Apuntesfotografía 1

Curso de fotografía Prof.
Gustavo Porras
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Curso de fotografía Prof. Gustavo Porras
4º de ESO Alternativa
CURSO DE FOTOGRAFÍA
PRIMERA PARTE: INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA
1. La fotografía como lenguaje. La luz como materia prima.

2. Algo de historia… El nacimiento de la fotografía
3. Técnica fotográfica: la cámara elemental. Conceptos básicos.
3.1. Tipos de objetivos
3.2. Introducción a la exposición: el diafragma y el obturador
3.2.1. El diafragma: la apertura del diafragma y la profundidad de campo.
3.2.2. El obturador: la velocidad y el movimiento en la fotografía.
4. La composición
4.1. Encuadre
4.2. Enmarcado
4.3. Perspectiva, ángulo de la toma y distancia al sujeto
4.4. Disposición de los elementos en el encuadre
4.4.1. La regla de los tercios
4.4.2. Proporción áurea
4.4.3. El espacio vacío
4.4.4. El equilibrio
4.5. Las líneas
4.5.1. Diagonales
4.5.2. Curvas en S
4.5.3. La dirección
4.6. Ritmo, color, textura…
5. Breves nociones de revelado y positivado en blanco y negro.
SEGUNDA PARTE: DE LA FOTOGRAFÍA CLÁSICA A LA FOTOGRAFÍA DIGITAL
6. Fotografía clásica vs. Fotografía digital: estado actual y tendencias. Mitos y realidades
de la fotografía digital.
7. Fundamentos de la fotografía digital: paralelismo entre película y archivo de imagen.
Formatos de imagen.
8. El sensor, los megapíxeles y el ruido. Las tarjetas de memoria.
9. Gestión del color: la rueda de color, modelos de color, espacios de color y perfiles de
color.
10. La exposición en digital.
11. Retoque digital con Photoshop CS3 (ajustes básicos, trabajo por capas, aplicación de
filtros, etc.)
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1. La fotografía como lenguaje. La luz como materia prima.
“La fotografía es una manera de vivir. Es poner la cabeza, el ojo y el corazón sobre un
mismo eje visual”
"[…] en mi opinión, hay un punto de partida para el dibujo y la fotografía: el acto de

mirar, pero a partir de ahí se separan. El dibujo es una elaboración de la realidad,
mientras que la fotografía es un momento supremo captado en un solo plano"
"A fin de cuentas, la foto en si misma no me interesa en absoluto. Lo único que quiero
es retener la realidad una fracción de segundo"
Henri Cartier-Bresson
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¿Podemos considerar la fotografía como un lenguaje?

Desde mi punto de vista, indudablemente si. La
fotografía tiene léxico, tiene algo parecido a la
ortografía.
Cuando expresa puede hacerlo con una “redacción”
corta y concisa o con frases floreadas como un cuento
árabe.
La diferencia quizás estriba en que normalmente un
texto tiene un solo orden de lectura, la foto sin
embargo se puede “leer” empezando por diferentes
sitios, el fotógrafo eso lo sabe y lo utiliza para jugar
con el ánimo del observador.
La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su

integración al arte fue un proceso muy discutido que
comenzó con los fotógrafos retratistas. El retrato
fotográfico tuvo gran acogida como reemplazo del
retrato pintado ya que éste era mucho más barato. Como el retrato fotográfico
remplazaba al retrato pintado, gran cantidad de pintores decidieron convertirse en
fotógrafos retratistas para sobrevivir. Este fue el caso de Félix Tournachon, Gustave Le
Gray y el segundo de los hermanos Bisson. Éste fue el primer ingreso de la fotografía al
medio artístico. Además estos pintores fueron algunos de los que lucharon porque la
fotografía sea considerada un arte. En cuanto fue posible hacer de la cámara un
dispositivo móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador
mediante la posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la
subjetividad del fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje
artístico.
A mediados del siglo XIX apareció una nueva tendencia artística, el naturalismo.
La aparición de esta nueva tendencia, centrada en la objetividad, buscaba imitar la
realidad y la naturaleza con un alto grado de perfección y despreciaba la subjetividad.
Así, el naturalismo fue la puerta que se abrió para dar a la fotografía una verdadera
importancia en el arte ya que al imitar de una forma casi perfecta la realidad, superaba
ampliamente a la pintura en este aspecto. Por otra parte, el constante desarrollo de la
fotografía en esa época, básicamente con las nuevas técnicas sobre la utilización de la
luz del sol, dio origen a fotos con un mayor significado estético, lo que llevó a un nuevo
acercamiento de la fotografía hacia el arte.
Cuando los conocimientos en óptica estuvieron lo suficientemente avanzados,

los pintores descubrieron la manera de proyectar una imagen sobre una película de
papel con aceite. Lo que les permitía tomar notas rápidamente con la desventaja de
una inversión de la imagen y un reducido tamaño. Esto coincide con el auge del
realismo en la pintura.
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Más tarde se descubrieron técnicas usando clara de huevo, que hacían posible
lograr que la imagen por sí misma se quedara grabada en el papel. Esta técnica se fue
perfeccionando gracias a la comprensión del fenómeno químico implicado y a una
continua experimentación con materiales alternativos. Pronto fue posible tener una caja
con un papel fotosensible oculto de la luz, un cañón con el que enfocarla, y un
obturador para hacer pasar la luz el tiempo suficiente para que impresionara a la
película.
La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en

paralelo durante este tiempo. En cuanto fue posible hacer de la cámara un dispositivo
móvil fácil de manejar apareció la posibilidad de influir en el espectador mediante la
posición de la cámara y su enfoque, lo que permitían trasladar la subjetividad del
fotógrafo a la fotografía, además de ir construyendo un lenguaje artístico.
En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El

impresionismo en la pintura y su consiguiente marcha hacia lo abstracto tuvo un gran
efecto en la fotografía. Ya en la actualidad, la fotografía artística pura es casi
completamente subjetiva y la manipulación de las imágenes se ha convertido en una
herramienta fundamental en su expresión artística.
El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo,

rápidamente amplió su léxico gracias a la facilidad de hacer enfoques extremos
(picados, contrapicados, etc.), la captura del movimiento con largos tiempos de
obturador y la decisión del momento. La presión sobre el fotógrafo para marcar su
subjetividad en la fotografía forjó un lenguaje lleno de sutilezas pero perfectamente
comprensible, muy directo para cualquier observador.
Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo

