HISTORIA DEL ARTE OCCIDENTAL

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http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_occidental | 13 de mayo de 2009.
La historia del arte occidental es la historia del arte de la civilización occidental. En gran
parte, se reduce al arte europeo desde la Edad Media y al arte clásico greco-romano; así
como al inicio del arte junto con la historia en las civilizaciones que se consideran sus
precedentes (Egipto y Próximo Oriente). Las manifestaciones artísticas de épocas anteriores
en el continente europeo y la cuenca del Mediterráneo son muy diversas, pues aunque
algunas están muy lejanas en el tiempo y presentan una gran distancia cultural (arte
prehistórico); otras no (megalitismo, arte protohistórico).
La causa de esa limitación tiene que ver, como es lógico, con que el estudio de la historia
del arte nace como disciplina en el Renacimiento italiano; y con que Europa (sobre todo
Francia e Inglaterra, y muy especialmente los países de lengua alemana) continuó
acogiendo los núcleos principales de los historiadores y estudiosos del arte hasta mediados
del siglo XX, momento en el que, tras la Segunda Guerra Mundial, también los Estados
Unidos pasan a ser un centro de producción artística y de crítica e historia del arte de
primer orden. Menos atención han recibido las producciones artísticas de otras
civilizaciones, e incluso las de zonas periféricas de la misma civilización occidental (como
la América colonial), independientemente de la consideración que pueda hacerse de su
importancia comparada con la de las zonas centrales de la civilización occidental. Tal
orientación suele ser acusada de eurocentrismo por parte de los partidarios de una
perspectiva global.

Contenido
• 1 Arte antiguo
○ 1.1 Arte del Antiguo Egipto
○ 1.2 Arte clásico: Grecia y Roma
• 2 Arte medieval
• 3 El Renacimiento
• 4 Manierismo, Barroco y Rococó
• 5 Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo, Realismo
• 6 Impresionismo, post-Impresionismo
• 7 Arte moderno y vanguardista
• 8 Arte contemporáneo

Arte antiguo
 Aunque el concepto de Arte es moderno, es perfectamente
utilizable en la arquitectura, escultura, pintura y joyería de la
antigüedad, siendo muchas de sus realizaciones auténticas obras
de arte y no simples trabajos utilitarios de artesanía. La
formulación de la estética clásica occidental se inicia con las
culturas griega y romana.

Gran pirámide de Giza

En la Antigüedad, el arte estuvo asociado a las necesidades formales de los rituales
religiosos: la mayor parte de monumentos y elementos con
innegable valor artístico que han perdurado (pintura, escultura,
arquitectura), tenían por finalidad simbolizar el poder real y los
mitos del mundo celestial. Esta visión del arte se encuentra
especialmente entre los egípcios y babilonios.

Escriba egipcio
Arte del Antiguo Egipto
En el arte egipcio hay una exaltación de la vida eterna,
manifestándose en las primeras épocas la idea que el faraón
seguía viviendo después de su muerte física. En Egipto, desde las
primeras dinastías, el faraón era concebido como responsable de
la Maat, el Orden y la Justicia Universal, y ello tendrá su reflejo
en el arte.
Bajorrelieve. Louvre
La arquitectura egipcia, de fuerte carácter simbólico y gran
monumentalidad, emplea por primera vez la piedra tallada, en grandes bloques, con un
sistema constructivo adintelado y sólidas columnas. Las construcciones más características
de la arquitectura egipcia religiosa son los "complejos de las pirámides", los templos y las
tumbas (mastabas e hipogeos). Se han conservados pocos restos de arquitectura civil, pues
fueron construidos con adobe.
La escultura alcanza durante la cuarta dinastía el dominio absoluto de la técnica en
elegantes y realistas representaciones de escribas y estatuas de faraones de porte
majestuoso. Predominaba la "ley de la frontalidad".
Las representaciones murales, en bajorrelieve o pinturas, representan con criterio simbólico
y jerárquico imágenes mitológicas, de la realeza y, posteriormente, escenas de la vida
cotidiana (en tumbas de nobles). Predominaba el "canon de perfil".
Arte clásico: Grecia y Roma
 Los griegos son los responsables de un concepto de arte que
impregnará prácticamente toda la producción artística europea
occidental durante más de 2000 años. La palabra griega para el
arte, tekné, que también significa técnica u oficio, estará asociada
a la idea de mímesis, que considera que en el mundo real, la
manifestación artística debe representar la búsqueda de lo ideal.
Lo ideal, para los griegos, era representado por la Perfección de la
Naturaleza, de esta forma, el arte debe ser perfecto. Por lo tanto,
según el punto de vista clásico, el arte es una imitación de la
naturaleza, mas no se reduce a un simple retrato de ella, sino que
busca una naturaleza ideal y universal. La búsqueda de este ideal
universal de naturaleza es, para el arte clásico, la búsqueda de la
belleza universal, pues la naturaleza, siendo perfecta, es bella. No
existe separación, según este punto de vista, entre arte, ciencia,
matemáticas y filosofía: todo conocimiento humano está destinado
a la búsqueda de la perfección.

