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Sedientos de venganza, los aldeanos hacen traer a Daggerhorn al afamado
cazador de hombres lobo, el padre Solomon (Oldman), para que mate a la bestia
de una vez por todas. Sin embargo, la llegada del padre Solomon sólo trae más
agitación cuando advierte a todos que el hombre lobo toma forma humana de
día y puede ser cualquiera de ellos. Todos son sospechosos. El pánico se apodera
de la aldea cuando el número de victimas aumenta con cada luna sangrienta,
separando a la aldeanos que alguna vez fueron muy unidos. Valerie descubre
que tiene una conexión única con el lobo que inevitablemente los irá uniendo,
convirtiéndola en sospechosa... Y carnada.
Hardwicke dirigió “La Chica de la Capa Roja” con un guión de David
Leslie Johnson (“Orphan”). La cinta fue producida bajo el sello de Appian Way,
por Jennifer Davisson Killoran (“Orphan”), Leonardo DiCaprio, y Julie Yorn
(“Unstoppable”), con Jim Rowe, Michael Ireland y Catherine Hardwicke como
productores ejecutivos.
El equipo creativo detrás de cámaras es encabezado por la directora de
fotografía Mandy Walker (“Australia”), el director de arte nominado dos veces al
Oscar®, Tom Sanders (“Saving Private Ryan”, “Dracula”), las editoras Nancy
Richardson (“Twilight”) y Julia Wong (“X-Men: The Last Stand”), la diseñadora
de vestuario Cindy Evans (“Marley & Me”, “Thirteen”), y el supervisor de
efectos especiales Jeffery A. Okun (“The Day the Earth Stood Still”). Con música
de Brian Reitzell (“Lost in Translation”) y Alex Heffes (“The Rite”).
Warner Bros. Pictures presenta una producción de Appian Way, una
película de Catherine Hardwicke, “La Chica de la Capa Roja”. La película es
distribuída por Warner Bros. Pictures, Warner Bros. Entertainment Company.
www.lachicadelacaparoja.com
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SOBRE LA PRODUCCIÓN
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Para agregarle un giro al cuento clásico, en la película el depredador es un
hombre lobo, que se disfraza de humano hasta que la luna llena revela su
verdadera naturaleza. A partir de esa premisa, el guionista David Leslie Johnson
creó un misterio de asesinatos, en el cual todos son sospechosos y el terror y la
paranoia permean una comunidad entera.
Killoran afirma: “Cada uno de los personajes tiene un momento en el que
pierdes la confianza en él. Diseñamos la película para que cualquiera pudiera ser
el lobo”.
“Creo que David hizo un magnifico trabajo”, dice Hardwicke. “Se
sumergió en el origen de la leyenda para extraer la esencia. Después le añadió su
imaginación fértil a la mezcla, lo que realmente enriqueció la historia”.
Johnson comenta: “Hice mucho trabajo de investigación para ver cómo
había cambiado la fábula al pasar de generación en generación, de acuerdo al
lugar y el tiempo. Mucho antes de ser bellamente empaquetada, adornada con
un moño y presentada como un cuento de hadas, contenía algunos detalles
bastante gráficos y perturbadores y el final no era nada digerible. Me gusta la
idea de expandir los orígenes de la historia para generar más peligro, suspenso y
aventura”.
También hay romance. El personaje principal, Valerie, se encuentra
atrapada entre dos apuestos pretendientes: Peter, su amor de toda la vida y
Henry, el hombre que sus padres le escogieron para casarse. Las dudas con
respecto a la identidad del hombre lobo harán de su decisión un asunto no solo
de amor, sino de supervivencia. Para complicar más las cosas, un encuentro con
el lobo le revela una impactante verdad: comparten una única y muy íntima
conexión.
Amanda Seyfried interpreta a Valerie, cuya capa roja le da el nombre a la
historia. “El triángulo amoroso lo hace más interesante ya que Valerie no sabe en
quien confiar”, comenta la actriz. “Ella ama a Peter, pero repentinamente
comienza a notar detalles que hacen que dude. ¿Es el amor de su vida el hombre
lobo? Al mismo tiempo, ella desarrolla una relación cercana con Henry, lo que la
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ayuda a entender lo buen hombre que es. Sin embargo, también comienza a
haber dudas acerca de él. Ella necesita descubrir si lo que quiere es lo que
necesita”.
La combinación de amor joven, suspenso y leyenda inmediatamente
llamaron la atención de Hardwicke, quien recuerda: “Mientras leía el guión me
emocioné porque se desarrollaba en un mundo de fantasía, pero tenía un lado
oscuro. Era un thriller con giros inesperados, así como una absorbente historia de
amor, que también guardaba secretos que me sorprendieron. Me sentí cautivada
por el guión, ya que se jugaba cada vez más y cada vez más secretos y mentiras
eran expuestos”.
Para los productores, la decisión de que Catherine Hardwicke dirigiera
“La Chica de la Capa Roja” fue fácil de tomar. Killoran avala: “Catherine ha
demostrado su habilidad para acceder al alma de un público más joven de una
forma pocas veces antes vista. Es evidente en todas sus películas; nunca son
condescendientes o estereotípicas. Hay algo muy honesto en la manera en que
transmite la forma en que los adolescentes se comunican, piensan y ven el
mundo”.
El atractivo de colaborar con Hardwicke se extendió a las diferentes
generaciones representadas en el elenco, desde estrellas emergentes, hasta
veteranos en pantalla. La ganadora del Oscar®, Julie Christie, observa: “Catherine
fue una revelación para mí. Tiene una vitalidad fantástica y está llena de
felicidad, pero también se concentra mucho en lo que hace y tiene la habilidad
para terminar el trabajo. Trabajar con ella fue una experiencia muy positiva para
mí”.
“Al ver sus películas pensé que trabajar con Catherine sería intrigante”,
comenta Gary Oldman. “Esa fue una de las cosas que me atrajo del proyecto. Y
cuando la conocí, me encantó su pasión.”
