Como primicia en la ya tradicional muestra

anual de miniaturas, que inició

en Centroamérica y que
viene llevándose a cabo desde hace ya
treinta y dos años, el 5 de diciembre
inaugura su proverbial exhibición con la
participación de 26 obras de artistas ticos,
miembros del grupo entrenARTE, dirigido
por la curadora guatemalteca Marcela
Valdeavellano, además de contar como
siempre, con las nuevas miniaturas del
más representativo conjunto de artistas
visuales de Guatemala.
 , participa con sus mínimas
esculturas en alambres y piedra.
Ariane es ganadora de la IV Bienal Internacional de Arte
Textil y del premio Jain Marunouchi Art Gallery de New York,
así como también fue seleccionada, representando a Costa
Rica, en la Bienal Siart Bolivia 2009.
Ariane Garnier

Ha sido invitada dos años consecutivos a SOFA New York y

Chicago; en España, en 2008 fue invitada al VII Simposio de
Arte Público de Fuerteventura, en 2007 a realizar Arte en
Equipo en el Campus de Tafira de la Universidad de Las
Palmas de Gran Canaria y en 2006 fue seleccionada para el
Encuentro de Arte en Genalguacil, Málaga.
Es la primera artista que desarrolla propuestas de arte
relacional en Costa Rica: Bosque de las Mujeres, Arte en
equipo y Toda la Pelota, en el I Ciclo de Arte Público y
Participativo de los Museos del Banco Central, en San José.
 Con Garnier
busca representar la maraña de
pensamientos y juicios que no
nos permiten tomar contacto
con nuestro ser interior, esa
piedra mágica de toque que
guardamos en el silencio de
nosotros mismos.

10 x 10 cm. 5 cm. de diámentro.

 se enfoca en la ,
la perpetua presencia de lo ancestral y autóctono
en medio del supuesto glamour de las islas de “gran
clase” que se encuentran desparramadas en
pequeñas y exclusivas áreas del Istmo, alienadas y
Anabelle Núñez

extrañas de sus propios valores intrínsecos.

Su experiencia personal como artista internacional,
pues ha exhibido siempre fuera de Costa Rica,
(estudios en el Conservatorio de París, representada
por galerías de arte parisinas y madrileñas y su
reciente exposición en Shanghai, así como su
selección para la Bienal SIART Bolivia 2009) le han
hecho volver la cara hacia la sombra del
pensamiento eurocentrista, a esa área negada en
los países latinoamericanos por la constitución de
los Estados nacionales en el siglo XIX:
lo indígena.
 En el lenguaje
pictórico de Núñez, emparentado con
el pop art, es el contexto idóneo para
representar los valores occidentales
que nos rigen. Se figura a sí misma de
espaldas y ajena, representando a
todas las pequeñas burguesías de
América Latina, ignorantes de la
realidad ancestral que lo queramos o
no, siempre está presente en nuestros
países y que ella simboliza con
indígenas guatemaltecas, una nos mira
desde el fondo del lienzo, como en la
vida, fijamente y desde la fuerza
atávica de su circunstancia, único
sujeto real en un mundo de apariencias
y fantasías.
América Profunda, acrílico sobre lienzo
en tabla, 12.7 x 17.8 cm c/u.
 es una pisco/ceramista. Esto quiere
decir que la cerámica es un medio para
exponer el concepto de codependencia, siendo
que ella misma se siente juez y parte.
parte de la premisa de que quien
depende, ya sea como individuo o como país,
Alicia Coto

ignora sus raíces.

Gana la I Bienal de Cerámica de Costa Rica y es
invitada a China para estudiar cerámica.
Su interés por las identidades fragmentadas de
nuestros países la lleva a investigar técnicas y
diseños precolombinos que actualiza.
En la XXXIII edición de miniaturas de El Túnel,
exhibe dos pequeñas “ ”,
simbiosis de género y de forma.
 En su
el lenguaje de Alicia Coto hace una
simbiosis de forma y fondo.
Su estrategia hermafrodita se refiere a
las figurillas precolombinas de la
pareja, las antiguas piezas eróticas que
se esconden en el fondo de los acopios
de los museos, como en el de la moral
pequeño burguesa de los países
centroamericanos.
Piezas rítmicas y satíricas, se solazan en
su herencia precolombina y en la
irreverencia.
17,5 x 17 x 8 cm c/u. Cerámica de baja
temperatura
.
“La codependencia
nunca será una cosa
pequeña ni de límites
precisos, pero según sea
la necesidad, será
posible retratarla en un
espacio finito…”
 es una de las primeras acuarelistas
conceptuales de su país y se presenta en esta muestra
en Guatemala, con dos
Sorprendida por la diversidad de miradas que la habitan
en medio de la exquisitez de la acuarela, se descubre
Ana Laura Vargas

