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decir; a las vanguardias históricas, un momento privilegiado para las relaciones cine- pintura). A
principios de siglo se producen una serie de cambios sociales y culturales que derivarán en
cambios artísticos. Surge un nuevo concepto del universo introducido por los últimos estudios
en 1905, son los más relevantes, perdiéndose así el concepto de las medidas fijas e inalterables
por las que el mundo científico se había regido. También encontramos un nuevo concepto del
hombre; las investigaciones históricas y geológicas consiguieron recuperar para el siglo XX los
cimientos de las nueva era, su pasado primitivo. El estudio de la temporalidad humana, del
En el terreno artístico, durante los primeros años del siglo, se mantienen las coordenadas
figuración extraeuropeos (la escultura del continente africano, el arte japonés...) hicieron
reflexionar sobre la validez del sistema perspectivo como modo de representación vigente desde
el Renacimiento.
Las nuevas ideas dieron lugar a las vanguardias históricas, denominadas así por centrarse
espacial y temporalmente en Europa durante el primer tercio del siglo, y ser las primeras de una
arraigado grupo en Italia. Sin olvidar tampoco el movimiento surrealista, un poco más tardío
(período de entreguerras), heredero del dadaísmo, con un fuerte componente subjetivo en la idea
artística de partida.
innecesario hablar de “escuela” o “estilo”, términos que han servido a los historiadores y a los
críticos de arte para moverse en la historia desde la terminología tradicional, o incluso desde los
cómodos presupuestos de la idea de grupo. Una de las principales características de este período
razón y en el porqué de la mayoría de los actos artísticos de toda índole, desde los plásticos a los
musicales, pasando por las nuevas concepciones espaciales planteadas en la arquitectura. Asociar
el arte a la vida era uno de los trasfondos en la nueva concepción del hombre y del universo; a
partir de éste momento todo era válido, todas las vías de expresión posibles entraron a formar
parte del universo creativo de los artistas de las décadas iniciales del siglo XX.
Los artistas que estaban en activo durante las dos primeras décadas de este siglo, vivieron
el fenómeno cinematográfico de muy diversas maneras. Según Julio Pérez Perucha; “Desde
Como en la plástica, intentaron que sus obras transmitieran algo sin recurrir al modelo
narrativo que se imponía rápidamente. Jugando a combinar la imagen con la música obtuvieron
como un dispositivo mecánico para crear imágenes en movimiento. Desde la abstracción hasta la
figuración, al poner en movimiento el objeto artístico, entraban de lleno a jugar con el factor
tiempo.
En general, todos los autores de este movimiento, llegaron al cine desde los procesos de
desmaterialización y descomposición del objeto artístico, atraídos seguramente por las infinitas
posibilidades que ante ellos extendía el cinematógrafo. Las mutaciones de ese objeto artístico
producidas por el movimiento o los efectos de luz sobre él, así como las variaciones que ofrecía
utilización o no del nuevo medio. La mayoría de las contribuciones de estos artistas al mundo de
vinculadas a la vanguardia, se han establecido tipologías diversas para las obras de los artistas
que trabajaron con el cine. Uno de estos intentos de reagrupar y teorizar sobre las diversas
manifestaciones es el del teórico norteamericano Paul Adam Sitney, quien distingue, en el cine de
carácter experimental, entre cine gráfico y cine subjetivo. El gráfico es aquel que rechaza las
mismos parámetros que Sitney encontramos el texto de Vittorio Fagone, donde propone una
aclaración terminológica. Para Fagone hay que distinguir entre cine experimental, aquel derivado
de las experiencias de los pintores que han utilizado el cine para obtener la dinamización de la
imagen abstracta (Richter, Eggeling, Ruttmann...); cine de vanguardia, el cine de los cineastas
que se han colocado en posición antagónica respecto al cine comercial de entretenimiento (Man
Ray, L´Herbier, Buñuel, Vertov...); y por último, el cine de artista, cine producido en la segunda
mitad de los años sesenta, entrando ya en lo que también se conoce como neovanguardia, cuyo
Las principales categorías en las que los especialistas manifiestan su acuerdo más
generalizado son las siguientes: el cine abstracto, cuyos representantes serían Ruttmann, Richter,
Eggeling, siendo su principal campo de acción Centroeuropea durante la década de 1920; el cine
futurista, íntimamente ligado a los artistas protagonistas del movimiento conocido como
futurismo, cuyo centro fue Italia; el cine dadaísta, que muestra en si mismo un gran componente
ecléctico, al contar por un lado con artistas como Hans Richter, que viene de la más pura
abstracción, y por otro con artistas que, como Man Ray, se mueven plenamente en la óptica
desvincula de cierta plasticidad de la obra; el llamado cine cubista, uno de los fenómenos más
estudiados, con Fernand Léger como casi único representante con su obra Ballet Mécanique; y el
cine expresionista, quizá el grupo más heterogéneo y el más difícil de definir, cuyo epicentro
Por último, uno de los grupos más fructíferos, pero también más controvertidos, el cine
con incursiones en todas las esferas de la cultura y con un legado fundamental para comprender
el mundo y al hombre entre 1920 y 1950. Entre los llamados surrealistas, Man Ray, Germaine
Dulac, Salvador Dalí o Luis Buñuel, no hay prácticamente más que un nexo de unión, que por
supuesto no los articula como grupo coherente y mucho menos cohesiona el resultado de sus
Junto a éstas “categorías” que, como tales, son un método eficaz de ordenar el discurso,
existieron una serie de caminos o vías de aproximación entre la pintura y el arte denominado de
soviética.