Billy Burke, quien fue el único integrante del elenco en reunirse con
Hardwicke después de “Twilight”, comenta: “Tengo un lugar especial en mi
corazón para Catherine. Nunca he conocido a nadie con la energía que ella tiene,
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que además es contagiosa. Tiene una manera de inculcar en todos una sensación
de propósito compartido”.
Seyfried coincide. “Uno quiere un director que traiga entusiasmo y
emoción al set. Ella adora hacer películas y tiene mucha imaginación. Cuando
estábamos en la etapa de preproducción, me enseñó dibujos, fotos y videos que
había reunido, lo que realmente me ayudó a entender las diferentes facetas de mi
personaje. Verdaderamente ella es la directora más creativa con la que he
trabajado”.
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Hardwicke añade: “La paranoia comienza a apoderarse de ella al darse
cuenta de pequeños detalles en los que antes no había reparado y que ahora
cobran diferente significado. Toda su vida había visto a sus amigos y familiares
con unos ojos y de repente todo cambia, poniendo todo bajo la sombra de la
duda.”.
Esa sombra no tarda en caer sobre Peter y Henry, los dos jóvenes muy
diferentes que compiten por el corazón de Valerie, interpretados por los
ascendentes Shiloh Fernández y Max Irons, respectivamente.
Fernández cuenta: “Peter es un leñador que también es novio de Valerie.
Tienen que mantenerlo en secreto, ya que él es un huérfano pobre y casi un
forastero. Al principio de la película, descubre que ella ha sido prometida en
matrimonio a Henry, así que Meter le propone a Valerie que huyan juntos. Él
quiere mostrarle el mundo que ella jamás ha visto: la ciudad, el océano... Lo que
ella quiera, mientras puedan estar juntos. Sin embargo, antes de que puedan irse,
la tragedia ocurre. Descubren que la hermana mayor de Valerie, Lucie, ha sido
asesinada por el hombre lobo”.
También sabemos que Lucie estuvo enamorada de Henry, pero él solo
tiene ojos para Valerie. Irons comenta: “Henry es el herrero de la comunidad e
hijo de la familia más rica de la aldea. Él no entiende cómo es que Valerie ama a
Peter, ya que Henry honestamente cree que él es la mejor opción en términos de
la vida que puede ofrecerle”.
“Es un dilema romántico más antiguo que el tiempo mismo: ¿debe apostar
por lo seguro, quien, en este caso, también es increíblemente apuesto, o debe irse
por el que parece más peligroso, pero sensual y emocionante? Yo creo que
cualquier jovencita soñaría con tener este dilema, especialmente si tuviera que
escoger entre Shiloh y Max”, comenta Hardwicke entre risas.
“Shiloh tiene mucho corazón y espíritu y tiene muy buena química con
Amanda”, añade la directora. “También le infundió un misterio a su personaje
que hace que te preguntes qué sucede bajo la superficie”.
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Killoran añade: “Max tiene una presencia encantadora. Lo que más me
gustó de su actuación es que todo lo que hace viene de su fortaleza y honor, pero
también deja entreveer que Henry puede tener un lado obscuro. A la hora de
asignar los papeles, queríamos que la decisión de Valerie no fuera obvia; tenía
que ser una decisión difícil entre dos hombres maravillosos, pero muy diferentes,
que fueran dignos”.
Desde la perspectiva de los padres de Valerie, Suzette y Cesaire, ellos
tienen opiniones encontradas con respecto a quién hará feliz a su hija por el resto
de su vida.
Virginia Madsen, quien interpreta a Suzette, comenta: “Suzette piensa que
la única forma de que su hija tenga una mejor vida es casándose con el chico rico,
Henry, quien también es muy amable. Ella cree que su hija merece algo mejor
que un pobre leñador, el chico malo. Eso es solo pasión y no durará. Pero el
asesinato de su hija mayor, Lucie, amenaza con revelar secretos que hacen que
ella quiera proteger más a la hija que le queda. Aparte de eso, Suzette no quiere
que Valerie termine como ella: casada con un tonto e incompetente leñador”.
Billy Burke, que encarna a Cesaire, admite que su personaje “es un
hombre al que le gusta beber, pero su hija lo ama y le perdona sus errores. Tal
vez su atracción hacia Peter se debe al cliché que dice que las chicas se sienten
atraídas a hombres que les recuerdan a sus padres. Cesaire también es un
leñador, así que Peter le cae bien y lo considera un buen pretendiente para su
hija. Eso es solo parte del abismo que se ha formado entre él y su esposa con el
paso de los años, lo que probablemente se deba a su problema con la bebida. Él
no entiende cómo eso puede lastimar a alguien, él incluido”.
El integrante de la familia con quien Valerie se siente más cercana es su
abuela. “Comparten un gran vínculo”, confirma Seyfried. “Siempre han
compartido una conexión mucho más fuerte que la que Valerie tiene con sus
padres. La independencia de su abuela inspira muchísimo a Valerie”.
En “La Chica de la Capa Roja”, la abuela, interpretada por Julie Christie,
definitivamente no tiene la misma imagen que en el cuento clásico. Hardwicke
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enfatiza: “Una de las primeras cosas que dije fue que nuestra abuela de ninguna
forma sería muy vieja y arrugada. Es muy bohemia, usa rastas, vive en el bosque,
alejada de la aldea y tiene un aire misterioso que la rodea.
“Nos emocionamos mucho cuando Julie Christie aceptó el papel”,
comenta. “Es maravillosa y hermosa, me dejó sin aliento. Y Julie apreció que su
personaje no fuera una abuela vieja y arrugada”.
“Ella es una inconformista”, comenta Christie sobre el estilo de vida
ecléctico de su personaje. “Es una artista, una herbolaria y en cierta medida
sanadora. Es muy sabia y comprensiva y siempre ha sido como una protectora
para Valerie, quien siempre ha podido confiarle sus secretos más íntimos”.
