Lapiz 275

L
LAPIZ 275
Revista
Internacional
de Arte
A
I
P
SPANISH / ENGLISH
Ao XXXI.
Nm. 275. Espaa
Precio: 9,80
275
Esto no es una
exposicin de arte,
tampoco
Comisario: David G. Torres
28.09.12 > 27.01.13
Un recorrido por la 30 Bienal de So Paulo

A visit to the 30th Biennial of So Paulo
Las formas orgnicas

de la microarquitectura
de los Bouroullec
Organic forms
of microarchitecture
by the Bouroullec brothers
La originalidad de los hermanos Quay

The originality of the Quay brothers
Centre dArt Contemporani

C/ Sant Adri, 20.
Barcelona
Lieja celebra el nuevo diseo

Liege celebrates the new design
Sumario / Contents
Octubre / Noviembre 2012
October / November 2012
EDITORIAL
TRAVELLING/ZOOM
Escribo este
artculo editorial al
da siguiente de una
de los operativos
policiales ms
sonados de los
ltimos aos: el que
desvela una red de
mafia china de
extenso alcance,
especializada en la
evasin fiscal y el
lavado de dinero,
entre otras cosas. A
estas horas ya
hemos visto
carritos de la
compra llenos de
bloques de billetes
salir de naves del
polgono industrial
Cobo Calleja
situado en las
inmediaciones de la
ciudad de Madrid.
La red china
manejaba enormes
sumas de dinero e
involucr a
colaboradores
espaoles y de otras
nacionalidades. En
estos momentos ya
se habla del
potencial flmico
del suceso, dadas
En este nmero
ofrecemos un
recorrido por
exposiciones
como Mer n Ljud,
en la Bonniers
Konsthall de
Estocolmo; Ends of
the Earth. Land
Art bis 1974, en la
Haus der Kunst de
Mnich; o las tres
que componen
el proyecto
Tirar del hilo, del
Centro-Museo
Vasco de Arte
Contemporneo
ARTIUM de Vitoria.
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BIENAL DE SAO
PAULO
Toda bienal acaba
rigindose por sus
conceptos de
cabecera, por lo
que se anuncia
como matriz
conceptual con la
intencin de
dibujar despus
una cartografa
ms o menos
coherente. Esto ha
ocurrido por
partida doble en el
caso de la
trigsima edicin
de la bienal
...en pgina 12 paulistana,
despus de algn
susto previo
Esta vez nos
debido a la
acercamos a la
exposicin Privat, incorrecta gestin
econmica del
que acoge la
Schirn Kunsthalle evento entre los
aos 1999 y 2006,
de Frankfurt, y
problema
visitamos la gran
muestra del ao en finalmente
el Museo Nacional resuelto por el
Ministerio de
Centro de Arte
Cultura y las
Reina Sofa de
Madrid: Encuentro secretarias
culturales de So
con los aos 30,
Paulo. Lo que se
un magnfico
presenta aqu, ms
recorrido por el
que nunca, es un
arte de
planteamiento
entreguerras,
aderazado con un constelar
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ciclo de cine
sugerente.
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275
ADOLFO MONTEJO
APUNTES
APUNTES
ADOLFO MONTEJO
APUNTES
ROBERT GOBER
Lavabos, urinales,
sillas, chimeneas,
rejillas de
alcantarillado,
desages, corrales
para beb y otros
objetos cotidianos
sirven a
Robert Gober
(Wallingford,
Connecticut, 1954)
para plantear obras
que incitan
lecturas
psicoanalticas.
Son famosas las
piezas que el artista
construye
recurriendo a
fragmentos
anatmicos,
normalmente
colocados como
saliendo de una
pared o bien
emergiendo de
elementos
domsticos, o
encajados en
canastos de
plstico
QUAY BROTHERS
Ilustradores,
escengrafos y
cineastas, los
gemelos idnticos
Timothy y Stephen
Quay (Norristown,
Pennsylvania,
1947) destacan
especialmente por
su produccin
audiovisual, que
abarca filmes de
animacin cuadro
por cuadro, obras
con actores reales,
documentales,
filmes relacionados
con la danza,
vdeos musicales y
comerciales para
televisin. Muy
influenciados por
la literatura, la
msica y el cine del
este de Europa, en
sus obras de
animacin cuadro
por cuadro es
donde ms
evidente resulta su
inclinacin a lo
siniestro. En ellas
habitan muecos
descoyuntados
inmersos
JULIO PLAZA
A pesar de los
contados esfuerzos
por colocar la obra
de Julio Plaza
(Madrid,1938So Paulo, 2003)
en el lugar que
merece, esto
contina siendo
una asignatura
pendiente, algo
que causa cierto
sonrojo tanto en lo
que respecta a
Brasil como en lo
que respecta a
Espaa.
Precisamente
debido a este hecho
merece la pena
destacar y analizar
la muestra
Construes
poticas. Resulta
en verdad difcil
ofrecer un
panorama que
RONAN Y ERWAN
BOUROULLEC
Los hermanos
Ronan y Erwan
Bouroullec
(Quimper, Francia,
1971 y 1976)
comenzaron su
carrera como
diseadores
industriales, pero
hoy se les conoce
por sus diseos de
objetos para el
hogar y para la
oficina en los que
destacan un
espritu
experimental y la
pulcritud de lneas
y conceptos. Junto
a sillas, sofs,
lmparas y
elementos para la
mesa han diseado
tambin objetos
hbridos,
destacando sus
propuestas
modulares,
orgnicas, flexibles
y a veces efmeras.
Por ejemplo,
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SUSANA MOLINA
ADOLFO MONTEJO
PERFIL
LIBROS
FLASHBACK
RECIPROCITY
DESIGN LIGE
2012
La ciudad belga de
Lieja, al este de
Bruselas, acoge
durante el mes de
octubre el evento
RECIPROCITY Design
Lige 2012, la sexta
edicin de lo que
hasta ahora se
conoca
como Bienal
Internacional de
Diseo de Lieja.
Este cambio no
solo obedece a que
pasa a convertirse
en trienal, sino
tambin al aspecto
en el que se centra
esta edicin y que
determinar las
temticas que
abordarn las
prximas
ediciones: el diseo
social, aquel
enfocado a dar
soluciones a la
colectividad, un
diseo que va ms
all de lo esttico,
lo artstico y lo
aisladamente
funcional. Esta
redefinicin de
intereses apunta,
as, al diseo como
una especialidad
dirigida a mejorar
PAULO BRUSCKY
Hay alguna
diferencia entre
un trabajo
acabado y otro
inacabado? En el
caso de Paulo
Bruscky (Recife,
1949), la
respuesta la
encontramos en la
potica que
incorpora cada
uno, y que
responde a un
mismo marco
imagtico y
existencial. En
parte, esto lo
explica la potica
del margen que
define la
trayectoria de este
artista postfluxus
y pionero en
tantos medios y
lenguajes (poesa
visual, arte por
correo,
intervenciones,
performances,
libros de artista,
objetos, faxes,
fotocopias, vdeos,
Este mes, la
seccin PERFIL
ofrece las
semblanzas del
artista britnico
Martin Creed y del
holands Hans van
Bentem.
Entre otros,
acercamos al lector
ttulos como
Mujeres de ojos
rojos. Del arte
feminista al arte
femenino, de
Susana Carro
Fernndez;
Indiferencias
fotogrficas y tica
de la imagen
periodstica, de
Joan Fontcuberta;
Atlas porttil de
Amrica Latina.
Arte y fricciones
errantes, de
Graciela Speranza;
Enciclopedia
ertica del cmic,
de Luis Gasca y
Romn Gubern;
Art and Identity in
Dark Age Greece,
1100-700 B.C.E., de
Susan Langdon;
Reportajes, de Joe
Sacco; Cine
artstico, de Paul
Young y Paul
Duncan; o La
destruccin del
patrimonio
artstico espaol.
W. R. Hearst: El
gran acaparador,
de Jos Miguel
Merino de Cceres
y Mara Jos
Martnez Ruiz.
Visitamos
exposiciones como
Bohmes, en las
Galeries nationales
du Grand Palais de
Pars; Colors of the
Universe. Chinese
Hardstone
Carvings, en el
Metropolitan
Museum of Art de
Nueva York;
Vermeer, il secolo
doro dellarte
olandese, en las
Scuderie del
Quirinale de Roma;
Francesco Guardi,
1712-1793, en el
Museo Correr de
Venecia; Canaletto
Venise, en el
Muse Maillol de
Pars; Peter Lely: A
Lyrical Vision, en
la Courtauld
Gallery de Londres;
y Bronze, en la
Royal Academy of
Arts de Londres.
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Esta publicacin es miembro de la Asociacin de Revistas Culturales de Espaa (ARCE),

del Centro Espaol de Derechos Reprogrficos (CEDRO), y de la
Federacin Iberoamericana de Revistas Culturales (FIRC).
EDITORIAL
De mecenas y mangantes
VIVIANNE LORIA
Escribo este artculo editorial al da siguiente de una de los operativos policiales ms sonados de los ltimos aos: el que desvela una red de mafia china de
extenso alcance, especializada en la evasin fiscal y el lavado de dinero, entre
otras cosas. A estas horas ya hemos visto carritos de la compra llenos de bloques de billetes salir de naves del polgono industrial Cobo Calleja situado en
las inmediaciones de la ciudad de Madrid. La red china manejaba enormes sumas de dinero e involucr a colaboradores espaoles y de otras nacionalidades. En estos momentos ya se habla del potencial flmico del suceso, dadas las
dimensiones del poder de esta red criminal, la aparente implicacin de un actor porno y, lo ms jugoso, por lo visto: la presencia de un cabecilla de 45 aos
supuesto mecenas del arte.
Los peridicos generalistas, al menor indicio de la relacin del principal
implicado, el seor Gao Ping, con el arte se han lanzado a colocar cabeceras
efectistas en las que lo califican como mecenas e incluso magnate del arte.
Hay quien ha afirmado que es un clebre marchante de arte por el simple
hecho de que posea una galera en la capital. Y es cierto que un importante
peridico de este pas lo entrevist no hace tanto tiempo y que una revista de
divulgacin perteneciente a otro gran grupo editorial lo premi como supuesto promotor del arte aunque ya empieza a verse que los motivos de ese premio podran muy bien tener algn mezquino fundamento. No obstante, casi
nadie en el mundo del arte conoca a este seor, y quien por casualidad haba
odo hablar de l no le haba visto nunca en persona, ya que el arte no era ni
una profesin ni una aficin verdadera de Gao Ping. Era una simple tapadera.
Gracias a la mediocridad periodstica de los medios, que ya no contrastan sus fuentes de informacin, se alimenta el mito de que el mundo del arte
es un reducto de opacos movimientos dinerarios y caprichosas cotizaciones. A
este respecto, irrita un asunto que ha salido a relucir y que es seguro que ir
adquiriendo resonancia: nos referimos a las relaciones del Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) con Gao Ping, quien en 2008 vendi a la institucin un lote de 61 fotografas de distintos autores chinos por nada menos que
440.280 euros. No queda en absoluto claro el criterio seguido para esa adquisicin, en el sentido de que la cotizacin de los autores de esas obras no parece corresponderse en absoluto con el precio pagado por el IVAM, al menos en lo
que respecta al mercado europeo. De hecho, hay creadores notables a nivel internacional de quienes se podra adquirir ese mismo nmero de piezas por
una suma muy inferior. Esa es la realidad.
Los responsables del IVAM claman que hicieron la compra a una galera
prestigiosa, la de Gao Ping, que incluso fue aceptada en ARCO. Pero eso no es
cierto. No era una galera reconocida. Ni siquiera era una galera medianamente conocida. Era una galera de tantas como las que abren cada mes (incluso ahora) en Madrid, que pag por un stand en la feria ARCO, como lo hacen todas, buenas y malas. No existen, a nuestro pesar, tantas galeras magnficas para llenar una feria, ni siquiera la de Basilea, aunque el gremio pretenda fingir lo contrario. Pero lo que hace que este argumento del IVAM resulte ms ofensivo es que es descaradamente falaz, pues esa galera que dicen haber considerado respetable por participar en ARCO, solo tom parte en
la feria una vez: en el ao 2011, tres aos despus de la compra realizada
por el centro valenciano.
Representacin de la historia de
Yang Ren, ca. 1820, aguazo
bout benefactors and thieves
I am writing this editorial article the day after one of the most famous police
operations of recent years: That of exposing a large network of the Chinese
mafia specialised in tax evasion and money laundering, among other things.
By now we have seen supermarket carts full of blocks of bank notes coming
out of warehouses in the Cobo Calleja industrial estate situated in the
vicinity of Madrid. The Chinese organisation handled enormous amounts of
money and included collaborators from Spain and other nationalities. They
are already talking about the film industry potential of what has happened,
due to the dimensions of the power of this criminal organisation, the
apparent implication of a pornography actor and, what is even juicier,
apparently: the presence of a 45-year old leader supposedly an art benefactor.
The generalist newspapers, at the slightest indication of the relation of
the prime suspect, Mr. Gao Ping, with art, have rushed to use sensationalist
headlines where they classify him as benefactor and even art tycoon.
There are those who even have affirmed he is a famous art trader due to
the simple fact that he owns a gallery in the capital. And even an important
national newspaper interviewed him not too long ago, a magazine belonging
to another large editorial group awarded him for supposedly being an art
promoter although now it seems that the reasons for that award could have
some stingy fundament. Nevertheless, practically no-one in the art world
knew of this man, and whoever circumstantially had heard of him had never
seen him in person, because art never was a true career or hobby of Mr. Gao
Ping. It was a simple cover-up.
Thanks to the journalistic mediocrity of the media, that does not even
compare its sources of information, they feed the myth that the art world is a
redoubt of opaque currency movements and capricious valuations. Regarding
this, one irritating subject has come to light and will be heard of more and
more: we refer to the relationship of the Valencian Institute of Modern Art
(IVAM) with Mr. Gao Ping, who in 2008 sold to the institute a lot of 61
photographs from different Chinese authors for no less than 440,280 Euros.
The criteria used for that acquisition is completely obscure, in the sense that
the status of the authors of those works does not seem to correspond at all
with the price paid by the IVAM, at least in what refers to the European market.
In fact, the same amount of works can be acquired for a much lesser sum
from outstanding international creators. That is the real truth.
The persons in charge of the IVAM claim they made the purchase from a
prestigious gallery the one owned by Mr. Gao Ping that was even accepted
in ARCO. But that is not true. It was not a recognised gallery. It was not even
an averagely known gallery. It was a gallery like so many others that open
every month (even now) in Madrid that paid for a stand in the ARCO art fair,
like all the others, either good or bad. To our regret, there are not so many
magnificent galleries to fill an art fair, not even that of Basel, although the
guild pretends to make believe otherwise. But what really makes this
reasoning of the IVAM even more offensive is that it is flagrantly false,
because that gallery which they say they had considered respectable for its
participation in ARCO, only had participated once: in 2011, three years after
the purchase made by the Valencian Institute.
Translation: Nigel Greenwood
Homenaje a Velzquez. 1958. Jorge OTEIZA. Proyecto Tirar del hilo
EXPOSICIONES
Proyecto Tirar del hilo
Tres exposiciones de la Coleccin ARTIUM
La imagen especular
Comisario: Enrique Martnez Goikoetxea

Sala Sur
Alma de entraa
Comisario: Daniel Castillejo

Sala Este Baja
Montaje de atracciones
Comisaria: Blanca de la Torre
Sala Norte
Desde el 5 de octubre de 2012
ARTIUM 2002-2012.
Memoria grfica y documental
Exposicin bibliogrfica
Y t, qu coleccionas?
Exposicin pedaggica
Praxis. Beatriz Olabarrieta

lavirreina.bcn.cat
facebook.com/barcelonacultura
twitter.com/bcncultura
MIKI KRATSMAN
Miki Kratsman, Targeted Killing (4), 2010, digital print
TAL CUAL. EN TORNO

A LA FOTOGRAFA
DE MIKI KRATSMAN
Am Deelle Lski, fotografa realizada con la cmara Norte-Sur-Este-Oeste, Jerusalem, no. 3, 1994
24.10.2012 > 13.01.2013
PALAU DE LA VIRREINA
LA RAMBLA, 99. BARCELONA
www.lavirreina.bcn.cat
AM DEELLE
LSKI
IMGENES RESIDUALES.
FOTOGRAFA DOCUMENTAL
EN TIEMPOS OSCUROS
FOCUS TURQUA
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FOCUS LATINOAMRICA
OPENING:
JVENES GALERAS
ARTISTA DESTACADO
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DE COLECCIONISTAS
Feria Internacional de Arte Contemporneo
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HELGA DE ALVEAR
DR. FOURQUET 12, 28012 MADRID.

