Classicisme

Romantiek
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Leidmotief

Un leitmotiv es una herramienta artstica que, unida a un contenido determinado, se

utiliza de forma recurrente a lo largo de la obra de arte terminada. Tiene su origen en la
msica, ms concretamente en la pera, pero ha sido ampliado a muchos otros campos,
tanto artsticos como sociales o econmicos (entre ellos el marketing).
Dependiendo de la disciplina (msica, pintura, arquitectura o literatura) se introducen y
desarrollan diferentes motivos. As, colores, composiciones, smbolos, personas, melodas,
frases, etc., pueden usarse como leitmotiv. En ese caso, dentro de la obra se identifican
plenamente con su contenido representado y slo se usan en relacin con este contenido.
El trmino proviene del alemn leiten (guiar) y Motiv (motivo) y se utiliz por primera vez
en 1871 en el ndice de las obras de Carl Maria von Weber, elaborado por Friedrich
Wilhelm Jhn.En la msica, el leitmotiv por lo general es una meloda o secuencia tonal
corta y caracterstica, recurrente a lo largo de una obra, sea cantada (como en la pera) o
instrumental (como una sinfona). Por asociacin, se le identifica con un determinado
contenido potico, y hace referencia a l cada vez que aparece. As, una determinada
meloda puede simbolizar a un personaje, un objeto, una idea o un sentimiento.
Es posible que Carl Maria von Weber haya sido el primer compositor que hizo uso
extensivo de leitmotivs. Hector Berlioz aprovech este concepto, llamndolo ide fixe
(idea fija), en su Sinfona Fantstica. Tambin Wagner lo utiliz en sus peras y dramas
musicales, aunque l mismo nunca us el trmino Leitmotiv para referirse a l. Wagner (y
posteriormente Giacomo Puccini, Richard Strauss y otros) usa como leitmotivs diferentes
secuencias meldicas o sonidos sueltos, como el "Acorde de Tristn" (en la pera Tristn e
Isolda).
En nuestros tiempos, el leitmotiv juega un papel importante en el teatro musical
moderno. Ejemplos conocidos son la secuencia meldica que identifica al Fantasma de la
pera en la obra homnima de Andrew Lloyd Webber, o el "arrullo de Broadway" (the
Lullaby of Broadway) en el musical La Calle 42 de Harry Warren.
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Theologische romantiek

ONbewuste, Bewuste en negatieve romantici

Onbewust = inconcientamente metian elementos del romanticismo en sus obras, aunque

ellos defendian que eran musicos classicos (como sus maestros eran classicos)
Bewust = los compositores que bien concientamente empiezan a componer de una nueva
manera, tipico al romanticismo
Negatieve romantici = estos compositores que estaban conciente de un cambio en la
composicion, pero que no querian participar al nueva romanticismo, y que entonces van a
enfocar aun mas fuerte los elementos clasicos en sus composiciones

Frans Liszt

Franz Liszt (Raiding, Imperio austraco, 22 de octubre de 1811 Bayreuth, Baviera, 31 de

julio de 1886) fue un compositor hngaro romntico, un virtuoso pianista y profesor. Su
nombre en hngaro era Liszt Ferencz,[nota 1] segn el uso moderno Liszt Ferenc,[nota 2]
y desde 1859 hasta 1865 fue conocido oficialmente como Franz Ritter von Liszt.[nota 3]
Liszt se hizo famoso en toda Europa durante el siglo XIX por su gran habilidad como
intrprete. Sus contemporneos afirmaban que era el pianista tcnicamente ms
avanzado de su poca y quizs el ms grande de todos los tiempos.[1] Tambin fue un
importante e influyente compositor, un profesor de piano notable, un director de orquesta
que contribuy significativamente al desarrollo moderno del arte y un benefactor de otros
compositores y artistas, intrpretes o ejecutantes, en particular de Richard Wagner,
Hector Berlioz, Camille Saint-Sans, Edvard Grieg y Aleksandr Borodn.
Como compositor, fue uno de los ms destacados representantes de la Nueva Escuela
Alemana (Neudeutsche Schule). Compuso una extensa y variada cantidad de obras
para piano (rapsodias, estudios, transcripciones, etc.), en estilo concertante para piano y
orquesta y tambin una extensa produccin orquestal. Influy a sus contemporneos y
sucesores y anticip algunas ideas y tendencias del siglo XX. Algunas de sus
contribuciones ms notables fueron la invencin del poema sinfnico, desarrollando el
concepto de transformacin temtica como parte de sus experimentos en la forma
musical, y hacer desviaciones radicales en la armona.[2
Aunque hubo un periodo en el que muchos consideraron las obras musicales de Liszt
como llamativas o superficiales, ahora se considera que muchas de sus composiciones,
como Nuages gris, Les jeux d'eaux la Villa d'Este, etc. que contienen quintas
paralelas, escalas de tonos completos, tradas paralelas aumentadas y disminuidas y
resonancias no resueltas son anticipadas e influyentes en la msica del siglo XX de
compositores como Debussy, Ravel o Bartk.[84]
Franz Liszt, junto con Franz Brendel, fund en 1861 la Allgemeiner Deutscher Musikverein
(ADMV) (Asociacin general alemana de msica) que fue una asociacin musical con el
objetivo de encarnar los ideales musicales de la Nueva Escuela Alemana (Neudeutsche
Schule), de la que Liszt fue un destacado representante. Adems de los objetivos
artsticos, esta asociacin prestaba ayuda econmica a artistas. El carcter de esta
corriente de pensamiento era progresista y radical frente a la corriente conservadora que
encabezaron msicos romnticos como Johannes Brahms y Clara Schumann, entre otros.
Entre ambas corrientes surgi un enfrentamiento que ha sido denominado por los
historiadores musicales como Guerra de los romnticos. Las principales discordancias
entre ambos grupos fueron la estructura musical, los lmites de la armona cromtica y la
msica programtica frente a la msica absoluta.
El 24 de junio de 1872, el compositor y director de orquesta Carl Mllerhartung fund una
Orchesterschule (Orquesta escuela) en Weimar. Aunque Liszt y Mllerhartung eran
amigos, el compositor hngaro no tom parte activa en dicha fundacin. La
Orchesterschule se convirti posteriormente en un conservatorio que an existe y que
se llama Escuela Superior de Msica Franz Liszt Weimar.
El profesor E. J. Dent cre en el ao 1950 una Sociedad Liszt (Liszt Society en su
nombre original en ingls), designndose a s mismo presidente, mientras que el
compositor dodecafonista Humphrey Searle tomaba el cargo de secretario general. La
fundacin de esta Sociedad Liszt permiti la publicacin de varias piezas inditas,
adems de que su secretario general se encarg durante la dcada de 1960 de crear un
catlogo de obras de Liszt que con el tiempo se estableci como catlogo de referencia
en esta cuestin.[85] [86] En el ao 1964 fue fundada por David Kushner, Fernando Laires
y Charles Lee la American Liszt Society, que organiza cada ao un festival en honor del
compositor.[87] Asimismo, en Espaa existe la Sociedad Liszt-Kodly de Espaa, cuyo
objetivo es difundir la obra de Franz Liszt y de Zoltn Kodly y fomentar el desarrollo de la
enseanza, la investigacin y los conocimientos musicales.[88

Pome Symphonique

Los Poemas sinfnicos son una serie de trece obras orquestales del compositor hngaro
Franz Liszt y que estn numerados como S.95107 en el catlogo de Humphrey Searle.[1]
Los primeros doce fueron compuestos entre 1848 y 1858, aunque parte del material
usado fue ideado con anterioridad; y el ltimo, Von der Wiege bis zum Grabe (De la cuna
a la tumba), despus de 1882. Estas obras ayudaron a establecer el gnero de la msica
programtica orquestal (composiciones escritas para ilustrar proyectos extramusicales
derivados de una obra teatral, un poema, una pintura u obras de la naturaleza). Sirvieron
de inspiracin para los poemas sinfnicos de Bedich Smetana, Antonn Dvok y Richard
Strauss, entre otros.
La intencin de Liszt para estas obras con un nico movimiento, segn el musiclogo
Hugh MacDonald, fue mostrar la lgica tradicional del pensamiento sinfnico.[2] En
otras palabras, el compositor quera que estas obras mostraran una complejidad en la
interaccin de sus temas similar a la que habitualmente est reservada para el
movimiento de apertura en la sinfona tradicional; esta seccin principal era considerada
normalmente como la ms importante en el conjunto ms amplio de la sinfona, en
trminos de logros acadmicos y de arquitectura musical. Al mismo tiempo, quera
incorporar la capacidad de la msica programtica para inspirar a los oyentes a imaginar
escenas, imgenes o estados de nimo. Para capturar estas cualidades dramticas y
evocadoras y a la vez alcanzar las proporciones del movimiento de apertura, combin
elementos propios de la obertura y de la sinfona en un diseo modificado de la sonata.
La composicin de los poemas sinfnicos result desalentadora. Fueron sometidos a un
proceso de experimentacin continua que incluy muchas etapas de composicin, ensayo
y revisin para llegar a un equilibrio en la forma musical.
Consciente de que el pblico apreciaba la msica instrumental con contexto, Liszt
escribi prefacios para nueve de sus poemas. Sin embargo, la visin que tena del poema
sinfnico tenda a ser evocadora, usando msica para crear un estado de nimo general o
una atmsfera en lugar de ilustrar una narracin o describir algo literalmente. En este
sentido, el especialista en la obra de Liszt Humphrey Searle sugiere que poda haber
estado mucho ms cercano a su contemporneo Hector Berlioz que a muchos de los que
lo siguieron en la composicin de poemas sinfnicos.[3
Liszt estaba preparando sus poemas sinfnicos durante un periodo de gran debate entre
los msicos de Europa central y Alemania, conocido como la Guerra de los romnticos.
Todos admiraban la obra de Ludwig van Beethoven y un grupo conservador, incluyendo a
Johannes Brahms y a miembros del Conservatorio de Leipzig, la consideraban una cima
insuperable.[11] [19] Richard Wagner y la Nueva Escuela Alemana (incluyendo al
compositor hngaro), por el contrario, vean las innovaciones de Beethoven como un
mero comienzo en la msica.[11] [60] Con este ambiente, Liszt previ la potencial
controversia que podran generar sus poemas sinfnicos y escribi: El barmetro no est
marcando elogios para m en este momento. Espero un fuerte aguacero cuando
aparezcan los poemas sinfnicos.[61] Joachim estaba consternado por lo que l
consideraba una falta de creatividad.[62] El cirujano Theodor Billroth, que tambin era
amigo musical de Johannes Brahms, escribi acerca de los poemas: Esta maana
[Brahms] y Kirchner interpretaron los Poemas sinfnicos (sic) de Liszt a dos pianos [...],
msica del infierno, y ni siquiera puede ser llamada msica: msica de papel higinico!
Al final vet a Liszt por razones mdicas y nos purgamos con [el arreglo para piano de] el
Sexteto para cuerdas en sol mayor de Brahms.[63] Wagner fue ms receptivo; estaba de
acuerdo con la idea de unificar las artes que Liszt haba asumido y lo escribi en su
Carta abierta sobre los Poemas sinfnicos de Liszt.[59] Walker considera esta carta
como el inicio de la Guerra de los romnticos:[64
Tal fue la controversia sobre estas obras que los crticos pasaron por alto dos puntos.[65]
El primero, que la propia actitud del compositor hngaro hacia la msica programtica
derivaba de la Sinfona Pastoral de Ludwig van Beethoven[65] y habra argumentado
igualmente que su msica, como la Pastoral, era ms una expresin de sentimientos
que pintura.[66] El segundo, que compositores ms conservadores como Felix

Mendelssohn y Johannes Brahms haban escrito tambin msica programtica. La

obertura de Las Hbridas de Mendelssohn podra ser considerada como un paisaje marino
musical basado en una experiencia autobiogrfica pero indistinguible en la intencin
musical de los poemas sinfnicos de Liszt.[65] Al titular Edward la primera de sus
Cuatro baladas para piano Op. 10, Brahms designaba esta como la contrapartida musical
de un viejo poema escocs homnimo. Esta no fue la nica vez que Brahms escribira
msica programtica.[65]
Las nuevas obras de Liszt no tenan un xito de pblico garantizado, especialmente en las
ciudades en las que los oyentes estaban acostumbrados a programas de msica ms
conservadores. Aunque tuvo un xito slido con Prometheus y Orpheus en 1855
cuando las dirigi en Brunswick,[68] el ambiente para Les Prludes y Tasso, Lamento e
Trionfo, que se representaban ese diciembre en Berln, fue ms fro.[69] Su
representacin de Mazeppa dos aos despus en Leipzig casi fue detenida debido a los
silbidos de la audiencia.[67] Ocurri un incidente similar cuando Hans von Blow diriga
Die Ideale en Berln en 1859; despus de una representacin, el director se volvi hacia el
pblico y orden a los manifestantes abandonar la sala, ya que no es costumbre silbar
en esta sala.[70] Las cosas mejoraron un poco en las dcadas siguientes, gracias a los
esfuerzos de los discpulos de Liszt, como Blow, Carl Tausig, Leopold Damrosch y Karl
Klindworth.[67] Sin embargo, el pblico de la poca no entendi estas composiciones.[71]
El pblico pudo haberse visto desafiado por la complejidad de las obras, que tambin
haban causado problemas a los msicos. Escritas en nuevas formas, los poemas
sinfnicos usaron pulsos poco ortodoxos, produciendo en ocasiones un ritmo inusual. El
ritmo irregular provoc dificultades de interpretacin y sonaba errtico a los oyentes.
Comparado con las suaves armonas de las sinfonas de Wolfgang Amadeus Mozart o
Joseph Haydn o muchas otras arias opersticas de la poca, las avanzadas armonas de
los poemas sinfnicos podan producir msica chillona o incmoda. Debido al uso de
armaduras de clave inusuales, los poemas sinfnicos tenan muchos sostenidos y
bemoles ms que una obra musical habitual. El mayor nmero de notas planteaba un
desafo a los msicos, ya que tenan que variar el tono de las notas en concordancia con
la partitura. Las rpidas fluctuaciones en la velocidad de la msica fueron otro factor de
complejidad de los poemas sinfnicos. El uso constante de texturas de msica de
cmara, que eran producidas dando a los solistas pasajes extensos o con pequeos
grupos para interpretar pasajes en conjunto, pona en tensin a la orquesta; los errores
del solista o del pequeo grupo no podran ser tapados por el sonido de la orquesta en
pleno y seran obvios para todo el mundo.[72]
Estos aspectos del poema sinfnico requeran que los intrpretes tuvieran una calidad
superior, una perfecta entonacin, buen odo y conocimiento del papel de los miembros
de la orquesta. La complejidad pudo haber sido una de las razones por las que Liszt inst
a otros directores para mantenerse al margen de sus obras hasta que estuvieran
preparados para hacer frente a los cambios. Muchas de las orquestas de pequeos
pueblos en esa poca no estaban capacitadas para satisfacer las demandas de esta
msica.[73] Las orquestas contemporneas tambin se enfrentaron a otros retos al
interpretar los poemas sinfnicos por primera vez. Liszt mantuvo sus obras como
manuscritos, distribuyndolas a las orquestas durante su gira. Algunas partes de estos
manuscritos tenan tantas correcciones que los intrpretes tenan dificultades para
descifrarlos y ms an para interpretarlos adecuadamente.[67] Los poemas sinfnicos
fueron considerados tal riesgo financiero que las partes orquestales de muchos de ellos
no se publicaron hasta la dcada de 1880.[70
Al excepcin de Les Prludes, ninguno de los poemas sinfnicos ha sido incluido en el
repertorio habitual de las orquestas, aunque los crticos sugieren que merece la pena
seguir escuchando los mejores de ellos Prometheus, Hamlet y Orpheus.[42] El
musiclogo Hugh MacDonald afirma: Aunque desiguales en cuanto a su alcance y logros,
a veces apuntaban hacia desarrollos ms modernos y sembraron las semillas de una rica
cosecha de msica en las dos generaciones siguientes.[2] Hablando del gnero mismo,
MacDonald aade que, aunque el poema sinfnico est relacionado con la pera en su
esttica, en la prctica la suplantaba a ella y a la msica cantada hasta convertirse en la

evolucin ms sofisticada de la msica programtica en la historia del gnero.[74] El

especialista en Liszt Humphrey Searle concuerda con MacDonald en lo esencial y afirma
que el compositor deseaba exponer las ideas filosficas y humanistas que para l eran
de la mayor importancia.[75] Estas ideas no estaban relacionadas nicamente con los
problemas personales de Liszt como artista, sino que tambin coincidan con los
problemas abordados por los pintores y escritores de la poca.[75]
En el desarrollo del poema sinfnico, Liszt satisfizo tres de las principales expectativas
de la msica del siglo XIX: relacionar la msica con el mundo exterior, integrar formas
musicales con mltiples movimientos [...] y elevar la msica programtica a un nivel
superior a la pera, el gnero anteriormente reconocido como la ms alta forma de
expresin musical.[74] Cumpliendo estas necesidades, los poemas sinfnicos jugaron un
papel principal,[74] ampliando el alcance y el poder expresivo de los avances musicales
de su poca.[75] Segn el historiador musical Alan Walker, su importancia histrica es
innegable; tanto Sibelius como Richard Strauss estuvieron influenciados por ellos y
adaptaron y desarrollaron el gnero a su manera. Con todos sus defectos, estas piezas
ofrecen muchos ejemplos del espritu pionero por el que Liszt es reconocido.[42

Nationale scholen

Puccini

Giacomo Antonio Domenico Michele Secondo Maria Puccini, (* Lucca, 22 de diciembre de

1858 - Bruselas, 29 de noviembre de 1924) fue un compositor italiano de pera,
considerado entre los ms grandes, de fines del siglo XIX y principios del XX. Naci en
Lucca, localidad toscana.
Es uno de los pocos compositores de pera capaces de usar brillantemente las tcnicas
opersticas alemana e italiana. Se le considera el sucesor de Giuseppe Verdi. Algunas de
sus melodas como "O mio babbino caro" de Gianni Schicchi y "Nessun Dorma" de
Turandot forman parte hoy da de la cultura popular.
Su primera pera fue Le Villi (1884) y su primer triunfo Manon Lescaut (1893). Adems de
doce peras, Puccini escribi otras obras notables, como una Misa solemne, un Himno a
Roma, un capricho sinfnico, dos preludios sinfnicos y tres minus para cuarteto de
cuerda.

Figura de proa del mundo operstico italiano, Giacomo Puccini se alej de la tendencia
dominante en su poca, la pera verista.
Es difcil situar a Giacomo Puccini en el panorama internacional, ya que su msica, por su
continua evolucin artstica, no tiene la tensin innovadora de muchos de los mayores
compositores europeos de la poca.
Puccini se dedic de manera casi exclusiva a la msica teatral y, al contrario de los
maestros de la vanguardia novecentista, escribi siempre pensando en el pblico,
cuidando las representaciones y siguindolas en las giras por el mundo.
Aunque cre solamente doce peras (comprendidas las tres en un acto que componen el
Trptico) sus obras se han asentado en los repertorios de los teatros lricos de todo el
mundo. Los ingredientes fundamentales de su teatro son la variedad, la rapidez, la
sntesis, la profundidad psicolgica y la abundancia de hallazgos escnicos.
El pblico, bien que a veces desorientado por las novedades de cada pera, al final se
pona de su parte; por el contrario, la crtica musical, en particular la italiana, consider

durante mucho tiempo a Puccini con sospecha u hostilidad. Se le sola acusar en Italia a
Puccini de comercial y se deca que su msica no era ni italiana, ni rusa, ni alemana, ni
francesa. No obstante expresaron su admiracin por su trabajo contemporneos como
Stravinski, Schoenberg, Ravel o Webern.
El gran mrito de Puccini fue su inclinacin eclctica, asimilando y sintetizando con
habilidad y rapidez lenguajes y culturas musicales diferentes. Para aproximarse a la
personalidad artstica de Puccini es preciso indagar en las relaciones que urdi con las
diferentes culturas musicales y teatrales de su tiempo.
Desde su llegada a Milan, Puccini form parte de los admiradores de Richard Wagner: las
dos composiciones sinfnicas presentadas como ejercicios del Conservatorio el Preludio
Sinfonico en La mayor (1882) y el Capriccio Sinfonico (1883) contienen signos temticos
y estilsticos explcitos parecidos a las peras de la primera madurez wagneriana:
Lohengrin y Tannhuser. A principios de 1883 adquiri junto con su compaero de
habitacin Pietro Mascagni, la partitura de Parsifal, cuyo Motivo de la Eucarista se cita
literalmente en el preludio de Le Villi.
Puccini ha sido quiz el primer msico italiano en comprender que la enseanza de
Wagner iba bien con su teora del drama musical y de la pera de arte total que en
Italia fueron el centro del debate, y concerna especficamente el lenguaje musical y la
estructura narrativa.
Si en sus obras de los aos 1880 la influencia wagneriana se manifiesta sobre todo en
algunas elecciones armnicas y orquestales que a veces recuerdan a una copia, a partir
de Manon Lescaut Puccini empieza a explorar la tcnica compositiva, llegando no slo a
utilizar de manera sistemtica el leitmotiv sino a ligarlo tambin, segn el sistema que
Wagner emple en Tristn e Isolda.
Todas las peras de Puccini a partir de Manon Lescaut, se prestan a la lectura y la
escucha tambin como partituras sinfnicas. Rn Leibowitz lleg incluso a individualizar
en el primer acto de Manon Lescaut una articulacin en cuatro tiempos de sinfona, donde
el tempo lento coincide con el encuentro entre Manon y Des Grieux y el scherzo (el
trmino figura en el manuscrito) con la escena de la partida de cartas.[1]
Sobre todo a partir de Tosca, Puccini recurre a una tcnica tpicamente wagneriana, cuyo
modelo puede identificarse en el clebre himno a la noche del segundo acto de Tristn e
Isolda. Se trata de lo que podra definirse como una suerte de crescendo temtico, a
partir de un ncleo (que genera ideas secundarias), cuya progresin se desarrolla y llega
a un climax sonoro, colocado un poco antes de la conclusin del episodio (tcnica que
Puccini emplea de manera particularmente sistemtica y eficaz en Il tabarro).
Puccini tom de la pera francesa, y, en particular de Bizet y Massenet, el cuidado por el
color local e histrico, elemento no propio de la tradicin operstica italiana. La
reconstruccin musical del ambiente constituye un aspecto de relieve en todas las
partituras de Puccini: de la China de Turandot, del Japn de Madama Butterfly, del Oeste
americano (Far West) de La fanciulla del West, del Pars de Manon Lescaut, La Bohme, La
Rondine y Il Tabarro, de la Roma papal de Tosca, de la Florencia del siglo XIII de Gianni
Schicchi o del convento del siglo XVII de Suor Angelica.
La armona de Puccini, tan dctil e inclinada a los procedimientos de la msica modal,
parece tomar elementos de la msica francesa de la poca, sobre todo la no operstica.
De todas formas, no es fcil demostrar la presencia de una influencia concreta, ya que
pasajes de este tipo se encuentran en el primer Puccini desde Le Villi, cuando la msica
de Faur y Debussy era todava desconocida en Italia. Parece mas verosmil que, al
evolucionar el gusto artstico de Puccini hacia el empleo de combinaciones modales como
la ltima partitura de Wagner (Parsifal), que se considera la ms francesa de las operas
de ste y que emplea abundantemente combinaciones modales.
Al comienzo de los aos noventa Puccini parece pasar, como otros msicos italianos de su
generacin, por una fase de fascinacin por la msica de Debussy: emplea la escala

hexatonal sobre todo en la Fanciulla del West. Pero Puccini en lugar de utilizar ese recurso
armnico desde un punto de vista esttico lo utiliza de manera funcional formando parte
del ncleo potico de esta pera ambientada en el Nuevo Mundo.
La fama de compositor internacional ha oscurecido a menudo el vnculo de Puccini con la
tradicin italiana y, en particular, con el teatro de Giuseppe Verdi. Los dos compositores
de peras italianos ms populares tienen en comn la bsqueda de la mxima sntesis
dramtica y de la dosificacin exacta de los tiempos teatrales sobre el recorrido emotivo
del espectador. Italiana es tambin la presencia de la dialctica entre el tempo musical
real y el tiempo psicolgico, que antiguamente se manifestaba en la contraposicin entre
la parte recitativa (durante la que se desarrolla la accin) y las arias (expresin de los
estados de nimo). Las peras de Puccini contienen numerosos episodios cerrados en los
cuales el tiempo de la accin parece ralentizado: como en la escena de la entrada de
Butterfly, con el canto irreal de fuera de la escena de la geisha que intenta subir la colina
de Nagasaki para alcanzar el nido nupcial. En general, Puccini trata la funcin tiempo con
la elasticidad de un gran novelista.
Ms controvertido es el papel asignado a la meloda, siempre eje capital de la pera
italiana. Considerado un magnfico melodista, hoy da se reconocen tambin los aspectos
armnicos y tmbricos de su msica.

