Adán Cohen – 43367/3

Trabajo Práctico de géneros discursivos.

1. Relevar los componentes retóricos, temáticos y enunciativos de cada película.

2. Definir por escrito las regularidades genéricas a partir de lo relevado en el
primer punto, respetando las dimensiones temática, retórica y enunciativa

1.
Análisis de la película “Copycat” dirigida por Jon Amiel.
Reparto:
Sigourney Weaver: Helen Hudson
Holly Hunter - M.J.: Monahan
Dermot Mulroney : Reuben Goetz
Harry Connick, Jr.: Daryll Lee Cullum
William McNamara: Peter Foley
J.E. Freeman: Lt. Thomas Quinn
Will Patton: Nicoletti

Sinópsis:
Una doctora en psicopatología sufre un intento de homicidio por parte de un asesino
serial llamado Daryll Lee Cullum. Como consecuencia de ese ataque, la doctora se
vuelve agorafóbica, y vive encerrada en su departamento. La doctora es convocada para
resolver una serie de asesinatos perpetrados por un hombre que recrea asesinatos
famosos. Una de las víctimas, es el asistente personal de la doctora, que la ayudaba para
que no tuviera que salir de su hogar. Finalmente, este asesino intentara recrear y
consumar el ataque de Daryll Lee Cullum hacia la Dra.Hudson, siendo detenido a
último momento por la detective Monahan
Dimension temática:
Asesinos seriales. Presenta similitudes con la temática de los Policiales, los thrillers, las
historias detectivescas, en el sentido de que el desarrollo de la trama va develando una
especie de acertijo.
Dimensión retórica:
-Constantemente se hace referencia a las teorías actuales sobre psicopatología y a
hechos históricos reales sobre asesinos seriales contemporáneos. El asesino es un
imitador, y como tal es una síntesis arquetípica de los que padecen esta patología.
-A medida que se describen los rasgos genéricos de los asesinos seriales, vemos
montajes y flashbacks que ilustran estas descripciones, como la infancia del asesino,
Peter Foley, encerrado por su madre en el placard y prendiendo fuego para que lo
liberen, prefigurando su huida cuando es cercado mas tarde por el F.B.I.
-El asesino se comunica con la doctora, desde el comienzo, mediante una partida de
ajedrez on-line. Firma como el “Amo del ajedrez”, y es una representación de cómo el
asesino va moviendo alos personajes como fichas para lograr su objetivo.
-Durante la aparición del título, se ve la imagen de una mujer corriendo por el parque,
haciendo ejercicio. La imagen es rebovinada, y vuelta a pasar desde otro ángulo,
cambiando la significación de la boca abierta de la mujer que respira pesadamente,
transfomandola en una mueca de horror. Esa mujer aparece luego, como una de las
víctimas del asesino.
-Hay un contraste entre los dos policias de homicidios que convocan a la Dra. M.J.
Monahan es una sargento aparentemente vulnerable y pequeña, que aparenta menos
años de los que tiene, siempre vestida muy correctamente; Reuben Goetz, es mas joven,
apuesto, descuidado, desenfadado y confiado, pero inferior en su rango a Monahan.
-Se genera cierta tensión entre la Detective, una mujer de acción, y la Doctora, que se
muestra paranoica y frágil. Incrementada por la presencia de Reuben, que las corteja a
ambas y genera un par de situaciones que no son explicadas verbalmente pero si a través
de los gestos y las miradas. Cuando el conflicto desaparece y el asesino muere, ellas se
van juntas, unidas por la experiencia.
-La agorafobia de la Dra. Se manifiesta visualmente con una clásica exageración de la
perspectiva y movimientos de las paredes, efectos de cámara que sugieren vertigo. Los
objetos se derriten escapando de su alcance.
-Luego de ver al asesino muerto, la doctora Hudson parece aliviada de su agorafóbia.
Al terminar la película Lee Cullum, el asesino original, esta respondiendo una carta de
otro admirador al que llama su “Discipulo” y le aconseja tener disciplina, ya que Peter
erró el camino y por ello recibió su justo y merecido castigo, dando a entender que todo
puede volver a ocurrir en cualquier momento, final abierto tradicional en las peliculas
detectivescas.
Dimensión enunciativa: El espectador es omnisciente, tiene acceso a perspectivas
subjetivas de todos los personajes en un momento u otro, pero la selección corresponde
al criterio del director, que nos va revelando detalles dejando espacio abierto para la
especulación y el suspenso.

Análisis de la pelicula “Natural Born Killers” dirigida por Oliver Stone.

