Unidad 7.

La música instrumental del Barroco 3º ESO

DOSSIER DE APUNTES Y
ACTIVIDADES PARA EL
ALUMNO

UNIDAD 7. LA MÚSICA
INSTRUMENTAL DEL BARROCO

Profesora: Silvia Castelló Sánchez

Curso: 3º ESO
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o Contexto histórico: el periodo barroco

El Barroco es un periodo que abarca desde principios del siglo XVII hasta mediados del XVIII.
Tradicionalmente, se delimita el Barroco musical entre 1600, fecha de la publicación de la
primera ópera, y 1750, fecha de la muerte de J . S . Ba ch, el compositor más importante de
este periodo.
En las artes plásticas y en la arquitectura, el Barroco será un arte recargado, que buscará
emocionar al espectador mediante la búsqueda de la tensión y el movimiento. Pretende ser un
arte que exprese y transmita emociones.

Fuertes contrastes de luces y sombras

realzarán los efectos escenográficos de
muchos cuadros, esculturas y obras
arquitectónicas. Los escultores y
pintores barrocos buscaron
expresar los sentimientos interiores
y las pasiones de sus personajes a
través de la expresividad de sus
rostros y del movimiento de sus
cuerpos y ropajes.

Éxtasis de Santa Teresa, obra maestra de Bernini.

En la literatura, también surgirán importantes figuras como M o liè re en Francia, o

Cervan tes y C a lde rón en España. En la ciencia, asistimos en este periodo, al igual que en el
renacimiento, a grandes avances con científicos como G ali leo , al que se considera fundador
de la ciencia moderna, o Isaac N e wton.
En la época barroca resurgen con fuerza Imagen de la Galería de los
Espejos en el Palacio de Versalles
dos poderes importantes: la
Iglesia y la Monarquía.
La Iglesia Católica buscará
hacerse fuerte para combatir la
Reforma de L utero y, en Europa,
surgirán poderosas naciones, como
Francia, sustentadas en la
figura del rey.
El objetivo de la música barroca
será, al igual que el resto de
manifestaciones artísticas del arte
barroco, la búsqueda de la
emoción del oyente y, para ello,
.
empleará sus propios recursos.

Música al servicio del poder

Las grandes monarquías de este periodo creen importante rodearse de lujo, ya que lo
consideraban un signo de prestigio y poder. L ui s X IV, rey de Francia, tendrá en su Palacio
de Versalles una de las mejores orquestas de Europa.
La Iglesia Católica también verá en la música un instrumento útil para acercar a los fieles a su
doctrina.
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La Orquesta Barroca

Origen del término:

Orquesta, es una palabra de origen griego que significa “lugar para danzar”; era el
espacio donde, en el teatro, actuaban el coro y los instrumentistas. Cuando en la
Italia del siglo XVII se inventaba la ópera creyendo recuperar el drama griego, se usa
el mismo término, “orquesta” , para indicar el lugar en el que se colocaban los
músicos. Inmediatamente el término se empleará para indicar a un conjunto de
músicos que tocan juntos diversos instrumentos.

La orquesta barroca es aún pequeña en relación con la moderna, pero ya no se trata de

una serie de instrumentos unidos al azar, sino de un grupo pensado, donde la cuerda
será la espina dorsal de todo el conjunto.

El modelo de orquesta barroca es el siguiente:

o Familia de las cuerdas: compuesta por 5 violines primeros, 5 segundos, 4 violas, 5

violonchelos y 2 contrabajos
o Familia de viento: formada por 2 flautas, 2 oboes, 2 fagotes y 2 trompetas
o Familia de percusión: 2 timbales
o Finalmente el bajo continuo realizado por el clavicémbalo, arpa u órgano.
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Johann Sebastián Bach

(Alemania, 1685-1750)

