretation of representation in the conception of the useful
things. From the beginning, the author has used quotidian
objects such as boxes, tables, tubes and bags he has suggested in sculptural assemblies and videos, trying that the contemporary spectator made an effort so as to avoid routine from
premises, deductions and consensus making the approach to
the object in a bifocal way possible: on the one hand the categorical, assimilated meaning; and on the other hand the ability to elaborate on its definition as an instrument, as a tool with
new possibilities. In this occasion, he distributes the space at
the gallery as the mock of a domestic habitat full of different
pieces closely related and matching up with the daily use: the
chair, the table, the lamp, the cup, which in this context
become materialized concepts. Los items crudos represent the
artists effort to untidy the codes acquired by the experience of
the visitor. The approach he suggests requires seeing the piece
of furniture, the device, as a projection tool, as a machine of
the staying, an action of the adopting an attitude. In short, an
ambiguous physical, material and object prolongation of the
being. In the selection of pieces in the exhibition, we can see
very different objects, such as cups or chairs the artist himself
manipulates, always increasing, always adding up more
meanings, creating new realities to be understood as new utilities, since art means shape and shapes are bale to exchange
among themselves, and for that reason their symbolic movement is infinite. In the construction of an object, for example,
with a steel base, a light bulb and methacrylates of different
colours, the anomaly raises in the habitual, the doubt in an
assimilated reality. That is the strange of starting to create in
the thought of another person. His pieces are gestures with
which he draws different and new things, dismantles some
important historical concepts or even the routine of the own
author, using his own gimmicks, he moves again to another
expositive space in his eagerness to activate this dislocation,
to emphasize the fragility of the understood.
Exhibition held at the gallery DF in Santiago de Compostela in October.
David Castro. tem en forma de silla (2007)

Cortesa de la galera y del artista
ss
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INTEMPERIE. LA CIUDAD QUE SE PIENSA
SOS: necesidad de trazar de nuevo la cartografa del

alma del sujeto contemporneo
A puertas del siglo XXI la mirada artstica se centra de
nuevo en el adentro, arrimando el alma a la ventana de un
bloque de apartamentos prefabricados, exponiendo al lmite las circunstancias personales y confundiendo hasta llegar al hbrido dudoso entre el fuera-dentro, casa-cuerpo,
temporal-eterno, ntimo-impersonal
Intemperie es un proyecto sobre la duda y el desconcierto
que vive el sujeto contemporneo inmerso en lo urbano.
Pretende captar y dibujar la experiencia de tal sujeto; experiencia evocada al cambio y a la transformacin constante;
una experiencia en la cual expresiones como toda la vida
han sufrido definitivamente el desgaste del da a da.
Hoy, vivir en lo urbano es hacerlo ahora y aqu: el pasado
ha perdido su recuerdo y el futuro no se espera. Vivir as
es vivir en un presente eterno, vivir en una intemperie
temporal donde las seguridades ms firmes, las resistencias ms slidas son de un solo uso. Estar a la intemperie
es vivir en el centro de un gran remolino que se mueve en
un espacio sin trazas ni coordenadas. Es vivir de cerca el
sentimiento de una condicin efmera y probable, por poco
tiempo - el tiempo de un deseo.
Someterse a la intemperie quiere decir dejarse llevar por
la incertidumbre de no saber si maana uno podr contar
con aquello que hoy ha construido. Que el espacio pblico
ya no sea el espacio del consenso sino el lugar donde los
huracanes ms fuertes desgarran da s da tambin las
costumbres ms arraigadas; que el cuerpo sufra la vulnerabilidad de un entorno hostil por exceso de calor o por
exceso de proteccin-; o que las identidades se fracturen
justamente all en dnde la tensin entre lo universal y lo
particular es ms insoportable. Estas podran ser algunas
de las consecuencias de vivir a la intemperie, es decir:
vivir el da de hoy.
El colectivo Intemperie presenta su proyecto relacionando
diferentes periferias: artsticas, geogrficas, histricas...
Pero con un objetivo claro: reproducir en un espacio determinado aquello que los habitantes de lo urbano experimentan da a da: el intercambio de ideas, la renovacin constante, el desconcierto y la esperanza, la confluencia y dispersin. Surge de la necesidad de recoger esta vivencia
urbana en su multiplicidad. Por esto adopta una mirada
tan ampla que incluye todos los sentidos: desde las artes
plsticas al diseo, pasando por la geografa y la historia.
De esta forma, recoge en un espacio concreto, casi diminuto, la esencia de aquello que es general: vivir en la
intemperie. En cualquier caso, Intemperie es una ventana
desde donde observar como se tejen los hilos de la gran
ciudad, hecha de testigos lejanos y espacios cotidianos, por
automatismos constructivos y peatones andantes.
Intemperie es un colectivo que levanta una exposicin
para construir una ciudad; mejor aun, una ciudad urbanizndose. El proyecto no es un punto de llegada sino un
comienzo: un proceso, una senda que se rehace a s misma
sin destino ms all de ponerse en camino. As, Intemperie
abre sus puertas no para ser contemplada, sino para ser
habitada; para hacer un lugar intemperie al fin y al cabo.
www.intemperie-projectes.net
Marina Ramoneda / Bernat Llad
SOS: need to draw the cartography of the contemporary subject again

Just around the corner of the 21st century, the artistic view
is focused again on the inside, moving the soul close to
the window of a block of prefabricated apartments, showing the personal circumstances on the borderline and confusing until getting to the doubtful hybrid between insideoutside, house-body, temporary-eternal, intimate-impersonal...
Intemperie is a project about the doubt and the confusion
of the contemporary subject immersed into the urban. It
tries to capture and draw the experience of such a subject; an experience evoked to the change and the constant transformation; an experience in which certain
expressions such as a whole life have suffered the day
in day out decline.
Nowadays, living in the urban means doing something
here and now; the past has lost its memory and the future
is not expected. Living like that means living an eternal
present, living in at the mercy of elements temporarily in
which the strongest securities, the most solid resistances
are disposable. Being at the mercy of elements means living in the centre of a great whirlpool moving in a space
without traces or coordinates. It means living close to the
feeling of an ephemeral and probable condition not for a
long time the time of a wish.
Being subjected to the mercy of the elements means
being persuaded by the uncertainty of being unsure if one
can take into account in the future what one has created
in the present. That public space is not the space of the
consensus any more but the place where the worst hurricanes tear the most deep-rooted customs; that the body
suffers the vulnerability of a hostile environment owing
to excess heat or excess protection - ; or that identities
break just in the point in which the tension between the
universal and the particular is more unbearable. Those
could be some of the consequences of living at the mercy
of elements, that is: living the present.
The collective Intemperie show their project connecting
different peripheries: artistic, geographical, historical...
but with a clear aim: reproducing the things the inhabitants of the urban experiment day by day in a particular
space: exchange of ideas, constant renovation, uncertainty and expectancy, confluence and dispersion.
The need to collect this great variety of urban experience
emerges. For that reason it takes a wide view including all
the senses: from plastic arts to design, going through
geography and history. This way, it gathers the essence of
the general things in a concrete, almost tiny space: living
at the mercy of elements Anyway, Intemperie is a window
from which one can see how the great city moves, with
distant witnesses and quotidian space, by means of constructive automatisms and pedestrians. Intemperie is a
collective that erects an exhibition in order to construct a
city, or better, a city that is being built on. The exhibition
is not an arrival point but a starting point: a process, a
path that recovers by itself without any destiny beyond
moving on. So, Intemperie opens not to be contemplated
but to be inhabited; to create a place... at the mercy of
elements after all. www.intemperie-projectes.net
El Colectivo Intemperie, residentes al Centro de Produccin Artstica

Contempornea La Nau del Estruch (Sabadell), abri sus puertas a la exposicin working progress: INTEMPERIE, el pasado 5 de octubre.
The Collective Intemperie, residents of the Centre of Contemporary Artistic

Production La Nau del Estruch (Sabadell), opened the exhibition working
progress:INTEMPERIE last October 5.
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IBEROAMRICA GLOCAL
Casa Amrica. Madrid. Hasta el 9 de diciembre

Maldita (in)coherencia
Todo refrn tiene un mayor o menor rendimiento discursivo
segn su uso social y el alcance lapidario de su sentencia.
Dicen los que saben que: A la tercera va la vencida. Y en
efecto, y al margen de que no abdico frente la sugestin
propia del refranero popular ni el fanatismo adictivo de la
hipocresa celebratoria, he de advertir que en esta oportunidad el comisario de la muestra Iberoamrica Glocal, ha conseguido unos ndices, an modestos pero atendibles, de
coherencia curatorial. Esto, claro est, en el caso hipottico
de que decidamos, por pura benevolencia e irona no escamoteada, ignorar el marco conceptual diseado por el comisario en el que se advierte una impropiedad en el uso del
aparato terico y una sintomtica confusin ideolgica. ste
es un proyecto sobre la violencia y sus recorridos, no as
sobre presuntos efectos globalizadores ni respuestas localistas a favor de la identidad iberoamericana y de sus narraciones estticas.
Por ello, cuando hablo de ndices de coherencia, es porque sin dudas- sta es una excelente exposicin temtica bien
orquestada, que propone unos itinerarios por el tema de la
violencia, junto a alguna que otra digresin inteligente en el
mbito de la problemtica urbana como el caso de Jorge
Macchi. Pero en modo alguno ni la exposicin en s misma ni
el cuerpo de obras escogidas (por ms que se apele a ardides retricos persuasivos), ilustran el conflicto complejo y
urgente acerca de cmo los artistas de las periferias del
mundo activan discursos estticos orientados a disentir,
cuando menos cuestionar, el modelo de globalizacin hegemnica difundido desde los centros internacionales del poder
simblico. Lo que en el plano discursivo pareca que iba funcionar como un marco terico orientador, haciendo la suerte
de gua para esta especie de tours, no haya su correlato ilustrativo en la exposicin misma, e introduce en cambio una
confusin lamentable que desde luego afecta la recepcin y
lectura de los reales contenidos que habitan en estas obras.
No existe una sola pieza en esta muestra que someta a discusin, o que en cualquier caso certifique, los conflictos culturales que entraa el dilogo vertical y desfavorable entre
los efectos de la globalizacin y las respuestas estticas -de
ndole reactiva- a cargo de los artistas cuyas producciones
de sentido se hayan enmarcadas en un contexto cultural y
geo-poltico de signo perifrico. Si en lugar de estas obras,
el proyecto hubiera incluido ahora s- la nmina de artistas
que antes integraron Arte, stira y subversin, entonces sin
temor a dudas, estaramos en presencia de un tipo de discurso esttico que se ocupa de polemizar y desestabilizar el
paradigma globalizado de la cultura, justo a partir de obras
que apelan a sus herencias contextuales y acervos artsticoculturales (en clave pardica), para leer el presente de imposicin y vejaciones articuladas desde los centros emisores de
poder. En cambio, insisto en ello, las obras aqu reunidas son
estupendas, superadas slo por su propia elocuencia. Con la
excepcin de Juan Iribarren, todas, en su autonoma discursiva, resultan autnticos abrevaderos conceptuales de rigor
donde se revisa desde una postura abiertamente crtica el
drama de la violencia y los altos ndices de paranoia, as
como sus irreparables consecuencias en los rdenes de la
antropologa y las subjetividades colectivas, en un contexto
socio-poltico harto estratificado y complejo.
El peligro de este tipo de propuestas expositivas, algo en lo
que he insistido hasta el cansancio, radica en el hecho mismo
de que sus enunciados rectores suelen moverse por un paisaje conceptual de presuncin terica, con cierta desidia e
ignorancia, lo que a ratos, no hace sino peligrar un discurso

que en principio se desea (de)constructor y revisionista,
excusando entonces planteamientos esencialistas y burdas
fetichizaciones de los modos y enfoques distorsionados tan
frecuentes en las aproximacin crtica a un espacio cultural
como el Iberoamericano que escapa, con extrema soltura y
disidencia camalenica, a toda pretensin teortica deseosa
de rentabilizar en un texto autoritario la vastedad de su
mundo referencial y de su esencia?.
Poticas slidas, aqu reunidas bajo un falso reclamo de anti
globalizacin, como las de Laura Belm, Juan Fernando
Herrn, Teresa Margolles, Francis Naranjo, No Senda,
Wilger Sotelo o Gaston Ugalde, consiguen movilizar el consenso colectivo en funcin de una lectura seria y comprometida sobre aquellas cuestiones de urgencia cultural y poltica,
que apenas muchos intelectuales del arte y la cultura son
capaces de discernir con la coherencia y la rigor que ellas
demandan. Ya es hora de abandonar la miopa porque como
bien advirti Celia Cruz en una de sus autnticas letras aqu
el que no corre vuela.
Andrs Isaac Santana
Pil mural Jacqueline Lacasa
Inventario II Wilger Sotelo
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Private eye No Sendas
Damn (in)coherence
All the proverbs have more or less discursive usefulness
depending on the social use and the lapidary scope of the sentence. The learned people say that: Third time lucky And in
fact, and although I do not yield to the popular collection of
proverbs or the addictive fanaticism of the celebratory
hypocrisy, I must say that in this occasion the curator of the
exhibition Iberoamrica Glocal, has achieved some rates of
curatorial coherence, yet modest but worthy of consideration.
It is clear in case we decided, kindly and ironically, to ignore
the conceptual framework designed by the curator in which we
can find certain unsuitability in the use of the theoretical apparatus and a symptomatic ideological confusion. This is a project about violence and its progress, but not about supposed
comprehensive effects or local answers in favour of Latin
American identity and their aesthetic narrations.
For that reason, when I talk about coherence rates, is because
without any doubt this is an excellent and well organized
thematic exhibition that suggests some itineraries through the
topic of violence, together with some other intelligent digressions in the field of the urban problems such as Jorge Macchis
case. But neither the exhibition itself nor the main body of the
selected pieces (although we resorted to persuasive rhetorical
tricks) illustrate the complex and urgent conflict about how the
artists from the world periphery activate aesthetic discourses
aimed at dissenting from, or questioning, the model of hegemonic globalization spread from the international centres of
symbolic power. What in the discursive field seemed to be
working as a theoretical positioning framework, as a guide for
this kind of tours, cannot find the illustrative correlative in the
exhibition, but it makes a regrettable mistake affecting the
reception and reading of the real content of these pieces. In
this exhibition there is not a piece questioning or certifying the
cultural conflicts of the vertical and unfavourable dialogue
between the globalization effects and the aesthetic answers
of reagent nature in charge of the artists whose productions
of meaning can be framed in a cultural and geopolitical context of peripheral sign. If, in spite of these pieces, the project
had included though the list of artists of Arte, stira y subversion, then, without any doubt, we would have such a kind
of aesthetic discourse before us trying to argue and destabilize the globalized culture paradigm, from the pieces appealing to their contextual legacy and artistic-cultural common
properties (in a parodic tone) so as to read the present impositions and humiliations articulated from the issuing centres of
power.
However, I insist, the selected pieces are wonderful, only
improved by their own eloquence. Except for Juan Iribarren,
all of them, in their discursive autonomy, are rigorous really
conceptual watering places in which, from an openly critical
point of view, the drama of violence and the high rates of paranoia are reviewed, as well as their irreparable consequences
in the fields of anthropology and the collective subjectivities,
in a very stratified and complex socio-political context.
The risk of these kind of expositive proposals, something I
have insisted on endlessly, lies in the fact that their guiding
principles usually move around the conceptual landscape of
theoretical presumption, with certain idleness and ignorance,
which sometimes puts at risk a discourse shown as (de)constructor and revisionist, avoiding the essentialist expositions
and clumsy fetishizations of the distorted ways and point of
view so common in the critical approach to such a cultural
space as the Latin American one that escapes from every theoretical aspiration wishing to make the vastness of their referential world and their essence? More profitable in an authoritarian text.
Solid poetics, gathered here under the false slogan of antiglobalization, such as the ones by Laura Belm, Juan
Fernando Herrn, Teresa Margolles, Francis Naranjo, No
Senda, Wilger Sotelo or Gaston Ugalde, get to mobilize the
collective consensus depending on a serious and committed
reading about those questions of cultural and political urgency,
which hardly any art and culture intellectuals are able to distinguish coherently and rigorously. It is about time to give up
short-sightedness, because as Celia Cruz had said in one of
her songs: you have to be quick off the mark.
02/11/2007
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ANNIKA LARSSON
MONTSERRAT SOTO. PAISAJE SECRETO
La produccin ms reciente de la artista sueca Annika

Larsson (Estocolmo, 1972) conforma la exposicin en este
espacio madrileo. Se muestran dos de sus ltimos trabajos, FIRE (2005) y Pirate (2006), as como un conjunto
de fotografas de estas extradas de estas mismas piezas.
En las obras presentadas la artista se interesa por las relaciones de poder y subordinacin del ser humano. La tensin, el instante previo a la accin, se materializa en el
ritmo de la imagen, en la continuidad o discontinuidad.
Annika Larsson utiliza la imagen y los recursos cinematogrficos, empleando cdigos y signos habituales de la
narracin flmica. Annika Larsson vive y trabaja en Nueva
York, estudi en el Royal University College of Fine Arts de
Estocolmo y ha expuesto individualmente en el Centre
National dArt Contemporain de Grenoble (Francia), en la
Sala Montcada (Barcelona), el S.M.A.K. de Gante y el ICA
(Institute of Contemporary Art) de Londres, entre otros. Ha
participado en colectivas como Laocoonte devorado. Arte y
violencia poltica en ARTIUM (Vitoria-Gasteiz); The EyeSceen or The New Image. 100 videos to rethink the world
en el Casino Luxembourg y la Bienal de Tirana, entre otros.
Monserrat Soto (Barcelona, 1961) presenta Paisaje

Secreto como una investigacin sobre los espacios
que ofrecen las casas de los coleccionistas de obras de
arte. (...) Paisaje Secreto es una reflexin sobre estos
espacios privados que transcienden al espacio social en
el sentido de que manifiestan una situacin histrica
contempornea. (...) En este proyecto, propongo destacar y prestar atencin a esa mirada que estas casas
particulares nos ofrecen: instalaciones creadas por los
coleccionistas reuniendo obras a modo de objects trouvs. Todas ellas tienen caractersticas comunes: viven
all, conviven en el mismo espacio que los objetos y lo
llenan de cosas que encuentran y buscan. Las obras de
arte conviven en una cotidianidad diferente al ritual
que normalmente hacemos del arte. Este Paisaje
Secreto est conformado por 60 fotografas de casas
de coleccionistas tanto en Amrica como en Europa.
La Fbrica. Madrid. Hasta el 5 de enero
The most recent production of the Swedish artist Annika

Larsson (Stockholm, 1972) make up the exhibition at this
Madrilenian space. It includes two of her last pieces, FIRE
(2005) and Pirate (2006), as well as a group pf photographs taken from these same pieces. In the represented
pieces the artist is interested in the power and subordination relationships of the human being. The tension, the
instant previous to the action, is materialized in the rhythm
of the image, the continuity and discontinuity, the slowness, etc. Annika Larsson uses the image and the film
resources in her work, making use of usual codes and signs
in the film narration. Annika Larsson lives and works in New
York; she studied at the Royal University College of Fine
Arts in Stockholm and has exhibited individually at the
Centre National dArt Contemporain in Grenoble (France),
at the Sala Montcada (Barcelona), the S.M.A.K. in Gante
and the ICA (Institute of Contemporary Art) in London,
among others. She has taken part in collective exhibitions
such as Laocoonte devorado. Arte y violencia poltica at
ARTIUM (Vitoria-Gasteiz); The Eye-Sceen or The New
Image. 100 videos to rethink the world at the Casino
Luxembourg and the Biennial of Tirana, among others.
FIRE (Fragmento) (2005) Annika Larsson
Museo Patio Herreriano. Valladolid

Montserrat Soto (Barcelona, 1961)shows Paisaje

Secreto as an investigation on the spaces of the art
pieces collectors houses.(...) Paisaje Secreto is a
reflection on these private spaces that transcend to the
social space in the sense that they show a contemporary historical situation. In this project, my proposal is
to stand out and pay attention to this sight these particular houses show us: installations created by the
collectors gathering pieces as objects trouvs. All of
them have common characteristics: they live there,
cohabit with the objects in the same space and they fill
it with things they look for and find. Art pieces cohabit a daily routine different to the ritual of art. This
Paisaje Secreto is made up of 60 photographs of collector houses both in America and Europe.
Paisaje secreto 46 Montserrat Soto
02/11/2007
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LA ESCULTURA EN LOS TEMPLOS INDIOS. EL ARTE DE LA DEVOCIN

CaixaForum Barcelona. Hasta el 18 de noviembre
La exposicin contiene casi dos centenares de obras escultricas relacionadas con la cultura india, abarcando un
perodo comprendido entre los siglos II a.C. y XVII d.C. La
escultura se ha utilizado tradicionalmente en la India como
expresin y objeto de veneracin a los dioses. El pensamiento religioso indio se divide en tres religiones diferenciadas, aunque con puntos en comn: el hinduismo, que
cuenta con un amplio grupo de dioses, semidioses, santos
y ascetas presididos por los tres principales, Shiva, Vishn
y Devi, y al que la muestra presta mayor atencin; el
budismo, con un gran nmero de imgenes de Buda en
diversas posturas y escenas histricas de su vida; y el jainismo, religin que se conoce por su estricta doctrina de no
violencia y el ciclo de nacimiento y renacimiento en el que
influyen krmicamente los hechos y las actitudes. En todas
ellas, el templo sagrado constituye una forma de acercamiento a la divinidad, pues es donde moran los dioses. La
disposicin espacial en el templo est minuciosamente
pensada de modo que las deidades se ubican jerrquicamente, el dios principal en el centro. La construccin arquitectnica en s tambin se carga de simbolismo: representa la montaa divina en donde residen las deidades del hinduismo. La muestra dedica especial atencin al templo
como centro de la vida religiosa india, aunque tambin
exhibe piezas relacionadas con otras prcticas pas. Los
lugares sagrados, repartidos por todo el subcontinente
indio y donde yacan las reliquias de sus divinidades, constituan el destino de peregrinaje de muchos devotos. Una
tercera forma de oracin y acercamiento era la adoracin
fuera del mbito del templo. Para mostrar a las deidades
fuera del santuario se crearon imgenes porttiles hechas
de bronce. Cuando estas salen del templo se celebran procesiones en las que se les rinde tributo con oraciones, danzas y canciones. Toda la exposicin es un monogrfico
detallado sobre la cultura india y sus ritos a travs del arte
escultrico autctono vinculado con la religin. CaixaForum
ha ofrecido a lo largo del verano una serie de actividades
en torno a la exposicin: conciertos de msicos hindes,
proyecciones audiovisuales, espectculos de danza clsica
india y diversas conferencias impartidas por profesionales
especializados en la sociedad, cultura y tradicin indias.
Panel de techo de mandapa que representa a Hanuman

como yogui. Cochin, Kerala, India suroccidental. Siglo XIX
Victoria & Albert Museum, Londres
The exhibition includes almost two hundred sculptural

pieces related to Indian culture, covering a period between
the 2nd century BC and the 17th century AC. Sculpture was
tradtionally used in India as the gods veneration object

and expression. The Indian religious thought is divided into
three different religions, although with some points in common: the Hinduism, that has numerous gods, demigods,
saints and ascetics, presided by the main three, Shiva,
Vishn and Devi, the one the exhibition pays special attention to; the Buddhism, with a lot of Buddha images with different positions and historical scenes of his life; and the
Jainism, a religion known for the non-violence strict doctrine and the cycle of nativity and renaissance in which
facts and attitudes have a karmatic influence. In all of
them, the holy temple is a way of approach to gods, since
it is the place where gods dwell. The space distribution of
the temple is carefully thought so that deities are hierarchically placed, the main god in the centre. The architectural
construction is also full of symbolism: it represents the
divine mountain where Hinduism deities live. The show
pays special attention to the temple as the centre of the
Indian religious life, although there are also some pieces
related to other pious practices. The holy places, all around
the Indian subcontinent, where the relics of their deities,
were the destiny of many devouts pilgrimage. A third way
of invocation and approach was the adoration out of the
temple. Some portable bronze images were created to
show deities out of the sanctuary. When these images get
out of the temple, there are some processions in which
people worship them with prayers, dances and songs. The
whole exhibition is a detailed monograph on Indian culture
and rites through native sculptural art connected with religion. CaixaForum has offered a series of activities around
the exhibition: Indian music concerts, audiovisual projections, Indian Classical dance shows and several conferences imparted by experts specialized in Indian society,
culture and tradition.
Cabeza de buda. SS.VII - VIII. Sultanganj,

Bihar, India oriental. Siglo XIX. Victoria &
Albert Museum, Londres
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IGNACIO GOITIA. POR LA PUERTA GRANDE
Galera Marisa Marimn. Ourense. Hasta el 12 de noviembre