Romantische polyfonie

Rossini

Gioachino Rossini o Gioacchino (nacido como Giovacchino Antonio Rossini[1] en Psaro,

Italia, el 29 de febrero de 1792 y fallecido en Pars, Francia, el 13 de noviembre de 1868),
fue un compositor italiano, conocido especialmente por sus peras y particularmente, por
las bufas, pero con numerosas y determinantes aportaciones al mundo de la pera seria.
Todo ello le hizo asumir el "trono" de la pera italiana en la esttica del bel canto de
principios del siglo XIX, gnero que realza la belleza de la lnea meldica vocal sin
descuidar los dems aspectos musicales.
Rossini naci en Psaro, hijo de Giuseppe, apodado "El vivaz", cornista de oficio, y de
Anna Guidarini, cantante en los teatros locales. Tocando en la banda municipal a los seis
aos, Rossini mostr un extraordinario genio musical desde la ms temprana edad y
estudi msica con su padre. Aprendi a tocar la espineta con el vinatero Giuseppe
Prinetti; posteriormente estudi con el cannigo Giuseppe Malerbi, en cuya biblioteca
ley las partituras de grandes compositores del pasado. En Bolonia, tuvo por primer
profesor a Angelo Tesei e ingres en el prestigioso Liceo musical, bajo la tutela del
sacerdote Stanislao Mattei, ganando un premio por una cantata a los diecisis aos de
edad.
Siendo clavecinista acompaante en teatros, Rossini es llamado para componer una
pera breve en 1810 y, dado el xito que logra, seguir componiendo, particularmente en
Venecia y Miln, con xitos sonados en la mayora de los casos (su sptima pera
conquist La Scala con cincuenta y tres funciones iniciales) y repentinos fracasos, pero
afianzndose como el primer compositor de su tiempo, a pesar de no contar siquiera
veinticinco aos de edad. En esos momentos, Rossini lleva a la perfeccin musical el
gnero bufo. Tuvo la ventaja de contar, ya en esta primera etapa, con grandes cantantes,
en quienes pensaba al momento de desarrollar la meloda de los personajes,
considerando las posibilidades de sus voces. Algunos de ellos eran Marietta Marcolini,
Filipo Galli y Paolo Rosich.

En 1815, es contratado por el sagaz empresario Domenico Barbaia para componer en

Npoles para los teatros que administraba l con subvencin gubernamental, el Teatro de
San Carlos y el Teatro Del Fondo, en donde produce peras serias de inmenso valor para
las voces ms imponentes puesto que, en la compaa de Barbaia, se encontraban las
ms grandes luminarias del tiempo como Manuel Garca, Isabella Colbran (ulterior esposa
de Rossini), Giovanni Rubini, y otros. Mientras tanto, Rossini tambin recorre Italia
creando peras de todos los gneros (serio, semiserio, bufo), cuya influencia fue absoluta
para todos los compositores posteriores y aun contemporneos, y representando las ya
creadas que contenan melodas que se convertan en hitos inmediatos y permanentes.
En 1816, estrena en el Teatro Argentina de Roma, con argumento de Cesare Sterbini, una
de las ms famosas obras del repertorio operstico, El barbero de Sevilla. Basada en la
triloga literaria del barn francs Pierre-Augustin de Beaumarchais, cuya segunda parte,
Las bodas de Fgaro, fue musicada por W. A. Mozart, fue durante sus primeras
representaciones un fracaso. Posteriormente, Verdi y otros compositores, la alabaran
efusivamente hasta alcanzar una inmensa fama. Previamente puesta en msica por el
respetado compositor napolitano Giovanni Paisiello, el Barbero, como muchas otras
peras de Rossini, borr del cartel permanentemente las obras de grandes compositores
como Zingarelli, Mercadante, Mayr, Par, Mosca, Coccia y el propio Paisiello.
En 1823, presenta su ltima pera en Italia, Semramis y se traslada a Francia (desde
donde viajara en 1824 a Londres en una exitosa gira que le produce reconocimientos
extraordinarios y jugosos estipendios); en Pars compone una pera que celebraba la
coronacin de Carlos X, as como la composicin de su ltima pera bufa y la
reelaboracin de otras dos obras italianas; y en 1829, Guillermo Tell, que supuso su
definitiva consagracin.
Curiosamente, esta sera su ltima pera, aun cuando le quedaban cuatro decenas de
aos de vida por delante. An hoy es un misterio el porqu dej Rossini de componer
peras tras Guillermo Tell; son muchas las teoras que tratan de dar respuesta a este
interrogante, desde el hasto, hasta la falta de necesidad dada la riqueza que ya haba
acumulado, pasando por abundantes dificultades de salud (gonorrea y ciclos manacodepresivos) o quiz porque las circunstancias polticas as lo determinaron. Sin embargo,
aunque no volvi a componer otra pera, no abandon el mundo musical, hacindose
cargo de la direccin del Thtre-Italien y el Liceo de Bolonia y componiendo muchsimas
obras breves (sin dejar a un lado su otra gran pasin, la gastronoma), as como varias
obras religiosas y profanas notabilsimas.
Haba contrado nupcias con la cantante espaola Isabella Colbran en Castenaso, en
1822, pero se separaron legalmente en 1837, marchndose l a vivir con Olympe
Plissier, con quien se cas en 1846, una vez que muri Isabella en 1845. Durante su
vida, Rossini recibi las condecoraciones ms importantes en Francia e Italia y un gran
reconocimiento por parte de sus colegas de profesin; as, tras la entrevista que Rossini y
Richard Wagner tuvieron en 1860, el ltimo declar que de todos los compositores que
haba conocido en Pars, el nico verdaderamente grande era Rossini, a quien vea muy
serio y sencillo, pero mal comprendido por el pblico.
Rossini falleci en Passy, cerca de Pars, en 1868. Mientras miles de voces entonaban la
plegaria de su pera Moiss, fue enterrado en el parisino Cementerio del Pre-Lachaise.
Sus restos fueron trasladados en 1887 a Florencia, donde descansa en la Baslica de la
Santa Croce, junto a otras glorias de Italia: Galileo Galilei, Dante y Miguel ngel. Dej un
legado monetario realmente considerable, del que destin fondos para la creacin de un
asilo para msicos retirados (existente an hoy) y otras obras de beneficencia. Haba
sobrevivido a muchos de sus sucesores en el trono de la pera italiana (Vincenzo Bellini,
Gaetano Donizetti, Giacomo Meyerbeer), al tiempo que coincidi con la aparicin de
Giuseppe Verdi y de Richard Wagner.
Giuseppe Verdi convoc a los mejores compositores italianos a componer una misa de
Rquiem en honor del Cisne de Psaro. Dadas las circunstancias polticas adversas, no se
estren esa obra y Verdi us su contribucin, el Lbera me, en su propio Requiem

dedicado a Manzoni. El director Helmuth Rilling ha exhumado y grabado la obra en la

actualidad.
Nicol Paganini, Frederic Chopin, Mauro Giuliani, Louis Niedermayer, Ottorino Respighi y
otros renombrados compositores han creado variaciones, orquestaciones y adaptaciones
de mtiples obras rossinianas. Y los afamados tournedos Rossini, as como muchos otros
platos de cocina, son designados en honor al clebre compositor, que era un consumado
gastrnomo.

Schumann

Robert Alexander Schumann (Zwickau, 8 de junio de 1810 - Endenich, Bonn, 29 de julio

de 1856). Compositor alemn de la poca del romanticismo y uno de los msicos ms
famosos en la primera mitad del siglo XIX. Tanto en su vida como en su obra refleja su
mxima expresin la naturaleza del romanticismo, siempre envuelta en la pasin, el
drama y, finalmente, la alegra. Une la ilustracin literaria con una gran complejidad
musical, creando obras de gran intensidad lrica.
En paralelo a su nueva actividad como compositor, iniciaba su obra de crtico musical,
que gener una abundante produccin literaria. Su excepcional formacin y aptitud
literaria se plasmaban en crticas musicales, en las que, a travs de personajes
imaginarios, profundizaba en las obras de sus contemporneos. Un famoso ejemplo es su
ensayo sobre las variaciones de Chopin sobre un tema de Don Juan, que apareci en el
Allgemeine musikalische Zeitung en 1831.
Su Opus 2 Papillons (Fr., "Mariposas") escrito en 1831 es otro ejemplo excepcional de la
fusin entre literatura y composicin musical de Schumann. Se trata de una composicin
para piano, que consta de varias escenas de danza inspiradas en una fiesta de disfraces.
Cada danza trata de retratar a diferentes personajes y no guardan relacin entre s,
excepto la ltima. Segn escribira el propio Schumann, est inspirada en la ltima
escena de la obra Flegeljahre de Johann Paul Friedrich Richter y mezcla el carcter festivo
con un extraordinario sentimiento melanclico.
La muerte en 1833 de su cuada Rosalie y de su hermano Julius le causaron una crisis
nerviosa. Las crisis, depresiones, periodos de reclusin completa etc. fueron frecuentes
en la vida de Schumann y se acentuaron a partir de 1834, continuando en aumento hasta
su muerte (incluso llegando a escuchar voces y experimentar alucinaciones). Este declive
psquico se relacion inicialmente por los historiadores del siglo XIX con la sfilis (o con el
desastroso tratamiento mdico a base de mercurio, habitual en la poca y casi peor que
la enfermedad en s), pero la posibilidad ha sido descartada debido a que los sntomas de
desequilibrio mental de Robert Schumann ya eran evidentes desde su juventud, antes de
que cualquier sntoma de la sfilis pudiera haberse manifestado. La teora ms aceptada
actualmente es que padeca de trastorno bipolar (enfermedad manaco-depresiva). Pero
la gran intensidad creativa de Schumann se concentraba en sus periodos de lucidez, de
forma admirable. Tan pronto como se restableca de un perodo de enfermedad, se
entregaba frenticamente a la composicin, trabajando de modo incansable. No slo
escriba las melodas principales ni se limitaba a las obras para piano, sino que pese a
estar en un estado fsico y mental muy degradado, escriba la instrumentacin sinfnica
completa de todas sus obras, hasta la extenuacin.
Tras recobrarse de esta crisis, en 1834 fundara la revista Neue Leipziger Zeitschrift fr
Musik, abanderada de las nuevas corrientes musicales defendidas por La Cofrada de
David, que dirigi hasta el fin de su vida. Es en esta publicacin donde da rienda suelta a
su crtica musical, considerada en aquella poca como excntrica, pero que hoy da
etiquetaramos como visionaria. A principios del siglo XIX, compositores como Wolfgang
Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven y Carl Maria von Weber eran vistos como figuras
menores[cita requerida], por lo que se consider una excentricidad que Schumann los
elevara como grandes compositores, por no hablar de su aprecio a figuras

contemporneas, como Chopin o Hctor Berlioz. En esta nueva publicacin, hizo todo
esto y mucho ms.
En el verano de 1834 se enamora de Ernestine von Fricken, una chica de 16 aos con
quien mantendra una breve relacin que l mismo rompera al acabar el ao. Es durante
este flirteo cuando compone su obra ms aclamada, Op. 9, Carnaval. Se trata de
variaciones sobre las notas que componen la palabra Asch (pueblo natal de Ernestine) en
la notacin musical alemana. Tambin son las letras con alguna nota equivalente en el
propio apellido de Schumann. Cada variacin comienza con esas notas y, ms que nunca,
Schumann emplea para la composicin la ilustracin musical de una historia, con
personajes y guin bien definidos. Adems consolida el formato de composicin que ya
inici en Papillons, creando temas muy breves y generalmente no relacionados entre s,
aunque estn inspirados en la misma escena literaria. La mayora de las composiciones
para piano de Schumann estn formadas por movimientos que duran pocos minutos, o
incluso menos de un minuto.
Conoci personalmente a Mendelssohn en casa de Friedrich Wieck en el ao 1835 y le
mostr su admiracin; poco despus conocera a Chopin. Durante toda su vida Schumann
mostr hacia sus compaeros msicos una amistad sincera y una actitud de crtica
constructiva, libre de rivalidades, algo poco frecuente en un crtico musical que tambin
es compositor. Esta actitud abierta y generosa le permiti ser el "descubridor" de
Johannes Brahms cuando ste slo era un joven y desconocido pianista de 20 aos.
Brahms se convirti en ntimo amigo de Schumann (y de su esposa Clara Wieck,
especialmente en los aos en los que la enfermedad de Schumann se agrav) y se vio
claramente influido por su msica.
Es en casa de Wieck, su antiguo maestro, donde conoce a su futura esposa. Se trata de
Clara Wieck, su hija, y ya para entonces afamada pianista que haba sido "nia prodigio",
bastante famosa internacionalmente en aquella poca, y de hecho se la considera la
pianista ms importante del siglo XIX. En 1836 inician una relacin amorosa en secreto,
fundamentalmente por carta, seguramente debido a la diferencia de edad entre ambos
(Clara slo tena 16 aos) y tambin porque Clara se encontraba de viaje
constantemente, actuando por toda Europa. Es durante esta relacin clandestina cuando
escribe Escenas de nios, tal y como le relata por carta a la propia Clara. Un ao ms
tarde Robert pide la mano de Clara a su padre, pero ste se niega. Finalmente se casan
en 1839, para lo que deben recurrir a los tribunales al no tener la aprobacin de Friedrich
Wieck. Permanecieron juntos hasta la muerte de Robert y tuvieron ocho hijos.
Clara era una pianista excepcional y tuvo una gran influencia musical sobre Robert. Ella le
inst a no limitarse a la composicin para piano (en estos aos escribe Lieder y lbum
para la juventud), recomendndole que se dedicara a la composicin para orquesta y se
consolidara as como un gran compositor de su tiempo. Es precisamente a partir de 1841
cuando compone oberturas sinfnicas y conciertos, en los que, sin embargo, el piano
sigue teniendo un papel principal.
El Conservatorio de Leipzig le abri las puertas en 1843 y fue nombrado profesor de
piano y composicin.
En 1844, tras un viaje a Rusia, atraves un nuevo periodo depresivo y abandon Leipzig
para instalarse en Dresde. Durante los aos siguientes su salud mental y fsica se iba
debilitando, lo cual no le impidi trabajar en multitud de obras, como sus dos Sonatas
para piano y violn, su Concierto para violonchelo y orquesta y su nica pera, Genoveva
(que no goz de xito). Incluso cuando, a partir de 1852, sus episodios de locura le
mantienen convaleciente casi todo el tiempo, consigue aprovechar sus momentos de
lucidez para completar su Misa, Requiem, Sinfona en Re menor y Concierto para violn y
orquesta. Tambin destaca la presentacin en 1846 de su Concierto para piano y
orquesta en la menor, ejecutado brillantemente por su esposa, Clara, en 1846 en Leipzig,
lo cual conllev a su autor una fama an mayor y ms consolidada para la Historia.
Poco despus le comenta a su hermano su deseo de suicidarse, ya que estaba angustiado
por la epidemia de clera que asolaba Europa por esas fechas, el 27 de febrero de 1854,

Schumann se arroja al Rin y es rescatado a tiempo, pero su mente ya se ha perdido para

siempre. Es internado en un sanatorio privado en Endenich cerca de Bonn, Alemania,
donde permanece hasta su muerte el 29 de julio de 1856. Tena slo 46 aos. Muere
vctima de un colapso neurocirculatorio (aunque segn otras fuentes falleci debido a la
sfilis). Fue enterrado en el cementerio viejo de Bonn, y en 1880 se erigi sobre su tumba
una estatua de A. Donndorf.
Tras su muerte, Clara se entreg a dar a conocer por toda Europa la obra de Robert,
dndole gran fama tras varias dcadas de giras. Clara, fallecida en 1896, se halla
enterrada en la misma tumba que Robert.

Skrjabin

Aleksandr Nikolyevich Skriabin ( ; normalmente

transliterado como Scriabin) (Mosc, 6 de enero de 1872 - Mosc 27 de abril de 1915),
fue un compositor y pianista ruso.
Scriabin posea, supuestamente, sinestesia, la habilidad de percibir mediante un sentido,
estmulos normalmente perceptibles mediante otro sentido. En el caso de Scriabin, l se
jactaba de poder or colores.
Scriabin se vio fuertemente influido por la habilidad sinestsica en su obra musical. Su
principal virtud fue asociar cada tonalidad con un color determinado, creando as un
modelo. Su sistema de colores, a diferencia de la mayora de las experiencias
sintestsicas, se ordena segn el crculo de quintas; basado en el sistema que Isaac
Newton describe en su libro Opticks. Ntese que Scriabin, segn sus estudios tericos, no
reconoca diferencias entre una tonalidad mayor y otra menor con el mismo nombre, (por
ejemplo: Do Mayor y Do Menor). Muchos de los trabajos de Scriabin en esta materia estn
influidas por doctrinas teosficas.
Mientras Scriabin escribi solo un pequeo nmero de obras orquestales, stas estn
entre sus ms conocidas y frecuentemente interpretadas. Estas incluyen 3 sinfonas, un
concierto para piano (1896), El Poema del xtasis en (1908) y Prometheus: El Poema del
Fuego, en la cual incluye una parte para "clavier lumires", que era un rgano colorido
diseado especficamente para la sinfona. Era tocado como un piano, pero proyectaba
luces de colores en una pantalla del teatro donde se presentaba en vez de notas. Su
estreno no incluy este instrumento y no fue hasta 1919 en Nueva York cuando Scriabin
pudo realizar su obra como la imaginaba.
En su autobiografa Recolecciones, Sergi Rajmninov grab una conversacin que l
haba tenido con Scriabin y Rimsky-Korsakov (quien tambin posea la condicin) acerca
de la habilidad sinestsica de Scriabin. Rajmninov se sorprendi al darse cuenta de que
la asociacin entre notas y colores era la misma en ambos, aunque escptico, luego logr
darse cuenta que Scriabin asociaba un Mi bemol con prpura, mientras que RimskyKorsakov con azul. Sin embargo Rimsky-Korsakov protest que un pasaje de la pera de
Rajmninov El miserable caballero sustentaba su asociacin; la escena en la que el viejo
barn abre un bal con un tesoro lleno de oro y joyas brillando estaba escrita en Re; es
decir en amarillo oro. Scriabin escribi a Rajmninov dicindole que "su intuicin ha
seguido inconscientemente las leyes que su razn ha negado".

Verdi

Giuseppe Fortunino Francesco Verdi (La Roncole, Busseto, 10 de octubre de 1813 Miln,
27 de enero de 1901) fue un compositor romntico italiano de pera del siglo XIX, el ms
notable compositor de pera italiana y puente entre el belcanto de Rossini, Donizetti y
Bellini y la corriente del verismo y Puccini. Fue autor de algunos de los ttulos ms
populares del repertorio lrico, como los que componen su triloga popular o romntica:

Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore y las obras maestras de la madurez como Aida, Don
Carlo, Otello y Falstaf.
iuseppe Fortunino Francesco Verdi naci en Le Roncole el 10 de octubre de 1813; la
localidad era entonces parte del ducado de Parma (que a su vez formaba parte de
Francia). All recibi sus primeras lecciones de msica. Contina sus estudios en Busseto,
bajo la tutela de Ferdinando Provesi.
Se convierte pronto en el organista de la iglesia de su pueblo. Intenta entrar en el
conservatorio de la ciudad de Miln pero no lo consigue.
Se puede decir que sus primeros xitos estn relacionados con la situacin poltica que se
viva en Italia. Aparte de su calidad artstica, sus peras servan adems para exaltar el
carcter nacionalista del pueblo italiano. Quizs el Va pensiero (coro de los esclavos de la
pera Nabucco) es uno de los coros ms conocidos de Italia por esta razn. De esta
forma, Verdi triunfa en Miln.
Gracias a los xitos conseguidos, Verdi puede apostar por un estilo ms personal en sus
peras y presionar a libretistas y empresarios para que arriesguen y experimenten un
poco ms. Es notable, en este sentido, la forma en que se engendr la pera Macbeth,
con unos arduos, e incluso despticos, ensayos para lograr que el texto fuera ms
hablado que cantado. Verdi consigue su cometido y el xito de estas peras es tambin
notorio.
Sigue un perodo de dificultades personales, con la muerte de su primera esposa y su
hija, que contrasta con la creacin de sus peras ms populares y queridas, las ya
mencionadas Rigoletto, La Traviata e Il Trovatore.
Muchos consideran que la madurez del compositor se percibe en las obras que siguen a
este perodo; por ejemplo, Don Carlos, que fue compuesta para la Gran pera de Pars;
Aida, compuesta para la pera del Cairo; Otello y Falstaf, con libreto de Arrigo Boito
basado en Shakespeare. Algunas de estas obras no son bien recibidas por el pblico o los
crticos, que las calificaron de demasiado wagnerianas, crtica que el autor siempre
rechaza.
En sus ltimos aos, Verdi compuso algunas obras no opersticas. A pesar de no ser
particularmente religioso, compuso obras litrgicas, como la misa de Rquiem (1874) y el
Te Deum. Tambin compuso el Himno de las naciones, que incluye las melodas de los
himnos italiano, francs e ingls, sobre texto del poeta Arrigo Boito (1862) y un cuarteto
para cuerdas en mi menor (1873).
Fallece en Miln, el 27 de enero de 1901, afectado por un derrame cerebral. Dej su
fortuna para el establecimiento de una casa de reposo para msicos jubilados que lleva
su nombre: Casa Verdi en Miln, donde est enterrado. Su entierro suscita gran
conmocin popular y al paso del cortejo fnebre el pblico entonar espontneamente el
coro de los esclavos de Nabucco ("Va pensiero sull'ali dorate").