armados con buenas cámaras fotográficas. Prefiriéndose actualmente las cámaras con
una buena óptica y muchas opciones que añadan flexibilidad, frente a las cámaras
orientadas al consumidor, donde la óptica y el obturador es dirigida por la electrónica
restando al hecho de hacer una foto gran parte de su imprevisibilidad. La aparición de
las cámaras digitales, cámaras mixtas con vídeo y la fotografía en entornos de realidad
virtual complican, enriqueciendo, el futuro de este arte.
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La luz, la materia prima de la fotografía.
Fotografía significa, literalmente, “escritura con luz”. Sin luz es imposible ver o
tomar fotografías, y es la luz la que hace los objetos visibles al ojo y a la cámara. La luz
es una forma de energía que se emite en forma de ondas que viajan a enorme
velocidad a partir de una fuente, como el sol o una bombilla. Desde el punto de vista
de la fotografía lo más importante es que la luz viaja en línea recta (recuerda las
sombras de los objetos). El comportamiento de la luz varía en función del material
sobre el que incida: los opacos la bloquean y absorben, los transparentes se dejan
atravesar.
Se puede afirmar que el color no existe. El color no es una propiedad de la luz

sino la manera en que percibimos cada longitud de onda específica. El cerebro traduce
cada longitud de onda percibida a un color diferente. Todos los colores que el ojo
humano puede percibir, excepto el magenta, están en el arcoiris.
Cuando tomamos una foto estamos capturando la luz reflejada por los objetos
de la escena, luz que no sólo determina el color sino también la forma y el volumen de
los mismos. Se podría decir que la escena no existe en la realidad sino como la luz
reflejada en ella que somos capaces de percibir. La fotografía es, esencialmente, EL
ARTE DE LA LUZ.
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2. Algo de historia… El nacimiento de la fotografía
La fotografía es el procedimiento que nos permite por medio de la luz y de

substancias químicas, obtener imágenes ópticas permanentes sobre superficies
convenientemente preparadas. Se toma como antecedente de la fotografía a la cámara
oscura: diversas investigaciones sobre la reacción de las sales de plata a la luz como así
a las técnicas artísticas de la figura.
La cámara proviene del latín camera que significa "habitación" o "cámara". La

cámara oscura es un instrumento óptico capaz de obtener la proyección plana de una
imagen sobre la parte de su superficie interior. Constituyó uno de los dispositivos
ancestrales que condujeron al desarrollo de la fotografía. Los dispositivos fotográficos
actuales heredaron la palabra cámara de las antiguas cámaras oscuras. La cámara
oscura en su origen no era más que una habitación la cual tenía una única fuente de
luz, un diminuto orificio en una de las paredes. La luz que penetraba por el orificio
proyectaba una imagen del exterior en la pared opuesta. La imagen que se formaba
estaba invertida y era borrosa, pero los artistas utilizaban esta técnica para esbozar
escenas proyectadas por la cámara: la imagen le daba al artista una pauta para dibujar.
Aristóteles para comprobar sus teorías sobre la luz, construyó la primera cámara oscura
y la describió de la siguiente manera: «Se hace pasar la luz a través de un pequeño
agujero hecho en un cuarto cerrado por todos sus lados. En la pared opuesta al
agujero, se formará la imagen de lo que se encuentre enfrente». Leonardo Da Vinci le
dio una aplicación práctica como instrumento auxiliar para el dibujo. En 1558 Gerolamo
introduce una importante mejora, poniendo un lente en la apertura de la cámara.
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En el siglo XVII, la cámara oscura, que hasta ese momento era una habitación
oscura, se transforma en un instrumento portátil de madera y Johann Zahn transformó
esa caja en un instrumento parecido a lo usado en los principios de la fotografía.
La fotografía como tal nace a principios del siglo

XIX, cuando en el año 1816 el científico francés
Nicéphore Niepce obtuvo las primeras imágenes
fotográficas, aunque la fotografía más antigua que se
conserva es una imagen obtenida en 1826 con la
utilización de una cámara oscura y un soporte
sensibilizado mediante una emulsión química de sales
de plata.
Niepce comenzó sus investigaciones, necesitando ocho
horas de exposición a plena luz del día para obtener sus
imágenes. En 1839 Louis Daguerre hizo público su
proceso para la obtención de fotografías basado en la
plata denominado daguerrotipo, que resolvía algunos
problemas técnicos del procedimiento inicial de Niepce y reducía los tiempos
necesarios de exposición. Casi al mismo tiempo Hércules Florence, Hippolythe Bayard y
William Fox Talbot desarrollaron otros métodos diferentes. El creado por William Fox
Talbot se basaba en un papel cubierto con cloruro de plata que es mucho más cercano
al de la fotografía de hoy en día, ya que producía una imagen en negativo que tenía
que ser posteriormente positivada tantas veces como se deseara.
Por esos tiempos el daguerrotipo era mucho más popular ya que era
particularmente útil para los retratos, costumbre común entre la clase media burguesa
de la Revolución Industrial. Es un hecho que gracias a la enorme demanda de estos
retratos, mucho más baratos que los pintados, la fotografía fue impulsada
enormemente.
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El daguerrotipo, construido por Louis Daguerre en 1839, es el antepasado más

directo de las cámaras Polaroid. Se lo considera como el precursor de la fotografía
moderna. Consiste en una serie de láminas de cobre plateadas y tratadas con vapores
de yodo. Gracias al daguerrotipo, se redujo los tiempos de exposición a 15 o 30
minutos. Se obtenía una imagen apenas visible y ésta se revelaba en vapores calientes
de mercurio y se fijaba la imagen lavando con agua caliente con sal. Pero el verdadero
fijado lo consigue Daguerre dos años más tarde.
Edgar Allan Poe Daguerrotipo

en un daguerrotipo de 1848
“Punto de vista desde la ventana de Gras”, de Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833):

la primera foto de la historia.
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3. Técnica fotográfica:
La cámara elemental. Conceptos básicos.
Se puede decir que una cámara fotográfica es una caja oscura que deja pasar la
luz el tiempo justo para que ésta imprima en un sensor sensible a la luz (o película en
las cámaras clásicas) la imagen enfocada. Los elementos más básicos de la fotografía
son la cámara, el sujeto u objeto que se va a fotografiar y la luz existente.
La cámara tiene un objetivo en un extremo que enfoca un rayo de luz desde el

sujeto al sensor. Una abertura variable o diafragma, limita el tamaño del rayo de luz
que penetra (apertura de diafragma). Un obturador controla el tiempo que el sensor (o
la película) está expuesto a la luz (tiempo de exposición). Se observa la escena a través
de un visor. Para elegir el momento de la exposición posee un disparador.
El objetivo enfoca un rayo de luz desde el sujeto al sensor. Consta de una o