Un diferente pasaje a la India
En los cuadros y dibujos figurativos de Ignacio Goitia se
plantean reivindicaciones socioculturales desde el clasicismo esttico. Empleando la gran arquitectura europea
como teln de fondo sugiere un singular dilogo entre
Oriente y Occidente. En sus nuevas obras los arcos triunfales de Pars, los interiores barrocos centroeuropeos, las
vistas del Madrid ilustrado y an los salones del Ancient
Rgime se llenan con el archivo de arquetipos habitual en
la obra del artista. El catlogo de jirafas, camellos, personajes vestidos de uniforme o en traje de noche se ve
ampliado adems con la incorporacin de elefantes indios
enjaezados, toreros y flneurs.
Urbanismos, edificios, jardines y atletas mticos o reales
son parte del universo formal del artista. Junto a estas
bellezas inertes le interesa el retrato en sus pictures de la
vivificante presencia de hombres atlticos y mujeres
ingrvidas para hacer una lectura analtica del pasado.
Qu ocurre si la representacin del poder a travs de la
arquitectura cambia cuando se modifica la proporcin y
una jirafa se introduce en un saln ocupando una alfombra de Gobelinos? Es un modo de agitacin social celebrar una fiesta leather en el saln de los espejos de
Versalles? En el universe Goitia la sublimacin esttica
sirve para desarrollar un discurso combativo. Nos invita a
caminar por imgenes donde es posible compartir un
momento suspendido con policas en iglesias centro europeas y as satirizar un pasado dominado por la represin
de la iglesia catlica, pues en la imagen los santos fustigan y matan al apstata mientras los policas no saben a
quien detener. En otros cuadros la belleza ilustrada de la
Puerta de Alcal sirve de teln a una reflexin sobre la
relacin de Espaa con el Norte de frica al retratar a un
deslocalizado grupo de camellos frente al monumento.
Los salones con muebles de Boulle se llenan de chulazos
desnudos que dejan atnitas a las chicas vestidas de couture invitando a la fiesta de la diversidad y quiebra de los
moldes sociales. En fin, los elefantes en el Carrousel du
Louvre son imgenes iconoclastas que ironizan sobre la
llegada de migraciones desde oriente al viejo continente.
Los cuadros de Ignacio Goitia satirizan viejas leyes, costumbres, religiones y popularizan los salones llevando el
orientalismo legendario a la cotidianeidad del siglo XXI. El
pasaje a la India de E. M. Forster obedeca al colonialismo
britnico, el de Ignacio Goitia responde al librrimo gusto
por la proclamacin de nuevos valores sociales a travs
de la sublimacin de las artes.
Romn Padn Otero
Les archives del lEmpire (2007) Ignacio Goitia
A different passage to India

In Ignacio Goitias figurative pictures and drawings some
socio-cultural demands are claimed from the aesthetic
classicisms point of view. By using the great European
architecture as a backcloth he suggests a singular dialogue between East and West. In his new pieces, Paris triumphal arches, the Central European baroque interiors,
the sights of the enlightened Madrid and yet the Ancient
Rgime salons are filled with his usual archive of archetypes in the work of the artist. The catalogue of giraffes,
camels, characters with uniform or nightdress is extending with the incorporation of Indian harnessed elephants,
bullfighters and flneurs.
Mythic or real urban developments, buildings, gardens
and athletes are part of the artists formal universe.
Together with these inert beautiful things, he is interested in the portrait in his pictures of the revitalizing presence of athletic men and weightless women so as to make
an analytic reading of the past. What happens if the representation of power through architecture changes when
the proportion is changed and a giraffe is introduced into
a salon occupying a carpet of Gobelinos? Is it a way of
social agitation to celebrate a leather party at the salon of
the Versailles mirrors? In the universe Goitia the aesthetic sublimation is used to develop a combative discourse.
We are invited to walk on images where it is possible to
share a suspended moment with policemen in Central
European churches and to satiriza a past dominated by
the Catholic Church repression, since in the image the
saints whip and kill the apostate while two policemen do
no know who they should arrest. In other pictures the
enlightened beauty of the Puerta de Alcal is used as the
backcloth for a reflection on the relation between Spain
and the north of Africa when he depicts an isolated group
of camels in front of the monument. The salons with
Boulles furniture are filled with naked hunks who astonish the girls dressed with couture inciting to celebrate the
party of diversity and the breakdown of the social moulds.
Anyway the elephants at the Carrousel du Louvre are
iconoclast images that are sarcastic about the arrival of
migrations from the east to the old continent. Ignacio
Goitias pictures satirize old laws, customs, religions and
popularize the salons leading the legendary orientalism to
the daily nature of the 21st century. The Passage to India
of E. M. Foster was due to the British colonialism, the one
by Ignacio Goitia fits the absolutely free liking for the
proclamation of the social new values through the sublimation of arts.
Passage des Guichets (2007) Ignacio Goitia
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MOMENTOS ESTELARES. LA FOTOGRAFA EN EL SIGLO XX

Crculo de BB AA / Canal de Isabel II. Madrid. Hasta el 18 de noviembre
Organizada por el Crculo de BB AA, la Consejera de

Cultura y Turismo de la Comunidad de Madrid y Caja
Duero, con la colaboracin de La Fbrica y comisariada
por Oliva Mara Rubio y Hans-Michael Koetzle esta
muestra presenta la gran heterogeneidad de la fotografa del siglo XX. Cerca de 300 fotografas de Alfred
Stieglitz, Avedon, Capa, Newton, Alberto Garca-Alix,
Sebastio Salgado o Marina Abramovic, entre otros.
Comenzando por el pictorialismo, el primer movimiento
datado en el cambio de siglo (del s. XIX al XX), que pretendi asimilar la fotografa a las BB AA, pasando por la
Nueva Objetividad, movimiento alemn surgido a
mediados de 1920 donde la fotografa se reconoce como
prctica autnoma con sus propias leyes tcnicas, pticas y formales (Kart Blossfeldt, Albert Renger-Patzsch,
Alexander Rodchenko o Lszl Moholy-Nagy), siguiendo
con el Surrealismo (Man Ray, Paul Noug, Andr
Kertsz, John Heartfield, Hannah Hch o Raoul
Hausmann, entre otros), o con la Fotografa Subjetiva
(Otto Steinert).
Un importante desarrollo del medio fotogrfico, se sita
alrededor del documentalismo, con proyectos e imgenes convertidas en iconos, como las imgenes de inmigrantes de Dorothea Lange, las fotografas parisinas de
Brassa, o el fenmeno de la Street Photography (Robert
Frank, William Klein o Garry Winogrand).
En las ltimas dcadas se ha cuestionado las especificidades del propio medio, su veracidad. Su simulacro, y
ello ha ofrecido interesantes debates visibles en la obra
de Jeff Wall, Cindy Sherman o Joan Fontcuberta.
La muestra que ocupa algunas de las salas del Crculo de
BB AA y el Canal de Isabel II, cuenta con imteresante
documentacin, y se ha editado la traduccin al castellano de Das Lexikon der Fotografen. 1900 bis heute, de
Hans-Michael Koetzle, un completo lexicn de los nombres esenciales de la fotografa del siglo XX.
August Sander. Jvenes campesinos
Organized by the Crculo de BB AA, the Regional Culture

and Tourism Ministry and Caja Duero, with the collaboration of La Fbrica and curated by Oliva Mara Rubio
and Hans-Michael Koetzle, this exhibition shows the
great heterogeneity of the 20th century photography.
Almost 300 photographs of Alfred Stieglitz, Avedon,
Capa, Newton, Alberto Garca-Alix, Sebastiao Salgado or
Marina Abramovic, among others.
Starting with pictorialism, the first movement dating
back to the century change (19th to 20th century), which

tried to put on the same level photography and Fine
Arts, going through Neue Sachlichkeit, a German movement that appeared in mid 1920s where photography is
recognized as an autonomous practice with its own technical, optical and formal laws (Kart Blossfeldt, Albert
Renger-Patzsch, Alexander Rodchenko or Lszl MoholyNagy), following with the Surrealism (Man Ray, Paul
Noug, Andr Kertsz, John Heartfield, Hannah Hch or
Raoul Hausmann, among others), or the Subjective
Photography (Otto Steinert).
An important development of the photographical medium can be found around documentalism, with projects
and images turned into icons, like the immigrants photographs by Dorothea Lange, Paris photographs of
Brassa, or the phenomenon of the Street Photography
(Robert Frank, William Klein or Garry Winogrand).
The specificities, truthfulness and mock of the medium
have been questioned in the last decades, and this has
caused interesting debates shown in the work of Jeff
Wall, Cindy Sherman or Joan Fontcuberta.
The exhibition, which occupies some of the rooms of the
Crculo de BB AA and the Canal de Isabel II, has got
interesting documents, and the Spanish translation of
Das Lexikon der Fotografen. 1900 bis heute by HansMichael Koetzle has been published; it is a complete lexicon of the essential names of the 20th century photography.
Balkan erotic epic Marina Abramovic
02/11/2007
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BIENAL DE ARQUITECTURA DE ROTERDAM
Power. Producing the contemporary city

La aceleracin del crecimiento de las ciudades en las
que hoy vive la mitad de la poblacin mundial, se prev
que en 2050 acoger dos terceras partes, unos 6 mil
millones de habitantes. La ciudad moderna, diseada y
unitaria, ha dado paso a una realidad globalizada y
fragmentada. La tercera edicin de la Bienal
Internacional de Arquitectura de Roterdam celebrada
entre el 24 de mayo y el 2 de septiembre, comisariada
por el Instituto Berlage, analiza el poder de producir la
ciudad contempornea. En el Kunsthal pueden verse
las exposiciones Visionary Power y De Nieuwe
Nederlandse Stad, que desde la arquitectura se adentra en el sistema de fuerzas y la complejidad del desarrollo urbano. Las investigaciones tericas realizadas
por 5 equipos internacionales de tericos y arquitectos
sobre Corporate Cities (corrientes de dinero mundiales), Hidden Cities (miedo), Capital Cities (representacin), Informal Cities (emigracin) y Spectacle Cities
(turismo) son el punto de partida para los proyectos
visionarios que 15 estudios de arquitectura desarrollaron en 3 pasos: seleccionar una de las fuerzas de produccin urbana estudiadas, elegir una ciudad en la que
esta fuerza se manifieste especialmente y crear un
proyecto arquitectnico capaz de ocuparse de este
fenmeno.
Las
ciudades
corporativas
(Keller
Easterling) estn representadas por Busan (Corea del
Norte) que gracias a la rpida evolucin de las tecnologas puede sufrir un cambio radical y convertirse en
pionera de la ciudad ecolgica (Inaba/Los Angeles);
Luoyang (China), es para Yimin Zhu (Guangzhou) la
posibilidad de rechazar el modelo estndar del xito
econmico y propone la estructura histrica de la ciudad china frente a la ostentacin arquitectnica; Segal
y Verbakel ofrecen una caja de herramientas para
transformar el paisaje catico de New Jersey (EE UU)
en una ciudad abierta a lo cotidiano. Las ciudades del
espectculo (Juan Urry) corren el riesgo de convertirse
por un nmero de visitas excesivo en centros de ocio o
parque temtico. El estudio Baukuh (Gnova) reinterpreta el patrimonio arqueolgico de Roma (Italia) para
el uso contemporneo de turistas y residentes; FnDC
(Roterdam) disea una isla artificial, paralela a La
Habana (Cuba) con aeropuerto propio y hoteles que
libere el centro histrico de la ciudad de los programas
de las agencias de viajes. En Innsbruck (Austria), Bad
architects desarrolla una serie de criterios para la
arquitectura contempornea en lugares declarados
patrimonio de la humanidad. Inter. Nacional Design
busca un espacio pblico donde puedan reunirse los
habitantes de Astana, la nueva capital de Kazakhstan
que surgi de la nada a base de edificios gubernamentales. En Beirut, Lbano, Architecture Company parte
de un panorama conflictivo y concibe el centro histrico como un lugar de encuentro para los distintos grupos tnicos y religiosos. Alexander Sverdlov disea
para Mosc (Rusia) 400 torres residenciales idnticas
que refuerzan la escala de esta ciudad de ms de 11
millones de habitantes. So Paulo (Brasil) y el Distrito
Federal de Mxico son ejemplos de crecimiento informal (Alfredo Brillembourg y Hubert Klumpner) que dos
estudios de arquitectos tratan de integrar y complementar con el planeamiento urbano. A su vez, Teddy
Cruz plantea desestabilizar el espacio de discriminacin
que se produce en la frontera que separa Tijuana,

(Mxico) y San Diego, (EE UU). Las ciudades ocultas
viven situaciones de amenaza que exigen una reflexin
y una flexibilidad fsica. El estudio belga de Geers y
Van Severen estudia el caso de Ceuta, y propone una
ciudad para los refugiados frente a la lnea que actualmente separa a las personas entre dos mundos. En
Johannesburgo, Sudfrica, que todava hoy es gobernada por el apartheid y mantiene divisiones entre
blancos y negros, se propone un complejo de viviendas
pblico que rompa con esas diferencias. Paralelamente
a Visionary Power, la exposicin De Nieuwe
Nederlandse Stad (La Nueva Ciudad Holandesa) presenta cinco estudios sobre regiones urbanas holandesas. Reconocidos arquitectos han realizado propuestas de planes a gran escala para ciudades-regin como
el ala norte y sur del Randstad, el centro de conocimiento de Brabanstad, la zona KAN (ArnhemNijmegen) y del tringulo Mastricht-Aken-Luik.
Einstein hablaba de 3 bombas: la atmica, la informtica y la demogrfica. Actualmente los expertos alertan
sobre los peligros de esta ltima El aumento demogrfico es un problema a nivel global que afecta especialmente al desarrollo de las ciudades. Un crecimiento ilimitado no es sostenible en un planeta que tiene lmites. Las dificultades para sobrevivir en megacities que
proliferan rpidamente, planteadas en esta bienal,
parecen ser una consecuencia directa de la cadena de
produccin y consumo y de reproduccin que impone
la actualidad, actividades humanas que progresivamente exceden la capacidad de carga de los ncleos
urbanos. Quiz ha llegado el momento de preguntarnos por las causas.
Vanesa Daz
Beirut, Lbano, Architecture Company. Foto: Vanesa Daz
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Power. Producing the contenporary city

The acceleration in the growth of the cities, where most
of the world population lives nowadays, is expected to
accommodate two thirds of the population in 2050, that
is, about 6 million inhabitants. The modern designed and
unitary city has given way to a fragmented and globalized reality.
The third edition of the International Biennial of
Architecture in Rotterdam, held between May 24 and
September 2, curated by the Institute Berlage, analyses
the power of producing the contemporary city. The exhibitions Visionary Power and De Nieuwe Nederlandse
Stad can be visited at the Kunsthal, since architecture
penetrates into the forces system and the complexity of
the urban development.
The theoretical investigations carried out by five international teams of theorists and architects about Corporate
Cities (worldwide currency), Hidden Cities (fear), Capital
Cities (representation), Informal Cities (emigration),
and Spectacle Cities (tourism) are the starting points for
the visionary projects 15 architectural studies developed
in three steps: 1st selecting one of the studied urban
production forces, 2nd selecting a city in which this force
is specially evident, and 3rd creating an architectural
project able to deal with this phenomenon.
The corporate cities (Keller Easterling) are represented
by Busan (North Korea) which can undergo a radical
change because of the fast development of technologies
and become the pioneer of the ecological city (Inaba /
Los Angeles); Luoyang (China) means for Yimin Zhu
(Guangzhou) the possibility of rejecting the standard
model of economic success and suggests the historical
structure of the Chinese city against the architectural
ostentation; Segal and Verbakel show a toolbox in order
to turn the chaotic landscape of New Jersey (USA) into
a city open to the quotidian.
The spectacle cities (Juan Urry) run the risk of becoming leisure centres or theme parks owing to the excessive number of visitors. The study Baukuh (Genoa) reinterprets the archaeological heritage of Rome (Italy) for
the contemporary use of tourists and residents; FnDC
(Rotterdam) designs an artificial island, parallel to La
Habana (Cuba) with its own airport and hotels freeing
the historical centre of the city from the programmes of
the travel agencies. In Innsbruck (Austria) Bad
Architects develops a series of criteria for the contemporary architecture in some places considered as a world
heritage.
Inter. Nacional Design is looking for a public space where
the inhabitants of Astana, the new Kazakhstans capital
city coming from nowhere and based on governmental
buildings, can be brought together. In Beirut (Libano)
Architecture Company starts from a troubled panorama
and understands the historical centre as a meeting place
for the different social groups. Alexander Sverdlov
designs, for Moscow (Russia), 400 identical residential
towers that reinforce the importance of this city with
more than 11 million inhabitants.
Sao Paulo (Brazil) and Mxico DF are some examples of
the informal growth (Alfredo Brillembourg and Hubert
Klumpner) two architectural studies are trying to integrate and complement with the urban planning. At the
same time, Teddy Cruz suggests destabilizing the discriminatory space in the border between Tijuana
(Mxico) and San Diego (USA).
There are places that are still suffering threatening situations and they require some kind of reflection and
physical flexibility. Geers and Van Severens Belgian
study investigates the case of Ceuta and suggests a city
for the refugees opposite the line dividing people
Alexander Sverdlov. Foto: Vanesa Daz
between two worlds nowadays. In Johannesburg (South

Africa) a public housing development is suggested so as
to help overcome the differences.
In parallel with Visionary Power, the exhibition De
Nieuwe Nederlandse Stad (The New Dutch City) shows
five studies on Dutch urban regions. Some famous
architects have made some proposals of big-size plans
for region-cities such as the north and south sides of the
Randstad, the centre of Brabanstad, the KAN zone
(Arnhem-Nijmegen) and the triangle Maastricht-AkenLuik.
Einstein talked about three bombs: the atomic, the computing and the demographic one. Nowadays experts
alert to the dangers of this last one. The demographic
growing is a worldwide problem that specially affects the
development of the cities. An unlimited growing is not
sustainable in a planet with limits. The difficulties to survive in the megacities growing fast, suggested for this
biennial, seem to be a direct consequence of the production and consumption line and the reproduction present
time imposes, some human activities that exceed the
carrying capacity of the city centres. Maybe it is time for
us to wonder about the causes.
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ZHANG HUAN. ALTERED STATES
12 Square Meters (2004) Zhang Huan
Zhang Huan: Altered States destaca por una doble

aspecto: se trata de la primera retrospectiva del artista chino Zhang Huan, y tambin es la primera retrospectiva de un artista vivo llevada a cabo por la Asia
Society, que cada vez se orienta ms hacia el anlisis
del arte contemporneo asitico en oposicin al histrico. Comisariada por Melissa Chiu, la exposicin incluye las primeras performances conocidas de Zhang
Huan realizadas a mediados de los noventa en el East
Village de Beijing. Luego la exposicin cambia de
direccin para documentar la actividad que el artista
desarroll en Nueva York, ciudad que se convirti en
su hogar en 1998, tras haber participado en la gran
exposicin de la Asia Society Inside Out: New Chinese
Art. Esta seccin examina algunas de las obras ms
impactantes de Zhang Huan, incluyendo PilgrimageWind and Water in New York (1998), una pieza performativa enigmtica, todava itinerante, hecha en el
conocido escenario contemporneo neoyorquino P.S.
1, y la extraordinaria serie de fotografas que conforman Family Tree (2000), en las que tres calgrafos
recuentan proverbios escribindolos directamente en
sus caras. Finalmente, la exposicin muestra las actividades de Zhang Huan en Shanghai, donde en los
ltimos dos aos ha instalado un enorme estudio en
una antigua fbrica de ropa, en el que emplea a ms
de cien trabajadores.
Resulta difcil magnificar el impacto que causa Zhang

Huan, cuyas obras desde el principio han sido ms
grandes que la propia vida. En sus primeras performances, como 12 Square Meters (1994), en la que se
sentaba desnudo en un bao pblico durante una hora,
cubierto de grasa de pescado y miel para atraer a las
moscas, y To Raise the Water Level in a Fish Pond
(1997), en la que cuarenta trabajadores del campo y l
se introducen en un estanque para subir el nivel del
agua, las preocupaciones sociales y la ambicin esttica se confirman. Para el pblico occidental, estas
acciones suponen una llamativa novedad a pesar de su
vnculo con la performance neoyorquina y el arte conceptual de la dcada de lo sesenta y setenta. La performance neoyorquina Pilgrimage es una pieza genuinamente extraa, en la que Zhang Huan aparece desnudo sobre una cama china cubierto con hielo, rodeado de perros que ladran mientras un canto tibetano
suena a travs de unos altavoces colocados en el tejado del museo. En My New York (2002) Zhang Huan
lleva puesto un traje de carne cruda y es conducido por
algunos trabajadores chinos al patio del Whitney
Museum. Suena msica tibetana mientras el artista
abandona el museo y reparte palomas blancas a los
transentes animndolos a liberar a las aves. En todas
estas obras existe algo de disparate y falta de lgica
que conscientemente distancia al artista del espectador, que excluye su incredulidad a favor del cuadro
surrealista.
Sus obras de Shanghai ms recientes las cabezas
hechas de ceniza, las enormes esculturas de cobre
basadas en el Budismo, y las puertas talladas originalmente tradas del campo producen en este profesional cierta desilusin, pero la impresin de espiritualidad mezclada con la ambicin silenciosa permanece.
Ash Head No. 3 (2006) hecha de cenizas de incienso
recogidas en templos budistas, se trata de un sorprendente autorretrato, literalmente hecho con las huellas
de la prctica religiosa, y la escultura de cobre Fresh
Open Buddha Hand (2007) que acta como una enorme reliquia del Budismo, una pieza de fe aumentada.
Zhang Huan mantiene su imagen de visionario durante
toda la exposicin; podra argumentarse que l siempre ha buscado, en los vdeos, en las fotografas de
performances y en las esculturas, la unidad de mente,
cuerpo y alma. El elemento teatral acompaa a su
esfuerzo, pero ello no resta valor a su serio propsito.
Como resultado, esta exposicin bien planeada, de
importante mpetu aunque se distribuye en pequeas
salas de una nica planta del edificio de la Asia Society,
describe la determinacin de un artista de talento para
buscar la verdad tal y como l la ve. Su perspicacia
define un estado de asombro en el que lo real y lo imaginario dialogan.
Jonathan Goodman
Exposicin celebrada en la Asia Society (NY) el pasado mes de octubre
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Zhang Huan: Altered States stands out as a double first: it

is the first retrospective of the Chinese artist Zhang Huan,
and the first retrospective held of a living artist by the Asia
Society, which is moving more and more in the direction of
examining contemporary, as opposed to historical, Asian
art. Curated by Melissa Chiu, the exhibition covers the early,
famous performance works done by Zhang Huan in the mid1990s in Bejings East Village. The show then moves to document the artists activity in New York, which became his
home in 1998, after he had taken part in the Asia Societys
large show Inside Out: New Chinese Art. This section looks
at some of the most powerful works of Zhang Huan, including PilgrimageWind and Water in New York (1998), an
enigmatic yet moving performance piece done at the wellknown New York contemporary venue P.S. 1, and the
remarkable suite of photographs that make up Family Tree
(2000), in which three calligraphers recounted proverbs by
writing directly onto his face. Finally, the show evidences
Zhang Huans activities in Shanghai, where in the last two
years he has set up a huge studio in a former garment factory, employing more than a hundred workers. It is hard to
overstate the impact of Zhang Huan, who se works from the
beginning have been larger than life. In the early performances such as 12 Square Meters (1994), in which he sat
naked for an hour in a public toilet, covered with fish oil and
honey to attract flies, and To Raise the Water Level in a Fish
Pond (1997), in which he and forty country laborers entered
a fish pond to lift its level, social concerns and esthetic ambition support each other. For the Western viewer, these
actions retain a startling novelty despite their link to New
York performance and conceptual art of the 1960s and 70s.
The New York performance Pilgrimage is a genuinely
strange work, with Zhang Huan lying naked on a Chinese
My Rome (Mouth Bubble) Zhang Huan
bed covered with ice, surrounded by dogs that bark while

Tibetan chant is sounded on speakers placed on the roof of
the museum. In My New York (2002), Zhang Huan wears a
body suit consisting of raw meat, and is carried by Chinese
workers into the courtyard of the Whitney Museum. Music
from Tibet plays while the artist left the museum and gave
out white doves to passers-by, encouraging them to set the
birds free. In all these pieces, there is an absurdity and illogic that consciously distances the artist from the viewer, who
suspends his disbelief in favor of the surreal tableau. The
most recent Shanghai worksthe heads made of ash, the
huge copper sculptures based on Buddhism, and the carved
doors originally taken from the countrysidestrike this
writer as a bit of a letdown, but the impression of spirituality mixed with worldly ambition remains. Ash Head No. 3
(2006), made of incense ash taken from Buddhist temples,
is a striking self-portrait, literally prepared from the physical
remains of religious practice, and the copper sculpture Fresh
Open Buddha Hand (2007) works well as an outsize relic of
Buddhism, a fragment of belief made large. Zhang Huan
retains his aspect as a visionary throughout the show; it can
be argued that he has always sought, in the videos, the
photographs of performances, and the sculptures, a unity of
mind, body, and soul. The element of theatricality accompanies his striving, but it does not take away from his serious
purpose. As a result, this well-thought-out exhibition, large
in spirit even though it is contained in small rooms on a single floor of the Asian Society building, describes a talented
artists determination to seek the truth as he sees it. His
insight defines a state of wonder, in which the real and the
imaginary converse.
Exhibition held at the Asia Society last October
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CHRIS OFILI. DEVILS PIE
Mientras esperas
Chris Ofili oscila entre extremos en su ltima instalacin que
incluye pinturas, dibujos y una escultura expuesta en la
David Zwirner Gallery.
La exposicin titulada Devils Pie toma el ttulo de la cancin
pop de DAngelo, con el mismo ttulo, en la que se enumeran exquisitos vicios y placeres robados mientras que, al
mismo tiempo, se advierte sobre las consecuencias del pecado. Detrs de los barrotes o en la tumba/ Tengo que yacer
en esta cama que he hecho/ Si me muero antes de despertar /Espero que el seor no tenga dudas.
Ofili continua con la temtica bblica; en la exposicin una
escultura titulada Saint Sebastin confluye con los elementos formales del africano Minkisi a travs de una imagen occidental de una historia catlica. Las flechas, que perforaban la
carne de San Sebastin, han sido reemplazadas por uas y
una gran brocheta. Esta obvia combinacin trata de mantener una estrategia que el propio Ofili resume como un enfoque para crear cosas y mirarlas sin ninguna clase de jerarqua.
La oscilacin contina a medida que las pinturas emplean
estrategias estrictas y llenas de digresiones. Algunas pinturas usan la estrategia de Der Blaue Reiter (El Jinete Azul) que
acta como un trampoln de mi inters por el espiritualismo,
la abstraccin, los tipos de figuracin raros. Es evidente.
Mientras que otras pinturas de la exposicin utilizan un tono
clave subido que recuerda el tema tradicional clsico y frecuente de Bob Thomson con un intenso abuso visual de
naranjas, verdes y amarillos pero sin ninguno de los elocuentes discursos de Bob sobre la raza y el clasicismo.
Tambin hay una sala de cabezas afro en la que se muestra
cierta psicodelia sensual. El aspecto sensual de los dibujos
acta como un enlace que conecta esos elementos en la pintura y la escultura, puesto que la relacin es discreta y dispar. A pesar de tratarse de un recorrido variado, para Ofili
esta combinacin de profano y sagrado de las exposiciones,
vagamente est presente dentro de la galera puesto que el
artista no ha decidido del todo cul es la mejor forma de indicarnos la direccin de su utopa psicodlica.
Eulas Pizarro
Annunciation (2006) Cortesa de la galera