20ste eeuw
-

Lamonte Young

La Monte Thornton Young (Berna, Idaho, 14 de octubre de 1935) es un compositor y

msico estadounidense, generalmente reconocido como el primer compositor
minimalista.[1] Sus obras han sido incluidas entre las obras ms importantes y radicales
despus de la Segunda Guerra Mundial, calificadas como avant-garde, msica

experimental o msica drone. Tanto sus composiciones proto-Fluxus como minimal ponen
en tela de juicio la naturaleza y la definicin de msica y, a menudo incluyen elementos
tpicos de las performances.
Su primera influencia musical fue en su primera infancia en Berna. Young relata que el
verdadero primer sonido que recuerdo haber escuchado era el ruido del viento en los
aleros y en todo el registro de extensiones en las esquinas de la cabaa de troncos (the
very first sound that I recall hearing was the sound of wind blowing under the eaves and
around the log extensions at the corners of the log cabin). Los sonidos continuos tanto
hechos por el hombre como naturales le fascinaban cuando era nio. Los cuatro
lanzamientos que ms tarde llam el acorde sueo (Dream Chord), en el que bas
muchas de sus obras de madurez, vienen de su reconocimiento a temprana edad del
sonido continuo realizado por los postes de telfono en Berna.[7]
El jazz fue una de sus principales influencias y hasta 1956 plane dedicar su carrera a
ello.[8] En un primer momento, Lee Konitz y Warne Marsh influyeron en su estilo de tocar
el saxo alto, y ms tarde John Coltrane form el uso de Young del saxofn sopranino. El
jazz fue, junto con la msica india, una influencia importante sobre el uso de la
improvisacin en sus obras a partir de 1962.[8] La Monte Young descubri la msica de la
India en 1957 en el campus de UCLA. Cita a Ali Akbar Khan (sarod) y Chatur Lal (Tabla)
como particularmente significativos. El descubrimiento de la tambura, que aprendi a
tocar con Pandit Pran Nath, fue una influencia decisiva en su inters por los largos
sonidos sostenidos. Young tambin reconoce la influencia de la msica japonesa,
especialmente del gagaku, y de la msica de los pigmeos.[9] [10]
La Monte Young descubri la msica clsica ms bien tarde, gracias a sus profesores en la
universidad. Cita a Bla Bartk, Igor Stravinsky, Perotin, Leonin, Claude Debussy y el
estilo musical Organum como influencias importantes,[9] pero que lo que caus mayor
impacto en sus composiciones fue el serialismo de Arnold Schoenberg y Anton Webern.[9]
Young estuvo tambin muy interesado en continuar sus esfuerzos musicales con el auxilio
de ayudas experimentales. El cannabis, el LSD y el peyote desempearon un papel
importante en la vida de los jvenes desde mediados de la dcada de 1950, cuando fue
introducido en ellos por Terry Jennings y Billy Higgins. Dijo que todo el mundo [que] lo
conocieron y trabajaron con mucho fue en las drogas como una herramienta creativa, as
como una herramienta de expansin de consciencia '. Este fue el caso con los msicos
del Theatre of Eternal Music, con quienes iba alto para todos los conciertos: todo el grupo.
[11] Consider que la experiencia con el cannabis le ayud a abrirse hasta donde lleg
con el Trio for Strings, aunque a veces resultaba una desventaja a la hora de interpretar
cualquier cosa que requiriese mantener un registro del nmero de compases
transcurridos.
El uso de La Monte Young de tonos largos y un volumen excepcionalmente alto ha tenido
gran influencia con sus asociados: Tony Conrad, Jon Hassell, Rhys Chatham, Michael
Harrison, Henry Flynt, Charles Curtis y Catherine Christer Hennix. Han sido adems
estudiantes de Young Arnold Dreyblatt, Daniel James Wolf y Lawrence Chandler. Tambin
ha sido especialmente influyente sobre la contribucin de John Cale al sonido The Velvet
Underground; Cale ha sido preguntado sobre ello diciendo: La Monte [Young] fue tal vez
la mejor parte de mi educacin y mi introduccin a la disciplina musical.[13]
Brian Eno estuvo influenciado de manera similar por el uso que haca Young de la
repeticin en la msica. En 1981, se refiri a la obra X for Henry Flynt diciendo:
Realmente es una piedra angular de todo lo que he hecho desde entonces (It really is a
cornerstone of everything I've done since). Eno se haba realizado la obra como
estudiante en 1960.[14]
Andy Warhol asisti en 1962 al estreno de la composicin esttica de La Monte Young
llamado 'Trio for Strings y, posteriormente, cre su famosa serie de pelculas estticas
incluyendo Kiss, Eat y Sleep (para la que Young fue el encargado inicialmente de crear la
msica). Uwe Husslein cita al cineasta Jonas Mekas, que acompa a Warhol al estreno de
Trio y afirma que las pelculas estticas de Warhol fueron inspiradas directamente por

esta interpretacin.[15] En 1963, Warhol, Young y Walter de Maria formaron brevemente

un grupo musical, que inclua canciones escritas por Jasper Johns.[16]
El lbum Dreamweapon: An Evening of Contemporary Sitar Music de la banda Spacemen
3 se ve influido por el concepto de La Monte Young de Dream Music, evidenciado por la
inclusin de sus notas sobre la chaqueta.
Bowery Electric, co-fundada por Chandler, dedic la cancin "Postscript" en el lbum de
1996 Beat a Young y Riley.
El lbum de 1975 de Lou Reed Metal Machine Music lista (falta de ortografa incluida)
"Drone cognizance and harmonic possibilities vis a vis Lamont Young's Dream Music"[17]
entre sus "Specifications".

Le Sacre du Printemps

La consagracin de la primavera (original en francs, Le Sacre du printemps; en ingls,

The Rite of Spring; en ruso, ) es un ballet en dos actos basado en la
Rusia pagana (L'adoration de la terre y Le sacrifice), con msica del compositor ruso gor
Stravinski y coreografa de Vaslav Nijinsky creado para los Ballets Rusos de Sergi
Digilev. Es una de las obras ms revolucionarias y trascendentales de toda la msica
clsica por sus innovaciones en armona, ritmo y timbre. Fue estrenada en Pars en el
Thtre des Champs-lyses el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux como director de
orquesta. Tuvo gran rechazo en su poca, provocando que en el segundo acto se tuviera
que contener al pblico.
El ttulo en espaol se traduce de la versin original francesa: Le sacre du printemps, con
el que fue estrenado. No obstante, su ttulo en ruso es: , que significa,
literalmente: Primavera, la sagrada. En la partitura se agrega al ttulo la siguiente frase:
"Imgenes de la Rusia pagana". El escndalo que acompa a esta representacin fue
clebre y se critic tanto la msica de Stravinski como la coreografa de Nizhinski.
La consagracin de la primavera es una obra musical para orquesta compuesta en 1913
por el compositor ruso gor Fiodrovich Stravinski. El autor la compuso como parte
integrante de la serie de ballets creados para la compaa de Sergui Diguilev, Les
Ballets Russes, presentados en Pars en la dcada de 1910, entre los que tambin se
encuentran El pjaro de fuego y Petrushka.
A diferencia de en los ballets anteriores, obras ms rusas y menos rupturistas,
Stravinski se atrevi, en esta obra, a innovar ms de cuanto la corriente modernista
francesa (una de las vanguardias en aquel momento) se haba atrevido a hacer. Su
estreno, como poda esperarse, supuso un estrepitoso fracaso: el pblico comenz a
abuchear la obra cuando sta an no haba finalizado. La crtica por su parte estaba
dividida entre los maravillados modernistas franceses, y los reaccionarios autores
romnticos y post-romnticos, que la consideraron como una sucesin estruendosa e
incomprensible de sonidos y ruidos.
La innovacin de esta obra se produjo fundamentalmente en dos mbitos musicales:
Ritmo. El autor prescinde de las tpicas secuencias que caracterizaban hasta el momento
toda obra (por ejemplo: Introduccin, Tema principal, Variacin 1, Variacin 2, ...),
adquiriendo una estructura lineal, prcticamente carente de repeticiones. Adems, no
hay sincrona y acompasamiento ni entre las distintas voces de los instrumentos, ni entre
s mismas a lo largo del tiempo, lo que produce en el oyente esa sensacin de
imprevisin, impulso, brutalidad y desorden. Por otra parte, los ritmos utilizados se
vuelven irregulares por el constante cambio de comps, por el uso de compases

complejos o por la utilizacin de la sncopa para alterar la posicin de las partes

acentuadas de los compases.
Meloda. Sin llegar a la destruccin del sistema de octavas, y la adopcin de la msica
dodecafnica, es frecuente en esta obra el uso de disonancias, as como de lneas
musicales (bien de fondo o como figura principal) que no respetan estrictamente las
lneas marcadas por las modalidades y las escalas, sino a veces meramente
onomatopyicas, todo con una funcin figurativa al servicio de una mejor representacin
plstica.
Armona. Como resultado de la superposicin de lneas meldicas, la armona que se
obtiene se aparta de la tonalidad clsica. Esta armona no tiene funcin estructural, como
sucede en Schnberg, sino que muchas veces se compone de una simple acumulacin de
notas.
Orquestacin. Stravinsky desarrolla aqu una sonoridad completamente nueva. Abundan
los efectos percusivos, agresivos y violentos, desaparece sonido expresivo y meldico de
los instrumentos de cuerda y se favorece el predominio de la percusin y los
instrumentos de viento, evocadores de una naturaleza salvaje y primitiva. En algunos
momentos el uso de los instrumentos de madera (corno ingls, flauta contralto) tiene un
efecto extico y evocador. El solo de fagot en el registro agudo con el que comienza la
obra ya indica que nos encontramos en un mundo totalmente nuevo en lo que a la
sonoridad orquestal se refiere.
Debido a su condicin de primera obra claramente rupturista, y a la dificultad de su
audicin (especialmente para los odos acostumbrados a los compases barrocos,
neoclsicos y romnticos), esta obra puede considerarse para el oyente como una obra
inicial de la msica clsica del siglo XX. A partir de Stravinski, el estilo rupturista domina
todo el panorama musical europeo en todas sus dimensiones, como la meloda, la forma
y el timbre. De hecho, en ninguna otra obra de Stravinski encontramos la misma voluntad
de romper deliberadamente contra todo lo anterior, por lo que el escndalo de esta obra
no se repetir.

Les Six

Les Six (Los Seis, en francs, aunque en realidad eran siete) fue como se conoci a un
grupo francs de msicos de principios del siglo XX. Los miembros del grupo eran:
Georges Auric (18991983);
Louis Durey (18881979);
Arthur Honegger (18921955);
Darius Milhaud (18921974);
Francis Poulenc (18991963);
Germaine Tailleferre (18921983, nica mujer del grupo);
Jean Cocteau (nico no msico, mnager);
Erik Satie (que abandonara el grupo en 1918).
Hay quien considera a Pierre Menu como un integrante del grupo, si bien su prematura
muerte (1919) hizo que su obra no fuese muy evolucionada. Hizo una profunda amistad
sobre todo con Honegger.
En el taller del pintor Lejeune en Montparnasse se reuni por primera vez el grupo que
Erik Satie bautiz como Los Nuevos Jvenes (les Nouveux Jeunes), con un programa
que se resuma en un nico objetivo tambin formulado por Satie:
Estas sociedades, la Nacional, la S. M. I., tocan la msica de otros. Nosotros haremos
una sociedad para tocar nuestra msica.

Los Nuevos Jvenes sern accidentalmente denominados Grupo de los Seis en enero
de 1920, tras una reunin de amigos en casa de Milhaud, reunin a la que asisti el
critico Henri Collet. Entusiasmado por las interpretaciones que ellos mismos hicieron, les
consagr dos artculos en la Cmedia cuyos ttulos fueron Un libro de Rimsky y un libro
de Cocteau, los Cinco rusos, los Seis franceses y Erik Satie, y ms tarde, Los Seis
franceses.
Esta denominacin tuvo fortuna y se impuso con el tiempo a pesar de que por un lado los
estilos de los seis eran muy diferentes y de que por otro no deberan de haber sido slo
seis, ya que podran haberse incluido Alexis Roland-Manuel (18911966), Pierre Menu
(18961919) o Henri Cliquet-Pleyel (18941963).
Su msica se rebelaba fundamentalmente contra el impresionismo y el wagnerismo.
Estaban muy influidos por las ideas de Erik Satie y de Jean Cocteau. Aunque escribieron
alguna obra colectivamente, cada uno deriv en un estilo propio y personal.
En 1918, una serie de contratiempos internos provocaron la marcha de Erik Satie y la
enemistad con el grupo, as como la relacin profesional de ste con Jean Cocteau.
Algunos achacaron la culpa a Arthur Honegger por su estilo romntico (vulneraba las
bases del grupo); mas an as, Durey se mantendra en contacto con Erik Satie al margen
del grupo, hasta la muerte de Satie. Otros compositores como Manuel de Falla o Maurice
Ravel (sobre todo ste ltimo), impresionistas, procuraban mantener distancia con el
grupo, debido a los ideales antiimpresionistas. De todos modos, Tailleferre frecuentara la
casa de Ravel, pero slo para recibir clases de orquestacin, en una simple relacin
artstica. No se volvieron a ver ms despus de 1930, rehusando dar explicaciones.
Asimismo, Satie se enemistaba con el grupo, pero ganaba la amistad de Falla, Ravel y
Stravinsky entre otros, y sigui manteniendo una relacin artstica con Tailleferre y Durey,
a pesar de ganarse el odio especialmente de Darius Milhaud y Arthur Honegger.

Loop/Delay

El trmino loop es un anglicismo que en msica electrnica consiste en uno o varios

samples sincronizados que ocupan generalmente uno o varios compases musicales
exactos y son grabados o reproducidos enlazados en secuencia una vez tras otra dando
sensacin de continuidad. El trmino se puede traducir como "bucle".
Los samples o bucles pueden ser repetidos utilizando diversos mtodos como cintas de
casete, efectos de retardo (delay), giradiscos, samplers, o con la ayuda de software
especfico para ordenadores.
Las repeticiones se utiliza en la msica de todas las culturas, pero los primeros msicos
en utilizar los loops como tcnica principal de desarrollo fueron Pierre Henry, Edgard
Varse y Karlheinz Stockhausen. La msica de Stockhausen estaba influenciada por el
grupo The Beatles y sus trabajos se basaban en grabaciones de este grupo encadenadas
y retocadas. Los loops tambin fueron usados a mediados de los aos 60 en la msica
psicodlica . Temas como Tomorrow Never Knows en 1966 y la vanguardista Revolution 9
en 1968 fueron los que, fundamentalmente, inauguraron esta novedosa tcnica en el
panorama musical que pas a denominarse looping. Ms adelante, inspirados por Terry
Riley usando grabaciones en una mquina que utilizaba dos cintas de audio Brian Eno y
el guitarrista Robert Fripp crearon un sencillo aparato para crear su lbum No
Pussyfooting y lo denominaron Frippertronics.
Otra manera de crear msica a travs de estas nuevas tcnicas fue el uso de loops
grabados de antemano, as surgieron estilos musicales como el hip hop, trip hop, techno,
drum and bass, en el dub contemporneo e incluso en bandas sonoras de pelculas.
Delay (ingls: retraso) es un efecto de sonido que consiste en la multiplicacin y retraso
modulado de una seal sonora. Una vez procesada la seal se mezcla con la original. El
resultado es el clsico efecto de eco sonoro.

En cualquier mdulo de delay sencillo se pueden encontrar los siguientes parmetros de

control:
Retraso: Es el tiempo que tarda en producirse un eco, suele medirse en milisegundos o
estar sincronizado con un tempo.
Feedback o retroalimentacin: Es la cantidad de veces que se repite la seal sonora
pudiendo ser cualquier valor entre una e infinito.
Mezcla: Es la cantidad de sonido retrasado que se mezcla con el original.
Estos son los parmetros bsicos de cualquier mdulo de delay, pero no son los nicos
posibles. En mdulos ms avanzados se pueden encontrar controles como la cada de
frecuencias en el tiempo, ajustar varios ecos diferentes, sincronizacin MIDI, filtrado de
frecuencias.
Existen multitud de modelos diferentes de delay, tanto en forma de mdulo analgico,
como en forma de mdulo digital, pero la mayor creatividad se encuentra en los mdulos
de delay software disponibles para diversas plataformas (VST, DX, RTAS, AudioUnit etc.)

Lovely Music

= Un album de Leroy Jenkins (Chicago, 1932 - Nueva York, 24 de febrero de 2007),

violinista de Jazz. Se le considera la cima de este instrumento en su estilo.
Jenkins empez a los ocho aos a tocar el violn y a dar recitales, a menudo en compaa
de la pianista Dinah Washington, tambin una nia por entonces.
Tras estudiar violn, se hizo profesor en las escuelas para nios pobres de los estados
sureos, regresando a Chicago en 1964.
Form a finales de los aos 1960 The Creative Construction Company, junto a Anthony
Braxton y Leo Smith, para ms tarde unirse a Ornette Coleman, en la llamada segunda
ola del free jazz.
En 1970 fund The Revolutionary Ensemble, junto al contrabajo Sirone y Jerome Cooper,
batera, con los que grab dos discos. Con este grupo gir por todo el mundo,
especialmente Europa.
En 1989 colabor con Hans Werner Henze en la composicin de la pera y ballet The
Mother of Three Sons.
En 2004 resucit The Revolutionary Ensemble, con sus compaeros, obteniendo gran
xito en sus espectculos.
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Marjan Mozetich

Marjan Mozetich (born 1948) is a Canadian composer. He was born in Italy to Slovenian
parents and has lived in Canada since 1952. He is currently an Adjunct Lecturer in
Composition at Queen's University in Kingston, Ontario and has won several prestigious
awards, including the first prize in the CAPAC (SOCAN)-Sir Ernest MacMillan Award. His
major compositions include Fantasia... sul linguaggio pertuto, and Postcards from the Sky.
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Mikolay Gorcki

Henryk Mikoaj Grecki (Czernica, 6 de diciembre de 1933 Katowice, 12 de noviembre

de 2010[1] ) fue un compositor polaco
Naci en Czernica, en el sur de Polonia. No estudi msica de manera regular hasta llegar
a los veinte aos de edad, cuando comenz a estudiar en Katowice. Posteriormente,
mientras continuaba sus estudios en Pars, Grecki tuvo la posibilidad de escuchar

trabajos de Anton Webern, Olivier Messiaen y Karlheinz Stockhausen, compositores

censurados por el gobierno polaco, por el contenido religioso de sus composiciones. Ms
tarde, Grecki fue nombrado profesor de msica en Katowice, pero renunci al cargo a
finales de la dcada de 1970, en protesta por la negativa del gobierno pro-sovitico de
permitir al papa Juan Pablo II que visitase la ciudad. Katowice ha sido uno de los centros
de la resistencia polaca contra las agresiones militares alemanas y rusas, por lo que la
negativa del gobierno socialista fue vista como un golpe innecesario contra las creencias
del pueblo polaco, aunque -en ltima instancia- contribuy a la ola de descontento y
protestas sociales que finalmente hicieron naufragar a los regmenes pro soviticos de
Europa del Este.
La msica de Grecki abarcaba una gran variedad de estilos, pero tenda a ser
relativamente simple en armonas. Sus primeros trabajos recuerdan el estilo de Pierre
Boulez y otros serialistas. Sus composiciones ms recientes suelen ser comparadas con el
minimalismo, a veces llamado "minimalismo sacro". Como Arvo Prt, con quien tambin
se le comparaba. Sus trabajos reflejaban con frecuencia sus profundas creencias
religiosas (Grecki era catlico).
La obra ms popular de Grecki fue su Tercera Sinfona (Opus 36), tambin conocida
como Sinfona de las lamentaciones o Sinfona de las canciones de lamento. Esta
partitura para orquesta y soprano, escrita en 1976, se divide en tres movimientos. Las
coloraciones del primer movimiento - lento, sostenuto tranquillo ma cantabile - hacen
alusin a un lamento que data del siglo XV; el segundo movimiento, lento e largo,
tranquillissimo, contiene frases escritas sobre el muro de una prisin de la Gestapo en
Zakopane. En ellas, su autora, la nia Helena Bausiak, pide la intercesin de la Virgen
Mara. El tercer movimiento, lento, cantabile-semplice, reproduce una cancin folclrica
escrita en un dialecto del polaco. La msica es lenta y contemplativa. El primer
movimiento -un canon lento y prolongado para cuerdas- dura la mitad del total de la
obra. Una interpretacin regular dura alrededor de cincuenta minutos. La versin
fonogrfica ms conocida de esta pieza es, probablemente, la que en 1992 grab la
London Sinfonietta dirigida por David Zinman, teniendo como solista a la soprano
estadounidense Dawn Upshaw, que vendi ms de dos millones de copias. Hay otras
versiones en el mercado.
Adems de su tercera sinfona, Grecki compuso, entre otras obras, el himno Totus Tuus
(Op. 60, 1987), "Todo tuyo", en el que aborda uno de los temas recurrentes de la teologa
del papa Juan Pablo II, el de la necesidad de desarrollar una renuncia absoluta a la
voluntad de Dios, por lo que se le identifica como un himno dedicado al pontfice, aunque
de hecho se trate de un himno dedicado a la Virgen Mara en el que se le reconoce en sus
advocaciones de Madre del Salvador y Madre del Redentor, como se hace en las letanas
lauretanas del rosario y en otras oraciones de la tradicin catlica.
Falleci el 12 de noviembre de 2010, tras una larga enfermedad, en Katowice.[2]
Su viuda es la pianista Jadwiga Ruranska con quien procre dos hijos, uno de ellos, Anna,
es pianista y Milkolaj es compositor como su padre.

Mikrokosmos

= werk van Bela Bartok

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Modes transposition limites

= muziekale vernieuwing van Messiaen

Olivier Messiaen (Avin, 10 de diciembre de 1908 - Clichy, le-de-France, 27 de abril de
1992) fue un compositor, organista y ornitlogo francs. Ingres en el Conservatorio de
Pars a la edad de 11 aos, y tuvo como profesores a Paul Dukas, Marcel Dupr, Maurice

Emmanuel y Charles-Marie Widor. Fue designado organista en la Iglesia de la Santsima

Trinidad de Pars en 1931, puesto que ocup hasta su muerte.
En 1940, en la Batalla de Francia, Messiaen fue hecho prisionero de guerra, y mientras
estaba encarcelado compuso su Quatuor pour la fin du temps (Cuarteto para el fin de
los tiempos) para los cuatro instrumentos disponibles all: piano, violn, violonchelo y
clarinete. La obra fue estrenada por Messiaen y sus amigos prisioneros ante una
audiencia de prisioneros y vigilantes.[1] Al salir de prisin en 1941, pronto Messiaen fue
nombrado profesor de armona, y luego profesor de composicin en 1966 en el
Conservatorio de Pars, puesto que mantuvo hasta su retiro en 1978. Entre sus
distinguidos alumnos estn Pierre Boulez, Yvonne Loriod (quien despus sera la segunda
esposa de Messiaen, y la intrprete por excelencia de sus obras escritas para piano o con
piano solista), Karlheinz Stockhausen, Iannis Xenakis, William Bolcom y George Benjamin.
La msica de Messiaen es rtmicamente compleja (l estaba interesado en los ritmos de
la antigua Grecia y de orgenes hindes), y se basa armnica y meldicamente en los
modos de transposicin limitada, que fueron una innovacin propia de Messiaen. Muchas
de sus composiciones representan lo que l llam los aspectos maravillosos de la fe,
mostrando su inquebrantable catolicismo. Viaj mucho y escribi sus obras inspirado por
diversas influencias tales como la msica japonesa, el paisaje del Can de Bryce en Utah
o la vida de San Francisco de Ass. Messiaen experiment una cierta sinestesia
manifestada como una percepcin de colores cuando oa ciertas armonas. Durante un
perodo muy corto, Messiaen experiment con el serialismo integral, en cuyo campo es
citado a menudo como un innovador. Su estilo absorbi muchas influencias musicales
exticas tales como gamelan de Indonesia (la percusin afinada tiene a menudo un
prominente papel en sus obras orquestales), y tambin us las ondas Martenot.
Messiaen estaba fascinado por el canto de los pjaros; deca que los pjaros eran los
mejores msicos y se consideraba a s mismo tanto ornitlogo como compositor.
Transcriba el canto de los pjaros en sus viajes por todo el mundo, e incorpor las
transcripciones de estos cantos en gran parte de su msica. Su uso innovador del color,
su concepcin personal de la relacin entre el tiempo y la msica, su uso del canto de los
pjaros, y su intento de expresar profundas ideas religiosas, todo se combina de tal modo
que hace casi imposible confundir una composicin de Messiaen con una obra de
cualquier otro compositor clsico occidental.
Los modos de transposicin limitada son modos musicales creados por el compositor
francs Olivier Messiaen.

Basado en la escala cromtica occidental de doce notas, estos modos se componen de

varios grupos de notas que se generan a partir de una cierta secuencia de intervalos o
mdulos generadores, donde la ltima nota de cada grupo es la primera nota del
siguiente. Como su nombre indica, despus de cierto nmero de transposiciones
cromticas (es decir subiendo o bajando un semitono) cada modo no se puede seguir
siendo transportando - la transposicin siguiente da por resultado exactamente las
mismas notas que las primeras.
Por ejemplo, el primer modo contiene las notas do, re, mi, fa#, sol#, la#, do;
transportando este modo hacia arriba un semitono nos da do#, re#, mi#, fax, solx, lax,
do#. Transportando esto un semitono ms hacia arriba nos dara re, mi, fa#, sol#, la#,
si#, re, que es exactamente con lo que comenzamos. En este caso decimos que el primer
modo es transportable cromticamente slo una vez, es decir: para este modo existen
dos nicas transposiciones posibles. Messiaen encontr maneras de emplear todos estos
modos tanto armnica como meldicamente.