Escultura clásica
Los griegos son responsables también de una serie de avances desde el punto de vista
técnico de la producción artística. El arte griego por excelencia fue la escultura: los griegos
la desarrollarán de forma impresionante, y será considerada un modelo a seguir por otras
culturas del mismo periodo. La búsqueda de las proporciones naturales perfectas llevó
también a que la escultura griega estableciese determinados cánones de belleza que, aunque
absolutamente naturalistas, estaban alejados de la realidad cotidiana. Las proporciones de
los cuerpos humanos ideales seguían normas rígidas, de forma que la producción
escultórica fuese una búsqueda y una consecuencia de estos cánones: por ejemplo, la altura
del cuerpo masculino debería corresponder aproximadamente a siete veces y media la altura
de la cabeza. Esta proporcionalidad llegó hasta nuestro días principalmente gracias a la
conservación de los textos vitruvianos durante la Edad Media, aunque es probable que
tratados distintos reflejasen reglas diferentes.
En el terreno de la arquitectura, los edificios más característicos del arte griego son los
templos, los cuales suelen clasificarse según la tipología de sus plantas y el orden o estilo
de las columnas. Los romanos reproducirán muchos de los esquemas arquitectónicos
griegos, pero introduciendo además nuevos elementos como el arco, así como nuevas
técnicas y materiales de construcción. En Roma, por otro lado, la arquitectura civil cobrará
una mayor importancia.
Arte medieval
Periodo: siglo VI - siglo XV
El arte durante la Edad Media estuvo casi exclusivamente ligado a la religión, más
concretamente al cristianismo. Durante este periodo, en el que la inmensa mayoría de los
campesinos era iletrada, las artes visuales eran el principal medio para comunicar las ideas
religiosas junto con los sermones. La Iglesia Católica era una de las pocas instituciones lo
suficientemente ricas como para pagar la obra de los artistas, y por tanto la mayor parte de
las obras de este periodo eran de naturaleza religiosa (condicionando la aparición de lo que
se conoce como arte sacro).
 Pintura medieval: pedagógica, religiosa
Desde la caída del Imperio romano, muchas de las técnicas
artísticas de la Grecia Antigua se perdieron, lo que llevó a la
pintura medieval a ser mayoritariamente bidimensional. Como no
existía ninguna noción de perspectiva en el arte, las personas
retratadas eran pintadas mayores o menores de acuerdo con su
importancia. Junto con la pintura, la tapicería era la más
importante forma de arte medieval, teniendo en cuenta que los
tapices eran necesarios para mantener el calor interno de los
castillos (construidos en piedra) durante el invierno. La tapicería medieval más famosa es el
ciclo de La Señora y el Unicornio.
Los dos principales estilos arquitectónicos (relacionadas principalmente con la construcción
de catedrales) fueron el románico y el gótico. El románico se caracterizaba por muros
gruesos y estructuras macizas, apenas aligeradas por vanos. El gótico, caracterizado por
construcciones de una mayor altura y con un gran número de vanos, supuso la aparición de
nuevas técnicas de construcción, pudiéndose prescindir de muros gruesos gracias al uso de
las bóvedas de crucería en las que la estructura de nervios se independizó de los paños. En
la construcción de las catedrales se buscaba crear una sensación "mística" en el interior de
las mismas, es decir, se buscaba unos interiores que recrearan un ambiente "celestial",
efecto que se hace más notorio en el gótico.
Un hecho a tener en cuenta es la aparición de los gremios en este periodo, reuniendo a
artesanos que detentaban el monopolio del conocimiento práctico de determinada rama de
la producción. Se debe resaltar que el pueblo durante la Edad Media no poseía el hábito de
la lectura, y eran muy pocos los que tenían acceso a la escritura y podían leer. Por lo tanto,
el arte fue una forma de difundir en la sociedad la doctrina del cristianismo.
Resulta difícil identificar a artistas individuales en este periodo, salvo algún maestro de
obra en las construcciones arquitectónicas, y la mayor parte de las obras son de autores
anónimos.
El Renacimiento
Periodos:
• Renacimiento italiano - finales del siglo XIV hasta mediados del siglo XVI
• Renacimiento nórdico - siglo XVI
 El Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci es el
símbolo del espíritu humanista del Renacimiento. El
arte de este periodo A arte do período refleja las
características del diseño: clasicismo, razón y simetría.
Durante la Edad Media europea, las pinturas y
esculturas tendían a estar centradas en el tema religioso,
especialmente en el Cristianismo. Pero, a medida que el
Renacimiento emergía, el foco de atención de los
artistas se traslada hacia el pasado clásico, buscando
influencias en la Grecia Antigua y Roma, llevando a
profundos cambios tanto en los aspectos técnicos como
en cuanto a los motivos y temáticas de la pintura y la
escultura. Los pintores pasaron entonces a aumentar el
realismo de sus trabajos usando las nuevas técnicas de
perspectiva (recién redescubierta y bastante
desarrollada), representando de un modo más realista
las tres dimensiones. La manipulación de la luz y y la
sombra, presente en los trabajos de Ticciano con contraste de tonos, fue realizada
excelentemente mediante las técnicas de chiaroscuro y de sfummato desarrolladas por
Leonardo da Vinci. Los escultores también redescubrirán muchas técnicas antiguas como el
contrapposto.
También se adoptarán muchos elementos de la arquitectura griega y romana, pero la gran
innovación de la arquitectura renacentista va a ser el perfeccionamiento de la construcción
de cúpulas, destacando la cúpula de Santa María del Fiore, en Florencia.
Siguiendo el espíritu humanista del periodo, el arte se volcó hacia temáticas más laicas,
buscando motivos en la mitología clásica añadiéndolos a los temas cristianos. Este género
de arte suele denominarse clasicismo renacentista. Los tres artistas renacentistas más
influyentes son Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Rafael Sanzio,
pertenecientes al renacimiento italiano.
Otra figura igualmente importante aunque menos conocida del Renacimiento (en este caso,
de la pintura flamenca) es Jan van Eyck, pintor holandés.