Después de que el hombre lobo ataca a su propia familia, Valerie corre a
casa de su abuela, aunque los hombres de la aldea, sedientos de venganza, se
unen para rastrear a la bestia y matarla. Aunque su caza tiene un precio muy
alto, los hombres regresan creyéndose triunfantes. Mientras tanto, el sacerdote de
la aldea, el padre Auguste, seguro de estar haciendo lo mejor para su rebaño,
manda llamar al famoso cazador de hombres lobo a Daggerhorn, el padre
Solomon.
Lukas Haas, que interpreta al padre Auguste, dice: “Es un fanático
admirador del padre Solomon. Creo que el padre Auguste sinceramente quiere
hacer lo correcto, pero el hecho de que el lobo haya matado de nuevo también
puede ser la excusa perfecta para llamar a su ídolo. Su idolatría pudo haber
cegado su juicio, sin embargo, Auguste pronto comienza a darse cuenta de quién
puede ser el mayor peligro para su aldea”.
Gary Oldman aceptó el papel del extremista religioso, el padre Solomon,
al que describe como “un poseído". "No lo considero un villano. Más bien es un
hombre que ha visto el abismo y está completamente convencido de que su
misión es la correcta. Sinceramente cree que es la espada de Dios... Y tiene un
estilo peculiar para la moda”, comenta el actor inexpresivamente. “Me pareció
que podía divertirme con el papel. También me intrigó que fuera un giro obscuro
de un cuento que es obscuro de por sí. Cuando éramos niños, las historias como
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Caperucita roja probablemente nos hicieron tomar conciencia por primera vez de
la existencia del miedo. ¿Qué se esconde allá afuera en el bosque? En manos de
Catherine Hardwicke, lo descubrimos a través de otro cristal”.
“Trabajar con Gary Oldman fue un sueño hecho realidad”, asegura
Hardwicke. “Nunca termina de asombrarme. No solo no le teme a nada, sino que
es un actor generoso, solidario y es histéricamente gracioso. Todos en el set
estaban locamente enamorados de Gary y Julie”.
El padre Solomon llega en el momento en que la aldea va a celebrar la
muerte de la bestia, pero Solomon los reprende al asegurar que el terror no ha
acabado. Les informa que su “hombre lobo” no es más que un ordinario lobo gris
y que el verdadero hombre lobo sigue vivo. Es entonces cuando revela la
aterradora verdad: la criatura, que es humana de día, vive entre ellos. Solo bajo la
luna llena, uno de sus vecinos de confianza toma la forma del lobo. Peor aún,
ésta no es una luna ordinaria, sino un fenómeno cósmico que sucede cada trece
años cuando la luna y Marte se alinean, resultando en una luna sangrienta.
Cuando la luna sangrienta está en el cielo, la mordida del hombre lobo convierte
a la victima de presa en depredador, de humano a hombre lobo. Durante los
siguientes tres días las mismísimas almas de los aldeanos están en peligro.
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malévolo, pero también muy inteligente. Nuestro reto no era crear una criatura
verosímil, sino un personaje verosímil”.
Teniendo eso en cuenta, Okun y el equipo de efectos visuales de Rhythm
and Hues trabajaron para infundir expresión a la cara de la bestia, especialmente
a los profundos ojos cafés que, para Valerie, sirven de pista para conocer su alter
ego humano. Para perpetuar el misterio de la identidad de la bestia, Okun
sutilmente introdujo elementos de cada personaje. Explica: “El truco fue tomar
algo de la actuación de cada uno para que llevara al espectador a preguntarse
quién es realmente el hombre lobo...”
Se realizó mucha investigación para hacer el aspecto físico lo más orgánico
posible. El equipo de efectos visuales estudió cuidadosamente los movimientos
no solo de lobos, sino de hienas, guepardos, panteras, leones y varias razas de
perros. “Nuestro objetivo era mezclar la fuerza bruta de los cánidos con la
agilidad y elegancia de los felinos para no revelar si el lobo es macho o hembra”,
dice Okun.
En el set, el equipo de efectos especiales, junto al equipo de dobles,
dirigido por Andy Cheng, incorporaron una variedad de métodos para proveer
una presencia física al elenco con la que pudieran interactuar. A cada uno de los
lobos falsos se le dio un apodo nada feroz, como nos cuenta Okun: “Teníamos un
lobo de espuma de poliestireno llamado Stuffy, una cabeza de lobo peluda
llamada Fluffy, y una silueta de cartón llamada Flatty”.
El CGI fue esencial para concretar algunos de los elementos inanimados
de la película. Los escenarios para las secuencias en el interior y el exterior,
incluida la aldea entera de Daggerhorn, fueron construidos en sets en el Canada
Motion Picture Park en Vancouver, Columbia Británica. La producción expandió
los límites de los escenarios con una combinación de efectos especiales de alta
tecnología y espejos.
Sin embargo, hubo una toma que no necesitó expansión: una toma de
fantasía que fue filmada en la cima de una montaña cercana. Mientras Valerie y
Peter caminan hacia la cima, su capa roja contrasta dramáticamente con el manto
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de nieve blanca. El productor ejecutivo Jim Rowe recuerda: “Tuvimos que filmar
con el personal mínimo porque, a pesar de que rodamos en verano, a esa altura
el clima puede cambiar drásticamente sin aviso y tienes que poder salir de ahí en
un instante. Pero todo terminó sin contratiempos”.
Dentro del set, la directora de fotografía Mandy Walker se dio a la tarea de
idear la iluminación, desde días soleados hasta noches de luna. Hardwicke
comenta: “No sólo se trataba de crear luz exterior dentro de un escenario
cubierto, teníamos fuego, nieve y muchos ambientes diferentes, y todo tenía que
integrarse suavemente. Mandy nunca dejó de asombrarme con lo que logró”.
Al traer su amplio diseño de fondos a “La Chica de la Capa Roja”,
Hardwicke también colaboró de cerca con el director de arte Tom Sanders y la
diseñadora de vestuario Cindy Evans, al desarrollar la atmósfera y el aspecto
general de la película.