D. TEL:(34)
TEL:(34) 91 468 05 06 FAX:(34) 91 467 51 34
www. helgadealvear.
www.helgadealvear.com
ar. com
e-mail:
galeria@helgadealvear.com
e-mail:galeria@helgadealvear.com
8 d e n o v i e m b r e 2 2 d e d i c i e m b r e de 2 0 1 2
MIX. DJ Simpson
RENANIA LIBRE
Un proyecto de Uta Reindl
CENTRO DE ARTES VISUALES FUNDACIN HELGA DE ALVEAR
JUEGOS DE LENGUAJE
UNA INTRODUCCIN AL ARTE DE NUESTRO TIEMPO
Proyecto de Jos Jimnez
26 de octubre de 2012 5 de mayo de 2013
Cceres, Espaa
6eeHidgZ
www.fundacionhelgadealvear.es/apps
12-21 TRAVELLING:OK 02/11/2012 15:05 Pgina 12
TRAVELLING
IMPRESIONISMO
Caillebotte y la fotografa
Cerca de 50 obras, entre pinturas
y dibujos, de Gustave Caillebotte
(1848-1894), acompaadas de
150 imgenes fotogrficas de finales del siglo XIX y principios del
XX, componen la muestra Gustave Caillebotte. Ein Impressionist
und die Fotografie (Gustave Caillebotte. Un impresionista y la fotografa). La exposicin, que al-
berga hasta finales de enero la

Schirn Kunsthalle de Frankfurt,
ahonda en el papel pionero del artista en cuanto a una nueva sensibilidad visual, con innovadores
puntos de vista que anticipaban
las perspectivas fotogrficas, tal
como se evidencia en obras como
Raboteurs de parquet (1875) o Le
Pont de lEurope (1876).
Egon Schiele, Desnudo femenino yacente con las piernas abiertas, 1914,
lpiz y aguazo sobre papel japons.
OBRA SOBRE PAPEL
La mirada vehemente de Egon Schiele

Como parte de la celebracin de
su 15 aniversario, el Museo Guggenheim Bilbao acoge hasta principios de enero la muestra Egon
Schiele. Obras del Albertina Museum, Viena, en la que se ha reunido un centenar de obras procedentes de ese museo viens. Las
piezas seleccionadas ofrecen un
panorama de la produccin de
Egon Schiele (1890-1918) desde
su perodo de formacin en la
Academia de Viena y la posterior
influencia de Gustav Klimt y el
Modernismo viens hasta los trabajos de su ltima etapa, truncada por su temprana muerte, debida a la llamada gripe espaola.
Esa ltima etapa se caracteriza
por la ruptura con el naturalismo
y el desarrollo de su peculiar estilo nervioso y colorido, una forma
de expresionismo plasmada con
las lneas sinuosas del Modernismo trastocadas por una especie
de tremor y laceradas por colores
crispados. Destacan sus clebres
desnudos explcitos, influenciados en cuanto a gestualidad y
lenguaje corporal por la fotogra-
Eugne Atget, Bitumiers, de la serie Paris, petit mtiers, ca. 1900, papel a la albmina.
Gustave Caillebotte, Raboteurs de parquet, 1875, leo sobre tela.
12
fa mdica que documentaba la

histeria femenina y por la fotografa ertica.
A pesar de haber desarrollado su actividad artstica apenas a
lo largo de una sola dcada, Schiele fue un artista prolfico que dej
en herencia ms de 330 pinturas y
2.500 obras sobre papel, adems
de cuadernos de bocetos.
Egon Schiele, Autorretrato con chaleco

amarillo, 1914, lpiz y aguazo
sobre papel japons.
TRAVELLING
ANIVERSARIO
Tres exposiciones repasan la coleccin del ARTIUM

Para celebrar su 10 aniversario,
el Centro-Museo Vasco de Arte
Contemporneo ARTIUM de Vitoria
acoge el proyecto Tirar del hilo,
que se compone de tres exposiciones que tienen como nexo la
obra Homenaje a Velzquez
(1958), de Jorge Oteiza. Tres mbitos centran estos proyectos: el
ser humano, su entorno social y
poltico y el arte que mira al arte. La finalidad es presentar un
panorama de la produccin artstica contempornea a travs de
la coleccin del ARTIUM, iniciada
hace casi cuatro dcadas por la
Diputacin Foral de lava y enriquecida por varias adquisiciones
y depsitos desde la inauguracin del Centro-Museo Vasco en
2002.
Cada una de las muestras se
adentra en uno de los tres asuntos mencionados antes. As, la
exposicin titulada Alma de entraa, que podr visitarse hasta
principios de febrero de 2013,
aborda lo relativo al ser humano

y el reflejo que en el arte tiene
su observacin introspectiva.
Esta muestra se compone de
obras de artistas como Antonio
Saura, Alberto Peral, Dora Garca, Fermn Aguayo o Zush.
Montaje de atracciones,
que se expone hasta principios
de enero, incluye obras de Pilar
Albarracn, Asier Mendizbal y
Eugenio Ampudia, entre otros.
Su tema es el escenario del
mundo, determinado por los
mbitos social y poltico, ante
los que el arte reacciona crticamente o bien se limita a constatar su relevancia. Por ltimo, La
imagen especular, que se clausura en el verano de 2013, ahonda en la autorreferencialidad del
arte y en la experimentacin y
desarrollo de los lenguajes artsticos, a travs de obras de artistas como Fernando Snchez
Castillo, ngela de la Cruz, Elena Asins o el Equipo Crnica.
Pilar Albarracn, She-Wolf, 2006, vdeo.
Fernando Snchez Castillo, Perspectiva ciudadana, de la serie Notas para la educacin

esttica de la burguesa, 2004, bronce.
Antonio Saura, Portrait imaginaire de Goya n 1, 1966-1967, leo sobre tela.
Jorge Oteiza, Homenaje a Velzquez, 1958, hierro y piedra.
13
TRAVELLING
DISEO
La originalidad de Stefan Wewerka

Con el ttulo de Querschnitt. Stefan Wewerka (Corte transversal.
Stefan Wewerka), la Pinakothek
der Moderne de Mnich acoge
hasta principios de febrero de
2013 una muestra centrada en la
produccin del arquitecto, diseador y escultor Stefan Wewerka,
nacido en Magdeburgo en 1928.
Este creador comenz su
actividad en los aos sesenta. Ya
en 1961 comenz a producir sus
esculturas de sillas que recomponan estos funcionales elementos. As, desde sus orgenes, ha
puesto en cuestin el funcionalismo moderno, proponiendo una
visin cuasi surrealista de los ob-
jetos cotidianos que tambin puede hallarse en sus instalaciones y

filmes. De esta forma, sus asientos
se rehsan a cumplir con su elemental funcin y en cambio adoptan caprichosas estilizaciones que
los transforman en arte.
Wewerka tambin ha proyectado mobiliario funcional desde finales de la dcada de los setenta, siempre atendiendo a un
sentido irnico y contradictorio,
ideando, por ejemplo, segn un
juego de palabras en alemn, un
Kchenraum (espacio de cocina) como un Kchenbaum (rbol de cocina), y una mesa escritorio antijerrquica.
Paul Gauguin, Parahi te marae (Ah est el templo), 1892, leo sobre tela.
EXOTISMOS
Gauguin y el viaje a lo extico

El Museo Thyssen-Bornemisza
de Madrid acoge hasta mediados
de enero una exposicin centrada
en el exotismo en el arte moderno, ejemplificado especialmente
en la obra de Paul Gauguin
(1848-1903).
La muestra rene cuadros
que resumen la madurez de su
estilo, alcanzada tras los primeros grandes hallazgos visuales de
su etapa en la Bretaa francesa.

Pero la exposicin se centra en
los precedentes y obras de contemporneos (Eugne Delacroix,
Claude Monet), as como en
los ejemplos del primitivismo en
artistas como Matisse y Delaunay, y en especial en expresionistas como Erich Heckel, Emil Nolde, August Macke, Franz Marc y
Max Pechstein, entre otros.
Emil Nolde, Selva tropical, 1914, leo sobre tela.
Stefan Wewerka, silla escolar, 1970, modelo en madera pintada. Foto: A. Laurenzo.
14
TRAVELLING
ESCULTURA
Recuperando a
Alina Szapocznikow
Tras una intensa carrera desarrollada en menos de dos dcadas y
truncada por su temprana muerte a los 47 aos, la escultora polaca Alina Szapocznikow (19261973) se convirti en una de las
figuras ms relevantes del arte
moderno de su pas. Su obra ha
atrado la atencin internacional
en los ltimos aos y ahora el
Museum of Modern Art de Nueva
York le dedica una gran exposicin antolgica que revela la ori-
Alina Szapocznikow, Stle, 1968, resina

de polister y espuma de poliuretano.
Foto: Thomas Mueller.
Alina Szapocznikow, Femme illumine, 1966-1967, yeso, resina de polister y cable elctrico.
ginalidad y potencia de su produccin. La muestra podr visitarse hasta finales de enero y se

titula Alina Szapocznikow:
Sculpture Undone, 1955-1972
(Alina Szapocznikow: escultura
inacabada, 1955-1972). Rene
ms de cien trabajos que recorren la trayectoria de la artista
desde sus esculturas enmarcadas
en el realismo socialista hasta sus
ltimas visiones monstruosas del
cuerpo femenino.
Alina Szapocznikow, Sculpture Lampe IV, 1970, resina de polister y cable elctrico.
15
Szapocznikow naci en Kalisz, Polonia, en 1926, en el seno

de una familia juda. Este hecho
determinara su destino vivi la
humillacin del ghetto y el confinamiento en Auschwitz y posiblemente explica la evolucin de
su estilo hacia una concepcin
oscura del cuerpo como un ente
frgil y monstruoso, una visin
que se vera acentuada en su ltima etapa por el cncer que acabara cegando su vida.
TRAVELLING
FOTOGRAFA
La seduccin de la visin contempornea, en la

National Gallery de Londres
Por primera vez, la National Gallery de Londres, considerada
una de las grandes pinacotecas
del mundo, dedica una gran
muestra a la fotografa. Titulada
Seduced by Art: Photography
Past and Present (Seducidos por
el arte: pasado y presente de la fotografa), la exposicin explora la
relacin entre la pintura histrica y la fotografa y podr visitarse
hasta finales de enero.
Se presta gran atencin a la
produccin de mediados del siglo

XIX, pero tambin se presentan
ejemplos contemporneos, entre
los que destacan obras de autores
como Tina Barney, Richard Billingham, Tacita Dean, Luc Delahaye, Ori Gersht Craigie Horsfield y Maisie Maud Broadhead.
La muestra pone, as, en evidencia cmo estos autores contemporneos se inspiran en la tradicin pictrica occidental para
ahondar en las posibilidades est-
Ori Gersht, Blow-Up, Untitled 5, 2007, fotografa.
ticas del medio fotogrfico.

Y es que desde su aparicin
la fotografa ha echado mano de
temticas y motivos pictricos en
su intento de formar parte de las
artes visuales. La exposicin de la
National Gallery incide en este
Maisie Maud Broadhead, Keep Them Sweet, 2010, fotografa.
hecho enfrentando obras pictricas de sus fondos a fotografas

contemporneas que pueden enmarcarse en gneros tradicionales de la pintura como el bodegn, el paisaje, el retrato e incluso la temtica religiosa.
Luc Delahaye, 132nd Ordinary Meeting of the Conference, 2004, fotografa.
16
TRAVELLING
ABSTRACCIN
La potencia del plano en la escultura de Palazuelo

Un total de 93 obras, entre esculturas, maquetas y dibujos, componen la exposicin Palazuelo.
Lnea y plano en el espacio, que
acoge hasta principios de enero
la Fundacin Francisco Godia de
Barcelona. La muestra examina
proceso de maduracin del lenguaje plstico desarrollado por
Pablo Palazuelo (1915-2007), un
pionero de la abstraccin en Espaa que tradujo a la tridimensionalidad escultrica el depurado
sentido de las formas que empez
a explorar en el gnero pictrico.
En su paso del plano bidimensional a la expresin en tres dimen-
siones la lnea y el plano seran

vehculos imprescindibles.
En 1954 se embarc en la
realizacin de una primera escultura cubista, pero no sera
hasta 1962 cuando empezara a
dar forma tridimensional a los
planos que trazaba sobre finas
chapas de zinc. A finales de esa
dcada, el artista incorpora ya las
lneas sinuosas a su repertorio,
antes constreido a una geometra ms estricta. Ya en los aos
ochenta, sus esculturas nacen del
trabajo insistente con los planos,
que pliega o expande dotndolos
de un espritu arquitectnico.
William Blake, The Great Red Dragon and the Woman Clothed with the Sun,
ca. 1803-1805, grafito, punta seca y acuarela.
LA SOMBRA
El lado oscuro del espritu romntico

Hasta finales de enero, el Stdel
Museum de Frankfurt presenta
la exposicin Schwarze Romantik. Von Goya bis Max Ernst
(Oscuro romanticismo. De Goya
a Max Ernst), la cual examina el
lado oscuro del romanticismo
especialmente en sus ramificaciones en los movimientos simbolista y surrealista. Ms de 200
obras componen este recorrido
por las formas poticas de lo
sombro y maligno.
El recorrido toma como hilo conductor las obras de Francisco de Goya, Eugne Dela-
croix, Franz von Stuck y Max

Ernst. Pueden verse cuadros como La pesadilla (1790/1791), de
Henry Fuseli; Vuelo de brujas
(1797), de Goya; La tumba de
Kgelgen (1821/1822), de Caspar David Friedrich; El pecado
(1893), de Franz von Stuck;
Vampiro (1916-1918), de Edvard
Munch; o Bailarina en una calavera (1932), de Salvador Dal. Se
muestran tambin filmes paradigmticos como Nosferatu
(1922), de Friedrich Wilhelm
Murnau, y Frankenstein (1931),
de James Whale.
Pablo Palazuelo, Albula, 1990, acero corten oxidado.
Pablo Palazuelo, Paisaje III, 1996, chapa de aluminio.
17
TRAVELLING
UTPICOS
Proyectos para un mundo mejor

A mediados de octubre de 1971 se
celebr en Ibiza (Eivissa, en mallorqun), en las islas Baleares, el
VII Congreso del International
Council of Societies of Industrial
Design (ICSID), un evento interdisciplinario que buscaba la integracin del diseo, el arte y la arquitectura considerado hoy un hito
en lo que respecta al desarrollo de
conceptos como la sostenibilidad.
Para este proyecto se cre la llamada Instant City: un alojamiento efmero para los estudiantes
que acudieron al congreso realizado con plstico hinchable, el
cual resuma el espritu social del
evento.
En lo que respecta a la aportacin artstica, esta tuvo tres
grandes expresiones: el ceremo-
Ishiuchi Miyako, 1906 to the Skin, #38, 1991-1993, gelatina de plata.
LENGUAJE CORPORAL
Formas fsicas de la protesta

Bajo el ttulo Krper als Protest
(El cuerpo como protesta), el
museo Albertina de Viena acoge
hasta principios de diciembre
un recorrido por la fotografa de
las ltimas dcadas en la que el
motivo principal es el cuerpo, y
en donde este aparece como vehculo expresivo al servicio de la
crtica a las normas sociales, polticas e incluso estticas.
El corazn de la muestra est formado por un grupo de trabajos creados por John Coplans:
imgenes en gran formato en las
que el autor retrata su propio
cuerpo de forma fragmentada.
Gracias a la luz y al formato, estas imgenes adquieren un espritu cuasi escultrico. Se confrontan con obras de otros artistas
tambin centradas en la expresividad corporal y enmarcadas en
su mayora en el body art. As,
pueden verse ejemplos de Vito
Acconci, Miyako Ishiuchi, Ketty
La Rocca, Robert Mapplethorpe,
Bruce Nauman, Hanna Villiger
y Hannah Wilke.
Las obras presentadas remiten a asuntos como el feminismo y la transitoriedad de la

existencia, y apuntan al amplio
potencial de la fotografa como
gnero conceptual y a su idoneidad como medio para plasmar la
dramatizacin de la tensin entre la carne y el espritu.
nial con comida multicolor preparado por Antoni Miralda, Jaume Xifra y Dorothe Selz para la
cena inaugural; la escultura de
tubos de plstico de 250 metros
de largo Vacuflex-3, concebida
por Antoni Muntadas y Gonzalo
Mezza para que cobrara vida en
una performance colectiva; y la
gran escultura hinchable de 40
metros de altura dispuesta en la
cala de Sant Miquel por Josep
Ponsat.
A este congreso del ICSID en
Ibiza dedica el Museu dArt Contemporani de Barcelona la muestra La utopa es posible. ICSID. Eivissa, 1971, que podr visitarse
hasta finales de enero y que se
compone de material documental, fotografas y pelculas.
Fernando Bendito y Carlos Ferrater, a partir del diseo de Jos Miguel de Prada Poole,
Instant City, 1971, construccin inflable efmera.
John Coplans, Self Portrait (Hands),

1988, gelatina de plata.
18
TRAVELLING
LAND ART
Arte en los confines de la Tierra

Como Land Art se definen las
obras creadas a cielo abierto que
intervienen en el paisaje y cuya
duracin est sometida casi
siempre al capricho de los elementos o de los propios materiales utilizados por el artista en su
creacin. Son, pues, eminentemente efmeras, aunque de ellas
pueden extraerse detalles o
fragmentos que se trasladan al
espacio expositivo y se convierten
all en una especie de imagen en
negativo de la obra en s, inalcanzable para el pblico como no sea

a travs del registro fotogrfico o
flmico, o a travs de los bocetos
que dieron su primera forma al
proyecto.
Dos exposiciones emblemticas resumieron los principios
del gnero a finales de los aos
sesenta en Nueva York: Earthworks (Dwan Gallery, 1968) y
Earth Art (Andrew Dickson White Museum, Universidad de Cor-
Judy Chicago, Immolation IV , de la serie Women and Smoke, 1972,

performance con bengalas.
Michael Snow, La Rgion Centrale, 1971, filme de 16 mm, 3 h 11 min.
Hrein Fridfinsson, House Project (detalle), 1974, 16 fotografas y dos textos.
nell, 1969). Ahora la Haus der

Kunst de Mnich vuelve sus ojos
a aquel perodo para revisar las
premisas del Land Art, reuniendo
en la muestra Ends of the Earth.
Land Art bis 1974 (Los confines
de la Tierra. El Land Art hasta
1974), hasta finales de enero,
obra de casi todos los artistas que
Alice Aycock, Clay #2, 1971/2012, 1.500 libras de arcilla mezcladas con
agua en un marco de madera.
19
participaron en aquellas muestras neoyorkinas.