Manierismo, Barroco y Rococó

En el arte europeo, el Clasicismo renacentista dio lugar
sucesivamente a dos movimientos diferentes: el Manierismo y
el Barroco. El primero, una reacción contra la perfección
idealista del Clasicismo, empleó la distorsión de la luz y de los
espacios en la obra con el fin de enfatizar su contenido
emocional y las emociones del artista. El arte barroco llevó el
las técnicas de representación del Renacimiento hasta nuevas
alturas, enfatizando los detalles y el movimiento en su
búsqueda de la belleza. Tal vez los pintores barrocos más
conocidos sean Rembrandt, Rubens y Velázquez.
Retrato de Rembrandt.
El manierismo supone una época de transición y de profunda crisis del arte. Los artistas
jóvenes, criados en la veneración del oficio de sus geniales predecesores (Miguel Ángel,
Leonardo y Rafael), creen en su mayoría insuperables los logros de estos. Se prueban
diferentes alternativas para poder continuar su estela: imitar el estilo -la maniera, que da
nombre al manierismo-, a base de complicar todavía más escorzos y contrastes, o buscar
extraños colores y armonías, o representar extrañas alegorías que incluso en su época eran
oscuras para los no iniciados.
El barroco se ha despreciado posteriormente por ser un arte recargado, en el que se le da un
especial énfasis a la expresividad, muchas veces exagerada.
Pero también es la época de mayor esplendor de las artes visuales, música, literatura y
arquitectura en muchos países europeos.
El arte barroco es frecuentemente visto como parte de una estategia de la Contrarreforma o
reforma católica: el elemento artístico del auge de la vida espiritual de la Iglesia Católica.
Para algunos historiadores del arte el énfasis que el arte barroco da a la grandiosidad es
visto como un reflejo del Absolutismo. Luis XIV de Francia dijo: "Yo soy la encarnación
de la grandiosidad" y muchos artistas barrocos servirán a los reyes buscando ese mismo
objetivo. Sin embargo, el amor barroco por el detalle es con frecuencia considerado como
el resultado de un excesivo ornamentalismo, en cierta forma, vulgar, especialmente cuando
el Barroco evoluciona hacia el estilo decorativo del Rococó. Después de la muerte de Luís
XIV, el rococó floreció por un corto periodo de tiempo, decayendo enseguida. Como efecto
de la aversión a la ornamentación excesiva del Rococó tendrá lugar el nacimiento del
neoclasicismo.
Periodos:
• Manierismo - siglo XVI
• Barroco - siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII
• Rococó - mediados del siglo XVIII