Morton Feldman

Morton Feldman (1926-1987) fue un destacado compositor norteamericano, conocido por

algunas de sus singulares piezas instrumentales, compuestas por sonidos aislados de
muy larga duracin y para inusuales agrupaciones de instrumentos (por ejemplo, varios
pianos).
Morton Feldman naci en la ciudad de Nueva York, el 12 de Enero de 1926. Estudi piano
con Madame Maurina-Press (alumna de Ferruccio Busoni) y ms tarde, composicin con
Wallingford Riegger y Stefan Wolpe, al que dedic posteriormente una de sus ms
destacadas obras. A pesar del aprecio que senta hacia sus profesores, discrepaba acerca
de sus teoras sobre el arte musical, y sola discutir con ellos durante largas horas. Fue un
compositor muy de su tiempo, que sin embargo cultiv un estilo personal y diferente con
respecto a la mayora de los compositores de su entorno.
En 1950, y durante la audicin de una sinfona de Anton Webern a cargo de la filarmnica
de Nueva York, conoci a John Cage, una de sus mximas influencias a lo largo de su
vida. Los dos llegaron a ser buenos amigos, y a raz de este encuentro,
Morton Feldman comenz a escribir piezas que se alejaban de las formas musicales
clsicas y modernas (como las tcnicas seriales, tan en boga por aquellos aos).
Experiment con sistemas alternativos de notacin musical, como sus piezas grficas
indeterminadas, donde slo especificaba los timbres y el registro, dejando el ritmo y las
notas a eleccin del intrprete. En esta poca, tambin trat de aplicar elementos de la
teora de probabilidades a sus composiciones, inspirndose principalmente en obras
como Music of Changes, del citado John Cage. A mediados de los aos 50, y por
necesidades de precisin en su msica, vuelve a la notacin tradicional.
Siempre a travs de Cage, Feldman conoce a algunas de las ms importantes
personalidades de la escena artstica neoyorkina, en la que por aquellos aos destacaban
Jackson Pollock, Philip Guston, Frank OHara y Samuel Beckett. Especialmente, se sinti
fascinado por el primero y sus colegas; sus pinturas, enmarcadas dentro del
expresionismo abstracto, se convirtieron en una nueva gran inspiracin para l. A partir
de ese momento, intentar extrapolar las pinturas de estos artistas a sus composiciones,
tal y como queda reflejado en su siguiente comentario:
Me interesa la dimensin global de Rothko, que anula el concepto de las relaciones entre
proporciones. No es la forma lo que permite a la pintura de emerger; el descubrimiento
de Rothko ha sido el de definir una dimensin global que sostiene los elementos en
equilibrio... Soy el nico que compone de esta manera, como Rothko: en el fondo se trata
solamente de mantener esta tensin, o este estado, a la vez helado y en vibracin.
Durante la dcada de los 70, y casi siempre con esta idea en mente, escribi un buen
nmero de piezas, entre las que destacan Rothko Chapel (1971), pieza escrita para ser
interpretada en la capilla diseada por Rothko, Frank OHara (1973), y la pera Neither
(1977), que dedic a Samuel Beckett.
En su ltima etapa, Feldman comenz a producir sus propios trabajos. Quizs sea su
periodo ms denso y oscuro, donde su msica alcanza cotas msticas de irrealidad, con
largas composiciones que frecuentemente superaban la hora y media de duracin,
llegando incluso a las cinco horas en String Quartet II (1983). Es esta una de las obras
ms memorables del compositor, a pesar de que su primera interpretacin completa no
pudo escucharse hasta 15 aos despus. For Philip Guston (1984) y Violin and String
Quartet (1985), de 4 y 2 horas respectivamente, fueron otras de sus obras destacadas de
esta poca. En todas estas piezas, Feldman llev hasta el extremo las influencias de sus
clegas expresionistas abstractos, interpolando temporalmente las grandes superficies
de Pollock y Rothko a sus composiciones, lo que explica su larga duracin. Ausencia de
climax, disonancia, serenidad y notas prolongadas hasta el infinito son algunos de los
atributos comunes que caracterizan a estas piezas, las ms recordadas del compositor.
Morton Feldman muere en 1987 en Bufalo (Nueva York) poco tiempo despus de su
matrimonio con la compositora Barbara Monk.

Music of changes

= obra de John Cage, tipica musica aleatoria

La msica aleatoria o de azar es una tcnica compositiva musical basada en el recurso a
elementos no regulados por pautas establecidas y en la que adquiere un papel
preponderante, es la improvisacin a partir de las secuencias no estructuradas. Tales
rasgos improvisadores pueden fijarse en la creacin del autor o en el desarrollo de la
propia interpretacin. Es frecuente, en consecuencia, la composicin de piezas aleatorias
en las que el ejecutante determina la estructura final de la obra, mediante la
reordenacin de cada una de las secciones de la misma, o incluso mediante la
interpretacin simultnea de varias de ellas.
El azar es un rasgo definitorio de esta tcnica compositiva que alcanzara una notable
difusin a partir de la dcada de 1950.
Las corrientes aleatorias tuvieron algunas de sus ms significativas representaciones en
las creaciones del estadounidense John Cage -Music of Changes (1951 o 4'33; Msica de
cambios)-, el alemn Karlheinz Stockhausen -Hymnen (1967; Himnos)-, los italianos Bruno
Maderna y Franco Donatoni, el espaol Luis de Pablo, los argentinos Alberto Ginastera, y
Mauricio Kagel y el francs Pierre Boulez.
Las ms destacadas modalidades en las que se plantea la creacin aleatoria en la msica
contempornea son la forma mvil, que impone diversas soluciones interpretativas de
rango equiparable; la forma variable, en la que predomina la improvisacin; y el llamado
work in progress, que constituye el mximo grado de azar en la ejecucin de la pieza. En
todas ellas suelen incorporarse instrumentos clsicos, con especial atencin al piano, y
medios de ejecucin electrnicos tales como sintetizadores, distorsionadores y cintas
grabadas.

Musique concrte vs elektronische muziek

Msica concreta
Desde alrededor de 1900 se utilizaba el magnetfono de alambre magntico de baja
fidelidad (lo-fi).[4] y a comienzos de los aos 1930 la industria cinematogrfica comenz
a convertirse a los nuevos sistemas de grabacin de sonido pticos basados en clulas
fotoelctricas.[5] En esta poca la empresa alemana de electrnica AEG desarrolla el
primer magnetfono de cinta prctico, el "Magnetophon" K-1, revelado en el Berlin Radio
Show en agosto de 1935.[6]
Durante la Segunda Guerra Mundial, Walter Weber redescubri y aplic la tcnica AC bias,
que increment dramticamente la fidelidad de las grabaciones magnticoas al aadir
una frecuencia alta inaudible. Extendi en 1941 la curva de frecuencia del Magnetophone
K4 hasta 10 kHz y mejor la relacin seal/ruido hasta 60 dB[7] sobrepasando cualquier
sistema de grabacin conocido en aquel tiempo.
En 1942, AEG ya estaba realizando pruebas de grabacin en estreo.[8] No obstante,
estos dispositivos y tcnicas fueron un secreto fuera de Alemania hasta el final de la
Guerra, cuando varios de estos aparatos fueron capturados y llevados a Estados Unidos
por Jack Mullin y otros. Estos grabadores capturados sirvieron de base para los primeros
grabadores de cinta profesionales que fueron comercializados en Estados Unidos, el
Model 200 producido por la empresa Ampex.
La cinta de audio magntica abri un vasto campo de posibilidades sonoras para
msicos, compositores, productores e ingenieros. La cinta de audio era relativamente
barata y muy confiable, y su fidelidad en la reproduccin mejor que cualquier otro medio

de audio conocido hasta la fecha. Ms importantemente, y a diferencia de los discos,

ofreca la misma plasticidad que la pelcula: puede ser ralentizada, acelerada o incluso
reproducirse al revs. Puede editarse tambin fsicamente, incluso slo segmentos de la
cinta. O unirse diferentes trozos de cinta en loops infinitos que reproducen continuamente
determinados patrones de material pregrabado. La amplificacin de audio y el equipo de
mezcla expandieron todava ms all las posibilidades de la cinta como medio de
produccin, permitiendo que mltiples grabaciones fueran grabadas a la vez en otra cinta
diferente. Otra posibilidad de la cinta era su capacidad de ser modificada fcilmente para
convertirse en mquinas de eco para producir de modo complejo, controlable y con gran
calidad efectos de eco y reverberacin (lo que es prcticamente imposible de conseguir
por medios mecnicos).
Pronto los msicos comenzaron a utilizar el grabador de cinta o magnetfono para
desarrollar una nueva tcnica de composicin llamada msica concreta. Esta tcnica
consiste en la edicin de fragmentos de sonidos de la naturaleza o de procesos
industriales grabados conjuntamente. Las primera piezas de "musique concrte" fueron
creadas por Pierre Schaefer, quien colabor con Pierre Henry. En 1950, Schaefer dio el
primer concierto (no emitido) de msica concreta en la cole Normale de Musique de
Paris. Posteriormente ese ao, Pierre Henry colabor con Schaefer en la Symphonie pour
un homme seul (1950), la primer obra importante de msica concreta. En Pars en 1951,
en lo que se convertira en una tendencia global, RTF cre el primer estudio para la
produccin de msica electrnica. Tambin en 1951, Schaefer y Henry produjeron una
pera, Orpheus, para sonidos y voces concretos.
Elektronische Musik
Karlheinz Stockhausen trabaj brevemente en el estudio de Schaefer en 1952, y
posteriormente durante muchos aos en el Estudio de Msica Electrnica de la WDR de
Colonia en Alemania.
En Colonia, el que se convertira en el estudio de msica electrnica ms famoso del
mundo abri en los estudios de la radio de la NWDR en 1953. Ideado por Werner MeyerEppler, Robert Beyer y Herbert Eimert (que se convertira en su primer director), pronto
se unieron al estudio Karlheinz Stockhausen y Gottfried Michael Koenig. En su tesis de
1949, Elektronische Klangerzeugung: Elektronische Musik und Synthetische Sprache,
Meyer-Eppler concibi la idea de sintetizar msica enteramente desde seales producidas
electrnicamente. De esta manera, la elektronische Musik se diferenciaba abruptamente
respecto a la musique concrte francesa, que utilizaba sonidos grabados a partir de
fuentes acsticas.
Con Stockhausen and Mauricio Kagel como residentes, se convirti en un emblema del
avant garde, combinando sonidos generados electrnicamente con orquestaciones ms
convencionales. Ejemplos significativos son Mixtur (1964) y Hymnen, dritte Region mit
Orchester (1967). Stockhausen afirm que sus oyentes le decan que su msica
electrnica les daba una experiencia de "espacio exterior", sensaciones de volar, o de
estar en "un mundo de ensueo fantstico".
En Estados Unidos, se utilizaban sonidos creados electrnicamente para diferentes
composiciones, como ejemplifica la pieza Marginal Intersection de Morton Feldman. Esta
pieza est pensada para vientos, metales, percusin, cuerdas, dos osciladores y efectos
de sonido.
El Music for Magnetic Tape Project fue formado por miembros de la Escuela de Nueva York
(John Cage, Earle Brown, Christian Wolf, David Tudor y Morton Feldman) y dur tres aos
hasta 1954. Durante esta poca, Cage complet su Williams Mix, en 1953.
[editar] Msica estocstica
Un importante desarrollo lo constituy la aparacin de ordenadores utilizados para
componer msica, en contraposicin de la manipulacin o creacin de sonidos. Iannis
Xenakis comenz lo que se conoce como "musique stochastique" o msica estocstica,

un mtodo de componer que emplea sistemas matemticos de probabilidad estocsticos.

Se utilizaban diferentes algoritmos de probabilidad para crear piezas bajo un set de
parmetros. Xenakis utiliz papel grfico y una regla para ayudarse a calcular la
velocidad de las trayectorias de los glissandos para su composicin orquestal Metastasis
(1953-1954), pero posteriormente pas a utilizar ordenadores para componer piezas
como ST/4 para cuarteto de cuerda y ST/48 para orquesta.
Mediados hasta finales de los 1950
En 1954, Stockhausen compuso su Elektronische Studie II la primera pieza electrnica
en ser publicada como banda sonora.
En 1955, aparecieron ms estudios electrnicos y experimentales. Fueron notables la
creacin del Studio de Fonologia, un estudio en el NHK de Tokio fundado por Toshiro
Mayuzumi, y el estudio de Phillips en Eindhoven, Holanda, que se traslad a la
Universidad de Utrecht como Instituto de Sonologa en 1960.
La banda sonora de Forbidden Planet, de Louis y Bebe Barron, fue compuesta
completamente mediante circuitos caseros y magnetfonos en 1956.[9]
El primer ordenador del mundo en reproducir msica fue el CSIRAC, que fue diseado y
construido por Trevor Pearcey y Maston Beard. El matemtico Geof Hill program el
CSIRAC para tocar melodas de msica popular. No obstante, el CSIRAC reproduca un
repertorio estndar y no fue utilizado para ampliar el pensamiento musical o para tocar
composicione sms elaboradas.
El impacto de los ordenadores continu en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Isaacson
compusieron Iliac Suite para un cuarteto de cuerda, la primera obra completa en ser
compuesta con la asistencia de un ordenador utilizando un algoritmo en la composicin.
Posteriores desarrollos incluyeron el trabajo de Max Mathews en Bell Laboratories, quien
desarroll el influyente programa MUSIC I. La tecnologa de vocoder fue otro importante
desarrollo de esta poca.
En 1956, Stockhausen compuso Gesang der Jnglinge, la primera gran obra del estudio
de Colonia, basado en un texto del Libro de Daniel. Un importante desarrollo tecnolgico
fue la invencin del sintetizador Clavivox por Raymond Scott, con ensamblaje de Robert
Moog.
El sintetizador RCA Mark II Sound Synthesizer apareci en 1957. A diferencia de los
primeros Theremin y Ondes Martenot, era difcil de usar, requera una extensa
programacin, y no poda tocarse en tiempo real. En ocasiones denominado el primer
sintetizador electrnico, el RCA Mark II Sound Synthesizer utilizaba osciladores de vlvula
termoinica e incorporaba el primer secuenciador. Fue diseado por RCA e instalado en el
Columbia-Princeton Electronic Music Center, donse sigue actualmente. Posteriormente,
Milton Babbitt, influenciado en sus aos de estudiante por la "revolucin en el
pensamiento musical" de Schoenberg, comenz a aplicar tcnicas seriales a la msica
electrnica.

Musique dameublement

= una obra de Eric Satie

Hacia fin de siglo se gestara el Impresionismo, que buscara su expresin en la ruptura
con la tonalidad, buscando en la modalidad como forma bsqueda arcaizante. Tambin se
inspirara en msicas "exticas", particularmente en la msica de gameln. Rompera con
el contraste en favor de la homogeneidad incluso hasta llegar al concepto de msica
funcional, como es el caso de la pieza experimental de Erik Satie "Musique
d'ameublement".

Satie streefde naar een toneelmuziek die niets anders zou zijn dan decor, klinkende sfeer.
In 1918 deed hij voor het eerst een poging om dit idee in zijn symfonisch drama Socrate
te realiseren. Hij zelf sprak in 1920 van een Musique d'ameublement
(meubileringsmuziek). Doordat de muziek niets dan klankachtergrond is, die men
uitsluitend oppervlakkig of berhaupt niet waarneemt, worden verdubbelingen tussen
actie en muziek vermeden. De actie staat op de voorgrond; de muziek is onafhankelijk
van welk detail dan ook, maar evoceert de sfeer van een scne.
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Neue Einfachneit/New Simplicity

Nueva Simplicidad (en alemn, die neue Einfachheit) fue una tendencia estilstica surgida
entre algunos de los componentes de la generacin ms joven de compositores alemanes
en los ltimos aos de la dcada de los aos setenta y comienzos de los ochenta del siglo
XX, y que supuso una reaccin no solamente contra la vanguardia musical europea de las
dcadas de los cincuenta y sesenta, sino tambin contra la ms amplia tendencia hacia la
objetividad de comienzos de siglo. Algunos trminos alternativos utilizados en ocasiones
para designar este movimiento son Nueva Subjetividad (neue Subjektivitt), Nueva
Esencia (Neue Innigkeit), Nuevo Romanticismo, Nueva Sensualidad, Nueva
Expresividad, Nuevo Clasicismo y Nueva Tonalidad.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y
su resultado musical (en contraste con la elaborada planificacin precompositiva
caracterstica del vanguardismo), con la intencin de crear una comunicacin ms fcil
con las audiencias. En algunos casos, ello signific una vuelta al lenguaje tonal del siglo
XIX as como a las formas musicales (sinfona, sonata) y a las combinaciones
instrumentales (cuarteto de cuerda, tro con piano) tradicionales, que haban sido
evitadas en su mayor parte por la vanguardia. Para otros compositores, signific trabajar
con texturas ms simples o el empleo de armonas tridicas en contextos no tonales. De
entre los compositores identificados de una forma ms cercana con este movimiento,
solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputacin significativa fuera de Alemania.
Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans Abrahamsen,
Alfred Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, Gyrgy Kurtg, Roland
Moser, Arvo Prt, Alfred Schnittke, Kurt Schwertsik y Howard Skempton han sido
relacionados ocasionalmente con los nuevos simplicistas. Al menos dos autores han ido
an ms lejos al asegurar que uno de los compositores vanguardistas contra el que se
haba rebelado ms ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se
habra anticipado a sus posiciones con la simplificacin radical de su estilo que se produjo
entre 1966 y 1974 (Faltin 1979, 192; Andraschke 1981).

New virtuosity/nieuwe virtuositeit

La nueva msica interpretada. La nueva virtuosidad. Nuevas prcticas de interpretacin.

El trmino virtuosismo indica, de parte de un intrprete de instrumento musical, el
predominio del aspecto tcnico-ejecutivo del arte.
La personalidad del "virtuoso" se caracteriza desde la infancia o en un primer contacto
con un instrumento musical, por una extrema y no comn facilidad para ejecutar o tan
solo interpretar la msica, muchas veces sin un bagaje terico, en gneros asociados a
una espontnea vena creativa. No es por casualidad que los virtuosos suelen encontrarse
asociados a aquellos mbitos donde la improvisacin juega un papel relevante, como el
jazz o el canto lrico hasta el inicio del siglo XIX. Muchos msicos del rock han sido
denominados como virtuosos como Charly Garca, quien toca el piano desde los 4 aos,
posee odo absoluto y ya a la edad de 12 aos era profesor de msica.

Organisatie van het geluid

Paradox van het postmodernisme

De 'paradox' van het postmodernisme is dat het de bewering 'Wat nieuw is, is niet nieuw.
Wat niet nieuw is, is nieuw' als waar beschouwt. Gezien vanuit dit postmodernisme, kijken
we thans terug op wat nieuw is, wanneer we naar het modernisme kijken. Zo drukte
Boudewijn Buckinx zich uit zijn radiouitzending van 10.11.1992.
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Philip Glass

Philip Morris Glass (Baltimore, 31 de enero de 1937) es un compositor estadounidense de

msica minimalista. Asisti de joven a la escuela de msica Juilliard. Es relativamente
conocido, pese a la complejidad de sus propuestas musicales, desde la aparicin de su
pera Einstein on the Beach.
Ha compuesto ms de 20 peras, largas y breves; ocho sinfonas; dos conciertos para
piano y conciertos para violn, piano, timpani, saxofn y orquesta; ha puesto msica a un
viejo film como La bella y la bestia de Jean Cocteau. Trabaja habitualmente con el Philip
Glass Ensemble. Ha colaborado con Paul Simon, Linda Ronstadt, Yo-Yo Ma, Doris Lessing y
desde luego con Robert Wilson.
Philip Glass es nieto de inmigrantes judos originarios de Lituania. Naci y creci en
Baltimore y de nio estudi flauta en el conservatorio Peabody.
A los 15 aos comenz un curso acelerado en la Universidad de Chicago donde estudi
matemticas y filosofa. A los 19 aos obtuvo su diploma y entr a la Juilliard School de
Nueva York donde tuvo como profesor a Darius Milhaud y empez a tocar casi
exclusivamente el piano. Dada su insatisfaccin, desde 1963 hastaa 1965 parti a
estudiar a Pars, con Nadia Boulanger, en el Conservatorio americano de Fontainebleau el
anlisis de composiciones de Johann Sebastian Bach (El clave bien temperado), Mozart
(los conciertos para piano), a Wagner y Beethoven. Glass descubre asimismo el serialismo
de Pierre Boulez, pero afirm que no le produjo ninguna emocin. Este periodo en Pars
le sirvi para descubrir el teatro de Jean-Louis Barrault en el Odon as como la Nouvelle
Vague francesa.
Tras estudiar con Nadia Boulanger y trabajar estrechamente con Ravi Shankar en Francia,
Glass viaj en 1966 al norte de la India, principalmente por razones religiosas, donde
entr en contacto con los refugiados tibetanos. Se hizo budista y conocera al Dali Lama
en 1972, as como al poeta Allen Ginsberg. Es un gran defensor de la causa tibetana. Fue
su trabajo con Ravi Shankar y su percepcin del ritmo aditivo en la msica india, lo que le
condujo a su singular estilo. Cuando volvi a Nueva York en 1967, renunci a todas sus
composiciones anteriores al estilo de Darius Milhaud y de Aaron Copland y empez a
escribir piezas austeras basadas en ritmos aditivos y con un sentido del tempo
influenciado por Samuel Beckett, cuyo trabajo descubri componiendo para obras de
teatro experimentales.
El poco aprecio que siente hacia los intrpretes y los espacios tradicionales lo llevan a
formar su propio grupo musical, el Philip Glass Ensemble, con el que empieza a tocar
principalmente en galeras de arte y en otros ambientes de la cultura underground. Estos
tiempos dursimos, que abarcaron casi la totalidad de la dcada de los 70, le obligaron a
trabajar como taxista y reparador de electrodomsticos a la vez que compona e
interpretaba.
La msica de esta primera poca es extremadamente repetitiva, austera y complicada
para el oyente, lo que le supuso una gran incomprensin por parte de la crtica y el
pblico. El propio Glass comentaba que cuando alguien del pblico se quedaba hasta el
final, le invitaban a cenar. Slo empez a ser reconocido a partir de su colaboracin con
el director escnico y renovador teatral, tambin minimalista, Robert Wilson (director),
con quien realiz la pera experimental Einstein on the Beach, un alegato antinuclear con
libreto escrito por un psictico donde cada elemento clsico del gnero operstico se ve

renovado y alterado de modo consciente. Aun as, a pesar del relativo xito de la obra,
tiene que seguir trabajando como reparador durante un tiempo antes de poder dedicarse
totalmente a la msica.
Habitualmente Philip Glass rehsa encuadrar sus creaciones dentro del estilo minimalista,
perp el se ha definido a s mismo como un compositor de msica que se basa en
estructuras repetitivas.
La realizacin de nuevas peras as como una dulcificacin de su estilo a principios de los
80, ms accesible para el gran pblico, hizo avanzar la fama de Glass, as como su
relevancia dentro de la cultura musical alternativa. Los primeros escarceos con msicos
pop (como Mike Oldfield en su LP Platinum, donde interpreta una pieza de Glass)
contribuyeron a darle a conocer en crculos ms amplios.
Es posible que la fama a nivel mundial y cierto estatus de genio le llegara a travs de la
pelcula experimental Koyaanisqatsi, dirigida por Godfrey Reggio y producida por Francis
Ford Coppola.
A pesar de su fama, su reconocimiento como compositor no es unnime; algunos
melmanos e incluso varios compositores contemporneos suyos tales como Ned Rorem
o Milton Babbitt, cuestionan su obra por falta de rigurosidad y consideran su msica
empalagosa y superficial.
Durante el resto de los aos 80 sigui produciendo msica en solitario y con su grupo
pero no escatim en colaboraciones con otros msicos, tanto pop como minoritarios o de
otras culturas, y en la realizacin de msica de cine. Desde entonces y hasta la
actualidad Glass ha orquestado algunas partes instrumentales de los discos de David
Bowie Low y Heroes (Low Symphony y Heroes Symphony) as como muchas pelculas; el
biopic dirigido por Errol Morris A Brief History of Time (basado en el libro divulgativo de
fsica de Stephen Hawking); Mishima, de Paul Schrader o Kundun, de Martin Scorsese.
Ya en los aos 90 Philip Glass adquiri fama universal. Su msica durante todo este
periodo se ha alejado cada vez ms del minimalismo y de sus planteamientos personales
iniciales para llegar a posturas ms comerciales y llenas de clichs glasianos, como sus
caractersticos arpegios o transiciones tonales. Ya a inicios del siglo XXI su msica ha
continuado siendo motivo de admiracin y crtica. Entre sus principales obras se
encuentran su Sptima Sinfona (Tolteca), inspirada en la msica de los pueblos
originarios de Mxico; su Octava Sinfona, llena de variaciones meldicas y armnicas; y
la pera sobre la Guerra Civil estadounidense Appomattox.
En Brasil, Glass ha recibido crticas de los defensores del medioambiente debido lo que
llaman su insensatez en escribir la msica Itaipu (1989) en la cual, usando orquesta
sinfnica y coro, el compositor elogi el gran proyecto hidroelctrico construido por los
militares brasileos duranta la dictadura. En esa poca los militares prohiban protestas
contra la construccin de la presa. El embalse que se cre con la obra destruy para
siempre imensas reas de flora tropical y ahog los Saltos del Guair, hasta entonces la
ms grande cascada del mundo. Parece que el compositor dio poca importancia a las
protestas. Llam al segundo movimiento de su obra "El Lago".