A estos creadores fascinaban
los sitios remotos, mostrando
gran predileccin por los desiertos. Un buen ejemplo es la obra
Clay #2 (1971), de Alice Aycock,
que remite al desierto del Death
Valley, en California.
TRAVELLING
VIEJOS NUEVOS MEDIOS
Precursores del videoarte

El Zentrum fr Kunst und Medientechnologie Karlsruhe (ZKM)
exhibe hasta principios de febrero
un panorama del desarrollo del videoarte en el perodo que va de
1963 a 1983, a travs de 72 vdeos
procedentes de los fondos del Centre Pompidou de Pars. La muestra se titula Vido Vintage 1963-
1983. Eine Auswahl von Grndungsvideos aus der Sammlung

des Centre Pompidou Paris (Cosecha de vdeos 1963-1983. Una seleccin de vdeos precursores de
la coleccin del Centre Pompidou
de Pars). El recorrido se plantea
atendiendo a tres grandes asuntos:
la performance y el autorretrato
Bill Viola, Reverse Television Portraits of Viewers, 1983-1984, vdeo, 00:15:00.
flmico; la experimentacin y criticismo relacionados con la televisin; y las actitudes, formas y conceptos propios del nuevo medio.
Fue en los aos sesenta cuando varios artistas europeos y americanos comenzaron a utilizar grabaciones realizadas con videocmaras
como soportes para sus propuestas
artsticas, nacidas como performances e insufladas de un marca-
Carole Roussopoulos, Nadja Ringart, Delphine Seyrig e Iona Wieder,

Maso et Miso vont en bateau, 1975, vdeo, 00:55:00.
Ant Farm (Chip Lord, Doug Michels y Curtis Schreier), Media Burn, 1975, vdeo, 00:26:00.
20
do espritu crtico. Nam June Paik

sera uno de los pioneros en el uso
del vdeo, y en esta muestra puede
verse su temprana obra Button
Happening (1965). La exposicin
incluye tambin ejemplos de Vito
Acconci, Chris Burden, Valie Export, Esther Ferrer, Robert Filliou,
General Idea, Dan Graham, Gary
Hill, Bruce Nauman, Martha Rosler y Peter Weibel, entre otros.
TRAVELLING
ARTE SONORO
La presencia de lo musical en el arte plstico

La msica como componente
fundamental en la produccin artstica es el tema en el que se
centra la muestra Mer n Ljud
(Ms que sonido), que alberga
hasta principios de diciembre la
Bonniers Konsthall de Estocolmo. La exposicin explora distintas formas en las que los artistas
incorporan a su obra plstica la
msica, recurriendo a composiciones preexistentes o crendolas
ellos mismos.
Se ha incluido, por ejemplo,
un trabajo de Ayse Erkman realizado a partir de composiciones
de Beethoven, una msica para

elevador creada por Scanner y
una composicin electrnica para exterior de Susan Hiller. Otros
trabajos, como los de Haroon
Mirza, Matti Kallioinen y Susan
Philipz, trabajan sobre secuencias que encuentran su complejidad en la concatenacin. Tarek
Atoui, Malin Bng, Hans Berg,
Nathalie Djurberg y Carl Michael
von Hausswolff son otros artistas
incluidos en esta exposicin, que
se ve complementada por una serie de conferencias y talleres y
por un ciclo de conciertos.
Haroon Mirza, Untitled Song Featuring Untitled Works by James Clarkson, 2012, instalacin.
Susan Philipsz, It means nothing to me, 2012, instalacin sonora.

Matti Kallioinen, The Nervous Manifold, 2012, instalacin.
Ayse Erkman, Ghost, 2010, instalacin

sonora y lumnica.
Susan Hiller, What Every Gardener Knows, 2003, obra sonora colocada
en el Vasaparken de Estocolmo. Fotos: Olle Kirchmeier.
Scanner, Hiss concrte, 2012, grabacin

instalada en el asensor del museo.
21
ZOOM
Evan Baden, Emily, de la serie Technically Intimate, 2010, fotografa.
PRIVAT
La vida ntima ante el ojo pblico

La Schirn Kunsthalle de Frankfurt acoge hasta principios de
febrero una gran muestra que
estudia la disolucin radical
de la esfera privada en la sociedad contempornea. Bajo el ttulo de Privat (Privado), la exposicin, que cubre un arco
temporal que va de finales de

los aos cincuenta hasta hoy,
rene obras de artistas como Ai
Weiwei, Michel Auder, Richard
Billingham, Sophie Calle, HansPeter Feldmann, Nan Goldin,
Christian Jankowski, Christian
Marclay, Ryan McGinley, Dash
Snow, Fiona Tan, Mark Wallinger y Michael Wolf, entre otros.

El punto de partida es el
filme Window, Water, Baby, Moving (1959), de Stan Brakhage,
en el que este pionero del cine
experimental registr el nacimiento de su hijo. Unos aos
22
ms tarde, Andy Warhol film a

su amante de entonces, el poeta
John Giorno, mientras dorma,
en la obra Sleep (1963). Desde
esa dcada, las imgenes que retratan la vida privada han ido
aumentando en el arte, impulsadas inicialmente por la crtica
ZOOM
Arriba, izquierda: Mark Morrisroe,

Untitled - Embrace (John S.
and Jonathan), 1985, fotografa.
Derecha: Richard Billingham,
Sin ttulo, de la serie Rays
a Laugh, 1989-1996, fotografa.
Arriba: Ryan McGinley,

Kiss Explosion, 2005, fotografa.
A la derecha: Marilyn Minter,
Mum Dyeing Eyebrows, de la serie
Corel Ridge Towers, 1969-1995,
fotografa en blanco y negro.
23
ZOOM
Arriba: Tracey Emin, My Bed, 1998, instalacin; abajo: Jrg Sasse, 6572, 1995, fotografa.
a las normas tradicionales que

imponan un determinado estilo
de vida de clase media. Ante ese
modelo, los artistas proponan
sus alternativas vitales y profundizaban en los aspectos singulares de la vida ntima, incidiendo
en las desviaciones del patrn
conservador que podan tener
lugar en la vida familiar y sexual.
Como resulta evidente, el
nfasis de la muestra est pues-
24
ZOOM
Merry Alpern, Dirty Windows #4,

1994, fotografa.
Merry Alpern, Dirty Windows #31,

1994, fotografa.
to en la contemporaneidad, definida
por una rpida penetracin de la cultura de la autoexposicin impulsada
por internet y glorificada en la televisin a travs de los llamados reality
shows (espectculos de la realidad).
En el arte, esta nueva cultura que ya
algunos llaman de post-privacidad
se refleja en obras que recurren a
imgenes extradas de las redes sociales, los portales de citas o los servicios de Google, por ejemplo.
Nan Goldin, Joanas Back in the Doorway, Chteauneuf-de-Gadagne, Avignon, 2000, parte del proyecto Hearbeat, 2000-2001.
25
ZOOM
Henri Cartier-Bresson y Herbert Kline, The Abraham Lincoln Brigade in Spain, 1938, filme en 16 mm, 00:21:00.
Andr Masson, Esperando la ejecucin, 1937, leo sobre tela.
ENCUENTROS CON LOS AOS 30
La edad dorada del arte moderno

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa (MNCARS) de Madrid
presenta hasta principios de enero una importante muestra de arte de entreguerras titulada Encuentro con los aos 30. Esta
magnfica y extensa exposicin
examina, a travs de unas 400
obras, la convulsa dcada de los

treinta como un momento decisivo en el cambio de la relacin
entre el arte y el poder y como
un perodo de replanteamiento
de los postulados artsticos.
El recorrido responde a una
slida estructura organizada en
seis apartados. El primero de

ellos aborda los Realismos e incluye a artistas de diversos estilos
e inclinaciones polticas: Max
Beckman, Philip Guston, David
Alfaro Siqueiros, Antonio Berni...
El segundo apartado se centra en
el Arte abstracto y su papel en
26
la experimentacin esttica, sin

olvidar el debate sobre la utopa
de la forma pura. Pueden verse
aqu obras de Hans Arp, Piet
Mondrian, Vasily Kandinsky, Ad
Reinhardt y Joaqun Torres Garca, entre otros. Exposiciones internacionales es el ttulo del ter-
ZOOM
Arriba: Antonio Berni, New Chicago Athetic

Club, 1937, leo sobre tela.
cer apartado, que ofrece documentacin sobre exposiciones

como la Mostra della Rivoluzione
Fascista (Roma, 1933) la Exposicin Internacional de Pars de
1937 y la Feria Mundial de Nueva
York de 1939.
La cuarta seccin se titula
Surrealismo y remite a las exposiciones internacionales surrealistas celebradas en Tenerife (1935),
Londres (1936), Pars (1937) y
Mxico (1940), presentando obras
y documentacin de artistas como, por ejemplo, Joan Mir, Pablo Picasso, Salvador Dal, scar
Domnguez, Man Ray, Max Ernst
y Henri Magritte. El quinto apartado se dedica a Fotografa, cine
y carteles y engloba obras de
Lszl Moholy-Nagy, Paul Strand,
Max Beckmann, Sociedad parisina, 1931, leo sobre tela.
27
ZOOM
Ford Motor Company, Symphony in F, 1940, filme en 35 mm, 00:15:00.
Robert Delaunay, Hlice y ritmo, 1937, leo sobre papel.
28
ZOOM
Paul Delvaux, Mujer ante el espejo, 1936, leo sobre tela.
Harlan Tarbell, Buck Rogers in the 25th Century, 1934, filme en 35 mm, 00:09:00.
29
Alexander Rodchenko, Josep Renau y Walker Evans, entre otros.

Finalmente, el sexto apartado, titulado Espaa: Segunda Repblica, Guerra Civil y exilio, parte
del Guernica (1937) de Picasso y
rene ejemplos de distintos grupos y movimientos (la Escuela de
Vallecas, GATEPAC, ADLAN...).
Un interesante ciclo de cine
compuesto por obras documentales y experimentales complementan esta esplndida muestra.
30 BIENAL DE SO PAULO
Una potica de relacin

ADOLFO MONTEJO NAVAS
oetics of a relation
Toda bienal acaba rigindose por sus conceptos de cabecera, por lo que se anuncia como matriz conceptual con la intencin de dibujar despus una cartografa ms o menos coherente. Esto ha ocurrido por partida doble en el caso de la
trigsima edicin de la bienal paulistana, despus de algn
susto previo debido a la incorrecta gestin econmica del
evento entre los aos 1999 y 2006, problema finalmente resuelto por el Ministerio de Cultura y las secretarias culturales de So Paulo. Lo que se presenta aqu, ms que nunca, es
un planteamiento constelar de las obras de arte, una potica
de relacin, de las obras entre s y de las diferentes poticas
que estas desarrollan. Una relacin entre las obras de arte en
s y una relacin entre sus diversas estticas: ambas circunstancias se articulan en esta Bienal titulada A iminncia das
poticas (La inminencia de las poticas), que otorga a la inminencia el carcter propio del arte contemporneo de ofrecer un adelanto de lo que est por venir, como una antena
que detecta latencias, signos cifrados algo todava en
suspenso, una especie de revelacin de los datos de lo visible y lo invisible (como dira Andrs Snchez-Robayna) que
es necesario fijar, ordenar en la medida de lo posible para
alcanzar algo ms que la espera, para acercarse a una visualidad presente, viva. Al trmino poticas, por otra parte, se
le dota de una extensin merecida, simblica, y que supera
el mbito de una nica obra y se expande hacia un conjunto.
Es difcil no respirar en este contexto el eco recuperado de
Aby Warburg, a pesar de que en la gua oficial del evento no
se le cite en momento alguno, aunque s podemos ver en la
muestra un generoso muro con una articulacin de imgenes/tarjetas al estilo del Atlas Mnemosyne.
De hecho, el inventario completo de 3.000 obras creadas
por 111 artistas (entre los que destacan 23 brasileos y 28
latinoamericanos) que compone la bienal parece perseguir la
finalidad de centrarse en mostrar ms bien el estado de una
potica en desarrollo. Y eso se agradece, pues de esta forma
la Bienal de So Paulo se distancia de esa cierta ferializacin que est afectando a algunos acontecimientos de arte
macroexpositivos, en los que las obras ocupan el nicho que
concede la relevancia econmica.
A la vez que presentar las obras formando constelaciones, la estrategia seguida consigue que las piezas respiren
mejor, y as permite reconocer las poticas en juego. La
apuesta por ese carcter relacional produce sensaciones en-
Hans Eijkelboom, Phonotone 21. October, 2006, fotografa.
All biennials are finally governed by their main concepts,

and therefore are announced as a conceptual matrix with
the intention of later drawing a more or less coherent
cartography. This has occurred on two facets in the case of
the thirtieth edition of the So Paulo Biennial, after some
previous surprises due to the incorrect economic
management of the event between 1999 and 2006; a
problem finally resolved by the Ministry of Culture and the
So Paulo cultural secretariats. What is presented here,
more than ever, is a constellate proposal of works of art, the
poetics of a relation, of the works with each other and of the
different poetics that these develop. A relation between the
works of art with each other and a relation between their
diverse aesthetics: both circumstances are articulated in this
Biennial entitled A iminncia das poticas (The imminence
of the poetics), that grants the character of contemporary
art to the imminence of offering an advance of what is yet to
come, like an antenna that detects latencies, coded signs...
something still in suspense, a species of revelation of the
data that is visible and of that which is invisible (as Andrs
Snchez-Robayna would say) which needs fixing, organising
in as much as possible to become something more than
the expectancy, to bring a present, live visuality closer. On
the other hand, the term poetics has been given a worthy,
symbolic extension that exceeds the atmosphere of one work
of art and expands toward a series. It is difficult to not
breathe in this context the recovered echo of Aby Warburg,
in spite of not being mentioned at all in the official guide,
although we can see a generous wall with and articulation of
images/cards in the manner of the Atlas Mnemosyne in the
exhibition.
In fact, the complete inventory of 3,000 works created
by 111 artists (among which there are 23 Brazilians and 28
Latin Americans) that forms the biennial seems to pretend
the aim of focussing more on showing the condition of
poetics in development. And that is appreciated, because this
way the Biennial of So Paulo remains apart from the
fairization that is affecting some of the macro-exhibitive
art events, where the works occupy a niche according to
their economic relevance.
As well as presenting the in the form of constellations,
the strategy achieves that the works breathe better, and
that way allow recognising the poetics in question. The
31
Arriba: Meris Angioletti, The Curious and the Talkers, 2010, instalacin. Foto: Cdrick Eymenier. Abajo: Hans-Peter Feldmann, All the Clothes of a Woman, 1970, fotografas.
Odires Mlszho, de la
serie Sopa Nmade,
2011, tinta sobre papel.
Fernanda Gomes, Sin ttulo, 2011, instalacin. Foto: Edouard Fraipont.
Moris, La muerte viaja

rpido, 2011, objeto.
Guy Maddin, Hauntings I (detalles), 2010, videoinstalacin.
contradas: por una parte, nos encontramos con verdaderas

inflaciones visuales, una densidad buscada a propsito, y,
por otra, se nos ofrece un trnsito libre hacia ellas en el Pabelln de Niemeyer. No hay muchas obras en esta Bienal que
soliciten una atencin focalizada, pues se ha trabajado la
contigidad, la resonancia, las afinidades, para garantizar la
comunin de las imgenes, incluso su aluvin. Son muchas,
por cierto, las poticas que pueden identificarse en esta
muestra, que las aglutina atendiendo a diversas estrategias
de archivo o de gabinete de curiosidades, interesndose por
el sentido de escenario o el espritu casi de enciclopedia
(aunque el poeta Wlademir Dias-Pino es el gran ausente, a
pesar de su paradigmtica Enciclopedia Visual). Prima todo
aquello que abarca y supone cantidad, colecciones, mediaciones clasificatorias, suma de obras (y tambin de documentos), todo lo que apela a nuestra mirada ms intersubjetiva, genealgica, y a su necesidad de mundo y cosmovisin.
Se hace evidente algn Leitmotiv perceptivo que atraviesa muchas propuestas: las sintaxis objetuales son numerosas y proverbiales (una sintaxis multiforme y apropiacionista en Benet Rossell, postminimalista en Helio Fervenza o
alojada en espacios intersticiales en Nydia Negromonte o en
Fernanda Gomes, entre el objeto y la arquitectura del lugar).
A veces apuntan a la bsqueda de alguna unidad posible (lo
que justifica la presencia de Artur Bispo do Rosrio, con su
obra emblemtica por su construccin/deconstruccin discursiva). Diversas realidades susceptibles de articularse entre
s se manifiestan alegricamente, y se extienden tambin a
los inventarios fotogrficos presentados en la forma de grandes series, a la catalogacin, a los diarios (como ocurre en la
obra de Hans Eijkelboom, Horst Ademeit o Ilene Segalove), y
tambin a los conjuntos que forman instalaciones (tal como
en Anna Opperman, Hans-Peter Feldmann o Iaki Bonillas).
Se concede mucho espacio al lenguaje, a los signos, lo
que se observa en la nutrida textualidad visual incorporada.
Encontramos, as, una evidente aleacin de poesa visual y
artes plsticas (en Juan Luis Martnez en su obra La Nueva
Novela, de 1985, Franz Mon, Erica Baum, Alejandro Cesarco, Diego Maquiera y Eduardo Gil, entre otros). No es extrao, en este contexto de doble de empata entre lo objetual y
lo verbal, el lugar destacado de Robert Filliou, fluxista defensor de la integracin arte y vida, ni sorprende el de Cadu,
con sus extraordinarias conceptualizaciones cotidianas, en
commitment for this relational character produces opposing

sensations: on one hand, we find true visual inflations, an
expected density, and, on the other hand, we are offered free
transit toward them in the Niemeyer Pavilion. There are not
many works in this Biennial that require focussed attention,
but closeness, resonance, affinities, have been worked to
guarantee communion of the images, of even their alluvium.
But, there are many poetics that can be identified in this
exhibition, which agglutinates them attending to diverse
filing strategies, or curiosity cabinet, taking care of scenario
sense or the quasi spirit of encyclopaedia (although the poet
Wladimir Dias-Pino is the outstanding absence, in spite of
his paradigmatic Enciclopedia Visual). Above all that which
includes and means quantity, collections, classifying
measures, sum of works (and also of documents), all that
which appeals to our most intersubjective, genealogic look,
and to its necessity of world and cosmovision.
Some perceptive Leitmotiv crossing through many
problems becomes evident: there are several proverbial
objective syntaxes (one multiform and appropriative syntax
in Benet Rossell, post-minimalist in Helio Fervenza or
lodged in interstitial spaces in Nydia Negromonte or in
Fernanda Gomes, between the object and the architecture of
the space). Sometimes they refer to the search of any
possible unit (which justifies the presence of Artur Bispo do
Rosrio, with his emblematic work for his discursive
construction/deconstruction). Diverse realities susceptible of
being articulated between each other are allegorically
manifested, and also extended to the photographic
inventories presented in the form of large series, to the
cataloguing, to the diaries (like in the works of Hans
Eijkelboom, Horst Ademeit or Ilene Segalove), y also to the
series formed by the installations (such as Anna Opperman,
Hans-Peter Feldmann or Iaki Bonillas).
A lot of space is given to language, to signs, which can
be seen in the nurtured visual textuality included. That way,
we find an evident alloy of visual poetics and plastic arts (in
Juan-Luis Martinez in his work La Nueva Novela, of 1985,
Franz Mon, Erica Baum, Alejandro Cesarco, Diego Maquiera
and Eduardo Gil, among others). The outstanding place of
Robert Filliou, fluxist defender of the art and life integration
is not strange, and that of Cadu does not surprise with the
extraordinary daily conceptualisations, where he makes a
35
Eduardo Berliner, Persiana, 2011, leo sobre tela.
En la pgina 36: Anna Oppermann, Being Different (Somehow Shes So Different),