Bach fue uno de los más grandes y productivos genios de la música europea.
Organista y compositor alemán del periodo barroco, Bach nació el 21 de marzo de
1685 en Eisenach, Turingia, en el seno de una familia que durante siete generaciones
dio origen, al menos, a 53 músicos de importancia, desde Veit Bach hasta Wilhelm
Friedrich Ernst Bach. Johann Sebastian recibió susprimeras lecciones musicales de su
padre, Johann Ambrosius, que era músico de la ciudad. A la muerte de su padre, se fue
a vivir y estudiar con su herman omayor, Johann Christoph, por entonces organista de
Ohrdruff. En 1700 Bach comenzó a ganarse la vida como miembro del coro de la
iglesia de San Miguel, en Lunneburg.
En 1703 pasó a ser violinista de la orquesta de cámara del príncipe Johann Ernst de
Weimar, pero más tarde, ese mismo año, se fue a Arnstadt, donde se convirtió en
organista de iglesia. En octubre de 1705 Bach consiguió un mes de permiso para
estudiar con Dietrich Buxtehude, renombrado organista y compositor danés, aunque
afincado en Alemania, quien por entonces se encontraba en Lubbeck y cuya música
influyó enormemente en Bach. Esta visita le gustó tanto que prolongó su estancia un
mes más de lo acordado, lo que levantó críticas por parte de las autoridades
eclesiásticas, que además se quejaban de las extravagantes florituras y armonías con las
que acompañaba a la congregación en sus cantos religiosos. A pesar de todo, su arte ya
era demasiado respetado como para que estas críticas pudieran desembocar en su
despido. Bach fue nombrado organista en Arnstadt (1704-1707) para ser luego
destinado a Mulhausen donde contrajo matrimonio con su prima María Bárbara Bach.
En 1708 se convirtió en organista de la corte de Weimar y allí escribiría la mayor parte
de sus obras para órgano. Allí permaneció durante los siete años siguientes, y se
convirtió en concertino de la orquesta de la corte en 1714. En Weimar compuso unas
30 cantatas, incluida la conocida cantata de funeral Gottes Zeit ist die allerbeste Zeit
(El tiempo de Dios es el mejor), y también compuso obras para órgano y clavicémbalo.
Comenzó a viajar por Alemania como virtuoso del órgano y como asesor de organeros.
En 1717 Bach comenzó en un nuevo trabajo, que duró seis años, como maestro de
capilla y director de música de cámara en la corte del príncipe Leopoldo de Anhalt-
Köthen. Durante este periodo escribió fundamentalmente música profana para
conjuntos instrumentales e instrumentos solistas. También compuso libros de música
para su mujer e hijos, con el objeto de enseñarles la técnica del teclado y el arte de la
música en general. Estos libros incluyen el Clave bien temperado, las Invenciones y el
Pequeño libro de órgano. Un año después de que su primera mujer muriera en 1720,
Bach se casó con Ana Magdalena Wilcken, cantante e hija de un músico de la corte que
le dio trece hijos, además de los siete que había tenido con su anterior mujer, y lo
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ayudó en la labor de copiar las partituras de sus obras para los músicos que debían
interpretarlas.
En 1723 Bach se trasladó a Leipzig y allí permaneció el resto de sus días. Su
cargo de director musical y jefe de coro en la iglesia de Santo Tomás y en la escuela
eclesiástica de Leipzig no le satisfacía por diversas razones: tenía disputas continuas
con los miembros del consejo municipal, y ni ellos ni el pueblo apreciaban su talento
que se aferraba a formas obsoletas de música. A pesar de ello, las 202 cantatas que nos
han quedado de las 295 que compuso en Leipzig todavía se siguen escuchando,
mientras que música que entonces parecía novedosa ha quedado en el olvido. La
mayoría de las cantatas se inician con una sección de coro y orquesta, a ella sigue una
alternancia de recitativos y arias para voces solistas y acompañamiento, y concluyen
con un coral basado en un simple himno luterano La música está siempre muy ligada
al texto, y lo ennoblece con su expresividad e intensidad espiritual.

Entre estas obras destacan la Cantata de la Ascensión y el Oratorio de Navidad,

formado este último por seis cantatas. Las Pasiones según San Juan y según San Mateo
también están escritas durante el periodo de su estancia en Leipzig, al igual que su
magnífica Misa en si menor. Entre las obras para teclado compuestas durante este
periodo destacan las famosas Variaciones Goldberg, el segundo libro del Clave bien
temperado y el Arte de la fuga, magnífica demostración de su conocimiento
contrapuntístico, formada por 16 fugas y cuatro cánones, todos sustentados en el
mismo tema. Tras sufrir varios años de ceguera, Bach moriría en Leipzig a los 65 años.
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George Friedrich Haendel

(Alemania, 1685-1759)