“Catherine es muy visual”, observa Killoran. “La primera vez que nos
encontramos con ella, trajo una presentación increíble que nos dejó en claro cómo
se imaginaba la película, trayendo un sentimiento muy fresco y contemporáneo a
un mundo de estilo gótico. Mucho de lo que se ve en la película viene en esa
primera presentación”.
Aunque el escenario claramente no es contemporáneo, los realizadores no
querían denotar un lugar o tiempo específico. “Queríamos situarla en nuestro
pequeño mundo de hadas, para que fuera consistente con los orígenes de la
historia”, afirma Hardwicke.
La rústica aldea de Daggerhorn se construyó con algunos elementos
distinguidos, que implican indicios del peligro en el que viven estas personas.
Muchas de las construcciones están sobre pilotes “porque esta gente le tiene
miedo al lobo y, de esa forma, pueden subir escaleras y cerrar las puertas con
cerrojos para que sea más difícil que el lobo los alcance”, aclara la directora.
Otra pista visual son las espinas que se encuentran a los lados de los
techos de toda construcción, así como en los árboles dentro y alrededor de la
aldea. Tom Sanders añade: “La idea era que la aldea representara un matorral
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espinoso en donde el conejo proverbial busca protección de los lobos. Es por eso
que se ven espinas por todos lados. Y en medio de esas espinas se encuentra la
casa de la abuela”.
Hardwicke recuerda: “Originalmente nos habíamos imaginado la casa de
la abuela como una maravillosa casa montada en un árbol, pero Tom tomó esa
idea y la modificó. Diseñó la casa en medio de árboles enormes, así que uno no
puede ver inmediatamente dónde terminan los árboles y dónde comienza la
casa. Y hay capa tras capa que añade mucho interés al aspecto visual. La casa
tiene un aire rústico, lo que queda perfecto con la personalidad de la abuela”.
Aparte del sentimiento rústico y tosco que da la aldea, todos los muebles
de las casas fueron fabricados desde cero. El decorador de escenarios Shane
Vieau dice: “Pensamos que podríamos conseguir lo que necesitáramos, sin
embargo, mientras más nos involucramos, nos dimos cuenta de que todo tenía
que tener una forma y un tamaño preciso. Ya que teníamos nuestras propias
tablas de madera, comenzamos a construir los muebles y de ahí salió todo.
Algunos de los integrantes de nuestro equipo eran carpinteros expertos, así que
disfrutaron mucho con este trabajo”.
Se usaron telas en los escenarios para dar color a los tonos apagados que
son inherentes a la madera, a las piedras y al metal.
Sin embargo, solo hay un lugar en donde aparece el color rojo: la
característica capa de Valerie, de donde se deriva el título “La Chica de la Capa
Roja”. Al comienzo de la preproducción, Hardwicke consultó al ilustrador Kit
Stolen sobre los conceptos iniciales para la importantísima capa. Después, la
directora se reunió con la diseñadora de vestuario Cindy Evans. “Cindy y yo
trabajamos juntas en ‘The Lords of Dogtown’ y ‘Thirteen,’ y me dio mucho gusto
trabajar de nuevo con ella. Tiene un muy buen gusto y realmente se preocupa
por los detalles a la hora de confeccionar los vestuarios para que coincidan con
cada uno de los personajes. Cindy comenzó a trabajar con el diseño de la capa
investigando estilos y telas de todo el mundo”.
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Hay dos encarnaciones de la capa roja: la primera, en una toma de
fantasía, mide 6 metros y está hecho de terciopelo; y la principal usada durante la
película. Evans explica: “Hicimos una extensa búsqueda de telas y hasta
contemplamos la posibilidad de crearla nosotros mismos hasta que nos topamos
con seda de Matka, también conocida como seda cruda, que era de tejido tupido
y de dos tonos, era perfecta. Tenía un patrón curvo y enigmático como a 25
centímetros del borde y ese patron estaba tejido a mano usando seis diferentes
tonos de rojo. La capa quedó muy linda”.
“Era hermosa”, asegura Amanda Seyfried. “Al usarla en verdad me sentí
como una bella damisela salida de un libro de cuentos”.
Para los vestuarios de los dos pretendientes de Valerie, Evans optó por el
contraste. Comenta: “El estilo de Peter viene de la necesidad, el de Henry de la
riqueza. Queríamos que Peter tuviera un look atrevido. Como un leñador pobre,
Peter hubiera cosido su ropa con pedazos de cuero y retazos de diferentes
materiales. Henry era lo opuesto. Al venir de una familia acomodada, él hubiera
tenido el dinero para usar ropa hecha a medida”.
Evans y Hardwicke guardaron el look más extravagante para el padre
Salomon, cuya vestimenta de color morado obscuro “es símbolo de su influencia
y riqueza”, dice Evans. “Hace siglos, sólo los tintes más caros se usaban para
producir el color morado. Era el color de la realeza y, para nosotros, sirvió para
presentarlo como un individuo poderoso”.
Evans y su equipo también fueron responsables de vestir al resto del
elenco principal, así como a los muchos extras. Los vestuarios fueron
confeccionados con telas naturales, principalmente seda cruda y cada pieza fue
teñida y envejecida individualmente.
Entre los aldeanos, el público podrá reconocer algunas de las figuras
familiares de cuentos de hada, incluyendo a los tres personajes porcinos que
tuvieron sus propios problemas con un gran lobo malvado.
Hardwicke reflexiona: “Pienso que, una de las razones por las cuales los
cuentos de hadas como Caperucita roja han durado tantos años es que nos
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permiten explorar y entender nuestros lados obscuros, aun siendo niños.
Representan la envidia, el miedo y hasta la muerte, y nos permiten lidiar con
todo eso de una manera muy visceral”.