1981, instalacin. En la pgina 37: Gego, Sin ttulo 87/14, 1987, objeto.
Robert Filliou, Danse-pome collectif (

performer deux par deux, chacun(e) tournant une
roue (detalle), rplica de una performance de
1962. Foto: Florian Kleinefenn.
las que hace una lectura singular de cuentas de luz o loteras, o incluye trenes de juguete en una instalacin con recipientes de vidrio, como elementos para alcanzar una alteridad potica.
Otra faceta sobresaliente de esta edicin de la Bienal de
So Paulo es la relativa a las propuestas sonoras, con espacialidad escultrica, con msica o poesa. Athanasios Argianas rene las tres cosas con imgenes enigmticas: sus mquinas proyectan figuras e incorporan esculturas presentes
en el espacio, y tambin lectura potica. Como sucede con
caro Zorbar, y su Sympathy For the Devil (2012), una suerte de artilugios pre-tecnolgicos, monitores y proyectores,
que producen imgenes de caverna, con algn fondo que
canta la melancola hechicera de las cosas. O con la potica
sonora de Paulo Vivacqua, con varias piezas dispares y la destacable Partitura II (2012), hecha con imgenes y sonidos en
correspondencia, en un concierto de atriles en la oscuridad,
lo que a su vez no deja de formar parte de una propuesta
constelar. Marco Fusinato desarrolla una sinestesia asctica
de luces y sonido que toma la forma de cifras lumnicas cambiantes en Imperical Distortion (2012), mientras que Meris
Angioletti sumerge sus vdeos en un campo lmite entre lo
mental, lo cultural y lo sensorial, una zona de frontera rarefacta.
Aunque la escritura con objetos, imgenes y signos verbales goza de gran presencia en la Bienal conformando una
partitura espacial, no se halla menos presente el cuestionamiento de la imagen y de su realidad representacional, de su
estatuto visual. Algunos artistas trabajan sus derivas lingsticas, por ejemplo, Guy Maddin (con su instalacin de filmes
onricos y culturalistas, colocada a la entrada de la Bienal) o
Fernando Deligny (con sus experimentos prelingsticos con
nios autistas en Francia, abocados a plantear cuestionamientos humanistas utilizando numerosos soportes).
Sorprende la presencia de una pintura cautivante, contempornea, donde no hay separacin genrica ni conceptual: la pintura extraa e ntima de Eduardo Berliner; la de
Lucia Laguna, con sus paisajes ficcionales en proceso de
montaje y articulacin de las telas en el transcurso de la
Bienal; y la de Sandra Vzquez de la Horra, que mezcla historia personal y otras fuentes para conseguir un imaginario
irnico, negro. Puede observarse tambin cierto sentido de
lo grotesco que reaparece definido por el exceso figurativo, y
singular reading of light accounts or of lotteries, or includes

toy trains in an installation with glass recipients, like
elements to reach a poetic otherness.
Another outstanding facet of this edition of the So
Paulo Biennial is that related to the audio proposals, with
sculptural spatiality, with music or poesy. Athanasios
Argianas reunites these three with enigmatic images: his
machines project figures and incorporate sculptures present
in the space, and also poetic reading. Like what happens
with Icaro Zorbar and his Sympathy For the Devil (2012), a
type of pre-technology gadgetry, screens and projectors, that
produce cave images, with a background that sings the
melancholy sorceress of the things. Or in the audio poesy of
Paulo Vivacqua, with several odd pieces and the outstanding
Partitura II (2012), made with images and sounds in
correspondence, in a concept of lecterns in the darkness,
which in turn do not stop forming part of a constellate
proposal. Marco Fusinato develops an aesthetic synaesthesia
of lights and sound that takes the forms of luminous
changing figures in Imperical Distortion (2012), while Meris
Angioletti submerges his videos into a limit field between
the mental, the cultural and the sensorial, a rarefied border
area.
Although writing with verbal objects, images and
sounds is extensively present in the Biennial forming a
spatial score, the questioning of image and of its
representational reality, of its visual statute is none the less
present. Some artists work with their linguistic diversions,
for example, Guy Maddin (with his installation of ironic and
culturist films, situated at the entrance of the Biennial) or
Fernando Deligny (with his pre-linguistic experiments with
autistic children in France, keen on proposing humanist
questions using several supports).
The presence of a captivating, contemporary painting
without any general or conceptual separation, is
surprising: the strange and intimate painting of Eduardo
Berliner; that of Lucia Laguna, with her fictional
landscapes in process of assembly and articulation from
fabrics during the course of the Biennia; and that of Sandra
Vzquez de la Horra, who mixes personal history and other
sources to achieve an ironic, black imaginary. A certain
sense of the grotesque that reappears defined by the
figurative excess can be observed, and that places the body
39
Paulo Vivacqua, The Triple Ohm,

2012, instalacin sonora.
Foto: Filipe Berndt.
que coloca el cuerpo en primera lnea, como sucede en la

obra de Nino Cais o de Odires Mlszho.
Igualmente, llama mucho la atencin la justificada presencia de artistas de Amrica Latina que eran una asignatura pendiente, y entre los que se incluyen histricos constructivistas como Gego, olvidados conceptuales como Roberto Obregn o postmodernos catrticos como Moris o
Jerry Martin. Tambin resulta llamativo el rescate, sotto
voce, de artistas que se hallan fuera del mainstream geoartstico, como es el caso de Jir Kovanda y sus sutiles performances que ironizan sobre la vida normativizada, o el de
Sigurdur Gudmundsson y sus situaciones, especie de aproximaciones y equilibrios entre el ser humano y el ambiente/naturaleza (con un espritu que se anticipa a Erwin Wurm).
Puede tambin citarse en este contexto a artistas como
Franz Erhard Walther, con piezas que funcionan como instrumentos de accin corporal, o, sobre todo, Bas Jan Ader,
con sus misteriosas experiencias sobre lo vulnerable, sin peso narrativo, rescatadas de un conceptualismo ms heterodoxo en el que el humor funciona casi como completa operacin de desmitificacin y desacralizacin de lo que se reifica como arte.
En el fondo, la actual edicin de la Bienal no deja de
producir sensaciones ambivalentes, incluso debido a su bagaje histrico actualizado. En parte, se encuentra uno aqu
con un discurso bien estructurado, lleno de ejemplos a la
medida, generosos y expuestos de forma ordenada an
cuando se busca romper con la legibilidad habitual . Pero,
precisamente por ello se estimula un deseo de desorden, de
contravencin, un anhelo del vrtigo que producira una dialctica esttica un poco ms destemplada, aguzada, dotada
con el filo ms peligroso de nuestra contemporaneidad.
Bas Jan Ader, Broken Fall (Geometric), Westkapelle, Holland, 1971, fotografa.
in first place, like in the work of Nino Cais or that of Odires

Mlszho.
Likewise, the justified presence of Latin American
artists attracts our attention as a pending assignment, and
among which are included the old constructivists like Gego,
forgotten conceptualists Like Roberto Obregn or cathartic
postmodernist like Morris or Jerry Martin. The sotto voce
rescue of artists that have been outside of the geo-artistic
mainstream is also outstanding, like that of Jir Kovanda and
his subtle performances that ridicule the standardised way
of life, or that of Sigurdur Gudmundsson and his situations,
a species of approximations and balances between humans
and the environment/nature (with a spirit that anticipates
Erwin Wurm). In this context we can also mentions artists
like Franz Erhard Walther, with pieces that work as corporal
action instruments, or, above all, Bas Jan Ader, with his
mysterious experiences about that which is vulnerable,
without narrative weight, rescued from a more heterodox
conceptualism in which humour functions nearly like a
complete operation of demystification and desacralisation of
what it reifies as art.
In essence and form, the current edition of the Biennial
does not stop producing ambivalent sensations, even due to
its updated historical baggage. Partly, one comes across a
well structured discourse here, full of made-to-measure
generous examples, exhibited in an orderly manner even
though it pretends to break with normal legibility. But,
precisely due to that it stimulates a desire for disorder, for
contravention, a wish of the vertigo that would be produce
by an aesthetic dialectic a little more out of tone, sharpened,
provided with the sharpest edge of our contemporaneity.
41
ROBERT GOBER
Lo siniestro
avabos, urinales, sillas, chimeneas, rejillas de alcantarillado,

desages, corrales para beb y
otros objetos cotidianos sirven a
Robert Gober (Wallingford, Connecticut, 1954) para plantear
obras que incitan lecturas psicoanalticas. Son famosas las piezas
que el artista construye recurriendo a fragmentos anatmicos, normalmente colocados como saliendo de una pared o bien
emergiendo de elementos domsticos, o encajados en canastos de plstico o mimbre, o quiz
sirviendo de inquietantes sacos.
Tambin utiliza Gober smbolos religiosos que somete a
agresiones o mutilaciones y que
coloca en ambientes extraos
que parecen extrados de un
mundo paralelo inquietante. En
sus alcantarillas, el agua fluye incesante, contribuyendo a esta
sensacin de un mundo real anlogo al que habitamos, pero fundamentalmente ajeno y turbador.
Un simple lavabo o una baera,
una silla o una cama, una escalera o una puerta se convierten en
elementos amenazantes. En todos ellos subyace una vena surrealista perversa, un fetichismo que
brilla en los torsos o piernas seccionados, en el queso del que sale
cabello humano, en la barra de
mantequilla gigante, en la bolsa
arrugada llena de donuts... La cera es un material esencial en muchas de estas propuestas. Con
ella Gober consigue el efecto naturalista de los fragmentos anatmicos y de los elementos comestibles simulados.
Hasta principios de febrero,
el Kunstmuseum Basel dedica a
este artista una exposicin titulada sencillamente Robert Gober.
Robert Gober, Sin ttulo, 1998-1999, cera, plstico, pigmento, latn y

cabello humano, 27,9 x 47,6 x 33,3 cm. Foto: Martin P. Bhler.
Robert Gober, Chair with Pipe, 1994-1995, madera, bronce, plstico, tela y
pintura, 82,5 x 76,2 x 180,3 cm, Foto: Martin P. Bhler.
Robert Gober, Sin ttulo, 1997-1998, cuero, plstico, aluminio, hierro plateado,
algodn y esmalte, 40,5 x 23 x 14 cm. Foto: Erma Estwick.
43
Washbasins, urinals, chairs,

fireplaces, drain grids, sewerage
drains, baby-pens and other dayto-day objects are used by Robert
Gober (Wallingford, Connecticut,
1954) to propose works that incite
psychoanalytical readings. The
works that the artist builds using
anatomic fragments normally
placed as if they were protruding
from a wall or emerging from
domestic elements, or encased in
plastic or cane baskets, or perhaps
being used as disquieting sacks
are famous.
Gober also uses religious
symbols that he submits to
aggressions or mutilations and
places in strange environments
that seem extracted from an
alarming parallel world. Water
flows unceasingly in his drains,
contributing to this sensation of a
real world analogue to the one we
know, but fundamentally alien
and disturbing. A simple
washbasin or bath, a chair or a
bed, a stairway or a door become
threatening elements. A perverse
surrealist vein is subjacent in all
of them, a discomforting
fetishism that shines on the
sectioned torsos or legs, on the
cheese from where human air
protrudes, in the gigantic bar of
butter, in the wrinkled bag of
donuts... Wax is the essential
material in many of these
proposals. Using it Gober achieves
the naturalist effect of the
anatomic fragments and of the
simulated edible elements.
The Basel Kunstmuseum
dedicates an exhibition to this
artist simply entitled Robert
Gober until the beginning of
February.
44-47 QUAY BROTHERS:articulos 02/11/2012 18:34 Pgina 44
Quay Brothers, Tailors Shop, decorado para el filme Street of Crocodiles, 1986, madera, vidrio, yeso y tela, 69,9 x 85,1 x 62,9 cm. Foto: Robert Barker.
QUAY BROTHERS
Tteres y sombras
lustradores, escengrafos y cineastas, los gemelos idnticos Timothy y Stephen Quay (Norristown, Pennsylvania, 1947) destacan especialmente por su produccin audiovisual, que abarca
filmes de animacin cuadro por
cuadro, obras con actores reales,
documentales, filmes relacionados con la danza, vdeos musicales y comerciales para televisin.
Muy influenciados por la literatura, la msica y el cine del este de
Europa, en sus obras de animacin cuadro por cuadro es donde
ms evidente resulta su inclinacin a lo siniestro. En ellas habitan muecos descoyuntados inmersos en actividades inquietantes y silenciosas, rodeados de ambientes sombros. Precisamente
para estos filmes es que los hermanos Quay han creado varios
decorados en miniatura que
constituyen en s mismos obras
de arte de lbrego lirismo.
En este gran apartado de su
produccin destacan filmes como
Street of Crocodiles (La calle de
los Cocodrilos, basado en el libro
de relatos homnimo publicado
en 1934 por Bruno Schulz, 1986),
Rehearsals for Extinct Anatomies
(Ensayos sobre anatomas extintas, 1988), The Comb (El peine,
1990), The Calligrapher (El calgrafo, 1991) o The Piano Tuner of
EarthQuakes (El afinador de terremotos, 2006). En The Cabinet
of Jan Svankmajer (El gabinete
de Jan vankmajer, 1984), los
Quay rinden homenaje a uno de
sus obvios referentes en la construccin de mundos turbadores
dominados por muecos y figu-
Quay Brothers, Street of Crocodiles, 1986, filme de 35 mm, 00:21:00.
45
Illustrators, scenographers and

filmmakers, the twins Timothy
and Stephen Quay
(Norristown, Pennsylvania,
1947) are specially outstanding
for their audiovisual
production, that include stopmotion puppet animation, liveaction films, documentaries,
dance films, music videos and
television advertising. Very
influenced by literature, music
and films from Eastern
Europe, they show an
inclination to the uncanny
that is more evident in their
stop-motion films.
We can see here
disassembled puppets immerse
in alarming and silent
activities, surrounded by
sombre environments.
Precisely for these films the
Quay brothers have created
several miniature dcors that
are pieces of art in themselves
in dark lyricism. Stop-motion
films like Street of Crocodiles
(based on the homonym book
of stories published in 1934 by
Bruno Schulz, 1986)
Rehearsals for Extinct
Anatomies (1988), The Comb
(1990), The Calligrapher
(1991) or the Piano Tuner of
EarthQuakes (2006) are
outstanding.
One of their obvious
referents in the construction
of disturbing worlds
dominated by puppets and
manipulable figures is Jan
Svankmajer, and the Quay
brothers offer homage to him
in The Cabinet of Jan
Quay Brothers, They Think Theyre Alone, decorado para el filme Rehearsals for Extinct Anatomies, 1987, madera, tela, vidrio y metal. 78 x 62 x 68 cm. Foto: Robert Barker.
QUAY BROTHERS
ras manipulables y animadas cuadro por cuadro. Junto a vankmajer, las influencias de los Quay
incluyen a los titiriteros Wladyslaw Starewicz (que cre filmes de
animacin cuadro por cuadro entre 1910 y 1965) y Richard Teschner, los animadores Walerina
Borowczyk y Jan Lenica, escritores como Franz Kafka, el ya mencionado Bruno Schulz y Robert
Walser, adems de compositores
como Leo Jancek y Leszek Jankowski.
Los Quay vienen produciendo desde 1979 estas obras de animacin, que suman ya cerca de
cincuenta, y un elemento fundamental de este trabajo lo constituyen los mencionados decorados o sets en miniatura fabricados por ellos mismos: cajas en las
que se despliegan ambientes dominados por las texturas de los
diversos materiales, en las que se
componen escenas intrigantes y
que recuerdan la larga tradicin
de las casas de muecas. Pero el
talento de los Quay para la escenificacin se ha expresado tambin en sus proyectos para peras, ballets, obras teatrales y conciertos.
El Museum of Modern Art de
Nueva York dedica a estos creadores la primera gran retrospectiva
que abarca el abanico de su produccin. Titulada Quay Brothers:
On Deciphering the Pharmacists
Prescription for Lip-Reading
Puppets (Los hermanos Quay:
descifrando la prescripcin del
farmacutico para tteres que leen los labios), permanecer abierta hasta principios de enero.
Quay Brothers, Institute Benjamenta o This Dream One Calls