varias lentes de forma convexa que proyecta los rayos de luz que lo atraviesan en un
punto llamado foco. Cuando enfocamos con la cámara en realidad alejamos o
acercamos el objetivo para obtener un foco nítido. La distancia entre el foco y el
diafragma del objetivo es lo que llamamos la distancia focal. Modificando la distancia
focal se consigue enfocar al sujeto más cerca o más lejos. Con una distancia focal de 50
mm se consigue una visión lo más parecida al ojo humano.
Todo objetivo tiene una distancia mínima respecto al sujeto. Si tratamos de hacer
una fotografía por debajo de dicha distancia el objetivo no podrá enfocar.
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3.1. Tipos de objetivos
• Normal: los objetivos normales tienen una distancia focal de 50 mm para darle
una perspectiva similar a la del ojo humano. Se recomiendan para la fotografía
de propósitos generales y son ideales para aprender los principios básicos de la
fotografía.
• Gran angular: los objetivos de gran angular (distancias focales de menos de 50

mm) capturan tomas más anchas que la normal. Le dan una mayor sensación de
profundidad y son útiles para fotografiar paisajes o grupos de personas.
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• Teleobjetivo: los teleobjetivos tienen distancias focales de más de 50 mm y

permiten hacer fotografías a gran distancia. Son también ideales para hacer
retratos y primeros planos. Enfocar resulta difícil con este tipo de objetivos.
• Macro: sirven para obtener un acercamiento máximo. La distancia mínima del

objetivo al sujeto es muy inferior al resto de tipos de objetivo. También son
ideales para fotografiar insectos y flores.
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• Zoom: este tipo de objetivo permite, a diferencia del resto, variar la distancia
focal sin cambiar el objetivo. Con esta característica se encuentran los zooms
gran angular y teleobjetivos. Son los más versátiles y la opción más económica
para tener un rango de distancias focales. Por el contrario, este tipo de objetivo
ofrece menor luminosidad que los demás.
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3.2. Introducción a la exposición: el diafragma y el obturador
3.2.1. El diafragma
El diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra.
Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose para permitir que entre
más o menos luz. Lo abierto que está el objetivo es lo que se llama apertura de
diafragma.
En las cámaras manuales controlamos el diafragma mediante una rueda del

objetivo y en las cámaras automáticas se puede regular mediante botones.
Los objetivos tienen una apertura máxima, por ello, si son objetivos con distancia focal
fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima va cambiando según
varía la distancia focal.
Para conseguir el equilibrio de luz en cada exposición se combina la apertura de

diafragma con el tiempo de exposición. Es decir, que si se aumenta la apertura de
diafragma (más luminosidad) hay que reducir el tiempo de exposición (tiempo que la
película está expuesta a la luz) o si no la fotografía sería muy clara (sobreexpuesta).
Igualmente, para captar la luz que hay en la escena, si se reduce la apertura de
diafragma (menos luminosidad) hay que alargar la exposición, sino quedaría una
imagen oscura (subexpuesta).
La apertura de diafragma se mide en números f. El menor de los números indica

la apertura máxima. La relación entre los números f es que cada vez que se pasa de un
número a uno menor, la luminosidad se reduce a la mitad, de modo que f11, por
ejemplo, tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8.
La escala de números f básica es la siguiente:
f1, f1.4, f2, f2.8, f4, f5.6, f8, f11, f16, f22, f32, f45...
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Dos ejemplos de exposiciones:
Ejemplo 1:
Tiempo exposición: 1/120
Apertura: f5.6
Ejemplo 2:
Tiempo exposición: 1/60
Apertura: f8
Estas dos fotografías serán capaces de captar la misma luminosidad. La primera

aumentará la apertura de diafragma (reduciendo el tiempo de exposición). La segunda
duplicará el tiempo de exposición. Para que la imagen no resulte clara (sobreexpuesta)
se cierra el diafragma, dejando pasar la mitad de luz que en el caso anterior.
Aunque ambas capten la misma luminosidad encontraremos diferencias entre ellas.
Estas diferencias las veremos en la próxima clase.
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-La apertura del diafragma y la profundidad de campo
En el apartado anterior explicaba que modificando la apertura de diafragma se

modifica la cantidad de luminosidad que penetra en la cámara. Hay otro concepto
relacionado con la apertura de diafragma: la profundidad de campo.
La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del sujeto

enfocado que aparece nítida. A mayor apertura de diafragma (número f menor) la
profundidad de campo es menor y viceversa. La profundidad de campo se acentúa
todavía más cuanto mayor es la distancia focal, que se modifica con el zoom.
Si en la imagen de arriba se enfoca una figura del medio, con un número f
pequeño, las figuras cercanas aparecen desenfocadas, mientras que con un número f
mayor las vemos más nítidas.
La profundidad de campo debe ser pequeña cuando queremos resaltar un sujeto

sobre un fondo que no nos interesa, por ejemplo un retrato o flores. Debemos utilizar
una profundidad de campo grande cuando queremos que no quede ningún objeto
desenfocado.
Observa los tres ejemplos siguientes:
1) En la foto de Marrakech he utilizado un número f mayor (=menor profundidad

de campo) para resaltar el arco blanco sobre las hojas verdes. Observa como lo
primero queda perfectamente enfocado mientras que las hojas se difuminan
sobre el fondo azul.
2) En el segundo ejemplo me interesaba la profundidad que me daban las líneas
discontinuas de la carretera y utilicé un número f mayor para conseguir enfocar
todas las líneas y el burro del centro. Para poder cerrar mucho el diafragma
necesitas mucha cantidad de luz (esta foto la hice al mediodía).
3) En el tercer ejemplo (la foto de las guirnaldas) puede observarse el efecto que
produce enfocar al centro de un elemento con un número f grande. Se puede
observar perfectamente la profundidad de campo reducida.
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Ejemplo 2
Ejemplo 1
Ejemplo 3
3.2.2. El obturador
El obturador limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y expone la

película. Mediante el obturador se controla el tiempo necesario para que la película se
exponga el tiempo justo a la luz. El obturador es un mecanismo muy preciso y rápido
que permite limitar la exposición a tiempos muy pequeños.
Habitualmente los tiempos de exposición varían desde segundos (para
condiciones de luz muy malas) a milésimas de segundo (para fotografías muy rápidas).
Los tiempos más usuales, en segundos, son:
...4, 2, 1, 1/2, 1/4, 1/8, 1/15, 1/30, 1/60, 1/125, 1/250, 1/500, 1/1000, 1/2000...
Por ejemplo, la velocidad 125 corresponde a 1/125 segundos.
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Tanto en las cámaras automáticas como en las manuales se puede elegir una
apertura determinada y obtener un tiempo de exposición estimado, y viceversa.
-La velocidad y el movimiento en la fotografía
La velocidad (o tiempo de exposición) influye en el movimiento de la fotografía.