Compositor alemán, aunque nacionalizado británico. Fue uno de los más

grandes compositores de la última etapa barroca. Nació el 24 de febrero de1685 en
Halle, Alemania, en el seno de una familia sin tradición musical. No obstante, su
talento se manifestó de tal manera que, antes de cumplir los diez años, comenzó a
recibir, de un organista local, las únicas clases a las que asistió en toda su vida. Aunque
su primer trabajo, a los 17 años, fue como organista de iglesia en Halle, sus gustos
musicales no correspondían con ese cargo. En 1703 se trasladó a Hamburgo, el centro
operístico de Alemania por ,que obtuvo gran éxito al año siguiente. Poco más tarde,
insistiendo en su deseo de conseguir prestigio como compositor de ópera, marchó a
Italia. Su primera parada fue en Florencia y en la primavera de 1707 viajó a Roma,
donde disfrutó del mecenazgo tanto de lanobleza como del clero. En Italia compuso
óperas, oratorios y pequeñas cantatas profanas. Su estancia en Italia finalizó con el
éxito de su quinta ópera,
Agrippina (1709), estrenada en Venecia.

Haendel abandonó Italia y comenzó a trabajar como compositor y director de

orquesta de la corte en Hannover, Alemania, a donde llegó en 1710. Pero, al igual que
ocurrió con su estancia en Halle, no permaneció en este puesto durante mucho tiempo
y a finales de ese mismo año marchó a Londres, donde estrenó Rinaldo (1711) con un
nuevo triunfo. Tras regresar a Hannover le concedieron un permiso para viajar a
Londres por un corto periodo de tiempo, aunque esta vez se quedó en la capital
británica. En 1714, el elector de Hannover fue nombrado rey con el nombre de Jorge I
de Inglaterra. Después de algunos problemas con Haendel, volvieron a reconciliarse, le
dobló la cantidad de la pensión y fue nombrado tutor de los hijos del rey. Bajo el
mecenazgo del duque de Chandos, compuso su oratorio Esther y las 11 Anthems
Chandos para coro, solistas y orquesta (1717-1720).
En 1719 el rey le concedió una subvención para fundar la Royal Academy of
Music (centro del que fue presidente), destinada a los espectáculos operísticos. Allí se
estrenaron algunas de sus grandes óperas: Radamisto (1720), Giulio Cesare (1724),
Tamerlano (1724) y Rodelinda (1725). En 1727 Haendel obtuvo la nacionalidad
británica. El año 1728 la Royal Academy se derrumbó; no obstante, al año siguiente
fundó una nueva compañía. En 1734 se vio forzado a trasladarse a un nuevo teatro por
las presiones de la Opera of the Nobility compañía rival, y continuó componiendo
ópera hasta 1737, año en que las dos empresas dejaron de funcionar. En 1737, un
ataque de parálisis le obligó a permanecer una temporada inactivo y se retiró a
Aquisgrán. En 1738 retomó la composición operística y en 1741 compuso su última
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ópera, Deidamia. Durante los años treinta se consagró, en primer lugar, a la