Human Life, ca. 1995, filme, 104 min.
Quay Brothers, Skips, 1988, vdeo comercial para la televisin.
Quay Brothers, The Piano Tuner of EarthQuakes, 2005, filme, 95 min.
47
Svankmajer (1984).
Together with
Svankmajer, the influences of
the Quay brothers include the
puppeteers Wladyslaw
Starewicz (that created stopmotion films between 1910
and 1965) and Richard
Teschner, the animators
Walerina Borowczyk and Jan
Lenica, writers like Franz
Kafka, the previously
mentioned Bruno Schulz
and Robert Walser, as well as
composers like Leo
Jancek and Leszek
Jankowski.
The Quay brothers have
already produced fifty of these
stop-motion works since 1979,
and a fundamental element of
this work are the miniature
stages or sets that they
manufactured: Boxes where
they show environments
dominated by the textures of
the different materials, where
they form intriguing spaces
and that recall the long
tradition of dolls houses. But
the talent of the Quay brothers
for staging is also expressed in
projects for operas, ballets,
theatre performances and
concerts.
The Modern Art Museum
of New York shows until the
beginning of January the first
major retrospective of the
Quay brothers work, entitled
Quay Brothers: On
Deciphering the Pharmacists
Prescription for Lip-Reading
Puppets.
JULIO PLAZA
Construcciones poticas
oetical constructions
In spite of the numbered efforts to place the works of Julio
Plaza (Madrid, 1938 So Paulo, 2003) in a place worthy of
it, this continues to be a pending assignment, something
that causes certain blushing both regarding Brazil as in that
regarding Spain. Precisely due to this fact it is worthwhile
highlighting and analysing the Construes poticas
exhibition. Truly it is very difficult to offer a panorama that
covers the vastness of activities undertaken by this exiled
Spaniard that in 1972 entered into the Brazilian, Paulist,
artistic scenario, defining himself in the conceptualism that
was experimenting with the polyvalence of the means.
In this sense, the division of universes on the two floors
of the Fundao Vera Chaves Barcellos centre that, situated
in Viamo, Porto Alegre, houses the exhibition is wellchosen, because, in spite of the plurality of languages
involved (graphic works, holographs, books by the artist,
editions, objective poesy...), manages to translate the transit
that vertebrates his poesy, his nuclear and modular
characteristics: the analysis of the signs, the interface of the
means, the articulation of that which is verbal and that
which is not verbal, and the search for new perceptions,
knowing that what happens among the manners is more
interesting than the manners themselves, according to the
ideology of the artist. The journey starts from 1966,
including geometrical paintings and some sculptural
example of the Spanish period together with some also
constructive serigraphic experiences, but with rigorous
irony like in the case of Anarquitecturas, and extends to
his final works, more linked to objective poesy, technology,
graphics, where he plays with de-mystifying humour with
media iconography.
This well-designed exhibition also highlights the
masterpiece of Plaza entitled Objects (1968), matrix book of
aural geometry about primary colours with interchangeable
pages, with cuttings and spatial unfolding that later would
reach another universe: that of implosive/explosive visual
expressions, nature built by constellations, without linearity
or sequentiality, as seen in the emblematic verbal
collaborations with Augusto de Campos Poembiles or
Caixa Preta and, in another way, also in ReDuchamp.
The fact that the geometry (and the associated
ideological constructivism and positivism) was not sufficient
can justify the increased porosity of his more hybrid works
A pesar de los contados esfuerzos por colocar la obra de Julio Plaza (Madrid,1938-So Paulo, 2003) en el lugar que
merece, esto contina siendo una asignatura pendiente, algo que causa cierto sonrojo tanto en lo que respecta a Brasil como en lo que respecta a Espaa. Precisamente debido
a este hecho merece la pena destacar y analizar la muestra
Construes poticas. Resulta en verdad difcil ofrecer un
panorama que abarque la vastedad de actividades emprendidas por este espaol exiliado que se introduce en la escena artstica brasilea, paulistana, desde 1972, enmarcndose en el conceptualismo que ya experimentaba con la polivalencia de medios.
En este sentido, la divisin de universos en las dos
plantas de la Fundao Vera Chaves Barcellos centro que,
situado en Viamo, Porto Alegre, acoge la muestra ha resultado acertada, pues, a pesar de la pluralidad de lenguajes en juego (obra grfica, holografas, libros de artista,
ediciones, poesa objetual), logra traducir el trnsito
que vertebra su potica, sus caractersticas nucleares y
modulares: el anlisis de los signos, la interfaz de los medios, la articulacin de lo verbal y lo no verbal, y la bsqueda de nuevas percepciones, a sabiendas de que lo que
sucede entre las formas interesa ms que las formas mismas, segn el ideario del artista. El recorrido parte de
1966, incluyendo pinturas geomtricas y algn ejemplo escultrico del perodo espaol junto a experiencias serigrficas tambin constructivistas, pero ya con una rigurosa irona como en el caso de Anarquiteturas, y llega hasta sus
obras finales, ms vinculadas a la poesa objetual, tecnolgica, grfica, donde se juega con humor desmitificador con
la iconografa meditica.
En esta muestra bien diseada sobresale tambin la
obra prima de Plaza titulada Objetos (1968), libro matriz
de una geometra soadora sobre los colores primarios y de
pginas intercambiables, con cortes y desdoblamientos espaciales que luego alcanzaran otro universo: el de expresiones visuales implosivas/explosivas, una naturaleza constituida por constelaciones, sin linealidad ni secuencialidad,
como se trasluce en las emblemticas colaboraciones verbales con Augusto de Campos Poembiles o Caixa Preta y,
de otra forma, tambin en ReDuchamp.
El hecho de que la geometra (y el constructivismo y
positivismo ideolgico asociados) no fuese suficiente puede
En primer plano, escultura de DM producida por Patricio Faras

segn indicaciones de Julio Plaza. En la pared: Julio Plaza, de la serie
Anarquitecturas, 1969, serigrafas.
49
Julio Plaza, de la serie Objetos, 1968, serigrafas.
Julio Plaza y Augusto de Campos, de la serie Poembiles,

1968, libro de artista.
Julio Plaza en colaboracin con Moyss Baumstein, Lmite do corpo, 1987, holograma.
Julio Plaza, de la serie Anarquitecturas, 1969, serigrafa.
JULIO PLAZA
justificar la mayor porosidad de sus trabajos ms hbridos

de poesa visual, grfica, en los cuales la imagen se vuelve
ms experimental, gracias a sofisticadas holografas o a placas metlicas. As, el segundo piso de la Fundao alberga
un conjunto de distinto aspecto: juegos de lenguaje en los
que potica y poltica se confunden de forma provocadora,
y en los que el aspecto tcnico se expande.
Adems de un artista de amplio repertorio, Plaza fue un
terico importante en lo relativo a la semiosis, el videotexto
y las poticas digitales, y un activista cultural. No se puede
olvidar el hecho de que mantuvo una firme posicin crtica
ante el sistema del arte, llegando, por ejemplo, a definir la
dcada del 2000 como la de los empresarios y patrocinadores (los logotipos), un decenio de Artistas muertos, hambrientos de fama. En el enfrentamiento entre discurso y
lenguaje estuvo siempre a favor del segundo. La exposicin
Construes poticas pone los acentos en su lugar, y se
acompaa de una reedicin de la obra de este artista titulada Evolucin de la revolucin (1972).
of visual poesy, graphics, in which the image becomes more

experimental, thanks to sophisticated holography or metallic
plates. That way, the second floor of the Fundao houses a
series with different aspects: language games where poesy
and politics are provocatively confused, and where the
technical aspect is expanded.
As well as being an artist with an extensive repertoire,
Plaza was an important theorist in that related to semiosis,
video texting and digital poetics, as well as a cultural activist.
The fact that he maintained a strong critical position in
front of the art system, even to the point of, for example,
defining the decade of 2000 as that of entrepreneurs and
sponsors (the logotypes), a decade of Dead artists,
hungering for fame. During the face-off between discourse
and language, he was always in favour of the second. The
exhibition Construes poticas puts the accents in their
place, and is accompanied by a reediting of the work of this
artist entitled Evolucion de la revolucion (1972).
Julio Plaza, Sin ttulo, serigrafa.
51
RONAN Y ERWAN BOUROULLEC
FORMA Y FUNCIN
Oda a lo orgnico
Los hermanos Ronan y Erwan
Bouroullec (Quimper, Francia,
1971 y 1976) comenzaron su carrera como diseadores industriales, pero hoy se les conoce
por sus diseos de objetos para el
hogar y para la oficina en los que
destacan un espritu experimental y la pulcritud de lneas y conceptos. Junto a sillas, sofs, lmparas y elementos para la mesa
han diseado tambin objetos hbridos, destacando sus propuestas
modulares, orgnicas, flexibles y a
veces efmeras. Por ejemplo, sus
separadores de ambientes, que
adoptan formas en s mismas cargadas de sofisticadas posibilidades
estticas.
Los Bouroullec empezaron
a trabajar conjuntamente a finales de los aos noventa y han demostrado desde el principio un
gran inters por esa flexibilidad
que desafa al contenedor arquitectnico. De hecho, para los
Bouroullec estos elementos modulares conforman una categora
a la que han bautizado como
microarquitectura y contribuyen a la transformacin dinmica
y efmera del espacio habitable.
En esos elementos, por otra parte, se trasluce el inters de estos
diseadores por las formas orgnicas inspiradas en la naturaleza.
El Museum of Contemporary Art de Chicago acoge hasta
finales de enero una gran exposicin titulada Ronan y Erwan
Bouroullec: Bivouac (Ronan y Erwan Bouroullec: vivac) en la que
pueden verse tanto prototipos como objetos acabados diseados
por estos creadores.
Ronan y Erwan Bouroullec, mdulos Cloud , 2002, separador de ambientes.
Ronan y Erwan Bouroullec, silla Slow,

2007. Foto: Paul Tahon.
52
Ronan y Erwan Bouroullec, lmpara Lighthouse,

2010. Foto: Peter Guenzel.
RONAN Y ERWAN BOUROULLEC
SHAPE AND FUNCTION
An ode to the organic
Ronan y Erwan Bouroullec, izquierda: azulejos North, 2006; derecha: jarrn Honda, 2001. Foto: Morgane Le Gall.
Ronan y Erwan Bouroullec, izquierda: estudios de distintas fechas; derecha: silla de la coleccin Osso, 2011.
Ronan y Erwan Bouroullec, izquierda: sistema modular de separacin de ambientes Clouds, 2008; derecha: sistema
modular de separacin de ambientes Algues (detalle), 2004.
53
The Bouroullec brothers Ronan

and Erwan (Quimper, France,
1971 and 1976) commenced their
career as industrial designers, but
nowadays they are known due to
their designs of household and
office objects which highlight an
experimental spirit and the
neatness of lines and concepts.
Together with chairs, sofas, lamps
and tableware they have designed
hybrid objects, among which
their modular, organic, flexible
and sometimes ephemeral
proposals stand out. For example,
their room dividers, which are
loaded with sophisticated
aesthetic possibilities.
The Bouroullec brothers
started working together at the
end of the nineties and have
shown form the very beginning
great interest for that flexibility
that challenges the architectural
container. In fact, these modular
elements are part of a category
they call microarchitecture,
which contributes to the dynamic
and ephemeral transformation of
habitable space. On the other
hand, the interest of these
designers for the organic forms
inspired by nature can be seen in
those elements.
The Museum of
Contemporary Art of Chicago
hosts the exhibition entitled
Ronan and Erwan Bouroullec:
Bivouac, that can be visited until
the end of January and where
either prototypes or finished
objects designed by these creators
can be seen.
RECIPROCITY DESIGN LIGE 2012
Diseo social
SUSANA MOLINA
ocial design
The Belgian city of Liege, to the east of Brussels, hosts

during the month of October the RECIPROCITY Design Liege
2012 event, the sixth edition of what up to now is known as
the International Design Biennial of Liege. This change is
not only due to it becoming a triennial, but also to the
aspect on which this edition is centred and that will
determine the themes that will be approached during the
coming editions: social design that centred on providing
solutions to collectives, a design which goes beyond that
aesthetics, the artistic and that functionally isolated. That
way, this redefinition of interests leads the way to design as
a speciality aimed at improving society and, in this sense, as
a task in process that maintains a dialogue with the
environment.
RECIPROCITY is presented as a multidisciplinary
encounter where architecture, photography, fashion and
design are interconnected in a cultural and economic
dynamic. Attention is given to sustainability and the
collaboration processes that make these distinct specialities
are farmed in a collective context not only in its purpose,
but also in its production. Inevitably, reference is also made
to the shadow of the economic crisis that has a direct affect,
both publicly and privately, at the time of investing in
design.
Designers and schools from fifteen countries have
participated in this edition. The proposals are distributed
among more than twenty exhibition centres, many of them
in historic buildings. Craft & Industry. The Human Attitude
to Produce can be visited in the Saint-Luc Institute of the
Higher School of Arts Saint-Luc Liege, situated in antique
military quarters. Here two apparently antagonistic
concepts; handcrafts and industry, are joined in one space.
The main section of this exhibition includes a series of wellknown products from international industry, from those in
which handcrafts are important, like a box, a blanket or
cutlery, to those, that gradually move away from human
intervention, the objects that are completely produced by
industrial manufacturing, like furniture, music reproducers
or portable computers. The journey does not exclude the
historical relationship of art and design in the
manufacturing of things common to humankind.
Another of the main exhibits of the event is in the Vie
Wallonia Museum located in the Saint-Antoine Space
La ciudad belga de Lieja, al este de Bruselas, acoge durante

el mes de octubre el evento RECIPROCITY Design Lige 2012,
la sexta edicin de lo que hasta ahora se conoca como
Bienal Internacional de Diseo de Lieja. Este cambio no solo obedece a que pasa a convertirse en trienal, sino tambin
al aspecto en el que se centra esta edicin y que determinar las temticas que abordarn las prximas ediciones: el diseo social, aquel enfocado a dar soluciones a la colectividad, un diseo que va ms all de lo esttico, lo artstico y
lo aisladamente funcional. Esta redefinicin de intereses
apunta, as, al diseo como una especialidad dirigida a mejorar la sociedad y, en este sentido, como una labor en proceso que mantiene un dilogo con el entorno.
RECIPROCITY (Reciprocidad) se presenta como un encuentro multidisciplinar donde arquitectura, fotografa,
moda y diseo se interconectan en una dinmica cultural y
econmica. Se presta atencin a la sostenibilidad y los procesos de colaboracin que hacen que estas distintas especialidades se enmarquen en un contexto colectivo no solo
en su finalidad, sino tambin en su produccin. De forma
inevitable, se hace referencia tambin a la sombra de la crisis econmica, que influye de forma directa, tanto a nivel
pblico como privado, a la hora de invertir en diseo.
En esta edicin, han participado diseadores y escuelas
de quince pases. Las propuestas se distribuyen en ms de
veinte sedes expositivas, muchas de ellas edificios histricos. En el Saint-Luc Institute de la Escuela Superior de Artes Saint-Luc Lige, situada en un antiguo cuartel militar,
puede visitarse Craft & Industry. The Human Attitude to
Produce. Se unen aqu en un mismo espacio dos conceptos
que parecen antagnicos: la artesana y la industria. En el
apartado principal de esta exposicin se hace un recorrido a
travs de una serie de productos conocidos de la industria
internacional, desde aquellos en los que prima la labor artesanal, como una caja, una manta o una cubertera, hasta,
alejndose gradualmente de la intervencin la mano humana, los objetos que proceden enteramente de la fabricacin
industrial, entre los que se incluye mobiliario, reproductores de msica u ordenadores porttiles. El recorrido no pasa
por alto la relacin histrica del arte y el diseo en la fabricacin de los objetos que rodean al ser humano.
En la orilla opuesta del ro Mosa, que atraviesa la ciudad,
se encuentra el Muse de la Vie wallonne, donde, en el Espa-
Caroline Andrin, vaso MFA (Le jardin de ma mre), 2012,

porcelana, esmalte e imagen transferida., 10 x 7 x 20 cm.
55
Hella Jongerius, recipientes 7 Pots /

3 Centuries / 2 materials, porcelana,
fragmentos de urnas de cermica
medievales y pintura.
ce Saint-Antoine (antigua iglesia del siglo XIII), se exhibe otra

de las muestras principales del evento: Memorabilia. Designing Souvenirs. Rene sta sesenta propuestas que reflejan
en algn grado la procedencia o el marco social, tnico o histrico en el que se han formado sus creadores. En esas propuestas la cotidianidad de los objetos de uso contrasta con la
innovacin que se les incorpora gracias al diseo. Se trata de
una convocatoria internacional que ha premiado el trabajo de
diseadores como Eugenia Morpurgo, por el proyecto Repair It Yourself, que consiste en unos zapatos fcilmente reparables por el propio usuario; Jean-Franois dOr, por su
reinterpretacin del espejo psych en el proyecto titulado
Elisabeth; y Michal Bihain, por su taburete apilable Diaphragm. Pueden verse tambin vasos que al vaciarse muestran
el mensaje lvame, bisutera inspirada en los dibujos y texturas de ciertos tejidos, anillos-silbato y altavoces para mvil
inspirados en gramfonos, entre otra variedad de ideas orientadas a redisear lo cotidiano. Como parte de la propuesta, en
este museo se aborda, en el apartado titulado Mapping the
Design World, la proyeccin del diseo social a nivel mundial, a travs de un amplio conjunto de proyectos en los que
se manifiesta cmo ha intervenido el diseo en diversos puntos del planeta para atajar problemas de diferente ndole, lo
que abarca desde soluciones arquitectnicas en Chile o el reciclaje de botellas para dar luz en Filipinas hasta la construccin de puentes en Bali o unas intervenciones artsticas annimas en Sofa. Se trata de una recopilacin documental que
ilustra las posibilidades de accin e innovacin del diseo en
la actualidad.
La Facultad de Arquitectura de la Universidad de Lieja
acoge Welcome to Saint-Gilles. Design and Local Communities, muestra que, junto con la titulada Kids Driven Design. Creative Learning & Co-design que alberga el Muse
du Grand Curtius, completa el ncleo expositivo de RECIPROCITY. Welcome to Saint-Gilles rene, en forma de cuartillas,
el resultado de numerosos proyectos reales desarrollados en
colaboracin entre estudiantes y habitantes del barrio de
Saint-Gilles, a las afueras de Lieja, proyectos en los que se
propona la intervencin del diseo para subsanar los problemas del vecindario: desde mejoras para la seguridad, el
medio ambiente o las infraestructuras hasta propuestas para conectar a las personas entre s o contar historias. Se
muestran tarjetas en una de cuyas caras se plasma la idea,
(ancient 13th century church) on the opposite banks of the

Meuse River that goes through the city: Memorabilia.
Designing Souvenirs. This collection of sixty proposals
reflects in some degree the procedence or the social, ethnic
or historical framework in which their creators were
educated. The everydayness of the objects contrasts with
the innovation they incorporate thanks to the design of
these proposals. This is an international call that has prized
the work of designers like Eugenia Morpurgo for the
Repair It Yourself project that consists in shoes that are
easily repairable by the user; Jean-Franois dOr for his
reinterpretation of the psyche mirror in the project entitled
Elisabeth; and Michal Bihain, for his stackable stool
Diaphragm. Also, other things like drinking glasses that
when emptied show the message clean me, costume
jewellery inspired by the designs and textures of certain
fabrics, whistle-rings and loudspeakers for mobile phones
inspired on gramophones, among other varieties of ideas
aimed at redesigning normal items are exhibited. A part of
the proposal in this museum centres on the section entitled
Mapping the Design World, the worldwide projection of
social design, through a large series of projects which
manifest how design has been intervened in diverse points
of the planet to attack different problems, including
architectural solutions in Chile or the recycling of bottles
to obtain light in Philippines to the construction of bridges
in Bali or some anonymous artistic interventions in Sofia.
This is a documentary recompilation that illustrates the
possibilities of current design action and innovation.
The faculty of Architecture at the University of Liege
hosts the Welcome to Saint-Gilles. Design and Local
Communities, exhibition that, together with the one
entitled Kids Driven Design. Creative Learning & Co-design
hosted by the Muse du Grand Curtius, completes the
RECIPROCITY exhibition core. Welcome to Saint-Gilles
includes, on notebooks, the results of several real projects
developed in collaboration between students and
inhabitants of the Saint-Gilles neighbourhood in the
outskirts of Liege that have proposed the intervention of
design to resolve problems in the area: from the
improvement of security, the environment or
infrastructures to proposals for connecting people with
each other or recounting stories. The exhibit includes cards
56
Arriba: James Dyson, ventilador de mesa Air Multiplier, 2009. Abajo: Patrick Reuvis, lmpara
Light Memories, 2010-2012, opalina y luz fluorescente, 185 cm de altura.
Arriba: Enzo Mari, recipientes en mrmol. Foto: Federico Villa. Abajo: Kaspar Hamacher y
Matylda Krzykowski, Display Case, 2012, madera de roble, dimensiones variables.
Arriba: Studio Job, Containers II, 2010, recipientes realizados con cristal tallado de Val Saint Lambert, bronce y madera. Abajo: En & Is Studio,
Megaphone, 2011, madera y cermica con vidriado blanco, negro y oro de 24 k, 45 x 32 x 34. cm.
Eugenia Morpurgo, zapatillas R.I.Y.

