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2009

LA FUNCIÓN DEL
ARTE DENTRO DE
LA SOCIEDAD.
TESIS
La importancia del arte dentro de la sociedad emerge en cada uno
de los actos de la vida cotidiana. Desde lo intangible hasta lo
totalmente perceptible. Consumimos arte en cada momento de
nuestra vida sin siquiera darnos cuenta. Incluso aquellos que
forman arte, a veces lo pasan desapercibido.

Autor:
Alhelí del Rosario Figueroa Hernández
LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

LA FUNCIÓN
DEL ARTE DENTRO
DE LA SOCIEDAD

POR:

Alhelí del rosario Figueroa Hernández.

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

¿Qué ES EL ARTE?

Antes que nada, para descubrir las funcionalidades sociales del arte, debemos
preguntarnos, ¿qué es al arte?

El arte es un ente ideal que hace uso de muchas facetas y formas con la intención
de comunicar el interior del ser humano. Es decir, el arte es comunicación de la
verdad del ser, para sí mismo y para los demás. Para ello, necesita ser
exteriorizado y para ello se necesitan medios materiales. El ser humano, como
ente sapiente-emotivo, es capaz de tener pensamientos y emociones, es un ser
racional e instintivo a partes iguales. Racional por esa capacidad de análisis y ese
peso superior de masa encefálica, e instintivo por el hecho de nacer, tener
memoria genética y una necesidad de supervivencia.

Entonces, el arte para ser arte debe comunicar verdad. La verdad se encuentra en
el interior del ser humano, a manera de ideas, sentimientos y emociones,
reguladas y replanteadas en un proceso dialéctico por el inconsciente. Es decir, la
verdad para ser verdad debe encontrar una comunión entre la conciencia y el
subconsciente, para eliminar el espacio que se le pudiera dar a las implicaciones
del “qué dirán”. El arte debe olvidarse de la complacencia externa, porque al ser
complaciente con la sociedad se cae en la imitación y la falsedad, y la oriġinalidad
se ve reemplazada por preexistencias. No por esto decimos que la imitación es
mala, claro que no, porque lo que se imita es aquello que perdura en la memoria, y
lo que perdura es lo que es necesario. Así, la imitación es una acción del ser para
otorgar continuidad a lo que le es necesario. Pero este no es el fin del arte. El arte,
para ser tal necesita ser único y mostrar el interior del ser, porque cada ser es
único. Pero también debemos tomar en cuenta que cada persona se conforma

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por su experiencia y la influencia que recibe de sus semejantes. Entonces la

sociedad se conforma de un cúmulo de seres individuales, y estos a su vez se
forman en la sociedad, en la interrelación con sus semejantes.

Entonces decimos que el arte viene del interior del ser como verdad de sí mismo.
Pero el venir de su individualidad no significa que no tenga relación con la
generalidad; es decir, de la sociedad como conjunto, pues el cúmulo de individuos
únicos influyen los unos con los otros en un proceso continuo e ininterrumpido
para crearse como son entre sí.

Desde esta visión, es difícil, si no imposible diferenciar desde donde comienza la

individualidad y donde comienza la influencia social. Estas no pueden escindirse la
una de la otra, porque son interdependientes. No existe autonomía de ninguna,
sino una influencia recíproca. Es por este motivo que podemos observar a lo largo
de la historia como el arte se transforma en un conjunto social (dependiendo de la
época en la que se desarrolle se hayan similitudes generacionales), creando
tendencias y corrientes artísticas.

Un ejemplo muy representativo acerca de este hecho lo tenemos en la edad

media. En esta época, la sociedad era dominada por el sentimiento religioso. Toda
su ideología y conducción se regía en torno al cristianismo (en la región europea).
Como resultado, toda creación artística era única y exclusivamente para servir a
su religión. Ya fuera con pinturas de santos, estatuas sacras o las composiciones
musicales eclesiásticas como lo son los cantos gregorianos. ¿Por qué? Porqué
era lo que conocían, lo que se les enseñaba y lo que les condicionaba a hacer la
clase hegemónica. Es cierto que este condicionamiento pudiese parecer que les
restaba de esa libertad que necesita el arte para ser tal, pero es responsabilidad
del artista encontrar esa libertad precisamente dentro de sus limitaciones. Todo el
universo tiene un espacio delimitado por otros, es decir que está limitado. Al ser
así, la libertad no radica en hacer cualquier cosa, sino en decidir qué hacer con lo
que tenemos a nuestra disposición. Al ser así, la libertad radica en lo que tenemos

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dentro del marco de nuestras posibilidades, delimitado donde comienza el derecho

de los otros. Quizás muchos puedan pensar que esto no es libertad, y que es tan
solo supeditarse a la decisión de otros, ese no es el caso. Incluso la rebeldía se
encuentra supeditada a esta cuestión:

El individuo rebelde posee a su disposición un carácter temperamental, un ansia

de obtener sus deseos aunque tenga que ir en contra de una predeterminación
social. Entonces vemos que incluso los aspectos emocionales, psicológicos,
físicos, materiales, etc., son factores que se encuentran a disposición de la
decisión libre del individuo. ¿O es que acaso el hombre no es libre por no tener
alas para volar? Y sin embargo ha ideado formas de volar. Ahí radica el principio
de la libertad. En el uso que le damos a lo que poseemos.

Retomando el hecho de la imitación, podemos decir sin temor a equivocarnos que

la imitación no es arte. Pero aún así, la imitación surge del arte mismo. Así pues,
lo que no es arte surge de él como su continuidad. Aquí encontramos la primera
funcionalidad del arte:
“Como Génesis de lo que le es necesario al hombre para su espíritu, y de aquello
que lo sublima”.

Ahora bien, el hombre que es espectador del arte, al formar parte de la misma
socialización y filogenia, y si su propia individualidad lo permite, se identificará con
aquello que observe o escuche del arte. Y el arte servirá de espejo para él,
haciendo con esto que despliegue su capacidad reflexiva como método para
autodescubrirse y descubrir a los demás. Absorbiendo de ello como generalidad
las verdades de su sociedad y del artista en cuestión, como de sí mismo, puesto
que el artista es producto de esa socialización así como el espectador mismo.
Entonces el arte es la exteriorización de los profundos secretos de los que es la
sociedad. Un producto de génesis social, materializado y exteriorizado por un ser
individual.