composición de oratorios dramáticos en inglés, como Athalia (1733) y Saúl (1739), y
en segundo lugar, a obras instrumentales interpretadas junto a los oratorios, entre las
que se encuentran algunos de sus más importantes conciertos: los conciertos para
solistas del opus 4 (1736, cinco para órgano y uno para arpa), y los 12 Concerti grossi
opus 6 (1739). En 1742 estrenó en Dublín el oratorio El Mesías, su obra más famosa.
Hasta 1751 continuó componiendo oratorios, entre los que se incluyen obras maestras
como Sansón (1743) y Salomón (1749); fue entonces cuando su vista comenzó a fallar.
Murió en Londres el 14 de abril de 1759; la última representación musical que
escuchó fue El Mesías, el 6 de abril de ese mismo año.
Haendel evitó las rigurosas técnicas contrapuntísticas de su compatriota
ycontemporáneo Johann Sebastian Bach y basó su música en estructuras sencillas, de
acuerdo con sus creencias estilísticas. No obstante, la obra de ambos compositores
refleja la época en que vivieron. Tras ellos, la ópera tomó un camino diferente y los
géneros favoritos del barroco, como la sonata para trío y el concerto grosso, se
abandonaron durante mucho tiempo. El desarrollo de la orquesta sinfónica y del
pianoforte permitió investigar materias que se habían descartado en el periodo
barroco. A pesar de todo, la influencia de ambos compositores no descansa en
ejemplos específicos. El legado de Haendel se basa en la fuerza dramática y la belleza
lírica de su música. Sus óperas abarcan desde los esquemas rígidos y convencionales
hasta un tratamiento más flexible y dramático de los recitativos, ariosos, arias y coros.
Su habilidad para construir grandes escenas en torno a un sólo personaje la
desarrollaron compositores como Wolfgang Amadeus Mozart y el italiano Gioacchino
Rossini en sus escenas dramáticas. La herencia más importante de Haendel es, sin
duda, la creación del oratorio dramático, alejado de las tradiciones operísticas
existentes y llevado a término por su imaginación creativa. Los oratorios del austriaco
Josef Haydn y del alemán Felix Mendelssohn están influidos en gran medida por los de
Haendel. Fue uno de los primeros compositores de quien se escribió una biografía
(1760), que tuvo celebraciones por el centenario de su nacimiento y cuya música se
publicó en su totalidad (cuarenta volúmenes, 1787-1797). Ludwig van Beethoven
alabó estas publicaciones. A pesar de que hoy día, al igual que durante el siglo XIX, se
conoce a Haendel por obras como El Mesías y Música acuática, cada vez más se intenta
mostrar el resto de sus composiciones, especialmente las óperas. Su genio musical
merece ser recordado en toda su amplitud.
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Antonio Vivaldi

(Venecia, 1678 - Viena, 1741)

Compositor y violinista italiano. Igor Stravinski comentó en una ocasión que Vivaldi
no había escrito nunca quinientos conciertos, sino «quinientas veces el mismo
concierto». No deja de ser cierto en lo que concierne al original e inconfundible tono
que el compositor veneciano supo imprimir a su música y que la hace rápidamente
reconocible.

Autor prolífico, la producción de Vivaldi abarca no sólo el género concertante, sino

también abundante música de cámara, vocal y operística. Célebre sobre todo por sus
cuatro conciertos para violín y orquesta reunidos bajo el título Las cuatro estaciones,
cuya fama ha eclipsado otras de sus obras igualmente valiosas, si no más, Vivaldi es por
derecho propio uno de los más grandes compositores del período barroco, impulsor de
la llamada Escuela veneciana –a la que también pertenecieron Tommaso Albinoni y los
hermanos Benedetto y Alessandro Marcello– y equiparable, por la calidad y
originalidad de su aportación, a sus contemporáneos Bach y Haendel.

Poco se sabe de su infancia de Vivaldi. Hijo del violinista Giovanni Battista Vivaldi, el
pequeño Antonio se inició en el mundo de la música probablemente de la mano de su
padre. Orientado hacia la carrera eclesiástica, fue ordenado sacerdote en 1703, aunque
sólo un año más tarde se vio obligado a renunciar a celebrar misa a consecuencia de
una enfermedad bronquial, posiblemente asma.

También en 1703 ingresó como profesor de violín en el Pio Ospedale della Pietà, una
institución destinada a formar muchachas huérfanas. Ligado durante largos años a
ella, muchas de sus composiciones fueron interpretadas por primera vez por su
orquesta femenina. En este marco vieron la luz sus primeras obras, como las Suonate
da camera Op. 1, publicadas en 1705, y los doce conciertos que conforman la
colección L’estro armonico Op. 3, publicada en Amsterdam en 1711.

Con ellas, Antonio Vivaldi alcanzó renombre en poco tiempo en todo el territorio
italiano, desde donde su nombradía se extendió al resto del continente europeo, y no
sólo como compositor, sino también, y no en menor medida, como violinista, uno de
los más grandes de su tiempo. Basta con observar las dificultades de las partes solistas
de sus conciertos o sus sonatas de cámara para advertir el nivel técnico del músico en
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este campo.