conceptual y formidable cuestionadora de la visión de

“la caja”: la de la autocomplacencia, la negación y la
repetición de fórmulas aprendidas, mostrándose
fascinada con las posibilidades cuánticas del mundo.
Sus acuarelas son representaciones de lo mínimo, los
micro paisajes en los maderos llevados por el oleaje, o
la menuda geografía de las arenas humedecidas y
oradadas por los cangrejos.
Presentó recientemente en los Museos del Banco
Central “Urbanografías”, un acercamiento colectivo a la
rutina y sus desplazamientos.
Paisaje de mar Mi
Migeografía
geografía
azul y blanco, tierra

Ana Laura Vargas, acuarela,

15 x 20 cm.
Ana Laura Vargas, acuarela,
15 x 20 cm.
 es una artista colombiana/mexicana,
que explora los patrones en las pieles de los reptiles,
animales ancestrales que aún habitan las orillas de los
espejos de agua del continente y nos recuerdan el
animismo ancestral de los primeros habitantes de estas
Andrea Granados

tierras.
Granados los elige y se apropia de sus diseños para
hibridar sus representaciones con resinas sintéticas y
pigmentos, bañadas con acrílicos que descienden y se
deslizan como nuestra memoria arquetípica.
Su obra ha sido el resultado del constante camino que
he recorrido, experimentando con diversos materiales,
texturas y técnicas.
En El Túnel presenta , el cocodrilo de los
mexicas, sagrado y eterno.
resinas
sintéticas y
pigmentos
sobre madera
conglomerada
15 x 20 cm.
“Me apasiona saber que algo despreciable
para muchas personas puede ser tan bello en
su propia esencia y despertar un sentimiento
completamente diferente al que normalmente
generan los reptiles.
Casi nadie se atreve a tocar, sentir
y ver detalladamente un reptil, pero
con esta obra busco acercar al público los
patrones de diseño de su piel, al antiquísimo
código de su estructura vital, recreándolo con
técnicas y materiales posmodernos.“
 , resinas sintéticas y pigmentos sobre madera conglomerada
15 x 20 cm.
 es una artista textil que confiere al
textil doméstico valores de transgresión, al denunciar a
Alejandra Gutiérrez
través de él las preocupaciones colectivas: la agricultura
transgénica, el cáncer, los crímenes de género.
Es seleccionada junto a Ariane Garnier y Anabelle
Núñez en la Bienal SIART de Bolivia, en 2009 y gana el
premio de adquisición de la Helmspark Galerie de
Hamburgo este año.
Se hace presente en las MINIATURAS con dos piezas :
, referentes a los crímenes de género que
fueron perpetrados en Alajuelita en 1986, como un
llamado de atención a los que continúan en toda
Centroamérica contra las mujeres.
 Un Domingo de Ramos de 1986, en el cerro
mayor al sur de lo que fué, esa calma zona
rural de San José, Alajuelita, una no, seis
mujeres de 9,11,12, 13, 16 y 41 años de edad,
fueron asesinadas y violadas despiadadamente
por un ¨ajuste de cuentas¨.
La calma y monótona vida del país de la paz,
del país sin ejército, y entonces aún sin
narcotráfico, cambió radicalmente, y esas siete
mujeres trastocaron la sombra plácida de la
cruz de Alajuelita por la sombra del miedo que
cada vez cubre con más oscuridad al país.
Porque la violencia intrafamiliar continúa,
porque aún hay muchos asesinatos de mujeres
que quedan impunes y por eso elijo el tejido
doméstico, el mismo que estas mujeres utilizan
en su cotidiano, para denunciarlo y rendilrles
tributo a la vez.