geográfica de una serie de experiencias cinematográficas que lo único que tienen en común es la
peculiar utilización de los dispositivos ópticos que nos hacen pensar en las texturas plásticas de
30 años antes. (Louis Delluc, Germaine Dulac, Marcel l´Herbier, Abel Gance y Jean Epstein). Lo
común en todas sus reflexiones teóricas: la creación de una nueva sociedad, la soviética, a través
de unos planteamientos estéticos de los que participaron artistas como Eisenstein o Malévich,
pero también otros, como Molí- Nagy. La vinculación con la pintura, el futurismo y el
Eisenstein.
puro. A pesar de recurrir a la figuración está relacionado con la abstracción, ya que la finalidad es
conseguir ritmos puros, ritmos visuales, sólo que utilizando la imagen real fotografiada. Uno de
los principales representantes es Henry Chomette. Las obras de este grupo sirvieron
imagen y a la forma de filmar los diferentes escenarios donde vive el hombre moderno.
El cine Abstracto
momento en que empieza a experimentar con los nuevos materiales fotográficos y la forma. Al
igual que Richter estudiaba la capacidad expresiva de una forma geométrica simple, según un
número diferente de posibilidades que variaban por su posición, tamaño, cantidad, etc.
Transformando las formas en notas gráficas, Eggeling las libera de toda su responsabilidad
mimética de la naturaleza llegando así a la abstracción, y puede por tanto formular un nuevo
lenguaje de expresión pictórica. El siguiente paso era la capacidad de estas formas simples para
Hans Richter participa de algunas experiencias cubistas, y tras algunos contactos con el
futurismo, será Dadá el que atraiga su atención. Durante el período dadá sus obras presentan un
Richter (1952): “ Los problemas del arte moderno llevan directamente al cine. La
eran problemas con los que se enfrentaron Cézanne, los cubistas y los futuristas. Eggeling y yo
salimos directamente de los problemas estructurales del arte abstracto hacia le medio
figuras abstractas a modo de ballet. A pesar de la estrecha colaboración y una inquietud común,
la diferencia fundamental entre los trabajos de Eggeling y Richter es que este se interesó por las
superficie; mientras tanto Eggeling centraba su interés en la línea y el desplazamiento de los ejes.
Todos estos planteamientos, sin embargo, se mostraban en ambos artistas unificados por la idea
Los inicios y motivaciones del cine abstractos son claros: reunir la tentadora idea de
espacio y tiempo, aquello que convertía la cine diferente a los demás como medio de expresión,
El tercer representante es Walter Ruttmann. Las imágenes que contemplamos en sus obras son
juegos de luz sobre objetos geométricos diferentes unidos por un ritmo tanto visual como
musical. Mientras que Richter y Eggeling utilizaban la música como un medio estructural para
las supuestas emociones provocadas por la música en imágenes móviles coloreadas; todos los
El cine futurista
Las principales ideas proclamadas eran: la voluntad de cambio de la realidad cotidiana, inherente
esa línea de pensamiento se enmarcan las ideas referentes al cine como la obra de arte total, la
síntesis de todas las artes, donde acciones como la del montaje les permiten alterar la visión del
mundo que les rodea. La obra cinematográfica futurista no es copiosa, tan sólo unas pocas
películas, entre las que se destacan “Vita Futurista”, “Thais” y “Perfido incanto”.
Las proposiciones teóricas elaboradas en el manifiesto eran las claves de comprensión del
futurismo hacia el cine, un instrumento de arte- acción, del llamado “gesto” futurista, de su estilo
de vida.
Dadá
Dadá, una palabra que para Tristan Tzara, teórico del movimiento, es un símbolo de rebelión y
negación, puede decirse que es un acto de antidogmatismo. Lo que interesa a Dadá es más el
gesto que la obra resultante, siendo casi siempre una provocación: el escándalo es uno de los
fueron artistas que se movieron en diferentes parámetros culturales; esto es, no hay adeptos fieles,
sino que los artistas se acercan al fenómeno cinematográfico desde distintos movimientos. Los
ejemplos más claros son Hans Richter, René Clair y las primeras obras de Man Ray.