Conocido y solicitado, la ópera, el único género que garantizaba grandes beneficios a

los compositores de la época, atrajo también la atención de Vivaldi, a pesar de que su
condición de eclesiástico en principio le impedía abordar un espectáculo considerado
en exceso mundano y poco edificante. De hecho, sus superiores siempre recriminaron
a Vivaldi su escasa dedicación al culto y sus costumbres laxas.
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FORMAS MUSICALES INSTRUMENTALES

BARROCAS

Las formas instrumentales barrocas más importantes son el concierto solista,

el concerto grosso y la suite de danzas (mayores) y la tocata, preludio y
fuga (menores)

El Concierto

Esta palabra tiene su origen en el término italiano concertare , que se

podría traducir con rivalizar, competir. Esto tiene sentido, ya que este género
instrumental se basa en cierta “rivalidad” entre diferentes grupos de
instrumentos. En el Barroco hubo dos variantes de este género:

Concierto grosso: la rivalidad o diálogo musical se establece entre

un pequeño grupo de instrumentos, llamado concertino , y el resto
de la orquesta o tutti. Suele constar de tres movimientos
contrapuestos:

1º Allegro 2º Lento 3º Allegro

Desde otro punto de vista, está integrado por el ritornello (retornar:

volver), que es la música que toca el tutti y que se repite, y el solo,
que es el material nuevo que toca el concertino:

R S R S’ R
Ritornello solo Ritornello Solo Ritornello

Destacaron como autores en este género Corelli y Haendel. El concierto

grosso desaparecerá a finales del Barroco, porque se impondrá el
concierto solista.
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1.Actividad .Audición de ejemplo:

En clase, escucha y sigue la partitura del Concierto de Branderburgo nº 2 en Fa M de J.S

Bach
Obra: Concierto de Branderburgo nº 2 en Fa Mayor
Autor: Johann Sebastián Bach
Objetivo: Comprensión del Concerto grosso
Forma: Concerto grosso
Género: Música Instrumental

Observa:
a) en el inicio, el ritornello, con sus cuatro partes ABCD.
b) Escucha cómo cada una de esas partes se repite de manera
constante
c) La existencia de dos bloques: viento y cuerda, que conforman
dos grupos: el concertino-solo: trompeta, flauta, oboe y violín; y grosso:
cuerda y bajo continuo.
d) los contrastes entre solos y tutti.
e) el movimiento mecánico del Barroco
f) después del ritornello, cómo cada instrumento solista va
exponiendo un tema nuevo.
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Concierto solista: se establece un diálogo entre un solo instrumento ( a

veces dos) y la orquesta. En él, un solista se en enfrenta a toda la
orquesta. En este concierto, la parte solista suele hacer gala de un gran
virtuosismo instrumental. Poco a poco la forma concierto crece y se hace
más sofisticada. El concierto solista ha sido muy cultivado por todos los
grandes compositores como Vivaldi o Bach y casi todos los
instrumentos tienen escritos algún concierto para ese instrumento y
orquesta.
Se estructura en tres partes o movimientos que contrastarán en el
tempo:

1º Rápido 2º Lento 3º Rápido

ACTIVIDAD

2. Escucha un fragmento de cada uno de los tres movimientos del

Concierto para oboe Op.2 en re m, de AIbinoni y después interpreta
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un movimiento de un concierto para flauta dulce perteneciente a

Vivaldi. Se trata de una pieza llamada ¡Viva Vivaldi!. En tu cd
tienes la música que acompañará tu solo. A continuación tienes la
partitura a interpretar:
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Suite: La suite está compuesta por una serie de danzas o

movimientos de danza de distinto carácter y ritmo, con lo que se
consigue dar el sentido dramático de “contraposición” típico del
Barroco Durante el siglo XVII adquiere una gran importancia y tanto
en Italia como en Francia, Alemania e Inglaterra se cultiva
enormemente. Posteriormente en Francia, con Couperin también
alcanza gran esplendor. El número de piezas de que puede estar
compuesta es muy variable.

3. Actividad:
Escucha la Suite nº 2 en si menor BWV 1067 de Johann Sebastian
Bach y realiza las siguientes actividades:

3.1. Completa el siguiente cuadro

NOMBRE DE LA DANZA TEMPO RITMO

Obertura
Rondó
Zarabanda
Bourré
Polonesa
Minueto
Badinerie
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3.2. Averigua la forma del Rondó

3.3. Averigua la forma de la Bourré y realiza un musicograma
3.4. Indica cuál es la textura de la Zarabanda
3.5. Realiza un comentario valorativo de la obra

Tocata :La tocata es una forma musical libre de carácter variable y

pensada para ser ejecutada por un instrumento de teclado. Nació en
Italia, hacia el final del S.XVI. Consta de varios movimientos, tanto
lentos como rápidos y es de mucho virtuosismo

Se confunde a veces con el Preludio, pues se utilizaba muchas veces como

introducción a la Fuga.