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Retomando entonces el tema principal de nuestro documento enfoquémonos a la

cuestión:

¿Cómo puedo diferenciar el arte de un simple trabajo que hace uso de las
técnicas?

Podemos considerar algunos factores cruciales para responder a esta cuestión.

Existen infinidad de pintores, músicos, escultores, etc., que crean trabajos, pero
que desgraciadamente no pueden calificarse como arte. Como por ejemplo, las
copias. Las copias de algún arte, así sean magistralmente realizadas, por el hecho
de ser copias dejan de ser arte.
Además, intervienen algunas cosas más:

ORIGINALIDAD:

La originalidad es un factor decisivo para que una obra pueda llamarse artística.
Pero este factor por sí solo tampoco puede ser arte. Existen también muchos
trabajos originales que no contienen los requerimientos necesarios.

Retomando el arte como creación del espíritu, siendo el espíritu ese

desenvolvimiento de la mente humana para sí misma, y tomando el punto de vista
psicológico de que jamás existirá un individuo igual, debe contener también la
habilidad para crear. Cada individuo es único, porque es un producto de su
entorno, sus capacidades congénitas y adquiridas, sus experiencias particulares y
su propio pensamiento. Entonces el individuo al volver su creación artística parte
de su personalidad como una extensión de ella, resulta creativo, original. Sin
importar la temática o el uso que se le de a dicho arte.

CALIDAD:

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Trata directamente con la eficacia de la transmisión de la finalidad de la obra con

el espectador; es decir, debe ser exitosa en sus pretensiones. Por ejemplo, una
pintura realista que intenta representar, valga la redundancia, una realidad que
existe fuera del sujeto que crea, tendrían que revisarse unos factores como:
¿Qué tan cercana es la imagen representada con la imagen real?
¿Qué tanta pericia tuvo el pintor para dibujarla?
Tendrá también que ser objetiva, es decir, no podríamos poner unicornios o
barcos en el cielo, o cualquier cosa que no exista en la realidad, que no suceda.
Igualmente si hablamos de otra tendencia como el surrealismo, se siguen estos
principios. Tienen que ir en base con la intención primordial de la corriente; es
decir, que el apego a la realidad pragmática sería ineficiente e incorrecto en este
estilo de pintura. La pericia en el dibujo, sin embargo, así como en la pintura, es
siempre necesaria, pues trata de una correcta y apropiada exteriorización del
espíritu humano, su tangibilidad.

TÉCNICA:

Retomando el punto anterior, con técnica nos referimos a la pericia y competencia

del artista para proceder en la elaboración de su obra. Hablamos de la capacidad
que tiene para manipular los materiales con los que crea. Esta cualidad nos es
siempre indispensable, siempre es determinante, ya sea por el éxito de sí misma o
por su ausencia en pro de el concepto; ese sacrificio que haga el artista por la
corriente artística que lo requiera como puede ser el dadaísmo.
Existen innumerables métodos y técnicas de realización, así como corrientes
artísticas y estilos personales; y todos influyen de manera significativa en la
calidad general de la obra.
Cada corriente requiere un método de ejecución distinto, así también los
materiales elegidos. Para ejemplificar esto hagamos algunas comparaciones:

SURREALISMO IMPRESIONISMO.

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 Se basa en la creación automática  Se basa en el estudio lumínico y sus

del inconsciente. Dejándolo trabajar cambios a lo largo del día, extraído
libre de razón. de un motivo de la realidad.
 Utiliza métodos de ejecución  Descompone las figuras en
variables. pinceladas sueltas en las que se
 Sus motivos son oníricos. realzan los contrastes de luz y
sombra con colores
complementarios.
 Sus motivos son reales.

Así pues, podemos inferir que los cánones para apreciar la

calidad de una obra son muy variados. Observemos
también una comparación sobre las considera-ciones que
puede realizarse por el material con que se haga:

OLEO ACUARELA
 Su soporte es el lienzo o la tabla.  Su soporte es el papel.
 Su cualidad es la brillantez por sus  Su cualidad es la ligereza y
aceites. transparencia.
 Es de seque lento.  Seque inmediato.
 Oculta su soporte.  No oculta su soporte.
 Un dibujo exacto no es  No se puede corregir errores y no
indispensable y es posible corregir pueden ocultarse.
errores u ocultarlos.  Necesita de un buen dibujo y una
 Se puede comenzar a pintar sin idea concreta antes de realizarlo.
antes haber depurado la idea.  Puede ser abordado como dibujo o
 Es una pintura pesada y llamativa. como pintura, pero siempre será
ligera y sutil.

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CONCEPTO:

Aquí, más que nada hablamos de la efectividad de la

interrelación entre la idea a comunicar y la técnica como
exteriorizador comunicativo. Una mala interrelación se
reduce a un fracaso conceptual; es decir, si nosotros
deseáramos denunciar la violencia intrafamiliar sería un
error que mostráramos una foto con un ambiente feliz en el
que ni siquiera se hiciere una connotación de tensión
emocional, una simple familia de revista nada tendría qué
hacer para conceptualizar dicho tema.

COMPOSICIÓN:

Se trata del éxito con el que las formas y los colores

(acordes en música, trama en literatura) de la obra nos
conducen por el conjunto de la misma en un orden y sin
mayor esfuerzo. Produciéndonos sosiego o desasosiego,
tristeza o alegría, etc., según la intención de artista. Es un
orden (muchas veces geométrico y matemático) en el que
se colocan las diversas formas del motivo; es decir, algún
tipo de relación entre las mismas e interinfluencias
reciprocas. Generalmente se catalogan por relación color-
forma, ritmo, movimiento, simetría-asimetría, etc.

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II
FUNCIÓN DECORATIVA
DEL ARTE

¿Realmente la pintura decorativa tiene una función? ¿Qué

no se trata simplemente de una imagen inútil?
Podríamos avocarnos a observar distintas fotos en los que
se muestran interiores de casas, hospitales, oficinas
gubernamentales y cualquier sitio que tenga una
decoración. Podemos también observar pinturas de
Constable, bodegones, música relajante, etc., en resumen,
cualquier cosa que consideremos como simplemente
“Decorativa”.

La vital importancia de la vibración del color, sonido e idea

es la piedra angular de este tipo de género. Las
asociaciones que tiene el ser humano dentro de su entorno
son uno de los factores más determinantes dentro de estas
obras. Y no solo las asociamos, sino que todos los tipos de
vibraciones inciden en el cuerpo humano de forma física,
tangible.