Chris Ofili
Rosary (2007) Cortesa de la galera Chris Ofili
David Zwirner Gallery. New York. Hasta el 3 de noviembre
While you Wait

Chris Ofili oscillates wildly in this new latest installment of
paintings, drawings and sculpture on view at David
Zwirner Gallery.
The show, entitled Devils Pie borrows its title from
DAngelos pop song of the same title that lists delicious
vices and stolen pleasure while at the same time warning
about the wages of sin. Behind the jail or in the grave / I
have to lay in this bed I made/ If I die before I wake / I
hope the lord dont hesitate
Ofili continues to deal with biblical themes; a sculpture in
the show entitled Saint Sebastian marries African Minkisi
formal elements with the western image of the catholic
tale. The arrows, which pierced St. Sebastians flesh, have
been replaced with nails and a large skewer. This obvious
re-combination is very much in keeping with a strategy
Ofili sums up as an approach to making things and looking at things with no hierarchy.
The oscillation continues as the paintings employ severe
and meandering strategies. Some paintings employ Der
Blaue Reiter [The Blue Rider] strategy one which acts as
a springboard for my interest in spiritualism, abstraction,
funny kinds of figuration Evident indeed. While other
paintings in the exhibition use high key color reminiscent
of Bob Thompsons traditional often-classical subject matter with an all out vivid visual assault of oranges, greens
and yellows but without any of Bobs meaningful statements on race and classicism.
There is also a room of afro heads which display a kind of
sensual psychedelia. The sensual feel of the drawings acts
as a binder that connects these elements in the painting
and sculpture, as the relationships are discreet and disparate. Although a mixed outing for Ofili this exhibitions
combination of profane and holy cohabitate in the gallery
tenuously as the artist has not wholly decided on the best
way to point us in the direction of his psychedelic utopia.
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50 - 60 LA SCULTURA IN ITALIA
Los aos 50 y 60 suponen para la escultura italiana un

perodo de experimentacin matrica que da lugar a
expresiones artsticas de repercusin internacional. Tal es
el caso de los exponentes del Informale y del Arte Povera.
Tras la Segunda Guerra Mundial, los artistas sienten la
necesidad de romper con los cnones estticos figurativos
y expresionistas que permanecen en vigor, dirigiendo nuevamente la mirada a las prcticas vanguardistas de principios del siglo. La Galleria Nazionale dArte Moderna cuenta
en su coleccin con un nmero importante de piezas perteneciente a este perodo, y ello gracias al empeo personal de la historiadora Palma Bucarelli, que estuvo al frente
de la institucin durante casi treinta aos (19421975). El
apoyo que brind a estos jvenes artistas le vali muchas
crticas, su apuesta era decididamente arriesgada. Gracias
a su tenacidad, la Galleria Nazionale puede presentar en
Tvoli una seleccin de obras que recorre de manera eficaz
el panorama artstico del momento, incluyendo piezas relevantes de artistas como Enrico Castellani, Pino Pascali,
Alberto Burri, Lucio Fontana, Gilberto Zorio, Arnaldo
Pomodoro, Umberto Mastroiani, hasta un total de 50 obras.
La extrapolacin de objetos cotidianos y el uso de materiales pobres o de origen industrial, en numerosas ocasiones
voluntariamente efmeros, preconizan la negacin de la
obra de arte como tal. El carcter desacralizador de La ltima Cena de Mario Ceroli, ubicada para la ocasin en la
capilla de la villa, muestra el carcter democrtico y socialmente comprometido de muchas de las propuestas artsticas del perodo post blico. Pese a la fuerza de las obras
que componen la exposicin, el marco expositivo limita la
apreciacin de su contenido. La Villa dEste es la residencia
de campo que el Cardenal Hiplito II de Este, Gobernador
de Tvoli, mand construir en 1550, a partir del proyecto
arquitectnico de Pirro Ligorio. El palacio y los jardines
constituyen un conjunto donde la belleza alcanza cotas
sublimes. Los interiores se hallan repletos de rica decoracin alegrica y conmemorativa ligada a la arquitectura,
realizada a manos de Livio Agresti, Federico Zuccari y
Girolamo Muziano. Las ventanas y balcones sobrevuelan la
naturaleza en su vertiente ms fastuosa, llenndose del
sonido del agua y del espectculo de la composicin. El
visitante se siente sumergido en una experiencia sensorial
de tal intensidad, que difcilmente podr encontrar la serenidad necesaria para apreciar los distintos planteamientos
y sensibilidades artsticas que presentan las esculturas de
la segunda mitad del s. XX. Ante esto, las obras aparecen
disminuidas, empobrecidas: mudas. No cabe ninguna confrontacin entre los respectivos estilos artsticos, no hay
lugar para el dilogo. Los materiales pobres y de recuperacin no consiguen plantear un nuevo discurso racional, se
limitan a su dbil apariencia, an ms insignificantes si
cabe, bajo la capa de polvo y las marcas de dedazos y
patadones que han dejando varios meses de exposicin.
Tan slo las esculturas contemporneas ubicadas en los
jardines logran acapararse un espacio entre la vegetacin.
Los colores vibran al aire libre, aqu su materialidad no
necesita luchar contra los dictmenes de un espacio arquitectnico connotado hasta aplasta cualquier intencin
expresiva. En el jardn, las obras se visten poco a poco con
la ptina tejida por las inclemencias del tiempo, se convierten en una ms de las esculturas manierista puestas en
escena entre fuentes, grutas y msica hidrulica.
Sonia Miralles Bou
Ultima cena (1965) Mario Ceroli
Opere dalle collezioni della Galleria Nazionale dArte Moderna Villa dEste. Tvoli. Hasta el 4 de noviembre
Fifties and sixties imply a period of matter experimentation for

Italian sculpture giving rise to artistic expressions with international reaching effects. This is the case of the models of the Informale
and the Arte Povera. After World War II, the artists needed to
break the figurative and expressionist canons in force, looking
again at the revolutionary practices of the beginning of the century. The Galleria Nazionale dArte Moderna has a great number of
pieces belonging to this period in its collection, thanks to the personal effort of the historian Palma Bucarelli, who was at the head
of the institution for almost thirty years (1942-1975). Her support
to those young artists made her be criticized, as her bet was really risky. Thanks to her tenacity, the Galleria Nazionale can exhibit
a selection of pieces going around the artistic panorama of that
time successfully, including some important pieces of artists such
as Enrico Castellani, Pino Pascali, Alberto Burri, Lucio Fontana,
Gilberto Zorio, Arnaldo Pomodoro, Umberto Mastroiani, up to a
total of fifty pieces. The extrapolation of quotidian objects and the
use of poor or industrial materials, sometimes voluntarily
ephemeral, praise the denial of the artwork as such. The demystifying character of Ultima Cena by Mario Ceroli, placed in the chapel
of the village for such occasion, shows the democratic and socially
committed character of many of the artistic proposals of the postwar period. Despite the power of the exhibition pieces, the expositive framework limits the appreciation of the content. The Villa
dEste is the summer residence the Cardinal Hipolito II de Este, the
governor of Tivoli, ordered to build in 1550, from the architectural
project of Pirro Ligorio. The palace and the gardens make up a
whole in which beauty reaches high levels. The interiors are full of
rich allegoric and commemorative decorations, made by Livio
Agresti, Federico Zuccari and GirolamoMuziano. The magnificent
windows and balconies fly over nature, being filled with the sound
of water and the spectacle of the composition. The visitor feels
immersed into such an intense sensorial experience that it is
unlikely that he can find the serenity to appreciate the different
approaches and artistic sensibilities of the sculptures from the second half of the 20th century. In view of this, the pieces appear
diminished, impoverished: mute. There is no place for a confrontation among the different artistic styles, there is no place for dialogue. The poor and restoration materials do not get to raise a new
national discourse, they are limited to their weak appearance, still
more insignificant it thats possible, under the layer of dust and the
fingermarks and kick marks left because of several months of exhibition. Only the contemporary sculptures placed in the gardens get
to take up a space among the vegetation. Colour vibrate outdoors,
their materiality does not need to fight against the rules of such a
famous architectural space that it crushes any expressive intention. In the garden, the pieces get dressed with the patina weaved
with the inclemency of the weather, and turn into another mannerist sculpture placed in the setting among fountains, caverns and
hydraulic music.
03_14822_ArtNotes18_p68:Maquetaci n 1
05/11/2007
14:26
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REAPERTURA DEL PALAZZO DELLE ESPOSIZIONI

Tras cinco aos de trabajos de restauracin y recalificacin funcional de sus espacios, el Palazzo delle Esposizioni de Roma abri finalmente sus puertas el pasado 6
de octubre. La arquitectura monumental proyectada en
1880 por Pio Piacentini ha sido adaptada a los criterios
expositivos actuales, con la intencin de introducirse en
el circuito de muestras internacional. La programacin
del centro contar con tres exposiciones contemporneamente, que podrn ser visitadas adquiriendo un nico
billete. En la primera cita se exhiben Ceroli, Rothko y Kubrick; prximamente Gregory Crewdson, La Forma della
Velocit, Cinna Oggi. Identit e Cambiamento, Bill
Viola, etc. Una propuesta variada y de calidad que busca
atraer a un amplio espectro de pblico.
El escultor italiano Mario Ceroli (hasta el 2 de diciembre)
est considerado uno de los precursores del Arte Povera.
Su experimentacin con materiales diversos, especialmente con la madera, ha sido una de las constantes de
su trabajo. En esta ocasin presenta un conjunto de
obras creadas especficamente para el espacio romano,
as como otras anteriores, de gran espectacularidad (La
Cina, 1966; Pier della Vigne, 1979; Prova dorchestra,
1979; etc.)
En las salas dedicadas a la retrospectiva del artista Mark
Rothko (hasta el 6 de enero) se ha cuidado de manera
especial la presentacin de sus obras, siguiendo con la
preocupacin del artista por agruparlas de manera que
stas aumentaran su impacto visivo. Se hace de este
modo un recorrido por sus primeros trabajos de tonalidades prximas a los frescos renacentistas, por sus exploraciones surrealistas y sus Multiforms. Las obras maduras
estn igualmente presentes, especialmente aquellas realizadas en ocasin de su participacin en la Bienal de
Venecia de 1958, y que constituye su primer reconocimiento entre el pblico europeo.
El segundo nivel del Palazzo alberga la exposicin dedicada a uno de los maestros indiscutibles de la historia del
cine, Stanley Kubrick. Documentos inditos, guiones de
pelculas, fotografas, imgenes filmadas en el backstage,
maquetas y reconstrucciones de algunas de las ambientaciones escnicas de sus pelculas ms famosas nos permiten acercarnos al mundo creativo del cineasta.
El Palazzo delle Esposizioni hace de este modo su reaparicin en la escena romana. Habr que esperar un tiempo
prudente antes de afirmar si la frmula elegida por los
directivos es la acertada en un contexto cultural tan rico
y bien dotado de espacios expositivos.
Sonia Miralles Bou
Mark Rothko
Self-Portrait
(1936)
Collezione Christopher Rothko
After five years of restoration and functional reassessment

works of its spaces, finally, the Palazzo delle Esposizioni in
Rome opened last October 6. The monumental architecture
designed in 1880 by Pio Piacentini has been adapted to present expositive criteria, with the intention of being included into
the circuit of international exhibitions. The programme of the
centre will have three exhibitions contemporarily to be visited
with a single ticket. In the first part we can see Ceroli, Rothko
and Kubrick; and soon: Gregory Crewdson, La Forma della Velocit, Cinna Oggi. Identit e Cambiamento, Bill Viola, etc. A
quality and varied proposal that tries to attract a great number
of visitors. The Italian sculptor Mario Ceroli is considered as
one of the precursors of the Arte Povera. His experimentation
with different materials, especially with wood, has been one of
his main features. In this occasion he shows a group of pieces
specifically created for the Roman space, as well as some
spectacular previous pieces (La Cina, 1966; Pier della Vigne,
1979; Prova dorchestra, 1979, etc.). In the rooms devoted to
the retrospective of the artist Mark Rothko, special attention
has been paid to the presentation of his pieces, together with
the artists concern about grouping them so that they increased their visual impact. This way, we can see an itinerary
all along his first pieces with colour schemes similar to the renaissance frescos, along his surrealist explorations and his Multiforms. His mature pieces are also present, especially those
created on the occasion of his participation in the Venice Biennial in 1958, which was his first recognition among the European public.
The second level of the Palazzo hosts the exhibition dedicated
to one of the most important figures of the history of the cinema, Stanley Kubrick. New documents, film scripts, photographs, images shot at the backstage, scale-models and
reconstructions of some scenes of his most famous films that
let us approach to the creative world of this film maker.
The Palazzo delle Esposizioni reappears in the Roman setting.
We eill have to wait for some time before stating whether the
formula chosen by the managers was the right one in such a
rich cultural context with a lot of expositive spaces.
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Art|Basel|Miami Beach
69|Dec|07
Art Galleries | A | 303 Gallery New York | Acquavella New York | Adler & Conkright New York | Aizpuru Madrid | Alexander New York |
Alexander and Bonin New York | de Alvear Madrid | Ameringer & Yohe New York | Arndt & Partner Berlin, Zurich |
B | Barquet New York, Garza Garca | Benzacar Buenos Aires | Berggruen San Francisco | Bernier/Eliades Athens | Blum New York |
Blum & Poe Los Angeles | Bonakdar New York | Boone New York | Borch Jensen Berlin, Copenhagen | Brito Cimino So Paulo | Brown New York |
Buchholz Cologne | C | c/o Gerhardsen Berlin, Oslo | Campaa Cologne | Capitain Cologne | Carberry Chicago | carlier gebauer Berlin |
Cazeau & Braudire Paris | Cheim & Read New York | China Art Objects Los Angeles | Cohan New York | Coles London |
Contemporary Fine Arts Berlin | Continua San Gimignano, Bejing | Cooper New York | Crousel Paris | D | DC Moore New York | De Carlo Milan |
Deitch New York | E | Eigen + Art Berlin, Leipzig | F | Fischer Dsseldor f | Foksal Warsaw | Fontana Milan, Pasadena Los Angeles |
Fortes Vilaa So Paulo | Fraenkel San Francisco | Freeman New York | Friedman London | G | Gagosian New York, Beverly Hills, London, Rome |
Gemini Los Angeles | Gladstone New York | Gmurzynska Zurich, Zug, St. Moritz | Gonzlez Madrid | Goodman Gallery Johannesburg |
Marian Goodman New York, Paris | Grsslin Frankfurt/Main | Gray Chicago, New York | Howard Greenberg New York |
Greve St. Moritz, Cologne, Paris, Milan | Guerra Lisbon | H | Haas & Fuchs Berlin | Hauser & Wirth Zurich, London | Hetzler Berlin |
Rhona Hoffman Chicago | Hopkins Custot Paris | Houk New York | Hufkens Brussels | J | Jablonka Cologne, Berlin |
Johnen + Schttle Cologne, Berlin | Juda London | K | Kaplan New York | Karpio San Jos | Kasmin New York | kaufmann Milan | Kelly New York |
Kern New York | Kewenig Cologne, Palma de Mallorca | Kicken Berlin Berlin | Kilchmann Zurich | Klosterfelde Berlin | Knoedler New York |
Koyama Tokyo | Krinzinger Vienna | Krugier Geneva, New York | Kukje Seoul | kurimanzutto Mxico D.F. | L | L & M New York |
Lambert Paris, New York | Landau Montreal | Leavin Los Angeles | Lehmann Maupin New York | Lelong New York, Paris, Zurich | Lisson London |
Luhring Augustine New York | M | maccarone New York | Mai 36 Zurich | Marks New York | Marlborough New York, London, Madrid, Monte Carlo |
Martin New York | Mayer Dsseldorf | McKee New York | Meier San Francisco | Metro Pictures New York | Meyer Riegger Karlsruhe |
Millan So Paulo | Robert Miller New York | Miro London | Mitchell-Innes & Nash New York | Modern Institute Glasgow | Moeller New York |
Munro Hamburg | N | nchst St. Stephan Vienna | Nagel Cologne, Berlin | Helly Nahmad New York | Naumann New York | Nelson-Freeman Paris |
Neu Berlin | neugerriemschneider Berlin | Nitsch New York | Noero Torino | Nolan New York | Nordenhake Berlin, Stockholm |
O | OMR Mxico D.F. | P | PaceWildenstein New York | Painter Santa Monica | Paley London | Paragon London | Parkett Zurich, New York |
Perrotin Paris, Miami | Petzel New York | Polgrafa Barcelona | Presenhuber Zurich | The Project New York | R | Rech Paris |
Regen Projects Los Angeles | Reynolds London | Roberts & Tilton Los Angeles | Ropac Salzburg, Paris | Rosen New York |
Michael Rosenfeld New York | S | Scheibler Berlin, Cologne | Schipper Berlin | Schttle Munich | Schulte Berlin | Sikkema Jenkins New York |
Skarstedt New York | Snitzer Miami | Sonnabend New York | Sperone Westwater New York | Sprth Magers Cologne, Munich | Stein Milan |
Stone New York | Strina So Paulo | T | Thomas Munich | Tilton New York | Two Palms New York | V | Van de Weghe New York |
van Orsouw Zurich | W | Waddington London | Washburn New York | Jamileh Weber Zurich | Werner New York, Cologne | White Cube London |
Y | Young Chicago | Z | Zeno X Antwerp | Zwirner New York | Zwirner & Wirth New York |
Art Nova | 1301PE Los Angeles | Alcuadrado Bogot | Andrhn-Schiptjenko Stockholm | The Approach London | Bastide Brussels |
Baudach Berlin | BQ Cologne | Bruk Miami | Casa Tringulo So Paulo | Cobo Madrid | Comercial San Juan, Puerto Rico | Corvi-Mora London |
Dane London | Distrito Cuatro Madrid | Engholm Engelhorn Vienna | Feuer New York | Galerist Beyoglu Istanbul | Gasser + Grunert New York |
Gelink Amsterdam | Greene Naftali New York | Guenther Hamburg | Guerrero Mxico D.F. | Hanley San Francisco | Insam Vienna |
Jacques London | Jeffries Vancouver | KBK Mexiko | Kerlin Dublin | Johann Knig Berlin | Kordansky Los Angeles | Kreps New York |
Leme So Paulo | Lombard-Freid New York | Marconi Milan | mennour Paris | Modern Art London |
Nature Morte / Bose Pacia New York, New Delhi | Nourbakhsch Berlin | Peres Projects Los Angeles, Berlin | Podnar Ljubljana |
Reena Spaulings New York | Salon 94 New York | Senn Vienna | ShanghArt Shanghai | Sies + Hke Dsseldorf | Taka Ishii Tokyo |
Talwar New York, New Delhi | Team New York | Thumm Berlin | Vermelho So Paulo | Vielmetter Los Angeles Culver City | Vilma Gold London |
von Senger Zurich | Wallner Copenhagen | Welters Amsterdam | Wolff Paris | XL Moscow | Zink Munich |
Art Positions | A Gentil Carioca Rio de Janeiro | Andersen S Copenhagen | Black Dragon Society Los Angeles | Connelly New York |
Dallas Glasgow | Figge von Rosen Cologne | Gavlak West Palm Beach | Harris Lieberman New York | Hollybush Gardens London |
Hug Los Angeles | Kamm Berlin | MacGarry London | Raster Warszawa | Standard (Oslo) Oslo | Store London | Taxter & Spengemann New York |
Universal Studios Beijing | Vitamin Cuangzhou | Williams New York | Zero Milan |
Art Kabinett | Yan Lei Continua | Organica Gmurzynska | Louis Soutter Haas & Fuchs | Robert Indiana Kasmin |
Sandra Vasquez de la Horra Kewenig | The European Avantgarde: photographic Masterpieces Kicken | Matt Mullican Klosterfelde |
Chris Burden Krinzinger | Yeondoo Jung Kukje | Loris Graud Lambert | David Smith Leavin | Sean Snyder Lisson |
Artists as Architects, Architects as Artists Martin, Adler & Conkright | Robert Mapplethorpe Robert Miller | Enoc Perez Mitchell-Innes & Nash |
Miwa Ogasawara Munro | Daughters of Dada Naumann | Louise Bourgeois Nitsch | Ed Templeton Roberts & Tilton | Jos Bedia Snitzer |
Laurie Simmons Sperone Westwater | Al Taylor Zwirner & Wirth | Index August 2007
Art Supernova | Art Projects | Art Video Lounge | Art Sound Lounge | Art Perform | Art Basel Conversations every morning
Vernissage | December 5, 2007 | by invitation only
Catalog order: Phone +49/711-44 05 204, Fax +49/711-44 05 220, www.artbook.com
The International Art Show La Exposicin Internacional de Arte
Art Basel Miami Beach, MCH Swiss Exhibition (Basel) Ltd., CH-4005 Basel
Fax +41/58-206 31 32, miamibeach@ArtBasel.com, www.ArtBasel.com
dddd
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REVELACIONES. EL ARTE SUPRASENSORIAL DE HLIO OITICICA
Hlio Oiticica (Ro de Janeiro, 1937-1980) es uno de

los personajes ms representativos de la vanguardia
brasilea, la cual surgi en plena dictadura militar a
finales de los aos sesenta y se caracteriz por su
carcter experimental, as como por su intencin de
subvertir los soportes tradicionales. Este singular
creador (hijo de un entomlogo que era asimismo
fotgrafo y pintor, y nieto de un fillogo y dirigente
anarquista) consideraba que el arte era una forma
de revuelta contra todo tipo de opresin, ya sea
intelectual, emocional, esttica, institucional o
social.
A diferencia de muchos otros artistas de su tiempo,
Oiticica no utiliz como tema central de creacin la
situacin poltica de Brasil, sino que realiz un cuerpo de obra dinmico en el que exploraba lo que l
llamaba un nuevo estado de invencin, en el cual
la frontera que separa al arte de la vida, la idea del
concepto y el delirio del orden, se desvanece por
medio de la espontaneidad y la experiencia sensorial.
Tres tipos de objetos fueron la base de sus creaciones: los blides (bolas de fuego o ncleos atmicos)
que son cajas desplegables que contienen diversos
tipos de pigmentos, conchas, piedras, entre otros
materiales encontrados en la calle; los parangoles
(palabra que sirve para denominar situaciones de
confusin y xtasis colectivo) son un tipo de arte
diseado para vestirse con capas o banderolas como
las que utilizan las escuelas de samba, realizadas
con diversos materiales como plstico, tela, papel o
paja; y los Penetrveis (o Penetrables), grandes
obras interactivas y arquitectnicas que fueron concebidas como habitables donde el observador se
puede trasladar de un lado a otro, experimentando
una variedad de sensaciones.
Concebido por l como la primera revelacin del
mundo, el color y su manera de construirse en el
espacio fue objeto de anlisis y creacin a lo largo
de toda su carrera, tanto en sus primeros dibujos
abstractos ligados a la corriente neoconcreta carioca
como en sus ltimas instalaciones y esculturas.
Asimismo, los espectadores juegan un papel activo
en su produccin artstica al interactuar con los colores y las formas, al generar movimientos que lo invitan a tomar conciencia de su papel en el espacio.
Varias de las obras de este artista fueron reflexiones
sobre el clich del exotismo y de lo tropical, as
como del erotismo del folclor brasileo. Claro ejemplo es su primer penetrable titulado Tropicalia
(1967), el cual consista en una ambientacin con
papagayos, arena, plantas, poemas de Roberta
Salgado y un par de viviendas improvisadas o favelas. La intencin de la pieza era envolver al pblico
con imgenes tropicales, nostlgicas y ldicas, que
anunciaban un futuro prximo, industrial y tecnolgico, representado en la instalacin por un televisor
que estaba dentro de una de las moradas. Esta obra
gener un fuerte impacto en el medio del arte, propiciando el surgimiento de la corriente Tropicalista,
movimiento cultural contestatario brasileo que pretenda generar una manera ms democrtica de vivir
la diversidad cultural brasilea y que se extendi a
diversas manifestaciones como el teatro, la msica y
el cine. Entre sus representantes ms populares se