Neoclasicismo, Romanticismo, Academicismo, Realismo

A medida que el tiempo pasaba, muchos artistas se manifestaban contrarios al
ornamentalismo de los estilos anteriores, y buscaran volver al arte anterior, más simple, del
Renacimiento, formando el estilo que será conocido como Neoclasicismo. El neoclásico fue
el componente artístico del movimiento intelectual conocido como Iluminismo, el cual era
igualmente idealista. Ingres, Canova y Jacques-Louis David están entre los más conocidos
neoclásicos.
En la arquitectura los teóricos van a adoptar de nuevo las formas del Arte Romano y
Renacentista, pero defendiendo la racionalidad y funcionalidad de las construcciones y
desechando el dinamismo y los elementos ornamentales que habían caracterizado la etapa
anterior. Otro elemento característico de la arquitectura neoclásica es su monumentalidad,
utilizada con la finalidad de comparar los reinos e imperios del momento con la
grandiosidad del Imperio Romano.
No puede obviarse, en la génesis del Neoclasicismo, la importancia de un cambio de
mentalidad -no por casualidad surge en el Siglo de las Luces, siglo también de la
Enciclopedia, la Revolución Francesa y la primera Revolución Industrial, así como del
nacimiento de la Arqueología, y los importantes hallazgos de Pompeya y Herculano, y la
 creciente importancia de los libros de viajes, que aportaron
un punto de vista nuevo sobre la cultura clásica y en cierto
modo la pusieron de moda.
La libertad guiando al pueblo, de Eugène Delacroix,
es uno de los cuadros más importantes del Romanticismo.
De la misma manera que el Manierismo rechazaba el
Clasicismo, el Romanticismo rechazaba las ideas iluministas
y la estética neoclásica. El arte romántico utilizaba el color y
la gestualidad con el fin de retratar las emociones, pero,
como el clasicismo, utilizaba la mitología clásica y la
tradición como una importante fuente de simbolismo. Otro importante aspecto del
Romanticismo fue su énfasis en la naturaleza, en el retrato del poder y la belleza del mundo
natural, siempre idealizado de acuerdo con un yo. El Romanticismo fue también un gran
movimiento literario, especialmente en la poesía. Entre los mayores artistas románticos
están Eugène Delacroix, Francisco Goya, y William Blake.
Muchos artistas de este periodo tenderán a presentar una posición centralizadora que los
llevó a adoptar simultaneamente características diferentes de los estilos romántico y
neoclásico, como forma de sintetizarlos. Las distintas tentativas tomaran forma en la
Academia Francesa, y reuniéndose colectivamente en la Academia de Arte. Se considera
que William Adolphe Bouguereau encabeza esta nueva tendencia artística.
A inicios del siglo XIX, el aspecto y la sociedad de Europea se vieron radicalmente
alterados por la industrialización. La pobreza, la miseria y el desespero parecían ser el
destino del nuevo proletariado creado por la Revolución Industrial. En respuesta a estos
cambios acontecidos en la sociedad surge el movimiento realista. El realismo procura
retratar esmeradamente las condiciones de vida y dificultades por las que pasan las clases
populares en la esperanza de cambiar la sociedad. Para este movimiento, el artista debe
representar su tiempo, sin que tenga que posicionarse por un partido definido: debe retratar
los puntos que considera adecuados, denunciando la sociedad. En contraste con los
románticos, que eran esencialmente optimistas con el destino humano, el Realismo retrató
la vida de las profundidades de una tierra urbana sin orden. Al igual que el Romanticismo,
el Realismo se desarrolló también como un movimiento literario. Entre los grandes pintores
realistas están Gustave Courbet y Edouard Manet (quien abriría el camino para el
Impresionismo).
Es interesante notar que, el neoclasicismo haya sido dejado para el principio cuando con la
aparición de los nuevos estilos, este continuó existiendo puntualmente y, en ciertos lugares,
la arquitectura neoclásica perdurará hasta inicios del siglo XX.
Periodo:
• Neoclasicismo - siglo XVIII al siglo XIX
• Romanticismo - fines de siglo XVIII hasta mediados del siglo XIX
• Realismo: siglo XIX