Los tiempos de exposición bajos (o velocidades altas) “congelan” el movimiento
mientras que con velocidades lentas (o tiempos de exposición altos) los elementos en
movimiento aparecerán difusos.
Ejemplo de barrido.
Ejemplo de fotografía tomada

con velocidad lenta.
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-El visor
El visor es un dispositivo a través del cual se observa al sujeto que será

fotografiado, haciendo posible componer la escena y enfocar. Principalmente hay dos
tipos de visores:
• Visor directo: se llama así porque el dispositivo visor es independiente del

objetivo. El sujeto se ve a través de un sistema óptico montado en un tubo en el
que aparece encuadrado el área de la escena cubierta por el objetivo. Este tipo
de objetivos es el que suelen usar las cámaras compactas, en las que no es
necesario enfocar. Este tipo de cámaras montan un objetivo fijo que proporciona
una imagen nítida en un rango de 2 a infinitos metros.
• Visor reflex: la imagen proyectada en la película por el objetivo esta boca abajo e
invertida lateralmente.El visor reflex utiliza un espejo para volverla boca arriba y
un pentaprisma bloque de cristal de cinco caras, tres de ellas plateadas), para
corregir la inversión lateral, por tanto el fotógrafo contempla la escena en su
posición real. Este es el tipo de visor que llevan las cámaras SLR, también
llamadas réflex por esta razón.
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4. La composición
La composición ha de estar siempre al servicio de

la idea. Es más fácil componer una fotografía si se tiene
una buena razón para hacerla y por tanto, lo primero que
nos tendremos que plantear antes de pulsar el
disparador es qué es exactamente lo que queremos
contar.
¿Qué hay de interesante frente a ti? ¿Te atrae un

rostro, una mirada, una sonrisa? ¿Qué te transmite un
paisaje? ¿El ambiente es de soledad, de abrigo o refugio,
de grandeza?
4.1. Encuadre
El encuadre es aquello que el

fotógrafo sitúa dentro de la
fotografía, la porción de escena que
elige captar. Ante un mismo motivo
cada fotógrafo puede elegir hacer
una fotografía diferente captando
unos u otros elementos. En esta
selección de lo que sitúa dentro de la
fotografía y cómo se hace, aunque
ninguna es norma estricta, existen
algunas directrices que se pueden
tener en cuenta, a saber:
• En toda escena suele existir un motivo (aquello que deseamos destacar, el centro
de interés) y fondo (aquello que rodea, decora y/o da sentido al motivo). Para
resaltar el motivo el fotógrafo debe llenar el encuadre con él, esto es, hacer que
ése sea el objeto principal en la escena; de este modo excluiremos del encuadre
otros objetos que puedan distraer la atención del espectador sobre el que el
fotógrafo ha seleccionado.
• A pesar de lo dicho en el punto anterior, es importante en el encuadre dejar un

cierto margen alrededor del motivo para no atosigar la imagen. Este margen
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actuará como marco del motivo y, por tanto, deberá ser normalmente además
igual por todos los lados de la fotografía. La imagen debe respirar…
• La línea del horizonte suele ser una referencia visual clave para el ser humano.
Normalmente ésta debe mantenerse recta, horizontal. La percepción de una
línea del horizonte inclinada suele llamar la atención y, si no está justificada, da al
espectador la sensación de que los objetos se van a caer hacia ese lado, lo cual
no suele producir buenas sensaciones.
• Otro factor comunicativo importante en fotografía es la elección del formato del

encuadre. La mayoría de los elementos fotosensibles (películas o sensores de
imagen) tienen un formato rectangular y habrá por tanto la posibilidad de elegir
un encuadre horizontal o vertical: cada uno de ellos transmite sensaciones
diferentes y tiene su campo de aplicabilidad:
o El encuadre horizontal sugiere quietud, tranquilidad y suele utilizarse
normalmente para paisajes y para retratos de grupo.
o El encuadre vertical sugiere fuerza, firmeza y es el más apropiado
normalmente para retratos (entre otras cosas porque los seres humanos
somos más altos que anchos).
Componer una fotografía es buscar la mejor vista de una escena, haciéndola

llamativa. A continuación se muestran unos consejos para hacer la composición.
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4.2. Enmarcado
Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de

la foto. Algunos de estos elementos son muy claros, tapando completamente parte de
la foto, como puertas, ventanas o puentes.
Otros actúan de una forma menos clara, simplemente orientando nuestra vista.
Es el caso de las señales de tráfico o las ramas de los árboles, ...
Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la

foto, dirigiendo la atención hacia el elemento deseado.
4.3. Perspectiva, ángulo de la toma y distancia al sujeto
El ser humano, por su propia constitución física, está acostumbrado a ver las
cosas desde aproximadamente 1,60 m. de altura y de frente. Las imágenes así se captan
de forma clara y descriptiva, si bien no aportan ninguna originalidad.
La variación del punto de vista aporta perspectivas diferentes con elementos

inesperados que a menudo captan más la atención. Es por esto que existen infinidad de
recursos fotográficos en este sentido siendo la directriz general el que el fotógrafo
debe estudiar el motivo y la escena buscando puntos de vista innovadores y/o más
atractivos para el espectador.
Teniendo en cuenta esta premisa general existen ciertas técnicas ampliamente

utilizadas entre los fotógrafos:
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• El picado consiste en fotografiar un motivo

desde arriba hacia abajo y ayuda a resaltar lo
pequeño de ciertos objetos ya que
proporciona un punto de vista de
superioridad. Resta importancia y, además, si
se fotografía de cerca puede deformar las
proporciones.
• El Cenital es cuando la imagen se toma en
un ángulo totalmente perpendicular (de
arriba hacia abajo) con respecto al suelo, es
decir, a 90º
•El contrapicado es la
perspectiva contraria al
picado, es decir, consiste
en fotografiar un motivo
desde abajo hacia arriba y
ayuda a resaltar la
grandiosidad de un
elemento. Se suele utilizar
para fotografiar edificios o
monumento y también
deforma la perspectiva acentuándose este efecto cuanto más cerca se esté del
motivo.
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• La toma a rás consiste en sacar la fotografía a rás de suelo o del objeto y ayuda a
sorprender al espectador con imágenes que un ser humano no acostumbra a ver
ya que no se suele colocar en ese nivel de visión. Este ángulo se suele utilizar
para fotografiar motivos pequeños en su entorno natural a los que no prestamos
habitualmente mucha atención.
El zoom es un tipo de objetivo que permite acercar o alejar el sujeto que se

quiere fotografiar sin tener que acercar o alejar la cámara. Sin embargo esta no es su
única aplicación, pues también modifica la perspectiva de la escena.
Como ya se ha dicho el zoom permite acercar o alejar la visión a un objeto,
abriendo o cerrando el campo de visión. Al acercarse se cierra el campo de visión,
abriéndose al alejarse. Se modifica la distancia modificando la distancia focal, de la que
se habló en el tema anterior. La visión humana equivale aproximadamente a 50mm.
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4.4. Disposición de los elementos en el encuadre
4.4.1. La regla de los tercios
La regla de los tercios consiste en dividir la imagen en tres tercios imaginarios