encuentran el msico y compositor Caetano Veloso y
el poeta Torquato Neto.
Tropicalia ha sido recientemente adquirida por la
Tate Modern en Londresciudad en la que vivi este
artista en el exilio donde se mont en exhibicin
este verano. Paralelamente, una relectura de su trabajo mostraba la impactante capacidad de Oiticica
de manejar una diversidad de tcnicas y materiales,
combinados con profundas.reflexiones tericas estticas y fenomenolgicas.
Claudia Arozqueta
Exposicin celebrada en la Tate Modern el pasado mes de septiembre
Hlio Oiticica
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Hlio Oiticica
Hlio Oiticica (Ro de Janeiro, 1937-1980) is one of the

most representative characters of Brasilian avant-garde,
which appeared in the middle of a military dictatorship at
the end of the seventies and it was characterised by its
experimental character and the intention to subvert the
traditional media. This singular creator - the son of an
entomologist who was also a photographer and painter,
and the grandson of a philologist and an anarchist leader
considered art as a kind of riot against all kind of
oppression either intellectual, emotional, aesthetic, institutional or social.
Unlike many other artists of his time, Oiticica did not used
the political situation of Brasil as the central subject of
creation, but he carried out a dynamic body of the piece
in which he explored what he called a new state of invention, in which the border separating art from life, the idea
of concept and the delusion of the order, is made disappear by means of spontaneity and sensory experience.
Three types of objects were the basis of his creations: the
blides (fireballs or atomic cores) or pull-down boxes
containing different kind of pigments, shells, stones,
among other materials found in the street; the
parangles (a word used for designating certain situations of confusion and collective ecstasy) are a kind of art
designed for dressing up with capes or banderols just like
those used by samba schools and made of different
materials such as plastic, fabric, paper or straw; and the
Penetrveis (or Penetrable), great interactive and architectural pieces seen as inhabitable ones where the
observer can move all around feeling a great variety of
sensations.
Understood as the first revelation of the world, the colour
and the way of creating it in space was the object of
analysis and creation all throughout his career, both in his
first abstract drawings linked to the neoconcrete trend

from Rio de Janeiro and in his last installations and sculptures.
Likewise spectators play an active role in his artistic production when they interact with colours and shapes, generating movements that invite them to be aware of their
role in space.
Several of this artists pieces were reflections on the
clich of exoticism and the tropical, as well as the eroticism of Brazilian folklore. A clear example is his first penetrable titled Tropicalia (1967), which consisted of an
atmosphere with parrots, sand, plants, poems by Roberta
Salgado and a pair of improvised houses or favelas. The
aim of the piece was to involve the public with tropical,
ludic and nostalgic images announcing a near future,
industrial and technological, represented in the installation by a TV inside one of the abodes. This piece caused
a great impact in art, favouring the appearance of the
Tropicalist trend, a Brazilian cultural non-conformist
movement that tried to generate a more democratic way
of living Brazilian cultural diversity and that spread to different fields such as theatre, music and cinema. Among
the most popular representatives we can find the musician and composer Caetano Veloso and the poet Torquato
Neto.
Tropicalia has been recently acquired by the Tate Modern
in London the city where this artist lived in exile
where the exhibition was set up last summer. In parallel
with this, a rereading of his work showed Oiticicas
impressive ability to use a great diversity of techniques
and materials, combined with deep aesthetic phenomenological theoretical reflections.
Exhibition held at the Tate Modern last September
jj
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LA DOCUMENTA 12, OTRO CUENTO DE HADAS
17.000 m de exposicin, 113 artistas y ms de 500

obras de la Documenta 12 muestran que si la importancia haba pasado de la obra al artista, en la actualidad le
toca el turno al proyecto curatorial. Las numerosas elecciones, los espacios expositivos, el discurso, la difusin
en los medios, adquieren tal relevancia que se vuelve un
acontecimiento de conjunto. Las obras son elementos de
composicin, colores o formas con los que el comisario
crea la obra total. De hecho, la crtica se ha dirigido al
director Roger Buergel y a la curadora Ruth Noak, cuyos
estudios de teora feminista no le impidieron aceptar el
cargo por ser su compaera sentimental. Es ms, ambos
no dudan en dedicar esta exposicin, hasta ahora el
evento internacional ms relevante del arte contemporneo, a sus dos hijos Charlotte y Kasimir. Datos que
delatan la situacin no del campo del arte, sino del
mbito que amenaza con extinguirlo.
Muy consecuentes con el trabajo que han realizado
declaran que la pregunta de qu es arte y qu no lo es
dejo de tener importancia. A esto anteponen tres preguntas (anecdticas) que articulan su proyecto: Is
modernity our antiquity?, What is bare life? y What is to
be done?. No extraa que el azar juegue un papel
importante, por no decir la falta de ganas, de riesgo o
de criterio.
El arte y las versiones subjetivas de lo real, los distintos
puntos de vistas y los planteamientos de lo inusual, en
esta Documenta tienden a lo contrario, segn la tesis de
que los artistas desconocidos comparten el mismo
modelo de hacer arte que los artistas reconocidos. Por
ejemplo, la miniatura suf, las pinturas de la escuela

Mogol y Eduard Manet. O el postconceptualismo de Jiri
Kovanda que fotografiado al lado del telfono espera
una llamada, Anatoli Osmolovsky encaramado al hombro de una estatua monumental de Mayakovsky en la
plaza moscovita o Lin Yylin que desplaza un muro cambiando los bloques de hormign de un extremo al otro,
en regiones que slo ingenuamente podran considerarse perifricas. Ms interesante hubiera sido proponer
modelos diferentes, que respondan a la complejidad, en
lugar de repetir lo mismo en el xito y el fracaso.
En este recorrido, los contundentes volmenes minimalistas de John McCracken y los lienzos del chileno Juan
Davila, son los obstculos seleccionados una y otra vez
para tropezar con el azar compositivo de esta muestra,
el mismo azar con el que Buergel seleccionara a la pareja que cada noche cenar en el restaurante de Adri
para saborear la inteligencia formal por la que ha sido
invitado.
Los ojos y labios bordadas con pelo de Hu Xiaoyuan, las
agujas que sobresalen del cordn rojo de Sheela Gowda,
las cuerdas de Hito Steyerl o la red de la bailarina Trisha
Brown, nos llevan al nudo que hay formado entre obras
seleccionadas en funcin de la migracin de las formas,
un planteamiento desde la historia del arte y su influencia en la cultura o viceversa.
Una documenta etnolgica en la era de la globalizacin
sin lmites temporales, exhibe tapices y alfombras que
conviven con Klee y Oteiza. Relaciones implcitas se evidencian en las fotografas de Zofia Kulik o la pintura
Kerry James Marshall totalmente descolocadas al lado
de Rembrandt y Rubens. El acento en lo contextual,
destaca en obras como Tucumn arde, un colectivo de
arte militante sesentaiochista contra la represin militar
en Argentina o la jirafa disecada de Peter Friedl que cay
durante un ataque israel contra Hams en Palestina. Y
desde China al condado de Hesse, cuna de la Cenicienta,
Caperucita roja y Blancanieves, llega Fairystale del artista Ai Weiwer, que trae a Kassel a 1001 compatriotas
suyos, pernoctando en dos antiguos pabellones industriales. Adems de 1001 sillas restauradas de la dinasta
Quing y una construccin con puertas y ventanas, que
se vino a bajo en pocos das, preocupante al saber que
se trata de un arquitecto. Y hablando de contexto, llama
la atencin la ausencia de arte digital en una cultura
donde estn ms que asumidos los nuevos medios.
Entre las obras que an hacen visible su cualidad sensible, destacan los diarios de Nasreen Mohamedi, los dibujos de Auki Ryoko, Shooshie Sulaiman, Annie
Pootoogook o Leon Ferrari, los cajones Top secret de
Nedko Solakov, la videoinstalacin de Amar Kanwar, el
pentagrama traslcido de Olga Neuwirth, los acordes
amplificados de Sadane Afif, los espacios de color de
Iigo Manglano-Ovalle, las composiciones en blanco y
negro de Florian Pumhsl, la obra Poltica hidraulica de
Ibon Aranberri, el timbre de Andrei Monastyrski que se
pulsa a la entrada del Aue-Pavillon y suena a la salida o
Eclipse (Gonzalo Daz) que resume venir hasta aqu
solo para leer la palabra arte bajo tu propia sombra.
Por ultimo, la actuacin de Harvey Keitel en un cine sin
butacas, obra de James Coleman, es uno de los pocos
momentos seductores que brinda la documenta.
Vanesa Daz
Snail 1997 Aoki Ryoko. Cortesa de Kodama

Gallery, Osaka y Tokyo
Kristiina Koskentola. Neogin (2006) Kristiina Koskentola
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1001 Wooden Chairs Qing Dynasty Cortesa de Ai Weiwe. Galerie Urs Meile, BeijingLucerne
17,000 m of exhibition, 113 artists and more than 500

pieces of the Documenta 12 show that if the importance
had fallen on the artists work, nowadays it is the curatorial projects turn. The numerous elections, the expositive
spaces, the discourse, the circulation in the media, are so
important that it becomes an important event as a whole.
The pieces are composition elements, colours or shapes
with which the curator creates the whole piece. In fact,
some criticism has been levelled at the director Roger
Buergel and the curator Ruth Noak, whose studies on the
feminist theory has not altered that she accepted the post
because she was her partner. What is more, both of them
did not hesitate to dedicate this exhibition, the most
important international event in contemporary art, to
their children Charlotte and Kasimir. Some facts that
betray not the situation of the art field, but of the field trying to extinguish it.
Very satisfied with their work, they say that the question
about what art is and what is not is not important any
more. In front of this they place three (anecdotic) questions articulating their project: Is modernity our antiquity?, What is bare life? and What is to be done?. It s no
wonder that fate plays an important role, or rather lack of
motivation, risk or criterion.
Art and the subjective versions of the real, the different
points of view and the ways of looking at the unusual, in
this Documenta there is a tendency to the opposite,
according to the theory that unknown artists share the
same model of producing art as the famous artists. For
example, the sufi miniature, the paintings of the school
Mogol and Eduard Manet. Or the post-conceptualism of Jiri
Kovanda who is waiting for a phone call next to the phone;
Anatoli Osmolovsky climbed up to the shoulder of a monumental statue of Mayakovsky in the Muscovite square; or
Lin Yylin who transfers a wall by moving the blocks of concrete from one side to the other, in some regions that can
only be considered as peripheral ingenuously. It would
have been more interesting to suggest different models,
meeting complexity, in spite of repeating the same in success and failure.
In this itinerary, John McCrackens forceful minimalist volumes, and the canvas of the Chilean Juan Davila, are some
obstacles selected once and again to bump into the expos-
itive fate of this exhibition, the same fate with which

Buergel had selected the couple that will have dinner at
Adris restaurant every night so as to taste the formal
intelligence owing to which they have been invited.
Hu Xiaoyuans eyes and lips embroidered with hair; Sheela
Gowdas needles jutting out from the red lace; Hito Steyerls
cords; or Trisha Browns net of the dancer, lead us to the
bond among the selected pieces according to the migration
of the shapes, an art history approach and its influence in
culture or vice versa.
An ethnological Documenta, in the globalization time without temporary limits, exhibits canvas and carpets that coexist together with Klee and Oteiza. Implicit relations are
made evident in Zofia Kuliks photographs or Kerry Jamess
painting, totally misplaced next to Rembrandt and Rubens.
The emphasis on the contextual could be seen in some
pieces such as Tucumn arde, a militant art collective from
the seventies against the military repression in Argentina
or Peter Friedls stuffed giraffe that had died during the
Israel attack against Hamas in Palestine. And from China
to the county of Hesse, the birthplace of Cinderella, Little
Red Riding Hood and Snow White, Fairystyle by Ai Weiwer
appears, bringing 1001 fellows with him, spending the night
at two old industrial pavilions. As well as 1001 restored
chairs of the Quing dynasty and a construction with doors
and windows, which collapsed after a few days, a worrying
fact since it was made by an architect. And regarding the
context, it is surprising the absence of digital art in a culture in which the new media are accepted.
Among the pieces containing a sensible quality, we could
highlight Nasreen Mohamedis diaries, Auki Ryokos drawings, Shooshie Sulaiman, Annie Pootoogook or Leon Ferrari,
Nedko Solakovs Top Secret drawings, Amar Kanwars videoinstallation, Olga Neuwirths translucent stave, Sadane
Afifs simplified strains, Iigo Manglano-Ovalles colourful
spaces, Florian Pumhsls black and white compositions,
Ibon Aranberris Poltica hidrulica, Andrei Monastyrskis bell
that is pressed at the entrance of the Aue-Pavillon and it
sounds at the exit; or Eclipse (Gonzalo Daz) that summarizes coming here just to read the word art under your own
shadow. And finally, Harvey Keitals performance at a cinema without seats, a piece by James Coleman, is one of the
few seductive moments this Documenta shows.
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CARME NOGUEIRA. PRSPERA
Instituto Cervantes. Beijing. Hasta el 14 de noviembre

Coproducido junto con el MARCO de Vigo, el
Instituto Cervantes de Beijing presenta este
proyecto de Carme Nogueira, que se enmarca en
una serie de actividades que estn llevando a cabo
el Instituto con motivo de la celebracin del Ao de
Espaa en China.
Prspera se compone de dos intervenciones relacionadas: una obra realizada especficamente para el
exterior del centro y una instalacin en el interior de
la sala. Como ya encontramos en otras ocasiones en
la obra de Nogueira, Prspera plantea la dicotoma
pblico/privado y el empleo del contexto pblico y
su significado.
La artista se desplaz a Beijing, siendo estas piezas
fruto de un anlisis previo de la cultura y sociedad
chinas y estableciendo una relacin de reciprocidad
entre las culturas espaola y china.
El ttulo de la exposicin coincide, de hecho, con el
nombre de un bazar chino de Vigo, ciudad en la que
trabaja y vive la artista. As, la primera parte del
proyecto comenz un mes y medio antes de la inauguracin de la exposicin; una intervencin en el exterior del Instituto Cervantes emulaba el bazar vigus,
donde se repartan camisetas blancas de Lefties (Zara)
impresas con una doble leyenda: la palabra prspera
en castellano e invirtiendo las letras serigrafada
por dentro, y el mismo vocablo en chino en la cara visible. Cuando se vestan con la camiseta, se podan leer
ambas palabras superpuestas.
La exposicin en el espacio del Instituto Cervantes

es un reflejo de las impresiones de la artista con
respecto a la intervencin realizada con anterioridad, as como lo que implic en la vida cotidiana de
la gente de all. La artista sostiene que el espacio
pblico en Espaa como un espacio comn, de
todos. En Pekn, sin embargo, lo que est problematizado es el espacio privado, es decir, al contrario
que aqu. Para la artista, la forma de vivir el espacio pblico define a la sociedad.
Carme Nogueira (Vigo, 1970) es licenciada en BB AA
por la Universidad de Salamanca y Doctora por la
Universidad de Vigo. Ha sido profesora asociada e
investigadora en la Universidad de Vigo, y becada en
la Hochschule de Berln. Particip en proyectos como
Atelier
Christoph
Colomb
(Burdeos-SevillaSalamanca, 1993); Encuentros (Burdeos-ArtelekuSalamanca, 1993); Bienal de Maastrich (1993), y
Slo para tus ojos (Arteleku, 1997).
Entre sus proyectos expositivos destacan su participacin en La Ciudad Interpretada (Santiago de
Compostela, 2006), la serie Refuxios (Urbanitas,
MARCO de Vigo, 2006; Metrnom, Barcelona,
2005/2006), Corpos de produccin (Santiago, 20022003), El cuerpo extrao (Galera Adhoc, Vigo,
2001), Negro (Galera Visor, Valencia, 2002),
Ecosofas (Sala Amads, Madrid, 2000) y su participacin en la Bienal de Pontevedra (2000).
Carme Nogueira. Prspera (2007) Cortesa de la artista
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hhhh
E-VAI
Carme Nogueira. Prspera (2007) Cortesa de la artista
Co-produced together with the MARCO in Vigo, the

Cervantes Institute in Beijing shows this Carme Nogueiras
project which can be included within a series of activities
the Institute is carrying out on the occasion of the celebration of the Year of Spain in China.
Prspera is made up of two related interventions: a piece
specially made for the outside of the building and an
installation inside the room. As we had already seen in
Carme Nogueiras work in other ocassions, Prspera presents the dichotomy public/private and the use of the public context and its meaning. The artist travelled to Beijing,
being these pieces the result of a previous analysis of
Chinese culture and society and establishing a reciprocity
relation between Chinese and Spanish culture. In fact, the
title of the exhibition coincides with the name of a Chinese
shop in Vigo, the city where the artist lives and works. So
the first part of the project started a month and a half
before the opening of the exhibition; an intervention outside the Cervantes Institute emulated the Chinese shop in
Vigo, where Lefties (Zara) white T-shirts were given out
printed with a double slogan: the word prspera in
Spanish and on the other way round serigraphed on the
inside, and the same word in Chinese in the visible side.
When they put on the T-shirt both words superimposed
could be read.
The exhibition at the Cervantes Institute is a reflect of the
artists impressions with regard to the intervention made
before, as well as the implications in peoples life there.
The artist understands public space in Spain as a common
space for everybody. However, in Pekin the problem is
with private space, that is, the opposite of Spain.
According to the artist the way of using public space
defines the society.
Carme Nogueira (Vigo, 1970) is graduated in Fine Arts at
the University of Salamanca and Doctor at the University
of Vigo. She has been an assistant teacher and investigator at the University of Vigo and awarded by the Hochshule
in Berlin. She has taken part in some projects such as
Atelier Christoph Colomb (Bordeaux-Seville-Salamanca,
1993); Encuentros (Bordeaux-Arteleku-Salamanca,
1993); Maastrich Biennial (1993), and Slo para tus ojos
(Arteleku, 1997). Among her expositive projects we could
highlight her participation in La Ciudad Interpretada
(Santiago de Compostela, 2006), the series Refuxios
(Urbanitas, MARCO de Vigo, 2006; Metrnom, Barcelona,
2005/2006), Corpos de produccin (Santiago, 20022003), El cuerpo extrao (Galera Adhoc, Vigo, 2001),
Negro (Galera Visor, Valencia, 2002), Ecosofas (Sala
Amads, Madrid, 2000) and her participation in the Bienal
de Pontevedra (2000).
E-vai. Primera plataforma virtual para la comunidad amante de las artes plsticas y visuales que arriesga el fomento
de una comunidad centrada en el espacio fsico portugus,
pero con una intencin ibrica, globalizante; e-vai es un
espacio para el dilogo e intercambio de informacin, experiencias, opiniones e ideas, de forma totalmente libre. Es un
espacio de in.fraco, nica forma adecuada de hablar
de/sobre Arte. Todos los cuerpos en comunidad buscan y
cuestionan el impacto de las artes en el planeta al in.visionar la presencia humana entre estos inmensurables territorios cognitivos. La visualizacin de datos, o lo que comunmente es referido como contenido visual, es denominado en
esta zona como interaccin esttica informativa.
Objetivizamos una participacin activa, al mismo tiempo
que buscamos ofrecer nuevas formas de ver la realidad y el
espacio. La metodologia del e-vai es determinada por una
seleccin de narrativas visuales, texto e imagen, en un futuro filmes y sonido, de toda la comunidad cooperante, para
describir un mundo. El proceso crear momentos que nos
envuelvan y nos relacionen con los sujetos y objetos al
penetrar y transportarnos en nuestra habilidad colectiva de
habitar creativamente intersecciones insertadas. Si esta es
una sociedad de posproduccin y de la plenipotencia legal
entre contnuas zonas de transmutacin, la informacin
insertada por todos funciona como cuando, por la noche, un
boomerang con LEDs acoplados genera un dibujo espacial
para mostrar y explicar su recorrido y rotacin, desde el
momento de lanzamiento al momento de recepcin. En este
contexto, somos la invitacin a la construccin de la arqueologia grfica visual -un interface de tiempo- viaje poderossimo. www.e-vai.net
Rui Gonalves Cepeda
E-vai. It is the first virtual platform for people loving plastic and
visual arts endangering the promotion of a community
focused on the Portuguese physical space, but with an Iberian,
world-wide intention; e-vai is a site for dialogue and exchange
of information, experiences, opinion and ideas freely. The reference model of how this habitability should take place exists
without any subjection to the power of the physical domain,
without any ideological, political or economic dependence but
belonging to all those people considered as member of this
virtual community. It is an in.fracao site, the only suitable
way of talking of/about Art. All the community bodies look for
and question the impact of arts in the world when they can
in.visionar human presence among these immeasurable cognitive territories. The visualization of data, or what is usually
referred to as visual content, is called informative aesthetic
interaction in this zone. We objectify an active participation,
and at the same time we try to show new ways of seen reality and space. The e-vai methodology is determined by a
selection of visual narratives, text and images and films and
sound in the future, of all the cooperative community so as to
describe a world. The process will create some moments surrounding us and relating us to the subjects and objects when
penetrating and moving us into collective ability to inhabit
inserted intersections creatively. If this is a society of postproduction and legal plenipower among the constant transmutation zones, the information inserted by everyone works as
when, at night, a boomerang with coordinated LEDs generates a space drawing to show and explain its route and rotation, from the throwing to the reception. In this context we are
like the invitation to the construction of the visual graphic
archaeology -a powerful travel- time interface. www.e-vai.net
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DIEGO RIVERA
Museo del Palacio de BB AA. Mxico DF

Diego Rivera. Detroit Industry North
Dentro de la programacin de actividades que conmemora el

50 aniversario de la muerte de Diego Rivera, el Museo del
Palacio de Bellas Artes ha organizado la exposicin Diego
Rivera. Epopeya Mural. La produccin artstica de Diego
Rivera forma parte de la memoria colectiva mexicana, de su
historia, de su poltica, de su sociedad social y su cultura. La
muestra se centra en la produccin mural, realizada entre
1921 y 1956, de este artista guanajuatense. Epopeya Mural
rene 170 piezas, 23 de ellas son murales transportables y
recreaciones de las obras realizadas en los muros de numerosos edificios pblicos y privados de Mxico y Estados
Unidos; ente ellas Gloriosa Victoria (1954) una obra del Museo
Puskin de Mosc que se exhibe por primera vez en Mxico,
una obra que denuncia al gobierno estadounidense por las
atrocidades hechas al pueblo de Guatemala, se presenta al
presidente Eisenhower en forma de bomba. Tambin se incluyen proyectos, bocetos, apuntes, calcas y estarcidos procedentes de museos, instituciones y colecciones nacionales e
internacionales. Los murales de City Club en San Francisco,
del Detroit Institute of Arts en Michigan y el de la New
Workers School en Nueva York estn representados en la
muestra. Diego Rivera. Epopeya Mural cuenta con un catlogo de ms de 200 fotografas, y textos de especialistas como
Luis Rius, Lila Downs, Juan Rafael Coronel Rivera, as como a
varios escritos antolgicos de autores como Andrs
Henestrosa, Manuel Maples Arce, Xavier Villaurrutia, Jos
Vasconcelos, Alfonso Reyes, entre otros.
Within the activities commemorating the 50th anniversary

of Diego Riveras death, the Museum of the Palacio de Bellas
Artes has organized the exhibition Diego Rivera. Epopeya
Mural. Diego Riveras artistic production is part of the
Mexican collective memory, its history, politics, society and
culture. The exhibition focuses in his mural production, produced between 1921 and 1956. Epopeya Mural includes
170 pieces, 23 of them are transportable murals and recreations of pieces produced in the walls of many public and
private buildings in Mexico and the USA; among them
Gloriosa Victoria (1954) a piece belonging to the Museum
Puskin in Moscow and exhibited in Mexico for the first time,
a piece in which he reportes the American government for
the atrocities to Guatemala, and it is shown to the president
Eisenhower with the shape of a bomb. There are also some
projects, sketches, notes, copies and stencils coming from
museums, institutions and national and international collections.
The murals of City Club in San Francisco, of the Detroit
Institute of Arts in Michigan and the one of the New Workers
School in New York are represented in the exhibition. Diego
Rivera. Epopeya Mural incluyes a catalogue with more than
200 photographs and texts of some experts such as Luis
Rius, Lila Downs, Juan Rafael Coronel Rivera, as well as several anthological texts of authors such as Andrs
Henestrosa, Manuel Maples Arce, Xavier Villaurrutia, Jos
Vasconcelos,Alfonso Reyes, among others.
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jj
MOVIMIENTO DERRAME: LA GRAN SED DE HURGARSE