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SOBRE EL ELENCO
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Su salto a la fama ocurrió en 2004, cuando hizo su debut en largometrajes
en el abrumador éxito, “Mean Girls”, dirigido por Mark Waters de un guión de
Tina Fey. Junto a sus coprotagonistas, Lindsay Lohan y Rachel McAdams,
Seyfried ganó un premio MTV Movie al Mejor Elenco. Al año siguiente, Seyfried
protagonizó la aclamada cinta independiente, “Nine Lives”, la cual tuvo su
premiere con buenas críticas en el Festival de Cine de Sundance y obtuvo varios
premios en festivales internacionales. Escrita y dirigida por Rodrigo García, la
cinta también incluyó en su elenco a Sissy Spacek, Glenn Close, Holly Hunter,
Robin Wright y Dakota Fanning.
Los créditos adicionales de Seyfried incluyen el drama basado en hechos
reales de Nick Cassavetes, “Alpha Dog”, protagonizado por Bruce Willis, Emile
Hirsch y Justin Timberlake; el drama con un gran elenco, “American Gun”, con
Donald Sutherland, Forest Whitaker y Marcia Gay Harden; y el thriller de terror,
“Jennifer’s Body”, el cual protagonizó junto a Megan Fox.
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Oldman comenzó su carrera en 1979 en los escenarios de Londres. Entre
1985 y 1989 actuó exclusivamente en el London’s Royal Court Theatre y en 1985,
fue nombrado Mejor Actor Nuevo por Time Out de Londres, por su trabajo en
“The Pope’s Wedding”. Ese mismo año compartió el premio London Critics’
Circle a Mejor Actor, con Anthony Hopkins.
En 1986, Oldman hizo su debut en largometrajes en “Sid & Nancy”,
obteniendo el premio Evening Standard British Film como Actor Nuevo más
Prometedor por su interpretación de la leyenda del punk rock, Sid Vicious. El
año siguiente, protagonizó “Prick Up Your Ears”, de Stephen Frears, ganando el
premio al Mejor Actor del London Film Critics Circle por su interpretación del
malogrado dramaturgo británico, Joe Orton. Desde entonces, se convirtió en uno
de los actores más respetados de la industria y apareció tanto en películas
comerciales como en aclamadas cintas independientes. Los créditos tempranos
de Oldman en cine también incluyen “Track 29”, de Nicolas Roeg; “Criminal
Law”; “Chattahoochee”; “Rosencrantz & Guildenstern Are Dead”, de Tom
Stoppard, por la cual recibió una nominación al premio Independent Spirit como
Mejor Actor; “State of Grace”; “Henry & June”; “JFK”, de Oliver Stone, en la cual
interpretó a Lee Harvey Oswald; y el papel homónimo en “Dracula”, de Francis
Ford Coppola.
El trabajo posterior de Oldman en cine incluye papeles memorables en
“True Romance”, de Tony Scott; “Romeo is Bleeding”; las cintas de Luc Besson,
“The Professional” y “The Fifth Element”; “Immortal Beloved”; “Murder in the
First”; “The Scarlet Letter”, de Roland Joffe; “Basquiat”, de Julian Schnabel; “Air
Force One”, de Wolfgang Petersen; la versión para televisión de “Lost in Space”;
y “Hannibal”, de Ridley Scott. Más recientemente, protagonizó la adaptación de
Robert Zemeckis al clásico de Navidad de Charles Dickens, “A Christmas Carol”
y “The Book of Eli”.
En 1995, Oldman y su socio gerente/productor, Douglas Urbanski,
formaron la compañía de producción The SE8 Group, la cual produjo el debut
como director de largometrajes de Oldman, “Nil by Mouth”, también escrita por
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Oldman. La cinta fue invitada para abrir el Festival de Cine de Cannes número
50 en 1997 en la competencia principal, donde Kathy Burke ganó el Premio a
Mejor Actriz por su papel. Además, Oldman ganó dos Premios BAFTA por
Mejor Película Británica y Mejor Guión, el Premio a Director del Channel 4 en el
Festival Internacional de Cine de Edimburgo de 1997, y el Premio Empire como
Mejor Cinta Debutante. También sirvió como productor ejecutivo y protagonizó
la cinta de SE8 Group, “The Contender”, la cual recibió dos nominaciones al
Oscar®, y le dio a Oldman una nominación al premio del Screen Actors Guild®
como Mejor Actor de Reparto.
En la pantalla chica, Oldman obtuvo una nominación al Emmy por su
actuación especial como un actor alcohólico en la exitosa serie cómica, “Friends”.
Su trabajo anterior en televisión incluye las películas para televisión “Meantime”,
dirigida por Mike Leigh, y “The Firm”, dirigida por Alan Clarke.
BILLY BURKE (Cesaire) es bien conocido por los fans del género por su
papel de Charlie Swan en la exitosa franquicia cinematográfica, “Twilight”. Él
creó un el papel en la primera película, “Twilight”, la cual también marcó su
primera colaboración con la directora Catherine Hardwicke. Desde entonces,
Burke ha repetido su personaje en las secuelas “New Moon” y “Eclipse”. Regresa
en “The Twilight Saga: Breaking Dawn”, la cual será estrenada en dos partes: la
primera llegará a los cines en noviembre de 2011 y la segunda en 2012. Burke
tiene varias otras próximas cintas, incluyendo “Drive Angry 3D”, la cual co
protagonizará con Nicolas Cage, y el largometraje independiente, “Highland
Park”.
Burke también ha podido ser visto en los thrillers dirigidos por Gregory
Hoblit, “Untraceable”, con Diane Lane, y “Fracture”, con Anthony Hopkins y
Ryan Gosling; la comedia romántica con un gran elenco, “Feast of Love”; el
drama de la vida real de Jay Russell, “Ladder 49”, con John Travolta y Joaquin
Phoenix; “Along Came a Spider”, de Lee Tamahori; “Without Limits”, del
guionista y director Robert Towne; y “Jane Austen’s Mafia!”, de Jim Abraham.