Impresionismo, post-Impresionismo
 Surgido de la ética naturalista del Realismo, pero al mismo tiempo
apartándose de ella, creció un importante movimiento artístico: el
Impresionismo. Surge la fotografía y esta toma el lugar de la pintura de
retratos, y los artistas se volcarán en la búsqueda del elemento
fundamental de la pintura y destacado de la fotografía.
El Impresionismo de Claude Monet.
Se encontrará en la luz y el movimiento. Los impresionistas fueron los pioneros en el uso
de la luz en la pintura como forma de capturar la vida como vista por los
ojos humanos. Edgar Degas, Edouart Manet, Claude Monet, Camille
Pissarro y Pierre-Auguste Renoir estaban relacionados con el
movimiento impresionista.
Van Gogh representa una de las tendencias del Postimpresionismo.
Buscando nuevas formas de expresión y de diálogo con la realidad,
surgirán artista que, aunque con un origen impresionista, se separarán del movimiento,
previendo el advenimiento de lo moderno. Genéricamente llamados post-impresionistas,
entre los integrantes de este grupo (que no poseían ningún vínculo formal, siendo muchas
veces desconocidos unos de otros) se incluían Vincent van Gogh, Paul Gauguin y Paul
Cézanne.

Arte moderno y vanguardista

Aunque la conceptualización del arte moderno sea complicada (dependiendo del punto de
vista, este puede abarcar periodos y movimientos diversos), suele haber un consenso de que
este está estrictamente relacionado con las vanguardias artísticas que proliferaron a inicios
del siglo XX, consideradas como una evolución del obra del trío Van Gogh-Gauguin-
Cezànne. De cualquier forma, la idea de modernidad está en general relacionada con una
nueva forma de lidiar con el problema estético, repudiando las reglas de la tradición y
buscando un "espíritu de la época". A causa de esto, los distintos movimientos modernos y
vanguardistas son, muchas veces, antagónicos. En esta época también surge el cine.
Seguido del Impresionismo viene el fauvismo, considerado por algunos como el primer
género "moderno" de arte. Así como los impresionistas revolucionaron el uso de la luz,
también lo harán los fauvistas con el color, al ser repensado en cuanto expresión. Después
del fauvismo, el arte moderno comenzó a desenvolverse en todas las formas, yendo del
Expresionismo (preocupado por la evocación de emociones), al Cubismo (repensando el
espacio bidimensional y su relación con el espacio tridimensional), y el arte abstracto. Estas
nuevas formas de arte aumentarán los límites de las nociones tradicionales de lo que se
considera "arte" y se corresponde con los cambios similares que acontecían en la sociedad
humana, en la tecnología y el pensamiento.
En medio de un ambiente pesimista marcado por la Primera Guerra Mundial surge el
dadaísmo como corriente que intenta romper con todos los esquemas tradicionales del arte
y con la propia idea de belleza, presentándose a sí misma como una corriente antiartística.
El Surrealismo es normalmente clasificado como una forma de arte moderno. Pero los
propios surrealistas propusieron la corriente del surrealismo como una nueva era en la
historia del arte, diciendo que aquella noción (surrealismo en cuanto una de las fases del
arte del periodo) simplificaba demasiado la relación del surrealismo con la estética y
falsamente lo caracterizaría como un movimiento restringido a un determinado periodo.
Los surrealistas estaban preocupados con la "escritura automática" del ser humano,
reveladora de su subconsciente (el psicoanálisis de Freud influyó decisivamente en el
surrealismo).
Otras formas de arte moderno (algunas de las cuales se relacionan con el arte
contemporáneo) incluyen:
• Futurismo, Constructivismo, Letrismo, Expresionismo abstracto
Periodo: primera mitad del siglo XX
Arte contemporáneo
Aunque el eje cultural internacional continúe siendo predominantemente occidental,
teniendo en Nueva York y París sus capitales tradicionales, el arte practicado en los últimos
50 años han roto con ese límite: el arte practicado en Oriente, en África y otros lugares han
ganado más relieve.
De esta forma, el arte deja de estar limitado a los
conceptos occidentales tradicionales, incorporando nuevas
culturas y alejándose cada vez más de la idea de una
"tradición artística vernácula". Sin embargo, diversos
críticos alegan que, aunque existe una aparente
internacionalización de la cultura, el ideario occidental
continúa siendo vendido como modelo y todo lo que es
extranjero es vendido (y consumido) como "exótico".

Cartel de Pop Art de Andy Warhol

Entre los movimientos de arte contemporáneo se destacan
estos:
• Minimalismo
• Pop art
• Arte conceptual
Periodo: segunda mitad del siglo XX