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Por ejemplo, el ojo es responsable de captar imágenes y el

movimiento de estas mediante células fotosensibles: conos
y bastoncitos. Los bastoncitos son los responsables de
captar las vibraciones de la luz en blanco y negro, mientras
que tres tipos diferentes de conos se encargan de captar
los colores. Pero hay más en el proceso ocular, similar al
de una cámara fotográfica; cada incidencia de la luz
produce transformaciones químicas en la pupila que duran
apenas milésimas de segundo.
El oído por su parte, realiza cuatro transformaciones del
sonido, incidiendo en el tímpano, que recibe las vibraciones
externas, llevándolo al martillo que mueve al yunque, y este
a su vez, incide sobre el líquido que contiene al caracol, y
este lo prepara para que pasen a los nervios que llevarán
el sonido como sensación perceptual al cerebro.

Así, al arte no solo tiene incidencia intelectual, sino también

física y psíquica, porque hace uso de las incidencias sobre
de los sentidos, que se encargan de captar las diferentes
longitudes de onda, ya sean de luz, o de sonido,
generalmente. Aunque tampoco debemos descartar las
incidencias olfativas, táctiles y degustativas, pues aunque
de estas el arte no haga demasiado uso, son entradas
sensitivas del ser, y en cualquier momento, si no es que ya
existen artes que hagan uso de estos medios. Así pueden
serlo las artes culinarias, perfumes u obras que sean
hechas para ser tocadas (que si bien es cierto que no es
común en los museos tocar las obras, o que no se tomen a
los perfumes como obras de arte, y que la comida sea
demasiado perecedera y muy individual al ser comida solo
por unos cuantos a lo mucho). Mas adelante

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comentaremos un poco acerca de la anatomía del ojo y del

oído, para hacer énfasis en este campo perceptual:

ÓRGANOS PERCEPTIVOS:

La vital importancia de las vibraciones que inciden sobre el

cuerpo, son factores determinantes para la captación del
arte como tal. Pero aquello que perciben nuestros sentidos
es bruto no es suficiente para que podamos comprender
dichas sensaciones.

“Las sensaciones de vista, tacto, oído y gusto, como las

sensaciones somestésicas (las que se perciben de los
órganos internos, como estómago, hígado, etc.), se
transmiten desde los órganos receptores a pequeñas
zonas circunscritas en la corteza cerebral; cada una de
estas zonas tiene una localización diferente. Esta áreas se
denominan áreas corticales primarias para sensaciones, y
desde cada área primaria los impulsos pasan a un área de
asociación… aquí procede ver cómo los tipos de sensación
funcionan juntos para integrar una interpretación
consciente de toda la experiencia sensorial”.

El área cerebral de integración común, llamada área

gnóstica es la encargada de integrar todos los distintos
tipos de sensaciones que se reciben del exterior para
otorgarles un significado. Es decir, inferir qué significan un
conjunto determinado de percepciones obtenidas del
exterior. Por ejemplo, si vemos que el cielo se oscurece y
rayos, sentimos gotas de agua en nuestra piel y viento, y
escuchamos truenos y agua cayendo, podemos decir que

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estamos en una tormenta. Sin esta área cerebral, eso no

podría ser posible. Y al se así, cuando esta zona se
lesiona, produce la incapacitación mental de individuo.

Ahora, cuando el área gnóstica integra lo percibido y lo

identifica, se encarga de mandar impulsos a otras partes
del cerebro para producir una respuesta adecuada, ya sea
movimiento, aceleración cardiaca, llanto, análisis, etc.

ANATOMÍA DEL OJO.

El ojo se conforma de varias partes, y estas partes, a su

vez se conectan la una a la otra hasta crear un puente
entre la realidad exterior y el cerebro:

Córnea: Es convexa y sirve para refractar la imagen

(desviar) los rayos luminosos al igual que una lente.

Cristalino: Revierte la imagen recibida por la córnea, y

sirve para enfocar la imagen, siempre en líneas rectas, lo
que produce la inversión d la imagen.
Humor Acuoso: Se encuentra entre la córnea y el
cristalino, formado casi por completo por líquido
extracelular, y sirve para nutrir el interior del ojo y conservar
su forma. Este líquido se regenera continuamente por
filtración sanguínea.
Iris: Colocado detrás de la córnea y delante del cristalino,
sirve para regular la intensidad de la luz que pasa a través
del ojo, y es autónomo.

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Pupila: Es el orificio al centro del iris. Se ve negra por la

capacidad de absorción de la capa coroidea dentro del ojo.
Humor Vítreo: Se encuentra detrás del cristalino,
encerrado por la retina y ayuda a mantener la forma
globular del ojo. Este líquido es permanente en el ojo y
transparente a los rayos lumínicos.
Esclerótica: Cubierta externa del ojo, gruesa y fibrosa que
por delante se continúa con la córnea y recibe las
inserciones de músculos extrínsecos que se encargan de
darle movimiento al ojo.
Coroides: Capa intermedia entre la esclerótica y la retina,
es una porción que nutre al globo ocular y está pigmentada
para disminuir las reflexiones internas de luz.
Retina: Rodea al humos vítreo y esta a su vez es rodeada
por la coroides. Es una parte del encéfalo que creció fuera
el prosencéfalo para quedar adherido a los otros
componentes del ojo.
Nervio óptico: Conecta a la retina con el encéfalo; es un
fascículo nervioso del encéfalo desplazado para funcionar
como nervio craneal periférico.

La retina es la capa ocular que contiene a la celular

encargadas de recibir las ondas luminosas, que son:

Bastoncitos: Localizados en la parte profunda de la retina,

luego de la coroides. Los rayos luminosos deben traspasar
las demás capas de la retina para llegar hasta ellos.
Contiene un pigmento que reacciona fotoquímicamente con
la luz. Su pigmento es la Rodopsina. Se realizan
numerosas transformaciones químicas que excitan a los
bastoncitos, que transmiten como impulsos al nervio óptico

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y estos al cerebro. Los bastoncitos únicamente son

estimulados por la intensidad de la luz, y rigen la visión del
blanco y negro.