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Otros proyectos adicionales en cine de Burke incluyen varios largometrajes,
como “Forfeit” y “Dill Scallion”, por nombrar algunos.
En televisión, Burke recientemente ha tenido papeles recurrentes en la
serie de TNT, “Rizzoli and Isles” y en la serie de TBS, “My Boys”. Previamente,
tuvo una actuación especial de siete episodios en la segunda temporada de la
exitosa serie de acción, “24”. También interpretó un papel recurrente en la serie
“Wonderland”, creada por Peter Berg, y ha tenido papeles como invitado en
series como “Law & Order”, “Fringe” y “The Closer”.
Además de actuar, Burke es un logrado músico que toca la guitarra y el
piano. Actuó en Seattle con la banda de rock Outcast Theater durante varios
años. Su disco debut, Removed, salió a la venta en junio pasado.
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En televisión, Fernández ha participado en “Gossip Girl” y ha tenido
papeles recurrentes como invitado en varias series, incluyendo “Jericho”,
“United States of Tara”, de Showtime, creada por Diablo Cody, “Three Rivers” y
“CSI: NY”.
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un elenco que incluye a Meryl Streep y Kevin Kline; “The Astronaut Farmer”,
junto a Billy Bob Thornton; “The Number 23”, de Joel Schumacher, con Jim Carrey;
el largometraje independiente, “Ripple Effect”, para el cual también fue
productora ejecutiva; “Diminished Capacity”, al lado de Matthew Broderick; y
“The Haunting in Connecticut”. Además, Madsen tiene varias películas en puerta,
incluyendo “Father of Invention”, con Kevin Spacey; “The Art of Love” y “The Bell
Jar”, basada en la famosa novela de Sylvia Plath.
Madsen también formó su propia compañía productora, Title IX
Productions, en sociedad con Karly Meola. Su primer proyecto fue el documental
”I Know a Woman Like That”, el cual fue preestrenado en el Festival de Cine de
Phoenix en 2009, y después tuvo su premiere oficial en el Festival de Cine de
Chicago de 2009. Dirigido por la madre de Madsen, Elaine Madsen, el
documental es un retrato de mujeres extraordinarias de entre 64 y 94 años. Title
IX tiene también varios otros proyectos en desarrollo.
Los créditos anteriores en cine de Madsen incluyen “The Rainmaker”, de
Francis Ford Coppola, con Matt Damon; “Ghosts of Mississippi”, de Rob Reiner,
con Alec Baldwin, Whoopi Goldberg y James Woods; el clásico de culto de terror
“Candyman”; “The Hot Spot”, dirigida por Dennis Hopper; “Slam Dance”, de
Wayne Wang; y “Dune”, de David Lynch.
En la pantalla chica, Madsen protagonizó la serie de ABC “Scoundrels”, y
además tuvo un papel recurrente en la última temporada de “Monk”, junto a
Tony Shalhoub.
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“The Wizard of Loneliness”, “See You in the Morning”, de Alan J. Pakula, “The
Music Box”, de Costa-Gavras, y “Rambling Rose”, de Martha Coolidge, en la
cual el joven actor compartió una controvertida escena de seducción con Laura
Dern.
Sus créditos subsecuentes en cine incluyen “Convicts”, escrita por Horton
Foote; “Alan and Naomi”; “Leap of Faith”, con Steve Martin; “Everyone Says I
Love You”, de Woody Allen; “Mars Attacks!”, de Tim Burton; “Breakfast of
Champions”, de Alan Rudolph, con la cual también demostró su talento musical
en la banda sonora; “Brick”, de Rian Johnson; “Last Days”, de Gus Van Sant;
“Alpha Dog”, de Nick Cassavetes; “Material Girls”, que lo reunió con Martha
Coolidge; las cintas independientes “Gardener of Eden” y “The Tripper”, que
marcaron, respectivamente, los debuts como directores de Kevin Connolly y
David Arquette; y “Death In Love”, la cual fue proyectada en competencia en el
Festival de Cine de Sundance del 2008.
En televisión, Haas ha tenido apariciones especiales en las exitosas series
“24”, “Criminal Minds” y “Entourage”. Anteriormente, obtuvo una nominación
al Emmy por su actuación en el papel homónimo en “The Ryan White Story”.
Su trabajo temprano en actuación también incluye la producción teatral de
Lincoln Center, de 1988 de “Esperando a Godot”, en la cual Haas actuó con Steve
Martin y Robin Williams, bajo la dirección de Mike Nichols.
Además de su actuación, Haas ha disfrutado del éxito como músico. Un
talentoso baterista y pianista, ha tocado con artistas como Outkast y Macy Gray y
ha grabado su propio EP.
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como Mejor Actriz de un sinnúmero de importantes grupos de críticos,
incluyendo los de Nueva York y de Londres, entre otros.
Nacida en India, Christie fue educada en Inglaterra, donde tiempo
después estudió actuación. Hizo su debut en largometrajes en 1963, en “Billy
Liar”, dirigida por John Schlessinger. Dos años después, se reunió con
Schlessinger para protagonizar “Darling”, por la cual ganó un Premio de la
Academia®, así como un premio BAFTA, ambos como Mejor Actriz. Después,
tuvo papeles estelares en la cinta épica de David Lean, “Doctor Zhivago”; en
“Farenheit 451”, de Francois Truffaut; “Far from the Madding Crowd”, dirigida
por Schlessinger; y “Petula”, de Richard Lester.
La segunda nominación de Christie al Oscar® vino por su actuación en el
western de Robert Altman de 1971, “McCabe & Mrs. Miller”, al lado de Warren
Beatty. Durante la década del '70, también protagonizó “Shampoo” con Beatty,
dirigida por Hal Ashby, y la nueva versión de “Heaven Can Wait”, la cual fue
dirigida también por Beatty junto con Buck Henry.
Christie recibió su tercera nominación al Oscar® por su papel en
“Afterglow”, de Alan Rudolph, por la cual también obtuvo un premio
Independent Spirit y un premio Evening Standard British Film. Adicionalmente,
fue nombrada Mejor Actriz por numerosos y prominentes grupos de críticos.