Pierre Boulez

Pierre Boulez (Montbrison, 26 de marzo de 1925) es un compositor, pedagogo y director

de orquesta francs. Su influencia ha sido notable en el terreno musical e intelectual
contemporneo.
Inici estudios de matemticas en el Politcnico de Lyon, antes de ingresar en 1944 en las
clases de armona de Olivier Messiaen en el Conservatorio de Pars. Tambin estudi
contrapunto con Andre Vaurabourg, esposa del compositor suizo Arthur Honegger, y la
tcnica dodecafnica con Ren Leibowitz. Comenz cultivando una msica atonal dentro

de un estilo serial post-weberniano influido por Olivier Messiaen. Este serialismo, a

diferencia del dodecafonismo, no slo aplicaba el concepto de serie a la altura de las
notas, sino tambin a otras variables del sonido: ritmos, dinmicas, ataques, etc. Esto
dara lugar al llamado serialismo integral, corriente esttica de la que fue uno de los
principales representantes junto a compositores como Karlheinz Stockhausen, Luigi Nono,
Ernst Krenek, Milton Babbitt o el propio Messiaen, aunque este ltimo nunca se adscribi
a ella.
Se hizo director y compositor en el famoso teatro de Jean-Luis Barrault. Continuando la
labor de figuras como Pierre Schaefer y Edgar Varse, fue un precursor de la msica
culta electrnica y la msica por computadora. Uno de sus trabajos ms relevantes en
este campo es Rpons, para seis solistas, orquesta y electrnica. Desde 1950 ha
experimentado con la msica aleatoria, manteniendo una notable correspondencia con
John Cage.
Boulez a menudo retoma obras de su repertorio para su revisin: la ltima de sus tres
sonatas para piano, por ejemplo, es una obra abierta que ha estado en continua
revisin desde su estreno en 1957 slo se han publicado dos de sus cinco movimientos
, y ...explosante-fixe..., un concierto para flauta y electrnica, fue primeramente escrito
en los setenta y completamente revisado en los noventa.
En 1970, el presidente francs Georges Pompidou invit a Boulez a crear y dirigir una
institucin para la exploracin y desarrollo de la msica moderna, dando lugar al IRCAM
(Institut de Recherche et Coordination Acoustique/Musique), del que Boulez fue director
hasta 1992. En 2005 todava tena una oficina en el IRCAM.
A parte de su labor como compositor, Boulez es un reconocido director de orquesta,
especializado en obras de autores de la primera mitad del siglo XX como Maurice Ravel,
Claude Debussy, Arnold Schoenberg, gor Stravinski, Bla Bartk, Anton Webern y Edgar
Varse.
Ha dirigido peras, como la primera representacin completa de Lulu de Alban Berg en
Pars. En 1976 fue convocado por Wolfgang Wagner a dirigir la produccin del centenario
de El anillo del nibelungo en el festival de Bayreuth. Renuente al principio, su lectura es
considerada un clsico en la actualidad. Boulez haba dirigido Parsifal en el festival y
Tristn e Isolda y otras en la gira del elenco en Japn en 1966.
Ha estrenado obras de numerosos autores contemporneos como Luciano Berio,
Karlheinz Stockhausen, David del Puerto, Elliott Carter, Olga Neuwirth, York Hller, y del
compositor inclasificable Frank Zappa. Ha sido director de la Orquesta filarmnica de
Nueva York desde 1971 hasta 1977. Entre 1976 y 1995, Boulez tuvo la ctedra de
Composicin, Tcnica y Lenguaje Musical en el famoso Collge de France. Ha trabajado
como director de la Orquesta Sinfnica de la BBC desde 1971 hasta 1974 y de la
Filarmnica de Nueva York desde 1971 hasta 1977. Actualmente es el principal director
invitado en la Orquesta Sinfnica de Chicago y dirige regularmente la Orquesta
Filarmnica de Viena, la Orquesta Filarmnica de Berln, la Orquesta Sinfnica de Londres,
la Orquesta de Cleveland y la Lucerne Festival Academy Orchestra.
La madurez del compositor ha sustituido la feroz concentracin del Boulez temprano por
una msica serena, ms expansiva y accesible. Una msica elegante y refinada, revestida
de las ms exquisitas sonoridades, y dotada de una imaginacin contrapuntstica y un
sentido de la fantasa extraordinarios. Su obra, construida con sonoridades densas y
lneas meldicas que revolotean entre cambios inesperados de rumbo, es compleja e
intrincada, pero evita la retrica grandilocuente.

Pierrot Lunaire

Dreimal sieben Gedichte aus Albert Girauds 'Pierrot lunaire', ("tres veces siete poemas de
Pierrot Lunaire de Albert Giraud"), conocido comnmente como Pierrot Lunaire, Op. 21, es

un ciclo de canciones compuesto por Arnold Schoenberg. Es un conjunto seleccionado

de 21 poemas de la traduccin realizada por Otto Erich Hartleben del ciclo de poemas
franceses del mismo nombre de Albert Giraud. La obra se estren en el Berln Choralionsaal en octubre de 1912, con Albertine Zehme como vocalista.
La soprano solista canta los poemas en el estilo Sprechstimme, lo que complementa
auralmente el estado de nimo de los poemas. La obra es atonal, pero no dodecafnica,
dado que Schoenberg comenz a experimentar con el dodecafonismo en un punto
posterior de su carrera.
La obra fue comisionada por Albertine Zehme, quien encarg un ciclo de canciones para
voz y piano, basado en la serie de poemas del escritor belga Albert Giraud. Los versos
haban sido publicados en 1884, y ms tarde traducidos al alemn por Otto Erich
Hartleben. Schoenberg comenz a trabajar el 12 de marzo y complet el trabajo el 9 de
julio de 1912. Luego de cuarenta ensayos, Schoenberg y Zehme (vestida como
colombina), estrenaron la obra en el Berlin Choralion-saal el 16 de octubre de 1912. La
reaccin del pblico fue predeciblemente diversa: Anton Webern report que la audiencia
silb y se ri, pero que al final fue un xito sin calificaciones.[1] Tambin se criticaron los
textos por blasfemos, a lo que Schoenberg contest: Si fueran musicales, a nadie le
hubieran importado las palabras. En lugar de eso, se hubieran ido silbando las melodas.
[2
La instrumentacin de cada cancin es tan variada que dos nmeros sucesivos poseen
distintos colores tonales. El ensamble completo toca a la vez slo durante el ltimo
poema.
El armado expresionista con sus ecos de cabaret alemn y parodias musicales hacen que
el texto destaque vvidamente. Sprechstimme, literalmente "discurso hablado" en
alemn, es un estilo de "canto hablado" en el que el vocalista usa los ritmos y las alturas
especificadas, pero vara las alturas como en una conversacin normal.
Schoenberg usa tambin una variedad de formas antiguas, entre ellas el canon, la fuga,
el rond, la passacaglia y el contrapunto libre. El poema es una versin alemana de un
rondeau del antiguo estilo francs con un doble refrn. Cada poema consiste de tres
stanzas de 4 + 4 + 5 lneas, siendo la lnea 1 el refrn (A) repetido como lneas 7 y 13, y
la lnea 2 un segundo refrn (B) repetido en la lnea 8.

Prepared Piano

Un piano preparado es un piano cuyo sonido se ha alterado colocando objetos

(preparaciones) en sus cuerdas.
John Cage es el compositor que explor esta tcnica por primera vez. Como precedentes,
cit a Henry Cowell y, en menor medida, a Erik Satie.
El piano preparado es un invento relativamente reciente, que es usado en la msica
contempornea. Este instrumento es un piano de cola normal al se le han colocado
objetos en su interior para alterar su sonido o que ha recibido algn tipo de cambio en su
mecanismo. Las partituras de las obras para pianos preparados a menudo instruyen al
pianista sobre cmo insertar pequeas piezas de caucho o metal, como tornillos o
arandelas, en medio las cuerdas. Estos elementos aadidos reducen el sonido de las
cuerdas o crean sonidos poco corrientes debido a la alteracin de la vibracin de las
mismas.

Pulcinella

Pulcinella is a ballet by Igor Stravinsky based on an 18th-century play Pulcinella is a

character originating from Commedia dell'arte. The ballet premiered in Paris on 15 May
1920 under the baton of Ernest Ansermet. The dancer Lonide Massine created both the
libretto and choreography, and Pablo Picasso designed the original costumes and sets. It
was commissioned by Sergei Diaghilev.
La siguiente fase del perodo composicional de Stravinski, solapando al primero
ligeramente, es marcado por dos trabajos: Pulcinella (1920) y Octeto (1923) para
instrumentos de viento. Ambos trabajos ofrecen lo que ser un sello de este perodo; es
decir, el retorno de Stravinski, o "vuelta atrs" a la msica clsica de Mozart, Bach y sus
contemporneos. Este estilo "neoclsico", que de hecho naci como una oposicin al
arrebatado subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germnico, involucr el
abandono de las grandes orquestas exigido por los ballets. En estas nuevas obras,
escritas aproximadamente entre 1920 y 1950, Stravinski se vuelca mayoritariamente
hacia los instrumentos de viento, piano, coros y trabajos de cmara. La Sinfona de
Instrumentos de Viento (1920) y la Sinfona de los Salmos estn entre los trabajos ms
finos compuestos para vientos.

Ravel

Joseph Maurice Ravel (Ciboure, Labort, 7 de marzo de 1875 Pars, 28 de diciembre de

1937) fue un compositor francs del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al
impresionismo, muestra adems un audaz estilo neoclsico y, a veces, rasgos del
expresionismo, y es el fruto de una compleja herencia y de hallazgos musicales que
revolucionaron la msica para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la
orquestacin y por ser un meticuloso artesano, cultivando la perfeccin formal sin dejar
de ser al mismo tiempo profundamente humano y expresivo, Ravel sobresali por revelar
los juegos ms sutiles de la inteligencia y las efusiones ms ocultas del corazn (Le
Robert).
De regreso en su pas, Ravel comenz a trabajar en la que se convertira en su obra ms
famosa e interpretada. La clebre bailarina y coregrafa Ida Rubinstein le haba
encargado en 1927 un ballet de carcter espaol para el cual el msico adopt una
antigua danza andaluza: el bolero. La obra, que apuesta por durar alrededor de un cuarto
de hora con slo dos temas y una cantinela incansablemente repetida, fue estrenada el
22 de noviembre de 1928 frente a un pblico un tanto asombrado. Su difusin fue
inmediatamente inmensa. Ravel haba firmado una autntica obra maestra a partir de un
material casi insignificante, pero l mismo rpidamente qued exasperado por el xito de
esta partitura que consideraba sobre todo como una experiencia, y llena de msica.
Cuando una dama grit: Au fou, au fou! (Al loco, al loco!) despus de haber odo la
obra, el compositor confi a su hermano: Celle-l, elle a compris! (He ah, ella lo ha
comprendido.)[32]
En octubre de 1928, Ravel recibi el doctorado en msica honoris causa de la Universidad
de Oxford.[33] En su ciudad natal, inaugur, en agosto de 1930, el muelle que lleva su
nombre.

Nacido en un tiempo bastante propicio a la aparicin de las artes, Ravel se benefici de

influencias muy diversas. Mas, como lo destaca Vladimir Janklvitch en su biografa,
ninguna influencia puede jactarse de haberlo conquistado totalmente (). Ravel se
sigue manteniendo imperceptible envidiosamente detrs de todas esas mscaras que le
dieron los esnobismos del siglo.[40]
Por ello, la msica de Ravel parece, como la de Debussy, profundamente original, o
incluso inmediatamente inclasificable de acuerdo a la esttica tradicional. Ni
absolutamente modernista ni simplemente impresionista (tal como lo hiciera Debussy,
Ravel negaba categricamente este calificativo que consideraba slo reservado a la

pintura),[41] se inscribe mucho ms en la lnea del clasicismo francs iniciado en el siglo

XVIII por Couperin y Rameau y del cual fue su ltima prolongacin. Por ejemplo, Ravel (al
contrario que su contemporneo Stravinski) no dese nunca renunciar a la msica tonal y
slo utiliz con parsimonia la disonancia, lo que no le impidi por sus investigaciones
hallar nuevas soluciones a los problemas planteados por la armona y la orquestacin, y
dar a la escritura pianstica nuevos caminos.
De Faur y Chabrier (Srnade grotesque, Pavane pour une infante dfunte, Menuet
antique) a la msica afro estadounidense (LEnfant et les sortilges, Sonata para violn,
Concierto en sol) pasando por la escuela rusa (A la manera de Borodine, orquestacin
de Cuadros de una exposicin), Satie, Debussy (Jeux deau, Cuarteto de cuerdas),
Couperin y Rameau (La Tumba de Couperin), Chopin y Liszt (Gaspard de la nuit, Concierto
para la mano izquierda), Schubert (Valses nobles y sentimentales), Schnberg (Tres
poemas de Mallarm), y finalmente Saint-Sans y Mozart (Concierto en sol), Ravel supo
hacer una sntesis de corrientes extremadamente variadas e imponer su estilo a partir de
sus primeras composiciones. Este estilo no tena ms que ir evolucionando poco a poco
durante su carrera, si no del modo como l mismo se refiri al decir dpouillement
pouss lextrme (depuracin llevada al extremo) (Sonata por violn y violonchelo,
Chansons madcasses).
Compositor eclctico por excelencia, Ravel supo sacar provecho de su inters por las
msicas de todos los orgenes. Sobre su imaginario musical tuvo notoria influencia el Pas
Vasco (Tro en la menor) y fue su intencin componer el concierto Zazpiak Bat, cuyo ttulo
(vase Zazpiak Bat) hace mencin a la unidad de la nacin vasca de las siete provincias o
Euskal Herria.[42] No obstante, Ravel abandon esta pieza y utiliz sus temas y ritmos
nacionalistas en otras de sus piezas. Asimismo, le influy en gran medida Espaa
(Habanera, Pavana para una infanta difunta, Rapsodia espaola, Bolero, Don Quijote a
Dulcinea), todo lo cual particip mucho en su renombre internacional, y consolid
tambin la imagen de un msico siempre enamorado del ritmo y las msicas populares.
El Oriente (Shhrazade, Introduccin y Allegro, Mi madre la Oca), Grecia (Daphnis et
Chlo, Canciones populares griegas) y la msica gitana (Tzigane) lo inspiraron tambin.
La msica afro estadounidense, que Gershwin le ayud a descubrir durante la gira
americana de 1928, fascin a Ravel. Introdujo numerosas toques en las obras de su
ltimo perodo creativo (el ragtime en El nio y los sortilegios, el blues en el segundo
movimiento de la Sonata para violn, sonoridades del jazz en el Concierto en sol y en el
Concierto para la mano izquierda).
Finalmente, es necesario subrayar la fascinacin que ejerci el mundo de la infancia
sobre Ravel. Fuese en su propia vida (apego absoluto, casi infantil, a su madre, coleccin
de juguetes mecnicos...) o en su obra (en Mi madre la oca y El nio y los sortilegios),
Ravel regularmente expres una extrema sensibilidad y un gusto pronunciado para lo
fantstico y el mundo de los sueos.
Simplemente me niego absolutamente a confundir la conciencia del artista, que es una
cosa, con su sinceridad, que es otra (). Esta conciencia exige que desarrollemos en
nosotros al buen obrero. Mi objetivo es, entonces, la perfeccin tcnica. Puedo intentar
alcanzarla sin cesar, puesto que estoy seguro que nunca podr alcanzarla. Lo importante
es siempre acercarse cada vez ms. El arte, sin duda, tiene otros efectos, mas el artista,
a mi criterio, no debe tener otro objetivo. (Ravel, Esquisse autobiographique, 1928).
Esta bsqueda de la perfeccin contribuy tanto a su xito para el gran pblico como a
su descrdito para algunos crticos. Mientras que su amigo Stravinski recordaba su
meticulosidad calificndolo de relojero suizo, algunos slo consideraron a su msica
vaca, fra o artificial. Ravel, que no reneg nunca de su amor por los artificios y los
mecanismos, buscaba siempre, citando a Edgar Allan Poe, el punto medio entre la
sensibilidad y la inteligencia, replic con una frase que se han convertido en clebre:
Pero, es que acaso la gente no puede hacerse con la idea que yo sea "artificial" por
naturaleza?[43]

Pareciera que componer nunca fue cosa fcil para Ravel. All donde Mozart habra podido
dejar libre curso a su imaginacin, su absoluta negativa a ceder a aquella aborrecible
sinceridad del artista le dio el gusto de la dificultad autoimpuesta, y ms an de la
dificultad resuelta. Seguramente es lo que explica el nmero no tan grande de obras, en
un perodo creativo de alrededor de cuarenta aos. Por las mismas razones, varios
proyectos de Ravel quedaron inconclusos, siendo el ms significativo La Cloche engloutie
(La campana enterrada, proyecto de pera de 1906). Plenamente consciente de su
carcter, Ravel pudo confiar a Manuel Rosenthal: S, mi genio, es cierto, yo lo tengo.
Pero qu es lo que esto realmente significa? Ah, bien, si todo el mundo supiera trabajar
como yo s trabajar, todo el mundo hara obras tan brillantes como las mas.[44]
En cualquier caso, desde la increble obertura de La hora espaola a las onomatopeyas
de El nio y los sortilegios, del pedal obstinado de si bemol del Gibet en Gaspard de la
nuit a la rigidez rtmica y temporal del Bolero, esta terquedad en la bsqueda de la
perfeccin y este gusto del riesgo forman parte integral de la leyenda raveliana.
Ravel fue, segn Marcel Marnat el ms grande orquestador francs, y de acuerdo al
dictamen de numerosos melmanos, especialistas o no, uno de los mejores
orquestadores de la historia de la msica occidental. Su obra ms famosa, el Bolero, no
debe su xito slo a la variacin de los timbres y al inmenso crescendo orquestal?
Maestro curtido en el manejo del timbre (aunque sin ser l mismo adepto de numerosos
instrumentos), sabiendo encontrar el equilibrio armonioso ms sutil, Ravel supo
trascender numerosas obras originales (generalmente escritas para piano) y otorgarles
una nueva dimensin, tanto obras suyas (Mi madre la oca, 1912, Valses nobles y
sentimentales, 1912, Alborada del gracioso, 1918, La tumba de Couperin, 1919...) como
de sus eminentes colegas: Mussorgsky (Khovantchina, 1913), Schumann (Carnaval,
1914), Chabrier (Menuet pompeux, 1918), Debussy (Sarabande et Danse, 1923) o incluso
Chopin (Estudio, Nocturno y Vals, 1923).
Pero sera la orquestacin de los clebres Cuadros de una exposicin de Modest Petrvich
Mussorgsky, comisin de Serge Koussevitzki para la Orquesta Sinfnica de Boston
terminada en 1922, la que sent definitivamente la reputacin internacional de Ravel en
la materia. Su versin sigue siendo referencial y eclipsa la de otros compositores que lo
han intentado. Los Cuadros orquestados por Ravel forman parte, junto al Bolero, de los
obras franceses ms interpretadas en el extranjero.
Ravel fue un buen pianista sin llegar a ser un virtuoso (algunas de sus propias
composiciones, en particular, el Concierto en sol, que l mismo soaba interpretar,[46] le
siguieron siendo inaccesibles). Durante su gira americana en 1928, toc su Sonatina,
acompa en su Sonata para violn y algunas de sus canciones.
En cambio, como director de orquesta, nunca igual, incluso con mucho, su calidad como
orquestacin. Las dos grabaciones que dej (un Bolero de 1930 y un Concierto en sol de
1932) y los testimonios de su poca confirman que Ravel no era un virtuoso en el podio.

Rimsky-Korsakov

Nikoli Andryevich Rimski-Krsakov (en ruso -)

naci en Tijvin (Nvgorod), el 18 de marzo de 1844 y muri en Libensk, el 21 de junio de
1908. Fue un compositor y profesor de msica acadmica ruso, particularmente conocido
por su fina orquestacin. Sus composiciones ms famosas son El vuelo del moscardn y
Scheherazada.
Nikoli Rimski-Krsakov (1857-1905) naci en Tijvin, Rusia, cerca de Nvgorod, en una
familia aristocrtica y de marinos militares. Rimski-Krsakov demostr su talento artstico
desde una edad muy temprana, casi los seis aos, pero estudi en la Escuela Naval de
Cadetes Imperial Ruso en San Petersburgo y posteriormente se alist en la Marina Rusa.

En 1861 conoci a Balkirev y comenz a concentrarse ms seriamente en la msica.

Balkirev lo anim para que compusiera y le enseaba cuando aqul no estaba en
altamar. A travs de Balkirev, Rimski-Krsakov tambin conoci otros compositores tales
como Csar Cui, Borodn, Msorgski, de los que ms tarde seran conocidos como "Grupo
de los Cinco". Mientras se encontraba en la marina, compuso una sinfona, la primera
compuesta por un ruso. Tambin compuso su bien conocida obra orquestal Sadk en
1867 y la pera La Dama de Pskov (Pskovitianka) en 1872, antes de renunciar a su cargo
militar en 1873.
Rimski-Krsakov y otros miembros del "Grupo de los Cinco" frecuentemente colaboraron o
editaron composiciones de otros autores. En particular despus de la muerte de Modest
Msorgski en 1881, Rimski-Krsakov se tom el trabajo de revisar muchas obras de
Msorgski para publicarlas y ejecutarlas. Por ejemplo, la obra La noche en el Monte Calvo
de Msorgski fue arreglada por Rimski-Krsakov y es la que actualmente se escucha. Sin
embargo, la opinin crtica respecto de Msorgski con el transcurso del tiempo ha
cambiado en referencia a su estilo, considerado en algn momento como agreste, sin
embargo se ha revalorizado su originalidad. Esto motiv a Rimski-Krsakov a hacer
algunas otras revisiones, tales como Bors Godunov, y reemplaz con producciones ms
fieles los manuscritos originales de Msorgski an a riesgo de no ser condescendiente
con el pblico.
En 1871, a pesar de haber sido autodidacta, se convirti en profesor de composicin y
orquestacin en el Conservatorio de San Petersburgo. All ense a muchos compositores
que ms tarde alcanzaran renombre internacional, como por ejemplo Aleksandr
Glazunov, Sergi Prokfiev e gor Stravinski.
Escribi un Tratado de orquestacin que fue mundialmente utilizado por los estudiantes
de composicin durante todo el siglo XX, pero que en la actualidad se ha abandonado
debido a que los ejemplos de instrumentacin estn tomados slo de obras propias (lo
cual limita la gama de posibilidades de aprendizaje del alumno). Tambin hizo un Tratado
de Armona.
Continu componiendo prolficamente, produciendo muchos trabajos orquestales,
incluyendo las famosas obras Scheherezade y el Capricho espaol (1887). Tambin
escribi quince peras, como Kashchi el inmortal y El cuento del zar Saltn (1901). A
esta ltima pera pertenece el conocido fragmento El vuelo del moscardn, arreglada
para distintas agrupaciones de instrumentos. Entre su msica litrgica ortodoxa rusa
encontramos la obra a capella, Liturgia de San Juan Crisstomo y la obra orquestal, La
Gran Pascua Rusa.
En 1902 Rimski-Krsakov fue separado de su cargo de profesor en San Petersburgo
debido a sus opiniones polticas. Esto provoc una serie de dimisiones de sus camaradas
miembros de la facultad, y gracias a eso fue reincorporado a su cargo. La controversia
poltica continu en 1904 con su pera El gallo de oro (Le Coq d'Or), que era un ataque a
la Rusia Imperial y que fue prohibida desde su estreno.
Hacia el final de su vida, Rimski-Krsakov enferm de angina y muri en Libensk el 21
de junio de 1908. Fue enterrado en el cementerio de Tijvin del monasterio de Aleksandr
Nevski, en San Petersburgo, Rusia.

Satie

Erik Satie, cuyo nombre completo es Alfred Eric Leslie Satie (Honfleur (Calvados), 17 de
mayo de 1866 - Pars, 1 de julio de 1925), fue un compositor y pianista francs.[1] De
estilo inclasificable y avanzado a su tiempo, anticip el serialismo y el minimalismo y
preconiz la ruptura formal y tonal de la msica contempornea. Denostado por la
academia y admirado por otros compositores de su poca, de formacin irregular, ingres
inesperadamente en el conservatorio a los 40 aos, para sorpresa de quienes le
conocan, tras haberse dedicado, entre otras muchas cosas, a la msica de cabaret.