Conos: Localizados en la misma parte que los bastoncitos,

son estimulados selectivamente por distintos colores.
Utilizan tres pigmentos para cada color llamados
fotopsinas, cada una para un tipo correspondiente de cono.
Unos captan los rojos, otros los azules u otros mas los
verdes. Cada tipo de cono absorbe un porcentaje máximo
de luz (cada color posee un nivel de longitud de onda), así
un color puede excitar a uno o mas conos, lo que el
cerebro interpreta a razón para formar toda la gama de
colores que podemos ver.

Fig. 1.1 Las partes del ojo.

ANATOMIA DEL OIDO.

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El oído, es el encargado de convertir las vibraciones

sonoras de la atmósfera en impulsos nerviosos. El sonido
es la compresión de ondas que generalmente viajan por el
aire, pero también lo hacen por sólidos o líquidos.
El oído necesita hacer tres conversiones de las ondas para
poder transmitirlas al cerebro y poder reconocerlas y
codificarlas.

Captación del sonido:

Oído externo: Conformado por la oreja, reúne las ondas

sonoras y las canaliza al conducto meato auditivo externo.

Conversión a vibraciones mecánicas:

Tímpano: Se interpone entre el oído externo y el medio

(caja del tímpano). Su parte externa está cubierta por piel,
mientras que la otra tiene mucosa proveniente del oído
medio. Las ondas sonoras conducidas por el oído externo
hacen vibrar el tímpano. Este a su vez está conectado con
el mango del martillo.

Oído medio: Es una caja insertada dentro del hueso

temporal (sienes), revestida por mucosa nasal y contiene
aire, conectando con la atmósfera con la cavidad nasal,
regulando así la presión interna del aire.

Martillo: conectado al tímpano recibe las vibraciones del

martillo y las traslada al estribo.

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Estribo: La base del estribo encaja en la ventana oval de

la pared interna del oído interno.

Conversión a vibraciones líquidas:

Oído interno: o también llamado laberinto, se conecta con

el estribo por medio de la ventana oval. Está conformado
por un sistema de conductos llenos de líquido, y en el
interior de estos se encuentran otros conductos llenos con
un líquido diferente, que son necesarios para la correcta
apreciación de los sonidos.

Caracol: El laberinto está ligado al caracol. Cuando la

ventana oval se mueve hacia adentro, esta empuja los
líquidos del laberinto hacia el caracol, creando un
movimiento similar a las cuerdas de un instrumento
musical, al frente y a la inversa. A este efecto se le llama
resonancia, como un desplazamiento de inercia.

Conversión a impulsos nerviosos:

Ganglio de Corti: Se encuentra en las espirales del

caracol y contiene células ciliadas, y son estimuladas por la
vibración de la membrana bacilar, ubicada en el conducto
interno del caracol, lo que origina movimiento de líquido. Se
excitan las células y generan impulsos a pequeñas
terminaciones filamentosas del nervio auditivo. Los
impulsos van hacia el tallo encefálico en la rama vestibular
para hacer sinapsis con las otras neuronas en los núcleos
vestibulares.

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Fig. 1.2 Anatomía del oído.

Abordando un poco más el campo psíquico que producen

las incidencias perceptuales podemos realizarnos algunas
preguntas:
¿Provoca el mismo resultado el encontrarse dentro de una
habitación pintada completamente de rojo, que en una
habitación blanca? ¿Nos sentiremos de la misma forma?
¿Nuestro estado de ánimo se mantendrá fijo?
Tomemos como un ejemplo la ropa de las mujeres. La
forma en como las personas modifican su aspecto personal
para resultar mas atractivos y presentables influye

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determinantemente en la forma como nos perciben los

demás, no solo por ser la propia personalidad y el reflejo de
nosotros mismos, sino porque la forma y los colores que
escojamos influirán en la captación cromática del individuo
que observe.

¿Qué es lo que podemos inferir de

estas dos imágenes?
Es cierto que ambos referentes están
vestidos con colores básicos, ¿pero
usan las mismas proporciones de
blanco y negro?
¿Para nosotros qué representa el
blanco?
¿Y el negro?

¿Será lo mismo una persona que pasa ocho horas en la

misma habitación, frente a un cuadro de Constable, que
frente a un poster de Play Boy?

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Para que un niño aprenda un tema determinado, según la

psicología de la enseñanza, se utilizan diversos tipos de
“mediadores”, que consisten en objetos físicos, frases o
imágenes que ayuden a la interiorización del
conocimiento; es decir, para facilitar y fosilizar dicho
conocimiento. Como un ejemplo, si se quiere que niño
recuerde lavarse las manos antes de ir a comer, puede
ponerse un dibujo con unas manos y una llave de agua en
la puerta del comedor, el niño lo observa y recuerda
lavarse las manos, tiempo después, ya no necesita ver el
dibujo, y recuerda siempre lavar sus manos antes de
comer.

Hay que tomar en cuenta, que los “mediadores” son de uso

general, no solamente para niños, y los adultos los
utilizamos todo el tiempo, como lo es el despertador, las

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agendas, etc. Un mediador es aquello que nos impone una

idea en la mente para ayudarnos a recordar qué es lo que
tenemos que hacer, muchas veces como reguladores de
conductas, o creadores de las mismas. Desde este punto
de vista, muchos de los diversos tipos de arte son
mediadores inconscientes de determinadas conductas,
asiendo uso quizás, de recursos más sofisticados que los
que se utilizan en el aprendizaje infantil o cotidiano, puesto
que su intención (aunque bien no haya sido esta la del
autor creador de la obra), es la de entrar al subconsciente
del hombre, por medio del golpeteo cromático, de la idea,
la forma y de tiempo de exposición a dicha obra. Esto viene
también de las asociaciones que tenga el individuo sobre
los colores, las ideas, formas y atención, además de los
diferentes factores físicos que intervienen, además de los
factores socio-culturales. Es decir, no resultará lo mismo
este cuadro de Constable a una persona que viva en la
playa, probablemente le parezca frio y aburrido, a un
citadino le resultaría tranquilizante, silencioso y limpio (o
sucio), a una persona que viva en tundra o en una lugar
demasiado frio, quizás le parecería cálido. También hay
que mencionar el hecho de que las personas de climas
cálidos se sienten atraídas mayoritariamente por los
colores cálidos, como los rojos, los amarillos, los de climas
fríos prefieren los verdes, azules y violetas; por el hecho de
que cada quien se siente identificado con el cromatismo
general en que se crio y que le rodea, y con las diversas
asociaciones que ha hecho en individuo a lo largo de su
vida con aquello que se representa en el cuadro.