Su larga lista de créditos en cine incluye también “Hamlet”, de Kenneth
Branagh, “DragonHeart”, de Rob Cohen, “Troy”, de Wolfgang Petersen, “Harry
Potter and the Prisoner of Azkaban”, de Alfonso Cuarón, “Finding Neverland”,
de Marc Forster, y la cinta antológica, “New York, I Love You”.
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SOBRE LOS REALIZADORES
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películas. Colaboró con notables directores como Cameron Crowe en “Vanilla
Sky”; David O. Russell en “Three Kings”; Costa-Gavras en “Mad City”; Lisa
Cholodenko en “Laurel Canyon”; y Richard Linklater en “The Newton Boys” y
“SubUrbia”.
Hardwicke nació en McAllen, ciudad fronteriza del sur de Texas, estudió
arte en México y recibió su título en Arquitectura de la Universidad de Texas en
Austin. Después de eso, se inscribió en los cursos de posgrado en la UCLA’s Film
School, en donde completó su primer corto de animación y acción con actores de
carne y hueso. La película le valió un premio Nissan Focus y salió de gira en el
país con el programa fílmico “Best of UCLA”.
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“Shutter Island”, película que marcó su cuarta colaboración con el director
Martin Scorsese. Actualmente, DiCaprio se encuentra rodando su papel
protagónico en “J. Edgar”, bajo la dirección de Clint Eastwood.
DiCaprio obtuvo su última nominación al Oscar® en 2007, por su
actuación en el drama “Blood Diamond” de Edward Zwick. Por este mismo
papel también recibió nominaciones para el Globo de Oro, el premio Critics’
Choice y el premio del Screen Actors Guild (SAG)®. Ese mismo año, por su
actuación en la película ganadora del Oscar® como Mejor Película, “The
Departed” de Scorsese, también cosechó nominaciones para los siguientes
premios: el Globo de Oro, el BAFTA, el premio Critics’ Choice y el premio del
SAG®. También compartió una nominación al premio SAG® por Mejor
Interpretación del Reparto de una Película como miembro del elenco de “The
Departed”.
Previamente, obtuvo una nominación al Premio de la Academia® por su
actuación en la película biográfica del 2004, “The Aviator” de Scorsese. Su retrato
de Howard Hughes en esa película también le valió un Globo de Oro como
Mejor Actor en un Drama y nominaciones para el premio Critics’ Choice y el
BAFTA. También fue honrado con dos nominaciones para el premio del SAG®,
una por Mejor Actor y otra como Mejor Interpretación del Reparto de una
Película como parte del elenco de “The Aviator”.
Aparte de su carrera como actor, DiCaprio creó Appian Way, su propia
compañía productora. Bajo el sello de Appian Way escribió, produjo y narró el
aclamado documental ecologista “The 11th Hour”. Entre otras producciones de
Appian Way se encuentran las películas arriba mencionadas, “Shutter Island” y
“The Aviator”, así como “Orphan”, “Public Enemies”, “Gardener of Eden” y
“The Assassination of Richard Nixon”.
DiCaprio nació en Hollywood, California y comenzó a actuar a los 14
años. El papel que lo llevaría a la fama fue en la adaptación a la pantalla del
drama autobiográfico de Tobias Wolff de 1993, “This Boy’s Life” de Michael
Caton-Jones. Ese mismo año, tuvo un papel de reparto en la película “What’s
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Eating Gilbert Grape” de Lasse Hallström, lo que le valió su primera nominación
para el Oscar® y el Globo de Oro, por su interpretación de un joven mentalmente
discapacitado. Adicionalmente, ganó el premio del National Board of Review
como Mejor Actor de Reparto y el premio de Los Angeles Film Critics
Association al Actor Debutante por su trabajo en la película.
En 1995, DiCaprio tuvo roles protagónicos en tres películas distintas,
comenzando con el western “The Quick and the Dead” de Sam Raimi. También
recibió elogios por su actuación como Jim Carrol, un drogadicto en el
desgarrador drama “The Basketball Diaries” y por su interpretación del
trastornado poeta bisexual Arthur Rimbaud en “Total Eclipse,” de Agnieszka
Holland. Al año siguiente, DiCaprio actuó en la adaptación contemporánea
“William Shakespeare’s Romeo + Juliet” de Baz Luhrmann, por la cual ganó el
premio como Mejor Actor en el Festival de Cine Internacional de Berlín. También
se unió al elenco estelar de “Marvin’s Room”, compartiendo la nominación para
un Premio SAG® por Mejor Interpretación del Reparto de una Película.
En 1997, DiCaprio protagonizó junto a Kate Winslet la taquillera película
“Titanic”, por la cual obtuvo una nominación al Globo de Oro. La película
rompió todos los récords existentes al ganar 11 Oscar®, incluido el de Mejor
Película. Su trabajo subsecuente en el cine incluye el papel doble en “The Man in
the Iron Mask”; “The Beach”; “Celebrity” de Woody Allen; “Catch Me If You
Can” de Steven Spielberg, por la cual obtuvo una nominación al Globo de Oro;
“Gangs of New York”, su primera película para el director Martin Scorsese;
“Body of Lies” de Ridley Scott; y “Revolutionary Road” de Sam Mendes, que
reunió a DiCaprio con Winslet y le valió su séptima nominación para un Globo
de Oro.
DiCaprio también es conocido por su dedicación al medio ambiente a nivel
mundial. Ha colaborado con otras organizaciones para promover la
concientización sobre el cuidado del medio ambiente, al lanzar su Leonardo
DiCaprio Foundation en 1998 y, más tarde, LeonardoDiCaprio.org. A principios
de 2008, la DiCaprio Foundation se unió a la California Community Foundation
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y hoy en día se le conoce como The Leonardo DiCaprio Fund at CCF.