Reapair It Yourself, 2011, prototipo de
goma y tela ms kit de reparacin.
mientras que en el reverso se relata el mtodo elegido para

llevarla a cabo. Son en realidad especie de instrucciones que
el visitante puede llevarse consigo.
Tambin para la muestra del Muse du Grand Curtius
Kids Driven Design se ha contado con la participacin directa de la sociedad. El proyecto parte de un taller de cinco
das con nios de Lieja de entre nueve y diez aos en el que
se trabaj en torno a la bsqueda de soluciones respecto al
problema de tener que portar agua. Los prototipos obtenidos aqu a partir de ideas individuales y colectivas han sido
traducidos por Michal Bihain en diseos viables, con formas curvilneas que no slo atienden al plano esttico, sino
tambin al funcional.
A pesar de tratarse de una cita internacional, tambin
se ha dedicado en este evento un espacio especfico a los diseadores belgas. Bajo el ttulo de Belgian on Tour, la seleccin se despliega en el antiguo mercado de carne, donde se
exhiben diseos presentados durante 2012, destacando, por
ejemplo, una lmpara solar transportable de Alain Gilles
que traduce cabalmente el concepto de diseo social, la finalidad de utilizar el diseo para solucionar problemas y
mejorar la vida. El evento se completa con varias otras propuestas, algunas de ellas tambin expuestas en las sedes
principales de RECIPROCITY, y otras alojadas en distintos espacios y galeras de la ciudad. El conjunto de exposiciones deja claro el espritu de esta convocatoria, en la que se pone el
acento en la relacin entre el diseo, el arte, la funcionalidad y la trascendencia social de los objetos creados por el
ser humano para facilitar y ennoblecer su existencia.
where the idea is explained on one side, while on the

reverse side the method chosen to carry it out is explained.
Really they are like instructions that the visitor can take
away.
Also the direct participation of society was used in the
Kids Driven Design exhibition at the Muse du Grand
Curtius. This project starts with a workshop that lasts five
days with children from Liege aged between nine and ten,
who search for solutions regarding the problem of having
to transport water. The prototypes obtained here based on
individual and collective ideas have been translated by
Michal Bihain into viable designs with curvilinear shapes
that not only attend to aesthetics, but also functionality.
In spite of being an international encounter, there is
also a space dedicated to Belgian designers at this event.
Under the title of Belgian on Tour, the selection of designs
presented during 2012 is exhibited in the ancient meat
market, for example, a portable solar lamp by Alain Gilles
that fully translates the concept of social design, the aim of
using design to resolve problems and improve life. The
event is completed with several other proposals, some of
which also exhibited in the main RECIPROCITY centres, and
others housed in different spaces and galleries around the
city. All the exhibitions clearly define the spirit of this event,
in which emphasis is given to the relationship between
design, art, functionality and social transcendence of the
objects created by mankind to facilitate and exalt our
existence.
59
Paulo Bruscky, vista de la exposicin Banco de Idias: Projetos interrompidos, em aberto, quase impossveis, todos a serem realizados, com exceo de um, feito para esta exposio, 2012.
PAULO BRUSCKY
Memoria y proyeccin
emory and projection
Is there any difference between a finished work of art and one

that is unfinished? In the case of Paulo Bruscky (Recife,
1949), we find the answer in the poesy he includes in each
piece, and that responds to the same imagistic and existential
setting. Partly, this explains the poesy of the margin that
defines the Post Fluxus and pioneer career of this artist in
both means and languages (visual poesy, art by mail,
interventions, performances, books by the artist, objects,
faxes, photocopies, videos, encephalograms and technological
machines converted into poetic objects). The exhibition
presenting his Banco de idias in the Tomie Ohtake Institute
of So Paulo exhibition including all types of impossible or
interrupted due to force majeure, open projects reveals his
miscellaneous notebooks (notes and sketches form the
seventies to the nineties) like nurseries of latent artistic
ideas, as part of a piece that is defined by its vocation of
project, of process, of a permanent horizon in progress. What
gravitates in this exhibition-archive, in this cosmovision or
worldview, is the dialogue between completed projects
(illustrated on the walls and on the floor) and those still in
thoughts (presented on study tables). They form a conceptual
inventory that links art, ideas and life. In fact, the coexistence
of some examples that take shape as either objects or as
records (photos/papers) and that articulate works and
documents (concept and memory) highlight the difficult
relationship between creation, production and distribution.
Nevertheless, as usual, in the critical recuperation of
this artist (like what occurs with conceptualists from other
latitudes not included in the mainstream), favours the
allusions acquired by memory. In this case, two facets can be
seen: the double play of evidencing a retrospective, historical
nature, and at the same time, the unfinished aspect, the
revelation of a prospective, in some way ignored, profuturistic side. This is also observed in the exhibition of the
next room, that houses the work entitled Way (Homenagem
a Ai Weiwei), of 2012. Beyond its reference, the installation
perturbing because it presents an equation of symbolic
elements in tension, exhibited with gravity, under sharply
baroque lights. This proposal forms part of the cemeterial
art that Bruscky displays as one of his trademarks. Finding
this in the Brazilian artistic iconography, with this
aesthetical baseness is very strange: white coffins of
children, crowns of flowers, empty medical showcase and
Hay alguna diferencia entre un trabajo acabado y otro inacabado? En el caso de Paulo Bruscky (Recife, 1949), la respuesta la encontramos en la potica que incorpora cada uno, y
que responde a un mismo marco imagtico y existencial.
En parte, esto lo explica la potica del margen que define la trayectoria de este artista postfluxus y pionero en
tantos medios y lenguajes (poesa visual, arte por correo,
intervenciones, performances, libros de artista, objetos,
faxes, fotocopias, vdeos, encefalogramas y mquinas tecnolgicas convertidas en objetos poticos). La muestra que
presenta su Banco de idias en el Instituto Tomie Ohtake
de So Paulo exposicin que incluye toda suerte de proyectos abiertos, imposibles o interrumpidos por causa mayor revela sus cuadernos miscelneos (anotaciones y esbozos de los aos setenta a los noventa) como viveros de
ideas artsticas latentes, como parte de una obra que se define por su vocacin de proyecto, de proceso, de permanente horizonte in progress. Lo que gravita en esta muestra-archivo, en esta cosmovisin, es el dilogo entre los
proyectos realizados (ilustrados en la pared y en el suelo) y
los pensados (presentados en mesas de consulta). Forman
un inventario conceptual que vincula arte, idea y vida. De
hecho, la convivencia de algunos ejemplos que toman
cuerpo ya sea como objetos o como registros (fotos/papeles) y que articulan obra y documento (concepto y memoria) ponen sobre la mesa la difcil relacin entre creacin,
produccin y distribucin.
Viene siendo habitual, sin embargo, en la recuperacin crtica de este artista (como ocurre con conceptualistas de otras latitudes no enmarcadas en el mainstream),
favorecer las alusiones memorsticas. En este caso, se observan dos facetas: el doble juego de evidenciar una naturaleza historicista, retrospectiva y, al mismo tiempo, el aspecto inacabado, la revelacin de un lado prospectivo de
algn modo ignoto, pro-futurista. Esto tambin se observa en la apuesta de la sala contigua, que alberga el trabajo titulado Way (Homenagem a Ai Weiwei), de 2012.
Ms all de su referencia, la instalacin es perturbadora
porque presenta una ecuacin de elementos simblicos en
tensin, expuestos con gravedad, bajo luces agudamente
barrocas. Esta propuesta forma parte del arte cementerial
que Bruscky luce como una de sus marcas registradas. Resulta extrao encontrarse en la iconografa artstica brasi-
61
PAULO BRUSCKY
lea con esta visceralidad esttica: atades blancos de nios, corona de flores, vitrina mdica vaca y lingotes dorados (oro simulado). El homenaje al perseguido artista chino y la situacin econmica emergente de su pas, la censura y la potente irona sobre la productividad econmica
y mdica envuelve las cosas expuestas en una aura de luto
paradjico. La especulacin con lo humano y con el arte se
deja sentir en esta instalacin-cripta que exhala silencio y
violencia, en un dilogo de luces y sombras que crea, en
todos los sentidos, un ambiente de tensin.
gold ingots (simulated gold). The homage to the persecuted

Chinese artist and the emerging economy situation of his
country, the censure and powerful irony about economic
and medical productivity includes the things shown in an
aura of paradoxical bereavement. The speculation with that
which is human and with art can be felt in this cryptinstallation that exhales silence and violence, in a dialogue
of light and shadows that create, in all senses, a atmosphere
of tension.
Paulo Bruscky, vista de la exposicin Banco de Idias: Projetos interrompidos, em aberto, quase impossveis, todos a serem realizados, com exceo de um, feito para esta exposio, 2012.
Paulo Bruscky, vista de la exposicin Banco de Idias: Projetos interrompidos, em aberto, quase
impossveis, todos a serem realizados, com exceo de um, feito para esta exposio, 2012.
63
PERFIL/PROFILE
Martin Creed
esde sencillas frases en letras de nen hasta performances a

gran escala, pasando por trabajos pictricos, escultricos, videogrficos e incluso musicales, conforman la obra del artista britnico
Martin Creed (Wakefield, 1968). En su repertorio han gozado de popularidad tanto sus textos de nen como sus intervenciones con
globos inflados que llenan grandes espacios transformndolos en
una zona de juegos monocromtica, a veces negra, a veces amarilla,
en otras ocasiones azul...
Otras intervenciones incluyen diseos geomtricos pintados
sobre muros, un suelo de mrmoles de colores, sencillos clavos alineados en una pared y tambin performances concebidas como piezas de emplazamiento especfico.
Como ejemplo de esto ltimo, puede citarse el famoso Work
No. 850 (2008), una performance interpretada por atletas que, cada
treinta segundos, durante cuatro meses, corran por las galeras de
escultura neoclsica de la Tate Gallery de Londres, desplazndose
velozmente de un extremo a otro.
El Museum of Contemporary Art Chicago ha acogido a lo largo
de este ao una exposicin del artista que se ha ido construyendo
sobre la marcha. El proyecto finalizar en diciembre y se constituye
de obras nuevas que Creed ha ido creando cada mes para ser expuestas tanto en los alrededores del museo como dentro del mismo, pero
siempre en zonas no destinadas a exposicin. Este original proyecto
se titula Martin Creed Plays Chicago.
Martin Creed, Work No. 1357, MOTHERS, 2012, intervencin.
In the work of the British artist Martin Creed (Wakefield, 1968) we

find from simple phrases in neon letters to large scale
performances, passing through pictorial and sculptural works,
videos and even musical events. His neon texts and his
interventions with balloons filling large spaces converting them
into monochromatic play areas black, yellow, blue... are equally
popular items from his repertoire.
Other interventions include geometric designs painted on
walls, a floor made by coloured marble, simple nails aligned in a
wall and also performances conceived as site specific pieces. This
latter includes, for instance, the famous Work No. 850 (2008), that
consists of athletes who every thirty seconds, during four months,
ran through the gallery of neoclassic sculptures in
the Tate Gallery of London, speedily going from one end to
the other.
The Museum of Contemporary Art Chicago has hosted
throughout this year an exhibition of the artist that has been in
continuous development. The project will finalise in December and
consists of new works that Creed has been creating every month to
be exhibited in both the surroundings of the museum as inside it,
but always in areas not designated for exhibits. This original project
is entitled Martin Creed Plays Chicago.
Martin Creed, Work No. 916, 2008,

instalacin. Foto: Nathan Keay.
Martin Creed, Work No. 1020, 2009, performance. Foto: Hugo Glendinning.
Martin Creed, Work No. 1190, Half the air in a given space, 2011, instalacin.
Foto: Nathan Keay. Cortesa Museum of Contemporary Art Chicago.
65
PERFIL/PROFILE
Hans van Bentem
n sus inicios inclinado a la pintura mural de gran formato,

Hans van Bentem (La Haya, 1965) pronto mostr inters por una diversidad de materiales relacionados con la historia de las artes decorativas y la artesana. Esto le ha llevado a viajar por el mundo para investigar las especialidades locales: en la Repblica Checa, el cristal; en
China, la porcelana y el bronce; en Senegal, la madera... Lleva ya ms
de veinte aos trabajando y aunque desde el principio ha estado influenciado por la cultura pop, ha sabido conjugarla delicadamente con
tcnicas histricas reservadas antao al lujo y la ostentacin.
As, Van Bentem crea exquisitas instalaciones que fluctan entre
la pulcra sencillez del diseo y el exacerbado barroquismo de las tendencias objetuales del arte contemporneo. En la ltima dcada ha
creado hermosas lmparas colgantes con formas tan imprevistas como
una sombrilla, un cohete o el smbolo pirata de la calavera con dos tibias cruzadas. Las siluetas son sintticas, pero los numerosos cristales
que las conforman y que multiplican la luz las dotan de una fastuosidad impresionante.
Junto a sus espectaculares lmparas, destacan en la produccin de
este artista los objetos y las instalaciones creados con porcelana o con loza, cuya iconografa de nuevo se inspira en los objetos populares o cotidianos, en los juguetes, etc. El Gemeentemuseum de La Haya dedica a
este creador la muestra Hans van Bentem. Keep on Dreaming (Hans van
Bentem. Continuar soando), que coloca sus sugerentes obras en un
marco idneo: las seis salas histricas del museo, en las que Van Bentem
despliega, hasta mediados de noviembre, otras tantas instalaciones.
Hans van Bentem, The Louis XVI Room, 2012, porcelana. Foto: Erik y Petra Hesmerg.
During his beginnings inclined to large scale mural paintings, Hans van
Bentem (The Hague, 1965) soon showed interest for a diversity of
materials related to the history of decorative arts and craftsmanship.
This has caused him to travel around the world investigating local
specialities: glass in the Czech Republic; porcelain and bronze in China;
wood in Senegal... He has been working for over twenty years and
although since the beginning he has been influenced by pop culture, he
has managed to delicately conjugate this with historical techniques
anciently limited to luxury and ostentation.
That way, Van Bentem creates exquisite installations that fluctuate
between the very clean simplicity of design and the exacerbated baroque
tendencies of the contemporary art objectuality. Over this last decade he
has created beautiful chandeliers with such unexpected shapes like a
parasol, a rocket or the pirate symbol of the skull and crossbones. The
silhouettes are synthetic, but the many bits of glass forming them and
that multiply the light create an impressive splendour.
Next to his spectacular lamps, the objects and installations created
with porcelain or with earthenware stand out in the production of this
artist. The iconography of these once again is inspired in popular or dayto-day objects, toys, etc. The Gemeentemuseum of the Hague devotes
the exhibition Hans Van Bentem, Keep on Dreaming to this artist, and
placed his suggestive works in an ideal framework: the six period rooms
of the museum, where Van Bentem exhibits, until mid-November, the
same amount of installations.
Hans van Bentem, Heaven, 2012, cristal, acero

y luz. Foto: Erik y Petra Hesmerg.
Hans van Bentem, The Japanese Room, 2012, porcelana. Fotos,

cortesa Gemeentemuseum Den Haag, La Haya.
67
LIBROS
Indiferencias fotogrficas y tica

de la imagen periodstica
Joan Fontcuberta
Espaol / 62 pginas
Barcelona
Gustavo Gili
2011
Mujeres de ojos rojos. Del arte

feminista al arte femenino
Susana Carro Fernndez
Espaol / 264 pginas
Gijn
Trea
2010
[...] La tcnica utilizada por Rosler para hablarnos sobre el cuerpo

de la mujer como lugar de dominacin ser, como ya mencionamos, la desmembracin, es decir,
representar el cuerpo femenino
como compuesto de partes. Este
procedimiento, utilizado en todos los fotomontajes de Body
Beautiful, or Beauty Knows no
Pain, es llevado hasta sus ltimas consecuencias cuando, sobre la reproduccin de un panel
de madera veteada, Rosler coloca
fragmentos de cuerpos de mujeres como si se tratara de las piezas de un puzzle (barbilla, rodilla, pechos, ojos, antebrazo, pelo,
etctera). Perverso juego, que el
arte viene practicando desde la
Antigedad: la mujer ms bella
ser aquella compuesta por las
partes ms bellas de las mujeres
ms bellas. La publicidad, lo mismo que el artista, lleva a cabo una
especie de ciruga [...] (Pg. 64)
La destruccin del patrimonio artstico espaol.