horizontales y verticales. Los cuatro puntos de intersección de estas líneas fijan los
puntos adecuados para situar el punto o puntos de interés de la foto, alejando éste del
centro de la fotografía.
Estos cuatro puntos de intersección se denominan puntos fuertes. En caso de

existir un único punto de interés, es preferible situarlo en uno de los cuatro puntos de
intersección en lugar de en el centro de la imagen. En caso de existir dos, buscaremos
dos de estos puntos, a ser posible diagonales.
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4.4.2. Proporción áurea
El número áureo o de oro (también llamado número dorado, sección áurea,

razón áurea, razón dorada, media áurea, proporción áurea y divina proporción) es un
número algebraico que posee muchas propiedades interesantes y que fue descubierto
en la antigüedad, no como “unidad” sino como relación o proporción. Esta proporción
se encuentra tanto en algunas figuras geométricas como en la naturaleza en elementos
tales como caracolas, nervaduras de las hojas de algunos árboles, el grosor de las
ramas, etc.
Asimismo, se atribuye un carácter estético especial a los objetos que siguen la

razón áurea, así como una importancia mística. A lo largo de la historia, se le ha
atribuido importancia en diversas obras de arquitectura y otras artes, aunque algunos
de estos casos han sido objetables para las matemáticas y la arqueología.
Una sección áurea es una división en dos de un segmento según proporciones

dadas por el número áureo. La longitud total a+b es al segmento más largo a como a
es al segmento más corto b.
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Fotos en las que he empleado esta proporción
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4.4.3. El espacio vacío
Se considera espacio negativo los grandes espacios vacíos, normalmente en

blanco o negro, dentro de una fotografía, normalmente a un lado.
El alejamiento del elemento central de la imagen, rellenando el resto de la foto

de un espacio vacío nos permite transmitir una información adicional de soledad,
aislamiento o calma a la imagen.
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4.4.4. El equilibrio
El equilibrio en una composición no es otra cosa que colocar los elementos de

una forma armoniosa, como el concepto es vago y difícil de definir caben muchas
interpretaciones, pero podemos acercarnos a algo parecido a una interpretación si
pensamos que al colocar distintos elementos en una imagen el peso del encuadre
visualmente suele fallar en alguna de las partes. Si contamos con una imagen simétrica
las cosas son fáciles, pero si la imagen no lo es podemos demostrarlo de una forma
gráfica. :
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4.5. Las líneas
4.5.1. Diagonales
Las líneas son un elemento de importancia vital en las artes visuales. Las líneas
nos aportan formas y contornos. Con las líneas dirigimos la mirada del espectador de
una parte de la foto a otra.
Cuando vayas avanzando en el mundo de la fotografía podrás comprobar cómo

las líneas son uno de los elementos más eficaces a la hora de dirigir la mirada de quien
contempla nuestras fotos hacia donde queremos que mire. Las líneas horizontales,
verticales y diagonales son elementos compositivos que aportan significado a las
imágenes.
Las líneas diagonales se consideran generalmente más "dinámicas", mientras que

las líneas horizontales y verticales se consideran más "estáticas". Un equilibrio cuidadoso
de elementos estáticos y dinámicos dará un sentido global de movimiento a tus
fotografías.
Punto fuerte
Punto fuerte
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4.5.2. Curvas en S
Las curvas en "S" son un elemento muy

recurrente en fotografía. También transmiten
sensualidad y movimiento.
En la vida cotidiana encontramos

muchos recursos que nos permiten aplicar
curvas en S en nuestras fotografías. Una
carretera, un camino, el curso de un río,... Son
elementos visuales muy potentes que dan
interés a la fotografía.
4.5.3. La dirección
La dirección también crea la ilusión de movimiento. Si hay algo en la fotografía

que parezca estar en movimiento, tiene una dirección en la que se mueve.
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Un ejemplo de esto son las luces de peatones de un semáforo. Cuando está en

rojo para los peatones, la figura representa un peatón inmóvil, con las piernas juntas y
los brazos bajados. Visualmente, no tiene ninguna apariencia de estar en movimiento.
Sin embargo, la figura del peatón en verde que permite cruzar tiene una dirección en la
cual se está moviendo. La dirección en fotografía se puede crear de muchas maneras.
Una figura a punto de cruzar una calle puede transmitir movimiento aunque la veamos
estática y no se muevan sus brazos y sus pies, porque podemos imaginarla un segundo
después cruzando la calle. Del mismo modo, un coche que aparece cortado en el lado
izquierdo de una fotografía en la que solo se ve su parte delantera, podemos
imaginarlo un segundo después al lado derecho de la foto.
4.6. Ritmo, color, textura…
-El ritmo
El ritmo consiste en la repetición de líneas y formas. Es un elemento que se

encuentra en casi todas partes, desde la ciudad al paisaje natural. Puede llegar a
constituirse en tema de la fotografía aunque en general se empela como elemento
secundario para estructurar la composición o, simplemente, para llamar la atención. En
este caso hay que ser prudente para que no se imponga al tema principal y lo
confunda.
El contraste tonal y la supresión de elementos como la textura y el volumen lo

refuerzan. Las variaciones en la calidad y dirección de la luz se traducirán en las
correspondientes en el ritmo. El encuadre y el punto de vista pueden intensificar
poderosamente el efecto general del ritmo: una toma próxima de un motivo rítmico
resulta atrayente gracias a la eliminación del contexto y los detalles superfluos. Si el
motivo ocupa todo el negativo, el resultado será mucho más llamativo.
32
-La textura
La textura representa las cualidades de superficie de un sujeto. Puede usarse la

textura para dar realismo y carácter, y hasta puede convertirse en el tema mismo de
una fotografía. Se consigue fotografiando de cerca o a una distancia suficiente como
para que las distintas superficies se fundan y creen la textura. La calidad y dirección de
la luz son de capital importancia al reproducir la textura.
-El color
Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos. Los rojos, naranjas y amarillos
forman parte de la gama de colores cálidos. Los azules, verdes y violetas forman parte
de la banda de colores fríos.
Existen muchos elementos psicológicos ligados a los colores. Por poner un

ejemplo, los azules se consideran colores tranquilos, mientras que lo rojos son más
temperamentales. Existe mucha literatura al respecto de la psicología del color, por lo
que simplemente resumiremos que el color tiene una importancia determinante en la
composición.
En materia de colores hay que prestar atención también al contraste. El contraste

se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras
de nuestra foto.
33
Glaciar Perito Moreno (Argentina)
Calma, silencio…
Tejedora en el Norte de Laos
Tensión, fuerza, temperamento…
Arrozales de Don Khon, Sur de Laos
Paz, quietud…
34
5. Breves nociones de revelado y positivado en blanco y negro
El revelado de la fotografía en blanco y negro consta de 5 pasos, tanto en negativo1