Una copa de vino tinto cayendo hilarante sobre un libro de
Vicente Huidobro y empapando insolente sus pginas, fue
el inicio para que un grupo de jvenes se calzara las botas
de siete leguas y comenzara a dar zancadas por la va del
absurdo, lo patafsico, lo ertico y lo surreal. Transcurra
1996 en Santiago de Chile, cuando Aldo Alcota y Rodrigo
Hernndez, ambos compaeros universitarios, urden el
comienzo de Derrame, idea que con el tiempo se convertira
en revista, con los meses en grupo y con los aos en movimiento y por cierto, en uno de los ms activos de
Latinoamrica y de mayor rebalse a nivel mundial. Alcota y
Hernndez compartan un vido gusto por la poesa, en
especial la labrada en Chile. As, fueron generndose extensas sesiones poticas en las que desentraaban hitos literarios y poetas de antao, entre ellos Stella Daz-Varn,
Huidobro, Ludwig Zeller, Pablo de Rokha, Enrique Lihn y el
grupo surrealista La Mandrgora. Dicho clan, surgido en
1938, irrumpi dentro de la angosta sociedad chilena de la
poca raptando a la poesa de su tedioso rol costumbrista y
burocrtico para encumbrarla en las sinrazones del automatismo. Formado por los poetas Braulio Arenas, Jorge
Cceres, Enrique Gmez- Correa y Tefilo Cid, este grupo de
vanguardia llev a cabo manifiestos, edit siete nmeros de
una mtica revista en cinco aos y despabil las modorras
creativas de aquella poca y de esta. Bajo el influjo alcaloide de La Mandrgora, los jvenes integrantes de Derrame
realizaron sus primeros encuentros poticos y esbozaron las
lneas de edicin de su propia revista. A poco andar, se unieron nuevos miembros, con los que el bloque Derrame figurara completo: Aldo Alcota (pintor), Rodrigo Hernndez
(poeta), Roberto Yez (poeta y pintor), Rodrigo Verdugo
(poeta), Daniel Madrid (director teatral) y Bessie Porta
(actriz y performer), licundose como resultado un grupo en
el que sus propios componentes se definen como un laboratorio creativo y una confusin armoniosa de talento, imaginacin y humor negro. El movimiento, lleva once aos
desarrollando exposiciones nacionales e internacionales,
editando libros, haciendo presentaciones, conferencias, lanzamientos, celebraciones y llevando a cabo la publicacin de
la revista Derrame, en la que han prestado colaboracin
artistas de toda Latinoamrica y Europa. En cuanto al modo
del grupo, este se desenmarca de la percepcin comn hacia
el Surrealismo como esttica, para ir al encuentro de lo
surreal en lo cotidiano, abrazndose simultneamente con el
romanticismo, el chamanismo, lo grotesco y lo pulsional, la
magia... el poeta, deja de ser un simple metaforista para
tornarse en vidente, as como el pintor va transmutando su
oficio en el arte de cazador de energas... Su alcance creativo como movimiento, se despliega cun resuelta sinapsis
por los ms diversos rincones, adjuntando una basta serie
de amigos, colaboradores y entusiastas activos de Lo
Derramado: Fernando Arrabal, Enrico Baj, Alejandro Puga,
el clan De Rokha, Edouard Jaguer, Stella Daz-Varn, Enrique
Lechuga, Armando Uribe, Vctor Chab, Ludwig Zeller,
Fernando Palenzuela, Pastor de Moya, adems de las
Fundaciones Joan Brossa y Eugenio Granell, con quienes han
realizado muestras conjuntas. Derrame no se concluye a si
mismo, se difiere, re, se reabsorbe y regurgita. Dejndolo
en frase al cierre del propio Aldo Alcota: Derrame es una
bella broma y a la vez una sopa de letras capaz de materializar un pensamiento que permita la transformacin total del
espritu humano, herencia trascendental del Surrealismo.
www.movimentoderrame.blogspot.com / www.derrame.cl
Natalie Sve
A glass of red wine spilling hilariously on a book of Vicente

Huidobro and soaking the pages insolently, was the starting
point so that a group of young people started to stride along
the path of the absurdity, the pataphysical, the erotic and
the surreal.
It was 1996 in Santiago de Chile, when Aldo Alcota and
Rodrigo Hernndez, both university partners, plot the
beginning of Derrame, an idea that will become a magazine
with the passing of time, in a group after some months, and
in a movement after a few years, and by the way, in one of
the most active ones in Latin America and more influential
worldwide.
Alcota and Hernndez shared an avid taste for poetry, specially the Chilean one. So several poetic sessions appeared
and in them some literary milestones and long ago poets
were disembowelled, among them Stella Daz-Varn,
Huidobro, Ludwig Zeller, Pablo de Rokha, Enriqie Lihn and
the surrealist group La Mandrgora. Such a clan, emerged
in 1938, burst into the narrow Chilean society in that time
abducting poetry from its tedious costumbrist and bureaucratic role so as to raise it into the injustices of the automatism. Composed by the poets Braulio Arenas, Jorge
Cceres, Enrique Gmez Correa and Tefilo Cid, this avantgarde group carried out manifestos, edited seven issues of
a mythical magazine in five years and bucked up the creative drowsiness of that time and present time.
Under the alkaloid influence of La Mandrgora, the young
members of Derrame organized their first poetic meetings
and outlined the editing lines of their own magazine. Some
time later, new members joined and now Derrame was
complete: Aldo Alcota, painter; Rodrigo Hernndez, poet;
Roberto Yez poet and painter; Rodrigo Verdugo, poet;
Daniel Madrid theatre director and Bessie Porta, actress and
performer; making up a group in which their members
define themselves as a creative laboratory and a harmonious confusion of talent, imagination and black humour.
The movement has been organizing international and
national exhibitions for eleven years, editing books, organizing presentations, conferences, promotions, celebrations
and carrying out the publication of the magazine Derrame
with which some artists from Latin America and Europe
have collaborated.
Regarding the group way of thinking it is far from the common perception towards surrealism as aesthetic, so as to
meet the surreal in the quotidian, embracing the romanticism, chamanism, the grotesque and the impulse, magic
the poet is not a simple metaphorist any more to become a
viewer, as well as the painter changes his work as an energy hunter Their creative achievement as a movement
spreads as a resolute chemical synapse all around, attaching a certain number of friends, collaborators and active
enthusiasts of Lo Derramado: Fernando Arrabal, Enrico Baj,
Alejandro Puga, the group De Rokha, Edouard Jaguer, Stella
Daz-Varn, Enrique Lechuga, Armando Uribe, Vctor Chab,
Ludwig Zeller, Fernando Palenzuela, Pastor de Moya, as
weel as the foundations Joan Brossa y Eugenio Granell, with
which the have organized some exhibitions.
Derrame does not end by itself, but differs, laughs,
becomes reabsorbed and regurgitates. It is described in the
words of Aldo Alcota: Derrame is a beautiful joke, and at
the same time a word search game able to materialize a
thought allowing a whole transformation of the human soul,
an important surrealist legacy.
www.movimentoderrame.blogspot.com / www.derrame.cl
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La cultura pasa por aqu

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!
j
AL MISMO TIEMPO Y A TRAVS DE L: DAVID CRONENBERG

Si el cine es el arte del tiempo, el ritmo y el espacio,
un guin que se precie debera siempre generar preguntas y aclarar respuestas al respecto.
Conseguir componer un guin convincente parece ser
una empresa poco frecuente en los tiempos que
corren, pero si se logra, definitivamente tendr que
contar con un seguimiento de la evolucin de los personajes fundidos en un acompasado recorrido vital; y
con un enfoque del tiempo y el espacio que determine
de modo inexcusable la accin. El caso de A history of
violence es un excelente exponente de estos aspectos.
Sus personajes piden a gritos ser entendidos en el
espacio y a travs del tiempo de manera incontestable.
Un modo tpicamente Cronenberg de pensar la accin
a travs del desarrollo biolgico: nacer, crecer, reproducirse, morir... y por supuesto, el punto inesperado
que rompe la evolucin siempre presente en sus obras
-lo que desata la accin fuera de lgica- en este caso
el renacer de Joey Cusack mediante una identidad
secretamente usurpada.
Viggo Mortensen, Mara Bello, William Hurt -nominado
al Oscar como actor secundario en la edicin 2005 por
su inclasificable interpretacin- y el siempre acertado
Ed Harris, se combinan de modo ms que acertado en
una cinta que no defrauda en absoluto.
Tom Stall (Viggo Mortensen), feliz padre de familia y
amante esposo, un da como cualquier otro se convierte en hroe de su comunidad al impedir de modo sorprendente el robo de su cafetera a manos de dos
delincuentes de fugaz paso por el tranquilo pueblo de
Millbrook, Indiana. El suceso, aparentemente casual e
irrelevante pero plagado de violencia (una violencia
nada frecuente por esos pagos) convierte a este hombre en blanco no slo de los medios de comunicacin
que se hacen eco inmediato de los hechos, sino de
unos gngsteres de Filadelfia que sostienen de modo
provocador e insistente que Tom es en realidad, uno de
los suyos; alguien con quien tienen cuentas pendientes desde hace demasiado tiempo.
La idea de tiempo, de la que parte Cronenberg a la
hora de plantear este argumento basado en el cmic
de John Wagner y Vince Locke de ttulo homnimo y en
compaa del guionista Josh Olson, es la del doble eje
bsico: el syncronos o simultaneidad, entendido como
a la vez o a la par, y el diacronos entendido como
tiempo histrico o de la Evolucin, que supone la
nocin de a lo largo o a travs de l, presumible en la
precisin de los trminos escogidos para el ttulo original: A history of violence, en oposicin A story of violence, sutil distincin a la hora de entender el sentido ltimo y ms amplio del texto. Y si de Cronenberg
se trata, este tiempo estar ntimamente ligado a lo
biolgico y a la construccin de la identidad; a lo genticamente ineludible-en este film sintetizado en la
nocin de violencia-a la herencia de este comportamiento humano de aparente imposible sofocacin por
parte de la voluntad, y puesto en vnculo indisoluble
con la construccin identitaria como una estructura
adquirida en trminos culturales, en permanente retroalimentacin pero tambin en constante enfrentamiento. Atrapado en ese punto est Tom Stall/Joey Cusack,
un personaje atravesado por variables simultneas y
contradictorias que lo arrojan contra las cuerdas obligndolo a ser un sujeto en conflicto vital. A diferencia
del psictico Norman Bates de Hitchcock creado por

Anthony Perkins, en quien convivan varios yo(s) en un
solo cuerpo, Viggo Mortensen compone un Tom Stall
hecho/deshecho de varias dimensiones ocultas, diferentes pero en un yo nico. Es la resultona idea de
Hulk y el Dr. Vaner o Dr. Jekyll y Mr. Hyde bajo la mirada siempre sorprendente y personalsima de David
Cronenberg, un realizador tremendamente humano,
que parece tratar de colocar un espejo deformado
delante de nuestra presunta normalidad y as convertirnos en extraos para nosotros mismos en agradecida ausencia de juicio moral.
La ineludibilidad de lo biolgico como contracara de la
naturaleza, en puja vital con lo cultural aparece repetidas veces a lo largo de la filmografa de este prolfico director: Inseparables(Dead Ringers), eXistenZ, La
Mosca (The Fly), Vinieron de Dentro(Shivers),
Cromosoma 3 (The Brood), Spider, Scanners, etc...As
el universo Cronenberg se nos presenta poblado de
freaks, seres raros, desplazados, en el lmite de la
locura o ligados a un secreto, mito o situacin traumtica poco convencional. Los perturbados Holly Hunter y
James Spader de Crash; el perverso y dual Jeremy
Irons en Inseparables o el atormentado Ralph Finnes
de Spider consiguen que nos quedemos con la certeza de haber asistido a algunos de los outsiders ms
fascinantes del cine actual.
Si partimos de la idea de que no todas las comparaciones son odiosas veremos que From Dusk Till Dawn
(Abierto hasta el amanecer) de Robert Rodrguez, Pulp
Fiction de Quentin Tarantino, o Fargo de los Hermanos
Coen han inspirado a muchos de los actuales y respetados cineastas que se columpian en esta zona oscura
del sptimo arte, y est claro que David Cronenberg
no est al margen, a pesar de precederlos lo suficiente como para no necesitarlos. Con un lenguaje comn
a stos, que circula entre la perversin y el absurdo,
unos secundarios afanosamente construidos -Ed Harris
y William Hurt entre los ms reconocidos en esta cintauna manera de rodar suficientemente ligada a la esttica del cmic y una composicin de atmsferas slo
comparables a las creadas por David Lynch, este director canadiense nos hace un recorrido plagado de guios cinfilos, mucho ms profundos y recnditos que
los antes mencionados; partiendo de elementos de su
propia obra y llevndonos ms lejos an en la historia
del cine de siempre, contando referencias tales como
El hombre tranquilo de John Ford, El hombre del oeste
de Anthony Mann, y consiguiendo ser una suerte de
hilo conductor donde confluyen gneros, estilos, caminos, historias e intenciones tan distintas como misteriosamente cercanas entre s.
Recientemente vuelto al ruedo en la ltima edicin del
festival de cine de San Sebastin con su nueva apuesta, Eastern Promises, donde repite con Viggo Mortensen
y suma a Naomi Wats, damos la enhorabuena a uno de
los directores ms fieles a s mismos de los ltimos
aos. David Cronenberg, un mito renovado en cada
entrega, un actual hacedor de historias inquietantes a
la vieja usanza, al mismo tiempo y a travs de l.
Perla Carnota Gugliotti
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If the cinema is the art of time, rhythm and space, a good

script should always generate questions and clarify the
answers on this matter.
Being able to create a convincing script seems to be
uncommon these days, but if this purpose is achieved,
there will have to be a support for the evolution of the
characters merged into a rhythmic vital development; and
with a time and space approach determining the action
inexcusably. The case of A history of violence is an excellent exponent of these aspects. The characters badly need
to be understood in space and through time undeniably. A
typically Cronenbergs way of thinking the action through
the biological development: being born, growing up,
reproducing, dying and, of course, the unexpected point
that breaks the evolution always present in his pieces
triggering the action out of the logic in this case Joey
Cusaks reappearance by means of a secretly usurped
identity.
Viggo Mortensen, Mara Bello, William Hurt nominated for
an Oscar as the best supporting actors in 2005 for his
excellent interpretation and an ever convincing Ed Harris,
are rightly combined in a film that does not disappoint at
all.
Tom Stall (Viggo Mortensen), a happy family man and loving husband, becomes the hero of the neighbourhood one
single day when he prevented the robbery of his caf by
two criminals passing through the calm village of
Millbrook, Indiana. But the apparently chance happening
full of violence (unusual violence in return) becomes this
man the target of the mass media that immediately make
an impression of the happening, and also of some gangsters from Philadelphia who say insistently and intimidatingly that Tom is really one of them, someone with whom
they have had unfinished business for too long.
The idea of time, Cronenberg starts with when he suggests
this idea based on John Wagners and Vince Lockes comic
with an homonym title and together with the scriptwriter
Josh Olson, is the idea of the basic double axis: the syncronos or simultaneity, understood as at the same time or
on a par, and the diacronos understood as historical time
or Evolutions time which means the concept of all along
or through it, presumable in the precision of the terms
selected for the original title: A history of violence in contrast to A story of violence, a subtle distinction when it
comes to understanding the last and widest meaning of
the text. And if we are talking about Cronenberg, this time
will be connected with the biological and the construction
of the identity; to the genetically inavoidable - in this film
summarized in the notion of violence to the inheritance
of this human behaviour of the wills apparent impossible
suffocation, and of course in indissoluble connection with
the identity construction as a structure acquired in cultural terms, in permanent feedback but also in constant confrontation. Tom Stall/Joey Cusak is trapped in this point, a
character going through simultaneous and contradictory

variables that put him on the ropes making him be a character with a life dilemma. Unlike Hitchcocks psychotic
Norman Bates created by Anthony Perkins, within whom
several egos cohabited in the same body, Viggo
Mortensen creates a Tom Stall with several hidden dimensions, different but together in a unique self. It is the
attractive idea of Hulk and the Dr. Vaner or the Dr. Jekyll
and Mr Hyde under David Cronenbers ever surprising and
personal view, a really human producer, who seems to be
putting a distorted mirror in front of our presumed normality and become us strange people for ourselves for
want of a moral judgement.
The unavoidableness of the biological as the opposite side
of nature, in vital struggle with the cultural appears all
along the filmography of this prolific director over and
over again: Dead Ringers, eXistenZ, The Fly, Shivers, The
Brood, Spider, Scanners, etc So Cronenbergs universe
is shown full of freaks, strange beings, misfits, in the limits of madness or tied to some kind of secret, myth or any
uncommon traumatic situation. Mentally unbalanced
Holly Hunter and James Spider in Crash; perverse and
dual Jermy Irons in Dead Ringers or tortured Ralph
Finnes in Spider make us know for certain that we have
seen some of the most fascinating outsiders of present
cinema.
Assuming that not all the comparisons are hateful, we will
find out that From Dusk Till Dawn by Robert Rodrguez,
Pulp Fiction by Quentin Tarantino or Fargo by Coen brothers have inspired many of the present and famous film
makers in this obscure size of the seventh art, and it is
clear that David Cronenberg is not on the fringes despite
preceding them well enough so as not to need them. With
a language common for all of them, between perversion
and absurdity, some diligently created supporting actors
Ed Harris and William Hurt among the most famous in
the film a way of shooting close to the comic aesthetic
and an atmosphere composition only comparable with
those created by David Lynch, this Canadian director
makes a lot of cinema references much deeper that those
mentioned before; starting from some elements of his
own work and taking them beyond the usual cinema history, with some references such as The Quiet Man by
John Ford, Man of the West by Anthony Mann, and having a good theme in which so different genres, styles
ways, stories and intentions come together. He has come
back recently in the last edition of San Sebastin Cinema
Festival with his new bet Eastern Promises, in which he
repeats with Viggo Mortensen and also adds Naomi Wats;
and we would like to congratulate one of the directors
that has been most faithful to himself in the last few
years. David Cronenberg, a renewed myth in every film,
a present maker of exciting stories according to old customs, at the same time and through him.
David Cronenberg. History of violence (2005)
David Cronenberg. History of violence (2005)
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jv
BLOW UP. VIVIENDO EN LA ERA POP
Michelangelo Antonioni. Blow up (1966)
Las babas del diablo es un relato corto, un tanto farragoso y denso en el que Julio Cortzar nos cuenta la historia de Michel, un traductor aficionado a la fotografa que
una maana de domingo capta con su Contax a una
mujer besando a un adolescente. La mujer reacciona
enfadada y le pide el carrete fotogrfico, ayudada por un
hombre que pareca leer el peridico en su coche y que
se une en ese momento a la escena. El joven, mientras
tanto, se aleja apresuradamente del lugar. Al llegar a su
casa y ampliar la fotografa, Michel ve (o imagina ver)
como las imgenes cobran movimiento y como en ellas
el chico no consigue escapar. Desesperado, nuestro ocasional mirn termina viendo el cielo a travs de un rectngulo clavado con chinchetas en la pared de su habitacin.
Antonioni se inspir vagamente en este relato para rodar
en 1966 Blow up, un filme discutido por muchos pero
poseedor de una innegable capacidad de seduccin. Y el
nexo de unin entre las dos narraciones, la literaria y la
cinematogrfica, es el discurso sobre lo real y lo aparente que esconden en su interior. Porque ambos autores
juegan a confrontar la realidad fotogrfica con la captada por nuestros sentidos; el instante puro y quieto frente a ese otro filtrado y trascendido por nuestra imaginacin; la seccin de tiempo inmovilizada por la qumica
frente a ese mismo pedazo de tiempo afectado y voluble,
capaz de adoptar tantas formas como una nube que viaja
por el cielo. Pero tambin es nexo de unin de ambas
narraciones su naturaleza metalingstica, su indisimulado afn por indagar y explorar la realidad a travs del
objeto o sujeto observador, poniendo en duda que haya
realidades absolutas y abriendo el abanico de los actos
enfocados hasta situarlos en el insondable universo de
los sueos, all donde la literatura y el cine reinan a sus
anchas.
En Blow up, es un fotgrafo de modas el que descubre un
secreto terrible al revelar y ampliar un carrete de fotografas. Y ese ser el frgil estmulo narrativo que le sirva
a Antonioni para perseguir con otra cmara, la cinemato-
grfica, a este personaje interpretado por David

Hemmings. Y lo hace con la perseverancia de un sabueso y la delicadeza de un pintor, entre un amanecer y otro,
entre el descubrimiento y la excitacin surgida ante la
posibilidad de evitar un crimen y la desilusin final.
Estamos en los aos del Swinging London, y todo nos
remite a una cultura pop que en ese momento tena
mucho ms que ver con un modo de vida que con una
esttica concreta e idealizada con el paso de los aos. Y
en ese escenario colorido y liberado, pretendidamente
moderno y afectado por una moda, una msica, unos
diseos y unos hbitos determinados, es donde la pelcula adquiere su naturaleza de objeto fetiche, constantemente reivindicado por el movimiento Mod. Pero
Antonioni no pretenda, ni mucho menos, quedarse en el
retrato de una poca. Y, posiblemente, esa contradiccin
haya servido, a su vez, para ocultar y simplificar el mensaje. Porque, como en esa imagen ampliada sucesivamente hasta que el objeto retratado desaparece ante
nuestros ojos, la reflexin sobre lo que vemos y lo que
realmente existe que nos propone el director italiano
tambin se pierde para muchos espectadores fascinados
por ese Londres delirante y pre-psicodlico en el que las
drogas, el sexo y cierto glamour rebosante de bellas
modelos y msica de los Yardbirds lo llenan todo.
Antonioni abandona en este filme a esos sofisticados y
vacos burgueses que habitan su filmografa y que esconden, detrs de una elegante fachada, toda su melancola
y frustracin. Pero su estilo meditadamente lento, con
esa cadencia siempre al borde del tedio pero profundamente potica, est igualmente presente en este ensayo
sobre la ceguera que es Blow up. Aunque eso s, envuelto todo ello con el mismo papel de colores que describa
el grupo leons Los flechazos en su tema Viviendo en la
era pop.
Antonio Boar
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Las babas del diablo is a short and rather cumbersome and

dense story in which Julio Cortzar tells us the story of
Michel, a translator and photography enthusiast who captured a woman kissing a teenager with his Contax on a
Sunday morning. The woman reacted angrily and asks him
to give her the film, with the help of a man who seemed to
be reading the newspaper in his car and appears in the scene
in that moment. Meanwhile the young man moves away
from the place hastily. When he gets home and enlarges the
photograph, Michel sees (or imagines) how images start to
move and how the teenager does not get to get away in
them. Our occasional onlooker ends up seeing the sky
through a rectangle pinned up in the wall of his bedroom.
Antonioni vaguely inspired on this short story to shoot Blow
up in 1966, a controversial film with an undeniable seduction
power. And the connection between two narrations, the literary and the film one, is the debate on the real and the apparent they hid inside. Because both authors play to confront
the photographic reality with the one captured by our sense;
the pure and calm moment with the other leaked and transcended by our imagination; the time section immobilized by
chemistry against this same piece of affected and voluble
time able to take as many shapes as a cloud in the sky. But
their metalinguistic nature and their undisguised eagerness
to investigate and explore reality through the observant
object or subject, questioning if there are absolute realities
and opening the range of the focused acts until we place
them in the impenetrable universe of dreams, where literature and cinema reign at ease. In Blow up, it is a fashion
photographer the one who finds out a terrible secret when he
is developing and enlarging a film. And this fragile stimulus
is used by Antonioni to go after this character played by

David Hemmings with other camera, the cinematographic
one. And he does it with the persistence of a sleuth and the
delicacy of a painter, between one and another daybreak,
between the discovery and the excitement caused by the
possibility of avoiding a crime and the final disillusion. We are
in the years of the Swinging London, and everything reminds
us of the pop culture that had much more to do with a
lifestyle in that moment rather than with concrete and idealized aesthetic with the passing of the years. And in this
coloured and liberated setting, supposedly modern and
affected by a particular fashion, music, designs and habits, is
where the film becomes a fetish object, constantly claimed
by the movement Mod. But Antonioni did not try nothing like
to stay in the portrait of a particular time. And this contradiction has possibly been also used to hide and simplify the
message. Because as the reflection on what we can see and
what really exists in this image enlarged until the portrayed
object disappears before our eyes Italian director suggests
us, is also lost for many spectators fascinated by this delirious and pre-psychedelic London where drugs, sex and certain glamour brimming with beautiful models and music of
the Yardbirds fill everything.
Antonioni abandons those sophisticated and empty middleclass people inhabiting his filmography who hide, behind an
elegant faade, all their frustration and melancholy. But his
slow style, with this rhythm always on the edge of the tedium but deeply poetic, is also present in this essay on blindness, that is Blow up. Although, of course everything
wrapped with the same colour paper the band from Len Los
Flechazos described in their song Viviendo la era del pop.
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MARCEL MARCEAU. LA VIDA EN UN GESTO, MAESTRO