W. R. Hearst: El gran acaparador
Jos Miguel Merino de Cceres y
Mara Jos Martnez Ruiz
Espaol / 702 pginas
Madrid
Ctedra
2012
[...] En 1919, William Randolph Hearst comenzaba en su finca de San
Simen, de California, la construccin de su monumental complejo palaciego, un proyecto que llevaba bastantes aos pergeando, y en el que
era su intencin incorporar autnticas piezas arquitectnicas medievales. Sobre esta circunstancia y la coincidencia de la fechas de compra
del monasterio de Sacramenia con la secuencia de las obras en la Colina Encantada, se vino a formar una idea generalizada a nivel popular de
que el claustro segoviano estaba destinado a San Simen [...].
Dentro de este captulo presenta principal protagonismo Arthur Byne, quien durante ms de quince aos fue el principal agente
de compras de Hearst en Espaa. La relacin [...] (Pgs. 432 y 433)
68
Respecto a la fotografa de Javier

Bauluz corrieron ros de tinta por
cuestiones ticas pero escoradas
hacia aspectos de tipo retrico y
epistemolgico: la construccin
del sentido y los requisitos en los
que subyace la veracidad. Sin tanto impacto en la opinin pblica
como el que obtendra ms tarde
el affaire de Bernad, se podra decir que fue una polmica circunscrita a mbitos corporativos y
acadmicos. Arcadi Espada arremeta contra una emblemtica y
multipremiada instantnea de Javier Bauluz del cadver de un inmigrante ante la presencia de dos
estticos baistas, y arrastraba a
un hosco debate a medios informativos, estamentos periodsticos, cenculos universitarios y
bloggeros. No en vano el litigio
involucraba a dos destacados profesionales, veteranos en sus respectivas reas y con intensa dedicacin a la docencia y al activismo
cultural. Esa imagen constitua
para unos una flagrante manipulacin; para otros, una verdad superlativa [...] (Pgs. 11 y 12)
LIBROS
Historia crtica del arte del siglo XIX

Stephen F. Eisenman et al.
Espaol / 416 pginas
Madrid
Akal
2001
Atlas porttil de Amrica Latina.

Arte y fricciones errantes
Graciela Speranza
Espaol / 256 pginas
Barcelona
Anagrama
2012
[...] A primera vista, las miniaturas del mundo de Porter parecen

juguetes o simples adornos, pero
a menudo tienen una doble vida
y son tambin saleros, lmparas,
perfumeros, relojes, velas, alfileteros, cascanueces, platitos, porta-lpices, floreros o abrebotellas,
de preferencia de los aos cuarenta o cincuenta. Son figuras
humanas o animales, con una expresin particular en la mirada,
por la que parecen desconcertadas o absortas cuando se ecuentran con otras que no correspoden ni a su tiempo, ni a su cultura, ni a su especie, y con las que
sin embargo dialogan. Porter las
reuni a veces en conjuntos ms
o menos numerosos, como si se
tratara de elencos de su teatro
inanimado del mundo, que abandonan por un momento sus dilogos o monlogos privados, miran
al pblico y posan para la foto.
Por favor no se muevan! o simplemente No se muevan se llaman con irona [...] (Pg. 190)
Passion, Plants and Patronage. 300 Years of the Bute Family Landscapes
Kristina Taylor y Robert Peel
Ingls / 192 pginas
Londres
Artifice
2012
[...] En 1735, Linneo public su Systema Naturae en Leiden, en un intento de establecer un estndar para la catalogacin del mundo natural.
Cuando, antes de publicar su segundo volumen, consult a Collinson
acerca de los cientficos en activo en Inglaterra, el nombre de Bute encabez la lista como un maestro de su mtodo. En un primer momento,
Bute abraz el sistema de Linneo, aunque, al igual que otros, se mostraba crtico con sus deficiencias, sin llegar a la hostilidad. No le covenca
mucho el estado de la ciencia de la historia natural en Inglaterra cuando finalmente decidi mudarse a Londres en 1746, y se quejaba de que, a
pesar de que muchos plantaban rboles y arbustos exticos, nadie prestaba atencin a la botnica, especialidad a la que l se dedicaba.
En Londres, los Bute residan en la propia ciudad y en Caenwood,
una villa suburbana ubicada en Hampstead Hill, dominando amplias vistas en una propiedad compartida con los Argyll. Se relacionaban y pronto formaron parte del crculo de Federico, prncipe de Gales. [...] La
amistad entre Federico y Bute se bas en su amor por la arquitectura, los
jardines, el teatro y el coleccionismo de pintura. Como [...] (Pg. 17)
69
[...] De la existencia de un timbre retrico dominante en el arte

y la literatura franceses de mediados del siglo caben pocas dudas. Escritores tan distintos como Flaubert, Baudelaire y De
Tocqueville, y pintores tan distintos como Courbet, Millet, Octave Tassaert e Isidore Pils compartan una percepcin de la dislocacin social, de la alienacin
del pasado clsico, as como una
preocupacin o un entusiasmo
por la revolucin pendiente. En
sus cuadros y caricaturas, el realista Daumier, que en esta poca
viva en medio de la clase obrera
en el 9. Arrondissement de Pars, describi y represent la vida
y el ocio en las calles de la ciudad
contempornea, y las penalidades y alegras de los obreros. El
realista Millet, que en 1849 cambi Pars por la apacible aldea
rural de Barbizon, en Las espigadoras y en El sembrador
(1850), represent las virtudes
del trabajo agrcola y la nobleza
bblica de la pobreza rural. Ambos artistas [...] (Pg. 223)
LIBROS
Enciclopedia ertica del cmic

Luis Gasca y Romn Gubern
Espaol / 454 pginas
Madrid
Ctedra
2012
Lo que la pintura no es
Almudena Fernndez Faria
Espaol / 412 pginas
Pontevedra
Diputacin de Pontevedra
2010
[...] Siguiendo el legado del collage y de las pinturas Merz de

Schwitters, el artista norteamericano Robert Rauschenberg convierte el collage en el arte del assemblage. Desde que en 1955
Rauschenberg decide acabar con
el juego de aparicencias convirtiendo una cama real en un cuadro (Bed, 1955) sus obras fueron
la clara expresin de una conciencia expansiva. Las Combine paintings incorporaron objetos y fragmentos de realidad a la superficie
del lienzo, objetos y fragmentos
de realidad que, naturalmente, no
eran planos. Inicialmente, las
Combine paintings cuelgan de la
pared (Bed, 1955); progresivamente fueron superando la convencin de la bidimensionalidad
(Canyon, 1959), liberndose del
marco al romper sus lmites cuadrangulares (First Landing Jump,
1961), saliendo del muro, disponindose en el suelo y llegando a
la tridimensionalidad (Monogram, 1959).
Con las Combine paintings,
Rauschenberg conquistaba las
tres [...] (Pgs. 298 y 299)
Cine artstico
Paul Young y Paul Duncan (eds.)
Espaol / 192 pginas
Colonia
Taschen
2009
El cine estructuralista representa un perodo especfico en el tiempo

que se extiende entre finales de la dcada de 1960 y toda la de 1970 [...].
Bsicamente, el estructuralismo radica en el proceso de reducir
una pelcula a sus propiedades (estructuras) inherentes, lo cual a su vez
genera el contenido del filme. En este sentido pueden encontrarse trabajos estructuralistas ya a principios del siglo XX, cuando los futuristas
comenzaron a utilizar mltiples medios, incluido el cine, de un modo
absolutamente materialista y reductivo. El cortometraje no narrativo
Vita futurista (1916) de Arnaldo Ginna es poco ms que una discusin
entre un par de guantes de boxeo. Adems, Robert Breer, Maya Deren y,
en menor grado, los artistas de la Bauhaus (principalmente Lszl Moholy-Nagy) que trabajaban con el medio del cine se han calificado de
protoestructuralistas por las innovaciones rigurosas que realizaron con
la forma en las dcadas de 1940 y 1950.
[...] La mayora de los historiadores coinciden en que la vanguardia
austriaca de mediados de la dcada de 1950 acu teoras ms acordes
con lo que posteriormente se conocera como cine estructuralista. Peter
Kubelka, Kurt Kren, Ferry Radax, Ernst Schmidt Jr. [...] (Pg. 105)
70
[...] Todo eso est implcito en

este volumen, que compila un
extenso catlogo de formas de relacin sexual, cannicas u originales, tradicionales o innovadoras, prosaicas o extravangantes,
que han encontrado su reflejo en
los dibujos de las vietas de los
cmics a lo largo de su ms que
centenaria historia. Hay que tener
en cuenta que los cmics, basados
en el librrimo arte del dibujo, pudieron exponer situaciones inhabituales, barrocas o extravagantes
de las prcticas sexuales con mucha ms facilidad tcnica que la
fotografa o el cine. Es cierto que
los cmics estuvieron durante
muchos aos sometidos a tutelas
y censuras morales, ya que fueron considerados con frecuencia
un producto para la lectura infantil. Pero desde la desinhibicin ertica producida en las
convulsiones morales y sociales
acaecidas en los aos sesenta del
siglo XX , y manifestadas en la
franqueza ertica de la cultura
underground, adems de la
emergencia de las heronas llamadas fantaerticas del cmic
adulto francs, [...] (Pg. 12)
LIBROS
La obra maestra desconocida o

el fracaso del arte
Honor de Balzac
Espaol / 68 pginas
Madrid
Casimiro
2011
Art and Identity in Dark Age

Greece, 1100-700 B.C.E.
Susan Langdon
Ingls / 388 pginas
Cambridge
Cambridge University Press
2010
[...] Pues bien, intenta moldear

la mano de tu amante y colocarla
ante ti; te encontrars ante un
horrible cadver sin ningn parecido, y te vers forzado a recurrir
al cincel del hombre que, sin copirtela exactamente, representar su movimiento y su vida. Tenemos que captar el espritu, el
alma, la fisonoma de las cosas y
de los seres. Los efectos!, los
efectos! Pero si stos son los accidentes de la vida, y no la vida
misma! Una mano, ya que he
puesto este ejemplo, no se relaciona solamente con el cuerpo,
sino que expresa y contina un
pensamiento que es necesario
captar y plasmar. Ni el pintor, ni
el poeta, ni el escultor deben separar el efecto de la causa, que
estn irrefutablemente el uno en
la otra! [...] La belleza es severa y
difcil y no se deja alcanzar as como as; es preciso esperar su momento, espiarla, cortejarla con
insistencia y abrazarla estrechamente para obligarla a entregarse. La Forma es un Proteo mucho
menos [...] (Pgs. 30 y 31)
Una de las cosas ms sorprendentes acerca de los centauros es su

extraordinaria popularidad en el
arte del Geomtrico Tardo. Podan encontrarse en tica, Beocia, la Arglida, Laconia, Elis y
Creta. Para mediados del siglo VII
a. C., se conocan ya en las islas
Ccladas y en el oeste de Grecia.
Los centauros aparecan en la alfarera, las figuras de bronce y de
terracota, las diademas de oro, los
relieves de marfil o terracota, sobre las patas de trpodes y en la
glptica. Entre todas las esfinges,
grifos, fantasas equinas o leoninas
y otros monstruos que pululaban
en la regin egea desde la Edad de
Bronce hasta el siglo VII a. C., el
centauro posea un estatus nico.
Antes se crea que se trataba de la
nica criatura hbrida de origen
puramente griego, no oriental, pero descubrimientos recientes han
matizado esta idea. De los flexibles
acoplamientos de partes de animales inventados en Oriente Prximo
surgan a veces centauros accidentales. Ya desde el [...] (Pg. 95)
Reportajes
Joe Sacco
Espaol / 168 pginas
Madrid
Mondadori
2012
Este volumen recoge la mayor parte de las piezas cortas que a lo largo
de los aos he hecho para revistas, peridicos y libros antolgicos. [...]
Pero antes de que empecemos a disparar, tal vez deberamos escuchar los argumentos de los disidentes. Despus de todo, quiz sus objeciones tengan valor. Cmo responderamos, por ejemplo, cuando cuestionan la nocin de que los dibujos pueden aspirar a la verdad objetiva?
No es esto la verdad objetiva de lo que trata el periodismo? No son
los dibujos intrnsecamente subjetivos?
La respuesta a esta ltima pregunta es s. Siempre habr, al presentar el periodismo en forma de cmic, una tensin entre las cosas que
pueden verificarse, como una declaracin grabada, y las cosas que no
pueden verificarse, como un dibujo que pretrende presentar un suceso
en particular. Los dibujos son interpretaciones incluso cuando constituyen serviles representaciones de fotografas, generalmente entendidas
como captaciones literales de algo real. Pero en dibujo [...] (Pg. 2)
71
FLASHBACK
Pierre Auguste Renoir, En t La Bohmienne,

1868, leo sobre tela.
Georges de la Tour, La diseuse de bonne aventure, ca. 1630, leo sobre tela.
Los orgenes de la bohemia: 400 aos de historia

Las Galeries nationales du Grand Palais acogen en Pars, hasta mediados de enero, una
muestra que, bajo el ttulo Bohmes (Bohemias), examina el mito y la realidad de la llamada bohemia, y lo hace a travs de pinturas, fotografas, msica (la pera La Bohme
de Giacomo Puccini) y escritos literarios.
Unas 180 obras que abarcan cuatro centurias
componen esta propuesta.
La figura del bohemio apareci en el siglo XIX en un momento de trnsito entre el
Romanticismo y el realismo, coincidiendo con
la transformacin radical del papel social que
desempeaba el artista. Con el advenimiento
de la sociedad burguesa, el creador dej de gozar de la proteccin de los prncipes (laicos o
de la iglesia) y comenz a perfilarse la figura
del genio solitario e incomprendido, a veces
abocado a la pobreza precisamente por ser un
visionario, antena sensible a la realidad por
venir. Poetas como Charles Baudelaire, Arthur
Rimbaud y Paul Verlaine y pintores como

Gustave Courbet, Henri de Toulouse-Lautrec
y Pablo Picasso se convertiran en personajes
representativos de la bohemia parisina.
El bohemio es an el modelo de la vida
artstica azarosa, el prototipo del creador libre, excntrico y rebelde, dbil ante los placeres de la carne, pero genial en su inconformidad y destinado a una gloria futura. Hoy las
races de esta figura se buscan en la larga historia de la relacin de Europa con el pueblo
gitano, que en poca de los romanos se crea
originario de Egipto.
Los gitanos aparecieron en el oeste de
Europa en el siglo XV y pronto se convirtieron
en personajes de novelas (empezando por la
literatura de Cervantes) y en motivos apreciados por los artistas. Su origen misterioso, su
lengua desconocida, su particular organizacin social y sus habilidades quiromnticas
resultaban propicias a la leyenda. Su noma-
72
Edgar Degas, Dans un caf, tambin conocida como

Labsinthe, entre 1875 y 1876, leo sobre tela.
Foto: Herv Lewandowski/RMN.
dismo aliment la fantasa de una vida libre

de ataduras, sensual y precaria a la vez,
opuesta a la sedentaria sociedad tradicional.
As, el trmino bohemio se llegara a aplicar tanto a los gitanos como al estilo de vida
marginal de los artistas.
FLAS HB ACK
Quimera de Arezzo, ca. 400 a. C., bronce; Etruria. Foto: Antonio Quattrone.
La tersura del bronce, en la Royal Academy of Arts

Dividida en secciones que agrupan motivos
como la figura humana, los animales, los dioses y las cabezas y bustos, la muestra Bronze,
que acoge la Royal Academy of Arts de Londres hasta principios de diciembre, rene ms
de 150 piezas de Asia, frica y Europa.
El recorrido permite asistir a una evolucin tcnica que abarca 5.000 aos. Sobresalen las obras renacentistas de creadores como
Lorenzo Ghiberti, Donatello y Benvenuto Cellini. Ejemplos destacados posteriores a ese perodo dorado son los de artistas como Giambologna o Adriaen de Vries, o, ya en la modernidad, Auguste Rodin, Umberto Boccioni o Pablo Picasso. Jasper Johns y Louise Bourgeois
son algunos representantes de los movimientos contemporneos aqu incluidos. Entre las
piezas ms antiguas que pueden verse se halla
el famoso Carro del Sol perteneciente al Nationalmuseet de Copenhague, del siglo XIV a. C.,
as como el gran recipiente con forma de elefante de la dinasta Shang (China, 1200-1050
a. C.) procedente del Muse Guimet de Pars, o
la clebre Quimera de Arezzo (ca. 400 a. C.),
obra maestra del arte etrusco que atesora el
Museo Archeologico Nazionale de Florencia.
La larga historia del uso del bronce una
aleacin de cobre con estao, zinc y plomo se
debe tanto a su dureza y resistencia como a su
atractivo aspecto.
73
Adriaen de Vries, La fragua de Vulcano, 1611,

bronce. Foto: Walter Haberland.
FLASHBACK
Los monjes budistas Hanshan y Shide, siglos XVII-XVIII,

mbar; China, dinasta Qing.
El arte de la talla en China

Una de las artes ms antiguas de China es la
de la talla de piedras preciosas. Entre las piedras predilectas destaca, naturalmente, el jade; no obstante, los talladores chinos ensayaron su maestra tambin en la turquesa, la
malaquita, el lapislzuli, la calcedonia, el gata, el jaspe... Durante la dinasta Qing (16441911), este arte alcanz su apogeo y goz especialmente del patronazgo imperial.
Ahora el Metropolitan Museum of Art
de Nueva York dedica a este perodo de excepcional desarrollo de la talla en China la
muestra Colors of the Universe. Chinese
Hardstone Carvings (Los colores del universo. Tallas chinas en piedras duras), que puede visitarse hasta principios de enero. Las
piezas incluidas son ejemplos exquisitos que
muestran el abanico de motivos que animaban estas creaciones: paisajes, aves, dragones, caballos, elefantes, leones, grullas, cangrejos, diversos frutos (melones amargos,
manos de buda, calabazas, melocotones...),
flores y plantas variadas (especialmente el
bamb, el ciruelo y las hojas de loto), ideogramas y, por supuesto, budas, inmortales y
otros personajes mitolgicos.
Estas tallas del perodo Qing (pronunciado como shing) pueden dividirse en tres
grupos: los objetos para el aderezo personal
Lohan (arhat) sentado en una gruta, siglos XVIII-XIX, malaquita; China, dinasta Qing.
(anillos, brazaletes, pendientes...), los artculos

de uso diario (especialmente relacionados con
el quehacer de los eruditos: recipientes para
pinceles o para agua, sellos...) y los objetos para exposicin y puro deleite visual (los ms numerosos: miniaturas con todo tipo de motivos
decorativos y copias de piezas ms antiguas).
Su estilo puede clasificarse como arcaico o
clsico (con formas derivadas de recipientes
rituales antiguos), occidental (influenciado
por el arte mongol coetneo del norte de la India) y nuevo o moderno (en referencia a los
diseos creados durante la dinasta Qing).
74
Recipiente en forma de ave, siglos XVIII-XIX, cristal

de roca; China, dinasta Qing.
FLASHBACK
La Venecia de Canaletto
Hasta principios de febrero, el Muse Maillol
de Pars presenta la exposicin Canaletto
Venise (Canaletto en Venecia), que rene ms
de cincuenta pinturas del ms famoso vedutista del siglo XVIII, Giovanni Antonio Canal,
conocido como Canaletto (1697-1768).
Las vedute (vistas) son un subgnero cuyos primeros indicios aparecen ya en las pinturas devocionales venecianas del Renacimiento, pero no sera hasta las primeras dcadas del siglo XVIII que adquiriran carta de
naturaleza como motivo per se. Se considera
a Gaspare Vantivelli (Gaspar van Wittel, de
origen holands, 1652/1653-1736) como el
primer artista de relevancia que cultiv este
subgnero paisajstico, y a Luca Carlevarijs
(1663-1730) como el primer pintor vernculo
que se dedic a las vedute, precursor de Canaletto y Francesco Guardi.
Para finales de la dcada de 1720, Canaletto era considerado el vedutista por excelencia. Era un pintor meticuloso, que no poda
cubrir la enorme demanda de sus telas, codiciadas tanto por patronos locales como por
comitentes extranjeros. Hoy se sabe que algunas versiones de sus composiciones, normalmente en formatos mayores que los modelos
e invariablemente ejecutadas en un estilo ms
libre y apresurado, fueron realizadas por su
joven sobrino, Bernardo Bellotto (ca. 17211780), si bien en la poca fueron comercializadas como obra del propio Canaletto.
En las amplias vistas de Canaletto se an-
Antonio Canal, llamado Canaletto, Il molo dal bacino di San Marco, 1740-1745, leo sobre tela.
ticipan los panoramas del siglo XIX realizados

por los artistas europeos que viajaban a las
colonias y que deseaban plasmar la topografa
extica que se abra ante sus ojos. Pero en el
artista veneciano late el espritu dieciochesco,
con su mezcla de pulcritud y ligereza, evidente en el rigor perspectivo y la representacin
de los detalles en conjuncin con la esplndida luz, la atmsfera relajada y el espritu
anecdtico que otorga al conjunto su aspecto
de visin ideal, casi de feliz ensoacin.
Antonio Canal, llamado Canaletto, Lingresso al Canal Grande, dalla Piazzetta,