Para Man Ray, el montaje fílmico permitía obtener efectos únicos debido al azar de las
elementos que no han sido filmados sino sometidos directamente a exposición en contacto con la
película (sal, pimienta, fragmentos de cristal, clavos...), y, por otro, está la interacción de estos
un artista en el que es tan importante la improvisación como el rigor formal, pero sobre todo la
la negación y superación de los tradicionales valores estéticos, pero con una mente, la de Clair,
que sabe de construcción de secuencias y es capaz de recrear poéticamente un cine con grandes
El cine cubista
imagen fotográfica puesta en movimiento. Al contrario que otras propuestas formuladas durante
estos años no constituye una búsqueda, sino la conclusión de un estilo desarrollado, su llamado
puede olvidar que existe tanto un componente pictórico como también uno de carácter
cinematográfico, ya que Léger demuestra un profundo conocimiento del medio: en esta línea se
un filme. Nunca lo hizo. De estos diseños se desprende la transfiguración plástica de una forma
“El porvenir del cine y del cuadro se encuentra en el interés que otorgue a los objetos, a
los fragmentos de éstos objetos o a las invenciones puramente fantásticas e imaginativas. El error
Una de las principales conclusiones que podemos extraer tras el análisis de estas
arte, que las diferentes épocas han enfocado de manera distinta. Se trata de usar el cine para
total de las artes, la obra de arte total, que muchos quisieron ver en el cine durante estos años: un
medio que reunía música, espacialidad, valores plásticos, es decir, el conjunto de las diferentes
artes consideradas hasta el momento como las Bellas Artes, pero con un tratamiento de la imagen
cristalizaron en el cine de animación, que en algunos casos ofrece el mayor grado de interrelación
entre pintura y cine, entre lenguaje pictórico y las posibilidades del medio cinematográfico. El
cámara, y utilizando los nuevos medios técnicos para experimentar con la luz, se obtuvieron una
serie de obras que, en un principio, partían de experiencias similares a las del cine abstracto. Una
de las diferencias más radicales que presentan estos trabajos y los realizados por Ruttmann o
Eggeling, es la presencia del color. Existen también otro factor de importancia; el ser de una
generación más joven la irrupción del sonoro modificó sensiblemente sus expectativas; así el
grafismo, pintando directamente sobre la película con colores de celulosa. En “Free Radicals”
continuo de formas lineales para conseguir curvas y volúmenes. Posteriormente alternan los
procedimientos fotográficos, como los del dibujo animado, y la pintura sobre una placa de vidrio.
Sus películas están directamente dibujadas sobre el celuloide, imagen por imagen, sin usar la
cámara, luego juega con números, líneas verticales y horizontales, y lleva a cabo una incursión
gráfica en un campo hasta ahora no utilizado, la banda de sonido, que modifica como una parte
más del soporte. Perforando y rayando directamente sobre ella consigue una original banda
El cine expresionista
vanguardistas más estudiados desde muy diversas metodologías. En este caso asistimos a la
La película “El gabinete del doctor Caligari” (1919) es un ejemplo magno de este
movimiento. Las diferentes escenas de la película están llenos de elementos escenográficos (la
estilísticos (interpretación de los actores, el encuadre), que hacen referencia directa al estilo
pictórico expresionista. Surge una voluntad de anular los efectos realistas de la fotografía a
estilístico de la deformación. Abundan las formas dentadas y agudas, los objetos pasan a tener un
pintura, con un modelo concreto, en lo fílmico, desde el instante en que lo pictórico aparece como
Lo que es común a “Caligari” y a todas las obras que le sucedieron es un determinado uso
de la luz, con fuertes contrastes lumínicos concebidos, en ocasiones, de una manera totalmente
pictórica.
El surrealismo
los medios técnicos, que entran en flagrante contradicción con las propuestas surrealistas. Sus
antecedentes más directos son Dadá y la pintura metafísica italiana; sus propuestos básicos,
ámbito de la figuración, pero con un fin: la disimilitud de la imagen. Con una técnica pictórica
El cerebro del primer manifiesto surrealista y de la mayoría de los textos teóricos sobre el
Otro de los protagonistas fue Antonin Artaud.: “El cine implica una subversión total de
Otra realizadora fue Germaine Dulac; quien concibe el filme como la representación d
imágenes similares a las del sueño. En cambio Artaud busca crear en el espectador un efecto
Otros de los ejemplos más estudiados de cine surrealista fue la película “El perro
La idea surrealista del cine parte de una similitud entre la construcción del filme y lo
onírico, y entre el método de la asociación libre y la técnica del montaje. Respecto a este último,
equivalente cinematográfico de la escritura automática. Pero esto es sólo apariencia, puesto que
un momento privilegiado para las relaciones e interacciones del cine y la pintura. De toda estas
manifestaciones, encontramos las que partiendo de la pintura llegaron al cine, y las que creyendo
pictóricas.
experimentación propia del momento, sobre todo en el campo de la plástica, se convirtió en algo
totalmente nuevo. Se trataba de un nuevo lenguaje, de una nueva forma de expresión, que iba más
ritmo musical, no le convierte en cine, sino en pintura en movimiento. La plástica había creado
La pintura en el cine (Áurea Ortiz – María Jesús Piqueras) Ediciones Piados 1995.
Jean Mitry; Historia del cine experimental – Valencia- Fernando Torres. 1980.