Una sonrisa, un beso, una mirada... una lgrima.
Razn tena usted, maestro, al demostrar que en los
momentos sustanciales de la vida humana, palabras
sobran. Y no es que vuestro arte haya carecido de ellas
y ms all de literatura, sino que por llevarla en la
sangre supo sin economas de esfuerzo hacerla esencial. Y entonces, una carcajada, un nudo en la garganta.
Salt usted a los escenarios antiguos de su pantomimus original, y ahora se agotan las palabras para
homenajear vuestro silencio. Queda el verbo facundo
que profes fuera de los escenarios. Queda un dolor en
el pecho. Queda nuestro boatus universal en un sinfn
de lenguas, y la imagen musical de vuestras manos.
Mgicas. Tanto vocablo no dicho ! cantor de sentimientos.
Arrullado con el canto paterno y la filosofa materna en
vuestra Strasbourg natal, continu usted los caminos
que La Rue vers lor y Charlot abrieron ante sus ojos.
Muy pronto en el horizonte vislumbr a Etienne
Decoux, Charles Dullin y Jean-Louis Barrault, con
quienes se adentr en el drama desde la mudez.
Hijo fugitivo de la segunda de nuestras guerras, fue
usted el trovador de las siguientes con Bip, vuestro
alter ego. Un digno descendiente de Arlequn, a quien
supo amalgamar la herencia gestual de Chaplin con las
expresiones de Keaton y de Langdon. Maestros inspiradores.
La pintura, pasin de vida, fue ese extrao azar que le
hizo plasmar en el lienzo del gesto, la extensa paleta
de colores humanos. Esculpi sus historias desde vuestra admiracin a Rodin, y danz sus pasiones con
Isadora Duncan presente.
Y no fue la caricatura de la realidad pero s la esencia
de la misma la que expres a travs del surrealismo de
Max Ernst y Marc Chagall, el cubismo de Picasso y los
misterios de William Blake. Todo en un slo mimo en
un instante preciso, querido ilustrador de historias.
Como Pierrot del siglo XX y XXI, march contra el
viento con un sentido agudo del poder de la imagen y
del arte en la kinestesia. Vuestro arte en movimiento
atraves las fronteras con pasos ligeros y pulcro silencio. Cre escuela y la transmisin de su experiencia se
convirti en la diccin neta de la gloria.
Ofrend con esplendor las cosas ms sencillas : el
vuelo de un ave, una flor. Poetiz miserias humanas y
crudas an ms las present. Tantas cosas necesitbamos callar... o decir... para siempre responder con
aplausos frenticos vuestros silencios?
Usted exhibi el mundo en un pestaear de ojos, estimado malabar de silencios. Recre submundos de
ensueo y combati con molinos quijotescos. Todo en
historias que emergen, crecen, se transforman y estallan, cual burbujas de jabn, con tan solo un gesto. Por
todo eso, maestro, y por todas las cosas que quedaron
por contar... o callar, nuestro aplauso de vida en silencio, una reverencia, una flor. Y hasta el infinito una
sonrisa, el recuerdo y un guio.
A smile, a kiss, a glance a tear. You were right, master, when

you proved that in the substantial moments of human life, the
words are spare. And that does not mean that your art had
lacked them and further more literature, but you know how
to make it essential effortlessly since you had it in your blood.
And then, a loud laugh, a lump in the throat. You were shot
to the old stages of your original pantomimus, and now there
are not enough words to honour your silence. There is still the
eloquent verb he professed out of the stage left. There is a
chest pain left. There is our universal boatus left in many languages, and the musical image of your hands. Magical ones.
So many unsaid words!, songbird of feelings. Sung to sleep
with the paternal singing and the maternal philosophy of your
home Strasbourg, you followed the way the Rue vers lor
and Charlie Chaplin opened to your eyes. Soon afterwards in
the horizon you caught a glimpse of Etienne Decoux, Charles
Dullin and Jean-Louis Barrault with whom you got inside the
drama from your dumbness. The fugitive son of the second of
our wars, you were the troubadour of the following ones with
Bip, your alter ego. An honourable descendant of Harlequin,
you know how to combine Chaplins gestural legacy with the
expressions of Keaton and Langdon. Your inspiring
masters.Painting, a life passion, was this strange fate that
make you reflect the gestural canvas the extense palette of
human colours. It sculpted stories from your admiration to
Rodin, and danced its passions in the presence of Isadora
Duncan. And it was not the reality caricature but the essence
of it what he expressed by means of Max Ernsts and Marc
Chagalls surrealism, Picassos cubism and William Blakes
mysteries. All these things in a unique mime in the precise
moment, dear illustrator of stories. As a Pierrot of the 20th
and 21st centuries, he went against the wind with a sharp

sense of the image power and the art of the kinesiology. Your
moving art crossed the frontiers at a swift pace and exquisite
silence. He was a mime with a great following, and the transmission of his experience became the net diction of glory. He
offered up the simplest things brilliantly: the fly of a bird, a
flower. He poetized the most cruel human destitutions, and he
showed them. Did we need to say nothing or to say something to always clap frenetically your silence? You showed
the world blinking your eyes, appreciated juggler of silence.
You recreated fantasy underworlds and fought against quixotic mills. All these things were included in stories that emerge,
grow, transform and burst, like soap bubbles, just with a gesture. For all those things, master, and for all the things to
say or not to say, our silent applause of life, a reverence, a
flower. And ad infinitum a smile, the memory and a wink.
The word is not necessary to express what we feel with our heart
(Marcel Marceau)
La palabra no es necesaria para expresar lo que se siente con

el corazn. (Marcel Marceau)
Yellice Virgez Mrquez
Marcel Marceau
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MEJOR QUE UN MUSEO, UN JARDN
En el Museo Verbum de Vigo ha permanecido durante el

mes de octubre la exposicin Zoografas en el alma de
Martn Caeiro.
Ha sido la muestra mas acorde que nunca se ha dado en
dicho recinto. La Casa de las palabras sigue su andadura
enloquecida a la bsqueda de una filosofa que rija sus
principios expositivos que, por tan amplios, los que ahora
sostienen hacen imposible particularizar y dar sentido a
sus propuestas.
La obra de Martn Caeiro enmarca al Verbum. Qu paradoja. El Museo Verbum, fue encontrado por el jardn, concepto/significado, que es capaz de dar sentido, sin la menor
perversin, a su nombre/significante, Casa de las palabras.
Con Zoografas en el alma, Martn Caeiro, descodifica la
realidad sin alterar su cdigo formal, confundindose filosofa, filologa y naturaleza. Usando un sencillo grafito o la
sutil tinta china, nos ilumina la mirada atrapando la vida
en el papel usando el logos y el graphos, inseparables de
la realidad que nos circunda e inunda.
Esta fue una de esas exposiciones, que nos redime de la
impostura ignorante que muchos artistas fomentan, con la
intencin de erigirse en salvaguarda de la inteligencia
humana. Confiar en la inteligencia del espectador es la
clave para comunicarse.
Hacerse comprender, no evadir las carencias empticas
con los dems en aras de una erudicin a modo de visionario, es un ejercicio catrtico que deberamos practicar
con asiduidad si queremos llevarnos bien y afianzar lazos
con la otredad, que cada da mas, se est convirtiendo en
punto de referencia.
Y sobre referentes nos habla a los ojos esta exposicin. Y
lo hace como un negativo fotogrfico. La cosa en s la
vemos precisamente por su ausencia. Todo lo que somos
lo somos por referencias. La incapacidad del ser vivo de
autoreferenciarse hace que precisemos de lo que est
fuera, sealando los lmites con los otros es cuando somos
capaces de definirnos como yo-particular. La otredad, la
alteridad es lo que nos da sentido. Y manteniendo esta
tesis hasta sus ultimas consecuencias, Martn Caeiro, nos
ofrece la imagen que acompaa este texto, en la que los
pjaros son `pjaros porque la grafa as los significa por
su disposicin con respecto al `otro, es decir, el arbol.
En la Grecia Clsica, haba un lugar que se consideraba
privilegiado, (...) al que las personas se dirigan para contemplar el Cosmos, para disertar, para pensar, al que llamaban Jardn, un huerto, en el que cultivaban a la vez
plantas y entendimiento. El crecimiento de los tomates
inspiraba el crecimiento personal. (...)1
En un mundo invadido de barroquismo esttico y lingstico, se agradecen obras como las presentadas en
Zoografas en el alma. Nuevas apuestas artsticas, sencillas y honestas que por claras e inteligentes nos llegan al
alma y a la razn con la misma rapidez e intensidad.
ngela Nantes
1 Caeiro, Martn, Zoografas en el alma , Edita Museo Verbum. Casa das
Palabras. Pontevedra, 2007., pg.5.
The Museum Verbum in Vigo is exhibiting the show

Zoografas en el alma by Martn Caeiro during October.
It is the most suitable show ever exhibited at the museum.
The Casa de las Palabras goes on looking for a philosophy that
rules their expositive principles which, for their wideness,
make impossible to particularize and give sense to their proposals. Martn Caeiros work frames the Verbum. What a paradox! The Museum Verbum was found in the garden, concept/meaning, which is able to give sense, without any perversion, to its name/signifier, Casa de las Palabras. With
Zoografas en el alma, Martn Caeiro, decodes reality without
altering its formal code, mixing up philosophy, philology and
nature. By using a single graphite or the subtle Indian ink, he
illuminates our eyes by trapping life into a paper using the
logos and the graphos, inseparable from the reality surrounding and overwhelming us. This was one of these exhibitions
that redeem us from the ignorant imposture many artists promote with the intention of raising in favour of human intelligence. Trusting the spectators intelligence is the key point to
communicate. Being understood, not avoiding the empathic
lacks with the others in honour of an erudition as a visionary,
is a cathartic exercise we should put into practice frequently
if we want to have a good relationship and to strengthen ties
with the otherness, which is becoming a referential point
more and more. And this exhibition talks us about referents.
And it does it like a photographic negative. We see the thing
for its absence. We owed everything we are to references.
The incapacity of the human being to self-index makes us
need what is out, when we put limits for the others is when
we are able to defined ourselves as a particular-ego. The otherness is what gives us sense. Supporting this thesis to its
logical conclusion. And supporting this thesis to its logical
conclusion, Martn Caeiro shows us the image that goes with
this text in which the birds are birds because the spelling
indicates it owing to the arrangement in relation to the other,
that is, the tree. In Classical Greece, there was a place that
was said to be privileged, () where people went to contemplate the Cosmos, to discourse, to meditate, and it was called
Garden, an orchard where plants and understanding were
cultivated. The growth of the tomatoes inspired the personal
growth ().1 In a world full of aesthetic and linguistic baroquism, the pieces shown in Zoografas en el alma are welcome. We can see new artistic proposals, simple and honest,
which we find deeply touching fast and intensely for being
clear and intelligent.
1 Caeiro, Martn, Zoografas en el alma, Edition Museum Verbum. Casa
das Palabras. Pontevedra 2007, page 5.
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Eduardo Arroyo
PREMIO NACIONAL
DE ARTE GRFICO 2007
Los objetivos de este premio son difundir el arte grfico

en cualquiera de sus manifestaciones reconociendo la
labor de creadores contemporneos que con sus aportaciones estimulan y dinamizan la prctica de este medio.
Han recibido el Premio Nacional de Arte Grfico 2007
Eduardo Arroyo (Madrid, 1937), en reconocimiento a
toda su trayectoria, por su trabajo durante varias dcadas en el arte grfico con continuas aportaciones que
llegan a la actualidad con gran presencia y Perejaume
(San Pol de Mar, 1957), por las aportaciones e innovaciones en arte grfico, por su ruptura de los lmites del
arte grfico una hibridacin de medios y gneros que
abarcan desde la escritura al paisaje.
Los miembros del jurado fueron Nuria Enguita Mayo,
directora de Proyectos de la Fundacin Antoni Tpies;
Jos Guirao Cabrera, director de la Casa Encendida de
Madrid; y Antonio Franco Domnguez, director del
Museo Extremeo e Iberoamericano de Arte
Contemporneo (MEIAC). Actu como presidente
Francisco Calvo Serraller, acadmico de la Real
Academia de BB AA y Juan Bordes, actu en calidad de
secretario.
La Calcografa Nacional seleccionar las obras que
podrn verse en la exposicin, la cual tendr por escenario la sede de la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernando y ser inaugurada en la primera quincena de
marzo de 2008. Los premios se entregarn en el acto
inaugural.
d
ART BASEL MIAMI BEACH
Entre el 6 y el 9 de diciembre llega, un ao ms, la interesante cita de Miami. Este ao la seccin Art Kabinett ofrece
a 22 galeras participantes la oportunidad de presentar
pequeas exhibiciones commisaridas. Los proyectos se presentan en un cubculo separado del pabelln del expositor.
Desde Viena, la Galerie Krinzinger muestra una individual
de Chris Burden (Boston, 1945) clebre por sus controvertidas performances a principios de los aos 70. Bajo el ttulo Organica. The Non-Objective World of Nature in the
Russian Avant-Garde of the 20th Century la Galerie
Gmurzynska (Zurich) presenta trabajos de Mikhail
Matyushin, Elena Guro, Boris Ender, Xenia Ender, Maria
Ender, Vera Nikolskaya, Pavel Filonow, Pavel Mansurov,
Pavel Kondratev y Vladimir Sterligov. La artista chilena afincada en Dusseldorf, Sandra Vsquez de la Horra, est presente en la propuesta de la Kewenig Galerie de Colonia. La
berlinesa Galerie Klosterfelde presenta una amplia seleccin
de dibujos de Matt Mullican. Las pinturas en blanco y negro
de la artista japonesa Miwa Ogasawara llegan con la Galerie
Vera Munro de Hamburgo. La londinense Lisson Gallery presenta la instalacin de vdeo Schema (Television) del artista estadounidense Sean Snyder. Documentary Nostalgia es
el ttulo del vdeo del artista coreana Yeondoo Jung (Kukje
Gallery, Sel).
Bajo el ttulo Artists as architects architects as artists.
Latin America in the 50s and 60s, dos galeras de Nueva
York, Mary-Anne Martin Fine Art y Adler & Conkright Fine
Art, presentarn esquemas, maquetas y fotografas arquitectnicos de diversos proyectos en Amrica Latina: Paul
Lester Wiener, GEGO (Gertrud Goldschmidt), Alejandro
Otero, Mathias Goeritz, Carlos-Ral Villanueva, Jess-Rafael
Soto, Carlos Cruz-Diez, Alexander Calder y Roberto BurleMarx. Robert Miller Gallery de Nueva York presenta una de
las primeras instalaciones de Robert Mapplethorpe de
1970, una pieza de objetos encontrados piel, lmparas, mercera, un cajn y mesa de madera, y objetos
votivos.
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!#+*/+#".+,&"PREMIOS
XI PREMIO INTERNACIONAL FOTOGRAFA HUMANITARIA

LUIS VALTUEA 2007
HASTA EL 15 DE NOVIEMBRE
Cada participante podr presentar un mximo de tres fotografas,

siendo estas parte de una serie o no, que no hayan sido premiadas en otros concursos, y cuya temtica est relacionada con la
accin humanitaria, la cooperacin internacional y/o la exclusin
social. Se admitirn aquellos trabajos realizados entre enero de
2006 y noviembre de 2007 y que no hayan sido presentadas en
ediciones anteriores. Las fotografas debern presentarse en formato digital (CD, debidamente protegido e identificado con el
nombre de el/la concursante segn se detalla en las bases oficiales). Participacin internacional. Primer premio de una beca de
8.000 euros para realizar un proyecto fotogrfico, dos premios
especiales de 1.000 euros y visita a proyecto de la organizacin.
Premio temtico de 1.500 euros.
Mdicos del Mundo
C/ Andrs Mellado, 31 bajo, 28015 Madrid
Tel. 902 286 286
luisvaltuena@medicosdelmundo.org / www.zonaactiva.org
XII PREMIO INTERNACIONAL DE ESCULTURA NGEL

ORENSANZ CIUDAD DE SABINIGO 2007
Tema: el agua y el ro. Debe presentarse maqueta con unas

dimensiones nunca inferiores a 40 cm. en alguno de sus lados ni
superiores a 100 cm. y con un peso inferior a 50 kg. Aunque la
obra final deber tener aproximadamente las siguientes dimensiones: entre 150 cm y 200 cm de altura y entre 150 cm y 200 cm
de anchura, no habiendo limitacin de peso. En sobre aparte se
entregar, cumplimentado en su totalidad, el Boletn de
Inscripcin. Los concursantes acompaarn un currculum o nota
biogrfica, fotocopia del DNI., diapositiva o fotografa de la obra,
indicando al dorso el ttulo, ao de realizacin, tcnica o materiales, dimensiones reales y peso y una breve descripcin con las instrucciones del montaje y exposicin y del proyecto de ubicacin
definitiva. Entrega de obras del 15 al 25 de noviembre.
Participacin libre. Primer premio de 6.000 euros.
rea de Cultura de Ayuntamiento de Sabinigo
C/ Coli Escalona n 21, 22600 Sabianigo (Huesca)
Tel. 974 484 250
cultura@aytosabinanigo.net
PREMIO DE PINTURA INTERNACIONAL DE LA FUNDACIN

GUASH CORANTY
La convocatoria est abierta a todos los artistas menores de 40

aos, que hayan acabado sus estudios en facultades de Bellas
Artes, o equivalentes, de cualquier pas. Se presentar un solo trabajo (obra nica) por candidatura, que no exceda los 200 cm en
su longitud mxima. La obra presentada deber haber sido realizada durante los ltimos dos aos y no puede haber sido premiada
o
seleccionada
en
ningn
otro
concurso.
Los participantes debern presentar el Formulario de Inscripcin,
currculum, una imagen fotogrfica de la obra, breve descripcin,
dossier de obra reciente, etc. Presentacin del formulario y el dossier: del 19 al 30 de noviembre, ambos incluidos. Durante el mes de
diciembre de sern seleccionados los finalistas que competirn para
el premio y que debern enviar la obra. Primer premio de 20.000
euros, accsit de 600 euros para los finalistas ms exposicin.
Fundacin Guasch Coranty, Facultad de Bellas Artes, Universidad
de Barcelona
C/ Pau Gargallo, 4, 2 planta, 08028 Barcelona
Tel. 934 034 066 / 628 293 79
premifguasch@ub.edu / www.guaschcoranty.com
PREMIO DE PINTURA CENTENARIO DE LA CMARA DE

COMERCIO E INDUSTRIA DE LEN
La temtica de las obras presentadas a este premio deber estar

relacionada con la industria y el comercio. Las obras estarn ejecutadas en una tcnica de artes visuales sobre soporte plano y de
dimensiones que no sobrepase en ninguno de sus lados los 180
cm, marco incluido. Las obras irn acompaadas de ttulo o lema
que se remitir en sobre cerrado o plica con los datos personales

del autor y una direccin de contacto. Las obras premiadas sern
firmadas a posteriori. Primer premio de 4.000 euros, siguiente de
2.000 euros. Participacin libre.
Cmara de Comercio e Industria de Len
Avenida Padre Isla, 30, 24002 Len
Tel. 987 224 400 / 404
jsaurina@camaraleon.com
PREMIO DE PINTURA DE LA FUNDACIN CONTSA 2007

Cada artista podr presentar una sola obra, que deber ser original y no haber sido premiada en otro certamen. El tema y la tcnica es libre. Las medidas de la obra no deben ser superior a 150
x 150 cm, ni inferiores a 60 x 60 cm. y debern presentarse enmarcadas con un listn o junquillo de una anchura mxima de 3 cm.
Las obras se entregaran firmadas en el frente. En el dorso se har
constar el nombre y apellidos del autor y ttulo de la obra.
Igualmente se entregar el boletn de inscripcin. Las obras se
entregaran del da 15 al 30 de noviembre. Participacin libre.
Primer premio de 6.000 euros, siguientes de 3.000 y 1.500
La Galera, Arte Contemporneo
C/ Gonzalo Bilbao, 6, 41003 Sevilla
Tel. 954 500 334 / 954 501 089
fundacion@fundacioncontsa.com
III CONCURSO DE FOTOGRAFA TURISMO RAS BAIXAS

El contenido de las imgenes deber reflejar los diferentes aspectos del turismo en la provincia (Pontevedra), tanto en la costa
como en el interior. Mximo de tres fotografas inditas y no premiadas, en b/n o color, con un nico formato de 30 x 40 cm, montadas en un soporte rgido de 40 x 50 cm que permita su colocacin en las paredes de la sala de exposiciones (sin cristal y sin
marco). Al dorso de cada obra se har constar un lema, igual para
todas las fotos, y el ttulo de cada una de ellas. En sobre cerrado
figurarn todos los datos que se especifican en las bases oficiales.
Primer premio de 3.500 euros, siguientes de 1.000 euros, 500
euros y dos accsit de 250 euros. Participacin libre.
Turismo Ras Baixas
Pza. de Santa Mara s/n, 36071 Pontevedra
Tel. 986 842 690
redaccion@riasbaixas.org / www.riasbaixas.org
III CONCURSO FOTOGRFICO ALSINA. TEMA RELACIONADO CON EL HORMIGN

Existen tres categoras: Concurso General, Profesionales de la

Construccin y Fotografa Digital. El tema es Estructuras de hormign in situ. Cada concursante podr presentar un mximo de
tres fotografas que debern ser no premiadas e inditas. Las fotografas tendrn un formato mnimo de 20 x 30 cm. Modalidad en
blanco y negro o color indistintamente. Las fotografas no debern
ir montadas ni reforzadas sobre cartulina, ni con passepartout;
tampoco se podrn presentar enrolladas. Se har constar al dorso
el ttulo de la fotografa, el nombre y apellidos, el domicilio, el telfono y el e-mail del concursante, as como la categora en la que
concursa, segn detallan las bases oficiales. Primer premio de
6.000 euros, siguientes de 1.000 euros, 500 euros, premios especial Alsipercha (sistema anticadas) de 1.500 euros, 10 accsit de
100 euros. Para la categora de Profesionales de la Construccin
sern los mismos premios, y para la de Fotografa Digital sern de
1.000 euros, 500 euros y 10 de 100 euros. Participacin libre. Las
obras podrn entregarse en cualquiera de las tiendas de la cadena
Fotoprix o enviarse a la siguiente direccin de Fotoprix de
Barcelona: C/ Pallars 135 - 13908 Barcelona.
III Concurso Fotogrfico Alsina
Tel. 935 753 000
comunicacion@alsina.es / www.alsina.com
II PREMIO INTERNACIONAL DE FOTOGRAFA

CONTEMPORNEA PILAR CITOLER 2007
HASTA EL 5 DE DICIEMBRE
Los artistas participantes podrn presentar una sola obra fotogrfica indita producida expresamente para la presente convocatoria.
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!#+*/+#".+,&"Con entera libertad respecto al tema y la tcnica, cuando la obra se

presente en soporte definitivo, debe enviarse sin enmarcar y en un
tamao de papel o soporte con un mximo de 200 cm en su lado
ms largo. Adjuntar en sobre cerrado el Formulario de Inscripcin,
CV con al menos doce imgenes de trabajos anteriores, prueba de
impresin, CD o DVD con archivo TIFF o JPEG de la obra, y el resto
de la documentacin que detallan las bases oficiales. Plazo de
recepcin del 20 de noviembre al 5 de diciembre de 2007.
Participacin internacional Primer premio de 15.000 euros.
18 PREMIO INTERNACIONAL DE ILUSTRACIN (OBRAS

ILUSTRADAS) FUNDACIN SANTA MARA
HASTA EL 15 DE FEBRERO
V PREMIO DE NARRACIN E ILUSTRACIN INFANTIL Y JUVENIL PURA Y DORA VZQUEZ. NARRACIONES EN GALLEGO
Ediciones SM. Premio Internacional de Ilustracin

C/ Impresores, 15. Urbanizacin Prado del Espino
28660 Boadilla del Monte (Madrid)
Tel.915 359 600
comunicacion@grupo-sm.com / www.grupo-sm.com
Premio Internacional de Fotografa Contempornea Pilar Citoler.