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Observemos algunos ejemplos de los tipos de líneas que

pueden observarse en un cuadro:

Sensualidad Línea recta

Caos temblorosa
Delicadeza Extravió representa
inseguridad y
falta de pericia
en el dibujo.

Decisión
Continuidad
Paz
Agresividad

III

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FUNCION DEL ARTE

DEL
ENTRETENIMIENTO:

¿El arte entretiene?

La creación artística, para lograr su función general y

primordial como comunicación necesita captar la atención
del individuo que la contempla, y si además disfruta de este
hecho podemos decir que le entretiene.

El ser humano necesita de un medio de relajación de las

labores cotidianas que le resultan en general monótonas,
pesadas y estresantes. Así, se crean infinidad de formas
para eliminar del cuerpo y de la mente la sensación de
aburrimiento y cansancio que se producen con estas
actividades rutinarias. El arte tiene un papel importantísimo
dentro de este ramo si es del gusto del individuo dicho arte,
sea cual sea este. Si bien es cierto que la mayoría de las
formas de entretenimiento no son arte (como lo son la
imitación, los deportes, etc. ), sí lo son un gran número de
ellas, porque hacen uso de la sensibilidad misma del
individuo, ya sea al momento de la elaboración de algo, o
simplemente como hecho perceptivo.

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Así, al entretenerse las personas buscan liberar su mente

de la rutina y la cotidianeidad; y esto puede lograrse ya sea
como espectador o productor de arte. Esto se da por ser el
arte un hecho que se renueva constantemente, que busca
conectarse con el espectador.

Cuando las personas están aburridas, ¿qué es lo que

hacen comúnmente? Se sientan en silencio y soledad, o
buscan personas para charlar, para comunicarse. ¿Puede
el ser humano sentirse a gusto cuando está solo e
incomunicado por un amplio espacio de tiempo?

Retomemos nuestra premisa:

“El ser humano es por naturaleza un ser social, y este

proceso de socialización para ser tal necesita
invariablemente algún tipo de comunicación”.
El arte es comunicación; siendo esta comunicación
mayoritariamente espiritual. Y no tomando la palabra
espiritual como una acepción mística, sino como un
desenvolvimiento corpóreo-intelectual del ser. Asumiendo
como espíritu a su instinto y raciocinio por igual.

El arte funge aquí como una liberación del aburrimiento,

como acto gozoso. Podemos concluir que la captación de
la atención es la antítesis del aburrimiento, al ser una
consecuencia activa del interés, entonces bien como el arte
es llamativo, interesante y capta la atención de formas
diversas, entretiene.

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IV
FUNCION CRITICA DEL
ARTE:

Esta función es una de las más importantes que tiene el

arte como producto social. Retomando el hecho primigenio
de que el arte es comunicación de la verdad, esta utilidad
crítica es indispensable como exteriorización de la
conciencia humana.
Este tipo de arte es un acto de denuncia de lo que es
incorrecto y reprobable dentro de la conducta social
general. De los hechos que no son aceptables y que van
en contra de la moral ideal.
Para esto, el artista como producto social recibe de la
interacción con su entorno todo el sentir social. Esta

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información que absorbe de la convivencia con sus

semejantes impacta en su mente, la procesa y le indigna (si
se da el caso); y por ende este devenir analítico lo incita a
la creación artística que ha de denuncia r tal o cual hecho.
Es el poder del arte como conciencia de una sociedad. Y
es esta denuncia, este mismo poder el que es capaz de
transformar ideologías, conceptos y conductas completas.

Esta indignación ante hechos atroces o conductas

inapropiadas es un sentir común en las sociedades, y por
el mismo hecho instintivo de ser seres sociales, tienen la
necesidad de comunicar como medio de subsistencia.
Subsistencia en el hecho de que la comunicación es
utilizada por los seres vivos para advertirles a su especie
sobre lugares d alimentación, las hembras fértiles y los
peligros circundantes. Hagamos énfasis en peligros. La
Critica es una denuncia de un mal funcionamiento social, y
una disfunción representa un peligro para la sociedad
misma. Así pues, el instinto humano de conservación
comulga con la sensibilidad y el intelecto para crear un
medio de comunicación que sea capaz de impactar con lo
que se presenta. El arte se le lleva a las masas para buscar
esa comunicación con el espectador, inducirlo a pensar y
reflexionar, a razonar y crear verdaderamente una
conciencia que modifique la realidad, o por lo menos, hacer
consciente a esa sociedad de los sucesos que le
acontecen.

Ahora, la crítica no necesariamente produce un cambio de

conducta en el recepto, mas sin embargo hace presente
dicha transgresión. Y una vez denunciado el hecho, queda

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consigna al espectador de realizar el análisis de dicha obra

y de la transgresión por ella representada.
Así, el arte crítico se fundamenta como subconsciente
social, exteriorizado por la influencia que ejerce el individuo
particular que es formado por la misma sociedad.

Como ya mencionamos, esta crítica se encuentra ligada a

la función histórica, ya que la critica como objeto tangible
(la obra en sí) permanece, sobrevive al paso de los años.
Los sucesos actuales que trataba se convierten en cosa del
pasado, quedando constancia de que algo sucedió la
época en la que se haya creado.
Es decir, una pintura crítica, con el paso del tiempo se
volverá histórica al convertirse en testimonio de un tiempo
pretérito.

Podemos suponer que todas estas funcionalidades se

encuentran íntimamente ligadas las unas con las otras.
Esto porque todas hacen uso de los mismo elementos
sensibles. Y todas tienen el efecto de propiciar un
pensamiento y una emoción en el espectador. Todas
necesitan un tiempo de exposición y todas apelan a la
subjetividad misma del espectador y del creador, siendo
muy variadas e impredecibles las reacciones acaecidas.

Existen infinidad de ligaduras funcionales ya que todas las

funciones se encuentran interrelacionadas. Veamos
algunos ejemplos de esto:

Tenemos un claro ejemplo de la fusión entre la función

crítica y la histórica en una serie de grabados llamados

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

“Los desastres de la guerra”, hechos por Francisco de

Goya hacia 1810 y 1820.