como en papel: preparación, revelador, baño de paro, fijador y lavado. Los líquidos
tienen que estar a una temperatura de 20 - 23º.
5.1. Preparación
El primer paso del proceso es cargar el

negativo en una espiral e introducirla en un
tambor cerrado por completo (este paso hay que
hacerlo en total oscuridad ya que la luz vela,
“quema”, la película). Este tambor permite
introducir y extraer los líquidos sin que la luz
llegue a la película.
5.2. Revelado
El primer químico que se introduce en el tambor es el revelador. En fotografía,

un revelador fotográfico es una solución que hace visible la imagen latente de un
material fotográfico expuesto. Además del agente revelador propiamente dicho, que
reduce los haluros de plata
expuestos a plata metálica negra,
la solución suele contener un
acelerador, por lo general un
álcali, como el carbonato sódico, el
hidróxido sódico o el bórax, que
activa la acción del revelador; y un
preservador, como el metabisulfito
potásico, por lo general bromuro
potásico, que actúa como
controlador general de la actividad
química y limita el nivel de velo. El
1
En fotografía, se llama negativo a la película que se utiliza en la cámara fotográfica convencional para, seguidamente,
realizar el positivado en papel. Las partes del negativo en las que ha incidido la luz se verán con un color oscuro, mientras que en
las partes donde no ha incidido, quedarán transparentes.
35
revelado produce una imagen de plata metálica negra a partir de los haluros de plata
expuestos. El tiempo del revelado depende del tipo de negativo. El exceso de revelado
aumenta el contraste del negativo/papel, mientras que la falta lo disminuye (puede
hacerse para un resultado equivalente a usar película de diferente sensibilidad).
5.3. Baño de paro
El paro es el segundo químico que se introduce en el

tambor después de vaciarlo del revelador, una vez éste haya
actuado en la película. Este baño para la acción del revelador.
El tiempo es 1 minuto. En vez de usar baño de paro se puede
echar un chorro de vinagre en el agua, y en vez de dejarlo 1
minuto se deja 2 minutos.
5.4. Fijador
Es el último químico del proceso, se retira el líquido de paro y se vierte el fijador

en el tambor. Este paso fija la imagen y ayuda a la protección del negativo. El tiempo es
de 5 - 6 minutos.
36
5.5. Lavado
Una vez el fijador ha actuado en la película, se abre el tambor sin peligro ya de

que la luz lo dañe, pues la película esta ya fijada. El lavado se realiza con agua corriente.
Es igual de importante que los demás procesos pues con el lavado se eliminan los
restos de las sales de plata del negativo.
En el caso del papel hay un paso en el

que interviene la luz. El negativo se introduce
en una bandeja y la luz pasa a través de él,
proyectando la imagen sobre la base de la
ampliadora, donde situaremos el papel.
Después de encuadrar, retiramos la luz roja y
la imagen se imprimirá sobre el papel
fotográfico (sensible a la luz blanca).
Posteriormente pasaremos el papel por el paro
y el fijador (igual que con el negativo), lo
lavaremos y lo secaremos y nuestra foto
quedará lista. Cuanto más tiempo incida la luz
sobre papel, más negros irán saliendo. Este es
un momento clave del revelado: la ausencia de
negros y blancos deja la foto sin contraste pero el exceso de negros quemará la foto.
Acertar con el tiempo de exposición es esencial para conseguir un buen resultado. Para
ello, generalmente se hacen varias pruebas con distintos tiempos y a partir de ahí se
elije el que se acerca al resultado que pretende el fotógrafo.
37
[de la fotografía clásica a la fotografía digital]
38
6. Fotografía clásica vs. Fotografía digital: estado actual y tendencias.

Mitos y realidades de la fotografía digital.
El debate entre los defensores de la fotografía tradicional y aquellos que

apostaban por la digital está tocando a su fin. Aunque durante un tiempo esta
transición se ha vivido como una batalla, hoy en día es absurdo ese planteamiento. La
realidad es que la fotografía clásica está abocada irremediablemente a convertirse en
una técnica alternativa y cara ya que los laboratorios se están reciclando hacia el digital
y no podrán mantener mucho tiempo los dos sistemas (hoy ya hay películas muy
difíciles de encontrar). El término fotografía digital será sustituido en muy poco tiempo
simplemente por el de “fotografía”.
La fotografía digital es un medio y no un fin en sí mismo, una herramienta que se
pone a disposición del fotógrafo para obtener lo que obtenía antes por otros medios.
Los avances técnicos han hecho posible que se consigan resultados que no sólo no
tienen nada que envidiar a los que se obtenían antes sino que, en muchos aspectos, los
mejoran.
Los puntos débiles de la fotografía digital son la falta de sistematización y
estandarización (debida en gran medida a la velocidad a la que avanza la tecnología) y
las discrepancias en el color (que trataremos a fondo más adelante). En la fotografía
química todas las variables del proceso están perfectamente definidas, lo que garantiza
(dentro de un margen) unos resultados homogéneos. Sin embargo, los procesos
digitales están sometidos a continuos cambios que apenas tenemos tiempo de asimilar,
requiere unos conocimientos de hardware y software difíciles a veces de abarcar. Ni tan
siquiera la luz se mide de la misma manera.
Muchos argumentan que en la fotografía digital “todo es mentira”, que los
fotógrafos “verdaderos” no pueden ser “digitales”. Mi opinión es que en la fotografía
digital no todo es tan sencillo, que ser fotógrafo exige mucho más que antes y que los
medios técnicos, lejos de facilitar el trabajo, suponen un reto bien difícil para aquel elija
la fotografía como medio de expresión. Hoy la mirada es, si cabe, más importante que
antes.
Uno de los grandes mitos de la fotografía digital es asociarla a la imagen
manipulada. Es muy típico escuchar frases o términos como “está tocada” o
“manipulada” para referirse a alguna imagen digital, siempre en sentido peyorativo. Sin
embargo, la fotografía se ha manipulado desde que se inventó: siempre se han virado,
coloreado, maquillado, recortado, reencuadrado, y montado las fotografías. De hecho
generalmente en la fotografía clásica la foto final no tenía mucho que ver con el
contacto inicial. Pero eso era arte y lo que hacemos los fotógrafos digitales, artificio y
engaño. A tenor de los hechos creo que ha llegado el momento de desterrar algunas
ideas trasnochadas.
En su esencia, la fotografía está al servicio de una idea, intenta recrear las
sensaciones del momento de la toma para transmitirlas con la mayor perfección y
fidelidad posibles. El ojo manipula su diafragma (el iris) para adaptarse a las distintas
39
luces de la escena de forma que la imagen que queda en nuestro recuerdo es en