Fundacin Provincial de Artes Plsticas Rafael Bot
C/ Imgenes, nm. 15, 14001 Crdoba
Tel. 957 496 520
fboti@dipucordoba.es / www.premiopilarcitoler.es
Modalidad narraciones: Textos originales e inditos, dirigidos a un

pblico infantil o juvenil, escritos en gallego. Enviar 6 copias, bajo
lema y acompaadas de una plica en la que se incluir el nombre
y apellidos del autor, la direccin, telfono de contacto y ttulo de la
obra. El fallo tendr lugar en octubre. Modalidad ilustracin: Se
tomar como base el texto premiado en la modalidad de narraciones infantiles y juveniles y se presentarn un mnimo de 10 ilustraciones, finalizando el plazo de entrega del este certamen el 20 de
Diciembre. Participacin libre, en gallego. Primer premio de 3.000
euros en cada modalidad (narracin e ilustracin).
Diputacin Provincial de Ourense
Rua do Progreso, 32, 32003 Ourense
Tel. 988 385 222
centrocultural@depourense.es / ww.centroculturaldeourense.com
XXXVI CONCURSO NACIONAL DE PINTURA ALCAL DE

GUADAIRA 2008
HASTA EL 8 DE ENERO
El tema nico de la convocatoria ser el paisaje, en cualquiera de

sus expresiones artsticas y sin lmites de localizacin. El concurso
queda abierto a las tcnicas de leo, acrlicos o tcnicas mixtas en
que intervengan alguna de las dos anteriores. Mximo de tres
obras. El formato habr de tener una longitud mxima de 150 centmetros por su lado mayor y mnima de 50 centmetros por su lado
menor. Debern presentarse los cuadros, con firma o sin ella,
acompaados de la ficha de inscripcin que facilitar la organizacin y que deber entregarse fuera del embalaje de la obra, debidamente cumplimentada con todos los datos actualizados. En sobre
cerrado adherido al dorso del cuadro se incluir una fotocopia del
D.N.I. del autor. Entrega de obras del 26 de diciembre al 8 de
enero. Participacin internacional. Primer premio de 4.500 euros,
siguientes de 3.000 euros y 2.000 euros.
Museo de Alcal de Guadara
C/ Juez Prez Daz, s/n, Alcal de Guadaira (Sevilla)
Tel. 955 611 488 / 955 621 964
museo@alcalaguadaira.org / www.ciudadalcala.org
III CONCURSO NACIONAL DE FOTOGRAFA CALZARTE CIUDAD DE ELDA 2008

HASTA EL 28 DE ENERO
El tema del certamen es El mundo del calzado y los complementos de moda en piel, en cualquiera de sus mbitos. Mximo de dos
obras no premiadas. La tcnica y la forma de abordar el tema, son
de libre eleccin, en blanco y negro o color, analgico o digital, pero
siempre presentados en soporte de papel. El formato de la mancha
de imagen es libre, debindose presentar las obras montadas sobre
cartulina, passepartout o soporte rgido de 40x50, sin enmarcar.
Todas las fotografas irn firmadas al dorso. Adjunto a cada obra se
enviar una de las Fichas de Inscripcin y opcionalmente un breve
currculo. Al dorso de cada obra deber estar fijada la segunda ficha
de inscripcin segn detallan las bases oficiales. Fallo el 7 de marzo
de 2008. Para residentes en Espaa mayores de 18 aos. Primer
premio de 3.000 euros y Curso Master en Fotografa, dos de 2.500
euros, 2.000 euros y 1.000 euros.
Museo del Calzado
Avda. de Chap, 32, 03600 Elda (Alicante)
Tel. 965 383 021
teresajover@museocalzado.com / www.museocalzado.com
Obras Ilustradas dirigidas al pblico infantil (menor de 8 aos). Las

obras tendrn una extensin total de 24 pginas con un texto que
no supere los dos folios (doble espacio / 30 lneas / 70 caracteres
aprox.). Los textos pueden estar escritos en cualquier lengua oficial del estado espaol, acompandose de una traduccin al
ingls o al castellano si estuvieran en otra lengua diferente. Para
concursar se exigen solamente 4 pginas de ilustraciones finalizadas y un boceto general del libro. Los originales se ajustarn (proporcionalmente) a un formato de 20,5x27 cms. Se enviarn por
sextuplicado desde el 1 de Enero de 2008 hasta el da 15 de febrero. La participacin es internacional. Primer premio de 12.000 .
PREMIOS LAMP LIGHTING SOLUTIONS08

Proyectos que han resuelto de forma sobresaliente la iluminacin

real o virtual de un espacio exterior o interior creando una sinergia positiva entre arquitectura, interiorismo e iluminacin.
Categoras: 1) Real solutions: soluciones de iluminacin para obra
construida (fotografas reales de soluciones realizadas); 2) Virtual
Proposals: Proyectos de iluminacin no realizados (infografa, fotomontajes, maquetas...); 3) Students Proposals: Soluciones o proyectos de iluminacin propuestos por los estudiantes de las distintas carreras del sector. Proyectos realizados o propuestos entre el
1 de enero de 2006 y el 31 de diciembre de 2007. Inscripcin y
participacin nicamente a travs de la web segn especifican las
bases oficiales. Participantes: arquitectos, interioristas, lighting
designers, ingenieros o estudiantes. Primer premio de 15.000
euros, siguientes de 6.000 y 2.500.
Premios Lamp Lighting Solutions08
Tel. 902 204 010 (Ext. 5)
Fax 937 861 551
info@ceotres.com / www.lamp.es
ANIMASIVO, CURSO DE ANIMACIN DEL FESTIVAL DE

MXICO EN EL CENTRO HISTRICO
El tema del concurso es el Deterioro ambiental y podrn participar

todas aquellas piezas animadas en cualquier tcnica que aborden el medio ambiente, la crisis ecolgica, y/o posibles soluciones
para mejorar dicha situacin. Podrn inscribirse menores de 35
aos de cualquier nacionalidad, residentes o no en Mxico. La animacin deber estar completa y con buena resolucin (mnimo de
320 x 240 pixeles). Los premios para los dos mejores trabajos son
de 4,000 usd y de 2,000 usd respectivamente. Los concursantes
podrn presentar el nmero de trabajos que deseen. Debern presentarse para su evaluacin en VHS, miniDV, DVD o CD. Los trabajos seleccionados sern exhibidos en miniDV. Las obras junto
con su ficha de inscripcin y dems informacin a adjuntar podrn
ser enviadas por correo, mensajera o entregadas en la direccin
que se especifica a continuacin:
Benjamn Franklin 176, Colonia Escandn, Mxico, DF 11800
(horarios de oficina: lunes a viernes, de 10:00 a 15:00 hs.)
animasivo@festival.org.mx / www.festival.org.mx
CERTMENES
FESTIVAL INTERNACIONAL DE DOCUMENTALES DE TUI

La cuarta edicin de Play-Doc tendr lugar en marzo de 2008, en

la ciudad fronteriza de Tui, en la provincia de Pontevedra, en
Galicia. El festival se centrar en los documentales de autor o de
creacin y se valorar especialmente la calidad y creatividad de las
obras independientemente de su temtica y duracin. La fecha de
produccin para participar en la Seccin Oficial Competitiva, deber ser posterior al 1 de enero de 2006. Las obras se presentarn
en su idioma original y en el caso de una versin distinta al espaol, la obra deber presentarse con subttulos en espaol o en
ingls. La inscripcin se realizar enviando una copia de la pelcu-
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!#+*/+#".+,&"la en DVD y la ficha de inscripcin. Participacin nternacional.
PLAY-DOC
Ra Coln, n2 - Edif. rea Panormica, 2 piso (puerta de atrs)
36700 Tui (Pontevedra)
Tel. 986 607 161
info@play-doc.com / www.play-doc.com
VI BIENAL DE ARTES PLSTICAS RAFAEL BOT 2007
Mximo de dos obras, que debern ir firmadas, en cada una de las

modalidades de pintura, escultura, fotografa y vdeo. Tanto la tcnica como medidas y temtica sern de libre eleccin. El plazo de
presentacin de las obras ser del 12 al 16 de noviembre. Los artistas participantes debern entregar inexcusablemente junto con las
obras la siguiente documentacin: Impreso de participacin en la
convocatoria de la VI Bienal de Artes Plsticas Rafael Bot debidamente cumplimentado, fotocopia compulsada del DNI o pasaporte,
ficha tcnica de cada una de las obras presentadas en la que figurar el nombre del autor, ttulo de la obra, tcnica empleada, dimensiones (salvo en el caso de vdeo), fecha de realizacin y valoracin
econmica de la misma (IVA incluido). En caso de obra pictrica y
escultura, fotografa de la misma. Igualmente se incluir CV del
autor y dossier grfico sobre la trayectoria del trabajo del artista.
Participacin internacional. Adquisicin por valor de 42.000 euros.
Fundacin Provincial de Artes Plsticas Rafael Bot
Diputacin Provincial. Plaza de Coln, 15, 14071 Crdoba
Tel.957 496 520
www.dipucordoba.es
XV PREMIOS NACIONALES DE GRABADO (MUSEO DE

MARBELLA)
Las obras debern estar realizadas durante el presente ao y ejecutadas necesariamente en cualquiera de los sistemas y tcnicas
tradicionales del arte grfico (calcografa, xilografa, litografa o serigrafa), que se podrn combinar con aquellas otras tcnicas grficas,
incluidos los procedimientos digitales y electrogrficos, que considere conveniente el artista. No se admitirn obras que con anterioridad hayan sido premiadas en otros certmenes. Cada autor presentar un mximo de dos estampas sobre papel, sin deber ste exceder de un mximo de 200 x 150 cm, ni ser menor de 50 x 35 cm.
En la web oficial se detalla la forma de presentacin y documentacin que deber acompaarse. Para nacidos y residentes en Espaa.
Premios de 8.000 euros, 5.000 euros, 4.000 euros, 900 y ms.
Museo del Grabado Contemporneo Espaol
Hospital Bazn, s/n, 29600 Marbella (Mlaga)
Tel. 952 765 741 (Museo del Grabado) / 914 293 993 (Corzon)
info@museodelgrabado.com / www.museodelgrabado.com
X CERTAMEN DE ARTES PLSTICAS SALA EL BROCENSE
Mximo de dos obras, no premiadas con anterioridad. Las obras

presentadas tendrn que estar realizadas en material definitivo y ser
originales, indicndose de forma explcita, en el caso de las fotografas y grabados, el nmero de serie o de copia. Las obras no excedern de 150 cms en su dimensin mayor y su peso de 150 kg. Los
participantes tendrn plena libertad temtica. Sern admitidas todas
las tcnicas y procedimientos, as como todas las corrientes o tendencias estticas. Cada obra presentada deber ir acompaada de
la documentacin que se detalla en las bases oficiales. Participacin
internacional. Adquisicin de obra por valor de 12.000 .
Museo de Historia y Cultura Casa Pedrilla. Fundacin Guayasamn
Ronda de San Francisco, s/n, 10005 Cceres
Tel. 927 224 558
www.brocense.com
2 CERTAMEN DE BELLAS ARTES JUAN LUIS VASALLO 2007

Podr concurrir al Premio toda persona mayor de edad y de cualquier nacionalidad con un mximo de 2 obras. Las obras que se
presenten habrn de ser originales e inditas, no habrn sido premiadas en ningn otro concurso, ni se hallarn pendientes de fallo
en cualquier premio. Tanto el tema como el estilo de las mismas
sern libres. Los trabajos que se presenten al concurso podrn ser:
pintura, escultura, grabado u obras grficas y dibujos (ver medidas
en cada modalidad en las bases oficiales). Todos los trabajos llevarn en su dorso una foto en color de la obra, el ttulo y un sobre
que contenga una declaracin en la que aparezcan los datos del
autor. Primer premio de 12.000 euros .
Fundacin Municipal de Cultura del Ayuntamiento de Cdiz. Centro
Cultural Municipal Reina Sofa
Paseo Carlos III, 9, 11003 Cdiz
Tel. 956 221 680
fm_cultura.cadizayto@telefonica.net
CONVOCATORIA PARA ARTISTAS JOVENES ESPAOLES DE
LA GALERA 100 KUBIK (COLONIA - ALEMANIA)
La galera 100 kubik raum fr spanische kunst quiere facilitar a los

artistas espaoles su presentacin en Alemania, para lo cual lleva a
cabo la primera convocatoria para Artistas Jvenes. La finalidad es
seleccionar los trabajos ms destacados y presentarlos en una exposicin colectiva a realizar en el 2008 en la galera 100 kubik. Se admiten todas las disciplinas artsticas. Ver en la web oficial la documentacin a presentar . El plazo de envo de dosieres es del 1 de octubre
al 15 de diciembre. Para artistas espaoles nacidos a partir de 1972.
100 kubik raum fr spanische kunst
Brsseler Str. 59 D- 50672 Koeln Deutschland
info@100kubik.de
/ www.100kubik.de
BIENAL INTERNACIONAL DE ESCULTURA DEL CHACO

El concurso tendr lugar en la ciudad de Resistencia, Chaco,

Repblica Argentina, del 19 al 26 de Julio de 2008. El trabajo a realizar deber reunir las siguientes condiciones: Tema: Los Diez
Mandamientos. Ser una escultura original e indita realizada en
un tronco de madera de 400 cm x 50 cm, que se podr cortar en
2 partes longitudinales. Se podrn agregar 3 caos de metal de 6
metros de largo y de 2 y 3 pulgadas. Los diez artistas seleccionados debern estar respaldados con premios en concursos, salones,
eventos, etc., regionales, nacionales e internacionales de escultura. El escultor deber enviar el formulario de inscripcin y cuatro
vistas de la maqueta (con sus respectivas bases en caso de necesitarlas) hasta el 30 de diciembre. Primer premio de 10.000 dlares estadounidense y entre 2.000 y 3.000 dlares para el resto de
los concursantes seleccionados.
Fundacin Urunday
Avda. de los Inmigrantes, 1001 - Resistencia - Chaco - Argentina
Tel. 54 3722 415020
urunday@bienaldelchaco.com / www.bienaldelchaco.com
XII BIENAL DE PINTURA JOVEN (CAIXA PENEDS Y

GALERA ANQUINS)
HASTA EL 12 DE ENERO
Tema y tcnica libres. Las obras tendrn un formato mnimo de

60x60 cm y mximo de 150x150 cm. Se presentarn sin enmarcar o con un listn que no supere los 3 cm. Al dorso de las obras
los artistas adjuntarn el Boletn de Inscripcin firmado, junto con
la ficha tcnica de la obra y su valoracin. Igualmente se acompaar una fotocopia del DNI y breve CV del artista. Envo de obras
del 2 al 12 de enero. Las obras seleccionadas se expondrn inicialmente en la Galera del 17 de enero al 2 de febrero de 2008 y posteriormente en una exposicin itinerante por Catalua. Para residentes en Espaa de entre 18 y 34 aos. Primer premio de 5.000
euros, siguiente de 1.500 euros.
Galeria de Arte Anquins
Avda del Dr. Vilaseca, 9 - 11, 43202 Reus (Tarragona)
Tel. 977 312 759
info@anquins.com / www.anquins.com
VI BIENAL INTERNACIONAL DEL BALONCESTO EN LAS

BELLAS ARTES 2008. PINTURA Y ESCULTURA
HASTA EL 15 DE MARZO
Las obras tendrn como nica base temtica el baloncesto en

todos sus aspectos. Cada autor podr presentar un mximo de dos
obras. En la modalidad de pintura, las obras presentadas no excedern los 2,00 x 1,50 metros indistintamente en altura o en anchura, y
debern ser enviadas debidamente enmarcadas con un listn o
baquetn de madera cuyo grueso no exceda de 3 centmetros. En
escultura, las obras presentadas no excedern los 2 metros de altu-
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!#+*/+#".+,&"ra y 1,50 metros de ancho y su peso no rebasar los 500 Kg. En

todos los casos las obras han de ir acompaadas de la correspondiente hoja de inscripcin que se incluye en las bases, indicando el precio, y una biografa resumida de las actividades artsticas del autor.
Bolsa de adquisicin de 24.040 euros. Participacin internacional.
Fundacin Pedro Ferrndiz
Edificio Borislav Stankovic, Avda. Olmpica, 22 - Arroyo de la Vega
28108 Alcobendas (Madrid)
Tel. 916 621 913
fpferrandiz@fpferrandiz.org / www.fpferrandiz.org
BECAS
GETTY IMAGES GRANTS FOR EDITORIAL PHOTOGRAPHERS

Getty Images concede cinco becas por un importe total de 100.000

dlares para financiar a los mejores talentos internacionales en
fotoperiodismo. Dos becas se asignan en febrero y las otras tres en
septiembre. Los fotgrafos tienen hasta el 15 de noviembre para
enviar las solicitudes de las dos prximas becas Getty Images para
Fotografa Editorial valoradas en 20.000 dlares y que se darn a
conocer en febrero de 2008. Las solicitudes debern incluir una
propuesta escrita de un mximo de 550 palabras en la que se explique el alcance, el significado y los mritos periodsticos del proyecto elegido junto con una cartera complementaria de entre 30 y 60
imgenes de anteriores trabajos. Participacin internacional.
Getty Images Grants for Editorial Photographers
75 Varick Street, Fifth Floor - New York, NY 10013
corporate.gettyimages.com
BECAS
GUGGENHEIM
DE
ASISTENCIA
INVESTIGACIN Y LA CREACIN ARTSTICA
PARA
LA
La John Simon Guggenheim Memorial Foundation ofrece becas a

profesionales avanzados en todos los campos (ciencias naturales,
ciencias sociales, humanidades, las artes) excepto las artes de
actuacin o de interpretacin. Las becas son otorgadas mediante dos
concursos anuales: el primero abierto a los ciudadanos y residentes
permanentes de los Estados Unidos y Canad, el segundo abierto a
los ciudadanos y residentes permanentes de Amrica Latina y del
Caribe. Las becas son otorgadas a hombres y mujeres, de altas calificaciones intelectuales y personales, que hayan demostrado con
antelacin una excepcional productividad erudita o una excepcional
capacidad creadora en las artes. La seleccin final de los becarios
para 2008 ser hecha en junio de 2008. La cuanta de la beca se
ajustar a las necesidades de cada becario tomando en cuenta sus
recursos econmicos y el propsito y alcance de sus planes.
John Simon Guggenheim Memorial Foundation
90 Park Avenue, 10016 New York, 212 687-4470 USA
fellowships@gf.org / www.gf.org
XI CONVOCATORIA DE AYUDAS A LA CREACIN VISUAL

(FUNDACIN ARTE Y DERECHO) 2007
El propsito de estas ayudas es financiar los proyectos creativos de

aquellos autores que se expresan a travs de la creacin visual que
se vayan a ejecutar antes del 30 de junio del ao 2008. Se enviar una memoria descriptiva de la actividad o proyecto, presupuesto, dossier grfico con un mnimo de 10 imgenes de obra reciente, CV, fotocopia del DNI o del permiso de residencia y Formulario
de Inscripcin, segn se detalla en las bases oficiales. Para residentes en Espaa. Este ao la dotacin total de la convocatoria asciende a 130.000 .
Fundacin Arte y Derecho
C/ Gran Va, 16 - 1, 28013 Madrid
Tel. 915 235 647
info@arteyderecho.org / www.arteyderecho.org
AYUDAS PARA ARTISTAS. THE POLLOCK-KRASNER FOUNDATION (USA)

Se aceptan artistas pictricos, escultricos y aquellos que trabajen
en papel, incluyendo impresores. El montante del premio y su
duracin se concretar en cada caso. Aquellos que quieran optar a
estas ayudas, inicialmente debern enviar la Ficha de Inscripcin,
que se puede descargar en la web, acompaada de varias diapositivas que muestren su obra. Ayudas durante un perodo aproximado de un ao. Participacin internacional.
The Pollock-Krasner Foundation, Inc.
863 Park Avenue - New York, New York 10021 USA
grants@pkf.org / http://www.pkf.org/grant.html
SEMINARIOS Y CURSOS
SEMINARIO KAJA SILVERMAN: CARNE DE MI CARNE

DESDE EL 21 HASTA EL 23 DE NOVIEMBRE. CENDEAC
Kaja Silverman es doctora por la Brown University, profesora del
Departamento de Retrica y Estudios Cinematogrficos en la
Universidad de California, Berkeley. Sus estudios se centran en la
temtica de la fenomenologa, el psicoanlisis, la fotografa y el
arte visual, el cine y la pintura. Silverman desarrolla un estudio
terico continuado referente a las teoras feministas, la teora postestructuralista, estudios queer, la masculinidad y las teoras sobre
la raza. Su ltimo trabajo, Carne de mi Carne, entremezcla conceptos basados en la fenomenologa, el psicoanlisis y la apropiacin
de otra cultura y nacin relacionados con la esttica. Nmero de
plazas:100. Precios: profesionales 30 euros, estudiantes 15 euros
y amigos del CENDEAC gratis.
CENDEAC
Pabelln 5. Antiguo Cuartel de Artillera
C/ Madre Elisea Oliver, s/n, 30002 Murcia
www.cendeac.net
CICLO DE CONFERENCIAS VOCES DE ARTISTAS

Dirigido por Juan Puentes, director de la galera White Box de
Nueva york, este curso intenta arrojar luz sobre la historia del arte
contemporneo internacional desde los aos 60 hasta nuestros
das. Con un desarrollo que se dilatar en el tiempo, para abarcar
varios aos, el principal objetivo que se persigue es escuchar de la
propia voz de los ms conspicuos protagonistas de la ltima mitad
de siglo su particular relato de los acontecimientos que han marcado el devenir del arte contemporneo. Desde la autoridad que les
confiere el haber participado en la configuracin de este relato, los
autores participantes aportarn, perspectivas novedosas para la
elucidacin de la escena artstica reciente. Los ponentes son
Michael Snow, Joan Jonas, Joseph Kosuth, Dara Birnbaum, Dan
Graham y Nan Goldin. Asistencia gratuita hasta completar aforo, a
excepcin de aquellos que deseen recibir diploma acreditativo:
profesionales 30 euros, estudiantes 15 euros y amigos del CENDEAC gratis.
Prximas conferencias: 12 y 13 de noviembre, Dan Graham; 14 y
15 de noviembre, Dara Birnbaum; 4 y 5 de diciembre, Michael
Snow.
CENDEAC
C/ Madre Elisea Oliver, s/n. 30002 Murcia
www.cendeac.net
ALFREDO JAAR. ES DIFCIL.

DESDE EL 10 HASTA EL 13 DE DICIEMBRE
Alfredo Jaar es un artista, arquitecto y cineasta que vive en Nueva

York desde 1982. Utiliza principalmente la fotografa como registro
y soporte de su temtica. Ha desarrollado proyectos que vinculan
otras reas del conocimiento humano. Su obra ha sido expuesta
extensivamente en todo el mundo. Ha participado en las Bienales
de Venecia, Sao Paulo, Johannesburgo, Sydney, Istambul,
Brighton, Sevilla, Canarias y Kwanju, as como en la Documenta de
Kassel. Ha realizado un centenar de proyectos en los ltimos 30
anos y se han editado 36 publicaciones monogrficas sobre su
obra. Este seminario tratar de sugerir estrategias para operar hoy
desde la cultura, ltimo espacio libre donde poder imaginar y crear
un mundo diferente. Idioma del Seminario: espaol. Nmero de
plazas: 100. Precio: Profesionales, 30 euros; estudiantes, 15
euros; amigos del CENDEAC gratis.
CENDEAC
C/ Madre Elisea Oliver, s/n, 30002 Murcia, Espaa
www.cendeac.net
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!
A CORUA
Fundacin Lus Seoane

Mirarte/Seoane
Fundacin Caixa Galicia
PHotoGalicia: Man Ray
Hasta el 6 de enero
MACUF
Esto no es una broma
Ana Mercedes Hoyos
Hasta febrero
Ana Soler
Desde diciembre hasta
febrero
Fundacin Barri
Picasso. Lavoratorio de
estilos
Hasta el 3 de febrero
Museo BB AA
Cultura, cultures.
Coleccin arqueolgica
del Museo de Montserrat
Hasta febrero
Ana Vilaseco
Isabel Muoz
Hasta el 6 de enero
Atlntica
50 aniversario El Paso
Rivera
Noviembre
Carlota Cuesta
Diciembre
Pardo Bazn
Suso Basterrechea
Noviembre
Klaus P. Noever
Positivo-negativo
Noviembre - diciembre
Soledad Penalta
Diciembre
ALICANTE
MUA
Diversidad contempornea
ALMAGRO (CIUDAD
REAL)
Fcares
Contemporany
Photography
Hasta el 7 de enero
ALMERA
MECA
Antonio Jess Garca
ANTEQUERA (MLAGA)
Casaborne
Sergio Barrera
Desde el 22 de noviembre hasta el 27 de enero
BADAJOZ
Museo Provincial de BB AA
Antonio Vaquero
Poblador
ngeles Baos
Aquello que es, es.
Distorsiones de identidad
BARCELONA
CaixaForum Barcelona
La escultura en los
templos indios.
Hasta el 18 de
noviembre
De Poussin a Czanne
Rafael G. Bianchi
Modernismo-modernidad
Candida Hfer en
Portugal
Hasta el 6 de enero
Chaplin en imgenes
Desde el 18 de diciembre hasta marzo
Casa Asia
The rebirth of a nation:
grfica de propaganda
en Vietnam desde los
aos 60 hasta finales del
siglo XX
Centre dArt Santa

Mnica
Dora Garca
Contes choisis
Hasta el 5 de enero
Hamsterwheel
Desde el 9 de noviembre
hasta el 5 de enero
CCCB
Apartheid
En transici
Desde el 20 de noviembre hasta el 23 de febrero
World Press Photo
Fundaci Antoni Tpies
Bahman Jalali
Fundaci Joan Mir

Aya Takano
Tradicin y modernidad
Un cuerpo sin lmites
MACBA
Collecci MACBA
Joan Jonas
Timelines
Hasta el 7 de enero
Bajo la bomba
Hasta el 7 de enero
MNAC
Napper y Frith
Un viatge fotogrfic per
la Ibria del segle XIX
Desde el 16 de noviembre hasta febrero
Yves Tanguy
Lunivers surrealista
El mn de lobjecte catal a la llum del surrealisme
Santiago Rusiol
Hasta abril
Cinc segles de numismtica catalana
Hasta junio
Museu Martim
Biennal Artmar 2007
ADN
Concha Prez
Daniel and Geo Fuchs
Noviembre - enero
ngels Barcelona
Pep Agut
Hercules
Harun Farocki
Desde el 4 de diciembre
hasta el 26 de enero
Antonio de Barnola
Rosa Puig
Marcelo Isarrualde
Bismark: El hombre
araa uruguayo
Desde el 29 de noviem-
bre hasta el 19 de enero

Artur Ramn Art
Gustavo Prez
Carles Tach
Alberto Garca-lix
Desde el 29 de noviembre hasta finales de enero
Estrany de la Mota
Jos Antonio HernndezDez
Demustranos qu es la
premura
Jean Paul Perrier
Tapies - Mir - Dal
Man Ray Pablo Picasso
Desde el 30 de noviembre hasta el 15 de
diciembre
Joan Gaspar
Igor Mitoraj
Joan Prats
Antoni Muntadas
Project
Kowasa Gallery
El humanism de Willy
Ronis
Waltraud Maczassek
Transformaciones
Abstraccin y fotografa
europea
David Salcedo
Hasta el 6 de enero
Lluci Homs
Enrique Marty
Mara Caas
Desde el 14 de diciembre hasta el 19 de enero
Mara Villalba Bada