Reparto:
Woody Harrelson: Mickey Knox
Juliette Lewis: Mallory Wilson Knox
Robert Downey Jr.: Wayne Gale
Tommy Lee Jones: Dwight McClusky
Tom Sizemore: Detective Jack Scagnetti
Sinópsis:
Mickey y Mallory Knocks, carimáticos asesinos seriales, son llevados a juicio y
encerrados por llevar a cabo una carnicería a lo largo de los E.U.A. Mientras desde la
prisión federal buscan deshacerse de ellos contratando un detective mercenario que los
liquide durante un traslado a una institución mental, un reportero busca la fama con una
última entrevista a Mickey Knocks, pues gracias a la grosera publicidad mediatica, los
asesinos han desatado una verdadera ola de admiración y mórbido fanatismo entre la
Juventud. El discurso final de Mickey Knocks, que se muestra siempre dueño de la
situación y superior a todos los que le rodean, desata un motín en la cárcel y logran
escapar junto a Mallory y el periodista. Finalmente asesinan al periodista delante de la
cámara y se escapan rumbo a la carretera para formar una familia. Un final alternativo
los muestra siendo traicionados y asesinados por otro asesino serial que aparece
esporádica y anónimamente a lo largo de la película.
Dimensión temática:
Asesinos Seriales. Documental ficticio de la vida de los asesinos y sobretodo, registro
de la mediatización de la violencia a través de los medios masivos de comunicación.
Rastros de comedia satírica y épica.
Dimension retórica:
-Todo el tiempo vemos referencias a la subcultura de fanatismo que despiertan asesinos
famosos como Berkowitz, Gaicy, Manson, Fish y otros a lo largo y ancho del mundo.
-Las imágenes del pasado de Mallory, una familia americana de clase media con una
madre dominada y superficial, un padre violador y un hijo marginal que viste
referencias a “A Clockwork Orange” de Stanley Kubrick, son descriptos no
trágicamente, sino imitando el estilo sticom, con risas grabadas y todo lo demás.
-La mayor parte de las descripiciones de brutales asesinatos son mostradas a través de
reportajes sensacionalistas de mal gusto al estilo Geraldo, o localmente, cercanos al
formato que manejaba Mauro Viale.
-Constantemente los cambios de film a video, blanco y negro a color, grano grueso,
enfoques y usos de lentes variados, nos llevan a una reflexión sobre las diferentes
formas de retratar la realidad que estilizan los grotescos de la vida real para formar
glamorosas imágenes comerciales.
-Se hace especial hincapié en retratar la basura blanca, los policías corruptos, el voluble
sistema judicial, los rednecks norteamericanos, los fanáticos alrededor del mundo que
buscan una salida romántica a vidas acomodadas económicamente pero carentes de
sensación de realidad y vida espiritual.
-El romance a toda prueba que Mallory y Mickey se profesan aun en las situaciones mas
grotescas los muestra como seres mas allá del bien y del mal, como superhombres. De
hecho, habrá referencias niesztcheanas y citas de todo tipo, que los muestran no como
lunáticos homicidas sino todo lo contrario, como si fueran las únicas personas lúcidas
en un entorno corrupto y pervertido.
-Drogados y enfermos por el veneno de la serpiente, encuentran en el desierto un indio
que los cura y oficia de guía espiritual. Desde la subjetiva de los Indios, los rostros de
Mickey y Mallory se distorsionan como demonios. Cuando el hijo le pregunta al
Chamán si son malos, el Chamán le responde que no son buenos ni malos, sino que
están enfermos por mucha televisión”. Mickey y Mallory tienen un despertar espiritual
y deciden no matar mas gente, pero por accidente terminan asesinando al Chaman que
los salvó y el dolor los sumerge en una nueva carnicería y crisis entre ellos.
-Temas como la pasión por las armas, el grotesco en los medios de comunicación y el
corrupto sistema penitenciario y la relación espectador televisivo-violencia brutal,
aflorarán constantemente. Plagados de citas de libros, películas y bandas sonoras
referentes al asesinato masivo.
-La película se parodia a si misma y al cine mostrando un reportaje hacia los actores que
personifican a los asesinos seriales en una meta-película épica sobre Mick y Mallory.
Dimensión enunciativa:
El espectador es siempre tratado como tal, a través del uso de diferentes formatos
televisivos y fílmicos, haciendo evidentes los cambios de estética, el espectador es
hiperconcientizado de su condición. Ora esta viendo una película de acción, ora una
comedia, ora un documental, ora un talk show. Lo que sucede no es lo real ni una
imitación, sino otra realidad, una interpretación artística que adquiere una importante
carga de realidad a través de la hipérbole.