conjunto “equilibrada”. La toma fotográfica utiliza un solo diafragma y por tanto el
resultado es peor que el recuerdo. Hoy, los avances de la era digital nos permiten
intervenir en la luz de la escena para acercarnos más a la atmósfera del momento y
recuperar la emoción que encerraba ese instante. Quien tenga algo en contra de ésto,
que se siente y hablamos.
7. Fundamentos de la fotografía digital: paralelismo entre película y archivo

de imagen. Formatos de imagen.
La estructura de una película fotográfica consiste en gránulos de plata

microscópicos de diferente grosor aglutinados en un soporte de tipo acetato. El grosor
medio del grano, determinado sobre todo por la sensibilidad de la película, va a
determinar la definición de la copia en papel. En este sentido, una película de 100 ISO
tiene menor grano (por lo tanto, más definición), que una de 400 ISO, y así
sucesivamente. 2 Por tanto se puede afirmar que la unidad mínima de información en
una película convencional es el grano de plata medio.
En la imagen digital la unidad mínima de información es el PIXEL. Éstos se
agrupan en matrices bidimensionales (ancho por alto). Para almacenar esta matriz en
un fichero digital en el ordenador, hay que expresar cada píxel en bits, que es a su vez
la unidad mínima de información en informática. Un bit puede representar uno de dos
estados posibles (0 y 1, encendido y apagado, blanco o negro, etc.) Cada píxel se
compone de un número de bits variable (desde 1 hasta 32).
2
Las distintas escalas de sensibilidad fotográfica están clasificadas en función del tipo de emulsión fotográfica presente en la
película. La sensibilidad de una película fotográfica es la velocidad con la que su emulsión fotosensible reacciona a la luz. La escala
ASA (American Standard Asociation) es igual a la escala ISO (International Standard Office) que es la que se está imponiendo
internacionalmente. En la escala ASA cuando el número dobla su valor la sensibilidad de la película se duplica, o lo que es lo mismo,
aumenta en un diafragma. Así, una película de 400 ASA tiene el doble de sensibilidad que uno de 200 ASA.
40
Si una imagen sólo tuviera puntos blancos y negros sólo sería necesario 1 bit
para representarla (0 = blanco; 1 = negro). Si queremos representar 4 niveles o tonos
entre el blanco y el negro necesitaremos 2 bits (00, 01, 10, 11). El ojo necesita 256
tonos para no distinguir el paso de uno a otro, es decir, 8 bits por píxel (28)
Esto se refiere a imágenes en escala de grises, que sólo tienen un canal de
información (del blanco al negro). El color se representa mediante la combinación de
rojo, verde y azul (Red, Green, Blue –RGB-)3 en los monitores y de cian, magenta,
amarillo y negro (Cyan, Magenta, Yellow and BlacK –CMYK-)4 en las impresoras y demás
dispositivos de salida. Por tanto, si en escala de grises hay un canal de información, en
RGB hay tres, es decir, 28 x 28 x 28 = 224 = 16.777.216 colores. Si una imagen de 8 bits
tiene casi 17 millones de colores, una de 16 bits contiene trillones. Pero, ¿por qué es
necesaria tanta información?
Bien, para visualizar una imagen es suficiente con 8 bits. Sin embargo, para
editarla necesitaremos más información ya que en cada paso del procesamiento de la
imagen perderemos información. Cuando variamos el contraste de una fotografía
expandimos o contraemos la gama tonal de la imagen, redistribuyendo los valores
asignados inicialmente a cada píxel. Si sólo contamos con 256 niveles por canal, parte
de ellos se acumularán en tonos concretos dejando otros vacíos. En definitiva,
obtendremos una imagen de peor calidad que se alejará de aquella que pretendimos
fotografiar.
3
Los primarios aditivos son el rojo, el verde, y el azul. Permiten generar los demás colores del espectro visible por medio de la
compilación de emisión de luz de diferente longitud de onda, como por ejemplo puntos en una pantalla. La ausencia de los tres da
el negro, y la suma de los tres da el blanco. Estos tres colores se corresponden con los tres picos de sensibilidad de los tres sensores
de color en nuestros ojos.
4
Los primarios sustractivos son el cyan, el magenta y el amarillo, comúnmente confundidos con azul, rojo y amarillo por su
similitud. Se utilizan para generar los otros colores cuando se mezclan sobre un fondo blanco en ausencia de los tres, que se volverá
negro cuando los tres estén presentes en forma pura. Se aplican comúnmente en forma de pinturas o tintas como las que podemos
encontrar en una moderna impresora de inyección de tinta.
41
-Formatos de imagen
Básicamente los ficheros de imagen se pueden agrupar en dos bloques: con

pérdida y sin pérdida.
Ficheros sin pérdida:
• RAW: es el formato nativo de las cámaras digitales. Contiene la información en

bruto del sensor de la cámara. Le dedicaremos varias clases a este formato.
• DNG: formato RAW universal desarrollado por Adobe.
• TIFF: formato estandar sin pérdidas.
• PSD: formato nativo de Photoshop.
• BMP: formato “bitmap” de Windows. No tiene interés para nuestro trabajo.
Ficheros con pérdida:
El procesamiento de la imagen supone una pérdida de información. Los más

extendidos son:
• JPG: es el mejor formato de fichero comprimido. La mayor parte de las
fotografías se comprimen en .JPG.
• GIF: formato de color indexado. Se usa para imágenes de colores simples. No es
el más adecuado para comprimir fotografías. Se usa mucho en Internet.
• PNG: formato que aúna las ventajas del JPG y el GIF para publicación de
imágenes en la web. Aun no está muy extendido.
42
8. El sensor, los megapíxeles y el ruido. Las tarjetas de memoria.
El tipo de sensor y tamaño del mismo condicionan la calidad de la imagen final.

Los dos tipos de sensores más extendidos son el CCD (charge-coupled device) y el
CMOS (complementary metal oxide conductor). Actualmente los CMOS se están
imponiendo por su bajo consumo de energía así como por su bajo costo de fabricación
con respecto a los CCD.
El sensor de una cámara es una matriz bidimensional de filas y columnas donde

en cada celda hay un fotosensor que mide el número de fotones incidentes
(produciendo un voltaje proporcional a la cantidad de luz recibida). Cada celda
equivaldría a un píxel de la imagen. Lo más sorprendente de estos sensores es que
capturan la imagen ¡en escala de grises! (sólo miden el nivel de luminosidad). El color se
consigue aplicando tres filtros, una por cada canal de color (RGB) a esta matriz a partir
de los cuales el convertidor RAW produce la matriz definitiva en color.
La batalla comercial de las cámaras digitales suele librarse en torno al número de