Fonts
hasta el 29 de diciembre
Marlborough
Espais dagitaci
Nogueras Blanchard
Wilfredo Prieto
Ignacio Uriarte
Diciembre - Enero
Polgrafa
Jonathan Monk
Punta secas
Gary Hill
Noviembre
Donald Baechler
Liliana Porter
Diciembre
ProjecteSD
Patricia Dauder
Iaki Bonillas
Sala Pars
Carmen Galofr
Bod
Julin Grau Santos
Neus Martn
diciembre
Senda
Joaquim Chancho
Toni Tpies
Alex Katz
Paintings, studies, cartoons
Sascha Weidner
Trama
Luis Moscard
Jaume Ribas
diciembre
Pedro Txillida
3 Punts
Janelle Lynch
Eduardo Naranjo
BETANZOS (A CORUA)
Fundacin CIEC
Eva Poyato
Noviembre
Eugenio Granell
Aristide Stornelli
II Premio Internacional
de arte grafico Jess
Nez
Diciembre
ArTra
Ivn Araujo
ltimas Noiticias
Aforismos de
Lichtenberg
Desde el 1 hasta el 29
de diciembre
BILBAO
Museo de BB AA
Entre Picasso y Dubuffet.
La Coleccin Jean
Planque
Poussin y la Naturaleza
De Goya a Belliure
Desde el 19 de noviembre hasta el 17 de febrero
Guggenheim
ART IN USA: 300 aos
de innovacin
Hasta febrero
Chacun son got
Hasta abril de 2008
Sala de exposiciones
BBK
Andr Masson en Espaa
1934-1936
Carreras Mgica
Xabier Salaberria
Asier Mendizbal
El Gabinete Abstracto
Erlea Maneros
Juan Manuel Lumbreras
hAntonio Rojas
Noviembre
Ignacio Goitia
Diciembre
Vanguardias Vascas
Enero
Sala Rekalde
Arqueologas del futuro
Erlea Maneros
1, 2, 3, Avant-gardes
Lara Almrcegui
Desde el 20 de
diciembre hasta el 2 de
marzo
BURGOS
CAB Burgos
Florentino Daz
Fernando Maquieira
Hasta el 6 de enero
Joris Laarman
Hasta diciembre
CDIZ
Neilson Gallery
El Hongo
CASTELLN
EACC
ngel Vergara Santiago
Canem
Manel Margalef
Deconstruccins
Alfred Porrs Pla
diciembre
FERROL

Itinerario do trazo. Lus
Seoane
Hasta el 6 de enero
Sargadelos
Reportaxe fotogrfica
mundo rabe
Coleccin de radios
antigas
Noviembre
Eduardo Hermida
Lonxa de arte
Diciembre
FIGUERES
(BARCELONA)
Museu de lEmpord
Joana Cera
Chillida. Codis
Desde el 15 de
diciembre hasta el 3 de
febrero
GIJN
Museo Barjola
Martin Chirino
Gallery & Food
Alicia Martn
Hasta diciembre
LABoral
Playware
Hasta el 21 de marzo
GIRONA
Fundaci Espais dArt

Contemporani
Toni Gir
Fundacin La Caixa
Henri Cartier Bresson
GRANADA
Centro Jos Guerrero

Los colores de la carne
Hasta el 6 de enero
Antoni Muntadas
Desde el 17 de enero
hasta el 23 de marzo
Huerta de San Vicente
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Everstill
Hasta enero
LAS PALMAS
CAAM
Manuel de la Pea
Paul Klee. La infancia en
la edad adulta
Hasta el 5 de enero
Lneas de mira
enero
LEN
MUSAC
Existencias
Hasta el 6 de enero
LLEIDA
Centre dArt La Panera

Mediterrneo(s)
Fundacin 30Km/s
La Caixa
ngel Jov. Cristfol Pavese. 1908-2008
Hasta enero
LUGO

PHotoGalicia 2007
Sylvia Plachy
De esguello
Hasta el 6 de enero
MADRID
Canal Isabel II
Momentos estelares
Casa Amrica
Iberoamrica glocal
Casa Asia
Murakami
Casa de Galicia
Pintura y escultura
diciembre
Man Bon
de diciembre
Grupo Ravar. Puertas
de diciembre
Crculo BB AA
Bruno Schulz
El pas tenebroso
Momentos estelares
Espai Cultural Caja
Madrid
Latidos de un mundo
convulso
Fundacin Astroc
Hiperarquitectura e
hiperdiseo: nuevos
modelos urbanos en la
China del siglo XXI
Fundacin Canal
Ocultos
Hasta el 6 de enero
Fundacin Francisco
Godia
Miquel Barcel
Barcel en las colecciones privadas de
Barcelona
Hasta el 5 de enero
Fundacin Juan March

La abstraccin del paisaje
Fundacin Telefnica
Ocho visiones: Distrito C
Instituto Goethe
Entre arte y documento:
la fotografa teatral
museomadrid. Arte
Contemporneo
Grupo Parpall (19561961)
MNCARS
Paula Rego
Leandro Erlich
Jano. La doble cara de
la fotografa
Andy Goldsworthy
Las entraas del rbol
Museo del prado
El Siglo XIX en el Prado
Hasta el 20 de abril de
2008
Fbulas de Velzquez
febrero
Museo del Traje
25 aos de moda
Roberto Verino
Museo ThyssenBornemisza
Durero y Cranach
Hasta enero
Palacio Marqus de
Salamanca
Arte latinoamericano en
la Coleccin BBVA
Palacio de Velzquez
Carlos Pazos
Hasta el 17 de septiembre
lvaro Alcazar
Eduardo Arroyo
Hasta principios de
noviembre
Antonio Murado
Desde el 8 de noviembre - Diciembre
Alejandra Irigoyen
Pares y Dispares
Fernando Fragua /
Fernando Surez
Ansorena
Carlos Vega
ngel Busca
Carlos Morago
Desde el 8 de enero
hasta el 1 de febrero
Antonio Machn
Lnea y plano
Adolfo Schlosser
diciembre
Guinovart
Desde el 9 de enero
Barbarn
Andrew Hollins
Cmara Oscura
Carlos Cid
Petur Thomsen
diciembre
Catarsis
Mara de Oro
Shoji Yokoshima
diciembre
Kei Sasaki
de diciembre
Distrito Cuatro
Laurie Simmons
Elba Bentez
Mario Garca Torres
Jorge Pardo: Gran Va
67
Hasta febrero
Espacio kbiko
Sharon Haward
Michael Goodward
Noviembre
Mark Pease
Bill Millett
Diciembre
Estampa
Jaime Aledo
Javier Fernndez Lizn
Octubre - noviembre
Estiarte
Daro Urzay
Hasta finales de
noviembre
Fernando Latorre
Vctor Mira
Mira los 80
Fernando Pradilla
Albano Alfonso
Qu hora es en el
paraso?
Csar Delgado
Noviembre
Juan Francisco Casas
Diciembre
Fcares
Ignacio Tovar
Elena Blasco
Ferrn Garca Sevilla
Guillermo de Osma
De Chillida a Serra.
Ocho escultores del
s.XX
Noviembre
Heinrich Ehrhardt
Pedro Reyes
Prototipo para un
Vehculo de Pasajes a
Propulsin Humana
Helga de Alvear
Hamish Fulton
Toledo en el horizonte
Young at Heart
Alexandre Melo
Imi Knoebel
Susana Solano
Isaac Julien Small
Boats/ A better Life
Arturo Herrera
hasta el 8 de marzo
Juan Gris
Xavier Valls
ltimas acuarelas
Plural 2007
Diciembre
Juana de Aizpuru
Carmela Garcia
Joseph Kosuth
Desde el 29 de noviembre hasta finales de
diciembre
Valeriano Lpez
Desde el 9 de enero
La Caja Negra
Jan Hendrix
Imi Knoebel
Editions
Robert Rauschenberg
Obra Grfica
Enero
La Fbrica
Annika Larsson
Hasta el 5 de enero
Magda Bellotti
Paloma Pelez
Begoa Goyenechea
Marita Segovia
Andrew Hollins
Manolo Snchez
Hasta el 5 de enero
Marlborough
Juan Navarro Baldeweg
En verde y plata
Thierry W. Despont
City and landscapes
Premio el Cultural 2007:
Mauro Farias
Max Estrella
Jaye Moon
Desde el 7 de noviembre hasta diciembre
Metta
Manuel Vilario
Instante Amarillo
Hasta principios de
diciembre
Alfonso Sicilia Sobrino
Desde principios de
diciembre hasta mediados de enero
Michel Soskine Inc.

Humberto Rivas
Henry de Monfreid:
Africa
enero
Colectiva de artistas
portugueses
hasta el 8 de marzo
My Names Lolita Art

Juan Cullar
Todo es mentira
Noviembre
Pedro Ortuo
Salar. Phantasy
Landscape
Paco de la Torre
Secreto
Desde el 22 de noviembre hasta enero
Oliva Arauna
Martn Sastre
Iconess: remake para
Alaska y Nacho Vidal
Desde el 22 de noviembre hasta principios de
enero
Pilar Parra y Romero
Sublime: experiences
and perceptions in contemporany sculpture
The storytellers
Jacco Olivier
Desde el 12 de diciembre hasta el 2 de febrero
Pepe Cobo
Ann Sofi-Sidden
Hasta finales de
noviembre
Robert Mapplethorpe
Desde el 13 de diciembre hasta finales de
enero
Raquel Ponce
Esther Pizarro
Juan Correa
Desde el 20 de diciembre hasta el 19 de
enero
Rayuela
Plural 2007
Diciembre
Rita Castellote
John M. Robinson
Paintings
Luis Prez
Nueva York
Desde el 13 de diciembre hasta enero
Salvador Daz
Teresa Margolles
Desde el 15 de noviembre hasta principios de
enero
Soledad Lorenzo
Adria Julia
Philipp Frhlich
Trama
Pepe Carretero
Utopa Parkway
Fernando Martn Godoy
Zambucho
ngel Haro
Carmelo Rubio
diciembre
Txaro Fontalba/Helena
Gonzlez Sez
El monstruo menguante
02/11/2007
13:27
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!
MLAGA
CAC Mlaga
Jos Mara Cano
Juan Usl
Switch on / switch off
Yoshitomo Nara + Graf
Torre de Mlaga
Bill Viola
Hatsu Yume (First
Dream)
Tim White-Sobieski
Pascale Marthine Tayou
Fundacin Pablo Ruiz
Picasso
Los aos intermedios.
Arte espaol en la dcada de los 50
Hasta el 23 de septiembre
Los Nabis: Profetas de
su tiempo
Alfredo vias
Chema Cobo
diciembre
Gacma
Luis Gordillo
JM
Oskar Ranz
Adrin Tyler
enero
MURCIA
Museo de BB AA
De Goya a Sorolla
OURENSE
Centro Social Caixanova

Vivir en el espacio
hasta el 6 de enero
PHotoGalicia 2007
Manuel Vzquez
Inverso Urbn
Marisa Marimn
Ignacio Goitia
Rosell Meseguer
Una pelcula de piel
XIII: Trnsitos del
Mediterrneo al
Pcifico
diciembre
Visol
Roberto Gonzlez
Fernndez
diciembre
Vidal Souto
Desde el 18 diciembre
hasta el 31 enero
OVIEDO
Vrtice
Colectiva
Eugenio Lpez
Mara lvarez
Rui Macedo
Colectiva
Desde el 15
bre hasta el
diciembre
Colectiva
Desde el 18
bre hasta el
enero
de noviem17 de
de diciem21 de
PALMA DE MALLORCA
Casal Solleric
Bernat Sans
Botero. Una mirada
diferent
Marios Elefthriadis
El pecado salva
Art For Rum
CaixaForum Palma
Alberto Giacometti
Lee Friedland
Entre Picasso y
Dubuffet. La coleccin
Jean Planque
marzo
Centro Cultural Pelaires

Mimmo Paladino
Es Baluard M. dArt
Modern
M+M Coleccin.
Hasta el 6 de enero
Museu dart Espanyol

Contemporani
Antes y despus del
minimalismo
Fundaci Pilar i Joan
Mir
Metapaisatges: el paisatge a travs de lart
digital
Hasta el 6 de enero
Horrach moy
Jaume Sim Sabater
iGarau
Joanna Kuntsmann
Anne Tholstrup
PAMPLONA
Fondo Fotogrfico de la
Universidad de Navarra
Ortiz Echage
El Cuarto de Fotos
Hasta enero
Moiss Prez de Albeniz

Txomin Badiola
Una cantidad exacta de
fracasos
Noviembre
Javier Balda
Qu fue de vuestra
perspectiva?
Diciembre
PONTEVEDRA

Cristina Mallo
Desde el 29 de
noviembre hasta el 6 de
enero
Wildlife 2007
Desde el 13 de
diciembre hasta el 20
de enero

PHotoGalicia 2007
Alberto Garca-Alix
Tres vdeos tristes
Hasta el 6 de enero
Museo de Pontevedra
Gutirrez Solana nas
colecciones MAPFRE
Hasta 16 de diciembre
REUS (TARRAGONA)
Antoni Pinyol
Daniel Leiva
Efervescncies
Paco Riqu
SALAMANCA
Da2. Domus Artium

2002
Christian Marclay
Replay
Concha Jerez + Jos
Igs
Irradiaciones
Sery C.
Perros que mean en
cada esquina
David Escanilla
Fake
Adora Calvo
Elas Santos
Carlos de la Paz
Desde el 14 de diciembre hasta finales de
enero
Benito Esteban
Cristina Fontsar
No te prometo un
mundo maravilloso
lvaro Trugeda
diciembre
Julio Mediavilla
Dogma
Desde el 28 de diciembre hasta el 3 de febrero
SAN SEBASTINDONOSTIA
Koldo-Mitxelena
Kulturenea
Batekmila-Los mundos
vascos
Kur Art gallery

Carlos de Paz
J.L. Zumeta
enero
SANT CUGAT DEL
VALLS (BARCELONA)
Canals
Pep God
Generaciones y homenajes
SANTA CRUZ DE
TENERIFE
Centro de Fotografa
Fotografa Japonesa de
Paisaje
Hasta el 6 de enero
Leyendecker
David La Chapelle
Noviembre
Brendan Cass
Diciembre
SANTANDER
Fundacin Marcelino
Botn
Miroslaw Balka
Hasta enero
Siboney
Guillermo Prez Villalta
Chema Madoz
diciembre
SANTIAGO DE
COMPOSTELA
Auditorio de Galicia
Manuel Quintana
Martelo
Fundacin Eugenio
Granell
Rick Lina e Eliz Bleys
Eugenio Granell
militante do POUM
Casa da Parra
Nada que ver
Hasta el 10 de
diciembre
CGAC
Cuestin xeracional
Hasta el 4 de
noviembre
A batalla dos xneros
Carme Nogueira /
Apolonija Sustersic
Proxecto-Edicin:
InformacinContrainfor
macin
Hasta el 6 de enero
Lodeiro
Desde el 14 de diciembre hasta febrero
Susan Philipsz
Desde el 20 de diciembre hasta febrero
Historia do vdeo en
Galicia
hasta marzo
PHotoGalicia 2007
Sebastio Salgado
frica
C5 Coleccin
Nono Bandera / Manolo
Dimas
Noviembre
Marina Nez
Diciembre
DF Arte Contempornea
Mnica Cabo
Espacio 48
Santi Jimnez
Sebas Anxo
diciembre
Roberto Gonzlez
Fernandez / David
Trullo
enero
Paloma Pintos
Carolina Martnez
Noviembre
Formato Mnimo
Diciembre
SCQ
Luis Gordillo
Manolo Paz
Diciembre
Trinta
Carlos Pazos
Noviembre
Eva Lootz
Diciembre
SEGOVIA
Museo Esteban Vicente

An aprendo. De
Tiziano a Tpies
Torren de Lozoya. Caja

Segovia
Descalzas Reales:el
legado de La Toscana
Montn de trigo, montn de paja
Luca Huertas
Do antiqussimo de ns
SEVILLA
CAAC
Jess Zurita
La llanura baja
Desde septiembre
Geopolticas de la animacin
Equipo 57
Desde el 20 de diciembre hasta el 2 de marzo
Isabel Ignacio
Antn Lamazares
diciembre
Rafael Ortiz
Carmen Laffn
La via
diciembre
Sala Santa Ins

Generacin 2007
SITGES (BARCELONA)
Foz
Granja Llovet
de noviembre
XXVI Saln de Invierno
Navidad 2007-08
hasta el 20 de marzo
TOLEDO
ECAT
Colectiva PKMN
Real Fundacin de
Toledo
Los grecos del Museo
del Greco
Soledad Arroyo
ngel Peuela
Navarrete
02/11/2007
13:27
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!
VALENCIA
IVAM
Julio Gonzlez en la
Coleccin IVAM
Hasta diciembre
Andreu Alfaro
Vicente Guallart
Arte y gastronoma
Eduardo Kac
La esttica de la biologa
Andreu Alfaro
Ignacio Pinazo
La continuidad de la
modernidad
Hasta el 6 de enero
Arte chino. Shangai
internacional
Association
Tono Sanmartn
enero
El museo imaginario
enero
Carmen Calvo
enero
Jaume plensa
febrero
Ingestum
febrero
La arquitectura y
Giorgio de Chirico
febrero
Jard Botnic de la
Universitat de Valncia
Antonio Snchez
Naturaleza Ptrea
Hasta el 6 de enero
La Nave
Felicidad Moreno
diciembre
Carlos Irijalba 8
Luis Adelantado
Marcos Castro
Hasta diciembre
Xavier Grau / Charo
Pradas
My names Lolita Art
Paula Sanz Caballero
Noviembre
pazYcomedias
Izabella Jagiello
Pfeilstorch
Rosa Santos
Rafael Tormo i Cuenca
Implosi impugnada
Hasta el10 de noviembre
Rosala Sender
Jos Soler Vidal
Monjals
Sala de exposiciones de
la UPV
HR Giger
Escultura, grfica y disseny
Sala Parpall
Tania Blanco
Vacuum dome
Monique Bastiaans
Desde el 21 de noviembre hasta el
Punto
Debbie Han
Toms March
Sergio Belinchn
Once upon a time
Jos Ramn
Amondarain
diciembre
Manuel Ocampo
hasta febrero
Valle Ort
Txuspo Poyo
Visor
Marta Soul
Wellhome
VALLADOLID
Museo Patio Herreriano

Montserrat Soto
Sala San Benito
Fotgrafos insospechados. Celebridades
detrs del objetivo
Hasta el 6 de enero
VIGO

Lola Solla
diciembre
Ana Legido
de diciembre
Ral Velloso
enero
Fundacin Barri
Picasso. Laboratorio de
estilos

La Galice. Jean
Dieuzaide
MARCO
Suso Fandio
Tiempo al tiempo
adhoc
Patricio Cabrera
Joana Pimentel
Desde el 5 de enero
Bacelos
Pablo Genovs
Noviembre
Victoria Diehl
Diciembre
Fernando Magdalena
Xon Guerreiro
Mar tendido
enero
Mara Prego
Simon Edmondson
Dorothea Von Elbe
Diciembre
VITORIA-GASTEIZ
ARTIUM
Patricia Piccinini
(Tiernas) criaturas
Los Gamarra van al
cine
Gure Artea
Hasta el 6 de enero
Arquitecturas del vino
Objeto de rplica
Hasta agosto
Montehermoso
Kulturenea
Regards from the Blind
Spot
Iaki Cerrajera
Economas del deseo
Mujeres creando
Ninguna mujer nace
para puta
Manu Arregui
Sed de infinito
World Press Photo 07
Hasta el 6 de enero
Trayecto
Pep Durn
diciembre
ZARAGOZA
Antonia Puy
Pedro Castrortega
El rbol de la ciencia
ZARAUTZ
Photomuseum Argazki
Euskal Museoa
Gorka Murillo
diciembre
Paco Ocaa
Pamplona retrato urbano 1994/2005
PORTUGAL
BRAGA
Mrio Sequeira
Vik Muniz
Hasta diciembre
COIMBRA
Sete
Noronha da Costa
CASCAIS
Ellipse fundation
Come, come, come into
my world
FUNCHAL
Porta 33
Colectiva
LISBOA
Culturgest
Jean-Luc Moulne
The Atlas Group
Museus do seculo XXI
Antnio Prates
Allen Jones
Cristina Guerra
Joo Louro
Joo Onofre
Fernando Santos
Nikias Skapinakis
Imagens 2007
Filomena Soares
Shirin Neshat
Alex Htte
enero
Graa brandao
Alexandre Estrela
VILA NOVA DE
FAMALICO
F. Cupertino de Miranda
Sergio Lima
Retorno ao selvagem
Caroline Pags
Jeanine Cohen
PORTO
Museu Serralves
BesRevelao 2007
Lcia Nogueira
Coleccin Serralves.
Escultura
Hasta febrero
Robert Rauschenberg
Em viagem 70-76
Hasta el 30 de marzo
Culturgest
Luisa Cunha
Fernando Santos
Pedro Cabrita Reis
Miguel Leal
Saturno
Graa Brandao
Rui Horta Pereira
Pedro Oliveira
Paulo Brighenti
Desde el 16 de
bre hasta el 15
diciembre
Luis Espinheira
Desde el 20 de
bre hasta el 19
enero
noviemde
diciemde
Plumba
Jose Miguel Gervsio
diciembre
Colectiva de artistas de
la galera
Por Amor Arte
Roberto Botelho
Todas as cores 2
Quadrado Azul
Group Show
Julio- agosto
Eduardo Matos
Manuel Santos Maia
Renato Ferro
Julio
FERIAS
ARTE LISBOA
7-12 noviembre
ARTE LISBOA
7-12 noviembre
LONDON ART FAIR

16-20 enero
GTEBORG INTERNATIONAL BIENNIAL FOR

CONTEMPORARY ART
(Suecia)
LYON BIENNIAL
Hasta el 6 de enero
THE ATHENS BIENNIAL

BIENNIAL OF THE MOVING IMAGE. Ginebra

ARTISSIMA. Turn
9-11 noviembre
PARIS PHOTO
15-18 noviembre
ART 20
New York
9-12 noviembre
BOSTON INTERNATIONAL FINE ARTS SHOW

15-18 noviembre
ART MIAMI
5-9 diciembre
PULSE CONTEMPORARY
ART FAIR. Miami
6-9 diciembre

6-9 diciembre
PHOTO MIAMI
6-10 diciembre
PALM BEACH3
West Palm Beach
11-14 enero
PHOTO L.A.
Los Angeles
11-13 enero
ART L.A.
Los Angeles
25-27 enero
02/11/2007
13:27
Pgina 96

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Redaccin New York

Distribucin nacional e internacional

Esta revista ha recibido una ayuda de la Direccin

ENTREVISTA_ IAKI MARTNEZ ANTELO [7-10]

Shibboleth ocupar la Turbine Hall de la Tate Modern de

A fissure covers the 167 metres length of the Turbine

Shibboleth will occupy the Turbine Hall at the Tate

ROBERT WILSON. ABSOLUTE WILSON

Absolute Wilson (2006)

Absolute Wilson (2006) is a documental film revealing the

Un cambio ms visible este ao. Quizs haba compromisos de programacin anteriores

novedosos como Switch on the power! Ruido y polticas

Algo que de alguna manera tambin potenciis

Dentro de la programacin expositiva el espacio

La vocacin local de ANEXO responde al contexto

MARCO. Vista de uno de los patios de la planta baja

cambio. En el futuro ms inmediato, estamos preparando

Alguno de estos proyectos expositivos conjuntos se

La exposicin Urbanitas fue una respuesta ante el

The Museum of Contemporary Art in Vigo (MARCO) is

You had worked as the exhibitions manager before

marks of the MARCO; exhibitions that fit the particular

There has been a more visible change this year.

Foto: Cortesa MARCO/Andrs Fraga

projects that do not have to be complementary to the

sort of proposals that ca not be carried out at galleries or

The local vocation of the ANEXO comes up to the

The exhibition Urbanitas was an answer in view of

What can you tell us about the exhibition Tiempo al

Flix Fernndez: dos partes y un penltimo relato

Flix Fernndez: Two parts and a penultimate story

Proyecto en colaboracin con:

First and second

Hace das que ando revolviendo en las estanteras de

pectiva, elevar a la categora de maestro al pintor

Fundacin Caixa Galicia. Lugo. Hasta el 6 de enero

A Puta Vida (unha obra de teatro) 1987 Sylvia Plachy

Taking part in the first edition of PHotoGalicia (a festival

Veo Rosa 1979 Sylvia Plachy

NONO BANDERA / MANOLO DIMAS. SESIN CONTINUA

Entre Nono Bandera (Mlaga) y Manolo Dimas

Nera Fiore (2007)

Between Nono Bandera (Mlaga) and Manolo Dimas (Caracas)

APARTHEID. EL ESPEJO SUDAFRICANO

Tinta Stephens (1994) BHP Billiton Collection. William Kentridge

La can del pic (1946-47) BHP Billiton Collection Gerard Sekoto

Esta exposicin comisariada por el escritor Pep Subirs

African artists such as Peter Clarke, David Goldblatt, Gavin

MARIO GARCA TORRES. OBJETOS PARA UN RATO DE OCIO

A Brief History of Jimmie Johnsons Legacy (2006) y

A Brief History of Jimmie Johnsons Legacy (2006) and

A Brief History of Jimmie Johnsons Legacy (2007) Mario Garca Torres

ERLEA MANEROS. GABINETE ABSTRACTO

IZABELLA JAGIELLO. PFEILSTORCH

Comisariada por Leire Vergara esta muestra de Erlea

Untitled #24 (2007). Cortesa de la artista y de Redling Fine Art,

Pen (2007) Izabella Jagiello

Sala Rekalde. Bilbao. Hasta el 2 de diciembre

Curated by Leire Vergara, this exhibition of Erlea Maneros

Galera pazYcomedias. Valencia

Pabelln del Instituto Italo - Latino Americano. Hasta el 21 de noviembre

Auras de guerra (2007) Ernesto Salmern

El arte internacional tiene cada dos aos una cita