siete mujeres I y II, arte textil

15 x 15 cms . y 16 x 15 cms.
 es una artista conceptual que participa con dos
miniaturas al acrílico, basadas en antiguas fotografías de
familia, temática alrededor de la cual desarrolla su propuesta
de arte público , en la que identifica los decretos de
cuatro generaciones que nos hacen ser quienes somos hoy.
Amrhein desmenuza los signos de la palabra, semiótica de las
creencias familiares, grupales y de nación.
Helen Amrhein

Su obra se gesta en el ámbito conceptual y amplía su campo de

acción mediante la contextualización del mismo: trabajar con el
cotidiano y sus significados colectivos.
En las dos miniaturas en acrílico sobre lienzo que presenta en El
Túnel, ella evoca los decretos de su propia familia, basándose
en una foto de su bisabuela, contrastados con los de la abuela
de una inmigrante nicaragüense, una provocación para
determinar cuánta diferencia o similitud hay, más allá de la
época, la educación, el ambiente sociocultural y económico de
las representadas.
 La percepción de la realidad la definimos
por ideas que verbalizadas, se convierten
en legados definitorios de la ética de un
grupo humano. Los conceptos éticos surgen
tres generaciones atrás, son los mandatos
de los bisabuelos que definen las verdades
de la vida, convirtiéndose en oráculos para
la siguiente generación.
El lenguaje formal de cada miniatura, una
versión expresionista de cada fotografía en
la que me baso, mi bisabuela y la abuela de
una nicaragüense, se equiparan, tal como
se equiparan nuestras verbalizaciones
éticas traducidas en diktats, que auguran
cómo y de qué manera viviremos nuestras
vidas, exactamente como en el arte, que no
es sino un resultado de nuestras heredadas
ideas del mundo.
heredARTE I y II, acrílico sobre tela
15 x 18 cms .
 es una artista del grabado que se ha ido
decantando por el arte conceptual naturalmente. Su
historial de trabajo es dilatado , desde la Casa della
Stampa en Roma, trabajando grabado en Suiza,
haciendo papel a mano con un sentido conceptual en su
país y recogiendo alas de la polilla migrante, Urania
Ileana Moya

Fulgens o sacando el molde de animales endógenos

aplastados en las carreteras por el turismo.
Fue una de las cuatro participantes en el I Ciclo de Arte
Público en los Museos del Banco Central y seleccionada
en Bienarte 2009 con su trabajo sobre el Album de
Figueroa: arte público y sociológico.
En la XXXIII edición de las miniaturas, participa con dos
grabados al azúcar, sobre su tema favorito, la migrante
Urania Fulgens.
Mediados de junio. Primera señal: vuela una
Urania Fulgens, colipato verde… recuerdos de
infancia cuando pasaban volando sobre mi cabeza
con sus largas colas y brillantes colores verdes
metálicos en fondo negro. A los pocos días el cielo
se cubre de manchas verdes iridiscentes, son estas
polillas diurnas, miles de hembras que vuelan día y
noche cargadas de huevecillos buscando la
Omphalea, planta hospedera, que aún no haya
producido sustancias tóxicas para defenderse de la
invasión de las Uranias.
Las hembras son las que migran. Por eso las
relaciono con la migración de artistas mujeres
para realizar su sueño de libertad ante la
“toxicidad” y limitaciones del ambiente de aldea
que primaba en los inicios del siglo XX hasta los
años 70 en mi país, a ellas dedico los grabados:
Eunice Odio, Yolanda Oreamuno y muchas otras,
que salieron de Costa Rica en busca de un espacio
menos provinciano.
 es una artista abstracta que utiliza el
reciclaje de botellas plásticas y pigmento, para crear
altos relieves de carácter orgánico, representaciones
volumétricas con apariencias de anémonas o corales,
pero cuyo significado ella remonta a las memorias o
emociones que transformamos, para bien o para mal.
Es una artista contextual dedicada también al arte
Iris Clausen

público y ha trabajado en “englobarte”, la penúltima

actividad del grupo entrenarte, en la Plaza de la Cultura
de San José.
Su obra se enfoca en la responsabilidad por el medio
ambiente, lo que recrea en metáforas sobre nosotros
mismos y sobre nuestras percepciones.
 ”La transformación de los desechos la
relaciono con la transformación que
sufrimos al adentrarnos en nosotros
mismos.