Preludio : pieza instrumental que precede a una obra más extensa o

a un grupo de piezas. En su origen, los preludios consistían en las
improvisaciones que realizaban los instrumentistas para comprobar
la afinación de sus instrumentos y las que realizaban los organistas
para establecer la altura y el modo de la música que iba a cantarse
durante la liturgia.

Fuga: es la manifestación técnica y artística más madura y libre

de la escritura contrapuntística. Es imposible encasillar todas
las fugas escritas bajo un solo patrón uniforme. Cada una
difiere en uno u otro detalle estructural de las demás, aunque
se pueden incluir en dos grandes grupos: la fuga libre y la
fuga de escuela o escolástica. Es en esta última donde la
estructura es fija e imperturbable y sigue unos patrones
estructurales, formales y de modulación preestablecidos.
Las fugas generalmente tienen tres o cuatro partes, es
decir, voces melódicas; pero existen composiciones
orquestales de hasta ocho o diez voces. Son raras las fugas de
dos partes, donde el tema sólo puede ir de la voz superior a la
inferior. Un ejemplo de fuga a dos partes es la Fuga en Mi
menor del primer libro de El clave bien temperado de Johann
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Sebastian Bach.
En la fuga, una breve frase musical llamada sujeto se superpone y
alterna con otra frase llamada contrasujeto.
ESTRUCTURA DE LA FUGA
Desde el punto de vista de la estructura, las fugas tienen
varias partes. La primera y más importante es la exposición, que
ocurre al comienzo de la fuga y consiste en la aparición del sujeto
o tema principal que será repetido por cada una de las voces,
aunque siempre. En algún punto después de que la primera voz ha
comenzado -cuando ya ha expuesto el sujeto en su totalidad-, la
segunda voz reproduce el tema, generalmente transpuesta a la
quinta superior (o cuarta inferior) del original; esto es, si el sujeto
está en Do, la respuesta cambiará de tono a Sol. El proceso se
repite hasta que todas las voces hayan introducido el sujeto o la
respuesta, en el caso de las fugas escolásticas. En la fuga libre
no es necesario que todas las voces expongan el tema.
Después llega una etapa libre en la que el compositor
introduce el sujeto ya sea en su estado original o modificado
mediante diferentes mecanismos como la aumentación (aumentar
la duración rítmica del sujeto), la disminución (disminuir la duración
rítmica del sujeto), la inversión (invertir los intervalos que
componen el sujeto), etc. Estas introducciones están separadas
por secciones libres llamadas episodios o divertimenti. Los
episodios consisten en modulaciones que permiten la entrada de
los sujetos. Muchas fugas tienen un mecanismo contrapuntístico
llamado stretto (estrecho), que consiste en exponer solapado, pero
a cierta distancia, el sujeto, la respuesta o el/los contrasujeto/s en
las distintas voces.

FORMA DE LA FUGA

Con relación a su forma esencial, la fuga esta integrada por

tres secciones: exposición, sección o secciones medias, sección
final y final:
- La exposición es la primera parte de la fuga donde el tema se
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expone una o más veces en cada una de las voces que

intervienen.
- La sección media sigue a la exposición y en ella se introducen uno o
más episodios de gran riqueza modulatoria: tonalidad relativa,
subdominante o dominante. Es frecuente el uso de pausas o
silencios de larga duración en esta segunda sección, con el
propósito de que cuando aparezca nuevamente el tema, adquiera
más interés.
- La sección final generalmente empieza cuando el sujeto vuelve a la
tonalidad inicial de la fuga y de aquí a la culminación de la obra.
- El final de una fuga suele consistir en varios compases añadidos a la
estructura principal, concluyendo así la obra con un adorno. Esta
conclusión es la coda.

4. Actividad:
A continuación, tienes la partitu ra de la Fuga en Fa #Mayor de “ El
clave bien temperado” de J.S. Bach. Escucha al mismo tiempo
dicha fuga y realiza un análisis en la partitura donde aparezcan
todos los aspectos de la fuga del apartado anterior: sujeto,
contrasujeto, división en secciones, etc.
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