Adicionalmente, DiCaprio está en la junta directiva del NRDC y Global Green
USA.
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Actualmente se encuentra trabajando con su compañero Dan Mazeau en
la película “Wrath of the Titans”, la secuela de la película “Clash of the Titans”.
También tiene muchos otros proyectos en desarrollo.
Johnson asistió a la Universidad Ohio State en Columbus, Ohio, y se graduó
en Fotografía y Cine. Comenzó su carrera como asistente de producción en “The
Shawshank Redemption” de Frank Darabont, cinta filmada en la ciudad natal de
Johnson, Mansfield en Ohio. El rodaje tuvo lugar en el histórico Mansfield
Reformatory, en donde su bisabuelo fue guardia de prisión. Johnson pasó los
siguientes cinco años como asistente de Darabont, aprovechando para
perfeccionar su trabajo como guionista.
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Satellite por su trabajo con Baz Luhrmann en la épica “Australia”, con las
actuaciones de Nicole Kidman y Hugh Jackman. También fue nombrada la
Cinematógrafa del Año en la edición del 2008 del Festival de Cine de Hollywood
y ganó un prestigioso premio Lucy para Mujeres en el Cine. Ya había trabajado
con Luhrmann y Kidman en la campaña del afamado Chanel No. 5.
En 2002, Walker fue elogiada por sus coterráneos con un Australian
Cinematography Society (ACS) Award of Distinction por su trabajo distinguido
en “Lantana”. Ese mismo año obtuvo dos nominaciones al Premio FCCA por su
trabajo como directora de fotografía en esa película, al igual que en “Australian
Rules”. Ya antes había ganado un premio del Australian Film Institute (AFI) por
Mejor Logro Cinematográfico por “Parklands” de 1996, cinta por la cual se llevó
su primer ACS Award of Distinction. El siguiente año obtuvo nominaciones para
ambos premios, el AFI y el FCCA por “The Well”.
En 2004, Walker obtuvo una nominación al premio Independent Spirit por
su trabajo en el drama de la vida real “Shattered Glass”. Sus créditos también
incluyen “Walk the Talk” y “Love Serenade”, que ganó la Cámara de Oro en la
edición de 1996 del Festival de Cine de Cannes.
La última película de Walker es “Beastly”, del guionista y director Daniel
Barnz.
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Sanders recientemente fue director de arte en el drama de la vida real
“Secretariat”, dirigido por Randall Wallace, con el que ya había colaborado en el
drama de la Guerra de Vietnam, “We Were Soldiers”. Los trabajos adicionales de
Sanders incluyen “Edge of Darkness” de Martin Campbell, “Apocalypto” de Mel
Gibson, “Eagle Eye” de D.J. Caruso, “Rumor Has It…” de Rob Reiner, “Mission:
Impossible II” de John Woo, “Fathers’ Day” de Ivan Reitman, y las películas
“Assassins” y “Maverick”, dirigidas por Richard Donner. También fue director
de arte en “Hook” del director Steven Spielberg, y las cintas “Days of Thunder” y
“Revenge” de Tony Scott.
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para la televisión “When Billie Beat Bobby” y “Hendrix”, por la que obtuvo una
nominación al Emmy.
Richardson ha estado durante ocho años en el Editors Guild Board of
Directors. También es profesora de tiempo completo en la escuela de cine,
televisión y medios digitales de la UCLA.
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Dogtown” y “Thirteen”. Recientemente trabajó como diseñadora de vestuario en
la galardonada película biográfica de HBO “Temple Grandin”, con Claire Danes,
y el drama contemporáneo basado en hechos reales, “Fair Game”, para el
director Doug Liman.
Los créditos adicionales de Evans en películas incluyen el éxito familiar
“Marley & Me” de David Frankel, con las actuaciones de Owen Wilson y Jennifer
Aniston; “P.S. I Love You” con Hilary Swank” y “Freedom Writers”, ambas
dirigidas por Richard LaGravanese; las películas “The Burning Plain” y “North
Country” de Charlize Theron; “The Forgotten”, con la actuación de Julianne
Moore; “Along Came Polly”, que junta a Ben Stiller y a Jennifer Aniston; el
drama con un gran elenco “Laurel Canyon”; “How High”; y la galardonada cinta
“Memento” de Christopher Nolan.
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Kevin Macdonald y, más recientemente, “State of Play”. Otras películas recientes
incluyen “The Rite” de Mikael Håfström; el documental nominado al Oscar®,
“Inside Job”, y “The First Grader” de Justin Chadwick. Heffes también fue
arreglista en la adaptación de Tim Burton de “Sweeney Todd: The Demon Barber
of Fleet Street” de Stephen Sondheim.
Entre sus otras películas está “Touching the Void”; “Tsunami: The
Aftermath” de HBO, por la cual obtuvo una nominación al BAFTA; “Dear
Frankie”; “Trauma”; “Imagine Me and You”; y “The Parole Officer”.
Actualmente, colabora con el director Peter Webber en una serie de producciones
multimedia para los Emiratos de Catar.
Después de graduarse de Oxford, Heffes trabajó por primera vez como
letrista y arreglista en proyectos que iban desde banda de percusión hasta
orquesta sinfónica con artistas como Elton John y miembros de Blur, antes de
seguir su carrera componiendo música para películas.
En el ámbito de los conciertos, la música de Heffes se ha tocado en
diferentes localidades como el Symphony Hall Birmingham, el Festival de Jazz
de Londres y el Festival Fringe de Edinburgo. Fue residente compositor en el
Festival de Música de Sangat, India, y en 2003 fue invitado al sultanato de Omán
para asistir a la premiere de su obertura encargada a la Real Orquesta Sinfónica
de Omán. Su grupo, el Alex Heffes Trio, tocó para la banda sonora de “Women
Talking Dirty” y “Circus”. Actualmente trabaja en un proyecto que incluye la
colaboración con Ryuichi Sakamoto, Regina Spektor, Yasmin Levy, Mathew
Barley y otros.
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