1730, leo sobre tela. Foto: John Bethell.
La muestra de Pars se complementa

con dibujos del artista, y muestra tambin el
famoso cuaderno de bocetos de hacia 1731
perteneciente al Gabinetto dei Disegni e
Stampe de las Gallerie dellAccademia de Venecia. Igualmente, se expone una copia realizada por artesanos venecianos de la cmara
lcida utilizada por Canaletto para trazar sus
bocetos, instrumento que permita transcribir con gran precisin el motivo que abarcaba
su campo visual.
Antonio Canal, llamado Canaletto, La Riva degli Schiavoni, col Palazzo Ducale,
1730, leo sobre tela. Foto: John Bethell.
75
FLASHBACK
Johann Christian Reinhart y el paisaje romano
Hieronymus Bosch, llamado El Bosco, Meditaciones de

san Juan Bautista, finales del siglo XV, leo sobre tabla.
El paisaje flamenco
Hasta mediados de enero se puede visitar la
muestra Fables du paysage flamand. Bosch,
Brueghel, Bles, Bril (Fbulas del paisaje flamenco. El Bosco, Brueghel, Bles, Bril), que
acoge el Palais des Beaux-Arts de Lille. La seleccin incluye un centenar de obras que sirven para examinar el carcter maravilloso,
fantstico, del paisaje en la pintura flamenca
del siglo XVI.
A principios de aquella centuria, coincidiendo con la aparicin del manierismo, el
paisaje empez a convertirse en un tema pictrico en s. En la muestra de Lille pueden
observarse ejemplos de obras en las que las
figuras o la historia quedan relegadas a un
segundo plano y en donde existe el deseo de
dar forma a lo invisible e inabarcable. De esta manera, los pintores flamencos plantearon una nueva visin del paisaje en la que
confluan lo real y lo fantstico, en la que la
naturaleza era algo ms que el simple marco
en el que tenan lugar los mitos y las historias sacras o profanas. En esas obras se entremezclarn la fe cristiana y las supersticiones populares y se dotar a los elementos naturales de diversos significados simblicos.
En El Bosco encontramos el ejemplo
fundamental de esta peculiar visin.
Johann Christian Reinhart (1761-1847) fue un

pintor alemn que se form en Leipzig y en
Dresde y que, antes de mudarse a Roma en
1789 donde vivira el resto de su vida, trabaj en la corte del duque Jorge I de SajoniaMeiningen. En Roma se convertira en una figura fundamental en la comunidad de artistas
alemanes que residan en la ciudad y su trabajo gozara de gran reconocimiento tambin en
su pas, algo que queda reflejado en su nombramiento en 1839 como pintor de la corte
del rey Luis I de Baviera.
Reinhart dedic su vida al paisaje. En sus
inicios, se inspir en la tradicin de la Arcadia,
pero pronto sus obras comenzaran a delatar
la influencia del movimiento Sturm und
Drang, cargndose de connotaciones emocionales. Austeros y en ocasiones azotados por
tormentas, se considera que sus paisajes de este perodo reflejan la convulsin suscitada en
Europa por la Revolucin Francesa. En aquellos aos, el pintor cre tambin representaciones fieles de la naturaleza, derivadas de la
cuidadosa observacin. Sigui creando esa forma de paisaje realista, durante sus primeros
diez aos en Roma, pero ms tarde se convertira en un precursor de lo que se llegara

a conocer como paisaje heroico, una forma
del gnero inspirada en paisajistas del siglo
XVII como Nicolas Poussin y Gaspard Dughet.
La Hamburger Kunsthalle dedica a este
artista una gran muestra titulada Johann
Christian Reinhart. Ein deutscher Landschaftsmaler in Rom (Johann Christian Reinhart. Un paisajista alemn en Roma), que podr visitarse en Hamburgo hasta finales de
enero prximo.
Johann Christian Reinhart, Paisaje de rocas con cazador,

1834, pluma, tiza y aguada sobre papel.
Johann Christian Reinhart, Grupo de rboles y vacas en el abrevadero, 1836, leo sobre tela.
76
FLASHBACK
Peter Lely, Boy as a Shepherd, ca. 1658-1660,

leo sobre tela.
El lirismo de Peter Lely

La Courtauld Gallery de Londres acoge hasta
mediados de enero una exposicin que examina por primera vez el grupo de pinturas
de gran formado producido en las dcadas de
1640 y 1650 por el artista holands Peter
Lely (1618-1680), el ms renombrado pintor
de su poca residente en Inglaterra, tras la
muerte de Anton van Dyck (1599-1641).
Aquellas dcadas de mediados del siglo XVII
estuvieron marcadas por los efectos del conflicto civil (1642-1649) que desembocara en
la decapitacin de Carlos I y colocara en el
poder a Oliver Cromwell. A pesar del caos
reinante, las obras de Lely retratan un sensual mundo de idlicos paisajes llenos de ninfas, msicos y pastores.
Bajo el ttulo Peter Lely: A Lyrical Vision (Peter Lely: una visin lrica), la muestra rene un importante grupo de pinturas
poco conocidas de este artista en torno a la
obra The Concert (El concierto, ca. 1650). Es
evidente en ellas el espritu narrativo cultivado por Lely, que se convertira en una destacada figura artstica de la Restauracin, como
principal pintor al servicio de Carlos II hijo
de Carlos I, monarca que restaur el poder
de los Estuardo en Inglaterra en 1660.
Hijo de un oficial holands, Peter Lely
Peter Lely, Nymphs by a Fountain, ca. 1654, leo sobre tela.
Peter Lely, The Concert, ca. 1650, leo sobre tela.
naci en Westfalia y se form en Haarlem.

Abandon los Pases Bajos en 1643 para instalarse en Londres, aunque para entonces la
corte haba abandonado la ciudad, que se hallaba sumida en la guerra civil. Pint para los
77
llamados condes puritanos y para el crculo

de la condesa de Dysart. Mantuvo relaciones
con la familia de Carlos I y, no obstante, trabaj tambin para Cromwell, quien le pidi que
le retratara con verrugas y todo.
FLASHBACK
Gabriel Metsu, Hombre escribiendo una carta,

ca. 1664/1666, leo sobre tabla.
Johannes Vermeer, Joven dama de pie junto a un virginal,

ca. 1670/1673, leo sobre tela.
Johannes Vermeer y el Siglo de Oro holands

Titulada Vermeer, il secolo doro dellarte
olandese (Vermeer, el Siglo de Oro del arte
holands), la exposicin que acoge hasta finales de enero las Scuderie del Quirinale de Roma es la primera gran muestra dedicada en
Italia a Johannes Vermeer (1632-1675), de
quien se conocen tan solo 37 cuadros de los
alrededor de 50 que pint en su vida.
Vermeer trabajaba por encargo y no pintaba ms de dos o tres cuadros al ao, lo justo,
al parecer, para mantener a su mujer y a sus
once hijos. Sin embargo, es considerado hoy
uno de los ms grandes pintores de la historia,
creador de obras emblemticas que han inspirado a otros artistas e incluso a escritores y cineastas.
La muestra de Roma rene ocho obras
del pintor junto a una cincuentena de pinturas de artistas coetneos que ofrecen un pano-
rama del perodo dorado del arte holands. En

todas las piezas se evidencia la maestra de estos creadores a la hora de representar la incidencia de la luz sobre superficies diversas siguiendo distintas tcnicas.
Al parecer, Vermeer estaba dotado de una
potente memoria visual y pintaba sus cuadros
en un tico desnudo, plasmando, no obstante,
en sus telas interiores llenos de objetos quiz
prestados o imaginados, pues muchos no figuran en el inventario de sus pertenencias. Se
mantuvo informado sobre la produccin de
sus contemporneos y comparte con algunos
rasgos especficos que en su obra alcanzan la
maestra: la intensidad del carcter ntimo de
los interiores, la construccin del espacio en
estrecha relacin con la ambientacin lumnica, el inters por observar y representar mujeres jvenes...
78
Pieter de Hooch, La visita, ca. 1657, leo sobre tabla.
FLASHBACK
La evolucin de Francesco Guardi

Francesco Guardi (1712-1793), considerado
actualmente uno de los grandes vedutisti de
la venecia del siglo XVIII, se form en el modesto taller familiar dirigido por su padre, en
el que trabajaban tambin sus hermanos Antonio y Nicol. Ninguno de ellos alcanz
mucho prestigio y el propio Francesco cay
en el olvido tras su muerte. No ser hasta
mediados del siglo XIX que se recupere su figura y se la confronte al vedutista por excelencia, Canaletto.
Con ocasin del tercer centenario del
nacimiento del artista, el Museo Correr de
Venecia le dedica, hasta principios de enero,
la muestra Francesco Guardi, 1712-1793,
que presenta 121 obras, entre pinturas y dibujos. El recorrido comienza con aquellas
creaciones de su etapa juvenil en las que el
motivo principal son las figuras. Inspiradas
en las escenas de gnero, estas pinturas con-
Francesco Guardi (1712-1793), Il molo e la riva degli

Schiavoni dal bacino di San Marco, leo sobre tela.
Francesco Guardi (1712-1793), La Piazza San Marco verso la Basilica, leo sbre tela.
forman cuadros de la vida contempornea

que sirven de magnfico testimonio del ambiente social de la Venecia dieciochesca.
Guardi pint tambin a lo largo de su
trayectoria, aunque de forma discontinua,
numerosas obras de temtica religiosa. No
fue hasta despus de cumplidos los cuarenta
aos cuando comenz a producir sus primeras vedute, quiz en torno a 1755, y probablemente impulsado por el deseo de llenar el vaco dejado por Canaletto (1697-1768), que se
haba trasladado en 1746 a Inglaterra, donde
permanecera nueve aos.
Las primeras vistas de Guardi delatan un
estilo an inmaduro, muy basado en las composiciones de Canaletto y de Michele Marieschi (1710-1743), de tcnica controlada, que
Francesco Guardi (1712-1793), La Porta dellArsenale, leo sobre tela.
todava se hallaba lejos del sinttico y centelleante estilo por el que es clebre hoy. Ese
perodo experimental abarca poco ms de una
dcada y culmina con obras en las que emerge ya el brillante colorido de su paleta singular, expresado en un vibrante impasto.
En la muestra del Museo Correr se dedica una seccin a los paisajes y caprichos, temas en los que se revela la originalidad de
Guardi. Otro apartado muestra su faceta como cronista de la sociedad veneciana, reuniendo sus representaciones de fiestas y ceremonias de la ciudad. Finalmente, se examina
su obra de madurez, cuando su estilo se hace
ms libre y alusivo, las proporciones y la perspectiva se hacen elsticas y las figuras son
representadas con nerviosas manchas.
Francesco Guardi (1712-1793), Il Ridotto di palazzo Dandolo a San Mois, leo sobre tela.
79
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Carme Nogueira
Castillete. Retablo minero
(El paisaje en desplazamiento I)
La Metodologa del Proyecto:
www.musac.es
Exposicin de proyectos dirigidos por

Antoni Muntadas con la colaboracin
de Alfredo Puente.
Beln Cerezo, Carlos Criado, Oier
Etxeberria, Miquel Garca Membrado,
Olalla Gomez Jimnez, Miriam Isasi,
Lus Meln, Marcos Miguelez, Ana
Moya, Juan Pablo Orduez, Alejandro
Snchez Garrido
Para ms informacin suscrbete

a nuestro boletn a travs de
musac@musac.es
MUSAC, Avda Reyes Leoneses, 24.
24008, Len.
Ciclo expositivo La forma y el quererdecir

-------------------------------------23/06/2012 - 06/01/2013
Proyecto Vitrinas
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Erreakzioa - Reaccin
Imgenes de un proyecto entre
el arte y el feminismo
-------------------------------------23/06/2012 - 06/01/2013
Foto: Fina Miralles.

Petjades, accin realizada en Sabadell en enero de 1976, 1976.
Cortesa Ajuntament de Sabadell, Museu dArt de Sabadell.
LAPIZ 275
Revista
Internacional
de Arte
A
I
P
SPANISH / ENGLISH
Ao XXXI.
Nm. 275. Espaa
Precio: 9,80
275
Esto no es una
exposicin de arte,
tampoco
Comisario: David G. Torres
28.09.12 > 27.01.13
Un recorrido por la 30 Bienal de So Paulo

A visit to the 30th Biennial of So Paulo
Las formas orgnicas

de la microarquitectura
de los Bouroullec
Organic forms
of microarchitecture
by the Bouroullec brothers
La originalidad de los hermanos Quay

The originality of the Quay brothers
Centre dArt Contemporani

C/ Sant Adri, 20.
Barcelona
Lieja celebra el nuevo diseo

Liege celebrates the new design

Lapiz 275

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L

Un recorrido por la 30 Bienal de So Paulo

Las formas orgnicas

La originalidad de los hermanos Quay

Centre dArt Contemporani

Lieja celebra el nuevo diseo

Esta publicacin es miembro de la Asociacin de Revistas Culturales de Espaa (ARCE),

bout benefactors and thieves

Homenaje a Velzquez. 1958. Jorge OTEIZA. Proyecto Tirar del hilo

Comisario: Enrique Martnez Goikoetxea

Comisario: Daniel Castillejo

Praxis. Beatriz Olabarrieta

Miki Kratsman, Targeted Killing (4), 2010, digital print

TAL CUAL. EN TORNO

24.10.2012 > 13.01.2013

Feria Internacional de Arte Contemporneo

DR. FOURQUET 12, 28012 MADRID.

CENTRO DE ARTES VISUALES FUNDACIN HELGA DE ALVEAR

12-21 TRAVELLING:OK 02/11/2012 15:05 Pgina 12

berga hasta finales de enero la

OBRA SOBRE PAPEL

La mirada vehemente de Egon Schiele

Gustave Caillebotte, Raboteurs de parquet, 1875, leo sobre tela.

fa mdica que documentaba la

Egon Schiele, Autorretrato con chaleco

12-21 TRAVELLING:OK 02/11/2012 15:05 Pgina 13

Tres exposiciones repasan la coleccin del ARTIUM

aborda lo relativo al ser humano

Pilar Albarracn, She-Wolf, 2006, vdeo.

Fernando Snchez Castillo, Perspectiva ciudadana, de la serie Notas para la educacin

Antonio Saura, Portrait imaginaire de Goya n 1, 1966-1967, leo sobre tela.

Jorge Oteiza, Homenaje a Velzquez, 1958, hierro y piedra.

12-21 TRAVELLING:OK 02/11/2012 15:05 Pgina 14

La originalidad de Stefan Wewerka

jetos cotidianos que tambin puede hallarse en sus instalaciones y

Gauguin y el viaje a lo extico

su etapa en la Bretaa francesa.

Emil Nolde, Selva tropical, 1914, leo sobre tela.

12-21 TRAVELLING:OK 02/11/2012 15:05 Pgina 15

Alina Szapocznikow, Stle, 1968, resina

ginalidad y potencia de su produccin. La muestra podr visitarse hasta finales de enero y se

Szapocznikow naci en Kalisz, Polonia, en 1926, en el seno

12-21 TRAVELLING:OK 02/11/2012 15:05 Pgina 16

La seduccin de la visin contempornea, en la

produccin de mediados del siglo

Ori Gersht, Blow-Up, Untitled 5, 2007, fotografa.

ticas del medio fotogrfico.

Maisie Maud Broadhead, Keep Them Sweet, 2010, fotografa.

hecho enfrentando obras pictricas de sus fondos a fotografas

Luc Delahaye, 132nd Ordinary Meeting of the Conference, 2004, fotografa.

12-21 TRAVELLING:OK 02/11/2012 15:05 Pgina 17

La potencia del plano en la escultura de Palazuelo

siones la lnea y el plano seran

El lado oscuro del espritu romntico

croix, Franz von Stuck y Max

Pablo Palazuelo, Albula, 1990, acero corten oxidado.

Pablo Palazuelo, Paisaje III, 1996, chapa de aluminio.

12-21 TRAVELLING:OK 02/11/2012 15:05 Pgina 18

Proyectos para un mundo mejor

Ishiuchi Miyako, 1906 to the Skin, #38, 1991-1993, gelatina de plata.

Formas fsicas de la protesta

Las obras presentadas remiten a asuntos como el feminismo y la transitoriedad de la

John Coplans, Self Portrait (Hands),