Tras haber convivido con las vanguardias de su poca, su obra resulta an hoy tan
extravagante como su vida. De conductas transgresoras, de carcter insoportable e
intransigente, con ideas disparatadas y ocurrencias en ocasiones irritantes e incluso
paranoicas, se presentaba a s mismo como gimnopedista (antes incluso de escribir su
ms famosa composicin, las Gymnopdies) y como fonometrgrafo (alguien que mide
y escribe los sonidos), prefiriendo definirse as que como msico. Lleg a aparecer en
1924 en una pelcula de Ren Clair llamada Entreacto.[2]
Titulaba sus obras de manera delirante (Tres fragmentos en forma de pera, Espaaa,
Vejaciones) y las anotaciones de sus partituras resultaban en ocasiones grotescas (en su
Danse cuirase se puede leer: Paso noble y militar. Se baila en dos filas. La primera no se
mueve. La segunda fila se queda quieta. Los bailarines reciben un sablazo que les divide
en dos la cabeza). Invent la msica de mobiliario, aquella compuesta especficamente
para no ser escuchada, anticipando as la msica ambiental de los espacios pblicos, y
milit en confesiones religiosas de las que era el nico miembro. Bas su obra en el
humor y la irona. Slo a su muerte, tras entrar en su apartamento, sus amigos se dieron
cuenta de la miseria en la que viva, miseria a la que describa como la muchacha de
grandes ojos verdes
Modific su nombre como Erik Satie desde su primera composicin, en 1884. Aunque en
su vida posterior se enorgulleca de publicar su trabajo bajo su propio nombre, parece
que hubo un corto perodo al final de la dcada de 1880 en que public su trabajo con el
seudnimo Virginie Lebeau.
Aunque generalmente la msica de Satie se compone de piezas cortas, hay algunas
curiosas excepciones:
Vexations: con 840 repeticiones del motivo musical (y muchas ms de la lnea de bajo),
este es definitivamente el trabajo ms largo con un nmero definido de repeticiones
(ntese que, sin las repeticiones, la msica dura apenas dos minutos). No sobrevive
ninguna explicacin de Satie para la excepcional longitud de la pieza, aunque existe una
serie de estudios de John D. Kramer en los que se afirma que el escucha de msica es
capaz de entrar en un estado alternativo de percepcin del sonido, despus de escuchar
la repeticin exhaustiva de un patrn musical.
Le Tango (el tango), una casi pegajosa meloda de Sports et divertissements, Satie indica
en la partitura perptuel (algo como perpetuum mobile, o sea movimiento perpetuo). Hay
poca evidencia de lo que Satie entenda por perpetuo. Cuando se toca para una
grabacin hay raramente ms de una repeticin de esta parte de la composicin,
hacindola uno de los tangos ms breves jams compuestos.
Cinco piezas de msica de amueblamiento, que estaban pensadas para servir de
msica de fondo con un nmero no especificado de repeticiones.
Su msica para el film Entracte tiene diez zonas de repeticin para permitir la
sincronizacin en el film de veintinueve minutos.

Schaeffer en Henry

Pierre Henri Marie Schaefer (14 de agosto de 1910 19 de agosto de 1995) fue un
compositor francs. Es considerado el creador de la msica concreta. Es autor del libro
titulado Tratado de los objetos musicales, en donde expone toda su teora sobre este tipo
de msica. Compuso distintas obras todas ellas basadas en la tcnica de la msica
concreta. De entre ellas cabe destacar su Estudio para locomotoras.
Schaefer naci en Nancy. Sus padres eran ambos ingenieros, y al principio pareci que
Pierre tomara tambin esto como carrera. Estudi en la cole Polytechnique y despus
de un periodo como ingeniero de telecomunicaciones en Estrasburgo desde 1934,

encontr un trabajo en 1936 en la Office de Radiodifusion Tlvision Franaise (ORTF) en

Pars. Fue all donde empez a experimentar con sonidos grabados, convenciendo a los
directivos de la emisora que le dejaran usar su equipo. Intent tocar los sonidos al revs,
ralentizndolos, acelerndolos y yuxtaponindolos con otros sonidos, tcnicas todas ellas
que por entonces eran virtualmente desconocidas. Su primera obra acabada como
resultado de estos experimentos fue el tude aux chemins de fer (1948) que fue hecho
con grabaciones de trenes.
Para entonces, Schaefer haba fundado el grupo Jeune France, con intereses en el teatro
y las artes visuales as como en la msica. En 1942, co-fund el Studio d'Essai (ms tarde
conocido como el Club d'Essai), que tuvo un papel en las actividades de la resistencia
francesa durante la Segunda Guerra Mundial, y se convirti en un centro de actividad
musical ms tarde.
En 1949, Schaefer conoci a Pierre Henry, y los dos fundaron el Groupe de
Recherche de Musique Concrte (GRMC) que recibi un reconocimiento oficial por
parte de la ORTF en 1951. Le dieron un nuevo estudio, que inclua un magnetfono. Esto
fue un desarrollo significativo para Schaefer, que previamente haba tenido que trabajar
con platos giratorios para producir su msica. Schaefer es generalmente considerado
como el primer compositor que hizo msica usando cinta magntica. Su continua
experimentacin le llev a publicar A la recherche d'une musique concrte (En busca de
una msica concreta) en 1952, que era un resumen de sus mtodos de trabajo hasta ese
momento.
Schaefer dej el GRMC en 1953, pero lo reform en 1958 con Luc Ferrari y FranoisBernard Mche como el Groupe de Recherches Musicales (GRM). Probablemente el
alumno ms famoso de GRM fue el msico de sintetizador Jean Michel Jarre, aunque
Shaefer ms tarde coment que las famosas obras posteriores de Jarre no le gustaban.
Con la fundacin del Service de Recherche de l'ORTF en 1960, del que fue nombrado
director, Schaefer comenz a disminuir sus actividades de compositor a favor de la
investigacin del sonido y la enseanza. Una de sus ltimas piezas se produjo en 1959,
los Etudes aux Objets. En su nuevo cargo, continu investigando las propiedades snicas
de los proyectos, publicando un importante trabajo sobre el tema, Trait des objets
musicaux, en 1966. En l, intenta clasificar todos los objetos sonoros (objets sonores,
sonidos percibidos como entidades; NO debe confundirse con objetos fsicos que
producen sonido) produciendo mediante la divisin de sus caractersticas en siete
categoras.
Schaefer desempe una serie de puestos como maestro, incluyendo una ctedra
asociada en el Conservatorio de Pars desde 1968 donde ense composicin electrnica.
Hacia el final de su vida, padeci la enfermedad de Alzheimer. Muri en Aix-en-Provence.
El trmino msica concreta (en francs, musique concrte) a menudo no se comprende
bien, entendindose como referente a simplemente hacer msica con sonidos del
mundo real, o con sonidos distintos a los que hacen los instrumentos musicales. Ms
bien, es un intento ms amplio de permitir nuevos caminos de expresin musical.
Tradicionalmente, la msica clsica (o seria, o perdurable) comienza como una
abstraccin, una notacin musical sobre un papel u otro medio, que entonces se hace
una msica audible. La msica concreta lucha por empezar por los sonidos concretos,
experimentar con ellos, y abstraerlos para incluirlos en una composicin musical.
La importancia de la obra de Schaefer con la msica concreta para la creacin
contempornea, es triple:
Desarroll el concepto de incluir cualquier sonido dentro del vocabulario musical. Al
principio se concentr en trabajar con sonidos distintos a los producidos por instrumentos
musicales. Ms tarde, encontr que era posible quitar la familiaridad de los sonidos de los
instrumentos musicales.

Fue de los primeros en manipular el sonido grabado de manera que pudiera usarse en
unin con otros sonidos para hacer una pieza musical. As que puede pensarse en l
como un precursor de las prcticas de sampler contemporneas.
Ms an, enfatiz la importancia de jugar (usando sus palabras, jeu) en la creacin
musical. La idea de Schaefer de jeu viene del verbo francs jouer, que tiene un doble
significado, como el verbo ingls play; jugar y tambin tocar un instrumento musical. Esta
nocin se encuentra en el corazn del concepto de musique concrte.
Pierre Henry es un compositor francs nacido el 9 de diciembre de 1927 en Pars.
Pierre Henry est considerado como el creador, junto con Pierre Schaefer, de la llamada
Msica concreta y uno de los padrinos de la Msica electroacstica.
Nunca fue a la escuela, sus padres contrataban educadores que lo visitaban en su casa.
En 1944 comenz sus estudios en el conservatorio, donde estudi piano y percusin con
Passeronne, composicin con Nadia Boulanger y Armona con el maestro francs Olivier
Messiaen.
Entre 1949 y 1958, Henry trabaj en Pars en el Club d'Essai de la Radio Televisin
Francesa (RTF), fundado por Pierre Schaefer. Durante este periodo compuso su pieza de
1950 "Symphonie pour un homme seul" en colaboracin con Schaefer. Tambin compuso
la primera pieza de msica concreta que apareci en una pelcula comercial, el
cortometraje de 1952 "Astrologie ou le miroir de la vie".
Henry ha compuesto msica para numerosas pelculas y ballets. Uno de sus trabajos ms
conocidos es la obra experimental de 1967 "Messe pour le temps prsent", una de las
varias colaboraciones con el coregrafo Maurice Bjart, en la cual aparece su conocida
pieza "Psyche Rock", la cual ha sido remezclada por Fatboy Slim en 1997. Esta misma
melodia sirvi como sintona del popular programa de TVE "Estudio abierto" presentado
por Jos Mara Iigo entre 1969 y 1975.
Pierre Henry es una pieza clave en el desarrollo de la msica concreta, al convertirse en
el primer msico con educacin formal totalmente volcado en la creacin de msica con
medios electrnicos.

Tweede strijkkwartet van Schnberg

De premire van Schnbergs Tweede Strijkkwartet in 1908 veroorzaakte een van de

grootste concertschandalen uit de Weense muziekgeschiedenis. Niet alleen was het werk
grotendeels atonaal, ook had Schnberg in de laatste twee delen een sopraanstem
toegevoegd. Dit raakte een tere snaar bij het Weense concertpubliek. Dat Mahler in zijn
symfonien gebruik had gemaakt van zangstemmen was tot daar aan toe, maar in een
traditioneel strijkkwartet was zoiets absoluut 'not done'.
Ondanks de felle premirekritieken is het Tweede Strijkkwartet een mijlpaal in de
ontwikkeling van de hedendaagse muziek. Revolutionaire vernieuwingen en traditionele
elementen zijn versmolten tot een vloeiend stukje vakwerk. Zo bestaat de compositie
bijvoorbeeld uit de voorgeschreven vier delen. Het eerste deel in fis klein, een traditionele
sonate-vorm in kalm tempo. Het daaropvolgende Scherzo is eveneens tonaal, maar het
citaat 'O du lieber Augustin, alles ist hin' voorspelt de op handen zijnde veranderingen.
In Litanei begint de greep van de traditie te verflauwen. Op de meer intense passages
van Georges gedicht vervaagt de tonaliteit. De sopraanstem zorgt bovendien dat het deel
meer wegheeft van een lied dan van het langzame deel van een strijkkwartet. Met
Entrckung zegt Schnberg de tonaliteit vaarwel. De onaardse klanken sluiten naadloos
aan bij de ongewone tekst. Verbroken zijn de banden met het verleden die ons het
zweven beletten. Lijkt het. Want na een ruim elf minuten durende reis langs hogere
sferen eindigt het Entrckung met een volmaakt Fis groot akkoord. We zijn weer thuis.

Sequenzas

Luciano Berio (Imperia, 24 de octubre de 1925 - Roma, 27 de mayo de 2003) fue un

compositor italiano clsico y uno de los principales representantes de la vanguardia
musical europea. Es reconocido por su trabajo en la msica experimental,
particularmente su Sinfona para orquesta, y tambin fue un pionero en la msica
electrnica.
Berio tambin produjo obras en las que no se cita otros trabajos. Quiz la ms conocida
sea la serie de trabajos para instrumentos solistas bajo el nombre de Sequenza; la
primera, Sequenza I fue realizada en 1958 para flauta. La ltima, Sequenza XIV (2002)
fue compuesta para violonchelo solo. Berio afirma que estas obras estn escritas para "el
nico tipo de virtuoso que es aceptable hoy en da, sensible e inteligente" y agrega que
debe poseer "los ms altos niveles de virtuosismo tcnico e intelectual". Los trabajos
exploran de lleno las posibilidades de cada instrumento.

Sjostakovitsj
Dmitri Dmtrievich Shostakvich (en ruso: )

(San Petersburgo, 25 de septiembre de 1906 Mosc, 9 de agosto de 1975) fue un

compositor ruso que vivi durante el perodo sovitico, y uno de los ms reconocidos
compositores del siglo XX. Shostakovich obtuvo fama en la Unin Sovitica bajo el
patrocinio del jefe de Len Trotsky de personal, Mijail Tujachevski. Pero despus tuvo una
relacin difcil con la burocracia del Estalinismo (tuvo relaciones difciles con el Partido
Comunista de la Unin Sovitica (PCUS)). El Partido Comunista denunci pblicamente su
msica en 1936 y en 1948, con esto temporalmente fue convirtindose en prohibida. A
pesar de ello, con el paso del tiempo recibi halagos por su msica dentro de la URSS e
incluso reconocimientos del Estado. A pesar de la controversia, su trabajo fue popular y
bien recibido.
Sin embargo, en pblico se mostr leal con el sistema sovitico, acept el carnet del
PCUS en 1960 y lleg a ser miembro del Soviet Supremo de la URSS. Su actitud frente al
gobierno estalinista y el Estado sovitico ha sido tema de agrias polmicas polticas y
musicales y se ha discutido enconadamente si Shostakovich fue o no un disidente
clandestino frente a la URSS.
Tras un perodo de influencia por Prokofiev y Stravinsky, desarroll un estilo hbrido, como
lo ejemplifica la pera Lady Macbeth de Mtsensk (1934), que posteriormente deriv hacia
un romanticismo musical tardo. La influencia de Mahler se combina con la de la tradicin
musical rusa, con Mussorgsky y Stravinsky como referentes importantes. Shostakovich
integr todas esas influencias creando un estilo muy personal. La msica de Shostakvich
suele incluir contrastes agudos y elementos grotescos[1] , con un componente rtmico
muy destacado. En su obra destacan sus ciclos de quince sinfonas y seis conciertos;
entre la msica de cmara cabe mencionar especialmente sus quince cuartetos para
cuerdas; tambin compuso varias peras, as como msica de cine y ballet.
La msica de Shostakovich muestra la influencia de varios de los compositores a los que
admiraba: Juan Sebastin Bach en sus fugas y sus passacaglias; Ludwig van Beethoven
en sus ltimos cuartetos; Gustav Mahler en sus sinfonas y Alban Berg en el uso de
cdigos musicales y de citas. Las composiciones de Shostakovich son ampliamente
tonales dentro de la tradicin romntica, pero con elementos de atonalidad, politonalidad
y cromatismo. En algunas composiciones tardas (por ejemplo, en el Duodcimo cuarteto)
Shostakovich utiliz series dodecafnicas. Muchos comentaristas han notado una
diferencia clara entre sus obras anteriores a las crticas de 1936 y los trabajos
posteriores, ms conservadores.

Indudablemente las quince sinfonas forman el ncleo de la obra shostakoviana, al menos

en lo que hace a popularidad. Segn una empresa norteamericana especializada en
ventas de msica clsica por Internet (en septiembre del 2008) las composiciones ms
populares de Shostakovich (que hay que suponer ordenadas por ventas de CD y DVD) son
las siguientes (entre parntesis el nmero de versiones de la obra a la venta en dicha
empresa): las sinfonas Primera (73), Dcima (48), Novena (34), Sptima (48) y Sexta
(36); los conciertos para piano No. 1 (39), para violn No. 1 (2) y para violonchelo No. 1
(36); la banda musical de la pelcula El moscardn (26), la Obertura Festiva (31), el Trio
para piano, violn y violonchelo No. 2 (67) y el Quinteto para piano y cuarteto de cuerdas
(32). Es interesante que esta lista no incluya ninguno de los cuartetos, ni tampoco la
Quinta Sinfona, que muchas veces se ha citado como una de las obras ms populares de
Shostakovich.
Diferenciar en la obra de un compositor lo que es mejor y lo que es peor es tarea vana si
lo que se quiere es hacer ciencia, ya que los juicios de valor son inverificables y la
musicologa ha de ser empricamente verificable. Sin embargo, las preferencias del
pblico y de la critica son datos objetivos. Las composiciones antes citadas estn sin
duda entre las obras ms "accesibles" de Shostakovich. Varias, por ejemplo la Sinfona
No. 7, Leningrado y el Quinteto para piano y cuerdas, siguen muy fielmente los patrones
de la msica tonal en los que a menudo coincidi el gusto del pblico occidental y el
"posromanticismo patritico" que los lderes de la URSS reclamaron de Shostakovich
durante varias dcadas. No es el caso de la Sinfona No. 9 que recibi duras crticas en la
URSS y que ahora parece ser de las ms populares, aunque, por ejemplo, muchos de
quienes conocen bien la obra shostakoviana la consideraran una obra menor comparada
con cualquiera de las tres ltimas sinfonas. La No. 9 es en el ciclo sinfnico la obra en la
que el compositor parece adoptar en mximo grado la actitud de bufn o, dicho menos
claramente, el uso histrinico, humorstico y sarcstico de la msica. Dado el significativo
carcter del nmero 9 en las series sinfnicas (ni Beethoven ni Schubert ni Bruckner ni
Mahler pasaron de l) y las expectativas de los dirigentes rusos (que esperaban que "su
compositor" les compusiera "otra novena" grandiosa una vez ganada la gran guerra
patritica contra el nazismo), la Novena Sinfona de Shostakovich parece ser interpretable
en clave de burla, no sabemos si de la muerte, de los polticos del Kremlin, de la
comunidad mundial de compositores o quiz de todos ellos. Pero esa burla parece ser
muy del gusto del pblico actual.
Pblico y crtica han coincidido sin embargo en apreciar significativamente la Sinfona No.
1, en la que las influencias evidentes de otros compositores sobre el compositor casi
adolescente que la compuso no solo no anulan sino que realzan su genialidad. Difcil seria
hacer algn reparo contra esa obra que desborda melodas instantneamente atractivas,
cambios de humor que mantienen la atencin del oyente al mximo y una pujanza juvenil
que convierte su audicin en una experiencia jubilosa. Una obra maestra de un genio
precoz. De las dos sinfonas siguientes no puede decirse lo mismo. Siempre encontraron
las reticencias de la crtica y la extraeza del pblico. El vanguardismo estilstico de
ambas, mal casado con textos de carcter propagandstico, no pareci calar bien en
ninguna parte. No parece extrao que sean de las sinfonas menos populares del ciclo. La
Sinfona No. 4 es otra cosa, sin embargo. Que no fuera interpretada hasta 1961, casi tres
dcadas despus de haber sido compuesta, y que la orquesta que requiere sea
descomunal, la mayor de las exigidas en cualquier sinfona de Shostakovich, son sin duda
razones por las que esta sinfona que se interpreta muy raramente podra considerarse
infravalorada. Segn Laurel Fay, cuando el compositor la oy interpretada dijo
emocionado que era lo mejor que haba escrito en toda su vida y, desde luego, la
audicin de esta sinfona en directo es una experiencia que puede ser transcendente.
Pero si en la Primera Sinfona el mensaje fundamental es de pujanza, bro y nimo vital, el
final de la Cuarta en un pedal largusimo que desaparece en la nada puede suscitar todo
tipo de pensamientos ominosos tras casi una hora de msica en la que los ritmos
siniestros, la irona y la sensacin de inseguridad y violencia son sobrecogedoras. No es
de extraar que esta msica fuera compuesta en un periodo histrico y un pas en el que
muchos, incluido el compositor, teman por su vida. Es esta una sinfona que, como por
ejemplo la Quinta o la Novena de Mahler, incluso el mejor equipo de sonido deja
caricaturizada.

De las sinfonas Quinta, Sexta y Sptima de Shostakovich ya se ha escrito mucho, pero no

as de la Octava, que suele ser una de las sinfonas menos interpretadas aunque ms
apreciadas por algunos. El compositor Krzysztof Meyer afirma que es una obra maestra.
Compuesta cuando el Ejrcito Rojo estaba a punto de derrotar a Alemania, su carcter
ambiguo en el que predomina una mirada introspectiva y a menudo trgica, cay como
una bomba entre los dirigentes rusos. En muchos casos la crtica occidental tampoco
pudo digerirla. Quizs la ya fuerte influencia en aquellos aos del dogmatismo
dodecafnico haca que algunos crticos vieran en ella una nueva aplicacin de recetas
compositivas periclitadas, de la misma manera que en la Quinta Sinfona se haban visto
simplemente "migajas cadas de la mesa de un banquete romntico".
Las sinfonas nmeros 10 y 11 forman un dptico en el que el molde sinfnico tradicional
es reutilizado por el compositor con una enorme maestra. Parece como si Shostakovich
hubiera querido demostrar que en los viejos odres de los cuatro movimientos de la forma
sinfnica tradicional pueden criarse vinos nuevos, que son adems buenos. En la Dcima
Sinfona la firma musical del compositor (el motivo re, mi bemol, do, si, o sea, DSCH en
nomenclatura musical germnica) es el ncleo estructural de una obra que, yendo de la
oscuridad a la luz parece recuperar de alguna manera el optimismo que muchos aos
antes haba brillado en la Primera Sinfona. La Sinfona No. 11, subtitulada "1905" en
alusin a la crisis revolucionaria de ese ao en Rusia, podra considerarse como la ms
conseguida entre las sinfonas programticas de Shostakovich. Sean los campesinos y
obreros rusos masacrados en el Domingo Rojo de 1905 por las tropas zaristas (como
indican el subttulo de la sinfona y los ttulos de sus cuatro movimientos), sean los
estudiantes, trabajadores y ciudadanos hngaros en general, masacrados por las tropas
rusas en 1956, poco antes de la composicin de la obra (subtexto que se ha sugerido
como posible interpretacin de la obra y que, segn indica Laurel Fay, fue expresamente
negado por el compositor antes de su muerte, lo cual no significa necesariamente que
sea falso), quien sin duda habita en los compases de esta obra es el dinamismo de los
tumultos callejeros y de los disturbios en los que se enfrentan fuerzas muy desiguales.
Esta Sinfona No. 11, repleta adems de referencias a canciones revolucionarias rusas e
internacionales (como La Varsoviana, en Espaa muy usada por los anarquistas de la
CNT), que aluden entre otras cosas a la represin poltica, es todo un prodigio de
polisemia.
Ian MacDonald se indignaba contra los comentarios que consideraban la Sinfona No. 12,
El ao 1917, como un fracaso, pero su opinin en esto parece ser no solo minoritaria sino
absolutamente marginal. Casi nadie defiende esta sinfona de poco ms de media hora
de duracin en la que pareciera que el compositor se ha atascado en un material musical
que repite machaconamente, casi hasta la saciedad. Un dato enigmtico es la presencia
de un motivo de la Suite Lemminkainen de Sibelius, cita evidente para la que no se ha
dado hasta ahora ninguna explicacin convincente.
Muchos de quienes conocen las quince sinfonas de Shostakovich consideran que en las
tres ltimas se halla lo mejor de su produccin sinfnica. Quienes se inclinan ms hacia el
vanguardismo musical suelen optar por la Sinfona No. 14, mientras que la No. 13, Babi
Yar, o la No. 15 suelen ser la eleccin de quienes miran ms hacia la tradicin sinfnica y
hacia el siglo XIX. Sea como fuere, estas tres sinfonas, completamente distintas entre s,
casi como si hubieran sido compuestas por tres compositores distintos, estn a juicio de
muchos crticos musicales entre lo mejor que la forma sinfnica produjo en el siglo XX.
Sin embargo, la Sinfona No. 14, instrumentada para orquesta de cmara, con dos solistas
que cantan poemas de autores diversos, pero todos referentes a la muerte, en sus once
movimientos, no parece realmente una plasmacin fiel de la forma sinfnica. Tampoco lo
es la Sinfona No. 13, que con solista y coro que intervienen en sus cinco movimientos
parece ser mucho ms un oratorio. En la Sinfona No. 15 el compositor volvi a la msica
puramente instrumental y a la estructura en cuatro movimientos, en los que sobre las
citas de s mismo y de otros (Rossini y Wagner sobre todo) Shostakovich construy lo que
podra interpretarse como un enorme mausoleo musical.
De los seis conciertos de Shostakovich (dos para piano, dos para violn y dos para
violonchelo) los de piano son simpticos e intrascendentes (sobre todo el segundo) y, del

resto, el Concierto No. 1 para violn parece ser el que suscita mayor consenso y
entusiasmo de crtica y pblico, por la introspeccin y la vehemencia emotiva de sus
movimientos lentos y la alegra contagiosa de su final. De los seis, es en el Concierto No.
2 para violonchelo donde Shostakovich se acerc ms a la vanguardia.
La obra de Shostakovich para grupos de cmara, para voz con acompaamiento y para
piano solista es inmensa. De los quince cuartetos el Octavo es quiz el ms popular. Se
dice y parece haber pruebas que lo demuestran que el compositor pensaba suicidarse y
que compuso esta obra a modo de rquiem. Construido todo l sobre el ncleo DSCH, el
cuarteto tiene una unidad estructural monoltica y es una de las obras en las que ms
claramente se expresa la voz trgica del compositor, que, no obstante, se refirma una y
otra vez con su firma musical. No hay firma en cambio en el Cuarteto No. 13, una obra
descarnada y glida que plantea musicalmente los interrogantes de la vida humana.
Saliendo de la tonalidad Shostakovich parece irse en este cuarteto del mundo conocido,
quiz para adentrarse con el aullido final de un violn en el ms all.
El Tro No. 2 para violn, violonchelo y piano es instantneamente atrayente, no es de
extraar que sea muy popular y que haya docenas de grabaciones en el mercado. La
obra usa esquemas tonales y melodas que sugieren el folclore judo y fue dedicada a la
memoria de su amigo intimo Ivan Sollertinsky. Shostakovich consigui en esta obra una
variedad de emociones que suele conmover a casi cualquier pblico. La Sonata para
violn y piano es msica pura que se sale de cualquier molde. Fue compuesta para David
Oistrakh, que la estren con Sviatoslav Richter, quien confiesa en sus memorias que no le
gustaba demasiado. Es, de todo lo que compuso Dmitri Shostakovich, la obra preferida de
uno de los autores de estas notas.
Shostakovich compuso tambin msica para pelculas y para la escena, ballets, peras y
una opereta. Su pera Lady Macbeth del Distrito Mtzensk revisada como Katerina
Ismailova, parece haberse convertido ya en parte del repertorio operstico. Shostakovich
opt en ella por un naturalismo antirromntico (se dice que los glissandi pornogrficos de
los trombones provocaron el escndalo de Stalin) al que es difcil encontrarle una
explicacin clara (Taruskin ha hecho un intento). La nariz, pera cmica basada en un
texto de Gogol, es probablemente una de las obras ms conseguidas del Shostakovich de
juventud, empeado en enlazar con la tradicin satrica rusa y a la vez con las tendencias
musicales de su tiempo. Volkov coment en la introduccin de Testimonio que
Shostakvich adopt a menudo el papel del yurdivy o iluminado y el yurdivy
desempea un papel importante en la pera de Msorgski, Bors Godunov, que
Shostakvich admiraba y de la que produjo una nueva orquestacin. Siguiendo a Mahler,
que se atrevi hasta con Beethoven, Shostakovich no tuvo reparos en enmendarle la
plana a otros y as orquest tambin las Canciones y danzas de la muerte de Mussorgski
y reorquest el Concierto para violonchelo de Schumann. Pero, segn cuenta Michael
Steinberg en sus comentarios a la Dcima Sinfona de Mahler, Shostakovich no se atrevi
o no quiso terminar esta obra inacabada, tarea en la que intent interesarle a finales de
los aos cuarenta el musiclogo canadiense Jack Diether.