Análisis de la película “Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street” dirigida
por Tim Burton.
Reparto:
Johnny Depp: Benjamin Barker / Sweeney Todd
Helena Bonham Carter: Srita. Lovett
Alan Rickman: Juez Turpin
Jamie Campbell Bower : Anthony Hope
Timothy Spall: Beadle Bamford
Sacha Baron Cohen: Davie Collins / Signor Adolfo Pirelli
Ed Sanders: Tobias "Toby" Ragg
Laura Michelle Kelly: Lucy Barker
Jayne Wisener: Johanna Barker
Sinópsis:
Benjamin Baker, de profesión barbero, es acusado falsamente por un juez interesado en
la esposa del primero. Con el apodo de Sweeney Todd, Baker vuelve a su ciudad natal
y, aliado con una cocinera (secretamente enamorada de el), degüella a casi todos sus
clientes y enemigos en un acto de venganza contra la sociedad burguesa que lo condenó.
La señorita Lovett se deshace de los cadáveres cocinando exitosos pasteles de carne que
la sacan de la miseria, y adopta un niño con el que intenta formar una familia junto a
Sweeney Todd, pero el solo esta interesado en vengarse del Juez Turpin, quien habría
violado a su mujer (Quien se suicidaría luego) y apropiado a la hija con las mismas
intenciones. El asesino solo traba amistad con un marinero que le había salvado le vida
en altamar, y llegado a tierra se enamora de la mencionada hija (vivo retrato de la
madre). Juntos conspiran para liberarla del juez, que la interna en un psiquiatrico
cuando ella se rehúsa a corresponder sus deseos. Se dan una serie de confusiones que
llevan a que Sweeny Todd degüelle, sin saberlo, a su propia esposa, quien había
enloquecido de dolor, pero no muerto. Sweeney Todd asesina al juez Turpin y a la srita.
Lovett, que le había ocultado la realidad acerca de su mujer. Justo al final, el niño que
había adoptado la srita. Lovett, habiendo atestiguado el asesinato de su querida
madrastra, le abre la garganta al mismísimo Sweeney Todd, que no opone resistencia
alguna.
Dimension temática:
Asesinos seriales. Es un musical ambientado en la época del Londres victoriano, basado
en un hecho supuestamente real pero con una fuerte influencia de la tragedia griega.
Dimensión retórica:
-La sangre en Sweeney Todd es tan abundante como en una película de Tarantino (Que
hizo el guión para Natural Born Killers). Fuerte contraste tonal entre el tono rojo
saturado de la sangre y los oscuros neutros del paisaje, los decorados y los pálidos
personajes.
-Fiel a su estética, Burton nos muestra personajes oscuros y frágiles, pálidos y
susurrantes. Pero esta vez la oscuridad tiene un correlato con la situación dramática y
cruda que les toca vivir a los personajes, víctimas de la corrupción y la hipocresía de la
sociedad en la que se encuentran.
-La acción transcurre entre canción y canción, siguiendo la adaptación fílmica las
composiciones hechas para el musical original, esto le da un aire festivo y estético a los
mas brutales asesinatos perpetrados por Sweeny Todd.
-Las navajas son una extensión del brazo de Todd, con ellas se siente completo de
vuelta. Hay una aproximación a la noción de que un hombre es lo que hace, definido en
su actividad y completado por los instrumentos que utiliza para realizar esta acción. De
barbero a asesino, su único interés es hacer bien su trabajo, mostrando patrones de
conducta propios de los auténticos asesinos seriales.
-Sweeney Todd, a la manera de Montecristo, ignorará una y otra vez las oportunidades
para rehacer su vida en pos de una venganza que ni siquiera lo dejará satisfecho, ya que
la venganza no revive a los seres queridos. Al final dejará que lo maten con las mismas
navajas con las que cometió sus asesinatos. El justiciero lo hará un niño por venganza,
el mismo móvil que el tuvo a su vez.
Dimensión enunciativa:
El espectador ve desenvolverse la trama ante sus ojos como si estuviera en un teatro,
omnisciente y dado a la licencia de que los personajes relaten su pensamiento en voz
alta y cantando, con todas las concesiones y que el espectador teatral debe hacer para
meterse de lleno en una trama. Esto es, ignorar el escenario, los telones, los músicos y el
hecho de que pagó una entrada para estar ahí.

2- No veo que haya rasgos que sean comunes a las tres desde la temática, salvo el
hecho evidente de que cuentan la vida de los asesinos. Sin embargo las formas
de hacerlo, el aspecto retórico, son bien diferenciadas, y si bien las dos primeras
se ocupan de el aspecto cientifico-criminológico y mediático del fenómeno
psicopatológico, esto no es así en la tercera, que cumple una función mas
cercana al relato trágico teatral. Las dos últimas traen abundantes críticas hacia
como la sociedad produce de alguna forma estos asesinos a fuerza de una
deshumanización generada por el alienamiento de los medios de producción por
parte de minorías corruptas. La primera no, pero cuestiona la inserción de los
asesinos en la sociedad. La cuestión del asesino serial parece siempre dar pie a
una reflexión sobre la marginación, económica, étnica o psicológica del
individuo moderno.
Los modos enunciativos son también diferentes, ya que en el primero, el
espectador comparte la emoción detectivesca de los personajes y se involucra
tratando de develar el acertijo; mientras que en el segundo se le niega la entrada
a la suspensión de la realidad y se le recuerda brusca y constantemente que la
interpretación poética de una realidad paralela no puede suplantar de ningún
modo la experiencia real de la vida cotidiana; finalmente, la tercera exige del
espectador el conocimiento de códigos teatrales y la aceptación de los mismos
en pro del goce estético e interpretativo que la segunda película criticaba en el
cine épico.