En esta serie que se conforma de 82 grabados, creada por

el artista con más de 70 años arriba, y con una enfermedad
que terminó por dejarlo sordo, se muestran con descarnada
severidad las atrocidades cometidas en la invasión
napoleónica en la España de aquellos días. Esa invasión
comenzó en el año de 1808. Estos grabados decantan un
resumen crítico de los acontecimientos suscitados, aunque
aún existe la discrepancia de si Goya fue realmente testigo
físico de tales atrocidades. De cualquier forma, este
conjunto de grabados muestra de manera explícita los
horrores de una guerra fría en la que tanto pecaban los
invasores como los mismos españoles, tal como denuncia
esta obra, que lo hace patente y permanente. En su tiempo
su función fue crítica y de denuncia, y ahora con el pasó de
los años es un testimonio visual que forma parte de la
historia.

Grabado de Goya

Doce girasoles Vincent Van Gogh.

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

Tomemos ahora como referente una pintura decorativa

(que sea artística) como lo pueden ser los cuadros de
girasoles de Vincent Van Gogh. Estos cuadros utilizan
tendencias cromáticas en los que se nota un claro uso del
color amarillo como representación de la vitalidad y la
frescura del ambiente. Estos cuadros reflejan directamente
la psique del artista, su vitalidad, y en muchos casos su
extrema “locura”, la forma de las pinceladas impresionistas,
libres, sueltas, rápidas. Existen aquí varias funciones, por
ejemplo, una primordial es la función terapéutica que le
ejercía al artista pintar constantemente.

Si bien es cierto que muchos de sus trastornos psicóticos

no desaparecieron, si se vieron disminuidos de manera
considerable, lo que seguramente produjo que tuviese una
vida un tanto mas larga (a pesar del hecho de que de todos
modos murió muy joven). Pintar representaba para Van
Gogh un aliciente para continuar viviendo. Ahora, la obra
ya terminada, ahora es un motivo con el cual muchas
personas decoran sus casas, por ser, como ya
mencionamos, cuadros brillantes, expresivos y
tranquilizadores a la vista, haciendo irónico el hecho de que
fueron pintados por un hombre con delirios esquizofrénicos.

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

FUNCION COMERCIAL
DEL ARTE:

¿El arte comercial es verdadero arte?

Desde el punto de vista hegeliano, el arte es una creación

del hombre, venida de su espíritu, que debe parecer
“natural”, aunque no lo sea, y por tanto es superior al arte
de la naturaleza.
Tradicionalmente, los pintores no consideraban a la
creación comercial como arte, por el hecho de estar
diseñado para la venta o para promocionar alguna cosa en
específico (productos, campañas publicitarias, señalética,
etc.). Este tipo de creación se encuentra íntimamente
ligado a la pintura decorativa, puesto que muchos tipos de

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

arte son comerciales por la función decorativa que detentan

(hablando en términos de compra y venta de arte).
Una creación comercial, al igual que todo tipo de creación
tiene como finalidad influir en el espectador haciendo uso
de los recursos técnicos referentes a cada tipo de labor
artística, sea esta pintura, música, escultura, etc. Ahora
bien, basándonos en la problemática hegeliana del arte
como creación del espíritu y la premisa filosófica de que el
hombre está naturalmente determinado a la creación
artística, el arte es lo que es sin importar su funcionalidad,
siempre y cuando sea libre por parte del artista hasta el
grado en que lo decida, sin olvidar las calidades técnicas
respectivas.
Entonces bien, que la calidad técnica es hasta cierto punto
subjetiva, pues existe mucho arte que es creado a base de
las rupturas con estas calidades. Entonces, podemos
atribuirle al arte valor en base a la conjunción de todas las
virtudes que contiene de forma óptima, como lo es la
intención, el contenido conceptual y, en resumen, el éxito
que haya tenido dicha obra en su intención social e
individual, o en intenciones que vayan mas allá de lo que
es tangible y cuantificable.
Como ejemplo acerca de que el arte comercial puede
volverse Arte, tenemos a un pintor del siglo XIX, llamado
Henri de Tolouse-Launtrec: un pintor y cartelista de corte
vanguardista. Este pintor al haberse perfeccionado dentro
del academicismo y las calidades técnicas de la época,
decide que esto ya no le es suficiente, y dirige su atención
a un estilo pictórico mas libre, denotando temas de
burdeles, teatros y carreras de caballos. Primeramente se
convirtió en una especie de cronista de la ciudad,

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

especialmente de la vida nocturna de París. Esto fue

inicialmente pintura de representación, pero luego, en vista
de los temas que trataba, muchos comerciantes de estos
ámbitos le hicieron pedidos para que él les produjera su
publicidad. Un ejemplo claro de esto es un cartel que hizo
para Aristide Bruant, un cantante que tenía su propio
cabaret, o también el comediante Candieux para sus
presentaciones, teatros y cantantes de burdel. Este nuevo
arte vanguardista comenzó a tener infinidad de seguidores
que apreciaban la nueva plasticidad técnica que había
adquirido este pintor. Un estilo personal que tenía una
excelente calidad y seguridad en su línea, y equilibrio en
sus colores. Tolouse-Launtrec revalorizó el arte del cartel,
por la fuerza y expresividad que imponía en ellos. No solo
realizaba el informe publicitario en sus carteles, imprimía su
propio estilo, sus conceptualizaciones del producto a
anunciar con un ojo crítico y sensitivo excepcional.
También impactaba al espectador haciendo uso de
recursos visuales que siempre practicara. Dotaba a sus
carteles de expresión, de movimiento y dinamismo, lo que
produjo que coleccionistas solo esperaran a ver sus
carteles instalados en la calle para poder arrancarlos y
guardarlos en sus colecciones privadas.

La pintura comercial, específicamente la publicitaria, tiene

una relevancia importantísima dentro de la sociedad.
Directamente por el hecho de que una buena publicidad
incrementa las ventas de un producto X. Las ventas altas
de los productos producen un incremento en la
movilización de la economía. Y como es bien sabido, una
economía burbujeante mejora las expectativas de la