megapíxeles del sensor (resultado de la multiplicación del número de filas por el
número de columnas). En realidad, este dato sólo tiene relevancia a la hora de saber
cuál es el tamaño máximo de la copia que podemos obtener con una captura.
Realmente, no hay mucha diferencia entre 6 y 8 mpx por ejemplo. Nos tenemos que ir a
14 o 22 mpx para apreciar un incremento notable en el tamaño de salida. Con todo, es
recomendable que el sensor tenga número elevado de píxeles ya que a la hora de hacer
recortes en la edición se notará mucho la diferencia.
Un último apunte al respecto de los megapíxeles: el tamaño del sensor es
determinante para la calidad final de la imagen. Para un mismo número de
megapíxeles, cuanto mayor sea el área ocupada por el sensor, mejor. Muchas cámaras
compactas anuncian un número de mpx elevado como gancho comercial pero en
realidad no se corresponde con un aumento de la calidad de la imagen; los sensores
son más pequeños que en las cámaras réflex y la superficie ocupada por cada
fotosensor es menor, con lo que es capaz de recibir menos luz y hay que amplificar la
señal con el consecuente aumento de ruido.
43
Normalmente las cámaras digitales tienen un sensor más pequeño que el

formato estándar de 35mm (24 x 36 mm). Un sensor más pequeño implica que la
longitud focal hay que multiplicarla por un factor de conversión que oscila entre 1.3 y
1.6, siendo 1.5 el más habitual. Por ejemplo, una lente de 28 – 70 mm se convierte en
42 – 105 mm lo cual desvirtúa el uso que podemos dar a nuestras lentes y nos obliga a
la adquisición de otras nuevas. Actualmente las cámaras semiprofesionales y
profesionales ya incorporan sensores full frame, es decir, de formato completo 1:1
(equivalente 35 mm clásico).
El ruido
Sin duda, este es uno de los problemas más importantes de la fotografía digital.
Las cámaras digitales sólo tienen una sensibilidad real que suele coincidir con el valor
ISO mínimo que se puede seleccionar en la cámara. Las sensibilidades superiores se
consiguen amplificando la señal recibida en los fotosensores, lo que provoca
inevitablemente ruido. El ruido consiste en distorsiones aleatorias de color a nivel de
píxel, sobre todo en zonas de sombra. Aunque se puede minimizar su efecto mediante
el tratamiento posterior de la imagen, la calidad final se verá reducida
considerablemente. Por eso es recomendable, salvo en casos de fuerza mayor, utilizar
la menor sensibilidad posible.
Observa esta imagen…

Está tomada en condiciones malas de luz y el nivel de
ruido es francamente intolerable. Puedes apreciar su
efecto en el recorte superior.
44
Las tarjetas de memoria
La lista de formatos de tarjeta es bastante amplia. Mi recomendación es que se

empleen tarjetas del tipo Compact Flash o SD. Son las más fiables, duraderas, baratas y
compatibles del mercado.
45

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PRIMERA PARTE: INTRODUCCIÓN A LA FOTOGRAFÍA

1. La fotografía como lenguaje. La luz como materia prima.

SEGUNDA PARTE: DE LA FOTOGRAFÍA CLÁSICA A LA FOTOGRAFÍA DIGITAL

1. La fotografía como lenguaje. La luz como materia prima.

"[…] en mi opinión, hay un punto de partida para el dibujo y la fotografía: el acto de

¿Podemos considerar la fotografía como un lenguaje?

La fotografía no fue siempre considerada un arte. Su

Cuando los conocimientos en óptica estuvieron lo suficientemente avanzados,

La fotografía como arte, ciencia y experiencia humana fueron evolucionado en

En la actualidad, la fotografía artística en sí, tiene un carácter muy subjetivo. El

El lenguaje artístico fotográfico partió de la herencia de la pintura. Sin embargo,

Hoy la fotografía es practicada por millones de personas en todo el mundo

La luz, la materia prima de la fotografía.

Se puede afirmar que el color no existe. El color no es una propiedad de la luz

2. Algo de historia… El nacimiento de la fotografía

La fotografía es el procedimiento que nos permite por medio de la luz y de

La cámara proviene del latín camera que significa "habitación" o "cámara". La

La fotografía como tal nace a principios del siglo

El daguerrotipo, construido por Louis Daguerre en 1839, es el antepasado más

Edgar Allan Poe Daguerrotipo

“Punto de vista desde la ventana de Gras”, de Joseph Nicéphore Nièpce. (1765-1833):

La cámara tiene un objetivo en un extremo que enfoca un rayo de luz desde el

El objetivo enfoca un rayo de luz desde el sujeto al sensor. Consta de una o

3.1. Tipos de objetivos

• Gran angular: los objetivos de gran angular (distancias focales de menos de 50

• Teleobjetivo: los teleobjetivos tienen distancias focales de más de 50 mm y

• Macro: sirven para obtener un acercamiento máximo. La distancia mínima del

3.2. Introducción a la exposición: el diafragma y el obturador

En las cámaras manuales controlamos el diafragma mediante una rueda del

Para conseguir el equilibrio de luz en cada exposición se combina la apertura de

La apertura de diafragma se mide en números f. El menor de los números indica

La escala de números f básica es la siguiente:

Dos ejemplos de exposiciones:

Estas dos fotografías serán capaces de captar la misma luminosidad. La primera

-La apertura del diafragma y la profundidad de campo

En el apartado anterior explicaba que modificando la apertura de diafragma se

La profundidad de campo es la distancia por delante y por detrás del sujeto

La profundidad de campo debe ser pequeña cuando queremos resaltar un sujeto

Observa los tres ejemplos siguientes:

1) En la foto de Marrakech he utilizado un número f mayor (=menor profundidad

El obturador limita el tiempo que el rayo de luz penetra en la cámara y expone la

Por ejemplo, la velocidad 125 corresponde a 1/125 segundos.

-La velocidad y el movimiento en la fotografía

La velocidad (o tiempo de exposición) influye en el movimiento de la fotografía.

Ejemplo de fotografía tomada

El visor es un dispositivo a través del cual se observa al sujeto que será

• Visor directo: se llama así porque el dispositivo visor es independiente del

La composición ha de estar siempre al servicio de

¿Qué hay de interesante frente a ti? ¿Te atrae un

El encuadre es aquello que el

• A pesar de lo dicho en el punto anterior, es importante en el encuadre dejar un

• Otro factor comunicativo importante en fotografía es la elección del formato del

Componer una fotografía es buscar la mejor vista de una escena, haciéndola

Existen elementos que pueden ayudar a poner un marco al centro de interés de

Cualquier elemento que "encierre" el centro de interés nos permitirá enmarcar la

4.3. Perspectiva, ángulo de la toma y distancia al sujeto

La variación del punto de vista aporta perspectivas diferentes con elementos

Teniendo en cuenta esta premisa general existen ciertas técnicas ampliamente

• El picado consiste en fotografiar un motivo

El zoom es un tipo de objetivo que permite acercar o alejar el sujeto que se

4.4. Disposición de los elementos en el encuadre

4.4.1. La regla de los tercios