Sprechstimme

Sprechgesang y Sprechstimme (alemn para "cancin hablada" y "voz hablada") son

trminos musicales empleados para referirse a una tcnica vocal que se encuentra entre
cantar y hablar.
[editar] Sprechstimme
El uso ms antiguo conocido de esta tcnica fue en la pera Knigskinder de Engelbert
Humperdinck (1897), pero ms frecuentemente se asocia con los compositores de la
Segunda Escuela Vienesa, en especial con Pierrot Lunaire, ciclo de canciones compuesto
por Arnold Schnberg y estrenado en 1912.

The Last poets, un grupo de jazz vocal, public msica sirvindose de interpretaciones
vocales semihabladas. Ms tarde, la cultura Hip hop populariz el rap a partir de finales
de los aos 1970, sobre msica basada en el jazz y el funk, basndose en tradiciones
musicales africanas. Anteriormente, desde los aos 1060, el reggae jamaicano tambin
populariz una frmula similar sobre bases rtmicas propias de la isla.
En el flamenco tambin hay formulas para hablar cantando.

Steve Reich

Stephen Michael Reich (Nueva York, 3 de octubre de 1936), es un compositor

estadounidense. Reich es conocido por ser uno de los pioneros del minimalismo, con John
Cage, La Monte Young, Terry Riley y Philip Glass.
Reich en sus inicios desarroll varias tcnicas de composicin musical, que incluyen el
uso de loops en cinta tal como en sus primeras obras It's Gonna Rain y Come Out,
efectos de fase repetidos Phase Patterns, Violin Phase y Piano Phase y nuevos
conceptos musicales en Pendulum Music, la retroalimentacin con micrfonos y en Four
Organs, el alargamiento. Estas composiciones tuvieron una importante influencia en la
msica contempornea americana, aunque luego Reich ha ido abandonando la
experimentacin tecnolgica para seguir explorando nuevas formas de expresin musical
con el uso de ensembles estrictamente instrumentales, en obras como Drumming, Music
for 18 Musicians, The Cave, City Life y Three Tales.
Numerosos crticos angloamericanos y britnicos le conceden una gran relevancia, no tan
compartida fuera del mundo anglosajn. As The Guardian ha descrito a Reich como uno
de los pocos compositores que alter la direccin de la historia de la msica; The New
York Times lo sita ...entre los ms grandes compositores del siglo; The New Yorker,
habla de l como ...el ms original pensador musical de nuestro tiempo; y, The Village
VOICE, sencillamente dice que es ...el ms grande compositor norteamericano vivo.[1]
En el ao 2006 Steve Reich ha sido distinguido con el prestigiosos Praemium Imperiale y
en el ao 2007 con el Polar Music Prize.
El estilo de composicin de Reich ha influido a muchos otros compositores y grupos
musicales, entre ellos a Philip Glass (especialmente en sus primeras obras), John Adams,
la banda de rock progresivo King Crimson, el guitarrista de New Age Michael Hedges, el
msico electrnico y de arte-pop Brian Eno, los compositores asociados con el festival
Bang on a Can (entre ellos David Lang, Michael Gordon y Julia Wolfe), y el msico de rock
indie Sufjan Stevens. La banda canadiense de post-rock Godspeed You! Black Emperor
compuso una cancin, no comercializada, titulada Steve Reich[20] Su msica tambin ha
sido una fuente de inspiracin para los msicos de Ambient y Techno. Una lnea meldica
de su obra de 1987 Electric Counterpoint fue utilizada por The Orb en su Little Flufy
Clouds de 1991. Esta conexin ha sido honrada en un lbum de 1999 por DJs y msicos
electrnicos, Reich Remixed, editado por Nonesuch Records.
Las obras de Reich, Come Out e It's Gonna Rain se citan como tempranos ejemplos de
cmo los principios de la msica minimalista han evolucionado a la par que los avances
en la tecnologa, y han servido de modelo para su aplicacin en los bucles y el retardo
(delay) en la msica electrnica de baile contemporneo.[21] Otro paralelismo entre la
obra de Reich y la msica electrnica de baile es el nfasis en un mnimo de forma en
contraposicin a un mnimo de material en el que elementos snicos como el timbre y
la textura se utilizan para acumular sonido en una direccin vertical. La masificacin,
de hecho, ha evolucionado hasta convertirse en un movimiento de la msica electrnica
de baile en el que la extrema densidad se crea con un nmero relativamente limitado de
elementos snicos. Esta evolucin se hace eco de una evolucin similar en el trabajo de
Reich, y de otros compositores minimalistas, que han pasado de la simplicidad a las
combinaciones ms complejas de pulsos y poliritmos.[22] Los practicantes de la msica
electrnica de baile tambin han adoptado el ritmo como meloda (rhythm as

melody), esttica que Reich adopt despus de estudiar los tambores africanos en
Ghana y se enfrentan a los repicantes timbres (chiming timbres) producidos por las
orquestas de gamelan indonesio.[23]
Tambin ha influenciado a artistas visuales como Bruce Nauman, y ha expresado su
admiracin por el montaje que la coregrafo Anne Teresa De Keersmaeker hace con sus
obras (Fase (1983), set de cuatro de sus primeras obras; Drumming (1998); y Rain, con
msica de Music for 18 Musicians).
Otros coregrafos conocidos han creado obras con la msica de Reich, incluyendo a Jir
Kylan (Falling Angels, un montaje sobre Drumming Part I), a Jerome Robbins para el
ballet clsico de New York City (Eight Lines) y a Laura Dean. Laura Dean ha usado en sus
coreografas muchas obras de Reich, como en sus obras Quartet Squared (Phase
Patterns) (1972), Square Dance (1972) Walking Dance (con msica de Clapping, 1972)
Drumming (1975), Tehilim (1984), Impact (1985), Force Field (1986) o Space (1988). Otros
coregrafos importantes que han usado msica de Reich son Eliot Feld, Alvin Ailey, Lar
Lubovitch, Maurice Bjart, Lucinda Childs, Siobhan Davies y Richard Alston.
Reich a menudo cita a Protin, J.S. Bach, Debussy y Stravinsky como los compositores que
admira, de cuya tradicin deseaba formar parte cuando era un joven compositor. El jazz
es una parte importante en la formacin del estilo musical de Reich, y dos de las primeras
influencias en su obra fueron las vocalistas Ella Fitzgerald y Alfred Deller, cuyo nfasis en
las capacidades artsticas de la voz sola con poco vibrato y otras alteraciones, fue una
inspiracin en sus primeras obras. El estilo de John Coltrane, que Reich ha descrito como
tocando muchas notas con pocas armonas (playing a lot of notes to very few
harmonies), tambin le influy, en especial el LP Africa/Brass, que era bsicamente
media hora en Fa.[25] La influencia del jazz incluye sus races, y Reich tambin estudi
la msica de frica del oeste en sus lecturas y en una visita que hizo a Ghana. Otras
influencias importantes fueron Kenny Clarke y Miles Davis, y otros artistas visuales
amigos suyos como Sol Lewitt y Richard Serra.

Stochastische Muziek

Se denomina estocstico a aquel sistema que funciona, sobre todo, por el azar. La
palabra proveniente del griego: , 'hbil en conjeturar'. Significa
"perteneciente o relativo al azar" segn el DRAE. Las leyes conocidas de causa-efecto,
aplicables al funcionamiento de sistemas determinista, no explican el funcionamiento de
un sistema estocstico en general y, de modo reducido, un fenmeno estocstico en
particular. El funcionamiento de estos ltimos puede ser explicado slo en funcin de
probabilidades.
En Investigacin de operaciones, modelo probabilstico y modelo estocstico son
prcticamente lo mismo.
El resultado de un algoritmo estocstico depende de probabilidades que cambian, o
pueden cambiar en funcin del tiempo, diferencindose del algoritmo probabilstico por
su comportamiento dinmico.
En matemticas, la estocstica es un conjunto de teoras estadsticas que tratan de los
procesos cuya evolucin es aleatoria (un ejemplo de ellos son las tiradas de dados).
En msica, los elementos estocsticos pueden ser generados mediante procesos
matemticos.
Los procesos estocsticos pueden ser utilizados en msica para componer una pieza fija y
pueden ser producidos en una interpretacin. Uno de los pioneros de la msica
estocstica es Iannis Xenakis, quien utiliz para componer probabilidad, teora de juegos,
teora de grupos, teora de conjuntos y lgebra de Boole. Tambin utilizaba con frecuencia
ordenadores para producir sus trabajos. Antes, John Cage y otros haban compuesto

msica aleatoria o indeterminada, que se crea mediante procesos de azar pero que no
tiene una estricta base matemtica.

Stravinsky

gor Fidorovich Stravinski (en ruso: ) (Oranienbaum, 17

de junio de 1882 Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de
orquesta ruso, uno de los msicos ms importantes y trascendentes del siglo XX.
Su larga existencia muri cuando iba a cumplir los 89 aos le permiti conocer gran
variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes le
tildaban como un msico del porvenir: "Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el
futuro. Estoy en el presente". En su presente compuso una gran cantidad de obras
clsicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo,
pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus perodos
iniciales el llamado perodo ruso: El pjaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910),
Petrushka (1911) y La consagracin de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para
muchos, estos ballets clsicos, atrevidos e innovadores, prcticamente reinventaron el
gnero. Stravinski tambin escribi para diversos tipos de conjuntos en un amplio
espectro de formas clsicas, desde peras y sinfonas a pequeas piezas para piano y
obras para grupos de jazz.
Stravinski tambin alcanz fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias
composiciones. Fue tambin un escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski
compil un trabajo terico titulado Poetics of Music (Potica musical), en el cual, dijo una
famosa frase: "La msica es incapaz de expresar nada por s misma".[1] Robert Craft tuvo
varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations
with Stravinsky[2] (Conversaciones con Stravinski).
Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas ms
influyentes de la msica del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue
considerado por la revista Time como una de las personalidades ms influyentes del siglo
XX.
El trabajo de Stravinski abraz mltiples estilos composicionales, revolucionando la
orquestacin y abarcando varios gneros; prcticamente reinvent el ballet en su forma,
incorporando mltiples culturas, idiomas y literaturas. Como consecuencia, su influencia
en otros compositores fue considerable durante su vida y sigue sindolo despus de su
muerte.
Stravinski comenz a repensar el uso del motivo musical y el ostinato ya en el ballet El
pjaro de fuego, pero el uso de estos elementos alcanz su cenit en La consagracin de
la primavera.
Los motivos, que se desarrollan en una frase musical distintiva que es seguidamente
alterada y desarrollada a lo largo de una pieza musical, tienen sus orgenes en la sonata
de la poca clsica. El primer gran innovador en este mtodo fue
Beethoven[cita requerida]; el motivo rtmico famoso que abre la Quinta Sinfona
reaparece sorpresivamente a lo largo de la obra, siendo las permutaciones refrescantes
un ejemplo tpico. Sin embargo, el uso de Stravinski en el desarrollo de los motivos era
nico sobre todo por la manera que tena de permutarlos. En "La consagracin de la
primavera" introduce permutaciones aditivas, es decir, quita o agrega una nota a un
motivo sin tener en cuenta los cambios en la mtrica.
Este ballet tambin es notable por el uso implacable de los ostinati. El pasaje ms
famoso, mencionado anteriormente, es el ostinato rtmico de las cuerdas, con acordes
acentuados ocasional e irregularmente por ocho trompas, que aparecen en Augurios
Primaverales (Danzas de las adolescentes), segundo nmero de la primera parte,
Adoracin de la Tierra, del ballet. ste es quizs el primer caso en la msica del ostinato

extendido que no se usa ni para la variacin ni para el acompaamiento de la meloda. En

otros diversos momentos de la obra de Stravinski ste emplea varios ostinati sin tener en
cuenta la armona o el tempo de la obra, creando un pastiche, una clase de equivalente
musical al cubismo en la pintura. Estos pasajes no slo son notables por su calidadpastiche sino tambin por su longitud: Stravinski los trata como un todo, como secciones
musicales completas.
Tales tcnicas figuraron durante varias dcadas en obras minimalistas de compositores
como Terry Riley y Steve Reich.
Stravinski no fue el primer practicante del estilo neoclsico; de hecho el compositor
alemn Richard Strauss podra ser el primero y ms grande ejemplo (compuso la
mozartiana El caballero de la rosa en 1910, cuando Stravinski an estaba empezando las
obras de su perodo ruso). Tambin Maurice Ravel compuso entre 1914 y 1919 su obra
Tombeau du Copuperin, una de las primeras y ms importantes obras de este estilo.
Otros, como Max Reger, estaban componiendo a la manera de Bach mucho antes que
Stravinski, pero ciertamente este ltimo fue un msico neoclsico inteligente. El estilo
neoclsico se adoptara despus por compositores tan diversos como Darius Milhaud y
Aaron Copland. Sergi Prokfiev una vez reprendi a Stravinski por sus amaneramientos
neoclsicos, aunque simpticamente, ya que Prokofiev haba utilizado msica similar para
su Sinfona No.1 de 1916-17.
Stravinski anunci su nuevo estilo en 1923 con su delicada obra para vientos Octeto. Las
armonas claras, recordando la era de la msica clsica de Mozart y barroca de Bach, y
las combinaciones ms simples de ritmo y meloda eran una contestacin directa a las
complejidades de la Segunda Escuela de Viena. Stravinski puede haber sido precedido en
estos temas por compositores ms tempranos como Erik Satie, pero no existe ninguna
duda de que cuando Copland estaba componiendo su ballet Appalachian Spring estaba
tomando a Stravinski como modelo.
Ciertamente de forma tarda, entre 1920 y 1930, el neoclasicismo fue aceptado como
gnero moderno prevaleciendo entre los crculos musicales alrededor del mundo.
Irnicamente, fue el propio Stravinski quin anunci la muerte del neoclasicismo al
menos en su propio trabajo, y tal vez para el mundo, con la realizacin de su pera The
rake's Progress en 1951. Una suerte de declaracin ltima para el estilo, la pera fue
ampliamente ridiculizada por parecer en demasa una "vuelta atrs" incluso por aqullos
que haban alabado el nuevo estilo slo tres dcadas antes.

- Symphoniefantastique
La Sinfona fantstica es una sinfona compuesta por Hctor Berlioz en 1830. El nombre
bajo el que se la conoce habitualmente es, en realidad, el subttulo: el ttulo que Berlioz
puso a su obra es Episodio de la vida de un artista. El autor se inspir en la actriz
shakespeariana Henrietta Constance Smithson, a la que amaba locamente, para
componer esta obra, que es un bello y claro ejemplo de la msica programtica. La
Sinfona Fantstica consta de cinco movimientos:
1. Sueos y pasiones
2. Un baile
3. Escena en el campo
4. La marcha del cadalso
5. Sueo de una noche de aquelarre

La sinfona posee un argumento muy detallado. Por esta razn se suele decir que es uno
de los mejores ejemplos de la msica programtica; tambin es quizs uno de los
primeros. El argumento es el siguiente:
Un joven msico desesperado se ha envenenado a s mismo con opio y en un largo
sueo, tiene una serie de visiones y pesadillas, la idea de su amada viniendo una y otra
vez a su cabeza. Recuerda las alegras y depresiones del pasado, antes de que ella
entrase en su vida, y luego el neurtico celoso en que se convirti cuando ella entr en su
vida, teniendo el nico consuelo de la religin.
El segundo movimiento evoca la msica de un baile, en el que con los giros de la danza,
vislumbra a su amada otra vez.
El tercer movimiento fue muy difcil para Berlioz. En el campo, dos pastorcillos entonan
una meloda con sus flautas para llamar a sus vacas. Todo es tranquilidad hasta que la
amada aparece de nuevo, provocando inquietud en el hroe. El otro pastorcillo toca su
flauta, pero esta vez no hay respuesta. En ese momento, el sol se pone acompaado de
un trueno distante. Luego, predomina el silencio en la escena.
El cuarto movimiento Marcha al Cadalso: Suea que ha asesinado a su amada y que ha
sido condenado a muerte, tomando el camino al lugar de la ejecucin. La procesin se
mueve, marchando a ratos tenebrosa y a ratos magnfica, durante la cual el torpe sonido
de pesados pasos sigue abruptamente por un momento, el ltimo pensamiento de amor
cortado de golpe por la muerte.
El movimiento final es un aquelarre,una salvaje celebracin demonaca. La imagen de la
amada parece ahora una agudsima burla. Las campanas de la muerte se oyen por
encima del himno Dies Irae del juicio final y se mezclan con la danza. La msica de las
campanas de la muerte en este movimiento ha sido utilizada por Wendy Carlos en las
bandas sonoras de La Naranja Mecnica y El resplandor.

- Synthetisten
Synthetistes (Marcel Poot, Nicolas Bernier, Gaston Brenta y Maurice Schoemaker).
De Synthetisten (Les Synthtistes) is een groep van Belgische componisten met de
bedoeling diverse tendensen in de muziek vanaf 1925 te syntetizeren.
Rond 1925 schaarde zich een groep leerlingen rond meester Paul Gilson; zig gaven in mei
1925 het tijdschrift La Revue Musicale Belge uit, Gilson was artistiek leider en Marcel Poot
was hoofdredacteur. De Synthetisten verenigden zich om de zestigste verjaardag van hun
geliefde meester Gilson wat meer luister bij te zetten. Hun doel: Couler dans des formes
bien dfinies, bien quilibres, tous les apports de la musique actuelle, sythtiser
(Gaston Brenta).
De groep De Synthetisten (Les Synthtistes) wilde duidelijk een Belgisch tegenhanger
vormen voor de beroemde Franse componistengroep Les Six. In tegenstelling tot de
revolutionaire manifestatie van Les Six, deden De Synthetisten dus eerder een martiale
intocht via een militaire kapel. Hun eerste symfonisch concert greep pas in 1931 plaats,
en dit te Brussel door een groot kamerorkest onder leiding van Franz Andr. Ondertussen
waren zij echter allen individueel bekend geworden en gingen zij elk hun eigen weg.
In 1975 - precies vijftig jaar later - werden de Synthetisten herdacht met een aantal
radioconcerten op Belgische Radio- en Televisieomroep (BRT 3). En van de concerten
werd gegeven door het Groot Harmonieorkest van de Belgische Gidsen onder leiding van
Yvon Ducne op 5 december 1975 in Studio 4, te Brussel.
-

Tacet

Tacet (del latn tacet, pronunciado tchet: 'l calla', 'l queda en silencio') es una
indicacin (utilizada en notacin musical) de que un ejecutante o instrumento en
particular no tiene intervencin durante un tiempo considerable, por ejempo durante un
movimiento entero.

Terry Riley

Terry Riley
Terry Riley (Colfax (California, 1935) es un compositor musical estadounidense
asociado al minimalismo.
Nacido en 1935, Colfax (California). Cursa en la Universidad de San Francisco
(Shasta College) y en el Conservatorio de San Francisco. Ms tarde ganara un
premio de composicin en la Universidad de California, Berkeley. Comenz con
una educacin musical formal pero pronto se sinti atrado por la msica de John
Cage, los experimentos de La Monte Young, las improvisaciones del jazz y la
msica clsica del norte de India. Siendo su influencia ms notoria la de su
profesor Pandit Pran Nath, un maestro de Cante Clsico Indio, que tambin
enseara a La Monte Young y Maria Zazeela. Riley realiz numerosos viajes a la
India para el estudio de la rtmica de varios instrumentos musicales como la
tabla, tambura y voz.
Ha desarrollado tcnicas de improvisacin musical basadas en la utilizacin de
magnetfonos y compuesto obras como In C (En do mayor) (1964) que han
tenido un fuerte impacto en la vanguardia musical. La grabacin de sus obras
Poppy no good and the phantom band (1967) y A rainbow in curved air (1969) le
dieron a conocer entre el gran pblico.
Su obra ms conocida es In C, compuesta en 1964, donde se revela sobre todo la
influencia de su colaboracin con La Monte Young y el grupo Fluxus en Nueva
York, as como el trabajo que realiz en los estudios de Radio France con
grabaciones en cinta. Inspirado en la experimentacin con el desfase, la
superposicin y la repeticin de sonidos grabados, Riley estructur la msica de
In C a partir de 53 frases musicales o mdulos de diversa longitud que cada
intrprete puede repetir libremente sobre un pulso constante en la nota Do. Sin
embargo, hay procesos indeterminados en las repeticiones y en la manera que
los intrpretes las ejecutan, por lo que el resultado final es una compleja e
impredecible red de cnones, polirritmias y nfasis armnicos. y tambin en los
nfasis de la msica contempornea.