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

calidad de vida de la sociedad. Se generan empleos, se

genera consumo, y este constante ir y venir monetario
produce nuevas necesidades, y estas necesidades a su
vez producen nuevas investigaciones, conocimientos y
tecnologías.
Entonces bien, la economía, el proceso económico hace un
uso sustancial de la publicidad para permanecer como tal.
Es por medio de comerciales de TV, carteles, anuncios en
las revistas, etc., que la gente conoce en una importante
medida aquello que los comerciantes les ofrecen. Sea o no
sea para útil para ellos. Esta publicidad, al ser llamativa,
armónica, rítmica etc., produce en el espectador el
recuerdo consciente o inconsciente de dicho producto. Lo
hace parecer necesario y deseable. Este es un factor
determinante en el éxito de la publicidad, producir en el
espectador el deseo de obtener el satisfactor que se le
ofrece. Ahora podemos inferir que el uso de la publicidad
condiciona el volumen del compra-venta dentro del
mercado con la siguiente hipótesis:
“a mayor deseo del consumidor, mayores ventas”.
Si bien es cierto que la publicidad puede ser criticable
porque muchas de las veces (si no es la gran mayoría)
venden sus productos a base de exaltar la realidad, o
alterarla por completo. Pero es esta misma exaltación de
las cualidades del producto a publicitar lo que llama nuestra
atención. Una modelo con piel suave, una fiesta alegre y
utópica, quizás promesas de cualidades subjetivas como lo
sería la insinuación: “Usar el desodorante X te hará mas
atractivo para las mujeres”. Si esto es cierto, también es
cierto que el espectador posee la capacidad analítica para

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

permitir que aquella publicidad solo influya en la medida en

que se satisfacen sus necesidades.

Entre la sociedad, cada individuo tiene sus propias y muy

personales preferencias con respecto de los productos que
se le ofrecen en el mercado. Pero una economía
“saludable” siempre tiene varios proveedores distintos de
un mismo producto; y estos proveedores compiten entre sí
para obtener la preferencia del consumidor. Para obtener
esta preferencia es imperioso el uso de la publicidad y
totalmente necesario. Ahora, la mayoría de la publicidad
requiere de dotes artísticas para cumplir su objetivo
(gráfica, pintura, escultura, video, música, etc.), que es
llamar la atención y despertar el deseo.

Ahora, tomemos como referente el libro “Tratado de Teoría

Económica” de Francisco Zamora. Encontramos ciertas
nociones fundamentales sobre la clasificación de los
bienes. Tomemos algunos párrafos:

“Son bienes presatisfacientes los que se emplean en

preparar la satisfacción de las necesidades mediante la
obtención (con ayuda de ellos) de otros que de modo
directo la satisfacen”.

“Son bienes mixtos los que resultan de cualquier aplicación

del esfuerzo humano, por mínima que sea de los bienes
naturales”.

“Es un bien inmaterial aquellos que no caen bajo el dominio

de los sentidos; como lo son los conocimientos,

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

procedimientos, teorías; es decir, productos abstractos del

espíritu humano”.

Entonces bien, el arte comercial, según esta teoría

económica sería un bien mixto material presatisfaciente.
Mixto porque el hombre toma de la naturaleza los
materiales que necesita para la creación de la obra y la
transforma para elaborarla. Material porque lo que produce
es tangible, observable y audible. Y es presatisfaciente
porque el proveedor la utiliza para obtener lo que satisface
sus necesidades de venta: el deseo en el espectador de
comprar dicho producto.

Desde un punto de vista contable, una parte importante del

capital de una empresa se refleja en la marca de la
empresa de que se trate. En su logotipo. Con capital nos
referimos a todos aquellos bienes e inversiones que
producen ganancias a la empresa. ¿Por qué la marca,
incluyendo su logotipo forma parte del capital de una
empresa? Debemos tomar en cuenta que una marca puede
alcanzar precios elevadísimos en el mercado.
Tomemos un ejemplo:
Cuando usted entre a un establecimiento, con el afán de
comprar cierto producto que nunca antes había tenido
necesidad de comprar como puede ser un Software de
computadora y viera dos marcas diferentes ¿Cuál
escogería? La que tiene una feo dibujo en el empaque que
se ve descuidado y “corriente”, o la que tiene un diseño
atractivo, vanguardista y de “calidad”. Si usted lo que esta
buscando es un software económico preguntará por el mas
“feo”, pero si lo que busca es calidad, seguramente

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

preguntará en primera instancia por el que se me mejor

presentado. Si ambos tuviesen el mismo precio, ¿Cuál
escogería?

Podemos ver que el buen logro de un logotipo, de un

empaque se torna determinante en la precepción de la
calidad que pueda tener dicho producto. Al igual que el
poder expresivo de la publicidad que se tenga para que
dicha publicidad guarde lugar en la memoria del individuo.

Como ya lo hemos mencionado, existen ciertos

lineamientos para producir en el espectador la sensación y
la respuesta esperada. Si bien es cierto que estas “normas”
no son concluyentes ni cuantificables, ni universales, si es
indispensable conocerlas para realizar con ellas el análisis
respectivo para poder utilizarlas con pericia.
Al igual que la psicología utiliza teorías cualitativas, así lo
hacen las artes, porque también se encuentran
íntimamente ligadas a la psiquis del hombre. La creación
artística del hombre no puede escindirse ni diferenciarse de
sus experiencias previas, ni de su personalidad. Entonces,
desde este punto de vista, aunado a la teoría hegeliana del
arte como creación del espíritu, el hombre siempre crea
para sí mismo, sea cual sea la función que se le de a dicha
obra. Se hacen uso de reglas y nociones estilísticas que
pueden ser rotas a favor de la idea, la vanguardia y la
innovación, siempre con el afán de transmitir lo más
exitosamente posible el contenido de su conceptualización
(la obra en sí). Si el arte comercial se apega a esto como
creación, podemos decir que es arte. Aunque en el arte

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

comercial haya poco de este estilo y más bien se apeguen

a la imitación.

Si las dos fueran para gato, ¿Cuál elegiría?

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

Bibliografía:

“Textos de estética y Teoría del Arte” UNAM.

“Cuadernos de Arte como apreciar la pintura” John
Canaday, CEMPAE, 1979.
“Revista Descubrir el Arte” Arlanza Ediciones. No. 100 y
107 España. Junio 2007.
“Tratado de Teoría Económica” Francisco Zamora, Fondo
Cultura Económica, 1953, 13° ed. México.
“Anatomía Humana” “2°ed. Dr. Weston D. Gardner & Dr.
William A. Osburn. Editorial Interamericana, 1975.

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

CURRÍCULO

Nombre: Alhelí del Rosario Figueroa Hernández.

Fecha de nacimiento: 25 de octubre de 1988.

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Teléfono casa: (461) 158 63 56

Móvil: 044 (461) 185 55 94.

Correo electrónico: alheli251088@hotmail.com

Dirección: Ejido de Jofre #224, col. Ejidal, Celaya,

Guanajuato, México.