Al derretir plástico éste toma un aspecto

blando, flexible y maleable al igual que el
ser humano cuando se atreve a hurgar en
lo que no le gusta de los demás y
encuentra que ese malestar obedece a
que teme reconocerse a sí mismo en los
otros. Mientras cuando está en su
posición de juicio, de ser dueño de la
verdad, como los envases plásticos, es
rígido y contaminante.”

Trashumantes I y II, mixta, 15 x 20 cm.

 es una multifacética artista uruguaya que
se ha inclinado por la fotografía .
Las raíces, las historias de individuos anónimos y su
replanteamiento, contándolas de nuevo visualmente y
en colaboración con las personas que invita a trabajar
con ella, son su actual proyecto.
Marysa Negri

Recientemente ideó “englobarte”, una propuesta de

arte público que desarrolló conjuntamente a los artistas
de entrenarte, en la que de nuevo, deseaba que el
público común y corriente, la gente del pueblo que
transita por la Plaza de la Cultura, opinara acerca de ser
centroamericanos.
En El Túnel presenta dos montajes fotográficos,
intitulados , referidos a la empleada
doméstica nicaragüense que llegada de la Misquitia a
Costa Rica, colabora con ella en los proyectos de arte
interétnicos e interculturales.
 “Considero como válido el
arte comprometido,
generador de nuevas
experiencias, detonador de
nuevos significados,
provocador, constructor de
conocimiento y
reconocimiento de “los otros”,
los “extraños”, los que no
forman parte exactamente,
del mundo del arte, sino de la
vida.”

Zamba I y II, fotografía sobre papel

, 15 x 20 cm.
 el primer VJ que presentó en Costa Rica
arte multimedia en 1996, ha trabajado varios años en
Inglaterra y expuesto en muchos otros países.
Él propone el reconocimiento de los retos que
enfrentan las colectividades locales en la actualidad,
como el cambio de valores y la violencia indiscriminada.
Mario Peraza

Fotógrafo, músico, artista en video y pintor, es un

artista multifacético que en El Túnel presenta sus
fotomontajes de 2007 sobre madera,
, una exploración caleidoscópica a las repeticiones
conductuales y una metáfora de las estructuras
moleculares.
“Los ciclos se repiten en la creación y cada uno
es un universo completo dentro de otro
universo. “Principio y Fin” la expresión
cósmica sobre el orden micro y macrocósmico
de las cosas como la conformación de un
átomo o la distribución del sistema solar y sus
planetas.
La propuesta gráfica que presento es la
integración de cada hombre, entrelazado con
él mismo, y lo intitulo “Multidimensional”, un
homenaje a M.C. Escher.
Todo esta integrado. Nuestras decisiones
tienen un efecto sobre uno mismo y los
demás, antes o después, no podemos escapar
a la ley de la causa y el efecto.

Multidimensional I y II
Fotomontaje
18 x 18cm.
 no es costarricense, es
guatemalteca pero vive en Costa Rica desde hace siete
Marcela Valdeavellano
años desarrollando proyectos sinérgicos arte/turismo e
impartiendo el Curso de Especialización de la Carrera
Artística, vinculado al área de innovación del MIT de la
Universidad de Las Palmas de Gran Canaria, donde es
profesora en ese tema.
Desde hace dos años se ha dedicado exclusivamente al
trabajo de curaduría y entrenamiento para artistas y
comunidades, fundando junto a Ariane Garnier el
proyecto entrenarte, de arte público y participativo.
Participa en la exposición de El Túnel con dos pequeños
dibujos a tinta, , el hábito que solían
utilizar los condenados por la Inquisición en su paseo
público, previamente a su castigo.
Sambenito I y II, tinta sobre papel.
12 x 17cm.

El en la
Inquisición era la vestimenta
que lucía el acusado de pecar
contra las leyes de la iglesia.
Actualmente, el Sambenito es
laico y continúa vigente en el
juicio, la categorización y la
exclusión que cualquiera que
“se salga del canasto” recibe
aún hoy en día de nuestra
parte. Todos llevamos puesto
el diariamente y lo
paseamos a la vista de
nuestros acusadores.