Tintinnabuli

= una obra de Arvo Part

Tintinnabuli (singular. tintinnabulum) (from the Latin tintinnabulum, a bell) is a
compositional style created by the Estonian composer Arvo Prt. Prt first introduced this
new style in two works: Fr Alina (1976) and Spiegel Im Spiegel (1978). This simple style
was influenced by the composer's mystical experiences with chant music. Musically,
Prt's tintinnabular music is characterized by two types of voices, the first of which
(dubbed the "tintinnabular voice") arpeggiates the tonic triad, and the second of which
moves diatonically in stepwise motion. The works often have a slow and meditative
tempo, and a minimalist approach to both notation and performance. Prt's compositional

approach has expanded somewhat in the years since 1970, but the overall efect remains
largely the same.
-

Tom Johnson

American composer Tom Johnson (born November 18, 1939 in Greeley, Colorado), is one
of the few composers to self-identify as minimalist; in fact, he coined the term while
serving as the new music critic for the Village Voice[citation needed]. He has since
collected these articles in the book The Voice of New Music which is available free through
the external link below. He has lived in Paris since 1983.
His pieces are most often based simply on mathematical and logical processes, such as
tiling, which he attempts to make as clear as possible. His works include: The Four Note
Opera, An Hour for Piano, Rational Melodies, the Bonhoefer Oratorio,Organ and Silence,
Riemannoper, and Galileo. Greg Sandow (2003) describes Nine Bells, "in which he walked,
at a steady rhythmic pace (and, if I remember correctly, for more than an hour), among
nine suspended burglar alarm bells, systematically exploring all the possible paths among
them. Which, since he strikes each bell as he passes it, are also all the possible melodies
their pitches might make. As in many of Tom's works, theory and practice are identical
here... You see and hear the structure of the piece. That's not even remotely abstract;
instead, it's pure happiness, as the pealing bells seem to ring with Tom's concentration
(visible in his face and body, audible in his steady steps), and his joie de vivre." At the
age of 55, Johnson had to stop performing this athletic piece, but Matthias Kaul, Adam
Weisman and others have developed their own interpretations of the score, using their
own sets of bells. Similarly, Galileo, another invented instrument consisting of five
swinging pendulums, which the composer performed often from 2001 to 2009, is now
interpreted by Pierre Berthet.
Johnson received the French "Victoires de la Musique" prize for contemporary composition
(the French equivalent of the "Grammies") in 2001 for "Kientzy Loops".
He lived 15 years in New York, but in 1983 settled in Paris, where he lives with his wife,
the artist Esther Ferrer.
-

Traditionalisme

[A] 'radical traditionalist' is what Ive been called. My music combines two fundamentally
contradictory impulses-radical language and romantic sensibility. The melodies are
disjunct and dissonant; they contain 'atonal' harmonies and extremes in register,
dynamics, and textural contrast. Yet the musical structures are grandly formed and run
the gamut of dramatic gestures. Like the Romantics, I conceive of art in a deeply spiritual
way. A great work of art transcends the immediate moment into a world of infinity.
-

Transformatietechniek

Tsjaikovski

Piotr Ilich Chaikovski[a] (en ruso: , pronunciado [potr ljit tj

kofskj]; (
escuchar); 25 de abriljul./ 7 de mayo de 1840greg. 25 de octubrejul./ 6
de noviembre de 1893greg.)[b] fue un compositor ruso del perodo del Romanticismo. Es
autor de algunas de las obras de msica clsica ms famosas del repertorio actual, como
por ejemplo los ballets El lago de los cisnes y El cascanueces, la Obertura 1812, la
obertura-fantasa Romeo y Julieta, el Primer concierto para piano, sus sinfonas Cuarta,
Quinta y Sexta (Pattica) y la pera Eugenio Oneguin.
Nacido en una familia de clase media, la educacin que recibi Chaikovski estaba dirigida
a prepararle como funcionario, a pesar de la precocidad musical que mostr. En contra de
los deseos de su familia, decidi seguir una carrera musical y en 1862 accedi al

Conservatorio de San Petersburgo, gradundose en 1865. La formacin que recibi,

formal y orientada al estilo musical occidental, lo apart del movimiento contemporneo
nacionalista conocido como el Grupo de los Cinco conformado por un grupo de jvenes
compositores rusos, con los cuales Chaikovski mantuvo una relacin profesional y de
amistad a lo largo de su carrera.
Mientras se desarrollaba su estilo, Chaikovski escribi msica en varios gneros y formas,
incluyendo la sinfona, pera, ballet, msica instrumental, de cmara y la cancin. A
pesar de contar con varios xitos, nunca tuvo mucha confianza o seguridad en s mismo y
su vida estuvo salpicada por las crisis personales y periodos de depresin. Como factores
que contribuyeron a esto, pueden mencionarse su homosexualidad reprimida y el miedo
a que se revelara su condicin, su desastroso matrimonio y el repentino colapso de la
nica relacin duradera que mantuvo en su vida adulta: su asociacin de 13 aos con la
rica viuda Nadezhda von Meck. En medio de esta agitada vida personal, la reputacin de
Chaikovski aument; recibi honores por parte del Zar, obtuvo una pensin vitalicia y fue
alabado en las salas de conciertos de todo el mundo. Su repentina muerte a los 53 aos
suele atribuirse generalmente al clera, pero algunos lo atribuyen a un suicidio.[1]
A pesar de ser popular en las audiencias de todo el mundo, Chaikovski recibi a veces
duras crticas por parte de crticos y compositores. Sin embargo, su reputacin como
compositor de importancia es hoy en da segura,[2] y ha desaparecido por completo el
desdn con el que los crticos occidentales a principios y mediados del siglo XX
catalogaban su msica como vulgar y falta de pensamiento.[3
Chaikovski escribi varias obras que son populares entre el pblico aficionado a la msica
clsica, entre las que se encuentran Romeo y Julieta, la Obertura 1812, sus tres ballets (El
cascanueces, El lago de los cisnes y La bella durmiente) y la Marcha Eslava. stas, junto
con dos de sus cuatro conciertos, tres de sus seis sinfonas numeradas y, de sus diez
peras, La dama de picas y Eugenio Oneguin, son probablemente sus obras ms
familiares. Casi tan populares son la Sinfona Manfredo, Francesca da Rimini, el Capricho
italiano y la Serenata para cuerdas. Sus tres cuartetos de cuerdas y tros para piano
contienen bellos pasajes, as como sus 106 canciones siguen siendo interpretadas en
recitales.[92] Chaikovski tambin escribi unas cien obras para piano, a lo largo de su
vida. Brown afirma que aunque algunas de ellas pueden ser exigentes tcnicamente, la
mayora son composiciones encantadoras, no pretenciosas, dirigidas a pianistas
aficionados.[93] Aade, no obstante, que hay ms atractivo e ingenio en estas piezas
de las que cabra esperar.[94]
La educacin formal que recibi Chaikovski en el conservatorio le permiti escribir obras
con tendencias y tcnicas orientadas al estilo occidental. Su msica es una muestra de
un amplio mbito y amplitud de tcnicas, desde una forma clsica equilibrada
simulando la elegancia rococ del siglo XVIII, hasta un estilo ms caracterstico de los
nacionalistas rusos, o (segn Brown) un idioma musical expreso para canalizar sus
propias emociones trastornadas.[95] A pesar de su reputacin como mquina de hacer
llorar,[92] la auto-expresin no era un principio central para Chaikovski. En una carta a
von Meck del 5 de diciembre de 1878, le explic que hay dos tipos de inspiracin para un
compositor sinfnico, una subjetiva y otra objetiva, y que la msica programtica puede y
debe existir, al igual que es imposible exigir que la literatura se las arregle sin el
elemento pico y se limite nicamente al lirismo. Igualmente, las grandes obras
orquestales que Chaikovski compuso pueden dividirse en sendas categoras: las sinfonas
en una y otras obras, como los poemas sinfnicos, en otra.[96] De acuerdo con el
musiclogo Francis Maes, la msica programtica como Francesca da Rimini o la Sinfona
Manfredo eran en su mayor parte el credo artstico del compositor como una expresin de
su ego lrico.[97] Maes tambin identifica un grupo de composiciones que estn fuera
de la dicotoma de la msica programtica contra el ego lrico, donde Chaikovski tiende
a la esttica pre-romntica. Entre las obras de este grupo se encuentran las cuatro suites
orquestales, el Capricho italiano, el Concierto para violn y la Serenata para cuerdas.[98]
Aunque la msica de Chaikovski ha sido siempre popular entre el pblico, frecuentemente
fue juzgada duramente por msicos y compositores. Sin embargo, su reputacin como

compositor de importancia est hoy en da aceptada.[2] Su msica ha ganado seguidores

en las salas de conciertos de todo el mundo, en segundo lugar justo por detrs de
Beethoven,[3] gracias en gran parte a lo que Harold C. Schonberg califica de una dulce,
inagotable y supersensual fuente de meloda... con un toque de neurosis, tan emotivo
como un grito desde una ventana en una noche oscura.[99] Segn Wiley, esta
combinacin de meloda sobrecargada y emocin recargada polariza a los oyentes, con
un popular ruego de la msica de Chaikovski compensada con el desdn crtico hacia ella
entendida como vulgar y carente de pensamiento elevado o filosofa.[3] Recientemente,
la msica de Chaikovski ha recibido una revaluacin profesional, en la que los msicos
reaccionan favorablemente a la msica llena de melodas y su artesana.[92]
Chaikovski crea que su profesionalidad en combinar su talento y altos niveles de calidad
en sus obras le distanciaban de sus contemporneos del Grupo de los Cinco. Comparta
varios ideales suyos, incluyendo un nfasis en el carcter nacionalista en su msica. Su
intencin era, no obstante, unir esos ideales con un estndar lo suficientemente alto para
satisfacer los criterios de Europa Oriental. Su perfeccionismo, adems, impuls su deseo
de alcanzar un pblico mayor, no slo nacional sino internacional, que fue lo que
finalmente logr.[100]
Chaikovski pudo haberse influido del mecenazgo mayoritario denominado del siglo
XVIII prevalente en la Rusia de aquella poca, que todava estaba profundamente
influido por su aristocracia. En este estilo de mecenazgo, el mecenas y el artista a
menudo estaran en igualdad de condiciones. Las dedicatorias dirigidas a los
benefactores no eran un acto de humilde gratitud sino expresiones de su asociacin
artstica. La dedicatoria de la Cuarta Sinfona a von Meck se sabe que signific un sello
sobre su amistad. La relacin de Chaikovski con el duque Konstantn Konstantnovich
naci a partir del fruto creativo de las Seis canciones, Op. 63, para las cuales el gran
duque escribi la letra.[101] Chaikovski no tuvo conflictos de estilo en tocar para los
gustos del pblico, aunque nunca se demostr que satisficiera otros gustos aparte del
suyo propio. Los temas patriticos y el estilismo de las melodas del siglo XVIII en sus
obras concordaban con los valores de la aristocracia rusa.[102]
De acuerdo con Brown en el New Grove (1980), las melodas de Chaikovski van del estilo
occidental al estilismo de canciones populares y en ocasiones las mismas canciones
populares.[103] Su empleo de repeticiones con estas melodas generalmente reflejan el
estilo secuencial de las prcticas occidentales, las cuales Chaikovski extenda en una
inmensa longitud, construyendo una emocionante experiencia de intensidad casi
insostenible.[103] Experiment en ocasiones con mtricas inusuales, aunque
usualmente, como en sus melodas de danza, empleaba una firma, en esencia un comps
regular que a veces se converta en el agente ms expresivo en algunos movimientos
debido a su enrgico uso.[103] Chaikovski adems practic con un amplio rango de
armonas, desde las prcticas de las armonas y texturas occidentales de sus primeros
dos cuartetos de cuerda al empleo de la escala de tonos enteros en el centro del final de
su Segunda Sinfona; sta ltima era una prctica que solan usar el Grupo de los Cinco.
[103] Debido a que Chaikovski escribi la mayora de su msica para orquesta, sus
texturas musicales estaban condicionadas cada vez ms con los colores orquestales que
empleaba, especialmente tras la Segunda suite orquestal. Brown mantiene que mientras
que el compositor estaba habituado a las prcticas orquestales de Occidente, l prefera
diferenciar los colores orquestales hacindolos ms brillantes y definidos segn la
tradicin establecida por Glinka.[103] Tenda a emplear ms los instrumentos agudos
por su veloz delicadeza,[103] aunque equilibra esta tendencia con una certera
exploracin de los sonidos oscuros e incluso lgubres de los instrumentos de metal.
[103]
Wiley cita a Chaikovski como el primer compositor ruso de un nuevo tipo, totalmente
profesional, que asimil con firmeza la maestra sinfnica de la tradicin de Europa
Occidental; en un estilo profundamente original, personal y nacional en el cual unific el
saber hacer de Beethoven y Schumann con las obras Glinka y transform los logros de
Liszt y Berlioz en la msica programtica en materias de elevacin shakesperiana y de
importancia psicolgica.[104]

Chaikovski crea que su profesionalidad en combinar su talento y altos niveles de calidad

en sus obras le distanciaban de sus contemporneos del Grupo de los Cinco. Comparta
varios ideales suyos, incluyendo un nfasis en el carcter nacionalista en su msica. Su
intencin era, no obstante, unir esos ideales con un estndar lo suficientemente alto para
satisfacer los criterios de Europa Oriental. Holden sostiene que Chaikovski fue el primer
compositor ruso profesional legitimado, afirmando que slo las tradiciones de msica
popular y la msica de la Iglesia ortodoxa rusa existan antes de nacer l. Holden
contina, Veinte aos despus de la muerte de Chaikovski, en 1913, La consagracin de
la primavera de gor Stravinski estall en la escena musical, marcando la llegada de Rusia
en la msica del siglo XX. Entre estos dos mundos, la msica de Chaikovski se convirti
en el nico puente.[105]
Su perfeccionismo, adems, impuls su deseo de alcanzar un pblico mayor, no slo
nacional sino internacional, que fue lo que finalmente logr.[106] El musiclogo ruso
Solomn Vlkov sostiene que Chaikovski fue quizs el primer compositor ruso en pensar
sobre el sitio de su pas en la cultura musical europea.[107] Como el compositor escribe a
von Meck desde Pars,
Qu agradable es estar convencido de antemano del xito de nuestra literatura en
Francia. Cada libro talage contiene traducciones de Tolsti, Turgunev y Dostoyevski...
Los peridicos estn imprimiendo constantemente artculos muy entusiastas sobre uno u
otro de estos escritores. Quizs algn da esto tambin ocurra con la msica rusa!![108]
Chaikovski se convirti en el primer compositor ruso en dar a conocer personalmente al
pblico extranjero sus obras as como las de otros compositores rusos.[109] Adems
mantuvo lazos cercanos de negocios y personales con muchos de los principales msicos
de Europa y de los Estados Unidos. Para los rusos, segn Vlkov, esto era algo totalmente
nuevo e inusual.[110]
Por ltimo, el impacto de las propias obras de Chaikovski, especialmente en el ballet, no
pueden subestimarse; su dominio de las danseuse (melodas que se ajustan a los
movimientos fsicos a la perfeccin), junto con su viva orquestacin, temas efectivos y
continuidad de ideas eran inauditas en el gnero,[111] estableciendo nuevos estndares
para el papel de la msica en el ballet clsico.[112] Noel Goodwin caracteriza El lago de
los cisnes como una obra maestra imperecedera [en el gnero del ballet][112] y La
bella durmiente como el ejemplo supremo de ballet clsico del siglo XIX,[113] mientras
que Wiley calific la ltima obra como potente, variada y rtmicamente compleja.[114

Tweede school van Wenen

Las primeras composiciones de Schoenberg (quien fue bsicamente autodidacta) y las de

sus alumnos estuvieron influenciadas por el romanticismo en boga (Schumann, Wagner,
Brahms, Mahler), msica con un fuerte cromatismo. En el tiempo en que Schoenberg
entr en contacto con ellos y les dio lecciones, comenzaba a experimentar con el
abandono de las reglas de la tonalidad, que transmiti a sus alumnos. Desde 1908, todos
componan obras en atonalidad libre, en un estilo expresionista. En el manifiesto de Der
Blaue Reiter (1912) - movimiento artstico alemn relacionado al expresionismo y el arte
abstracto liderado por Kandinsky - se publicaron lieder de la "trinidad": Herzgewchse Op.
20 de Schoenberg (texto de Maurice Maeterlinck), Warm die Lfte Op. 2 N5 (texto de
Alfred Mombert) de Berg y Ihr tratet zu dem Herde Op. 4 N 5 (texto de Stefan George) de
Webern.
Cuando Schoenberg descubri en 1923 la tcnica dodecafnica y la comenz a usar en su
msica, la anunci a sus discpulos quienes comenzaron a usarla, cada uno dentro de su
propio estilo. Si bien Schoenberg era un maestro bastante tradicional y conservador, sus
alumnos supieron imprimir a sus msicas su propia personalidad e incluso tomar licencias
de las reglas que haba creado el maestro. Desde 1910 hasta el ascenso del nazismo, la
Segunda Escuela Vienesa fue uno de los representantes de las vanguardias artsticas
europeas, marcadamente opuesta al neoclasicismo cuyos lderes principales fueron gor

Stravinski (quien en la ltima etapa de su vida escribi obras dodecafnicas) y Les Six de
Francia.
Con el ascenso del nazismo, Schoenberg, que era judo, se vio obligado a exiliarse y
abandon Alemania; sus discpulos se quedaron en Austria, pero pasaron penurias
econmicas por la censura que les impuso el gobierno por considerar a su msica arte
degenerado; el grupo qued truncado. Pronto, en 1935, el ms joven y probablemente el
ms famoso de ellos, Alban Berg, muri de una septicemia. A finales de la Segunda
Guerra Mundial, Anton Webern muri por un disparo de un soldado norteamericano
borracho cuando intentaba huir a pie de Viena, y Schoenberg, el maestro y el mayor de
edad, irnicamente fue quien les sobrevivi, exiliado en los Estados Unidos de Amrica.
Entre las obras ms importantes de los compositores de este grupo tenemos:
Pierrot Lunaire de Schoenberg
Erwartung, Die glckliche Hand y Moses und Aron, peras de Schoenberg
Wozzeck y Lul, peras de Berg

Noclassicisme

ElneoclasicismofueunacorrientedelamsicacontemporneadelsigloXXquesemanifestespecialmenteen
el periodo de entreguerras, en las dcadas 1920 y 1930. Sus caractersticas son un retorno a los grupos
instrumentalespequeos(decmara)enlugardelagranorquesta;usodelatcnicadelconcertogrosso;nfasis
sobrelascualidadescontrapuntsticas;ylaevitacindelaexpresin"emocional"tpicadelromanticismo.
DespusdelaSegundaGuerraMundialvarioscompositores(comogorStravinskiyPaulHindemith)realizaron
composicionesdondesenotabaunretornoaloscnonesdel clasicismo delaescueladeViena(de Haydn y
Mozart),aunqueconunaarmonamuchomsdisonanteyrtmicasirregulares.Esemovimientotipodemsica
sedenomin"neoclasicismo".

underweisung im Tonsatz

= una obra de Paul Hondemith

Verein fur musikalische privatauffuhringen

The Society for Private Musical Performances (in German, the Verein fr musikalische
Privataufhrungen) was an organization founded in Vienna in the Autumn of 1918 by
Arnold Schoenberg with the intention of making carefully rehearsed and comprehensible
performances of modern music [disambiguation needed] available to genuinely interested
members of the musical public. In the three years between February 1919 and 5
December 1921 (when the Verein had to cease its activities due to Austrian
hyperinflation), the organisation gave 353 performances of 154 works in a total of 117
concerts.
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Verisme

Aunque Carmen de Bizet (1875) fue la primera pera realista,[1] el Verismo realmente
llega luego de quince aos en Italia, con la premiere histrica de Cavalleria Rusticana
(1890) de Pietro Mascagni.
Aunque algunos mencionen los orgenes del verismo en la pera Carmen; sus referentes
son indudablemente Mascagni y Leoncavallo.
[editar] Verismo como estilo operstico

Internacionalmente el trmino es ms ampliamente conocido como un estilo de pera

italiana iniciada en 1890 con Cavalleria Rusticana de Mascagni y culminada en los
primeros aos del siglo XX. El estilo se distigue por el retrato realista algunas veces
srdido o violento de la vida cotidiana contempornea, especialmente la vida de las
clases bajas, rechazando los temas histricos del Romanticismo, o los mticos. Por el
contrario, la ntima penetracin psicolgica en escenarios realistas de naturaleza social
charlatana de una obra como Der Rosenkavalier de Richard Strauss no es discutida
normalmente en trminos de Verismo, simplemente debido a su puesta de estilo.
El enfoque realista del Verismo se extiende tambin a la msica, la cual es en general
continua y no est dividida en nmeros separados en la partitura; nmeros que
podran ser extractados y fcilmente presentados en conciertos (como suceda en los
gneros opersticos anteriores). El Verismo, as, abandona las arias de coloratura (o arias
cerradas) en favor de un canto ms fluido y los recitativos. Esto no es siempre cierto, al
menos - Cavalleria Rusticana, Pagliacci, y Tosca poseen arias y coros que son
constantemente presentados en recitales. En contraste, Turandot (inconclusa a la muerte
de Puccini) marca un retorno al estilo de nmeros.[2]
El trmino verismo es utilizado algunas veces para describir el particular estilo musical
que prevaleci entre los compositores italianos durante los ltimos aos del siglo XIX y
principios del siglo XX. Para la mayora de los veristi, la temtica verista tradicionalmente
slo se aplic a algunas de sus obras. El mismo Mascagni escribi una comedia pastoral,
(L'amico Fritz), una obra simbolista situada en Japn, (Iris), y un par de romances
medievales (Isabeau y Parisina). Estas obras se encuentran lejos de la tpica temtica del
Verismo, pero se escriben en el mismo estilo musical general que sus temas ms
puramente veristas. Por lo tanto, el contexto es muy importante para comprender el
significado cierto del trmino Verismo: es utilizado como descripcin de los dramas
apasionados y duros de la clase trabajadora, para el cual el trmino fue acuado, pero
tambin como el movimiento cultural de estos compositores.
[editar] Principales exponentes
Aunque alrededor del mundo Giacomo Puccini es generalmente aceptado como el
compositor ms grande del Verismo, esta afirmacin es ampliamente discutida por
crticos musicales italianos. Incluso si alguno de ellos lo ve como parte de este estilo,
otros aceptan simplemente una implicacin parcial. La aseveracin ms aceptada es que
al menos algunas de sus peras (por ejemplo, Tosca) son clasificables como veristas. Y si
no se utiliza "Verismo" como sinnimo de "bao de sangre", puede postularse que Puccini
nos leg la pera "realista" ms perfecta, La Bohme.
Los ms famosos compositores de pera verista, descontando a Giacomo Puccini, fueron
Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo (cuyo Pagliacci es muy a menudo presentada a la
par de Cavalleria), Umberto Giordano, y Francesco Cilea.
Haba, sin embargo, muchos otros veristi: Franco Alfano (muy conocido por completar
Turandot de Puccini), Alfredo Catalani, Gustave Charpentier (Louise), Eugen d'Albert
(Tiefland), Ignatz Waghalter (Der Teufelsweg y Jugend), Alberto Franchetti, Franco Leoni,
Jules Massenet (La Navarraise), Licinio Refice, Ermanno Wolf-Ferrari, y Riccardo Zandonai.
Los compositores de pera verista italiana integraban un grupo conocido como Giovane
Scuola ("escuela joven").
Algunas obras de Verdi son tambin claramente veristas.
[editar] Relacin con la msica de Wagner
Ninguna meloda, fragmento o leitmotiv verista es compuesto simplemente porque suena
agradable. El propsito de cada comps de una partitura verista es transportar o reflejar
el contexto, la accin, o las sensaciones de un personaje. En este sentido, los
compositores veristas parecen haber seguido la metodologa de Richard Wagner. De
hecho, la influencia de Wagner en el Verismo es obvia. El primer acto de Die Walkre y el

tercer acto de Siegfried contienen la semilla de muchos futuros fragmentos y melodas

veristas.
Por otra parte, se ha dicho[3] que el uso de la orquesta difiere fundamentalmente entre
Wagner y el Verismo, en lo siguiente: en Wagner, la orquesta no necesariamente requiere
seguir lo que los cantantes estn presentando en emocin o an en el contenido (por
ejemplo, Siegfried (acto 2) se preguntan quienes son sus padres, y se nos recuerda un
leitmotiv que les hemos odo en la pera previa. Esto no es conocido por Siegfried, pero
para la audiencia ampla literalmente la comprensin de la trama). De todas formas, en el
Verismo, Corazzol[4] confirma a la orquesta como slo "ecos y validadora de las voces" y
el estilo ofrece as "un punto de vista regresivo": la orquesta no puede adicionar nada al
drama o a la comprensin de la audiencia, an si esto sirviera para profundizar la
emocin con la msica, por ejemplo, el uso en Manon Lescaut del acorde de Tristan. La
refencia a Tristan es emocionalmente ilustrativa, pero no ofrece ningn detalle nuevo al
argumento.