Edad: 21 años.

Nacionalidad: Mexicana.

ESTUDIOS:

2003-2006

BACHILLERATO; TECNICO EN CONTABILIDAD

FINANCIERA Y FISCAL.
Conalep, Celaya.
Titulo recibido: Certificado bachillerato, constancia de
Técnico en contabilidad.
2003

PRACTICA AUTODIDACTA DE RETRATO

MEMORIZADO Y CON MODELO

2003-2004

PRACTICA AUTODIDACTA DE LAPIZ GRAFITO Y

CARBON

2005

ESTUDIO AUTODIDACTA DE PROPORCION,

MUSCULATURA Y DINAMICA DE LA FIGURA HUMANA;

HISTORIETA ESTILO MANGA;

TECNICA DE LAPICES A COLORES.

2006

22
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TALLER LIBRE DE DIBUJO Y PINTURA

CASA DE LA CULTURA, CELAYA, GTO.
Titulo recibido: Constancia.

2007

TALLER DE VERANO, MODELADO Y VACIADO DE

MOLDES
CASA DE LA CULTURA DE CELAYA ,GTO.
Titulo recibido: Constancia.

2008

TALLER DE SERIGRAFIA PRINCIPIANTES.

CASA DEL DIEZMO DE CELAYA , GTO.
Titulo recibido: Constancia.

2010

CERTIFICADA EN ARTES VISUALES

CASA DE LA CULTURA, CELAYA, GTO. PROMEDIO: 9
(NUEVE)
2007-2010
Título recibido: certificado.

ACTUALMENTE CURSANDO EL SEGUNDO SEMESTRE

DE LA LICENCIATURA EN PSICOLOGIA EDUCATIVA.
UNIVERSIDAD PEDAGÓGICA NACIONAL, UNIDAD 112,
CELAYA, GTO.

EXPOSICIONES COLECTIVAS

2006

EL OFICIO DE SER, CASA DE LA CULTURA DE CELAYA.

GALERIA DEL CLAUSTRO.

2007

PIZCANDO SUEÑOS, 9na MUESTRA PLASTICA DE LA

MUJER. GALERIA CASA DEL DIEZMO, CELAYA, GTO.
MARZO.

2008

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SUEÑOS DE MUJER, 10ma MUESTRA PLASTICA DE LA

MUJER. GALERIA JORGE ALBERTO MANRIQUE, CASA
DE LA CULTURA, CELAYA, GTO. MARZO

CALENTAMIENTO GLOBAL, CENTRO INTERACTIVO

IMAGINA, CELAYA, GTO. JUNIO

TODOS EN MARZO, QUIOSCO DE LA ALAMEDA,

CELAYA, GTO. MARZO

FIESTAS REGIONALES DE LA PURISIMA CONCEPCIÓN,

PRESIDENCIA MUNICIPAL DE CELAYA, GTO.
OCTUBRE.

MICTLAN; LA ÚLTIMA MORADA. CENTRO INTERACTIVO

IMAGINA, CELAYA, GTO. NOVIEMBRE

“FIESTAS REGIONALES DE LA PURISIMA

CONCEPCIÓN” , CASA DE LA CULTURA, CELAYA, GTO.

2009

“TODOS EN MARZO” QUIOSCO DE LA ALAMEDA,

CELAYA, GTO. MARZO

“CONCURSO DE PINTURA DEL DÍA INTERNACIONAL

DE LA MUJER”, PRESIDENCIA MUNICIPAL, CELAYA
GTO. MARZO.

“NOSTALGIA DE MUJER”, CASA DE LA CULTURA DE

COMONFORT, GTO. MARZO

“EXPO-MUJER” QUIOSCO DE LA ALAMEDA, CELAYA

GTO. JUNIO

ATISBOS Y METÁFORAS, CAFÉ-GALERIA LA DIVINA

COMEDIA,CELAYA ,GTO. JULIO.

LA VIDA EN ROSA, UNIVERSIDAD DE CELAYA,

CELAYA, GTO. MARZO.

DE PEQUEÑO FORMATO 2da EDICIÓN, PERIFERIA

TALLER-GALERIA, CELAYA GTO. NOVIEMBRE.

MIRADAS FEMENINAS, PERIFERIA TALLER-GALERIA,

CELAYA GTO. MARZO.

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LA FUNCIÓN DEL ARTE DENTRO DE LA SOCIEDAD.

PRESENCIAS, CAFÉ-GALERIA LA DIVINA

COMEDIA,CELAYA ,GTO. MAYO.

RECONOCIMIENTO “JOVENES POR LA

COMPETITIVIDAD”, DISCURSO JOVENES
SOBRESALIENTES, ELEGIDA POR TRABAJO
ARTISTICO. JUNIO

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

2007

AIRE, VIDA Y SUEÑOS, GALERIA DEL CLAUSTRO,

CASA DE LA CULTURA DE CELAYA, GTO.
SEPTIEMBRE.

2008

SENSACIONES, CENTRO DE INFORMACIÓN DEL

TECNOLOGICO DE CELAYA, GTO. ABRIL

IDILIO, SALA DE USOS MULTIPLES, DEL

TECNOLOGICO DE ROQUE, CELAYA, GTO.
SEPTIEMBRE.

PINTURAS Y DIBUJOS (SENSUALIDAD), GALERIA

EXTERNA HERMENEGILDO BUSTOS, CASA DEL
DIEZMO, CELAYA, GTO. NOVIEMBRE

QUE HAY EN TUS SUEÑOS, UNIVERSIDAD DE LEON,

CELAYA, GTO. DICIEMBRE

PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS

2006

SEGUNDO LUGAR EN EL CONCURSO DE DIBUJO,

“EVITEMOS EL CONSUMO DEL TABACO” CONALEP,
CELAYA. MAYO

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PRIMER LUGAR CONALEP Y TERCERO MUNICIPAL,

POR PARTE DE VOZ JOVEN, EN CONCURSO DE
CARTEL. OCTUBRE

2007

SEGUNDO LUGAR EN EL CONCURSO DE DIBUJO DE

CALAVERAS POR PARTE DEL PERIODICO “EL SOL DEL
BAJIO” CELAYA, GTO. NOVIEMBRE

2009

“CELAYA, SIGUIENDO LOS PASOS DEL

BICENTENARIO-CENTENARIO”, SEGUNDO LUGAR,
CONCURSO DE PINTURA. DICIEMBRE

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